Si creías que Brandon Sanderson había tocado techo con sus Proyectos Secretos, el final de Mistborn Era 2 (Nacidos de la bruma) o la esperadísima quinta entrega de El Archivo de las Tormentas (Viento y Verdad), agárrate fuerte porque lo que viene tiene nombre propio y una ambientación completamente inesperada: Isles of the Emberdark. ¿Las islas del Ascuaoscura en español? Sanderson vuelve a hacer lo que mejor se le daba (reinventarse a sí mismo sin dejar de ser reconocible) con un proyecto que ya está levantando más expectación que muchas novelas publicadas. Y antes quise decir «lo mejor se le daba» porque en sus últimos libros, aunque buenos, no ha alcanzado la excelencia de antaño.
El título lo conocimos hace relativamente poco, en una actualización para los mecenas de su campaña de Kickstarter. En su ya clásica forma de comunicación directa con sus lectores, Brandon confirmó que Isles of the Emberdark es una novela que planea expandir la historia del El sexto del Ocaso, mi novela corta preferida del Cosmere que se puede leer en la antología de Arcanum ilimitado: La colección del Cosmere.
¿Qué sabemos exactamente de este nuevo título, Isles of the Emberdark? Qué pertenece al Cosmere y que se va a situar en el tiempo más alejado incluso que El hombre Iluminado y de Yumi y el pintor de pesadillas, puesto que como dije antes continúa la historia de El sexto del Ocaso. Esta es la sinopsis que aparece en la futura novela:
«Los Venidos de Arriba empiezan a impacientarse y quieren construir una instalación para criar y recolectar aviares en una de las islas de Primero del Sol. Vathi y Ocaso intentan averiguar cómo retrasar su avance y también tratan con gente de otro mundo, probablemente Roshar. Ocaso se da cuenta de que la gente de Primero del Sol está irremediablemente superada y decide atravesar el Ojo de Patji, la perpendicularidad de la isla de Patji, para intentar conseguir ayuda«
Emberdark (Ascuaoscura en español) para los más nuevos es una región del Reino Cognitivo, al que también llamamos Shadesmar, y donde lo vimos por primera vez en un mapa del tercer libro de El archivo de las tormentas, Juramentada.
Pero ojo y lo dejo claro, no hace falta leerte antes ningún libro del Cosmere ni el relato corto de El sexto del Ocaso, como ha dicho Brandon Sanderson. Isles of the Emberdark es una novela independiente.
Tor books ya ha revelado que la novela, Isles of the Emberdark que es el proyecto Secreto5 saldrá a la venta el 3 de febrero de 2026, y Nova, la editorial española donde se dan cabida todas las novelas de Brandon Sanderson ya se ha hecho eco de la noticia, aunque sin dar aún fecha de edición. Pero sinceramente, su publicación en España suele ser pocos días después de la estadounidense. Mal acostumbrados estamos.
Yo por mi parte espero esta novela con más ganas y ansias que cualquier otro proyecto de Sanderson, hasta por supuesto la futura Era 3 de Nacidos de la Bruma o las secuelas de Elantris. Como siempre os mantendremos informados en Las cosas que nos hacen felices.
‘The Last of Us’ es uno de los videojuegos más aclamados y la serie se ha propuesto estar a la altura de eso. El arranque me gustó mucho, pese a que hubo un gran número de espectadores que le calificaron de lento y algo aburrido. Cuando has tenido en tus manos un mando de PS4 y has jugado al título de Naughty Dog sabes que fue un comienzo acertado.
Hoy ha llegado el segundo episodio y el público que nunca había escuchado hablar de ‘The Last of Us’ ha descubierto lo que muchos sufrimos hace 5 años y como un videojuego puede hacer sentir dolor, rabia e impotencia a un jugador.
La perfección no existe, pero si hay algo que se le acerca es lo que ha hecho HBO y Craig Mazin en este segundo capítulo. Coger un producto que se ha ganado el estatus de culto y conseguir, junto a Neil Druckmann, darle un giro de tuerca que lo haga subir un peldaño es digno de admiración.
Es de obligada mención que habrá spoilers, muchos spoilers y recomiendo no seguir leyendo si no se ha visto este episodio, ya que conocer lo que ocurre destroza el disfrute (o sufrimiento) de lo que aquí ocurre.
Todo se viene abajo, la tranquilidad del falso mundo que habían creado en Jackson no podía continuar por mucho tiempo. El primer capítulo fue la calma antes de la tempestad y aquí ha sido todo un huracán que nos ha dejado destrozados.
HBO se ha sacado de la manga un ataque a la ciudad que no existe en el videojuego, pero que ha sido todo un acierto para que aceptemos que nunca volveremos a la normalidad, que hay un mundo ahí fuera que nos quiere muertos y que no habrá salvación para la raza humana.
La forma en la que se ha rodado ha sido magistral, consiguiendo que la tensión sea máxima y que no tengamos ni un solo momento de respiro, ya que esta batalla por la defensa de la ciudad se entremezcla con la llegada de Joel al refugio junto a Abby. Todo rodado y montado de tal manera que todo vaya ‘in crescendo’ y no podamos más que aguantar la respiración y rezar por que todo acabe pronto.
El asedio ha sido memorable, a la altura de lo que cabe esperar de esta plataforma, no solo por el despliegue técnico, que ha sido impresionante, si no por lo emocional de esta secuencia.
Ese añadido nos ha sorprendido a todos los jugadores que esperábamos que el clímax fuese el encuentro en Abby y Joel, y en el fondo lo ha sido, pero ese aderezo ha hecho que la receta sea magnifica.
En lo que a Joel se refiere, pues ha adaptado de manera soberbia ese momento tan crudo y emotivo. Con licencias que no han hecho más que calar más en la audiencia que habrán conseguido que se les clave en la retina todo lo que ha sucedido. Todos odiamos a Abby en este momento, pero esto ha sido justicia, ya que nuestro querido protagonista no podía escapar de su pasado ni de los actos que había cometido. Ni ella es la villana, ni Joel es el héroe de esta historia y conforme avance la trama nos daremos cuenta que, incluso Ellie, está muy alejada del papel de heroína.
Creo que haber involucrado a Dinah en lugar de a Tommy ha sido un acierto para que emprenda el camino con Ellie quede más orgánico que ambas se lancen en busca de venganza.
Pedro Pascal ha abrazado el rol de Joel y lo ha hecho suyo, pero hay dos personas a las que debo alabar más aun en este segundo episodio de ‘The Last of Us’ y son Bella Ramsey y Kaitlyn Dever.
La primera se ha llevado mucho odio por parte de un sector que no la veía como Ellie y es cierto que físicamente se aleja de lo esperado, pero a nivel interpretativo me tengo que quitar el sombrero con lo que está haciendo con su personaje. El momento de la muerte de Joel y como lo ha mostrado ella no está al alcance de muchas actrices, lo puedo asegurar.
Lo de Kaitlyn Dever también es para enmarcar, la actriz también está alejada del portento físico que es la Abby del videojuego, pero con su actuación y su expresión corporal ha conseguido que me crea todo ese dolor y rabia. Más teniendo en cuenta que su madre falleció poco antes de empezar el rodaje.
Conclusión
‘The Last of Us’ me ha dejado roto, pese a saber lo que iba a ocurrir, ha sido doloroso, emotivo y capaz de hacerme sentir una montaña rusa de emociones que pocas series han conseguido.
El capítulo ha rozado la perfección en todo momento y no le puedo poner ningún defecto a lo que nos ha propuesto HBO y Craig Mazin. Estamos ante algo que será recordado como lo fueron los mejores episodios de ‘Juego de Tronos’ u otras series. Un decálogo de como hay que producir y dirigir una serie para la televisión.
Lo que está por venir va a ser maravilloso y abre la puerta a que otros grandes títulos del mundo de los videojuegos lleguen a la pequeña pantalla.
Con su octavo episodio titulado El que llega con la Aurora ha llegado a su fin la tercera temporada de La Rueda del Tiempo. Analizamos pues lo que nos ha dejado esta nueva entrega de la serie de fantasía épica que, creada por Rafe Judkins y basada en la saga literaria de Robert Jordan, se emite por Prime Video.
Bienvenidos una vez más a un nuevo giro de La Rueda del Tiempo, en este caso el que da por concluida una tercera temporada que, en líneas generales, ha elevado la puntería de la propuesta pero que, lamentablemente, deja en su cierre un episodio algo débil. Había anticipado en mi anterior análisis que en el octavo confluirían seguramente todos los arcos y subtramas, pero las mismas se han seguido desarrollando por separado y sin encontrarse.
No solo eso: hay dos (la de la Torre Blanca y la de Tanchico) que directamente no se cierran, sino que por el contrario generan nuevas preguntas e introducen nuevos personajes en momento inoportuno y si bien es cierto que dejan interesantes cliffhangers de cara a la cuarta temporada, también lo es que esperábamos algunas respuestas que no han llegado. Más satisfactoriamente se cierra la trama de Rand en el Páramo de Aiel, aun cuando su consagración como car’a’carn fuera algo que veíamos venir.
Pero basta de introducción y pasemos ya a ver qué nos ha dejado este episodio final de la tercera temporada de La Rueda del Tiempo para luego hacer balance de la misma. Cumplo en advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA y en recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.
Golpe de Estado
Comenzamos en la Torre Blanca, donde un flashback inicial nos lleva diez años atrás, a los días en que Elaida perdiera a manos de Siuan su elección como Sede de Amyrlin después de que, para su sorpresa, las Sedai votaran en asamblea y de manera unánime en su contra. Vueltos al presente, vemos que las cosas han cambiado y en la actualidad está consiguiendo cada vez mayor adhesión a su causa para destituir a su rival sobre el argumento de una supuesta alianza entre esta última y el Dragón Renacido, al que protege.
Siuan es anoticiada de que ocho Rojas han dejado sorpresivamente la Torre y teme que vayan en busca de Rand, por lo cual envía tras ellas una partida al mando de Verin. Todo es una sucia treta de Elaida para sacar a esta última de la Torre y dar sin interferencias su golpe contra Siuan.
En efecto, esta última es puesta al tanto de que se han conseguido en la Antecámara los once votos necesarios para su destitución y consecuente nombramiento de Elaida. Además, se la acusa de ser Amiga Siniestra y se anuncia juicio, previa neutralización del Poder Único en forma brutal.
Demacrada y con evidentes signos de violencia, es interrogada por Elaida acerca del paradero de Moraine y el Dragón Renacido, pero no suelta palabra y, por el contrario, reivindica su amor incondicional por Moraine y advierte a las demás Sedai de que están llevando a la Torre a su perdición por seguir a una mujer ambiciosa que solo busca poder.
No sirve de mucho, claro, para evitar un destino que estaba seguramente escrito y Siuan es condenada a muerte y ejecutada a una simple orden gestual de Elaida, tras lo cual, en desgarradora imagen, vemos yacer sobre las losas del piso a su cuerpo sin vida y trágicamente separado de su cabeza…
La Vara con que midas…
En Tanchico, Liandrin tiene sus propios problemas con sus secuaces Renegadas, particularmente con Jeaine (Olivia Popica), quien además de calzar botas bucaneras que serían la envidia de Taylor Swift, juega irresponsablemente con un ter’angreal muy particular, una vara de Fuego Maligno capaz no solo de matar a un enemigo sino incluso de borrar su recuerdo como si nunca hubiera existido.
La está justamente regañando por ello cuando se presenta Moghedien que, haciéndose siempre pasar por criada, le trae un objeto que dice haber comprado a un extraño que vino a ofrecerlo y no es otro que el brazalete que ella misma sustrajera con engaño a Nynaeve y Elayne.
Liandrin se sorprende, pero más todavía nosotros por la ingenuidad con que se traga el cuento de la criada (ups, eso suena a otra serie), tras lo cual se calza la pieza y anuncia que parten hacia el Palacio de la Panarca en busca del collar necesario para completar el conjunto y someter al Dragón Renacido.
Mat y Nynaeve, almorzando en la feria, le ven justamente llevar ese destino con su escolta de Renegadas y corren a avisar al resto para partir de inmediato también a palacio y encontrar el collar antes que ella. Una vez allí, el grupo, ahora quinteto desde que Thom se les sumara, se divide: Nynaeve se dedica a buscar en soledad mientras Mat y Min lo hacen en dupla y otro tanto Elayne y Thom.
Estos dos últimos conversan entre sí y la pelirroja lamenta no recordar al juglar en la corte, de la que partió cuando ella tenía cinco años. Pero Thom se sorprende particularmente cuando ella menciona a Gaebril como su padrastro y consorte de su madre, pues dice que no había allí nadie de ese nombre y se hubiera enterado de haberlo habido después.
En ese momento son sorprendidos por Jeaine, quien sigue manipulando su vara como si fuera un juguete y, en innecesaria demostración de alarde, provoca un agujero en el techo. Ellos corren a esconderse y Thom dice a Elayne que se encargará de distraerla, pero también que urge que ella regrese a Andor para salvar el trono, pues el tal Gaebril es con toda seguridad un Renegado y la reina no lo sabe. Y si Elayne lo recuerda allí de toda la vida es porque él instaló ese recuerdo en su memoria…
Dicho esto, sale a enfrentarse con Jeaine, quien está a punto de acabar con él cuando es sorprendida por Elayne que, habiendo regresado, logra despojarla de su vara y deshacerla literalmente con ella. Al momento, de hecho, ya no la recuerda y tampoco Thom. El techo luce intacto…
Todo tiene su Precio
En otra parte del palacio, Mat atraviesa sin querer un arco de color carmesí y se encuentra en una extraña cámara con el piso cubierto de cadáveres. Se trata de la guarida de un elfinio que, debo admitir, no tenía la menor idea de su existencia hasta ahora o, por lo menos, no lo recuerdo de los libros que llegué a leer (insisto una vez más en que no leí El Ascenso de la Sombra). Investigando un poco, los elfinios son conocidos como la “gente zorro” (aunque a decir verdad el que aquí vemos se me antoja más bien felino y hasta parece salido de Cats) y, como tales, se caracterizan por lo astutos y arteros.
Al igual que la “gente serpiente” (de la cual hasta aquí no tenemos noticias) habitan una dimensión paralela y suelen conceder deseos a cambio de altos precios a pagar que no son precisamente monetarios.
De hecho, no es la única alusión a ellos en el capítulo ya que, apenas comenzar y en el flashback de la Torre Blanca, vemos a Elaida emerger de un arco idéntico al que cruzó Mat y ser advertida por Alviarin Sedai (Claire-Hope Ashitey) sobre el peligro de andar en tratos con los elfinios, lo que nos otorga el dato revelador de que Elaida habría entonces pactado con estos para ser Sede de Amyrlin y ello exigiría algún precio a pagar de su parte que aún no sabemos cuál es.
El elfinio sabe que Mat está harto de tanta magia y quiere regresar al otro lado del portal, lo cual le concede a cambio justamente de un precio que no le dice cuál es, pero cuando el joven regresa a su dimensión, se halla pendiendo de una horca y agonizando por asfixia, lo cual encaja en la visión que tuviera Min.
Una de las escoltas de Liandrin le observa sonriente y obviamente nada hace por ayudarle, pero por fortuna interviene en la escena Min que, tras acabar con ella y cortar la cuerda de Mat, procede a reanimarlo haciendo sorprendente gala de destreza en respiración boca a boca y resucitación cardiopulmonar (?). Lo que queda claro, en todo caso, es que su visión no implicaba necesariamente la muerte de Mat o, al menos, que el destino podía torcerse…
Como Moisés
Quien les ha ganado a todos en la búsqueda del collar es Nynaeve que, haciéndose con el mismo, sale del palacio a la espera del resto, pero es sorprendida por Liandrin. La muchacha busca demostrarle empatía por lo que le ocurrió en el pasado e incluso le sugiere que el haber pactado con la Sombra no es impedimento para que pueda reencontrarse con la Luz. No funciona: por el contrario y en un giro nietzscheano, la Roja dice que eso la fortaleció y lamenta que su esposo no hubiera ahogado a su hija el primer día.
Dicho esto, se vale de su poder para envolverla en cadenas y, tras sustraerle el collar, arrojarla a las aguas del mar. Nynaeve está a punto de morir ahogada pero, de manera contraria a Liandrin, se aferra para tomar fuerzas al recuerdo de la hija que tuviera en su vida paralela de Los Arcos y perdería al volver. Gracias a ello, destruye las cadenas y, en una manifestación de poder que marca para ella un punto de quiebre, separa las aguas a lo Moisés y sale del mar indemne y fortalecida…
En cuanto a Liandrin, el collar le dura poco, pues se le cruza Moghedien que, revelándosele ahora en su verdadera identidad, se lo quita como el dulce a un niño…
Car’a’carn
En el Páramo de Aiel, Rand sigue mortificado por la muerte de la niña cuya culpa se adjudica. Amén de ello, se encuentra en sueños con Lanfear y la pone al tanto de que sabe lo que estuvo haciendo a Egwene. Ella se escuda en que lo hizo para fortalecerla (otra vez el giro nietzscheano), pero Rand dice ver ahora el monstruo que es y reniega del mismo.
La furia de Lanfear se manifiesta en la sustancia oscura que viéramos emerger de la grieta que su encarnación del pasado abriera accidentalmente (temporada 3, episodio 4), pero cuando parece a punto de acabar con Rand, Egwene usa su poder de desplazarse por el tel’aran’rhiod para sacarlo del sueño.
Todo fue una treta para atraer a Lanfear, pero no se hace presente. Sin embargo, anda por las cercanías y ha ido en busca de Melindhra, doncella aiel que le debe algún favor y que negocia con ella, pero que luego se arrepiente y va a ver a Lan para ponerle al tanto del plan de Lanfear a sabiendas de que romper su juramento con la Oscuridad implica su muerte, como inmediatamente ocurre.
Moraine, entretanto, admite a Rand que tenía razón en venir a Aiel para convertirse en car’a’carn, tal como al parecer será consagrado al día siguiente en el encuentro de clanes de Alcair Dal. Él replica que aún no lo han aceptado, pero ella dice que lo harán. Rand la pone además al tanto de que ya sabe que aquel ataque de los Renegados fue una estratagema de ella para sacarse de encima a sus amigos y controlarlo más fácilmente.
Ella admite que sí pero, lejos de mostrarse disgustado, él le reconoce haber sido la única que estuvo siempre a su lado desde que salieron de Dos Ríos. Moraine, no obstante, confiesa que también tuvo siempre un cuchillo sobre su garganta, ya que iba a matarlo en caso de que enloqueciera o decidiese abrazar la Sombra.
Por otra parte, vemos que en una cámara subterránea ella tiene cautivo al renegado Sammael, apresado después del ataque contra el asentamiento (temporada 3, episodio 6). Él insiste en que matará a Rand una vez escapado y ella replica que, por el contrario, terminará entrenándolo en el Poder Único. No sé por qué está tan segura, pero su plan se parece al que originalmente tenía Lanfear.
Sin embargo,Sammael no terminará sirviendo a una ni otra, pues Moghodien le hace una visita secreta y, en momento gore, le destroza literalmente en una telaraña de hilos de sangre solidificada que está a mitad de camino entre La Cosay Hellraiser. Así le encontrará luego Lanfear en compañía de Rahvin, devenido ahora su principal aliado.
Al día siguiente, se inicia la marcha hacia Alcair Dal y, a medida que se acercan, Moraine manifiesta inquietud por parecerse el lugar al de las visiones de Rhuidean en que se veía a sí misma asesinada por Lanfear. Llegados al punto de encuentro, todos los clanes están allí y pinta para que Rand sea consagrado, pero Lanfear ha jugado sus propias cartas e ido en busca de los shaido, más específicamente del ambicioso Couladin, a quien conociéramos cuatro episodios atrás y en cuyos brazos imprime sendos y falsos dragones a los fines de consagrarlo como car’a’carn.
Ese es el cuadro que Rand y el resto encuentran al llegar, por lo que él sale a reivindicar su lugar exhibiendo el doble tatuaje e invocando la letra de la profecía: “nacido de la sangre, pero no criado por ella…” Los clanes, no obstante, siguen renuentes, así que, desoyendo el consejo del líder Rhuarc, Rand les cuenta de las visiones que tuvo en Rhuidean y que sus antepasados practicaban la Filosofía de la Hoja y terminaron siendo lo que son por romper juramentos.
Moraine, entretanto, ha dejado a Rand apañárselas por su cuenta, pero permanece en las cercanías para mantener a raya a Lanfear, que de todos modos se presenta dando lugar a un singular y épico duelo de magia. Moraine es atravesada por su espada y todo indica su final, pero en ese mismo momento Siuan está siendo ajusticiada en la Torre y la conexión hace que Moraine saque de su profundo dolor la fuerza suficiente para reponerse e invertir el ataque con una herida al parecer mortal en el cuello de Lanfear.
Malherida, Moraine es asistida y llevada en brazos por Lan mientras Rand provoca en pleno desierto una lluvia que es recibida por los aiel como una bendición y, mientras todos se arrodillan, ya no caben dudas de que es el car’a’carn…
Balance de Temporada
Qué decir. No cabía duda hasta aquí de que veníamos viendo la mejor temporada de la serie y, habiendo concluido, no podemos negar que en el balance final ha sido una gran temporada ni que ha hecho en gran medida las paces con los fans de la saga literaria al ser más fiel a la misma, pero si hay que dar un veredicto, debemos decir que termina por no ser mejor ni peor que la segunda (en todo caso ambas muy superiores a la primera).
Mientras que la segunda iba de menor a mayor y acababa muy bien cerrada, la que acabamos de ver alcanza su clímax en el punto medio (sin duda con el cuarto como mejor episodio), continúa bien y termina cerrándose quizás con su capítulo más flojo, dejando más preguntas que respuestas y más cliffhangers que definiciones.
Ojo: no es que haya sido un mal episodio. Tuvo momentos muy logrados y algunos muy épicos, como el duelo del Páramo entre Moraine y Lanfear que, además incluyó una interesante edición al mostrarlo en paralelo con la ejecución de Siuan y ayudarnos a entender cómo Moraine traduce en fuerza su dolor y rabia por la muerte de quien fuera su gran amor (un detalle que levanta por estas horas polémica entre los fans, ya que tengo entendido que en los libros Siuan no muere y menos decapitada).
Rafe Judkins lo ha explicado a partir de que teniendo una actriz de presencia tan fuerte como Sophie Okonedo, era injusto que su personaje simplemente pasara a segundo plano o se diluyese, sino que “merecía” un final más a lo grande: habrá que ver, desde luego, si morir decapitada se condice con ello (parece más bien un detalle digno de Juego de Tronos), pero lo que está claro es que dio un mayor dramatismo a la relación especial que Siuan y Moraine tenían desde su juventud y acaba siendo decisivo para que la segunda no muera.
Los destinos pueden ser evitados: nada está escrito. Ese pareciera ser uno de los conceptos centrales que guían al capítulo. Ni Moraine tenía por qué morir a manos de Lanfear ni Mat pendiendo de una soga. Las visiones son futuros probables que están allí para ser cambiados, tanto las de Moraine en Rhuidean como las premoniciones de Min.
Otro concepto que primó durante todo el episodio de manera especialmente marcada con respecto al resto de la temporada ha sido el ya mencionado concepto nietzscheano de “lo que no nos mata, nos fortalece”, el cual parece muy caro a la fantasía épica, ya que también fue incluido en el inicio de Conan el Bárbaro (1982, aquí retro-análisis), probablemente más por influencia de Oliver Stone (guionista) que de John Milius (director).
Y fue asimismo interesante la forma en que el dolor por la pérdida asumió diferentes formas según quién: a Lanfear el recuerdo de su asesinada hija la debilita pero, por contraste, a Nynaeve el de la suya le da fuerzas y permite (casi literal) salir a flote. Y no hace falta ir a ningún mundo fantástico para comprobar que esa diferencia puede apreciarse en el comportamiento de muchas personas que sufren una pérdida.
No tengo ninguna duda de que si el episodio de cierre hubiese caído a mitad de temporada (digamos cuarto o quinto) hubiera sido un gran capítulo, pero como final es apenas correcto y hasta produce cierto desencanto. Como ya hemos dicho, los arcos de la Torre y Tanchico no se cierran y, en todo caso, nos dejan unos cuantos interrogantes a modo de cliffhangers. El que sí se cierra es el del Páramo, más allá de que sea muy parecido al cierre de la temporada anterior, con Rand victorioso y aclamado.
Una regla no escrita del mundo de las series dice que es pésima idea presentar nuevos personajes en episodios que cierran temporadas, a menos, por ejemplo, que ello sea parte de una escena final con cliffhanger. De otro modo, distraen de lo principal y no ayudan a la cohesión del capítulo ni de la temporada.
Pues aquí se nos ha introducido de buenas a primeras a los elfinios sin que tuviéramos referencia previa y no solo se han cruzado con Mat, sino que además parecen tener que ver con el ascenso de Elaida, quien está descontado que tendrá un papel importante en la próxima temporada aun cuando su ambición de poder pareciera marchar por un tercer camino que no se relaciona directamente con la lucha que se está dando entre la Luz y la Sombra.
Del mismo modo, ha cobrado inusitado protagonismo en este último episodio la tal Jeanie, demasiado para desaparecer tan pronto y además se ha mostrado bastante torpe y hasta chiquilina más allá de sus sugerentes botas sexies.
Y no solo ha sido su caso: en general ha ocurrido lo mismo con la mayor parte de los Renegados, cuyo protagonismo aparece y desaparece con idéntica rapidez, al punto de no permitirnos siquiera inferir cuál de ellos termina siendo el importante. A juzgar por lo que aquí vimos, pinta que de aquí en más lo será Rahvin, pero no sería extraño que encontrara un rápido final como Sammael, cuyo paso por la serie termina siendo anecdótico por no decir innecesario.
En fin, en el balance, repito, hemos visto una gran temporada y la serie goza de buena salud, sobre todo en la medida en que por fin vemos a Rand y Perrin encumbrarse como líderes, más allá de que en este último capítulo no hayamos tenido noticias del segundo y es lógico considerando la sobredosis de Dos Ríos en el anterior.
Pero también hay que decir que el cierre no ha estado en consonancia y nos queda esperar que la próxima temporada resuelva las preguntas y cliffhangers que esta ha dejado. Les espero cuando llegue. Hasta entonces y sean felices…
Hay juegos que se esperan con ganas, otros con ansiedad, y luego está Grand Theft Auto VI o también conocido como GTA VI, que se espera con una mezcla de devoción religiosa y hambre canina. Porque cuando Rockstar Games anuncia algo, el mundo se detiene. Y no es para menos: han pasado más de diez años desde GTA V, y la industria ha cambiado, pero la corona sigue en el mismo sitio.
ACTUALIZADO: Rockstar ha confirmado la nueva fecha de lanzamiento de ‘GTA VI’: 26 de mayo de 2026
Os dejo a continuación el tráiler del GTA VI.
Vice City: el paraíso del crimen
¿Habéis visto el primer tráiler oficial? Qué maravilla, nos devuelve de nuevo a Vice City, y nos retrotrae a esa versión pixelada de Miami que ya nos enamoró en 2002. Pero ahora, con el músculo gráfico de las consolas actuales, la ciudad brilla con una luz nueva. Palmeras, neones, playas y corrupción. Todo lo que amamos del universo GTA, pero elevado al cubo. Lo mismo luego el juego no es para tanto, pero ya sólo viendo el tráiler me ha enamorado de antemano.
Lucía y Jason: una pareja explosiva
Por primera vez en la saga, tendremos una protagonista femenina: Lucía. Junto a Jason, formarán una dupla que promete dinamitar los clichés del género. ¿Una historia de amor al estilo Bonnie y Clyde? ¿Una venganza sangrienta? Aún no lo sabemos, pero el tráiler sugiere una narrativa más madura y compleja.
El mapa más ambicioso hasta la fecha
Aunque Rockstar no ha soltado prenda, la comunidad ya ha empezado a reconstruir el mapa del juego a partir del tráiler y filtraciones. Se habla de un estado completo, Leonida, inspirado en Florida, con ciudades, pantanos, campos y hasta los Cayos. Un mundo vivo, cambiante, donde cada rincón cuenta una historia. Si fuera así, si se hubiera recreado un mapa tan enorme como un equivalente a un estado de Estados Unidos, creo que todos estos años de espera habrán valido la pena.
Más allá del crimen
GTA VI no solo promete acción y caos. Se espera una crítica social afilada, como ya es tradición en la saga. Redes sociales, influencers, fake news, política… Todo pasado por el filtro ácido de Rockstar. Porque si algo saben hacer, es reírse de todo y de todos, empezando por ellos mismos. Sólo hay que ver el tráiler para ver como pasamos de la TV, al Instagram y al resto de las RRSS donde podemos ver parte del mundo de Leonida a través de multitud de dispositivos.
¿El juego de la década?
Es pronto para afirmarlo, pero las expectativas están por las nubes. GTA VI no solo tiene que superar a su predecesor, sino también a una industria que ha evolucionado. Pero si alguien puede hacerlo, es Rockstar. Porque no se conforman con seguir la corriente: la crean.
Hoy revisitamos Vestida para Matar (Dressed to Kill, 1980), icónico filme de Brian de Palma y exponente ineludible y fundacional del thriller erótico, además de mejor homenaje a Alfred Hitchcock jamás hecho sin perjuicio de la fuerte impronta personal que caracteriza al realizador y que impone al filme.
Bienvenidos una vez más a nuestro retro-análisis. Cuando hace ya más de un mes este redactor publicara el de Misión a Marte (aquí disponible), dejé en claro que esa correcta película de ciencia ficción no era la más representativa del estilo Brian De Palma y me sentía por tanto obligado a revisitar lo antes posible una que sí lo fuera. Qué mejor entonces que Vestida para Matar (Dressed to Kill, 1980), controversial si las hubo y con la que De Palma influyó decisivamente sobre mucho del thriller que vendría después y especialmente el erótico, subgénero que prácticamente funda.
El filme nació de una idea del propio De Palma, quien después del éxito de Carrie (1976) y Furia (1978), buscaba regresar a una línea menos sobrenatural y más hitchcockiana como la que había transitado en Obsesión (1976). Fue él quien escribió el guion dando prioridad a temas relacionados con la identidad y la represión sexual, más alguna autorreferencia adolescente, pues el director solía , en sus años mozos, seguir y espiar a su padre cuando este se escapaba en aventuras extramatrimoniales.
Liv Ullmann y Jill Clayburgh fueron consideradas para el papel de Kate Miller, pero la primera lo rechazó porque se asustó ante la carga de violencia que le personaje conllevaba y la segunda tenía compromisos previamente contraídos. Fue así que recayó sobre Angie Dickinson la elección para un papel que se volvería icónico dando vida a una esposa madura pero sexualmente insatisfecha.
La actriz tenía una larga carrera en pantalla grande, habiendo estado en títulos como Río Bravo (1959) o A Quemarropa (1967), altos y clásicos exponentes del western y del cine noir respectivamente. Pero hacía rato que no tenía en cine un título resonante y sí en cambio en televisión, donde venía del éxito de La Mujer Policía, serie de gran suceso y audiencia emitida entre 1974 y 1978 que le valió un Globo de Oro y que fue, de hecho, la primera serie dramática en horario central protagonizada por una mujer.
Con su imagen de fémina madura a la vez que sensual, Angie encajaba a la perfección en el perfil buscado por De Palma y era reconocida, aun con los cuarenta y ocho años que para ese entonces contaba, como uno de los mejores pares de piernas de todo Hollywood, atributo físico del cual jamás renegó: “Es lo único que tengo para vender”, decía por el contrario.
Para el papel del psicoanalista (fundamental en una película que rendía homenaje a Hitchcock), se barajó como primera opción a Terence Stamp, pero se le descartó porque para el gran público estaba en ese momento demasiado identificado con el general Zod que había encarnado en el Superman de Richard Donner y estaba ya de hecho rodando la secuela. Se fue entonces por Sean Connery, quien mostró interés pero su agenda estaba saturada. La tercera y definitiva opción sería otro actor también veterano y británico como el gran Michael Caine, que venía de protagonizar Más allá del Poseidón (1979) y contaba ya en su curriculum con dos nominaciones para los premios Oscar.
El resto del elenco principal incluía a Nancy Allen, que para ese entonces era esposa del director (al punto de haber quienes cruelmente decían que ese fue el único criterio para su elección) y ya había trabajado a las órdenes de él en Carrie, pero también a las de otros prestigiosos realizadores como Robert Zemeckis (Locos por Ellos, 1978) o Steven Spielberg (1941, 1979).
La producción corrió por cuenta de George Litto en su segunda experiencia junto a De Palma, coincidencia con Pino Donaggio, que tenía a su cargo la banda sonora habiendo compuesto antes la de Carrie. La fotografía, mientras tanto, quedó en manos del alemán Ralf D. Bode ( Rocky, Fiebre del Sábado Noche, Quiero ser Libre). El rodaje se realizó mayormente en New York, aunque la icónica escena del museo fue hecha en Filadelfia.
Antes de pasar directamente a la trama, es bueno aclarar que a pesar de llevar idéntico título que una película de Sherlock Holmes de 1946, Vestida para Matar no es remake de la misma y el título en común es una frase muy habitual en inglés para referir situaciones en que el escenario parece anunciar asesinato premeditado.
La Historia
La película comienza con Kate Miller (Angie Dickinson) enjabonándose sensualmente bajo la ducha mientras la cámara, sin complejo de pudicia, se posa alternadamente sobre senos y vello púbico. En realidad no son de ella: rostro y cuerpo jamás aparecen en un mismo plano y el segundo pertenece en realidad a Victoria Lynn Johnson, modelo de la revista Penthouse.
Toda la escena presenta un fuerte sesgo onírico y Kate parece entregada a la autosatisfacción mientras su esposo, tras el mamparo contiguo, se afeita desnudo y la mira de tanto en tanto con aire indiferente. De pronto y sin que él se dé por enterado, alguien toma a Kate por detrás y le cubre la boca…
Todo es un sueño. Kate es una ama de casa que, no encontrando en su matrimonio satisfacción sexual, la busca en extraños, tal como nos muestra la increíble escena del Museo de Arte Metropolitano de New York (que en realidad es el de Filadelfia), donde se cruza con un extraño y, sin palabra de por medio, se advierte atracción mutua…
Ya fuera del museo, tienen sexo en el asiento trasero de un taxi y el orgasmo de Kate se fusiona en su nota aguda con la bocina de un auto para dar lugar a la siguiente escena que los muestra en el apartamento del caballero en cuestión, donde la historia ha seguido. Al marcharse, Kate se da cuenta que ha olvidado un guante y cuando regresa en ascensor a buscarlo, es atacada fatalmente con una navaja por un misterioso sujeto de sexo indefinido, lentes oscuros, gabardina y cabello largo y rubio…
Al detenerse el ascensor en el siguiente piso, una horrorizada muchacha se convierte en casual testigo no solo del cuerpo de Kate sin vida, sino también de la presencia del asesino, al cual ve en el espejo mientras, por accidente, el arma homicida acaba en sus manos, convirtiéndola ello luego en sospechosa para el detective de policía Marino (Dennis Franz).
La joven es Liz Blake (Nancy Allen), prostituta que se encontraba en el edificio por estar visitando a un cliente, pero la investigación tiene más aristas y Peter Miller (Keith Gordon), joven hijo de la mujer asesinada y nerd adicto a la tecnología, descubre que tanto su madre como el presunto asesino eran pacientes de un mismo psicoanalista llamado Robert Elliott (Michael Caine)…
No contaré más, pero se viene un escenario difícil en que, interpelados por la policía, tanto Liz como el doctor Elliott tendrán impedimentos para contar toda la verdad: ella por no poner en evidencia a su cliente y él por la reserva que su trabajo impone en cuanto a las intimidades que los pacientes revelan en sus sesiones. Peter y Liz se convertirán en inesperados socios y formarán una efectiva dupla para atrapar al asesino…
Un Mundo de Homenajes
Aunque parezca increíble, Brian De Palma jamás fue nominado al Oscar como mejor director y sí lo fue cinco veces para el Razzie. Para quién no sepa qué es eso, los Razzie son infames y dudosos galardones que, “premiando” supuestamente lo peor del cine, son entregados año a año por un selecto comité de imbéciles que creen saber mucho, pero no son capaces de reconocer calidad, innovación y sentido de la ironía. No estaría mal que desaparecieran, pero es difícil si cada año estamos atentos a los nominados…
Con decir que, de hecho, en 1980 Brian De Palma estuvo ternado como peor director junto a nada menos que Stanley Kubrick por El Resplandor, quizás la película con mayor número de escenas icónicas en la historia del cine: si los responsables de ello no se sienten idiotas hoy en día deberían preocuparse…
Es que las películas de De Palma, por alguna razón, siempre fueron mejor valoradas con la perspectiva del tiempo que al momento de su estreno, al igual que más reconocidas en los festivales europeos que en las premiaciones americanas (aquí mi artículo con los que son a mi juicio sus diez mejores filmes, publicado en 2020 con motivo de cumplir el realizador ochenta años). Ignoro la razón, pues por fortuna pertenezco a la inmensa masa descerebrada que las disfrutó desde el principio y consideró siempre a De Palma como el más grande director de suspenso que haya dado el cine después de Hitchcock.
No poco peso habrá tenido, por cierto, que el gran Alfred hubiese fallecido solo tres meses antes del estreno de Vestida para Matar, lo cual volvió inevitables las supuestas comparaciones reivindicatorias del tipo “no hay como Hitchcock y lo demás es pura bazofia o mala copia”.
Primero y principal, si vamos a considerar a De Palma como alumno de Hitchcock, hay que decir que fue y es sin duda el mejor de ellos (muy lejos le sigue el Curtis Hanson de los comienzos con filmes como Sweet Kill, Falso Testigo, Malas Influencias o La Mano que me mece la Cuna), pero ver a De Palma como simple émulo suyo y a Vestida de Matar como remedo de Psicosis (aquí retro-análisis) es entender poco o quizás nada.
Que la película está repleta de homenajes es algo que no deja dudas: ya apenas comenzar tenemos las primeras referencias con una escena de ataque en la ducha y hasta un doble de cuerpo (en Psicosis, el de Janet Leigh era doblado en la famosa escena por el de Marli Renfro, conejita dePlayboy). Por lo demás, hay esquizofrenia, traumas, personalidades divididas e incluso, con carácter más irónico que científico, explicación psicoanalítica en la seccional policial una vez que todo está resuelto. Y vuelve a haber escena de ducha al final…
Sumémosle un cambio de protagonista femenina al morir la primera y una dupla dispuesta a atrapar al asesino, sin olvidar los mensajes en el contestador del doctor Elliott (que recuerdan a las conversaciones en off mientras Marion Crane iba al volante) o el agónico deslizarse de Kate dentro del ascensor, casi un calco del de Marion tras ser acuchillada en la ducha. Más aún: Psicosis no es la única película de Hitchcock homenajeada, ya que hay también sutiles referencias a La Ventana Indiscreta (1954) o Recuerda (1945).
Pero probablemente quienes estaban atentos a tanto detalle hitchcockiano no hayan captado por ejemplo que De Palma rinde también claro tributo al giallo italiano (especialmente a Dario Argento) con sus colores chillones, la iluminación de interiores (muy semejante a la de El Resplandor en el mismo año), la comunión entre sangre y sexo o los planos detalle, ya sea de rostros (con particular insistencia en ojos) o de navajas. Si casi nadie lo advirtió en su momento, habrá sido por no tener idea sobre el giallo o considerarlo quizás basura itálica no calificable como cine.
Con Sello de Autor
Pero el hecho de que el cine de De Palma muestre y haga evidentes tantas influencias no va en desmérito del inconfundible sello personal que imprime a sus realizaciones. El permanente y mentado homenaje a Hitchcock que muchos, de manera miope, ven como único y excluyente rasgo de su obra es la base para contar una historia propia y, sobre todo, con una estética propia que a veces, justamente, importa más que la historia misma.
No tiene sentido, por lo tanto, preguntarnos cómo sabía el asesino que Kate regresaría por el guante, como tampoco ponernos a pensar qué tan verosímil pueda ser que a Liz la libren tan rápido de sospechas como para andarse moviendo a sus anchas (aunque, ojo, ese detalle cobra sentido sobre el final). Vestida para Matar no es un policial convencional ni mucho menos un whodunit y por mucho que en su momento pudiese haber sido considerado basura comercial, es cine de autor con mayúsculas y lo visual tiene una fuerza preponderante.
Por muchos parentescos que encontremos con otras películas, lo que hace De Palma es utilizar esos antecedentes o incluso nuestro propio conocimiento cinéfilo para llevarnos a esperar algo distinto de lo que termina sucediendo. Y lo mismo hace con nuestros preconceptos sociales, como en la escena en que un grupo de afroamericanos persigue a Liz por las calles neoyorquinas: no se trata de transmitir prejuicio racial sino de jugar con el que probablemente el propio espectador tenga y generar así un efecto distractor que haga a este ver el mal en otro lado…
Y no es un ejemplo azaroso: la película ha sido exageradamente acusada de racismo y misoginia, así como de glorificar la violencia de género y transmitir una idea negativa sobre la transexualidad. Desde ya que, como siempre digo, son apreciaciones anacrónicas que no ubican al filme en su justo contexto pero que, además y más importante, tampoco aciertan con el punto central que, como en Psicosis (aunque con un carácter diferente sobre el cual no quiero espoilear), tiene más que ver con la esquizofrenia y la no aceptación que con la orientación sexual, que termina siendo secundaria.
La acusación de misoginia resiste aun menos el análisis. Es absurdo pretender ver en el filme un compendio de moral para aleccionar a las mujeres que pretendan vivir su sexualidad libremente o, de manera más amplia, a los infieles: esto no es Atracción Fatal. El mal, contrariamente, está aquí asociado a quienes, desde una moral pacata y conservadora, buscan cercenar libertades y relacionar al sexo con valores negativos.
Es más: si nos ponemos puntillosos, el asesino (que a partir de su propia no aceptación termina siendo la encarnación de tal prejuicio) no la acaba llevando bien. Y el cónyuge de la persona que ha sido infiel (contrariamente a lo que ocurre en Atracción Fatal) parece enterarse tan poco de que Kate ha muerto como de que antes estuviera viva.
En todo caso, a lo que apunta la película es a asociar al sexo con la muerte pero no buscando aleccionar ni presentarlos como causa y consecuencia. De lo que se trata, una vez más, es de verlos como complementos y experiencias que, no por extremas, dejan de ser fascinantes y estar en algún punto emparentadas.
Los recursos estéticos que son marca registrada de Brian De Palma están todos y cada uno presentes, desde las cámaras lentas (genio indiscutido) hasta las pantallas divididas o las dioptrías con profundidad de campo, todo ayudado por la magnífica fotografía de Ralf D. Bode, quien se había hecho especialmente conocido por la escena de Rocky en que Stallone ascendía los escalones del Museo de Arte de Filadelfia, mismo que, simulando ser el Metropolitano de New York, se usó para esta película en una de las escenas más formidablemente filmadas en thriller alguno.
La música de Pino Donaggio, habitual colaborador en los filmes de De Palma, aporta por su parte un toque retro que remite a banda sonora de los cincuenta o sesenta y que, aun cuando pueda sonar romántica o hasta de telenovela, consigue sugerir todo el tiempo que algo siniestro va a ocurrir de un momento a otro. En pocas películas, de hecho, se combinan tan bien música y fotografía aunque, claro, eso sería imposible sin un gran director al frente para lograr que ello ocurra.
Y ya que hablamos de méritos del realizador, no se puede negar lo poco reconocido que está de De Palma como director de actores cuando son muchos los que han conseguido sus mejores trabajos en filmes suyos. Lo de Michael Caine no sorprende, pero le cabe aquí una de sus mejores actuaciones, lo cual es mucho decir para tan profusa y brillante carrera.
Dennis Franz y Keith Gordon son dos casos de mala suerte: dos grandes actores de los cuales no se entiende por qué no alcanzaron nunca el estatus de estrellas. El primero de ambos fue quedando relegado a papeles eternamente secundarios o bien a series televisivas, siendo quizás su personaje del teniente Buntz en la exitosa Hill Street Blues (otra vez policía) el más reconocible.
En cuanto a Keith Gordon, será citado tres años después porJohn Carpenter para Christine (aquí retro-análisis) y visto en alguna que otra comedia de los ochenta y noventa para decantar finalmente a rol de director, tanto en cine como en series. Aquí compone a un nerd brillante y, para su edad, insólitamente desinteresado por el sexo, casi la antítesis de su madre o de Liz, lo cual no le impide amar a la primera ni comprometerse en la resolución del asesinato con la segunda y trabajar en sociedad con ella.
De hecho, Nancy Allen no está nada mal y fueron, como antes he dicho, injustos los ninguneos de que los que fue víctima por ser pareja de De Palma. Compone con Gordon una dupla de gran química: el nerd y la prostituta que trabajan a las mil maravillas juntos, pero entre quienes no hay casi tensión sexual. De haber sido rodado el filme por estos días, estoy seguro que hubiera dado lugar a una serie spin-off dedicada a ellos.
Valoración y Legado
Vestida para Matar se estrenó simultáneamente un 25 de julio de 1980 en Los Angeles y New York, recibiendo buena respuesta de la taquilla, pero mixta de la crítica, siendo solo unos pocos los que supieron captar el carácter rupturista y fundacional del filme o los méritos estéticos que lo elevan a cine de autor y obra de arte.
Para Estados Unidos existen dos versiones: una con censura y otra sin ella. Es que la película fue inicialmente calificada con X y ello obligó a cortar unos treinta segundos para hacerla acreedora de una menos antipática R. Así, la versión que llegó a los cines estadounidenses en aquel momento tenía (a diferencia de la estrenada en Europa) unos treinta segundos menos que implicaban menos vello púbico en la escena de la ducha, menos sangre en la del ascensor y un tono menos explícito en las charlas de Liz con el doctor Elliott.
Como suele pasar con las películas que marcan un quiebre (y a decir verdad con la mayoría del cine de Brian De Palma), Vestida para Matar no fue en su momento valorada en su justa medida como hoy lo es. Viéndola en retrospectiva, es una joya que abre un subgénero o quizás un género nuevo, además de, modesta opinión, obra cumbre de De Palma, lo que no es decir poco. Un enorme homenaje a Hitchcock y al giallo italiano que, no obstante, irradia la suficiente personalidad como para no ser absorbida ni subsumida por ninguno de los referentes a los que rinde tributo.
Se sostiene sobre un magistral manejo del suspenso, una fotografía inquietante, unos brillantes planos secuencia y unas sólidas actuaciones que hacen que la película sobreviva a su tiempo y sea hoy en día una absoluta necedad negar su influencia sobre mucho del thriller erótico que, sin superarla, llegaría después…
Por si les interesa leer otros retro-análisis de películas de Brian De Palma en nuestra web, les dejamos los correspondientes links.
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Invencible 1. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
Invencible 1, el principio de uno de los mejores cómics de la historia reciente
Hay obras que te atrapan desde la primera página. Otras lo hacen poco a poco, como una tela de araña que se va tejiendo sin que te des cuenta. Y luego está Invencible, ese cómic que comienza como si estuviéramos ante otra historia de adolescentes con superpoderes, y que sin previo aviso te golpea con una violencia y una emoción que no veías venir. Ahora, Planeta Cómic nos trae su primer integral de seis, un tomo colosal que recopila los primeros 24 números de la serie de Robert Kirkman, y que se convierte desde ya en uno de los lanzamientos más potentes del año. Y no olvidemos que justo este mismo año Planeta Cómic ha comenzado con la reedición en integrales de gran calidad de Astro City y de The Walking Dead. Canela fina.
Para quienes no lo sepan, Invencible es la historia de Mark Grayson, un chaval corriente que resulta ser hijo del superhéroe más poderoso del planeta, una especie de Superman con bigote. Cuando Mark empieza a desarrollar sus propios poderes, se abre para él un mundo nuevo de capas, vuelos y golpes descomunales. Pero lo que comienza como un homenaje claro al género superheroico de toda la vida, se va transformando en un retrato crudo, sorprendente y a ratos demoledor de lo que realmente implica tener ese “don”. Y es que toda la primera parte engancha del todo, ya que vemos crecer y desarrollarse a nuestro protagonista con paralelismos con otros héroes del pasado, incluyendo a Peter Parker. Invencible es un pedazo serie como la copa de un pino
Este primer integral —más de 700 páginas en tapa dura— nos permite acompañar a Mark en sus primeros pasos como héroe, conocer a su entorno, y descubrir poco a poco que nada es tan sencillo como parece. Y no quiero contar más para no estropear ninguna sorpresa, aunque con la serie de televisión guardar los spoilers es más difícil. El guion de Robert Kirkman, conocido por The Walking Dead, va tejiendo una red de personajes y tramas que se van complicando con inteligencia. Aquí no hay personajes buenos y personajes malos totalmente planos. Hay dilemas morales, relaciones rotas, traiciones familiares, y momentos que te dejan con la boca abierta, y un hilillo de baba cayendo por la boca.
Pero lo que más destaca de este integral es cómo se construye ese “giro” que marca un antes y un después en la serie. Sin entrar en spoilers, hay un punto de inflexión (los que lo han leído o visto la serie lo saben perfectamente) que cambia el tono de la historia para siempre. Y lo hace sin trampa ni cartón. Solo con narrativa bien hecha y una confianza plena en que el lector sabrá apreciar que esto va mucho más allá de lo habitual.
El arte también juega un papel clave. Cory Walker pone las bases en los primeros números con un estilo claro, limpio y funcional, y luego llega Ryan Ottley, que convierte la serie en una explosión de dinamismo. Su trazo, a medio camino entre la expresividad de los cómics de los 90 y la fluidez actual, se adapta como un guante a los cambios de tono. Cuando hay acción, sientes los impactos. Y cuando hay drama, lo notas en cada gesto. Pocos dibujantes han sabido manejar tan bien la intensidad emocional como Ottley a lo largo de esta serie.
La edición de Planeta está a la altura de lo que uno espera de un integral. Buen papel, encuadernación sólida y una traducción que respeta el tono juvenil, directo y con chispa del original. Además incluye material extra: bocetos, comentarios y páginas inéditas que son un plus para todos los fans del 9º Arte que siempre queremos ver algo más de la concepción del cómic.
El primer integral de Invencible es, sin ninguna duda, uno de los lanzamientos imprescindibles del año. Un cómic que empieza como un tributo y acaba siendo una revolución. Gracias, Kirkman. Gracias, Planeta. Y gracias, Mark Grayson, por recordarnos que crecer, incluso con superpoderes, puede ser lo más duro (y lo más bonito) del mundo.
¡Llega el primer tomo recopilatorio de INVENCIBLE de Robert Kirkman en la que se inspira la exitosa serie de animación de Prime Video!
¡Más de 700 páginas de la icónica serie! Cualquier apasionado de Invencible debe tener uno de estos en su estantería.
Mark Grayson es como todos los chicos de su edad. Estudia el último curso en un instituto normal y corriente. Tiene un trabajo asqueroso después de clase y los fines de semana. Le gustan bastante las chicas, pero no las entiende. Le gusta salir con sus amigos y levantarse tarde los sábados (o, al menos, levantarse cuando empiezan los dibujos buenos). La única diferencia entre Mark y los demás chicos de su edad es que su padre es el superhéroe más poderoso del planeta, y al parecer, él ha heredado los mismos poderes que su padre. Llevar a sus espaldas el legado de su padre será el origen de los problemas de Mark.
Esta entrega recopila la popular serie de cómics: Invincible #1-24, #0 y el Image Comics Summer Special #1. Incluye una maravillosa introducción de Robert Kirkman y cuenta con más de 140 páginas de materiales adicionales creadas para el aficionado definitivo de Invencible con bocetos, diseños y páginas originales con comentarios de los autores.
Esta semana acabó la primera parte de Daredevil: Born Again. Mi compañero Juanma comenzó los análisis de forma muy entusiasta pero hacia la semana en que se estrenaron conjuntamente los capítulos 5 y 6 sus expectativas comenzaron a desmoronarse.
Yo en cambio nunca fui tan optimista. En el primer capítulo ya observé ciertas carencias que se irían haciendo más palpables a lo largo de los siguientes episodios. Para empezar la desastrosa escena de acción de Daredevil contra Poindexter con ese DD moviéndose de forma tan antinatural por culpa de un lamentable CGI.
Luego, la serie toma un arco que a mi personalmente me pone de los nervios en una serie de 9 horas; el personaje deja el traje. Y pasamos a una serie de abogados. Aquí los defensores acérrimos aplaudieron. ¿Qué esperabas de una serie de abogados? Y llegaron a compararla con la de Hulka: Daredevil sí es una buena serie de abogados decían, claroooooo, ¿estábamos viendo Ally McBeal y no lo sabíamos?
Después hemos tenido a un superhéroe latino, Tigre Blanco, uno de los mayores bluffs de la temporada. Un buen actor (Kamar de los Reyes, descanse en paz a todo esto) desperdiciado en una trama absurda como ella sola. Al igual que el final del personaje. Un superhéroe con poderes místicos otorgados por un medallón se dedica a pasear por la noche y es ejecutado en una esquina por un energúmeno con la calavera de Punisher (ahora iremos al meollo del asunto, el maltrato a Punisher). ¿En serio, Tigre Blanco? ¿Tan fácil eres de matar? Es una escena ridícula, como ridícula será la escena en que Murdock recuperará el casquillo.
Otro aspecto sonrojante fue el arco de Muse, un asesino en serie que en apariencia podría ser hasta un villano de temporada pero como en Born Again lo hacen todo a lo loco se lo ventilan en un santiamén. Y menuda lástima porque el personaje molaba mucho, daba grima.
Jon Bernthal nos ha dado cobaso gordo
Y llegamos a la gran nada (esto es un juego con el título de cierto comicazo de El Castigador). Nos han bombardeado en los últimos meses con imágenes de la serie con Punisher en acción y cada capítulo que pasaba nada de Frank. Hasta el momento más sonrojante. ¿Será que soy muy exigente? El encuentro de Castle con Murdock en la «Batcueva» del primero en el cuarto capítulo. Y nuevamente todo el mundo pitoso por ese encuentro. Un conformismo brutal.
Un episodio 9 a todas luces inconsistente y condescendiente
Acabo de echar bilis en el artículo y lo hago con el último capítulo emitido. Mi compañero Juanma me decía que sí, que este capítulo estaba muy bien. Y como muestra, la crítica del episodio. Yo no puedo estar más en desacuerdo. El episodio tiene buenos momentos pero lo de El Castigador contra los polis de Fisk es muy fan service.
Al final la trama es muy cansina con un Wilson Fisk cuya transformación de alcalde a Kingpin olíamos a centenares de kilómetros. Y ojo, no lo he dicho, Vincent D´Onofrio ha sido lo mejor de la serie, pero aun así está muy contenido por el tema de estar sentado en la silla de alcalde, solo cuando sale de ahí el actor hace maravillas con el personaje.
Consideraciones finales
Esta serie es el fiel reflejo de lo que estamos viviendo con el Universo Cinematográfico Marvel, el cual lleva bastantes películas dando coletazos sin rumbo. El caso más sonrojante ha sido el de Capitán América: Brave New World; después de una trilogía apasionante nos llegaba hace poco una cinta que nos mostraba lo peor del UCM, una película entretenida, pero con absurdas ideas y personajes de cero carisma. Así teníamos un Capitán América que está a años luz del de Chris Evans, un Hulk Rojo que daba vergüenza ajena y una Viuda Negra que después de las dos que hemos tenido…. me callo.
Esta «cuarta» temporada de Daredevil es pues fiel reflejo del devenir de «los productos» de Kevin Feige. Aun así, y a riesgo de contradecirme, me ha parecido lo mejor de Marvel en los últimos tres años; ahí lo dejo. A propósito, el showrunner Dario Scardapaneha confirmado la parte 2 de Daredevil: Born Again para marzo de 2026.
Habemus nuevo tráiler de Los 4 fantásticos y me he dado cuenta que apenas vemos en los dos tráilers que llevamos como se mueve Reed Richards con su poder. Parece visto por los tráilers que mucha acción no habrá pero pinta realmente bien la cinta.
Una ambientación sesentera y a la vez retrofuturista que le viene como anillo al dedo. En este sentido se nota mucho que dirige Matt Shakman, realizador de Wandavisión.
Y ya que hemos hablado de quien dirige cabe citar el reparto: Pedro Pascal, Vanessa Kirby, Joseph Quinn y Ebon Moss-Bachrach dan vida a Los 4 Fantásticos, Ralph Ineson como Galactus, Julia Garner como Silver Surfer, Paul Walter Hauser, John Malkovich, Natasha Lyonne, Sarah Niles o Mark Gatiss completan el reparto.
Os dejo con la sinopsis:
«Ambientada en el vibrante telón de fondo de un mundo retro-futurista inspirado en los años 60, ‘The Fantastic Four: First Steps’ presenta a la Primera Familia de Marvel: Reed Richards/Mister Fantástico (Pedro Pascal), Sue Storm/Mujer Invisible (Vanessa Kirby), Johnny Storm/Antorcha Humana (Joseph Quinn) y Ben Grimm/La Cosa (Ebon Moss-Bachrach), quienes enfrentan su desafío más formidable hasta la fecha. Obligados a equilibrar sus roles como héroes con la fortaleza de su vínculo familiar, deben defender la Tierra de un voraz dios espacial llamado Galactus (Ralph Ineson) y su enigmático Heraldo, Silver Surfer (Julia Garner). Y como si el plan de Galactus de devorar el planeta entero y a todos sus habitantes no fuera suficiente, la amenaza pronto se vuelve profundamente personal».
Sin más os dejo con el tráiler. La película se estrena el 25 de julio de 2025, ojo, dos semanas después del ‘Superman‘ de James Gunn. Se avecina drama en las taquillas.
PD: Tenía ganas de poner esta mítica intro de la serie animada de los 90
Buenas noticias para los usuarios de Nintendo Switch. Star Overdrive llegó a la consola híbrida el 10 de abril de 2025. Este título indie, desarrollado por Caracal Games y publicado por Dear Villagers, combina acción y exploración espacial, ofreciendo una experiencia única para los jugadores que buscan algo diferente en la eShop.
En Star Overdrive, los jugadores asumen el papel de Bios, un aventurero varado en un planeta alienígena desconocido. Equipado con una aerotabla hipersónica y un keytar con poderes especiales, Bios debe enfrentarse a peligrosos enemigos, resolver intrincados puzzles y descubrir los secretos ocultos en diversos biomas del planeta. La combinación de navegación fluida con la aerotabla y combates dinámicos crea una experiencia de juego fresca y emocionante.
La estética del juego es otro de sus puntos fuertes. Con gráficos estilizados y una paleta de colores vibrante, cada entorno invita a la exploración y al descubrimiento. La banda sonora, compuesta por melodías sintetizadas, complementa perfectamente la atmósfera futurista y añade una capa adicional de inmersión.
Star Overdrive fue presentado originalmente en el Nintendo Direct de agosto de 2024, donde captó la atención de los fans de la ciencia ficción y las aventuras de acción. Los desarrolladores han citado a The Legend of Zelda: Breath of the Wild como una de sus mayores inspiraciones, lo que se refleja en la libertad de exploración y en el diseño abierto del mundo del juego. No olvidemos que Zelda posiblemente sea uno de los mejores juegos de todos los tiempos.
Para aquellos que buscan una experiencia diferente en Nintendo Switch, Star Overdrive ofrece una combinación de exploración, acción y resolución de puzzles en un entorno de ciencia ficción. Un juego megaadictivo.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy queremos anunciar la celebración del Superman Day 2025. Y aunque en España no se celebre con la misma intensidad que el Batman Day, no queremos desaprovechar la oportunidad para hablaros del superhéroe más grande de todos los tiempos.
18 de abril: Superman Day 2025
Cuando era pequeño … Allá en los años 80′ Conocí a Superman por la mítica película Superman The Movie, estrenada en 1978 y protagonizada por el actor que mejor ha encarnado a Superman: Christopher Reeve.
¿Es un pájaro? ¿Es un avión? No … ¡Es Superman!
Después llegaron los tebeos de la mítica Editorial Zinco. Pero este personaje de ficción, quizá el mejor personaje de todos los tiempos, nació mucho tiempo atrás.
Apareció por primera vez en la serie de cómics estadounidense Action Comics. Fue creado por el guionista estadounidense Jerry Siegel y el artista, dibujante e ilustrador canadiense Joe Shuster, el 18 de abril de 1938.
Superman es el último hijo del planeta Krypton. Nació bajo el nombre de Kal-El, hijo del científico Jor-El y de Lara Lor-Van. Momentos antes de la explosión del planeta, debido a un cataclismo natural, sus padres enviaron a Kal-El en un pequeño cohete, dirigido al planeta Tierra.
La nave del pequeño Kal-El aterrizó en un campo de la pequeña localidad agrícola de Smalville y fue encontrado por el entrañable matrimonio formado por Jonathan y Martha Kent. El pequeño fue adoptado por el matrimonio Kent y le dieron el nombre de Clark.
En contraposición a los efectos del sol rojo, que bañaba con su luz la superficie del planeta Krypton, el sol amarillo que aporta luz y calor al planeta Tierra, despertó en el joven Kal-El unas habilidades y poderes que le situaban más allá de la humanidad.
La familia Kent educó al joven Clark en la verdad, la justicia y los valores americanos. Y bajo la identidad de Superman, ha dedicado su vida a proteger esos valores y nuestro planeta.
Y después del nacimiento de Superman, nada volvió a ser lo mismo en la historia del noveno arte.
Mientras que Clark Kent trabaja como periodista en el Daily Planet, en la ciudad de Metrópolis, Superman protege nuestro planeta de la injusticia y de la tiranía.
Y tras este brevísimo resumen del origen de Kal-El, hablemos del presente y del futuro.
Dicho esto, hago un breve inciso expresando mi molestia por el protagonismo que se otorga en España al Batman Day. Todos los años se celebra. Sin embargo, no recuerdo ninguna celebración del Superman Day en nuestro país. Este artículo pretende revindicar esa celebración.
Todos sabemos que Panini Cómics, tras adquirir los derechos de publicación de DC Comics en España, ha iniciado sus primeras publicaciones de DC este mes de abril.
La manera prematura en que ha tenido que hacerse cargo de DC, siendo las primeras impresiones muy positivas, ha imposibilitado que pueda preparar una celebración tan importante como es el Superman Day.
Esperemos que para el año que viene, pueda hacerlo como este grandioso personaje se merece.
No debemos olvidarnos que el próximo 11 de julio, se estrenará el film de Superman, a cargo de James Gunn. Debo hacer mención al artículo que escribió recientemente mi compañero Rodolfo Del Bene. Pinchad aquí para acceder al artículo de Rodolfo.
Aprovechando el estreno de la película, Panini Comics hará gala de lo bien que sabe hacer las cosas y tendremos mucho del personaje. Tenemos un artículo de mi amigo y compañero Mario Losada, sobre el Avance del Plan Editorial de Panini Cómics para DC en 2025, pinchando aquí.
Lo cierto es que estoy muy ilusionado con la publicación de DC, por parte de Panini Comics. También lo estoy por el film de James Gunn. Quiero que me guste, lo espero y lo ansío.
‘Daredevil: Born Again’ ha llegado a su final (al menos la primera temporada) y he de ser sincero, me ha costado mucho llegar hasta aquí ya que Disney no ha cumplido las expectativas que había depositado en su diablo de Hell’s Kitchen. Mientras el episodio 9 destaca como un faro de calidad, el resto de la temporada se ahoga en mediocridad, lo que me plantea pregunta: ¿Merece la pena esas ocho entregas de irregularidad para llegar a un final que, aunque brillante, no alcanza la altura del legado de Netflix?
Solo hace falta leer el resto de análisis de los episodios anteriores para saber que esta nueva propuesta de la casa de Mickey Mouse no ha sido totalmente de mi agrado, lo que nos presentó hace años Netflix fue algo que encandiló al mundo entero y continuar su legado era tarea muy difícil.
Yo puedo entender que en temporadas de 20 episodios tengamos algunos que sean flojos para cubrir metraje y que llegue a ese número de capítulos, pero cuando eso ocurre en una que solo consta de 9, pues la cosa no funciona.
Tengo la sensación que se han ido lanzando ideas contra la pared para ver cual es la que se quedaba pegada y continuarla, dejando el resto para otro día u otra temporada. Ha sido esa carencia de ritmo la que ha lastrado a ‘Daredevil: Born Again’, dejándonos momentos que tienen el sabor de lo anterior y otros que se han escrito con torpeza y poco mimo.
Si había algo que tenía esta ficción era personajes con mucho potencial, desde Foggy hasta Frank Castle, pasando por Karen Page y sin olvidar a Fisk. Y tras nueve capítulos no puedo más que suspirar por que no pudo ser y no fue, por un ‘quiero y no puedo’ y resignarme a lo que me han dado. Que hayan relegado a simples cameos a pilares emocionales de la serie original me parece de no saber que hacer con Matt Murdock y su universo.
Si había algo mejor que ver a Daredevil en acción era ver su némesis haciendo lo propio y aquí Vincent D’Onofrio hace lo que puede con lo que le da un guion no está a la altura de su Kingpin en ningún momento.
No voy a valorar positivamente la serie por un único episodio, por un final que se ha acercado a lo que vimos en Netflix no voy a olvidar todo lo que he visto. Lo siento.
En este último capítulo vemos una gran secuencia de acción, con la aparición de ‘The Punisher, pero incluso ahí, carece del impacto de las que hemos visto anteriormente. Esa brutalidad poética que destilaban. Parece que siempre tengo en la boca la palabra ‘Netflix’, pero es que de ahí viene este personaje y esa es la referencia que deberíamos tener como estándar de calidad.
Pese a lo sobresaliente que ha sido este capítulo (con respecto a los anteriores), parte de una premisa muy anticlimática, ya que con el cliffhanger final del episodio anterior solo cabían dos opciones: Postrar a Matt en una cama y que no participase o que sus heridas no fueran tan graves. La serie se ha inclinado hacia lo más fácil, y no me vale que después de cuatro volteretas y 5 acrobacias Matt se apoye en la pared con cara de cansado, no es creíble.
Son esas decisiones tan cuestionables las que hacen que vaya perdiendo puntos la propuesta de Disney a cada capítulo.
Matt, acorralado por un Fisk que trata de ser más manipulador que nunca y un 2×1 en sangre no me hace olvidar que todo lo que ha pasado aquí podían haber sido 4 episodios y que este fuese el conocido ‘Middle-Season twist’ que hiciese crecer exponencialmente la temporada.
El problema no es que este último episodio sea bueno; es que el contraste con el resto es una colección de oportunidades perdidas. La casa del ratón parece empeñada en estirar las historias con relleno que poco sirve. Este buen final llega tarde, demasiado tarde, para salvar una temporada que ya había agotado mi paciencia.
¿Vale la pena ver la temporada para este final? Si eres muy fan del diablo de Hell’s Kitchen el episodio 9 justifica parcialmente el viaje, si no, puedes ver un resumen por internet y empezar por la segunda cuando se estrene. Cox y D’Onofrio siguen siendo carismáticos con lo que hay, pero si esperabas el regreso triunfal del tono y la calidad de Netflix, ‘Daredevil:Born Again’ decepciona.
Es una serie irregular, atrapada en un UCM que está en decadencia y que pese al rayo de esperanza que es el capítulo final, no basta. Ojalá que la segunda temporada arranque mejor y supere en calidad a esta, porque si no es así, os puedo asegurar que me bajo de ella sin pensarlo.
Aquí os dejo el tráiler de esta nueva temporada de ‘Daredevil: Born again’:
En lo que constituye la tercera experiencia de Mike Flanagan en dirigir una película basada en la obra de Stephen King, La Vida de Chuck recrea la historia de un hombre en reversa y está protagonizada por Tom Hiddleston. Tras previo teaser el mes pasado, tenemos ahora tráiler oficial completo…
“Está basada en una historia de Stephen King – ha manifestado Flanagan – y estoy yo, así que es muy razonable suponer que daría miedo, pero no es así. Quiero que la disfruten, pero creo que deberían dejar sus expectativas en la puerta si esperan que les dé miedo porque se llevarán una gran decepción”.
Casi confirmando sus palabras, la productora Neondio ayer a conocer el tráiler completo (después del teaser de un mes atrás) y es por demás significativo que en el mismo se haga referencia a King como “el legendario autor de La Milla Verde, The Shawshank Redemption y Cuenta Conmigo”, las cuales son, qué duda cabe, historias queridas y entrañables de su obra, pero ninguna ligada al terror. Una forma de no dar una idea equivocada o bien de atraer a un público que busca otro tipo de propuesta, si se quiere más luminosa u optimista.
Aquí podéis ver el tráiler para España…
Y aquí en inglés original y subtitulado…
Protagonizada por Tom Hiddleston (Loki), La Vida de Chuck se basa en un relato de King publicado en 2020 que cuenta la historia de un hombre común pero en reversa, es decir desde la muerte hasta la infancia, comenzando por el momento en que es diagnosticado con un terminal tumor en el cerebro, el cual le atormenta y hace experimentar extrañas y perturbadoras visiones en que el mundo pareciera venirse abajo, con estrellas que explotan y ciudades que se desmoronan.
A partir de allí, iremos desandando el camino para recorrer tres momentos distintos de su vida que nos irán permitiendo entender el origen y naturaleza del mal que le aqueja. La cosa viene de tono existencialista y con un surrealismo poco habitual en la filmografía de Flanagan, pero a la larga apunta a un mensaje positivo que termina por celebrar la vida y entender a la muerte como parte de la misma (planteo coincidente con La Historia de Lisey).
Se trata de la tercera vez que los nombres de King y Flanagan aparecen juntos, pues este último dirigió previamente El Juego de Gerald (2017) y Doctor Sueño (2019), sendas adaptaciones del autor de Maine. Y recordemos que el realizador tiene también en carpeta una serie basada en Carrie que cuenta con el visto bueno del escritor a pesar de haberse mostrado este en un principio reacio a la idea de revisitar esa icónica historia que diera cinco décadas atrás el puntapié inicial a su carrera.
El estreno de La Vida de Chuck está previsto en Estados Unidos para el 6 de junio, pero llegará a los cines de Latinoamérica el 21 de agosto y de España el 22 de agosto.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy queremos comentaros una noticia que saltó hace unos días «al otro lado del charco«. Image Comics anunció que aumentará el precio de la colección de Spawn. Vamos a comentarlo.
¿Aumenta el precio de la serie de Spawn en USA?
Como ya os he comentado al inicio, hace tan solo unos días, saltó la noticia en los USA. La serie regular de Spawn, que cuenta en estos momentos con 363 números, después de 15 años manteniendo la serie a 2,99$, aumentará su precio y pasará a costar 3,99$.
Este ajuste de precios viene, al perecer, por comentarios en el mundillo del noveno arte, que aseguraban que la serie de Spawn estaba infravalorada al tener el precio más bajo del mercado en comparación cons con el resto de series del cómic americano de la competencia.
Image Comics no es partidaria de aumentar el precio de sus tebeos y prefieren administrar el aumento de los costes de producción, sin repercutirlo en los lectores. Es una manera muy inteligente de hacer la competencia a las todopoderosas Marvel y DC.
A pesar de toda esta estrategia económica, tenían prevista la subida de precio, a partir del número 363.
Y aquí salió a jugar el bueno de Todd McFarlane. El creador del ya mítico personaje intervino en este maremoto y aseguró que el precio de la serie regular de Spawn mantendría el P.V.P. de $ 2,99. Al menos hasta final de año.
Un representante de Image Comics declaró:
«Hemos estado discutiendo aumentar el precio de SPAWN durante algún tiempo, que ha tenido un precio más bajo que la mayoría del resto de nuestros cómics.
Este aumento sería principalmente en respuesta a los comentarios que sostenían que la serie estaba infravalorada para los estándares actuales del mercado.
El hecho que la noticia sobre el aumento del precio se anuncie en torno a las nuevas políticas arancelarias, anunciadas por el nuevo nuevo Presidente de los EEUU, ha sido una simple coincidencia.
En última instancia, esperamos no tener que aumentar los precios de nuestros libros en reacción a los nuevos aranceles y hemos estado explorando todas las opciones para evitar ese escenario y mantener nuestros cómics y novelas gráficas a un precio razonable para el consumidor».
Parece ser pues que la nueva política arancelaria no afectará al precio de los cómics en los EE.UU.
Esto es una buena noticia para los lectores españoles (y del resto del mundo en el que se venden los cómics americanos), puesto que si aumentara los precios en el país de origen, estoy seguro que nos afectaría también a nosotros.
Por nuestra parte, deciros que estaremos atentos a todas las noticias que podamos recibir al respecto y os contaremos por aquí.
Por el momento, solamente podemos desearos una cosa …
Penúltimo episodio de la tercera temporada de La Rueda del Tiempo, cuyo título es Ojos Dorados y en el cual la cosa viene de batalla y a pura épica. La serie, creada por Rafe Judkins y basada en la saga de novelas de Robert Jordan, es emitida por Prime Video.
Hola otra vez y bienvenidos sean a un nuevo giro de La Rueda del Tiempo, el cual nos deja ya a un único episodio de concluir una tercera temporada que ha volado realmente alto y confirmado el rumbo de mejora que la serie había mostrado en la segunda. Y este penúltimo capítulo tiene además el plus de Perrin como principal protagonista, un reclamo que venían haciendo largamente los fans que pedían mayor fidelidad a los libros.
Pasemos pues ya mismo a ver qué nos ha dejado esta nueva entrega de La Rueda del Tiempo no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos. Dicho esto, a la batalla…
Preparativos
Devenido impensadamente en líder, Perrin prepara las defensas de Dos Ríos para el combate. Maksim entrena a los aldeanos en el uso de armas y Alanna intenta enseñar a manipular el Poder Único a las muchachas que han quedado huérfanas (Bode y Eldrin), así como a una anciana zahorí local con habilidad de encauzar.
Perrin, por otra parte, intenta una alianza temporal con los Capas Blancas, pero no está fácil negociar y menos con Dain Bornhald, a cuyo padre él mató. Ni siquiera surte efecto equiparar las cosas echándole en cara su pasividad ante la tortura y consecuente muerte de Natti ni que Perrin se ofrezca a entregarse a la justicia de la Luz si le dan su apoyo. Simplemente dan media vuelta y se marchan.
Hay alarma al aproximarse carretas, pero se trata de un grupo de pacíficos caravaneros tuatha’an, entre los cuales se hallan Aram (Daryl McCormack) e Ila (Maria Doyle Kennedy), personajes a quienes tanto nosotros como Perrin conocemos desde que en la primera temporada se cruzaran con él y con Egwene.
No traen buenas nuevas: han sufrido un ataque de los trollocs que, obviamente, andan cerca y Perrin presume que atacarán en la noche. Se les da asilo, pero ni se intenta sumarles a la defensa, pues sabida es la negativa de ellos a utilizar armas y su cantinela repetida hasta el cansancio de “enterramos a nuestros muertos y seguimos”, tal como recita la propia Ila, aunque Aram no da impresión de comulgar demasiado.
No obstante, Perrin consigue de ellos el compromiso de que, en caso de ponerse las cosas feas, saquen a los niños por un túnel que las mujeres hicieran con ocasión del último ataque. En cuanto a Faile, intenta alejarla por temor a que se repita la historia de su esposa, a quien él mató por accidente. Es en vano: la joven cazadora persiste obstinadamente en quedarse y se dice partícipe de “causas perdidas”, como Perrin llama a lo que se viene.
Loial, mientras tanto, practica el juego del Beso de la Doncella con Bain y Chiad, pero las muchachas deciden poner freno al mismo ante el riesgo de matarlo. Fuera de ello, el ogier pone a Perrin en aviso de que los trollocs podrían recibir refuerzos a través de los Atajos y se ofrece a destruir esa eventual vía de entrada. Perrin lo autoriza, así que, tras una emotiva despedida con tono de final, Loial parte a su misión y las aiel, obvio, le acompañan…
La Batalla de Dos Ríos
El temido ataque, como era de esperar, llega en la noche. Perrin (u “Ojos Dorados”, como los aldeanos le llaman) entona la canción de Manetheren para dar ánimo a los suyos y estalla la lucha con lluvias de flechas cruzadas quue se cobran víctimas de ambos bandos. Pero desde una cercana cima, Alanna se vale del Poder Único para desequilibrar el combate al generar una tormenta que arroja una lluvia de dagas de hielo sobre las filas del enemigo, dejando un tendal de trollocs y Amigos Siniestros.
Los aldeanos festejan, pero Perrin no confía en una victoria tan temprana y no se equivoca. Pronto recibe noticias de que los trollocs se están replegando, un movimiento estratégico que no se condice con ellos y evidencia que alguien les controla. La respuesta llega de inmediato con un ataque por la retaguardia y, para colmo de males, las flechas alcanzan ahora a Alanna, que queda herida e imposibilitada de usar su poder, así como también a la anciana que le ayudaba y que, en su caso, directamente cae sin vida.
Sin una Aes Sedai de su lado, los defensores se sienten perdidos, pero una súbita luz de esperanza se enciende cuando llegan los Capas Blancas, que parecen finalmente haber respondido al pedido de alianza de Perrin (aunque luego sabremos que hay algo más). El rostro de este, sin embargo, cambia de tono al reconocer entre estos a Padan Fain (Johann Myers), de quien bien sabe que es un Amigo Siniestro y la genuina expresión de sorpresa de Dain al ser anoticiado revela que de verdad no tenía idea.
El combate arrecia nuevamente y no queda pues más remedio que dejar cuerpo y alma en el mismo, por lo que Perrin se lanza a la lucha arremetiendo a diestra y siniestra con martillo y hacha, en tanto que una agonizante Alanna da instrucciones a las hermanas huérfanas sobre cómo utilizar el Poder Único mientras intentan curarla.
En eso están cuando son sorprendidas por Eamon Valda que, en ese momento cae en la cuenta de que las encauzadoras eran las ellas y no Natti. Viendo pues al asesino de su madre, Bode y Eldrin no pueden contener su furia y le arrojan sendas bolas de fuego que incineran por completo al Capa Blanca mientras muere entre horribles gritos. Ya era hora…
Sacrificio y Entrega
Los tuatha’an, mientras tanto y cumpliendo con lo acordado, están sacando del lugar a los niños a través del sistema de túneles. Aram es sorprendido portando un bebé y, en una decisión que seguramente torcerá su destino de aquí en más, toma un cuchillo del suelo y acaba con su atacante. Ya no podrá ser un tuatha’an…
Loial y las aiel llegan a los Atajos tras dar cuenta de los trollocs que se hallan de guardia, pero el ogier se percata entonces de que la única forma de cerrar el acceso es desde adentro. Dejando a las dos muchachas para que le cubran la retaguardia, cruza pues al otro lado martillo en mano, pero por mucho que golpee, no logra hacer mella en la entrada y los refuerzos enemigos ya están llegando. En heroico sacrificio, destruye el puente sobre el cual se halla, lo cual hace caer al vacío tanto a los atacantes como a él mismo, en escena que remite inevitablemente a Gandalfen el Puente deKhazad-dûm.
En Dos Ríos, Perrin tiene a Fain contra el suelo y con el hacha al cuello, pero cuando está a punto de matarlo se da cuenta de que, siendo el Capa Blanca quien controla a los trollocs, es también el único que puede detener el ataque de los mismos, así que, a su pesar, acaba perdonándole la vida a cambio de que lo haga. Fain termina accediendo al no llegar nunca los refuerzos que esperaba…
Quienes sí llegan son las aiel con las malas nuevas acerca de Loial. Con gran tristeza, Perrin se percata en ese momento de que el ogier nunca pensó en regresar, pues dejó el libro del que era inseparable y, al hojear sus páginas, no puede menos que emocionarse al leerle exaltar sus propias virtudes y llamarle amigo…
Todo parece acabado cuando Dain se acerca para reclamar a Perrin que cumpla con el trato. Nadie entiende nada y caemos entonces en la cuenta de que el Capa Blanca terminó finalmente por acordar los términos por Perrin ofrecidos. Atándole por las muñecas, parten pues conduciéndole como prisionero para ser llevado a juicio mientras los pobladores de Dos Ríos, superada la consternación inicial, corean a viva voz su nombre y su apodo de Ojos Dorados…
Balance del Episodio
Al analizar el capítulo anterior, decíamos que se veía venir que el próximo estaría por completo centrado en la batalla de Dos Ríos y así ha sido. En efecto, no ha habido noticias de las otras subtramas: no hemos visitado Tanchico, el Parámode Aiel o la Torre Blanca, como tampoco sabido nada de Rand, Moraine, Egwene, Nynaeve o Elayne. Todo giró sobre la batalla, lo cual parece, desde Juego de Tronos, ser para las series de fantasía o épica medieval una regla no escrita de los penúltimos episodios de temporada.
Y la verdad es que hemos visto una realmente épica, bien coreografiada en los duelos individuales, ya sea los principales o los que se aprecian en segundo plano, lo cual no es habitual. Y sobre todo bien filmada: todo se apreció perfectamente sin la oscuridad, el frenesí o la confusión que de un tiempo a esta parte suelen acompañar a las batallas nocturnas y si no saben de qué les hablo, recuerden en la mencionada Juego de Tronos aquel combate contra los Caminantes Blancos en el cual no se veía absolutamente nada.
De dos personajes pedían los fans mayor protagonismo en esta temporada a los fines de volver a la serie más consecuente con los libros: Rand y Perrin. Del primero ya tuvimos un revelador cuarto episodio que lo elevó a protagonista absoluto por encima de Moraine, en tanto que esta séptima entrega ha sido definitivamente la de Perrin que, así como Rand se resiste a ser el Dragón Renacido, él fue siempre reacio a aceptar un papel de líder que finalmente debió asumir por imperio de las circunstancias, aunque a la vez (y también al igual que Rand), su destino parecía escrito y así lo confirman las líneas recitadas en off por Loial sobre el final.
Por cierto, triste pérdida la del ogier, personaje a quien habíamos aprendido a querer y que, según tengo entendido (repito una vez más que mi conocimiento literario de la saga es incompleto y no llegué a leer El Ascenso de la Sombra), no ocurre en los libros o, por lo menos, no tan temprano o de esa forma. Y de algún modo, al morir dejando su libro inconcluso, lo suyo funciona como guiño y homenaje a Robert Jordan, quien con su muerte dejó sin concluir la saga literaria de La Rueda del Tiempo, que fue continuada por Brandon Sanderson.
Su sacrificio, comparable al ya mencionado de Gandalf en El Señor de los Anillos o al de Hodor en Juego de Tronos, le eleva a otro nivel y hace justo honor a su nombre (“Loial” suena fonéticamente igual que “loyal”, es decir leal en inglés). Y hace, por supuesto, que sintamos el doble su partida y el saber que ya no volveremos a verle, aunque no hace falta decir que en el mundo de la magia y de la fantasía épica nada es imposible…
Como únicas pegas, hay que decir que la situación entre Perrin y Fain se resolvió demasiado pronto y de manera demasiado simplista, o quizás sea que teníamos demasiadas ganas de ver muerto al Capa Blanca; y que la cura de Alanna fue también algo rápida por mucho que la magia sea puesta en la ecuación.
Fuera de ello, ha sido un capítulo lleno de épica, sin perjuicio de situaciones de romance como la de Perrin y Faile o la de Alanna y Maksim, quienes comienzan a aceptar y naturalizar que ya no son trío. Y no estuvieron ausentes las culpas (una constante en la temporada) como las que afligen a Perrin (gran actuación de Marcus Rutherford) y terminan explicando que se haya entregado tan dócilmente a los Capas Blancas, ni los dilemas éticos, como el que asalta a Aram al ver la daga en el suelo, o los momentos de emoción, como la despedida de Loial y ni qué decir, sus líneas en off…
Nos queda ya solo un capítulo para concluir la temporada y seguramente veremos en el mismo confluir a todos los arcos y subtramas, aunque doy por descontado que no todas las preguntas serán respondidas y algunas quedarán para la temporada siguiente. Lo veremos cuando llegue y les espero la semana que viene para analizarlo.
