A ver, vamos a hablar claro. Marvel Studios lleva unos años como ese amigo que después de petarlo en todas las fiestas, se presenta pasado de vueltas, borracho y sin duchar. ¿Qué está pasando con el UCM? ¿Tiene la Fase 5 del UCM alguna posibilidad real de recuperar la gloria de Endgame o vamos directos a un Resacón en las Vegas?
Para empezar, situémonos. La Fase 5 arrancó oficialmente con Ant-Man y la Avispa: Quantumanía (2023), y con ella nos dijeron que Kang el Conquistador sería el nuevo Thanos. ¿El problema? El tipo no ha conquistado ni la taquilla ni los corazones de los fans, y tras las turbulencias legales del actor Jonathan Majors, la Casa de las Ideas ha tenido que hacer… bueno, lo que hace últimamente: improvisar. Y eso huele.
Y a partir de ahí, la Fase 5 fue un “vamos viendo”. Lo que debía ser una estructura sólida acabó siendo un menú degustación en el que algunos platos brillaron (como Guardianes de la Galaxia Vol. 3, que nos hizo llorar más que cuando se te cae el kebab al suelo) y otros quedaron fríos (The Marvels, estamos mirando en tu dirección). Y eso que no menciono la fallida Capitán América Brave New World. Otra más para olvidar.
Las series: el multiverso en bata y pantuflas
En la tele, Marvel también jugó a todo. Secret Invasion prometía espionaje, paranoia y giro tras giro, pero terminó más plana que una Fanta sin gas. Loki temporada 2, por otro lado, salvó los muebles y nos recordó que el caos temporal puede ser hermoso si te lo cuenta Tom Hiddleston con voz de terciopelo.
En medio de esto, se anunciaron, retrasaron y reconfiguraron series como Ironheart, Agatha, y hasta Daredevil: Born Again, que llevaba tantos cambios de showrunner que empezaba a parecer una telenovela venezolana.
Thunderbolts (o The New Avengers): el truco de magia final
Y entonces, cuando ya nadie sabía si llorar, reír o pedir la cuenta, llegó Thunderbolts. Que no es que fuera la película más esperada del año, pero oye, qué bien entró. Reunir a los “secundarios interesantes” (Yelena, Bucky, Guardián Rojo, Fantasma…) en un equipo con poca disciplina pero mucha química fue un acierto.
Y cuando parecía que todo era un spin-off con esteroides, zas: escena postcréditos, nueva sede, nuevo logo, y se nos suelta que estos son los Nuevos Vengadores. Marvel no solo cambió el nombre, cambió el foco. Ya no se trata de replicar la fórmula del pasado, sino de renovarla con caras que aún tienen hambre y cicatrices que contar.
Lo mejor es que el público respondió. La taquilla no está rompiendo récords, pero está superando las expectativas. La crítica, normalmente más afilada que las garras de Lobezno (Wolverine), fue generosa. Y sobre todo, los fans salieron con algo que hacía tiempo no sentían: ilusión.
¿Y ahora qué, Marvel?
Con la Fase 5 cerrada, La casa de las ideas mira hacia adelante. La Fase 6 promete grandes eventos como Los 4 Fantásticos (que por fin llega tras mil rumores y memes) y Avengers: Doomsday, donde todo apunta a que se desatará el infierno en forma de multiverso desquiciado.
Pero esta vez, Marvel lo tiene claro: menos promesas grandilocuentes y más historias que conecten. Más personajes con alma y menos fuegos artificiales sin sustancia. Porque, seamos honestos, no necesitamos otro Kang. Necesitamos algo que nos emocione de nuevo.
Conclusión: la Fase 5 fue… ¿una resaca necesaria?
La Fase 5 no será recordada como la mejor etapa de Marvel. Pero sí como una fase de transición, de limpieza, de reset narrativo. Como cuando te despiertas después de una noche rara y decides que es momento de hacer las cosas de otra forma.
Y si Los Nuevos Vengadores es el nuevo punto de partida, entonces brindemos. Porque puede que Marvel haya estado dando tumbos, pero todavía sabe cómo cerrar una fiesta con estilo.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros las novedades de Nuevo Nueve Editores, previstas para este mes de junio. Y por supuesto, tendremos que echarles un ojo …
Novedades de Nuevo Nueve de junio de 2025.
Un mes más, podemos comprobar que Ricardo Esteban y su equipo, siguen haciendo bien las cosas. Nos traen cómics de gran calidad, a unos precios muy competitivos y sin saturar el panorama editorial en cuanto a la publicación de novedades.
De entre los títulos que se van a publicar en junio, vamos a destacar lo que más nos llama la atención.
Precious Metal
«Treinta y cinco años antes de los eventos de «Little Bird», la rutinaria cacería de “mods”, seres modificados, por el cazador Max Weaver, da un giro sangriento e inesperado al cruzarse con un niño modificado.
Ahora, cargando con una modificación impredecible que podría ser la clave para desbloquear sus recuerdos perdidos, Max pronto descubrirá que no es el único interesado en las habilidades únicas del niño.
Y que si quiere saber más, le podría costar todo lo que tiene. De hecho, el futuro mismo podría depender de ello».
Tendremos disponible este título el próximo 23 de junio. Si deseáis más información sobre este título, pinchad aquí para obtenerlo directamente de la web de la editorial madrileña.
y ya que estamos destacando este título, podemos aprovechar para recordar la obra principal de este universo …
Little Bird.
«Las llamas de una revuelta. El fuego de la venganza. Nada parece ser capaz de detener la expansión del Imperio estadounidense bajo el yugo de un gobierno ultranacionalista y teocrático.
En América del Norte la guerra ha durado 30 años y no deja más que llamas y desolación.
Para Little Bird, ha llegado el momento de salir a la carretera.
Con tan solo doce años, ¿lograrán los jóvenes métis revivir la resistencia canadiense y descubrir su verdadera identidad?»
Creo que es un momento perfecto para redescubrir esta obra. Pinchad aquí para obtener el título directamente desde la web de la editorial.
Y hasta aquí, nuestras recomendaciones de Nuevo Nueve Editores, previstas para este mes de junio.
Justo un poco más abajo, os dejo el pdf completo con todo el listado de títulos que tienen previsto publicar este mes.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy, nos hemos levantado con una sorpresa en la industria del entretenimiento: Netflix anuncia un episodio final para cerrar The Sandman y adaptará Muerte: El alto coste de la vida.
Netflix nos da la sorpresa en la temporada final de Sandman.
Netflix ha dado un giro inesperado en la adaptación de Sandman, la icónica obra de Neil Gaiman.
A falta de un mes para el estreno de la segunda y última temporada, la plataforma ha anunciado que la serie contará con un episodio adicional que pondrá el broche de oro a la historia.
El capítulo especial, titulado Death: The High Cost of Living (Muerte: el alto coste de la vida), adaptará la famosa miniserie escrita por Gaiman y dibujada por Chris Bachalo y Mark Buckingham.
La trama sigue a Didi, una adolescente que se presenta como la personificación de Muerte en su «año sabático entre mortales», y a Sexton, un joven suicida que emprenderá un inesperado viaje de autodescubrimiento junto a ella.
Para Gaiman, este episodio representa la realización de un sueño frustrado.
Durante años intentó llevar esta historia al cine, incluso con el apoyo de Guillermo del Toro como productor ejecutivo y la colaboración de New Line Cinema.
Sin embargo, la huelga de guionistas de 2007-2008 truncó el proyecto, dejándolo en punto muerto en 2010.
Ahora, con esta adaptación en Netflix, Gaiman logra finalmente que esta historia cobre vida en la pantalla.
La singular familia de Morfeo
Los episodios de la temporada final de Sandman estarán disponibles entre el 3 y el 24 de julio, mientras que el capítulo especial se estrenará el 31 de julio, cerrando definitivamente la serie.
La noticia ha generado gran expectación entre los seguidores de la saga, quienes aguardan con ansias este inesperado regalo de despedida.
Neil Gaiman
Neil Gaiman es una figura clave en la industria del entretenimiento, con una carrera que abarca literatura, cómics, cine y televisión.
Su trayectoria comenzó en los años 80 como periodista y crítico, pero su pasión por la narrativa lo llevó a escribir cómics, destacando The Sandman, una serie revolucionaria que redefinió el género.
Sandman | NETFLIX
A lo largo de los años, Gaiman ha escrito novelas como American Gods, Coraline y Stardust, muchas de las cuales han sido adaptadas al cine y la televisión.
Su influencia se extiende más allá de la literatura, participando en guiones y adaptaciones de sus propias obras, como la serie de Good Omens y la película Coraline.
Además, ha trabajado en proyectos de televisión como Doctor Who, escribiendo episodios memorables.
Su estilo único, que mezcla fantasía, mitología y horror, lo ha convertido en un referente de la ficción contemporánea.
Temporada 2. Sandman | NETFLIX
Aunque los recientes escándalos sobre su vida privada (más que reprobables de ser ciertos), han enturbiado su imagen, no hay ninguna duda que gracias al autor, de manera directa o indirecta, hemos disfrutado de productos de grandísima calidad.
No obstante, quiero separar al autor de su obra. De esta manera, podremos disfrutar de la obra de Neil Gaiman en todas sus facetas.
Desde aquí, os invitamos a adentrar vuestra imaginación y vuestros sentidos en las maravillosas obras del autor británico. Pero sobre todo, os deseamos una cosa sobre todas las demás …
Tras veintinueve años y siete películas, la saga Misión Imposible terminó este 2025 con Sentencia final, dando así por cerrada una de las sagas más consistentes del cine comercial americano de las últimas décadas. Es más, no sería descabellado afirmar que tal vez Misión Imposible sea la mejor saga de la historia del cine. Al fin y al cabo, si nos fijamos en alguna que otra franquicia, veremos que hay películas de toda clase. Le pasa a Star Wars, a El señor de los anillos (ay, esa trilogía de El Hobbit), a Indiana Jones, James Bond o Jason Bourne. Ninguna de estas cuenta con la consistencia de una saga que, incluso cuando ha buscado el riesgo, ha acertado de pleno.
Por ello, en Las cosas que nos hacen felices hemos repasado, paso a paso, el camino que nos lleva hasta la última gran misión de un Tom Cruise que, a sus 63 años, se sigue atreviendo a todo con su personaje más icónico. Y en este viaje nos daremos cuenta de los vaivenes de la saga, adaptándose a los distintos modelos del cine de acción de los últimos 30 años.
Misión Imposible: Sentencia mortal parte 1 fue, hasta cierto punto, un fracaso. Sí, recaudó más que lo que costó, pero no lo suficiente para suponer un éxito. La productora había invertido cientos de millones de dólares en una época en que todas las grandes superproducciones fracasaban en taquilla tras la pandemia. El éxito de Top Gun: Maverick demostró ser un oasis en el desierto cinematográfico de los últimos años.
Es por eso que intentaron enfatizar el carácter de despedida en esta película, cambiando el título y, aparentemente, despidiendo a Tom Cruise de su personaje estrella.
De hecho, fue durante el rodaje de la misma que se anunció que el actor iba a cambiar de registro y protagonizar la próxima película de Alejandro González Iñarritu. Se acabaron, al menos por el momento, las películas de acción en las que el bueno de Tom se jugaba el físico.
Por lo tanto, la actualizada como Misión Imposible: Sentencia final no solo prometía ser el final de una de las sagas más sólidas de la historia del cine, sino también el de una era marcada por la reivindicación del efecto especial de toda la vida en lugar del digital. Es decir, el apostar por la capacidad de convertir en posible lo imposible por nuestros propios medios, sin ayuda de un ordenador.
Con esta película queda claro que Cruise y McQuarrie, directores orquestas desde la quinta entrega, eran muy conscientes de que ninguna saga de acción ha sido tan determinante en el siglo XXI como Misión Imposible. Y han considerado que, más allá de la maestría narrativa y la capacidad para tejer largas escenas de acción marcadas por la continua improvisación, lo que hace a la saga diferente es, precisamente, la capacidad de su protagonista para entregar su cuerpo y su vida por el único fin de entretener.
Sin duda, una apuesta arriesgada, dado que McQuarrie, tras tres películas manteniendo la misma estructura (la quinta marcada por el suspense, añadiendo a la sexta lo mejor del cine de acción artesanal y la comedia a la séptima), decide cambiar de tercio.
A dos niveles…
DEMOS LA BIENVENIDA A LA NOSTALGIA.
Por desgracia, tenía que pasar.
En un mundo cinematográfico marcado por las secuelas, precuelas y spin offs, es usual apelar a la nostalgia para hacer sentir a los espectadores que están en un terreno ya conocido. No sea que no nos vaya a gustar que nos muestren cosas nuevas .
Hasta ahora, Misión Imposible apenas había apelado a la nostalgia y la reaparición de distintos personajes, como la mujer de Ethan, siempre estaba justificada argumentalmente en lugar de ser únicamente para satisfacernos.
Pues bien, tal vez motivados por la necesidad de recuperar lo perdido en la anterior entrega, han querido homenajear descaradamente a todas las películas anteriores.
Esto es especialmente llamativo en la primera parte del filme, en la que se nos repite constantemente que todas las acciones de Ethan Hunt (repitiendo escenas de las anteriores entregas de la saga) le han llevado hasta aquí. Es más, juegan con el macguffin de La pata de conejo, mera excusa argumental de una trama en la que la misión real era proteger su identidad secreta, como origen de la Entidad. Y aparece William Downlow, el hombre al que Ethan robó la lista NOC en la que, aún todavía, es la escena más mítica de la saga. Eso sin olvidar que el agente que persigue a Hunt es el hijo de Jim Phelps, villano de la primera película.
Y claro, no podemos dejar de hablar de la muerte de Luther, el personaje más reconocible de la saga tras Ethan Hunt. Su pérdida al inicio de la película es un aviso de que, esta vez, nadie está a salvo. Aunque luego eso no se cumpla del todo.
Esta apelación a la nostalgia no es algo que moleste mucho, pero tampoco podemos decir que sea algo bueno.
LA CLAVE: TOM CRUISE
Tras ocho películas y las señas de identidad de la saga bien definidas, la narrativa cambia. Un riesgo del que, por suerte, Misión Imposible: Sentencia final sale airosa.
Se acabaron las largas secuencias de acción y hasta las máscaras.
Toda la película se basa en dos secuencias en las que el bueno de Tom se juega el físico.
La primera, bajo el agua, es una impresionante secuencia muda submarina llena de tensión y que refuerza la idea de que, por muy potente que sea la máquina a la que nos enfrentemos, solo juntos podremos derrotarla.
Y esto se refuerza con la aparición de distintos personajes, como Hannah Wadingham, Tramel Tillman o Katy O’Brien. Distintas figuras que apenas conocen a Ethan Hunt pero que confían en él para poder cumplir los tiempos cronometrados que permitan derrotar a La Entidad.
La segunda, una secuencia aún más vertiginosa que involucra a dos avionetas de los años 30, puro Indiana Jones de verdad, con el bueno de Tom sobre las alas de un avión a miles de metros de altura… con la misma edad que tenía Ian McKellen cuando interpretó a Gandalf. Es que es increíble.
¿Y qué queda entre medias? El principal problema de Misión Imposible: Sentencia final…
Ni rastro de persecuciones o tiroteos como en otras entregas de la saga. Muchas conversaciones en torno a la posibilidad de un holocausto nuclear que ya hemos visto en otras películas. De hecho, una escena de pelea (la del principio con el personaje de Hailey Atwell) se rueda fuera de campo, en una decisión inédita en la saga que viene a decirnos que, a lo mejor, Cruise ya no está tan preparado para largas coreografías de combate.
Además, el hecho de que la película se ancle en las dos grandes secuencias de Cruise hace que el resto de su equipo pierda muchos enteros con lo visto en anteriores películas. Prácticamente todos los personajes pierden con respecto a la anterior.
Y, sin embargo, funciona.
Porque si Misión Imposible: Sentencia final triunfa pese a arriesgarse y perder con respecto a las anteriores películas de la saga es porque las distintas conversaciones entre políticos al borde de la destrucción del mundo y entre seres humanos que apenas se conocen dispuestos a ayudarse vienen a aportar una solemnidad que se expande en las dos grandes secuencias de la película. A lo largo de las casi tres horas de Sentencia final hay tiempo para la contemplación de un cine que, probablemente, no volvamos a ver en mucho tiempo.
LA ESCENA
Sintiéndolo mucho, no puedo elegir. Ya que McQuarrie y Cruise han apostado todo a dos secuencias, que menos que las dos fueran magistrales. Tanto la submarina, tensa en su silencio con un Ethan Hunt en la inmensidad del mar, como la aérea, frenética con un Ethan Hunt en la inmensidad del aire, son dos piezas maestras del cine de aventuras que se recordarán para siempre.
Así que, entre el mar y el cielo, nos despedimos de una saga en la que ojalá volvamos a tener noticias por su capacidad para separar nuestros pies del suelo y tanto volar como sumergirnos en aventuras con las que solo podíamos soñar.
Hasta que llegó Tom, el hombre que consiguió hacer posible cada Misión Imposible.
Llegamos a mitad de la segunda temporada de The Walking Dead: Dead City con un cuarto episodio en que, además de algunas revelaciones, se produce por primera vez en la misma el esperado y tenso reencuentro entre Maggie y Negan. Creada por Eli Jorné, la serie que toma como principal escenario a la New York postapocalíptica esemitida por AMC+.
Bienvenidos una vez más, caminantes y sobrevivientes, a analizar otro episodio de la segunda temporada de The Walking Dead: Dead City, en este caso el cuarto cuyo título Feisty Friendly es, traducido, algo así como “Agresivo Amigable”. Una entrega que tiene como punto interesante la reaparición de Bruegel y las facciones rivales de New York, de las cuales nada habíamos vuelto a saber después del inicio de la temporada, pero también y como principal atractivo el reencuentro entre Maggie y Negan, que viene cargado de tensión pero también del saberse necesarios uno al otro por mucho que les incomode o moleste.
Pasemos pues ya mismo a ver qué nos ha dejado no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden echar ojo en esta web a nuestros análisis previos, tanto de esta como de las demás series que componen la franquicia.
En New York y junto a una comitiva de “burazi”, la Dama, el Croata y Negan se dirigen a un encuentro cumbre con Bruegel en el Museo Metropolitano de Arte, que funciona como su cuartel central. La Dama le recuerda al Croata que no olvide nada y este hace salir de una baulera a Pierce, el cronista historiador de la expedición de Nueva Babilonia que capturaran tras la batalla del río.
Negan se queda pensativo viendo en el habitáculo de una camioneta a un zombie atrapado que luego que luego tendrá importancia en la trama mientras la Dama le anoticia del motivo por el cual le ha llevado y es que confía más en su capacidad de negociación que en el temperamento impulsivo del Croata. A modo de advertencia, y para que haga bien su trabajo, le recuerda que su esposa e hijo se hallan en ese momento cruzando los peligrosos Apalaches…
Bruegel y los suyos salen a recibirles y nos enteramos que fue él quien obsequió a la Dama el Goya que tiene en su base de la catedral. Negan se ve venir una visita guiada y en efecto así es, explayándose especialmente el anfitrión sobre la pintura de Washington cruzando el Delaware que tanto tuviera que ver con el episodio anterior. Se muestra fascinado por el concepto de un pequeño grupo de continentales yendo contra una isla poderosa e incluso juega a invertir la relación.
El lugar, además, está lleno de espejos que, explica, tienen como finalidad potenciar la luz solar, lo cual se solucionaría con la electricidad que pudiese generar el metano que sus huéspedes tienen para ofrecer. Estos dicen que de la reunión podría surgir un acuerdo que histórico y manifiestan por ello haber llevado al cronista, aunque sin decir que es un prisionero capturado de la expedición de Nueva Babilonia.
Hablando de Pierce, la Dama ha reconocido la mano de Hershel en algunos de los dibujos que lleva consigo, lo cual tiene sentido por ser idénticos a los que el muchacho hiciera ante sus ojos mientras estaba secuestrado en Manhattan. No es la única en reconocer algo: durante una cena de ratas con que son “agasajados”, Pierce recuerda por fin de dónde conoce a la Dama…
Resulta ser que esta fue en el pasado una crítica teatral famosa por su estilo directo y capaz de levantar o destruir carreras con igual facilidad, pero cuando una puesta escénica recreó una feroz sátira en su contra, se disgustó tanto que acabó no solo discutiendo con el guionista, sino mordiéndole. La anécdota claramente la incomoda, pero parece divertir a Negan, por lo que ella busca poner las piezas a su favor mencionando a Hershel y su participación en las señales de humo que les alertaran sobre la llegada de los expedicionarios.
El Croata se fastidia cuando Bruegel parece burlarse de su acento y se venga enrostrándole lo sospechoso de las veintiséis victorias consecutivas de su zombie gladiador mientras Negan, más diplomático, lo adjudica simplemente al mayor tamaño del luchador, comparándolo incluso con el monstruo de Frankenstein.
Como para alejar sospechas, Bruegel les invita a una exhibición y pueden así ver cómo el súper gladiador destroza sin piedad a un caminante para devorarle luego la cabeza a dentelladas, todo mientras él oficia como maestro de ceremonias en plan de emperador romano.
El Croata, no obstante, sigue desconfiando y acusa a Bruegel de inyectar sustancias a su luchador. La cosa se pone áspera y Negan busca recurrir una vez más a la diplomacia, pero Bruegel está ya lo bastante ofendido y, para una eventual alianza, pone como condición que se instale una planta de metano allí mismo, en el Museo. El Croata estalla y le echa en cara que no está en situación de imponer nada, así que el acuerdo se vuelve imposible.
Negan, ya para esta altura genio de la negociación, propone que todo se resuelva en la arena de combate con un enfrentamiento entre el luchador de Bruegel y uno que ellos decidan: si el suyo pierde, aceptarán instalar la planta; si vence, Bruegel se sumará aceptará la alianza sin condiciones. El plan, que parece sacado de la galera, sorprende al Croata y a la Dama que, no obstante, confía y da aval…
Noticias de Central Park
El grupo de sobrevivientes de la fallida expedición exploratoria sigue Nueva Babilonia con los Recolectores. Creí que ya no volveríamos a saber de Roksana y no es así, aunque su participación en el episodio termina siendo tan fugaz que bien podría no haber estado.
Después de que Hershel le contara a Maggie haber visto a Negan, esta llama a Armstrong para ponerle al tanto. La situación del ahora coronel se vuelve complicada pues se supone no solo que Negan está muerto, sino incluso que fue él quien lo máto y ello llevó a su ascenso.
Maggie tiene con Hershel algunas charlas sobre su padre Glenn, pero el muchacho termina no ve nada de bueno en el mundo previo al apocalipsis porque todos vivían peleando. Ella queda obviamente mal y Armstrong, después en privado, la consuela con que “traer hijos al mundo es aterrador” en el contexto en que se hallan y que entiende ahora su obsesión con Negan a quien también él también hubiera entregado si de ello dependiera la vida de un hijo suyo. La cuestión es que los tres se aprontan a partir por su cuenta a los fines de dar con Negan y con el metano, garantía para ella de que ya no molestarán a Hershel.
Mientras ello ocurre, la mayor Narváez sorprende a Ginny con una pistola que es suya. Tras contarle de sus días marginales en las afueras de Jacksonville y cómo fue sacada de esa vida por la ahora fallecida gobernadora Byrd, logra sonsacarle a la niña el motivo por el cual tiene el arma y es que esta quiere matar a quien mató a su padre. Narváez cambia de expresión al darse así por enterada de que Negan sigue vivo y, diciéndole que ningún crimen debe jamás quedar impune, devuelve el arma a Ginny como hubiese aprobado algún examen…
Gladiador
Mientras todo se apronta en el museo para la lucha mientras, Maggie y Armstrong ingresan por una claraboya y Hershel se encarga de provocar una distracción que, para espanto de Bruegel, termina siendo darle fuego a la pintura del cruce del Delaware (vaya sacrilegio).
Negan manifiesta ganas de ir al baño y, por primera vez en la temporada, se encuentra cara a cara con Maggie, quien se muestra sorprendida de lo libremente que le ve moverse en contra de lo que presumía. La seguridad de Hershel toca alguna fibra íntima en Negan y, aun a riesgo de la suya propia o de su familia, termina dando a Maggie la dirección de la iglesia en la cual tienen el metano.
Vuelta la atención a la arena de lucha, resulta que el combatiente de Negan es el caminante al que antes observara en el interior de aquella camioneta y al cual, a los fines de hacer resbaladizo, ha cubierto de aceite para así evitar que el monstruo de Bruegel pueda asirlo, lo cual da resultado aun cuando no lleve arma ni armadura alguna.
Las reglas del combate prohíben todo contacto físico por parte de quienes se hallen fuera de la arena, pero ello permite ciertas lagunas y Bruegel se permite distraer y atraer al caminante de Negan cuando el suyo se la está viendo mal. Negan hace entonces lo propio y hasta salta a la propia arena para atraer así al de Bruegel y, de paso, servir de distracción para que Maggie, que mira desde lo alto, pueda salir del lugar. Logra su objetivo, aunque la Dama la ha visto y lo mismo Maggie a ella, siendo obvio que ha reconocido en su rostro el del dibujo de su hijo…
El combate termina de todas formas favorable al contendiente de Bruegel, pero de manera inesperada y después de que Negan se le acerca para hablarle al oído, este cambia súbitamente su postura y anuncia que aceptará la alianza sin condición alguna. La Dama está gratamente sorprendida aun cuando ni ella no nosotros sepamos la letra pequeña del acuerdo. Al marcharse el grupo del museo, invita incluso a Negan a sentarse a su lado ante la mirada recelosa del Croata.
En la terraza, el trío se reúne, pero cierta demora de Hershel intranquiliza a Maggie y nos deja sospechando que el muchacho podría no estar de su lado. El capítulo termina sin que lo sepamos, como tampoco qué le dijo Negan a Bruegel, pero sí vemos a este último reunirse con su luchador, que no es ningún caminante sino un ex guardaespaldas hambriento y algo débil de mente. Le dice que, ahora que se sabe su secreto, ya no lo necesita, así que le rebana el cuello para luego, desde su ventana al Central Park, sentirse cerca de un poder quizás superior al que de momento tiene…
Balance del Episodio
Interesante capítulo. Como el anterior, pero aún más, reencamina la temporada hacia un final que promete mucho tras lo fallido del segundo, claramente el más flojo de la serie hasta hoy. Desde ya que el momento fuerte, por esperado, ha sido el reencuentro cara a cara entre Negan y Maggie y el ámbito no pudo haber sido mejor, solos y apartados del resto mientras ardía de manera sacrílega la emblemática pintura de Leutze.
Es sumamente interesante el proceso de ambos. Maggie siempre seguirá odiando a Negan y eso no puede ni va a cambiar, pero a veces hay que saber privilegiar otras cosas por sobre el odio, en este caso el amor por los seres queridos, que fue justamente lo que no supo hacer ella para construir una relación con su hijo. Si está allí es justamente por Hershel y si Negan acepta su nuevo rol casi como lugarteniente de la Dama, es por su esposa e hijo, a quienes sabe en ese momento en viaje, pero pendiendo sobre ellos la amenaza de una maquiavélica mujer que no muestra escrúpulos a la hora de conseguir lealtades que sirvan a sus intereses.
Maggie y Negan están en un punto en el cual, por mucho que les moleste (y por razones obvias le molesta bastante más a ella que a él) se necesitan mutuamente y no les queda otra que colaborar entre sí. Ella lo necesitó a él para saber dónde está el metano y si bien no parece creerse toda esa mierda de la Federación sobre reconstruir la sociedad en base a un futuro nuevo, bien sabe que allí reside la clave para mantener a Hershel a salvo e incluso a Ginny, convertida por fuerza de las circunstancias y casi compulsivamente en su protegida.
Lo que no termina de quedar todavía claro es hasta dónde llega la supuesta redención de Negan. Hemos tenido, tanto en la temporada anterior como en lo que llevamos de esta un par de amagos de que volvía a la vieja versión (¿por cierto, qué pasa con Lucille?), pero a la larga se terminó imponiendo la nueva, más introspectiva, casi zen y sumamente hábil para la diplomacia, cotizada y perdida habilidad preapocalíptica que le ha permitido, a los ojos de la Dama, encumbrarse por encima del Croata y generar en este lógicos celos que no sabemos cómo pueden terminar.
Es que de hecho y por fuera del asunto Maggie-Negan, hay toda una trama de interés en el juego de poder entre Bruegel y la Dama, pero también entre esta y sus propios seguidores al punto de haber allí un conflicto de tres puntas.
¿Y qué fue lo que Negan susurró al oído de Bruegel? La sonrisa con que este último mira desde su ventana al final hace presumir que no se trató simplemente de la amenaza de revelar la verdad sobre el modo en que su luchador ganaba los combates, sino que debe haber habido además la promesa de algo que aún desconocemos. Lo que no me convence tanto es que la Dama, con lo hábil y manipuladora que es, no haya sospeche nada. O quizás sí lo haga y el supuesto ascendente de Negan sobre ella termine por ser solo un bluff.
Bruegel, como villano, es una gran incorporación y con él la serie gana mucho. Lo estábamos extrañando y casi ni le conocíamos la voz después de habernos sido presentado en el primer capítulo. Su talante sádico nos ha hecho revivir algunos de los mejores momentos que Kim Coates nos hiciera pasar en esa gloriosa serie que fue Hijos de la Anarquía y puede dar lugar a una interesante química con Negan, no sé si como aliado o enemigo. Ojalá no lo saquen de en medio demasiado pronto porque sería una lamentable pérdida para la historia.
Y el giro con respecto a su luchador ha sido muy impactante, pues no ha terminado siendo ningún súper caminante, sino Tony, un simple guardaespaldas hambriento y de pocas luces que trabajaba para él antes del apocalipsis. Un tipo tan brutal y necesitado que es capaz de devorar la cabeza de sus rivales caminantes y si no se termina convirtiendo él también en uno es porque logra terminar siempre sus combates en pie, vivo y coleando.
A propósito, ¿por qué prefirió Bruegel tajearle la navaja en lugar de enterrarle la navaja en el cráneo para que ya no reviva? Si ha sido un error de su parte es bastante tonto y si Tony acaba volviéndose contra él una vez que (ahora sí) se convierta en súper zombie, cerrará el círculo que abrió Negan al compararlo con el monstruo de Frankenstein, pero la torpeza de Bruegel en no matarlo del todo tornará el asunto poco creíble. Por muy divertido que se vea ese escenario, preferiría que no llevaran la trama por ese lado…
Otro de los aciertos del capítulo y, en general, de la serie es la utilización de lugares icónicos de New York provocando una particular fusión entre lo siniestro y lo familiar que es más difícil de lograr en otras series de la franquicia por transcurrir la mayor parte de las mismas en ámbitos rurales. Sucedió en su momento con elMadison Square Garden, luego con la Catedral de St. Patricky ahora con el Museo Metropolitano de Arte: imposible no hacer analogía con el lugar dado al Louvre en uno de los mejores capítulos de la débil segunda temporada de The Walking Dead: Daryl Dixon.
Hay, de hecho, en ambas series una insistencia en remarcar la supervivencia del arte en medio del apocalipsis, casi como si las obras de la humanidad fueran a larga lo único que terminará quedando. Y no solo hablo de la pintura o el teatro (el detalle de que una psicópata como la Dama fuera en el pasado crítica teatral es simplemente genial), sino también de la música, que ya le ha costado en la temporada la vida a un violinista y que en este episodio marca brutal contraste cuando suena de fondo Bach para los combates gore que en la arena se libran entre caminantes o casi caminantes…
Por cierto, la temporada plantea un permanente contrapunto entre Bach y Mozart, casi como si sus modos de entender la música tuvieran correlato en las distintas visiones que los personajes o grupos tienen sobre cómo debería ser el mundo postapocalíptico, si uno que busque reconstruir lo ya conocido y quizás lo mejore (Bach) o uno nuevo y revolucionario que no se edifique sobre las ruinas del anterior (Mozart). La Dama lo dejó bien claro en el episodio anterior al acabar con la vida de aquel pobre guardia que ejecutaba en violín al primero.
Muy buen capítulo, en definitiva, más allá de algún punto flojo que dependerá de cómo siga la cosa. Todo promete un escenario de conflictos que, esperemos, esté a la altura, y dentro del cual queda flotando una posible traición de parte de Hershel que nos pone los pelos de punta.
Y otra cosa: la sombra de Glenn lo sigue sobrevolando todo. ¿Será posible que veamos en algún momento un cameo de Steven Yeun, quizás en algún flashback o como “fantasma”? Sería su primera aparición en la franquicia desde que su personaje se despidiera fatídicamente de la misma allá por 2016 y, por lo tanto, un gran momento para el fanservice. Es cierto que la agenda del actor surcoreano viene complicada (en 2021 fue incluso nominado para el Oscar) y que tampoco mostró nunca demasiado interés en regresar en el modo que fuese, pero nunca se sabe…
A ver qué nos depara el próximo episodio. Hasta entonces y sean felices…
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros las novedades de Astiberri Ediciones, previstas para este mes de mayo. Vamos a echarles un ojo …
Novedades Astiberri Ediciones junio de 2025.
Astiberri Ediciones nos trae este mes una selección de cómics y novelas gráficas que prometen sorprender y emocionar a los lectores. Desde relatos introspectivos hasta aventuras fantásticas, la editorial sigue apostando por la diversidad y la calidad en sus publicaciones.
Entre los títulos más destacados encontramos El caso David Zimmerman, de Lucas y Arthur Harari, una historia que mezcla el thriller con el género fantástico, explorando la identidad y la transformación personal.
También llega Insectópolis, de Peter Kuper, un viaje visual y narrativo que nos sumerge en la fascinante relación entre los humanos y los insectos a lo largo de la historia.
Para los amantes del manga y la narrativa japonesa, Ken Niimura nos presenta Henshin, una recopilación de trece historias ambientadas en Tokio que exploran la vida cotidiana y los cambios inesperados que pueden transformar nuestro destino.
Además, José Luis Munuera y Cédric Sapin-Defour nos traen Su olor después de la lluvia, una emotiva historia sobre la conexión entre un hombre y su perro, llena de sensibilidad y nostalgia.
En el apartado de reediciones, destacan Fellini en Roma, de Tyto Alba, y Una posibilidad, de Cristina Durán y Miguel Ángel Giner Bou, dos obras que regresan con ediciones mejoradas para seguir cautivando a los lectores.
Con esta selección, Astiberri Ediciones reafirma su compromiso con la calidad y la originalidad, ofreciendo historias que invitan a la reflexión y al disfrute.
¿Cuál de estas novedades te llama más la atención?
Justo un poco más abajo, os dejo el pdf completo con todas las novedades de Astiberri Ediciones, previstas para este mes de junio.
Parece que las primeras críticas negativas a Los cuatro Fantásticos: Primeros Pasos fueron un poco exageradas. Las personas que compartieron estos detalles sobre la película explicaron cómo se malinterpretaron sus comentarios.
A principios de esta semana tuvo lugar una proyección de prueba entre seguidores de Marvel, y las reacciones empezaron a circular en Internet, principalmente a través de Jeff Sneider, Daniel Richtman y @MyTimeToShineH, quienes dijeron que la película era meh (aburrida o mediocre).
Ahora, la fuente de esa información ha salido para aclarar las cosas. Dijo en un mensaje:
“He visto muchos informes que no coinciden con lo que viví. Nadie gritó miden el cine. Había un tipo a mi lado que suspiraba pero eso fue todo. Cuando terminó la peli, le pregunté qué le había parecido y me dijo que era mid.
Contó que esto lo mencionó en un chat de Discord justo después de salir. Algunos exageraron la historia, diciendo que alguien gritó en la sala, lo cual es totalmente falso. También mencionó que había un empleado preguntando por las opiniones, y que escuchó varios “Excelentes” en la encuesta»
Además, expresó que la película es entretenida, “pero no un desastre”. Sus críticas eran cosas como que Reed Richards no tenía “ninguna forma loca” y que La Cosa no sonaba como un neoyorquino. Sin embargo, mencionó que es un gran fan de los cómics y que esos detalles probablemente no afecten a la mayoría de los asistentes (aunque la falta de desarrollo de personajes podría ser un problema).
Hasta el momento, Richtman se ha disculpado, @MyTimeToShine ha borrado su mensaje y Sneider no ha dicho nada. La información parece haber ido de un lado a otro, perdiendo el sentido original.
No decimos que se haya malinterpretado a propósito la reacción a Los 4 Fantásticos: Primeros Pasos, pero la negatividad suele atraer más atención que las críticas positivas. Al final, esto es solo la opinión de algunos que estuvieron allí.
Sobre las afirmaciones de que Marvel solo muestra sus malas películas, hicimos un poco de investigación y encontramos que Deadpool & Wolverine también tuvo una proyección pública y las críticas fueron buenas.
La película, ubicada en un mundo retrofuturista de los años 60, presenta a la primera familia de Marvel: Reed Richards/Mister Fantástico (Pedro Pascal), Sue Storm/Mujer Invisible (Vanessa Kirby), Johnny Storm/Antorcha Humana (Joseph Quinn) y Ben Grimm/La Cosa (Ebon Moss-Bachrach), quienes deben enfrentar el reto más grande de sus vidas.
Además, tienen que compaginar ser héroes con su conexión familiar mientras defienden la Tierra del Devorador de Mundos, Galactus (Ralph Ineson) y su Heraldo, Silver Surfer (Julia Garner). Si lo de Galactus no fuera suficiente, se vuelve algo personal.
Paul Walter Hauser, John Malkovich y Natasha Lyonne han sido elegidos para papeles misteriosos. Se dice que el Doctor Doom, interpretado por Robert Downey Jr., aparecerá en la película, aunque le veremos en todo su esplendor en Vengadores: Doomsday.
El nuevo arte promocional de Superman revela un vistazo más de cerca a los protagonistas de la película, incluyendo uno de los icónicos trajes de Lex Luthor de los cómics. Un rumor sobre Supergirl, por su parte, arroja luz sobre los planes para Krypto el Superperro…
Este nuevo arte nos acerca a los protagonistas de la película, mostrando uno de los trajes más conocidos de Lex Luthor de los cómics. También hay rumores sobre lo que pasará con Krypto el Superperro…
Superman se enfrentará a Ultraman y El Ingeniero, pero Lex Luthor seguirá siendo el que mueve los hilos. Ya hemos visto una figura de acción de Luthor en su traje verde y púrpura, y parece que se han revelado nuevas imágenes a través de algunas tarjetas de Uno.
Estas imágenes muestran a casi todos los personajes de la película, incluso a un misterioso personaje, una especie de hombre de las nieves, que podría ser parte del zoológico alienígena de Superman en la Fortaleza de la Soledad.
Hablando del traje de Luthor, tiene el logo de LuthorCorp y parece ser la misma armadura que usarán los matones de Lex, según lo que hemos visto en los tráilers. Aunque muchos fans esperan un enfrentamiento entre Superman y Luthor, no sería raro que Luthor use una de estas armaduras para pelear contra Superman y termine en problemas.
Esto se parece al estilo que James Gunn podría darle a una escena así. También aparecen personajes como Lois Lane, Guy Gardner/Green Lantern y Metamorpho en las imágenes.
Krypto el Superperro estará en Superman, pero tendrá un papel más importante en Supergirl: La Mujer del Mañana. Según el informante @MyTimeToShineH, Krypto crecerá en la película de Supergirl. También se mostrará un flashback de su pasado en Krypton cuando era un cachorro y se descubrirá su relación con la joven Kara Zor-El. Como era de esperar, teniendo en cuenta el amor de Gunn por los perros, Krypto será un personaje relevante en esta parte del DCU.
Además, se ha lanzado un nuevo banner que destaca a Krypto y a David Corenswet como El Hombre de Acero. Superman, la primera película de DC Studios, llegará a los cines de todo el mundo este verano a través de Warner Bros Pictures.
Con su estilo único, James Gunn traerá al héroe original con una mezcla de acción, humor y sentimientos, presentando a un Superman que cree en la bondad humana.
La película está protagonizada por David Corenswet como Superman/Clark Kent, Rachel Brosnahan como Lois Lane y Nicholas Hoult como Lex Luthor. También veremos a Edi Gathegi, Anthony Carrigan, Nathan Fillion, Isabela Merced, Skyler Gisondo, Sara Sampaio, María Gabriela de Faría, Wendell Pierce, Alan Tudyk, Pruitt Taylor Vince, Neva Howell y Milly Alcock.
Superman se estrena en los cines el 11 de julio de 2025.
Con motivo del evento Tudum, fue dado a conocer por parte de Netflix el avance oficial de la nueva adaptación de la inmortal historia de Mary Shelley, en este caso dirigida por Guillermo del Toro y protagonizada por Oscar Isaac y Jacob Elordi en los respectivos papeles del doctor Frankenstein y su monstruo.
Pocas novelas han ejercido tanta influencia como Frankenstein. Escrita por Mary Shelley y publicada por primera vez en 1818, suele ser caratulada no solo como emblemática o pionera en dos géneros a la vez (terror gótico y ciencia ficción), sino además como profunda advertencia de lo que puede ocurrir cuando la humanidad juega con la ciencia más allá de los límites. Su arraigo en la cultura popular ha sido tan fuerte que mucha gente terminó incluso y erróneamente llamando Frankenstein al monstruo (que en la novela no tiene nombre) y no a su creador. Se han rodado casi doscientas adaptaciones (la primera de 1910), pero la de Guillermo del Toro está ya muy cerca y tenemos tráiler.
En el mismo, presentado este fin de semana por Netflix en el evento Tudum, vemos a Oscar Isaac en la piel de Victor Frankenstein y al australianoJacob Elordi (Euphoria, Saltburn) en la de su criatura, papel que finalmente y por problemas de agenda no pudo interpretar Andrew Garfield a pesar de tener muchas ganas de encarnarlo.
Las imágenes nos permiten además apreciar una de los más sobrecogedores momentos de la novela, que es cuando Victor busca a su monstruo en el Ártico (y viceversa), escena sin embargo omitida en la gran mayoría de las adaptaciones, siendo la injustamente infravalorada película de 1994 de Kenneth Branagh una de las pocas en incluirla, con Tom Hulce y Robert De Niro en los respectivos roles mencionados (merece retro-análisis). Gran acto de justicia que el propio Guillermo del Toro haya calificado como “perfecto” el guion que para la misma escribiera Frank Darabont.
El realizador mexicano, desde ya, no es ajeno al terror ni a lo fantástico, viniendo de hacer también para Netflix la serie El Gabinete de Curiosidades, así como la aclamada y oscarizada película animada de Pinocho (aquí crítica de un servidor) que, a pesar de su aparente formato infantil, rescata la esencia más oscura de esa historia tan clásica. No obstante, insiste en que Frankenstein no es una pelícua de terror: “Es una historia emotiva para mí – manifestó –. Es tan personal como cualquier otra. Me pregunta sobre ser padre, ser hijo…”
De hecho, la película no solo busca remitir a la novela original sino además rendir homenaje a algunas de las adaptaciones cinematográficas más icónicas y caras a su formación cinéfila, como Frankenstein (1931) o su secuela La Novia de Frankenstein (1935), ambas filmadas durante los duros años de la Gran Depresión y no es casualidad…
No en vano, el monstruo parece cobrar nueva vida cada vez que nos sentimos habitando un mundo inseguro. El fenómeno Oppenheimer (2023, aquí nuestra crítica), sin ir más lejos, ha sido cabal ejemplo de lo que a partir de Isaac Asimov suele llamarse “complejo de Frankenstein” y, de manera paradójica, quizás haya preparado el terreno para esta nueva adaptación en momentos en que el mundo es un polvorín y algunos enriquecen uranio mientras otros anuncian medidas. “Solo los monstruos juegan a ser Dios”, reza el eslogan del tráiler. “Buscando la vida, creé la muerte”, cierra Victor. Dos frases que resumen bien la idea…
Eso sí: el avance no da todavía fecha de estreno, sino solo lo que ya sabíamos, que la película llegará en noviembre de este año. En cuanto al resto del elenco, incluye a Christian Convery (que viene de una antológica actuación infantil en Sweet Tooth), Mia Goth, Christoph Waltz, Charles Dance y Lars Mikkelsen, entre otros. El rodaje fue realizado en 2024 en Toronto, con localizaciones adicionales en Edimburgo.
Estaremos atentos a las novedades. Mientras tanto, ¿qué les parece el tráiler? Les leo. Hasta pronto y sean felices…
En los años 80, el cine disfrutaba de muchas producciones de todo tipo de géneros. Uno de ellos era el de la fantasia. El cine nos hacía soñar con mundos imaginarios que plasmaban muy bien lo que era esa época que vivimos en esos años. Quizás hoy en día ese tipo de producciones como Dentro del Laberinto (Labyrinth, 1986) no sean evidentemente apreciadas de la misma forma, pero para más de una generación son un legado muy importante.
De dónde viene Dentro del Laberinto
La idea vino y nació del talento de Jim Henson, que fue un famoso titiritero y creador de Los Muppets y de otra gran pieza de culto de los 80, ElCristal Oscuro (aquí nuestro retro-análisis). La película fue una coproducción británico-estadounidense en la que colaboraron, aparte de Henson, George Lucas y David Bowie. Este último, de hecho, también tuvo un papel protagonista en el filme. Henson quería hacer una historia de fantasía, con una trama más accesible que ElCristal Oscuro (más oscura y compleja para el público joven) y que mezclara marionetas con personas reales.
El filme cuenta la historia de Sarah, adolescente de gran imaginación a quien su padre y madrastra dejan permanentemente al cuidado de su hermano pequeño, quien llora de manera tan irritante que ella pide al rey de los duendes que se lo lleve sin imaginar que su deseo se cumpliría. Sarah tiene a partir de ello trece horas para resolver un laberinto, llegar al castillo del rey Jareth y rescatar al bebé antes de que este quede convertido en duende para siempre.
Se basó en los cuentos de hadas (la fruta que se toma Sarah recuerda mucho a la manzana de Blancanieves), en la mitología y añadió elementos psicológicos. El encargado de escribir el primer borrador fue Terry Jones (Monty Phyton), el cual aportó un toque cómico y surrealista. El borrador se fue modificando con algunas ideas del propio Henson, de su hija Lisa y de Brian Froud (diseñador de criaturas). Seguramente estos cambios le dieron una profundidad al guion, más centrado en el viaje interior del personaje protagonista.
Elementos que la hacen memorable para muchas generaciones
En ese tiempo las películas tenían más mensaje de lo que creemos y tocaban temas tan importantes como el paso de la niñez a la madurez, el saber aceptarse a uno mismo y a los demás, o incluso el empoderamiento femenino (tan de moda últimamente).
Podemos decir que hay varios aspectos que la hacen especial, comenzando por sus efectos visuales, mezcla de marionetas con actores de carne y hueso en una etapa prehistórica de lo que hoy en día conocemos como CGI. La escena de los créditos donde se ve una lechuza volando es ejemplo de eso. Aparte de que la participación de George Lucas, en este caso como productor ejecutivo, ayudó a dar al filme un toque muy especial.
Las criaturas que Jim Henson creó para la película (se dice que más de 100 distintas) eran una mezcla de marionetas movidas por hilos y animatronics (el personaje de Hoggle es ejemplo de eso) e hicieron que la experiencia del público fuera especial. El que los actores interactuaran de forma tan natural con esos seres dio a la película una aura mágica.
Otro apartado destacable sería la música. La banda sonora de la película estuvo compuesta por Trevor Jones, compositor, entre tantas otras obras, conocido por Excalibur, El Último de los Mohicanos, Notting Hill o la siempre perturbadora Desde el Infierno. Ejemplos que nos dan una idea sobre que pudo aportar Jones al éxito de esta producción. Podemos definirla como etérea y emocional, utilizando una mezcla de sintetizadores con elementos orquestales. David Bowie, con cinco temas musicales, también le da un toque distintivo a este aspecto. Para destacar, canciones como «Magic Dance» o » As the World Falls Down».
Igualmente destacables fueron las actuaciones, sobre todo de una jovencísima Jennifer Connelly realmente agraciada en su rol de protagonista. Vemos su viaje desde su etapa de adolescente que se queja por todo, que no acepta el papel de hermana mayor a cargo de su hermano pequeño, para ver que al final de su aventura ha madurado y entendido el valor de la amistad.
Bowie estás más que correcto; fue criticado en algunos medios porque se decía que su papel estaba interpretado de manera demasiado exagerada, pero a mi entender era necesario para el tipo de personaje que interpreta. Y recordemos siempre que Bowie ha sido más cantante o compositor que actor.
Ese estilo entre glam y fantasioso le va tanto al actor como al personaje y para nada se siente fuera de lo que debe ser y representar en la pantalla. Otra cosa ya sería cómo lo perciban las nuevas generaciones, las cuales no han crecido bendecidas por esa fantasia tan ochentera que nos hacía volar la imaginación a quienes sí la disfrutamos en edad temprana.
Influencias importantes que dan la base a la película
Podemos ver influencias de diversos cuentos infantiles y otras obras literarias en Dentro del laberinto. Alicia en el país de las maravillas o Blancanieves serían algunos ejemplos. También de obras literarias de los hermanos Grimm o Andersen, con referencias tan claras como que el viaje que hace Sarah a través del laberinto podría ser influenciada por Lewis Carroll y su Alicia en el país de las maravillas , ya sea por el mundo que allí encuentra o por los personajes surrealistas que se cruzan en su camino.
El tema del secuestro del niño por parte de seres mágicos (los Goblins) es un recurso muy utilizado en el folclore europeo, sumado al viaje iniciático del personaje protagonista; nos recuerdan mucho a los cuentos de los ya mencionados Grimm o Andersen. Y el personaje de David Bowie (Jareth) también nos recuerda en cierta manera a la literatura gótica, con algo byroniano en su base. Es encantador, ambiguo y oscuro a la vez.
También el uso del propio Bowie como cantante en la película y la música con aire ochentero nos dan a entender la influencia de la cultura pop de la época. El vestuario, esas hombreras que usa Jareth, la melena larga, e incluso el traje que lleva nos retrotrae a grupos de rock duro de ese tiempo. No adapta exactamente ningún cuento u obra que os hemos nombrado arriba, pero sí que es verdad que se nutre de influencias de la época en que fue realizada.
Como dato triste, hay que decir que esta fue la última película de Jim Henson, quien moriría pocos años después y su lugar como presidente de la compañía pasaría tras su muerte a ser ocupado por su hijo Brian Henson, que es quien en la película interpreta a Hoggle.
A quién podemos recomendar Dentro del laberinto
Evidentemente a todas esas generaciones que crecimos con esta (y otras) producciones de fantasía que nos hacían volar la imaginación sentados en una sala de cine, a quienes en general amen este género cinematográfico y a los niños de las nuevas generaciones que aún no tengan un móvil donde ir pasando pantalla tras pantalla cada diez segundos.
Realmente estamos ante algo digno de ver al menos una vez en la vida, poder dejarnos llevar por lo que ocurre en pantalla, pasar una hora y cuarenta minutos pendiente de la aventura de Sarah. incluso la recomendamos a aquellos que ya hayáis dejado atrás vuestra niñez, pero que vais a volver a ella si os atrevéis a darle una oportunidad a Dentro del laberinto.Otras películas que merecen vuestra atención en este género aventurero fantasioso rodado en los 80 podrían ser Willow, La Princesa Prometida, o Lady Halcón.
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy queremos destacar Rita Candela. A orillas de la suerte. Un pedazo de obra que nos ha traído cARTEm Cómics.
Rita Candela. A Orillas de la Suerte es una novela gráfica de Joan Mundet que se desarrolla en el árido Paso de Jiloca, un rincón olvidado del Oeste donde la calma es tan frágil como la tierra reseca que lo cubre.
La historia mezcla el western clásico con el thriller psicológico, creando una atmósfera de misterio e intriga.
El protagonista, Tito Candela, conocido como Vince, es un veterano buscador de oro que ha encontrado refugio en el Paso de Jiloca.
Su sobrina, Rita, llega enviada por un misterioso mensajero llamado Horace, desencadenando una serie de sucesos inexplicables.
En su búsqueda de respuestas, Rita se enfrenta a susurros en la noche, objetos que desaparecen y secretos enterrados bajo la superficie del lugar.
Junto a ella está Alma Stoker, una curandera y espiritista cuyas habilidades provocan admiración y desconfianza.
La tensión aumenta con la presencia de Gus Stanton, un forastero cuya identidad es un enigma.
A medida que Rita indaga en los misterios del Paso de Jiloca, descubre que la frontera entre verdad y mentira es mucho más tenue de lo que imaginaba.
Esta obra es una historia de supervivencia y secretos en un territorio sin ley, donde cada personaje es una pieza clave en un rompecabezas peligroso y fascinante.
Rita Candela.
Creo que sería un error no hablar de la obra de Joan Mundet, Bajo el Cielo de Acero. Es justo hacerlo, puesto que trata sobre el mismo personaje y la historia tiene lugar con anterioridad a la editada por cARTEm Cómics.
Bajo el cielo de Acero es un western crepuscular de Joan Mundet que sigue la historia de Horace, un jinete solitario que deambula entre Arizona y México.
En su camino, encuentra a Rita Candela, la única superviviente de un ataque indígena a una caravana.
A regañadientes, Horace decide llevarla con su único familiar vivo, emprendiendo un peligroso viaje a través del desierto de Sonora.
En su travesía, deben esquivar a los apaches y huir de la banda de forajidos liderada por el Tigre Contreras, quienes los persiguen implacablemente.
La edición de cARTEm Cómics.
Lo cierto es que cARTEM Cómics, una vez más, nos ha traído una obra sobresaliente en un formato de una calidad superlativa. Lo habitual en la editorial salmantina.
Tenemos ante nosotros un tomo en tapa dura, a todo color, con un papel poroso de un excelente gramaje, lomo curvo, en un formato de 23x31cm y 184 páginas de un pedazo de tebeo. Todo ello con un P.V.P. de 36€.
Tenemos este maravilloso título disponible, desde el 20 de febrero de 2025. No obstante, podéis pinchar aquí para obtener más información desde la web de la editorial.
Antes de continuar con la reseña, debo decir algo que ya he hablado personalmente con Daniel Díez (editor de cARTEm Cómics). En mi modesta opinión, creo que Daniel Díez es el sucesor natural de Amiram Reuveni (uno de los fundadores de la editorial Ponent Mon. Que en Paz Descanse), en el panorama editorial español.
¡Ahí es nada, Daniel! ¡Sin meter presión!
Y dicho esto, vamos a seguir …
Justo aquí debajo, voy a dejaros un avance de Rita Candela. A orillas de la suerte.
Joan Mundet. Historietista y admirador del maestro Jordi Bernet.
Ilustrador, historietista y pintor español nacido en Castellar del Vallés (Barcelona) en 1956.
Su carrera comenzó en 1974, cuando empezó a trabajar como historietista de encargo. En 1983, publicó su primera obra completa en la revista Rambla, lo que marcó un punto de inflexión en su trayectoria.
A partir de 1986, se dedicó principalmente a la ilustración, aunque nunca dejó de colaborar en el mundo del cómic.
Su trabajo más reconocido llegó en el año 2000, cuando comenzó a ilustrar la serie de novelas Las aventuras del capitán Alatriste, del escritor Arturo Pérez-Reverte.
También ilustró productos derivados de la saga, como el Juego de rol del capitán Alatriste y varias historietas.
Desde 2011, trabajó en el mercado italiano, dibujando la popular historieta Dago, creada por el gran Robin Wood, en la que sustituyó ocasionalmente a Carlos Gómez.
En 2008, publicó su primera novela gráfica, Gari Folch, a la que siguieron títulos como Best Seller (2014), Looking for Nobody (2017) y la saga Capablanca, que comenzó en 2016 y ha continuado hasta la actualidad.
Uno de sus proyectos más recientes es Rita Candela, protagonista de la novela gráfica Bajo el cielo de acero (2021) y su continuación Rita Candela. A orillas de la suerte (2025).
Valoración final de la obra.
Debo confesar que el wéstern es uno de mis géneros favoritos. Por este motivo, tengo una predisposición favorable a la hora de leer una obra encuadrada en esta maravillosa categoría.
También os aseguro, que mis expectativas sobre Rita Candela: A orillas de la suerte, estaban por las nubes.
Y finalmente y tras leerlo, me veo en la obligación de asegurar que este precioso tebeo es espectacular.
Su personaje protagonista tiene potencial para seguir contando historias sobre ella. De hecho, Joan Mundet tiene ya pensadas las dos siguientes historias.
Ojalá tengamos más historias de Rita Candela, realizadas por Joan Mundet y publicadas por cARTEM Cómics.
Os invito a todos a leer esta obra. Echad un ojo, disfrutad y sobre todo …
Les traemos las novedades de Disney + para este mes, que tienen como principales atractivos el estreno de Depredador: Cazador de Asesinos (primer filme animado de la franquicia Predator) y el de Ironheart, miniserie de Marvel que se ubica tras los sucesos de Black Panther: Wakanda Forever (2022).
Hola otra vez y bienvenidos a un nuevo mes de novedades en Disney+, en este caso las correspondientes al mes de junio. Ok, no me lo recriminen: ya sé qué el mes pasado estuve ausente por esta sección, pero qué quieren que les diga: el estreno más importante de mayo era un documental sobre el Kun Agüero y sin ánimo de faltarle el respeto a nadie porque el Kun es seguramente un grande, lo cierto es que la agenda venía poco sustanciosa para merecer artículo. Otro es el cantar en junio, que viene con algunas novedades de importancia…
Entre las películas, la principal es sin duda Depredador: Cazador de Asesinos, sexta de la franquicia (sin contar las dos de Alien vs. Depredador, por fuera del canon) y primera animada, lo cual genera especial expectativa. Dirigido por Dan Trachtenberg, que viene de cosechar aplausos en 2022 con Depredador: La Presa (aquí crítica de un servidor), el filme se vuelve a inscribir en la línea de recorrer distintos momentos históricos coincidentes con visitas de los cazadores interestelares (la anterior se ubicaba en la América del Norte indígena del siglo XVIII).
Además de ser animada, la otra gran novedad de Depredador: Cazador de Asesinos es el formato segmentado y episódico, pues cuenta tres historias autoconclusivas en diferentes contextos de época. En la primera, quien se encuentra con un yautja es una pirata vikinga que está guiando a su hijo en un viaje de venganza; en el segundo, es un ninja del Japón feudal que sostiene con su hermano una batalla por la sucesión; por último, en el tercero, es un piloto de la Segunda Guerra Mundial que investiga en el cielo una amenaza de otro mundo.
La idea, al parecer (y de modo análogo a lo que ocurriera en la primera película y en alguna posterior) es que a veces los asesinos pueden ser víctimas de su propio juego y ser los cazados en lugar de los cazadores. El carácter episódico, eso sí, hace difícil la ubicación del filme dentro de la cronología ya que, según lo entiendo, uno de los tres segmentos que componen el mismo transcurre después de los sucesos de Depredador: La Presa, en tanto que los otros dos se sitúan no solo antes sino que además constituirían los dos momentos más pretéritos visitados por la saga hasta ahora.
Más allá de eso, el tráiler pinta bien y esperemos que la propuesta, distinta y original dentro de la franquicia, esté a la altura de la anterior película de Trachtenberg, que vino justamente a revitalizarla. Y no olvidemos que antes de fin año llega un nuevo estreno, en este caso live action, pues para noviembre está previsto el arribo a los cines de Depredador: Badlands (aquí pueden ver el tráiler), a cargo del mismo director y protagonizada por Elle Fanning.
Estreno de Depredador: Cazador de Asesinos el 6 de junio.
Entre las series, el plato fuerte es sin lugar a dudas Ironheart, nueva propuesta de Marvel basada en el personaje del mismo nombre que, creado por Brian Michael Bendis y Mike Deodato, viera luz en las viñetas en 2016. La historia original sigue a Riri Williams, joven estudiante de ingeniería que, con materiales encontrados en el campus de su universidad, logra construir una armadura semejante a la de Iron Man. El personaje, recordemos, ya tuvo su presentación cinematográfica en Black Panther: Wakanda Forever (2022, aquí nuestra crítica), siendo en tal ocasión interpretado porDominique Thorne, que ahora repite el papel.
En principio (y quizás como forma de abrir el paraguas), la propuesta es presentada como miniserie que, creada por Chinaka Hodge, consta de seis episodios, de los cuales los tres primeros serán subidos a la plataforma de un tirón, en tanto que el resto irán luego llegando semanalmente.
Estreno el 25 de junio.
Ladrones: La Tiara de Santa Águeda es una serie española de Disney en colaboración con Plano a Plano y que se anuncia como thriller de atracos con elementos de comedia romántica y de acción. La historia sigue a Amber, ladrona que, tras un fallido golpe en Las Vegas, está detrás de robar en una paradisíaca isla del Pacífico una joya maldita y valiosa joya a la que precisamente hace referencia el título de la serie y que, cotizada en unos 240 millones de dólares, será lucida durante su boda por la hija de un poderoso magnate petrolero mexicano.
Creada y dirigida por Inma Torrente, la serie de seis episodios y tiene como dupla protagónica a Silvia Alonso y Álex González, además de localizaciones en República Dominicana, Málaga y Madrid.
Estreno el 13 de junio.
Asimismo, hay que destacar el estreno de la cuarta temporada de la aclamada The Bear (aquí los análisis de mi compañero Pedro), cuyos diez episodios estarán disponibles desde el 26 de junio. Y si hablamos de series que tienen algunos años, dos españolas y exitosas como la sitcom Aquí no hay quien viva (emitida por Antena 3 entre 2003 y 2006) y la juvenil Física o Química(misma cadena entre 2008 y 2011). La primera, con sus diez temporadas, estará disponible desde el 4 de junio y la segunda, con sus siete, a partir del 18 de junio.
Y nada. Al listado…
PELÍCULAS
. Misión Imposible (1 de junio)
. Misión Imposible 2 ( 1 de junio)
. Misión Imposible 3 (1 de junio)
. Misión Imposible: Protocolo Fantasma (1 de junio)
. Misión Imposible: Nación Secreta (1 de junio)
. Misión Imposible: Fallout (1 de junio)
. Depredador: Asesino de Asesinos (6 de junio)
SERIES
. Aquí no hay quien viva (temporadas 1 a 10, 4 de junio)
. Good Trouble (temporada 5b, 4 de junio)
. Ladrones: La Tiara de Santa Águeda (temporada 1, 13 de junio)
. Física o Química (temporadas 1 a 7, 18 de junio)
. Ironheart (miniserie, 25 de junio)
. The Bear (temporada 4, 26 de junio)
DOCUMENTALES
. Sally, de National Geographic (película, 1 de junio)
. David Attenborough: Océano (especial, 8 de junio)
. Underdogs (serie narrada por Ryan Reynolds, 16 de junio)
Y eso es todo, amigos, como diría Porky. Les aguardo el próximo mes para compartir los estrenos de julio y sepan perdonar el faltazo (insisto, justificado) del mes que pasó. Espero que no se enfaden y si se enfadan…
Y si se enfadan, ¿qué? Hasta la próxima y sean felices, diría el Kun Agüero…
Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez.
No hace mucho que hemos tenido otra vez esa conversación. Sí, la de que madre mía que nos suben los videojuegos los de Nintendo con su nueva videoconsola. Nervios, intriga y dolor de barriga. Mucha gente enfadada cargada de razón. Es normal. A ver quién quiere pagar más de golpe, en lo que sea. No está la cosa para gastar más.
Pero no vamos a analizar los mil detalles sobre el porqué de si es justo o injusto o las razones últimas de por qué se toman estas decisiones desde la cúpula de un sitio con mucha gente trajeada y demás. Entre otras cosas por estar en el escalón de los pringados. Es muy posible que nuestra forma de razonar ni se parezca a la de esa gente en las alturas. Incluso puede que sean alienígenas, como nos intentó avisar John Carpenter en «They Live» de 1988.
Así, metidos en tantos debates sobre quién tiene razón y quién no, vamos a zambullirnos en varias divertidas peripecias de los debates sobre lo muy muy equivocadas que están las personas en las alturas. Según nosotros, claro. Hablemos de esas avalanchas de opiniones llenas de justa indignación sobre el enorme hostión que se van a pegar esos personajes alejados de la verdad de nosotros, los pringados.
Podemos empezar por Netflix. Es decir, nuestros macarrones con tomate cultural. Sencillo, sin complicaciones; está rico, llena y chimpún, no pidas más. Que, ojo, muchas veces con eso uno acaba de comer o de ver una serie feliz. Pero también es lo que es. Recordemos que hace tiempo se podían compartir cuentas de Netflix. Lo hacíamos todos. Luego nos repartiamos lo que costaba, y hala, a ver cosas. Era así, lo juro.
Bueno, lo era hasta que Netflix dijo que lo de compartir se iba a acabar, que todo el mundo a pagar. Y lo anunció. Y la avalancha llegó. Muchísimas opiniones en todas partes diciendo que habría bajas en masa. Que Netflix se hundiría, que le comería la tostada la competencia, que no tenían razón o que los directivos de Netflix se verían obligados a pelearse con los politoxicómanos que frecuentan la explanada de la estación de Renfe/Metro de Príncipe Pío (Madrid) para llevarse pan a la boca. Pues, amics, no lo vais a creer. Depende a quién leas puede que te encuentres con que han ganado entre un 50 y casi un 80% más que antes de quitar lo de compartir cuentas.
Pero en estos debates sobre quién tiene razón vamos a ir ahora más al pasado. Dame la mano. Mira, allí. Es 2007. No sabían qué era Lehman Brothers, las pandemias eran algo de videojuegos o películas y Zack Snyder (viva Zack!) solo había hecho una película.
Vaya perdedores eran en 2007, eh. Bueno, pues en ese año salió The Elder Scrolls IV: Oblivion, videojuego de Bethesda que un servidor se compró para PC nada más salir a la compra. Desde aquí lo jugamos y disfrutamos, aunque debemos aclarar, sobre todo con el actual furor por su remaster reciente, que en su momento recibió críticas por todos los lados. Que si se habían diluído muchas cosas para contentar a las masas. Que si el mecanismo de autolevel de los enemigos rompía el juego y su sensación de progresión. Que los diálogos seguían dando vergüenza ajena. Que la IA seguía siendo espantosamente mala. Incluso que estéticamente era espantoso. Sí, todo eso se decía de Oblivion en su época. ¡El Pueblo parecía querer más la tercera parte, Morrowind!. Pues bien, no valía con todo eso sino que a los señores del juego se les ocurrió una idea revolucionaria: iban a cobrar por descargarte una armadura para el caballo.
En realidad no fue la primera vez que a alguien se le ocurría algo así para los videojuegos, pero lo importante fue que esto ocasionó aún más avalanchas de odio en la época. Con mucha razón, los roleros videojueguiles decían que este «invento», los llamados DLC, iban a ser la ruina del juego, la peste, el horror. Montones de chistes al respecto, montones de posteos y quejas sin fin en los foros, mucha gente teniendo razón, ardientes lamentos en las críticas al juego y etc.
Muchos, muchos años después, en 2025, podemos decir que ya es raro el videojuego de más o menos éxito que no tiene DLCs, contenido descargable de pago, sacacuartos o cómo le queramos llamar. Es más, los videojuegos más exitosos comercialmente (la serie FIFA/FC 24, Call of Duty, Los Sims) casi que están basados en que los jugadores, tras comprarlos, irán a pagar más por el contenido descargable. Eso cuando no son videojuegos gratuitos cuyo beneficio viene precisamente de los contenidos descargables de pago.
Lo que no ha cambiado en todos estos años son los mil artículos contra los DLCs, lo inmorales que son, la terrible razón del que grita, etc. No, amado lector, no me mire usted; yo en toda mi vida me he comprado nada más un DLC del juego de Spider-Man de Playstation 4, ese en el que salía la Gata Negra. En fin, echémosle pelillos a la mar con el simpático video doblado que se hizo tan popular cuando salió The Elder Scrolls V: Skyrim:
Pero luego los juegos de mesa que valen lo que un mini PC se agotan como si no hubiera mañana, eh. Como la malvada Playstation 5, con sus colas de espera enajenantes, su desprecio al consumidor, sus precios ascendentes reiterativos en una sola generación y su colección de videoapuñalamientos por parte de gente enfadada. Y, no te lo creerás amigo lector, también sus ventas desmadradas y sus beneficios escandalosos.
En todo este bello campo de batalla por tener razón y estar enfadao no debemos perder el norte: la gente encorbatada a veces se la pega. En fin, no pocas veces. Esas veces se llaman Nintendo Wii U, Zack Snyder y todo su snyderverso, las tiendas ECC en España o el videojuego Concord de Sony. Y a saber qué pasa con los precios elevadísimos que quiere poner Nintendo con su Switch 2. No siempre aciertan. No siempre hacen bien su teórico trabajo: ganar cada vez montañas más grandes hechas de billetes. Un poco como todo.
Aunque la conclusión erótico-festiva de este bello repaso en las luchas de la razón, los ejércitos de gente enfadada que dice no querer pagar más pero termina pagando más muchas veces y las glorias y fracasos de esta gente de las altas esferas corporativas debería ser una muy simple. Que no pocas veces es cierto que están desconectados de lo más básico de sus clientes y se la pegan, por supuesto, cosa que celebramos acríticamente. Pero siempre que veamos hordas de gente enfadada porque los altos directivos de una empresa sube los precios, dan mal servicio y hay un consenso en el pueblo llano en que esas cosas supondrán su fin pues bueno, hay que desconfiar de ese consenso. Entre otras cosas porque si fuera así no existiría casi ninguna empresa de telefonía en España.
Pero si hay que desconfiar es por soler ser un consenso de pringados. De gente que sigue creyendo mágicamente en un mágico universo en el que sufrir conlleva mágicamente merecer no sufrir. Así, sin más. Es decir que dan igual las condiciones materiales y tecnológicas que hay detrás de cada movimiento económico. O quién está coordinado para hacer fuerza, quién tiene conocimiento técnico útil y quién pasa de todas estas movidotas.
Por no liarnos, es gente que se cae del barco en alta mar y grita que no puede morir porque tiene derecho a la vida, que lo pone por escrito en la Constitución Española. Se mueren ahogados en el mar o son devorados por un pescao con apetito, pero demostrando cuánto saben de la Constitución Española. Cuantísima gloria. Lo de aprender a nadar se lo dejaron para la siguiente reencarnación, en caso de existir esta, que yo qué sé. De esta gente viene la mayor parte de avalanchas enfadadas, gritos de desahogo y, en general, masturbación en público. Es imposible que nadie así ascienda a la torre de gente trajeada.
Si lo hiciera, sería un desastre: esos conceptos de los derechos inalienables sustentados en una nula fuerza coordinada están destinados al fracaso, la depresión y el suicidio. Y esta gente, de pasarlo mal económicamente, poco. Que alguna vez les toca porque fallan cada tanto, pero lo normal es que no.
Hay demasiados ejemplos, y estos son solo unos pocos, en que ellos no pocas veces tenían razón. Y nosotros no. Es normal, joder, son como extraterrestres. Ved «They Live» de Jonn Carpenter si no la habéis visto, hombre.
El Festival de Música de Cine Marina Alta, SONAFILM, regresará a la comarca de Marina Alta en Alicante este agosto entre los días 1 y 23. En esta séptima edición, el festival acogerá, entre otras muchas cosas, las bandas sonoras de películas míticas de los 80 como Rocky, Rambo, Regreso al futuro o Memorias de África.
¡En este artículo os contamos toda la información necesaria!
Qué es Sonafilm
SONAFILM es el primer y único festival de música del séptimo arte en tierras de Levante (así mismo se anuncian en su página web). El evento se inició en 2019 en Ondara y en 2021 se expandió pasando a ser competencia comarcal. Actualmente se celebra en siete poblaciones de Alicante: Ondara, Dénia, Calpe, Beniarbeig, Jávea, Pego y Teulada.
Se caracterizan por ofrecer durante los días de programación toda clase de conciertos sinfónicos de Bandas Sonoras, Bandas de Rock/Pop, música de videojuegos, masterclass de compositores de cine y mucho más.
La séptima edición
El pasado viernes 23 de mayo, la organización del festival acudió a una rueda de prensa en la sede de la SGAE en Madrid para ofrecer información sobre los contenidos de su séptima y próxima edición.
Javier Gil Pérez, director de SONAFILM; y Pedro Mérida, productor de SONAFILM, junto a la presencian de otras personalidades relacionadas, anunciaron en exclusiva que la temática de la edición será la música cinematográfica de los años ochenta y habrá conciertos de las bandas sonoras de películas tan memorables como Rockyo Regreso al futuro, para que los fans puedan revivir la energía de que se sentía en las butacas de los 80.
Algunas mejoras respecto a ediciones anteriores que nos comentaron son la novedad de una flota de coches oficiales durante el festival para el traslado de invitados gracias al concesionario Moll Motor, códigos promocionales vía redes sociales para los interesados en asistir, y el regreso del hotel oficial ASA HOTELES.
El festival tendrá lugar entre los días 1 y 23 de agosto en las localidades especificadas, y constará de siete conciertos de diferente índole, además de diversas actividades didácticas; y contará por primera vez en la historia de SONAFILM con un invitado internacional, tal y como nos desveló Gil Pérez ilusionado. Ni más ni menos que el estadounidense Vince DiCola, compositor de la banda sonora de Rocky IV (1985) y Transformers: La película(1986), que se unirá a la banda Moanin Project el viernes 22 de agosto a las 20:00h en el Teatre Auditori del Centre Social de Dénia para interpretar el concierto «Noches de Fuego: 90s – La Década del Neón».
El festival también acogerá el concierto «Música de Cine: Made In Spain 3», la tercera parte del formato de éxito del festival que apuesta por las composiciones del audiovisual español. Tendrá lugar el sábado 16 a las 20:00h en el Auditori de Calpe, y lo interpretará la Universal Symphony Orchestra dirigida por José Martínez Colomina, con la presencia de los compositores nacionales Isabel Royán, Arturo Cardelús, Iván Palomares, Josué Vergara y Óscar Araujo.
La gran final de SONAFILM tendrá lugar el 23 a las 23:00h en la Plaza de Toros de Ondara, y será el concierto «80 y ¡Acción!» dedicado exclusivamente al cine de los 80 e interpretado, nuevamente, por la Universal Symphony Orchestra de Martínez Colomina. Además, contará de nuevo con la presencia de Vince DiCola, que tocará en directo la BSO de su mítica Rocky IV en su 40 aniversario.
Otros eventos destacados como «Interstellar Night», concierto con narrador a cargo del Cuarteto de Cuerda Valencia y Conrado Xalabarder, o el «Film Music Live», concierto de cine mudo interpretado por The Silent Entertainers Band; también se celebrarán en el marco del Festival de Música de Cine Marina Alta.
En su página web (pinchar aquí) está disponible la programación completa y más detallada.
Las entradas
Los precios de las entradas oscilarán entre los 8 y los 20 euros, y habrá algunos conciertos con entrada gratuita hasta completar aforo. Se podrán comprar próximamente a través de la página web de SONAFILM.
Así que ya sabéis, si os gusta el cine y la música y/o la música de cine, SONAFILM pone a vuestro alcance una oportunidad que no os podéis perder. AEn un lugar tan hermoso además como la comarca levantina de Marina Alta. Del 1 al 23 de agosto, ¡la cita musical es obligada!
Muchas gracias por leerme y ¡larga vida a SONAFILM!
Ahora, la fuente de esa información ha salido para aclarar las cosas. Dijo en un mensaje:
