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Reseña de Giallo nº 7, de Leviathan Labs

Muy buenas. Ya es algo habitual el traeros una nueva reseña de la revista Giallo y me alegro mucho porque parece que se va asentando en un mercado complicado como es el cómic y más siendo una revista. Además y ya es algo personal me alegro mucho por José Luis Vidal, a quien tengo el placer de conocer y se el amor que profesa al medio y por Massimo Rossi que sin conocerlo se merece todos mis respetos y alabanzas.

Dicho esto he de decir que estamos ante un muy buen número de la revista, no se me caen los anillos al decir si me gusta más o menos, si os comenté que la número 5 me pareció la más irregular esta y la anterior retoman la buena senda ofreciéndonos muy buenas historias y muy apegadas alguna de ellas al «Giallo».

Acompañadme a este mundo de miasmas, pesadillas y gore con historias salidas de las profundidades del terror popular italiano.

La revista se compone en esta ocasión de seis historias en blanco y negro pero en esta ocasión tendremos un solo artículo.

Para la reseña de este artículo procederé como he solido hacer en anteriores números a realizar un breve comentario a cada historia, para acabar con una idea general sobre la obra. Vamos al lío.

El lamento del bosque, de Salvatore Vivenzio y Giorgia Rosati

Ambientado en el Sacro Bosco de Bomarzo, más conocido como el Parque de los Monstruos. Sus artífices fueron un noble mecenas llamado Vicino Orsini y un arquitecto, Pirro Ligorio, que más tarde sería el encargado de continuar la obra de Miguel Ángel en el Vaticano.

Se nos habla de la pérdida, con un continuo lamento que acaba en un desenlace fatal.

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La confesión, de Federico Mele y Veronica Chiacchio

El perdón, la expiación. Es importante la confesión y es que hasta el mayor pecador encuentra el perdón absoluto, aunque sea hijo de la propia Iglesia…

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La sanción, de Federico Mele y Vittorio Serrenti

Repite Mele en este número. Y aquí lo que me ha encantado es el arte de Vittorio Serrenti.  El arrepentimiento y la venganza son los dos pilares en los que se sostiene esta acertada historia.

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Serpiente de mármol negro, de (Segunda Parte), de Davide Aicardi y Tommaso Catone

Segunda y espectacular parte de esta historia que es puro Giallo. Una sombra amenazante, muertes y cercenamientos, sangre que inunda las viñetas. Sin duda alguna de mis historias favoritas de la revista. Ya la trataremos cuando lleguemos al desenlace.

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La línea de fuego, de Roberto di Leo y Luca Colandrea

Los horrores de la guerra es el tema de esta terrorífica historia bélica que nos traen di Leo y Colandrea.

Nada nuevo en TV, de Alessandro Ginori y Niccolò Fontanelli

El guionista Ginori nos ofrece una de esas historias en las que se tiene que hilar fino ya que no tenemos texto alguno por lo que toda la narración recae en el apartado visual, en ese caso Fontanelli. En este caso juega con lo onírico y lo real.

Ya tuvimos una historia sin palabras en el número uno, con guion de José Luis Vidal y arte de Francisco Asencio.

Consideraciones finales

Pues otro número que he disfrutado a lo grande. Quizás el más redondo de todas las revistas.

Todos los relatos están a la altura de lo que uno espera en el género. Quizás mi favorita, y ya nos metemos en gustos personales, es La sanción, de Federico Mele y Vittorio Serrenti, sobre todo por el apartado visual que acompaña a una muy interesante historia de por si.

El número 8 llegará a librerías especializadas este próximo mes de junio.

No cojas caramelos de desconocidos, no salgas de noche, no recojas nada del suelo, no metas las narices en asuntos mayores que tú, no entres en casas encantadas, no invoques a dioses antiguos y quizá estés a salvo. Tal vez.

Libro de bolsillo
blanco y negro/tonos grises
17×26 cm
Varios autores

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Un saludo y sed felices.

Análisis de Matthew Shardlake, Temporada 1: Intriga, Misterio y Asesinato en la Inglaterra de los Tudor

El período Tudor es en la historia británica uno de los que más ha nutrido a la literatura, al cine o, como en este caso, a las series. Con producción de John Griffin y dirección de Justin Chadwick, Matthew Shardlake es justamente una propuesta que ubica una trama de asesinatos e investigación en ese particular marco histórico. Desde hace unos pocos días, está disponible en Disney+ y te damos nuestra opinión…

El pasado 1 de mayo Disney+ ha estrenado Matthew Shardlake, serie que podría ser calificada de thriller histórico por tratarse de un whodunit ubicado en el particular marco de la Inglaterra del período Tudor y, más específicamente, durante el tan célebre como conflictivo reinado de Enrique VIII.

Ya sabemos que las temporadas de las series británicas suelen ser cortas y, por más que esté hecha para Disney, esta no es la excepción, pues la primera consta de solo cuatro episodios. Ello hace que se vea con bastante rapidez, a lo cual contribuyen una intriga bien sostenida y un guion sumamente ágil.

Justin Chadwick, el director, no es nuevo en el abordaje del período histórico en cuestión, ya que ha sido responsable de Las Hermanas Bolena, filme de 2008 (también conocido según países como La Otra Bolena o La Otra Reina) que fuera protagonizado por Natalie Portman y Scarlett Johansson en los respectivos papeles de Ana y María Bolena, así como Eric Bana en el de Enrique VIII.

Se trata de uno de los períodos más convulsivos, demenciales y a la vez fascinantes de la historia política de Inglaterra, en el cual pueden también profundizar con la excelente serie Los Tudor que, creada por Michael Hirst (todo un especialista en series históricas), fuera emitida por Showtime entre 2007 y 2010. Tanto la serie como la película antes mencionada pueden servir de perfectas precuelas para ingresar al mundo de Matthew Shardlake pero, si no las han visto ni tampoco leído al respecto, a no desesperar que la trama y el contexto histórico se entienden.

El personaje principal fue creado originalmente para la saga literaria de C. J. Sansom, quien lo abordó a lo largo de siete novelas, pero lamentablemente y por muy poco no llegó a ver la serie estrenada, ya que falleció hace apenas días, el 27 de abril.

¿Shardlake o Sherlock?

Matthew Shardlake sufre de escoliosis, camina algo encorvado y tiene una mano completamente inútil, pero lo particular es que Arthur Hughes, quien lo interpreta, también es discapacitado (en su caso por por displasia radial) y ello no le ha impedido, sin embargo, desarrollar una carrera teatral e incluso convertirse en el primer actor en no necesitar fingir discapacidad para interpretar al Ricardo III de Shakespeare.

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Es además abogado e investigador (en versión original la serie se llama simplemente Shardlake, lo cual tiene otra fuerza y acentúa la semejanza fonética con “Sherlock”) y, a las órdenes de Thomas Cromwell (Sean Bean), trabaja para la monarquía de los Tudor. Esta primera temporada transcurre durante el período de disolución de los monasterios, habiendo ya ocurrido la ruptura entre la corona británica y el papado, así como también la ejecución de Ana Bolena y el ascenso al trono de Jane Seymour como tercera esposa de Enrique VIII (única que le dará el hijo varón que tanto anhelaba).

En ese contexto, Shardlake es enviado por Cromwell al monasterio de San Dodato, en Scarnsea, para investigar el asesinato de su comisionado Robin Singleton. El motivo es claro: lo que quiere Enrique VIII (que jamás aparece) es un argumento legal para ordenar el cierre del monasterio y poner sus tierras y bienes a disposición de la corona. Y a Cromwell (tan maquiavélico en esta caracterización como en su versión histórica) no le interesa la verdad, sino las pruebas, sin importar que sean apócrifas o adulteradas.

Pero además y como buen Sherlock, Shardlake tiene su Watson, solo que se trata de un ayudante que prácticamente le ha sido impuesto y que forma con él una dupla antagónica casi de “buddy cop”, pero en el siglo XVI. Su nombre es Jack Barack y está interpretado por Anthony Boyle, que viene de lucirse en la serie Los Amos del Aire (aquí los análisis de un servidor) y vuelve a hacerlo aquí, aun con lo radicalmente diferente del personaje.

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A pesar de compartir un rechazo casi instintivo contra la Iglesia, las personalidades de Shardlake y Barack son enteramente distintas. En este último, su aversión es más visceral y por momentos impulsiva, aunque no llegamos a bucear del todo en el origen de ese rechazo que, supongo, será material de futuras temporadas.

En cuanto a Shardlake, su trauma procede de la infancia, pues se le impidió de niño “servir a Dios” por no estar hecho “a imagen y semejanza”, historia plenamente creíble de acuerdo a los cánones y criterios eclesiásticos de aquel entonces.

El lugar no puede lucir más tétrico: el monasterio está rodeado por un mustio y neblinoso bosque, así como por marismas y arenas movedizas que, en conjunto, me trajeron recuerdos de La Historia Interminable (Wolfgang Petersen, 1984). Y en la costa, no lejos de allí, un puerto que es parada predilecta de contrabandistas.

Entre muros, los asesinatos no se detienen tras la llegada de la dupla de investigadores y hasta incluso alguno del pasado sale a la luz, a lo que se suma la misteriosa desaparición de un monje. Hay misteriosas figuras embozadas por los corredores, un joven novicio al que todos menosprecian, una criada que debe hacer de tripas corazón para soportar los frecuentes abusos, un contador sospechado de adulterar las cuentas del monasterio para evadir impuestos y un abad que no parece consciente de cuanto allí ocurre, pero que quiere alejar las sospechas y evitar el cierre.

Shardlake asume la investigación con ojo experto, siendo relevante que el tal Singleton fuera decapitado con una espada, práctica solo aplicable a miembros de la realeza ya que en las ejecuciones públicas los reos del vulgo solían ser ajusticiados con un hacha (de hecho y tras aquella farsa de juicio de 1536, fue una espada lo que cercenó la cabeza de Ana Bolena mientras que al resto de los implicados les cayó el rigor del hacha).

Una Gran Dupla Principal

Arthur Hughes está fantástico en su primer papel importante para la pantalla, sabiendo en su rostro reflejar tanto los traumas que le afligen (y sobre los cuales nos ilustran esporádicos flashbacks que son pocos y no quitan clima), como los conflictos internos que le carcomen al dudar de la integridad moral de aquellos de quienes recibe órdenes.

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Por mucho que quiera lucir convencido de que el cargar contra la Iglesia redundará en un mejor reparto en favor de pobres y excluidos, no le gustan los métodos de Cromwell ni su poco interés en llegar a la verdad, al tiempo que abriga dudas sobre la supuesta culpabilidad que en su momento les fuera endilgada a Ana Bolena o al músico Mark Smeaton, con quien da impresión de haber tenido algún tipo de relación e incluso cargar con remordimientos propios: una vez más, pareciera material de futuras temporadas (paradójicamente, Justin Chadwick había omitido al personaje de Smeaton en Las Hermanas Bolena).

Anthony Boyle secunda a la perfección a Hughes, tanto que por momentos compite como personaje principal y nos deja también pendientes de su propia historia y traumas personales: siempre es para celebrar que los guionistas entiendan que secundario no es sinónimo de irrelevante y si la serie sale airosa es en buena medida por tener en su centro a una dupla protagónica atractiva e interesante en sus antagonismos. Además, Barack muestra moralidad ambigua y tiene sus secretos, pues tampoco es que le cuente todo a Shardlake…

En cuanto a Sean Bean, ya estamos acostumbrados a verle con ropajes de época (El Señor de los Anillos, Juego de Tronos) y hay que decir que construye un Cromwell sólido pero algo lineal, lo cual no tiene que ver con su actuación sino con lo esporádico de sus apariciones, pues solo le vemos en pantalla cuando encomienda una misión a Shardlake o cuando este le presenta informe de sus progresos. Ello no alcanza, desde ya, para que el personaje pueda mostrar matices ni mucho menos adquirir un desarrollo semejante al de James Frain al dar vida al mismo personaje en la serie Los Tudor.

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El hecho de que estemos ante un whodunit con un contexto histórico tan particular le da obviamente a la serie un sabor especial y es imposible no relacionar con El Nombre de la Rosa (sobre todo con la adaptación cinematográfica de Jean-Jacques Annaud): tenemos un monasterio, una dupla recién llegada, una serie de asesinatos, lóbregos corredores, envenenamientos, muchacha doméstica y hasta un debate interno que afecta a la Iglesia Católica.

Pero mientras que en El Nombre de la Rosa la resolución a los enigmas venía por el lado de la filosofía o la teología, aquí viene más por el lado de la historia. El marco que da contexto no está puesto al azar ni es mera anécdota, sino que los sucesos históricos se articulan muy bien con lo ficcional y ayudan tanto a darle lógica como respuesta a los misterios. Respuesta que, por cierto, no tiene por qué ser lineal como tampoco los asesinatos estar ciento por ciento conectados entre sí o ser cometidos por una misma persona.

La reconstrucción histórica, tanto en vestuarios como en ambientación, es tan sólida como nos tienen acostumbrados las producciones británicas y para solucionar el hecho de que quizás no existan hoy en el Reino Unido parajes con las características requeridas, la filmación se realizó mayormente en Hungría y Rumania.

Lo único que hace chirriar un poco son algunos anacronismos a los que ya nos estamos acostumbrando y no para bien, como que la criada Alice (Ruby Ashbourne) se lamente del trato peyorativo e indigno que reciben las mujeres, comentario que pareciera más bien del presente siglo.

O que el abad Fabian (Babou Ceesay), a cargo del monasterio, sea de origen afro, lo cual si ya es de por sí poco probable en la Inglaterra de esos días, más lo es que además pudiera ocupar una alta jerarquía en la Iglesia (se contradice con esa falta de “imagen y semejanza” por la que supuestamente habían marginado en su infancia a Shardlake). En aras de un discurso inclusivo, se termina por el contrario alentando la imagen equivocada de que no existía discriminación.

Pero son detalles menores que no hacen a la trama general de una serie que cumple con creces…

Balance de Temporada

Matthew Shardlake es un sólido thriller de época con todo lo que ello implica: sabe conectar y combinar perfectamente la lógica interna de la ficción con la evidencia histórica que no solo le da marco sino también sentido. Se sustenta en las grandes actuaciones, especialmente de la dupla principal, y atrapa de principio a fin, pues los cuatro episodios se devoran con toda facilidad (de hecho, los vi en una única noche) y se hace casi imposible dejar la historia con lo bien puestos que están los cliffhangers al final de cada uno.

A la vez, el hecho de que sean tan pocos nos deja con una sensación agridulce de “¿pero ya ha terminado?” y deseando tener pronto más, ya que todo transcurrió demasiado rápido. Lo bueno es que la rapidez no es apresuramiento y la serie sabe tomarse sus tiempos para no responder todos los interrogantes en una única temporada, sino que nos deja a la espera de las próximas para darles respuesta, pues se advierten en los personajes principales aspectos ocultos que aún no han acabado de mostrarnos.

Esperemos, eso sí, que la serie continúe y podamos ver esas eventuales próximas temporadas, pues los libros dan para siete y sería bueno que así fuese. Una pena, desde ya, que por tan pocos días el autor no llegase al estreno.

Hasta la próxima y sean felices…

En tus manos (2024) La miniserie de Netflix

Si te gustan los dramas crueles, con una fuerte carga crítica, te cuento que Netflix estrenó el 24 de abril la miniserie sueca En tus manos. Una miniserie de tan solo cinco episodios que se ha colado en el top de lo más visto nada más estrenarse. Y es que su trama nos trae un tema espinoso que nos habla de cómo se manipula a los niños en los barrios más desfavorecidos de las grandes ciudades.

No esperes una de esas historias con final feliz, ni tampoco una de esas donde la justicia aparece para resolverlo todo de forma casi mágica. En tus manos es una dura crítica que cuestiona una sociedad donde unos niños se ven obligados a introducirse en bandas de delincuentes cuando deberían estar jugando.

Una forma de madurar demasiado severa que los romperá y los marcará para siempre. Nadie puede escapar una vez que ha visto lo que son esas redes mafiosas; ni de las más pequeñas puedes salir impune. Apenas empezando su adolescencia tendrán que luchar por sobrevivir a los problemas que otros les han buscado con engaños.

En tus manos: cruel y despiadada.

En tus manos empieza directa. En sus primeros minutos nos muestra el detonante que da vida a toda la historia. Unas escenas intensas donde vemos como un joven huye de un lugar aislado del que la policía ha tomado posesión con sus coches llenos de luces y sus sirenas.

Allí, en aquel lugar, yace herido el cuerpo de un joven. Le han disparado y todo parece indicar que el culpable ha sido su mejor amigo, el mismo chico que hemos visto huir de forma abrupta del lugar de los hechos.

Hasta allí se persona Farid (Ardalan Esmaili), un policía que conoce muy bien a ambos jóvenes, y en especial al que se encuentra herido: Bilal Ally (Yasir Hassan), al que todos conocen como Billy. Un niño que hacía trabajos pequeños para una banda de poca monta que se dedica a trapicheos pequeños.

En tus manos

Douglas (Olle Strand) más conocido como Dogge es arrestado poco después de que una ambulancia se lleve a Billy al hospital. El joven está conmocionado y confuso, ha tomado drogas y se encuentra en un estado de indolencia que hace difícil la comunicación con él. Todo cambia cuando le llega la noticia de que Billy, su mejor amigo al que acaba de disparar, ha muerto.

¿Qué lleva a un niño a matar? ¿Supervivencia, miedo…? Todo se vuelve más turbio cuando pensamos que la persona a la que tiene que disparar es alguien a quien conoce, alguien a quien quiere. ¿Qué hace que un joven mate a su mejor amigo? Estas preguntas asaltarán al espectador en los primeros minutos de una serie que sin duda atrapa por su intensidad y también por hablar sin tapujos de un problema que es muy difícil de atajar.

En tus manos y su crítica a una sociedad que no protege a sus niños.

El título de uno de sus episodios es ‘No puedes protegerme’, algo que llama mucho la atención justamente porque el cometido de los adultos debe ser el de proteger a aquellos que no pueden hacerlo por si mismo: los niños y los ancianos. En tus manos nos deja muy claro que eso es algo que ahora mismo parece una utopía.

Nelson Mandela decía que “El verdadero carácter de una sociedad se revela en el trato que da a su niñez”, y después de ver las noticias cada vez más tristes que tienen como protagonistas a menores, podemos decir sin miedo a equivocarnos que esta sociedad en la que nos ha tocado vivir es cuanto menos deplorable.

En tus manos

En tus manos nos muestra lo fácil que resulta manipular a los más pequeños, lo maleables que son y lo fieles que pueden llegar a ser cuando se les amenaza. Y hablo de niños en general, ya que los dos protagonistas de la miniserie pertenecen a diferentes niveles económicos. Billy vive con su madre y sus tres hermanos en un pequeño piso en los suburbios, pero Dogge vive en una casa con lujos y sin problemas de dinero.

Lo que en un principio parecía un juego, eso de hacer pequeños trabajos de vigilancia con los que ganarse fácilmente algo de dinero, se va a ir convirtiendo en algo con más responsabilidad; y eso significa más peligro. Por suerte, ambos se tienen uno a otro. Su amistad está ahí para hacer más fácil este duro camino que han iniciado ambos sin tan siquiera querer.

Como era de esperar, todo se complica y toma un giro que ninguno de ellos hubiera deseado. El miedo aparece y actúa en los dos jóvenes de forma muy diferente, haciéndoles proceder de modos casi opuestos. En esos momentos, ni la más firme de las amistades puede intervenir para detener lo inevitable.

En tus manos es una buena opción si te gustan los dramas desencarnados, que muestran la realidad menos amable de la vida, sin tapujos ni eufemismos. Una cruel crítica que no deja a esta sociedad en muy buen lugar.

Qué dice Netflix de En tus manos.

Resumen

En tus manos es tanto un emotivo retrato del poder de las amistades de la infancia como una historia demoledora sobre lo que ocurre cuando la sociedad no protege a quienes más lo necesitan.

Sinopsis

La nieve cae lentamente en un patio desolado. Un niño de catorce años yace bocabajo delante de unos columpios mientras la vida se le escapa por una herida enorme en el cráneo. Tras él se yergue su mejor amigo, que sujeta una pistola humeante con mano temblorosa.

Cuando los niños cometen crímenes atroces, ¿de quién es la responsabilidad? ¿Qué consecuencias comporta para nosotros ver a los niños como monstruos? En el núcleo de esta historia desgarradora se encuentran los niños perdidos: aquellos a los que no conseguimos ayudar antes de que caigan en el olvido, por negligencia, pobreza o alienación.

Las madres solteras, el tendero de la plaza, el policía del barrio… Todos se ven salpicados de una u otra manera en una sociedad en la que la violencia no deja de aumentar, cebándose con las comunidades más periféricas y desfavorecidas.

Tráiler de En tus manos.

Reseña de Crónicas de Mesene. Edición especial 25º aniversario. Dolmen Editorial.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de hablaros de una mítica serie española, que marcó una época para los que vivimos aquel momento. Se trata de, nada más y nada menos que … Crónicas de Mesene. En su edición especial 25º aniversario, que nos ha traído Dolmen Editorial.

Cuando hablamos de Crónicas de Mesene, es inevitable echar la vista atrás y recordar la importantísima iniciativa que supuso la Línea Laberinto, dentro del departamento de cómic de Planeta DeAgostini.

La Línea Laberinto fue una iniciativa de Antoni Guiral, dedicada a la publicación de obras de autores españoles, en formato grapa, que funcionó desde 1996 hasta 1999. Muy poco tiempo, a nuestro pesar.

Los títulos más reconocidos de la línea fueron El baile del vampiro (Sergio Bleda), Iberia INC, que aún se encuentra disponible en una magnífica edición en la web de Dolmen (Rafa Marín, Rafa Fonteriz y Carlos Pacheco), o Aníbal Gris (Jesús Merino).

Crónicas de Mesene. Edición especial 25º aniversario.

Mesene

Vicente García, el editor de Dolmen, es un amante de los cómics. Como buen aficionado veterano, sabe que no debemos olvidar de dónde venimos. De ahí su afán de recuperación de las grandes obras del noveno arte, como podemos ver en la Colección Sin Fronteras o la Línea Fuera Borda.

Y aquí tenemos esta nueva (y esperada) edición de Crónicas de Mesene.

Crónicas de Mesene es una serie de fantasía heroica (mi género favorito), al estilo de  Crónicas de la Dragonlance o Dungeons & Dragons; realizada con una narrativa «amerimanga«, cuya intención es sencilla: entretener y divertir.

El argumento es muy sencillo … El Rey de Mesene ha sido traicionado por Damrod, el príncipe bastardo, que se ha rebelado y se ha proclamado rey de los trasgos.

Mientras tanto, Morgalad, el primo de la reina de los elfos oscuros, se encuentra conspirando en favor de Eocar, rey de las tinieblas.

Todas estas malévolas uniones no pueden traer nada bueno para los habitantes de Mesene. Alguien deberá hacerles frente. Voluntaria o involuntariamente.

Y aquí entran en juego los héroes de esta historia: Ragnar, el gran guerrero nórdico, Baran, el hábil y astuto arquero de Karia y la princesa Rowena; serán quienes harán frente a la oscuridad que pretende asolar Mesene.

¿Podrán conseguirlo?

Os animo a adentraros en esta gran historia.

¡Por Mesene!

Mesene

La edición especial 25º aniversario.

Tenemos esta presente edición en un tomo en tapa dura con sobrecubierta, con una nueva portada especial, que ha realizado al efecto por Mateo Guerrero, en blanco y negro, con un papel poroso de alto gramaje, en un formato de 17x26cm.

El tomo cuenta con 144 páginas, en la que contamos con la historia completa, un relato corto realizado por Roke González, descripción de personajes, cronología de Mesene, una interesante entrevista que hizo el editor de Dolmen (Vicente García) a Antoni Guiral, más un epílogo, portadas alternativas, etc.

Tenemos Crónicas de Mesene, totalmente disponible desde el 16 de noviembre de 2023 y cuenta con un P.V.P. de 20€. Si queréis haceros con el volumen, podéis hacerlo directamente desde la web de Dolmen Editorial, pinchando aquí.

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El equipo creativo de Mesene.

Roke González. Guionista. Además, es traductor y articulista. Hay muy poca información en internet sobre Roke. Sabemos que es un «rolero» desde siempre. Amante de la fantasía heroica y apasionado de la historieta.

Aunque lleva muchos años alejado de los tebeos, no ha tenido una producción escasa:

  • Ryu (1995) del sello Camaleón Ediciones.
  • Fian (1996) del sello Planeta DeAgostini.
  • Desafío (1996) del sello Planeta DeAgostini.
  • Desafío (Vol. 2) (1997) del sello Planeta DeAgostini.
  • Fian: El Rebelde (1998) del sello Planeta DeAgostini.
  • Relatos Salvajes (1998) del sello Planeta DeAgostini.
  • Crónicas de Mesene (1998) del sello Planeta DeAgostini.
  • Crónicas de Mesene: Cantares (1999) del sello Dude Comics.
  • El Mundo de Mesene (1999) del sello Dude Comics.
  • Fanhunter Adventures (1999) del sello Planeta DeAgostini.
  • Nacional 666 (1999) del sello Planeta DeAgostini.
  • Fanhunter: Barnacity by Gaslight (2000) del sello Fanhunter, S. L..
  • Crónicas de Mesene: Periplo (2000) del sello Dude Comics.
  • Fanhunter: Celsquest (2000) del sello Planeta DeAgostini.
  • Crónicas de Mesene: El Mar de las Tinieblas (2002) del sello Dude Comics.

Cuentan las leyendas que aprobó una oposición de funcionario y se ha dedicado a esa profesión hasta hace muy poco, que se ha jubilado.

Ahora que tiene tiempo libre y la vida medio resuelta, ha decidido volver al noveno arte y se encuentra en conversaciones con Mateo Guerrero, para continuar las historias de Mesene.

No sabemos si tendremos más Mesene en formato cómic o en formato libro. Lo cierto es que los aficionado queremos mucho más Mesene.

Mesene

Mateo Guerrero. Dibujante. Nacido en La Línea de la Concepción (Cádiz), el 8de julio de 1976.

Se diplomó en magisterio, pero en 1995 decidió emprender una carrera como dibujante, con 19 años, con tres historietas cortas para la revista Otaku (Norma Editorial), y luego con Zeon en 1995, un tebeo editado por Camaleón.

En 1998 creó para Planeta-DeAgostini la serie Crónicas de Mesene junto al guionista Roke Gonzalez, serie que continuaría publicándose bajo el sello Dude Cómics desde 1999.

En 2000 dibujó la serie Cazadores de la Red para Norma Editorial, realizando sesenta y cuatro entregas de dos páginas cada una que terminaron publicándose en Mi País (suplemento infantil del diario El País). La primera entrega también apareció en el número 1 de la revista ¡Dibus!

En 2001, Guerrero pasó a trabajar para el mercado internacional, primero para EE UU, participando como entintador y como dibujante en Warlands: the Age of iceWarlands: Banished Knights y WarLands: Dark Tide Rising, más una colaboración en Crossing Midnight nº 16 para el sello Vertigo de DC Comics.

Posteriormente dejó este mercado tras ser reclamado por el editor Humano, dibujando en la serie Lost Scion para Shogun magazine y llevando a feliz término dos álbumes de DragonSeed (Les Humanoïdes Associés en 2006-2007).

Desde el año siguiente inició su colaboración con el sello belga Le Lombard, dibujando y participando en el guión de Beast (tres libros entre 2008 y 2010). Con esta última editorial publicó en 2010 el primer álbum de su serie como autor completo, Turo.

El estilo de Guerrero se caracteriza por aunar una fuerte influencia del ánime y del manga, que el autor ha desarrollado sobre otras referencias procedentes de los cómics de superhéroes y, finalmente, de los cómics franco-belgas. Desarrolla una narrativa muy dinámica, siempre muy vigilante de la composición de la plana.

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Valoración final de Crónicas de Mesene.

Crónicas de Mesene es un cómic tremendamente entretenido muy bien dibujado. Cierto que es una obra primeriza de Mateo Guerrero, influenciado por ese estilo «amerimanga«, que nos invadió en la segunda mitad de los años 90′.

En aquellos años 90′, los lectores de mi generación descubrimos «el manga«. Nos llegaron series en formato grapa, en blanco y negro y en sentido occidental.

Llegaron series como Los Caballeros del Zodíaco, Dragon Ball, Akira o 3×3 Ojos. También nos llegaron dibujos del cómic americano «amerimanga«, de la mano de Mike Weringo (del que nunca jamás supe qué hizo).

Muchos de nosotros habíamos jugado ya a las primeras partidas de rol. También habíamos leído Crónicas de la Dragonlance y Añoranzas y Pesares.

Y en esa coctelera, Roke González y Mateo Guerrero nos trajeron Crónicas de Mesene. Una magnífica historia de fantasía heroica. 25 años después la tenemos nuevamente disponible.

Adentraos en este maravilloso mundo. Espero que tengamos más. Mucho más.

Echad un ojo, disfrutad y …

¡Sed Felices!

Reseña de Hawkmoon, la batalla de la Camarga

Bienvenidos a la reseña de Hawkmoon, la batalla de la Camarga. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Por cierto, todos los sábados tenéis una cita con la sección El cómic de la semana. Os dejo debajo el enlace a la sección:

Hawkmoon, la batalla de la Camarga, sigue la estela del primer tomo

Siempre que pienso en la editorial Yermo pienso en las tierras de Arran, ahora conocido como Los mundos de Aquilón. Y es que Yermo, además de publicar la gran saga de fantasía moderna, está haciendo lo propio con muchas otras series del mercado europeo. Creo que siendo una editorial modesta, poco a poco se está convirtiendo en un referente en España. Y esto nos lleva a Hawkmoon, otro grande de la literatura de fantasía que ahora cobra vida en los cómics, y en España gracias a esa editorial modesta pero que nos trae títulos importantes.

Hawkmoon

Dorian Hawkmoon es uno de los campeones eternos surgidos de la mente de Michael Moorcock. De hecho es el más tardío de todos. Los otros tres que están en boca de todos son Elric, Corum y Erekosë. Moorcock era un adelantado a su tiempo y creó el concepto del multiverso en sus novelas de fantasía, donde además de elaborar grandes historias hacía que sus personajes aparecieran de una novela a otra como por arte de magia. Y todo esto mucho antes de los conceptos actuales en el cine o incluso en la literatura, sobre todo en autores como Brandon Sanderson.

Dorian Hawkmoon siempre fue para mí mi personaje preferido, incluso por encima de Elric, que parece ser el más popular de todos. La saga de cuatro novelas que conformaban la tetralogía de El bastón rúnico, fue mi favorita durante mucho tiempo. Ahora tenemos la oportunidad de leer, eso sí, con paciencia porque sale un tomo al año, la saga que dio fama a este campeón eterno, la saga de El bastón rúnico.

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El año pasado ya tuvimos la primera parte de esta maravilla con La Joya en la frente y ahora tenemos el volumen 2 con La batalla de la Camarga, unos cómics que intentan recrear el ambiente de los libros de manera más o menos digna. Y creo, sinceramente que cumplen su propósito. Si alguien se pregunta que si están a la altura de Elric les tengo que decir que sí, sólo que cada uno en su estilo. También en cierto que cuando salieron al mercado los primeros tomos de Elric, por parte de Yermo, eran los primeros de estas características en el mercado y sorprendieron por su narrativa. Ahora esa frescura ya no está, pero no veo que los cómics de Hawkmoon sean peores que los de Elric. Otra cosa es que la temática y la oscuridad de el portador de la Tormentosa te atrapen con mayor facilidad, pero las historias, el diseño de personajes, de los escenarios, me parecen parejos. Estoy seguro que si te gusta Elric, Hawkmoon también lo hará.

Lo interesante de esta serie es que «los malos» son los ingleses desde la Granbretán, el Imperio Oscuro, cuyo rey-emperador se hace llamar Huon. ¡Los malos los ingleses!

Los autores de este tomo son, como en el primer álbum, Jérome Le Gris a los guiones y Benoit Dellac a los lápices. Sobre el escritor Le Gris tengo que añadir que ha sacado en Francia una serie nueva llamada Pendragon con muy buenas críticas en el país vecino. ¿La sacará Yermo en España? Y sobre Dellac poco tengo que añadir porque es un autor en nuestro país bastante conocido al ser el dibujante de Nottingham, cuya serie acaba de terminar de publicar Yermo. Espero que os valga como referencia artística.

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Dorian Hawkmoon llega a la Camarga, la tierra del CondeBrass, enviado por el Imperio Oscuro para raptar a Yisselda ,la hija del conde… ¡pero Dorian tiene sus propios planes, entre los que se cuentan derrocar al Emperador Oscuro que lo ha enviado hasta allí! Hawkmoon cuenta una nueva iteración del personaje El Campeón Eterno creado por Michael Moorcock para sus novelas, entre cuyas reencarnaciones se encuentran personajes tan populares como Elric de Melniboné o Corum.

A continuación os dejo el enlace a la editorial y la portada editada por Yermo Ediciones en España.

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Un saludo y sed felices.

Análisis de El simpatizante (2024). Capítulo 3.

Últimamente no tengo suerte. Al menos, en lo que se refiere a las series que analizo para esta sacrosanta web. En un 2024 en el que me estrené con la fallida cuarta temporada de True Detective y continué con el fiasco de The regime, mis esperanzas están puestas en El simpatizante, adaptación de HBO de la novela de Viet Thanh Nguyen, ganadora del premio Pulitzer en 2015.

Nada, que no hay manera, seguimos en caída libre. El tercer episodio de El simpatizante, titulado Ámala o vete, es el último dirigido por Park Chan Wook y mantiene un tono continuista con el segundo episodio, lo que me impide entrar en una serie cuyo punto de partida es interesante.

Análisis de todos los capítulos de El simpatizante

LO QUE OCURRE

En este tercer capítulo se abordan tres líneas temporales. La principal continúa centrada en los inicios de la estancia de El capitán en Estados Unidos y su lucha por no ser descubierto como el topo entre los exiliados vietnamitas. Aparte, tenemos la narración de toda la historia por parte del propio Capitán, encarcelado por el Vietcong. Y, finalmente, un flashback a los inicios de la relación entre nuestro protagonista y Claude, el espía de la CIA y primer personaje interpretado por Robert Downey Jr. en la serie.

El episodio se centra en el mandato tanto del General como de Claude de que debe acabar con el Mayor, el chivo expiatorio que el Capitán ha escogido para liberarse de las sospechas del líder vietnamita y del espía de la CIA.

Para ello, El capitán contará con la ayuda de su amigo Bon, el cual, contra todo pronóstico, es un experto asesino entrenado por los vietnamitas. Un pequeño respiro para nuestro protagonista, que siempre ha pensado engañaba a su amigo cuando él mismo también era engañado por él.

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El problema es que el citado Mayor es un tipo bien majo, un hombre que se ha adaptado a la perfección al modo de vida americano y que solo piensa en honrar a su madre el día de su 80 cumpleaños, la fiesta de la longevidad.

Y claro, al Capitán no le hace mucha gracia matar a un hombre, entre otras cosas porque se encuentra desencantado con su función en Estados Unidos. El General, de momento, no pinta nada y es un mero civil. Por lo tanto, ¿Por qué obedecerle?

Finalmente, tanto el Capitán como Bon acaban con la vida del Mayor. De paso, para desviar toda sospecha, deja su propio método para codificar los mensajes dentro de las pertenencias del Mayor. Si ahora quiere comunicarse con los comunistas, necesitara de otra forma para hacerlo.

Pese a encontrarse desbordado por los remordimientos, al Capitán se le presenta una oportunidad única. Claude, el agente de la CIA (alias Robert Downey Jr. 1), quiere involucrarle en un nuevo proyecto y alejarlo del general. Ambos tienen una reunión con un club de grandes hombres pertenecientes a distintos estamentos de Estados Unidos. Y todos son Robert Downey Jr: el profesor que ya conocíamos, un congresista que quiere captar la simpatía de los vietnamitas y, con ello, sus futuros votos; y un director de cine. Todos quieren que El Capitán asesore y asegure la integración cultural de una película que transcurre en Vietnam.

LO QUE VEO

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Queda claro que tanto Park Chan Wook como Robert Downey Jr. buscaban no tanto una intriga de espionaje como una sátira sobre las contradicciones de Estados Unidos durante la guerra de Vietnam.

Tanto el segundo como el tercer episodio han abandonado el drama para asentarse en una comedia casi estrafalaria cuyo mayor símbolo es, precisamente, los múltiples Downey Jr en una escena final irrisoria que da una pésima imagen del país más poderoso de la Tierra.

Mucho mérito el del actor, sin duda, interpretando a cuatro personajes con distinta dicción (imprescindible ver El simpatizante en versión original), aspecto y personalidad. Sin embargo, más allá de que simbolice que, para el Capitán, todos los estadounidenses son iguales, cameladores que lo intentarán usar en su propio beneficio; lo único que consiguen es sacarnos de la trama de la serie.

La estética del mítico director coreano es más que acertada, pero no es un tono con el que, sencillamente, yo comulgue. De momento, El simpatizante sigue siendo una serie fallida.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Análisis de Star Trek: Discovery. Temporada 5. Episodio 6

Bienvenidos a un nuevo análisis de Star Trek: Discovery, en este caso correspondiente al sexto episodio, con el cual ingresamos ya decididamente en la segunda mitad de esta temporada final y cuyo título es Whistlespeak, algo así como “lenguaje silbado”. La serie, creada por Bryan Fuller y Alex Kurtzman, puede ser vista por Skyshowtime para España y por Paramount+ para América Latina.

Hola otra vez, trekkies y no tan trekkies. Aquí nuevamente para analizar un episodio de Star Trek: Discovery, que en este caso es el sexto, lo cual significa que ingresamos de lleno en la segunda mitad de la temporada o, lo que sería lo mismo, que dolorosamente entramos en la cuenta regresiva hacia el final.

Un capítulo que, además, ha tenido un tono y un carácter autoconclusivo que le acercan a aquellos clásicos de la franquicia que abundaban en la serie original, en The Next Generation o en Voyager y que está repleto de dobles lecturas, además de acercarnos cada vez más a la tecnología de los Progenitores. Hay mucho, por lo tanto, para analizar y qué mejor que hacerlo de una buena vez no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.

La Lista de Kovich

Luego del incidente en el espacio interdimensional del episodio anterior, la última pista obtenida no aporta ningún dato significativo: solo es un vial con una serie de rayas y un líquido que, a la luz de los análisis, no es más que agua destilada.

Desorientada, Michael hace una visita a Kovich en su mundo holográfico. Entre otras cosas, este le recomienda que se concentren en seguir tras el rastro de la tecnología de los Progenitores y olviden la persecución de Moll y L’ak, que ya corre por cuenta de otra nave: la USS Locherer. En cuanto a lo hermético de la tercera de las pistas, solo sugiere que quienes en su momento se encargaron de esconderlas eran científicos especializados en áreas diferentes y habría, por lo tanto, que orientar la búsqueda en ese sentido.

Dicho esto, le entrega los nombres en papel, material que dice preferir de modo semejante a lo que en algún momento manifestara sobre lo retro de sus lentes. Gran guiño que en la lista aparezca una betazoide llamada Marina, claro homenaje a Marina Sirtis, quien diera vida a Deanna Troi en The Next Generation y, más recientemente, en la gloriosa temporada final de Star Trek: Picard.

Cuando Michael lleva la lista a Stamets, este que uno de los incluidos en la misma es el doctor Kreel, un denobulano que trabajaba corrigiendo condiciones meteorológicas en mundos áridos o climatológicamente hostiles y que, en efecto, ha estado haciendo eso mismo en un planeta llamado Halem’no

Lenguaje de Silbidos

Una vez en las cercanías del mundo en cuestión, descubren que se trata de un planeta árido afectado por intensas tormentas de polvo y con un único oasis, en cuyo centro hay una torre meterológica disfrazada de cumbre natural rodeada por un paisaje que recuerda a las ilustraciones de Roger Dean.

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Rayner se pregunta la razón de camuflar así la torre y Michael conjetura que quizás fuera un modo de ayudar a los locales sin violentar en exceso la Primera Directiva. De hecho, en las inmediaciones vive una comunidad con características pre-warp y preindustriales, cuya cultura y lenguaje fascinan sobremanera a Michael: poseen tres géneros, viven en perfecta armonía y se comunican con silbidos.

La estrategia para llegar a ellos sin violar la Primera Directiva es hacerse pasar por gente de su mismo planeta que procede del este y a tal fin se apresta Michael a descender en compañía de Tilly, ya que un campo de energía en torno a la torre obstruye cualquier intento de transportarse al interior de la misma.

Recalando en el interés de Michael por la xenoantropología, Tilly le dice que sería muy útil en la Academia de la Flota, pero cuando Michael le pregunta cómo va ese asunto, queda flotando la intriga porque reciben justo el llamado de transporte: está claro que nos siguen promocionando Star Fleet Academy, la serie de próximo estreno que tendrá justamente a Tilly como personaje princial y no sería de extrañar que Michael tuviera participación en algún capítulo…

Secuelas de Trill

A bordo de la Discovery y en virtud del vínculo familiar que le une con Moll, Book está intranquilo de saber que han desligado a la Discovery de la persecución de los fugitivos y quiere contactar a la USS Locheler a pesar de que Culber le recomiende relajarse. El motivo de su temor está claro, pues no cree que en dicha nave tengan para con Moll las contemplaciones que él tendría.

Por otra parte, el propio Culber tiene también motivos de inquietud, ya que tras la experiencia del Zhian’ Tara en Trill se siente como si algo hubiese quedado en su interior. Acude en busca de ayuda a un programa holográfico de su abuela (María del Mar), quien habitualmente lo aconseja con recetas de cocina, pero en este caso le recuerda que es un hombre de ciencia y debería, por tanto, buscar respuestas en el cuerpo antes que en el alma. Culber se somete pues a escaneos médicos, pero no hay nada raro en su fisiología.

El Viaje de la Madre

Llegadas a Halem’no, Michael y Tilly se encuentran con la comunidad que vive junto a la torre y especialmente con Ravah (June Laporte), la muchacha que contactó con ellos y que es hija del líder Ohvahz (Alfredo Narciso). Manifiestan problemas respiratorios por el polvo y la falta de agua, lo que tiene que ver con que la torre está fallando y el verde oasis muriendo lentamente.

Los nativos llaman a la torre Cumbre Alta y la entienden como sitio de adoración para que los dioses mantengan su hábitat. Michael y Tilly manifiestan intención de ir allí con la excusa de agradecer a los dioses, pero hacerlo requiere de un ritual al que llaman Viaje de la Madre y en el cual Ravah se muestra entusiasmada de acompañarles; no así su padre ante la noticia y pronto sabremos por qué.

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Las pruebas para el ritual son bastante arduas y exigentes. En primer lugar, se les somete a una sustancia que imita el polvo que originalmente aspiró y soportó la Madre en su viaje, lo que ya hace que queden pocos. Pasada esa etapa, deben luego correr largos trechos sin beber agua, lo cual solo Tilly y Ravah logran hacer, la segunda con ayuda de la primera.

Michael, mientras tanto, prefiere utilizar el ritual como distracción para intentar reparar la torre ya que, desde la Discovery, Rayner ha descubierto un panel de control en las cercanías. Adira, por otra parte, ha hallado que no hay una única torre en el planeta, sino que en el pasado hubo otras y dejaron de funcionar, mismo destino que espera a la que queda.

Sacrificio Ritual

Cuando Ravah y Tilly logran ingresar en la torre, la cámara se cierra y quedan encerradas entre muros de tritanio. Es entonces cuando caemos en la cuenta de que el sentido del Viaje de la Madre es el sacrificio de quienes han pasado las pruebas para así satisfacer a los dioses y que les sigan manteniendo su ambiente.

Ravah se siente culpable por haber llevado a Tilly a compartir su final. Por otra parte, los muros de la cámara presentan ilustraciones que recrean la torre en que se hallan, así como también las otras que han funcionado en el pasado. Son cinco y la quinta, justamente, presenta las mismas rayas que el vial de la tercera pista. Es allí, por lo tanto, donde se encuentra la cuarta pero, claro, primero hay que salir del encierro…

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Desde la Discovery han encontrado otra sala en la cual se halla el dispositivo que abre la cámara de la torre, pero la misma se halla bajo el control de Ohvahz que, aun con lo apesadumbrado que se siente de que su hija sea víctima de sacrificio, cree en la necesidad de que el ritual se lleve a cabo. A Michael no le queda más opción que lanzar la Primera Directiva al demonio y abordarlo con la verdad…

Al principio, obviamente, Ohvahz no le cree, pero Michael logra establecer contacto con Tilly y, gracias a eso, le tararea una canción que una agonizante Ravah está cantando dentro de la cámara y que nadie más podría conocer. Azorado, Ohvahz pregunta a Michael si es una diosa y ella le responde que es solo alguien que quiere ayudar, como Kreel en el pasado.

El momento es fuerte para él, pues en apenas instantes se ha desmoronado toda la cosmovisión que su cultura edificara y tomara por cierta durante siglos, pero a la vez el nuevo estado de situación les da una esperanza y también a Ravah, así que simplemente acciona el mecanismo oculto y abre la cámara…

El Camino Espiritual

Y todos felices. Es cierto que el cambio es algo traumático para los halem’nitas, pero aun así y siguiendo el consejo de Michael, Ohvahz ha optado por decir la verdad a su gente. La evolución, como ella dice, es parte de la vida y las creencias no tienen por qué ser ajenas. Y menos aún cuando ahora tienen por delante un camino nuevo y una torre funcionando: las lluvias han vuelto…

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A bordo de la Discovery y siguiendo el consejo de Culber, Book está entregado a los videojuegos para relajarse. Culber dice haber entendido que lo que le ocurrió en Krill tiene que ver más con lo espiritual que con la ciencia y, por lo tanto, debe estar ahora abierto a ello. En la quinta torre, en tanto, han hallado la cuarta pista y ahora deben ir por la quinta. Y mientras Michael reflexiona acerca de la responsabilidad que implica el uso de la tecnología, un llamado les anoticia de que la USS Locherer ha dado con Moll y L’ak…

Balance del Episodio

Lo primero para decir es que ha sido un capítulo “a la vieja usanza”. La historia en la cual se llega a algún mundo y se termina auxiliando a una cultura pre-warp en problemas es un clásico en la franquicia muchas veces visto y sobre todo en las series más clásicas. Es cierto que en este caso ha ido ligado al arco principal de la temporada, pero por debajo hubo toda una subtrama que, al estilo más tradicional de Star Trek, ha tenido carácter autoconclusivo.

Ello habrá despertado nostalgia en muchos, aunque paradójicamente hemos estado ante una entrega que, salvo el guiño a Marina Sirtis, ha rendido bastante menos tributo a la franquicia que las anteriores. Pero ello no va en detrimento de que haya sido un episodio sustancioso y repleto de interesantes lecturas que, aun con sus debilidades (sobre todo en lo referente a los halem’nitas y su cultura), me ha gustado mucho y además avanza de manera más decidida hacia la resolución del enigma de los Progenitores.

El doble mensaje final tiene un interesante carácter ambiguo: para salvar a los halem’nitas, hubo que seguir el camino de la desacralización y acabar con sus antiguos mitos y rituales, pero el conflicto interno de Culber, en cambio, fue resuelto por él de la manera exactamente contraria al tener que salirse de la racionalidad extrema y dar una chance a la espiritualidad, en un proceso que de todas formas no sabemos aún hacia qué o hacia dónde le conduce.

Y una vez más, la Primera Directiva ha vuelto a generar dilemas al chocar con la ética. Michael prefirió pasar por encima de la misma antes de ver morir a los halem’nitas y, muy especialmente, a su amiga Tilly. La amistad, en definitiva, acaba por encima de cualquier norma, aunque también es cierto que le sigue sumando problemas a su foja de servicios, pues no solo se ha llevado como primer oficial a un Rayner degradado por la Flota, sino que también ha decidido pasar por encima de una directiva tan antigua como la franquicia y que siempre da lugar a encrucijadas morales…

Por cierto: si están tratando de hacer memoria acerca de cuántas veces un capitán de Star Trek incumplió la Primera Directiva, hay que decir que Michael Burnham se ha convertido en la tercera en hacerlo, ya que previamente habían hecho lo propio Kirk en el filme Star Trek: En la Oscuridad (2013) y Pike en Strange New Worlds (temporada 2, episodio 2).

Y en cuanto a la reflexión del final sobre la tecnología, sus palabras parecen casi parafrasear a Stan Lee al resumirse en algo así como “una gran tecnología conlleva una gran responsabilidad”. Una lectura que, en efecto, se aplica a las torres que en su buena intención Kreel dejara a los halem’nitas, pero que se hace extensiva a la tecnología de los Progenitores y nos hace dudar si será la gente de la Discovery quien tenga esa responsabilidad que hace falta: suponemos que sí…

Las culpas han tenido también presencia importante. Por mucho que Rayner intente convencerla de lo contrario, Adira se siente culpable de haber traído al cronófago a bordo de la Discovery: por cierto, gran trabajo de Blu del Barrio e insisto en que su personaje está mucho mejor aprovechado cuando el guion lo saca de la insufrible relación con Gray. Pero culpa es lo que siente también Ravah por llevar a Tilly a la torre o Michael ante la posibilidad de dejar allí a su amiga, lo que soluciona dando al traste con la Primera Directiva. Y culpa es también lo que siente Ohvahz por haber estado guiando a su pueblo a un sacrificio que carecia de sentido alguno.

Por cierto, el abandono de un ritual como consecuencia de la revelación de que una creencia no era cierta es algo que no es nuevo en la serie: ya ocurrió en la segunda temporada con Saru y el descubrimento de la gran mentira que había detrás del ritual del vahar’ai y del supuesto carácter de la relación entre los kelpianos y los ba’ul (episodio 4).

Lo más frágil estuvo del lado de los halem’nitas. Michael ha quedado fascinada con su lenguaje de silbidos, pero prácticamente no les hemos visto u oído practicarlo ya que, una vez que ella y Tilly pusieron pie en su planeta, todo quedó sujeto a la acción del traductor. Ya sé que siempre ocurre, pero si se le dedicó tanta atención a esa característica especial de su cultura, no hubiera estado mal que tuviera más lugar. La otra cuestión es cómo lograron desarrollarse y evolucionar en un mundo tan poco hospitalario antes de que Kreel lo acondicionara con sus torres.

Sacando esas debilidades, hemos visto un episodio que se hace bueno por la cantidad de lecturas que genera y que nos deja en la espera de cómo sigue la búsqueda de una quinta pista que, según sospecho y considerando que restan todavía cuatro capítulos, se resolverá de manera algo más lenta.

Veremos si empieza a ocurrir en el próximo. Hasta entonces y sean felices. Larga vida y prosperidad…

Reseña de Geiger (tomo). Geoff Johns y Gary Frank nos presentan un nuevo universo que empieza con muy buen pie

Planeta tiene buen ojo a la hora de elegir las licencias de los comics que va publicando. Por eso no dudo a la hora de lanzarse a por el sello Mad Ghost Comics (posteriormente Ghost Machine) en el que Geoff Johns presenta sus nuevas obras dentro de Image. El primer comic que el famoso guionista publicó en su sello cuenta con los dibujos de su colaborador habitual Gary Frank y se trata de Geiger, un relato que nos presenta las aventuras del hombre radioactivo Tariq Geiger en un futuro postapocalíptico y que sirve como primera piedra para un universo compartido que se conoce como Los Sin Nombre.

El primer volumen de Geiger consta de seis números que Planeta publicó en su día de manera independiente y que ahora recopila en un tomo para que los que dejamos escapar en su día esta colección nos podamos hacer con ella de forma más cómoda.

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El resumen de la editorial de este libro es el siguiente: ¿Quién es el HOMBRE BRILLANTE?

Conocemos a Tariq Geiger, un superviviente de la Guerra Desconocida de 2030, cuando la guerra nuclear arrasó el planeta y le robó a su familia. También lo convirtió en un reactor nuclear viviente con un caldero humeante de radiactividad dentro de su cuerpo.

Ahora, en 2050, Geiger se ha convertido en una leyenda urbana, en el hombre del saco de las historias para dormir que les cuentan a los niños de una reconstruida Las Vegas. Una versión retorcida, a modo de parque temático, de lo que fue en otros tiempos, gobernada por despiadados señores de la guerra, Las Vegas existe dentro de un sistema de túneles que mantiene a sus habitantes a salvo de la atmósfera tóxica que la rodea. Si juegas bien tus cartas, puedes optar a una vida mejor.

Extramuros, Geiger solo quiere que lo dejen en paz, mientras unos insectos mutantes llamados rondadores nocturnos y los caníbales del Pueblo de los Órganos acechan en busca de sus próximas víctimas.

Pero cuando los señores de la guerra de Las Vegas hacen que Geiger entre en sus juegos de poder, el Hombre Brillante se convierte involuntariamente en protector de dos jóvenes huérfanos en un peligroso juego de supervivencia. Enseguida descubrimos que los señores de la guerra no son los únicos interesados en eliminar a Geiger…

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Geiger tiene un diseño muy atractivo

No es que Geoff Johns tire de originalidad precisamente. El personaje que logra grandes poderes por un accidente o explosión nuclear es uno de los tropos más usados en los comics de superhéroes. También hemos leído mil veces la historia de un hombre apartado del mundo que se ve obligado a volver a él para defender a los más débiles y a una buena causa.

Pero la gracia de Geiger es como el guionista da forma a un escenario postapocalíptico muy interesante mientras demuestra que es un maestro a la hora de presentar personajes carismáticos y dotarlos de una gran personalidad. Y lo que es mejor, lo hace sin recurrir a tramas alambicadas y complejas, solo con su saber hacer a la hora de tratar personajes y contar buenas historias.

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Geiger tiene una mascota muy… peculiar

Tariq demuestra ser un gran protagonista y la manera en la que descubre el destino de su familia es uno de los momentos más trágicos y conmovedores que he visto en mucho tiempo, lo que aumenta el interés por el personaje. Además, ese mundo postapocalíptico en que Las Vegas se ha trasformado en un reino de taifas con gobernantes abrazando las personalidades de la escenografía de sus casinos no puede ser más genial. El lector quiere saber más y más sobre ese nuevo universo que Geoff Johns se ha sacado de la manga y que va creciendo poco a poco en las páginas de este volumen, con nuevos personajes y escenarios que a buen seguro darán mucho juego en otras series.

En cuanto al apartado gráfico, la pareja Johns-Frank ya nos ha dejado varias muestras de lo bien que trabajan juntos: Batman: Tierra Uno, El reloj del juicio final, ¡Shazam!, Superman: Secret origin… a cada cual mejor, así que los lectores sabemos que cuando colaboran vamos a tener un producto de calidad.

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Los villanos de la función

En esta ocasión el estilo realista de Gary Frank y su maestría narrativa son perfectos para la historia que nos quieren contar, presentando un dibujo sobresaliente tanto en los momentos de acción (que los borda), como los más tranquilos donde se va desarrollando el argumento. El artista brilla en el diseño de personajes (genial como luce Tariq) y criaturas y sobre todo, de los escenario de una desquiciada Las Vegas, con sus habitantes vistiendo según el casino donde vivan. También merece la pena destacar la labor de Brad Anderson en el color, dando vida a un mundo vibrante y destacando a la hora de iluminar a nuestro protagonista cuando usa sus poderes.

La edición de Planeta recoge los seis números de la primera miniserie del personaje en un volumen de 216 páginas encuadernado en tapa dura. Como siempre digo, en mi opinión este es el mejor formato para este tipo de historias ya que permiten disfrutar de su lectura de un tirón. El libro incluye también varios extras como un artículo de presentación de Geoff Johns, una línea temporal del universo de Los Sin Nombre y todas las portadas de los comics originales. El precio de venta es de 20 euros.

En resumen, Geiger es un gran comic en el que sin inventar nada nuevo, sus autores se las arreglan para contar una historia entretenida, con un personaje central muy bien desarrollado y unos escenarios originales y perfectamente construidos. Sin olvidar que es el punto de partida de un nuevo universo compartido que promete ser emocionante. No lo dudes, si buscas una buena historia postapocalíptica con un dibujo genial, Geiger es compra obligada.

Todo un hombre, la mini-serie de Netflix con Jeff Daniels transmutado en Donald Trump

Todo un hombre (A Man in Full) es la nueva serie de Netflix para echarse un maratón de una tarde. Con apenas 6 episodios, la nueva producción de David E. Kelley y Regina King es una propuesta que seguro que entretendrá a más de uno. Aviso: hay que verla en versión original sí o sí, porque el doblaje es nefasto. Vamos al lío.

Erase una vez un magnate

Todo un hombre (A Man in Full) cuenta la caída de Charlie Croker (Jeff Daniels), un magnate inmobiliario de Atlanta que, tras usar los créditos que pidió para su empresa para darse todo tipo de caprichos, debe más de mil millones a los bancos. Raymond Peepgrass (Tom Pelphrey) es uno de los empleados de esos bancos que, tras años de continuas humillaciones, quiere ver caer a Croker sea como sea.

Pero Croker es perro viejo e intentará todo tipo de trucos para sobrevivir a su caída, desde captar nuevos inversores a traicionar a su mujer (Diane Lane) y a la mejor amiga de esta (Lucy Liu) y ya de paso aliarse con un alcalde sin escrúpulos que quiere destapar un antiguo caso de abusos sexuales.

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Todo un hombre se basa en la novela del mismo título de Tom Wolfe, autor que se dedicaba a diseccionar con saña el sueño americano. Algo de eso hay en la nueva serie de Netflix pero 6 episodios no dan para mucha crítica social, así que la historia se ha simplificado bastante. Quizás demasiado.

Mientras se nos cuentan las desgracias de Charlie Croker, se nos intercala una trama carcelaria en la que se ve envuelto uno de sus empleados, Conrad Hensley, a su vez el novio de su secretaria. Croker se compromete a sacarle de la cárcel pero su falta de liquidez limita sus opciones, por lo que la defensa de Conrad queda en manos del abogado de la empresa que, al no ser criminalista, no hace más que complicar la situación de Conrad.

Pese a que el protagonista de Todo un hombre es Charlie Croker, las desventuras de Conrad y su abogado cobran cada vez más protagonismo y se convierten en lo más interesante de la historia, lo que de verdad hace que nos enganchemos. No es de extrañar ya que la especialidad de David E. Kelley son las series de abogados, series que domina como nadie.

Donald Trump en versión Netflix

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Y es que el personaje principal de Todo un hombre, Charlie Croker, no es alguien con quien el espectador pueda sentirse identificado o pueda empatizar.  Croker, magnate inmobiliario que no se priva de nada pero que no deja de ser un paleto de pueblo, es un nada disimulado reflejo de Donald Trump, tanto en actitud como en su representación física. Uno se pasa la serie esperando que caiga.

Sin embargo, gracias a la gran interpretación de Jeff Daniels, el personaje resulta fascinante. Daniels despliega todo un repertorio de gestos, poses y acentos que lo convierten en lo mejor de la serie. De ahí que la versión original sea obligada, porque al ponerse nervioso, a Croker le sale el paleto que lleva dentro y en versión doblada resulta lamentable. El caso es que, al final y sobre todo gracias a un pequeño gesto de redención que en la vida le veremos hacer a Trump, acabas por cogerle cariño.

A eso contribuye también que quienes quieren verlo caer, no son precisamente un dechado de virtudes, especialmente ese Raymond Peepgrass encarnado por un excelente Tom Pelphrey, un tipo miserable y patético, lleno de odio y rencor que, en realidad, lo que quiere es ser Charlie Croker.

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En resumen, como versión de la novela de Tom Wolfe, Todo un hombre se queda algo corta en cuanto a crítica social pero eso no impide que sea una serie a tener en cuenta. El buen hacer de David E. Kelley como productor y guionista de todos los episodios hace que nos enganchemos a ella, sus 6 episodios pasan en un suspiro y un gran Jeff Daniels hace que merezca la pena pasar la tarde con ella. Un saludo, sed felices.

Análisis de Fallout. Temporada 1. Episodio 1: Bienvenidos al Yermo

La guerra nunca cambia, queridos lectores. El bueno de Jonathan Nolan nos trae esta impresionante adaptación de Fallout, de Bethesda Softworks, una de las sagas de videojuegos más emblemáticas de la historia, con un resultado que habrá sorprendido a muchos ya que nos encontramos con la que será sin lugar a dudas una de las series más potentes del año.

Mucho ha llovido desde aquellos primerizos intentos de adaptar las historias del mundo del videojuego a las pantallas del cine y, afortunadamente, a día de hoy productos como Arcane o The Last of Us han probado que adaptar narrativas videojueguiles no solo es posible, sino que puede llegar a ser todo un éxito – así como un manantial de ideas nuevas- en el cada vez más saturado panorama audiovisual que nos rodea.

Para goce de todos, Nolan, que es un gran fan, junto a la buena de Bethesda, no han querido permitir que su universo sea mangoneado y, gracias a la participación de Amazon, nos han brindado un producto con tal mimo que para muchos incluso superará a los propios videojuegos y hará las delicias tanto de fans acérrimos como de recién llegados.

¿QUÉ ES ESTO DE FALLOUT?

Antes de meternos en harina, un breve repaso sobre el universo que nos ocupa, ya que mucha gente tendrá esta serie como primer punto de contacto. Fallout es una ucronía o, lo que es lo mismo, una historia distinta de nuestro mundo.

En el universo de Fallout, los transistores nunca llegarán a inventarse, lo que hará que la tecnología, si bien similar, se desarrollará por sus propios derroteros haciendo énfasis en el poder del átomo y la robótica. No tendremos smartphones en Fallout, ni internet; de hecho, la sociedad norteamericana se quedará anclada en una suerte de limbo retrofuturista perpetuo ambientado en los años 50.

La guerra fría nunca acabará y el capitalismo y el comunismo llegarán a un punto crítico al que nunca llegaron en nuestra línea temporal: la guerra nuclear. Ahí es donde empieza esta Fallout, con el bueno de Cooper Howard (Walton Goggins), una estrella de cine en horas bajas, contemplando cómo las bombas nucleares caen sobre Los Angeles, California, mientras intenta poner a su hija a salvo. El año es 2077.

LA MORADORA DEL REFUGIO

Fallout01219 años más tarde, en 2297, nuestra primera protagonista, Lucy MacLean (Ella Purnell), moradora del refugio 33, está buscando marido. Los refugios son superestructuras subterráneas construidas antes de la guerra por la compañía Vaul-Tech para asegurar la supervivencia humana.

La joven vive una existencia feliz junto a su padre Hank MacLean (Kyle Machlachlan) -el supervisor del refugio- y su hermano Norman (Moisés Arias). Su único problema es que, cansada de liarse con su primo Chet, Lucy quiere dar un paso más y comenzar una familia.

Tras aprobar su matrimonio con un habitante del gemelo refugio 32, nuestra protagonista no podría estar más contenta gracias a un apuesto nuevo marido, Monty, y una boda de ensueño en la que participan ambos refugios. Solo hay un problema: Norman es el primero en darse cuenta de que los habitantes del refugio 32 son en realidad saqueadores de la superficie liderados por Lee Moldaver, una señora de la guerra del Yermo que, tras causar una masacre en el refugio 33, secuestra por razones desconocidas a Hank, quien se sacrifica para poner a salvo a Lucy.

Tras comprobar que nadie está dispuesto a ayudarla, Lucy decide huir del refugio con la ayuda de Norman y Chet y el objetivo de rescatar a Hank, iniciando así su aventura en el Erial de lo que antaño fuera Los Ángeles, algo para lo que nuestra inocente heroína no está ni remotamente preparada. ¡Vamos al lío!

MÁXIMUS

Fallout03Nuestro segundo protagonista, Máximus, es un aspirante a escudero de la Hermandad del Acero, una especie de orden neo templaria que (supuestamente) mantiene el orden en el yermo mientras busca tecnología anterior a la guerra.

Máximus es un superviviente del pueblo de Shady Sands, cuna de la Nueva República de California, que fue destruido cuando era niño, y también un superviviente dentro de la hermandad, donde recibe palizas diarias del resto de reclutas. Su mundo se desmorona cuando su única amiga, Dane, es elegida como escudera perdiendo él la oportunidad de servir a los caballeros ataviados de servoarmaduras de combate en sus gestas a lo largo y ancho del Yermo, quedando relegado a cavar letrinas.

O eso parecería, pero el destino le tiene preparado algo distinto. Cuando Dane se hiere el pie debido a que alguien pone una cuchilla en su bota, Maximus es interrogado por el Alto Clérigo Quintus, que le acusa de haber herido a su amiga y recrimina su debilidad, pero que también queda impresionado por su lealtad a la orden y, confiando en su inocencia, le da el puesto de Dane.

Tras ser nombrado escudero del caballero Titus, Máximus comienza su andanza por el Erial en busca de un científico del Enclave (lo que queda del antiguo gobierno corrupto de EEUU) que ha desertado con una tecnología que podría cambiar el balance de poder entre las facciones de la Costa Oeste del Yermo.

EL NECRÓFAGO

Fallout02 e1714976820565Cerca de la frontera con México, un grupo de tres saqueadores integrado por Honcho, Slim y Biggie se cuela en un cementerio en busca de de un necrófago con fama de ser uno de los mejores cazarrecompensas de la Nueva California. Enterrado en vida por un tal Dom Pedro, que lo saca periódicamente de su sepultura para torturarlo, el necrófago resulta ser Cooper Howard, transformado por la radiación y convertido en un autentico forajido de este mundo post-apocalíptico.

Nada convencido del “último golpe” de Honcho y ante la perspectiva de tener que hacerles el trabajo sucio, Cooper se carga a los tres, declarando que lo que a él le gusta es “la emoción de la caza” y, decidiendo cobrar solo por su cuenta la recompensa por el científico del Enclave, se adentra una vez más en el Yermo.

¿Qué será de nuestro trío protagonista? ¡Eso es algo que descubriremos muy pronto!

VALORACIÓN

Dirigido por la diestra mano de Jonathan Nolan, el primer episodio de Fallout es todo lo que un fan podría soñar. Una recreación tan fiel que pareciera que nos encontramos dentro del propio videojuego, un nivel de detalle rayano en lo obsesivo, hasta el punto de utilizar sin vergüenza algunas de las mecánicas del juego (¿Tengo una herida? ¡Con un estimulante todo solucionado!).

Dialogos chispeantes, personajes grises, humor negro, gore y secuencias de acción que quitan el hipo. Los temas músicales del juego encabezando magistralmente las escenas y una mezcla perfecta ente efectos prácticos y VFX. Pregunto: ¿Qué más se puede pedir? Si esto no es lo más parecido a una adaptación perfecta del universo de Fallout en pantalla, no sé lo que es.

Como contrapunto podría decirse que quizá sea algo apabullante para el que no sepa nada de esta ambientación, pero incluso así, yo creo que la serie da todos los elementos para intuir perfectamente lo que pasa y sumergirte de lleno, aun si te pierdes algún detalle.

En definitiva: esto es la leche y queremos más.

Nos vemos en los siguientes análisis, moradores, hasta entonces y sed muy felices.

Reseña de The true lives of the fabulous Killjoys 2: National Anthem. Ciencia ficción emotiva y loca a la vez

Estaba cantado (y nunca mejor dicho) que después del éxito de The true lives of the fabulous Killjoys: California Norma Editorial no iba a dejar pasar la oportunidad de publicar su continuación, o bueno, mejor dicho, su precuela porque The true lives of the fabulous Killjoys: National Anthem, el nuevo cómic de los personajes creados por Gerard Way y Shaun Simon es más bien una precuela de la historia original.

National Anthem nos cuenta lo sucedido no solo antes de California, va incluso un poco más atrás en el tiempo, antes de los videoclips Na Na Na y Sing de My Chemichal Romance que suponen el punto de partida para toda la historia que vimos publicada en España en 2021. Tampoco es que sea el principio de la saga en sí. Como vemos en sus primeras páginas, los autores podrían haber ido más atrás en el tiempo y centrase en la creación de los grupos de adolescentes rebeldes que Mama y Papa usan en las Guerras Analógicas para proteger la realidad de las distorsiones que la amenazan.

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El resumen de la editorial de la obra que vamos a leer es el siguiente: Los guionistas Gerard Way y Shaun Simon, junto con el ilustrador Leonardo Romero (Ojo de Halcón), la colorista Jordie Bellaire (Redlands) y el rotulista Nate Piekos (The Umbrella Academy) se unen para presentar una nueva historia moderna de los Killjoys, en la que Way y Simon se remontan a la historia original que inspiró el álbum conceptual de My Chemical Romance Danger Days y sus cómics distópicos. Los Fabulosos Killjoys, en el pasado un grupo de exterminadores adolescentes decididos a salvar la realidad, han perdido el camino… y los recuerdos. Después de un período de aislamiento mental, su antiguo líder, Mike Milligram, se desprograma y sale a la carretera con la intención de reunir a la banda para un enfrentamiento final contra una corporación farmacéutica malvada, su monstruoso asesino a sueldo y pandillas rivales salvajes.

National Anthem nos cuenta como después de la Guerra Analógica los grupos de adolescentes rebeldes que lucharon en ella (conocidos como A.K.A.s) desaparecieron misteriosamente. Pero Mike Milligram, el líder de the fabulous Killjoys logra recuperar sus recuerdos perdidos para volver a luchar por la libertad y oponerse a una malvada farmacéutica que ha robado el recuerdo de todo el mundo de lo que suponía ser libres en aras de lograr una mayor seguridad y bienestar. Y para ello nada mejor que volver a reunir su antiguo grupo, aunque eso suponga romper la vida que sus amigos han fraguado en este nuevo mundo y desenterrar traumáticos recuerdos que a lo mejor estaban mejor enterrados.

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the fabulous Killjoys

Lo primero que hay que señalar de National Anthem es que su lectura es muchísimo más sencilla que la de California. Tenemos una historia autoconclusiva, que es más directa que su antecesora y que no necesita de mayores aditamentos para comprenderse perfectamente. Eso es algo que beneficia a la historia ya que no hay que ver ningún videoclip y la trama, aunque esconde muchas sorpresas, en el fondo es más sencilla, sin mayores dobleces y vericuetos que los propios de un cuento de ciencia ficción con moraleja.

Por que en el fondo lo que tenemos es la típica historia en la que un grupo de adolescentes crecen y pasan a forman parte de un sistema que se dan cuenta de que está podrido por dentro y al que vuelven a oponerse tal y como hicieron cuando eran jóvenes. El estado opresor y las grandes corporaciones que le sirven y le dan forma son el gran enemigo al que enfrentarse. Después de todo, la dicotomía que ofrece la hemos leído y visto mil veces. Se trata de sacrificar la libertad individual para lograr una total seguridad colectiva. Si, todos queremos esa seguridad, pero siempre hay que estar alerta del precio a pagar por ella Y más si como en este caso, tampoco han dejado elegir a los individuos, que han sido engañados para que no les quede más opción que vivir en ese mundo seguro que los poderosos han construido para su propio beneficio.

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No hay nada como el amor adolescente

Con todo, Gerard Way y Shaun Simon construyen un relato entretenido que funciona muy bien, en gran medida porque ahora sí, se entiende perfectamente lo que están contando. National Anthem es una historia de ciencia ficción que cuenta con unos protagonistas muy bien construidos y a los que vemos evolucionar de tal manera que es imposible no empatizar con ellos. Además, tiene momentos dramáticos y giros de guion muy bien llevados que hacen que el lector se emocione leyendo. Tampoco se olvida de la acción ofreciendo batallas y persecuciones espectaculares. Y no faltan las ideas locas marca de la casa que logran elevar el tono de la obra en su conjunto. Hablamos de pequeños detalles como esas armas que funcionan gracias a la ira de sus portadores, las pastillas que dan la felicidad, el papel de Padre y Madre, la idea de una realidad que se oculta de otra gracias a disfraces o distorsiones sónicas, los poderes de los protagonistas, uno y mil detalles que sorprenden en cada página y que dejan clara la gran imaginación de los autores.

En el apartado gráfico tenemos a un Leonardo Romero que ofrece un gran trabajo. Su dibujo de línea fina y clara es sencillamente perfecto para la historia que nos está contando. El trabajo en el diseño de personajes, escenarios e incluso vestiduras y armas es genial y logra trasportarnos a un futuro distópico que tal vez no este tan lejos como creemos. Las escenas de acción esta perfectamente coreografiadas y el lector nunca tiene la sensación de no saber lo que está pasando. A todo esto ayuda la labor de Jordie Bellaire al color, logrando una ambientación pop psicodélica que le viene como anillo al dedo a los dibujos de Romero.

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Las distorsiones que amenazan la realidad

La edición de Norma vuelve a ser un lujo como en el volumen anterior. Recopila en un volumen de tapa dura con sobrecubierta los seis números de la edición original en un tomo de 216 páginas. No faltan los típicos extras como portadas originales, diseños de personajes o bocetos. El precio de venta es de 35 euros.

En resumen, The true lives of the fabulous Killjoys: National Anthem es una entretenida historia de ciencia ficción que cuenta con los suficientes extras para destacar en el mercado gracias al original mundo que sus autores construyen alrededor de unos personajes con los que es difícil no empatizar ya que, en mayor o menor medida, todos hemos pasado por ese trance de dejar atrás las ideas de la adolescencia para entrar en un mundo adulto que a veces querríamos destruir.

Habemus traje del Superman de David Corenswet | Luces y sombras

Todo lo que hay alrededor del nuevo Superman de James Gunn se ha ido desvelando con cuentagotas. Todo se ha llevado con mucho secretismo, desde la figura de Corenswet que siempre ha vestido ropa holgada hasta el pelo del actor, que siempre ha aparecido con un gorro de lana para evitar que se viene el corte pelo de su Kal-El.

Muchos esperábamos la revelación del traje completo para el 29 de Febrero o para el 19 de abril, fechas importantes en el imaginario del kriptoniano, pero ha sido hoy 6 de mayo cuando hemos podido ver la primera imagen del actor embutido en el traje mítico traje azul y rojo.

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Sinceramente, ha sido una imagen con luces y sombras, ya que ha rescatado algo que a mucha gente no le gustó del Superman de los Nuevos 52: El cuello alto del traje. Y algo que a mí (personalmente) me disgusta y es el retorno de los calzoncillos por encima del traje.

La textura de la tela y los dibujos lucen genial, aunque la postura que ha elegido hace demasiadas arrugas en el traje y eso no beneficia a una primera imagen. El logo encaja perfectamente y me parece un diseño muy bueno. Que la capa sea larga es un acierto, además de tener ese peso que tenía la de Henry Cavill que tan buen resultado dio.

Esta primera imagen nos da a entender que este Superman está teniendo un momento de reposo tras una batalla que ha dejado su traje algo maltrecho y quemado.

No quiero olvidar el caracolillo del pelo, creo que lo han bordado y se nota que James y Gunn y compañía aman el personaje y van a hacer algo memorable.

Esta imagen me ha aumentado las ganas de ver esta cinta de Superman y no puedo esperar a julio de 2025.

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Un saludo y sed felices.

Monumental y epiquísimo tráiler de Megalopolis, de Francis Ford Coppola. «Na», en serio, tenemos un clip muy normalito

Este fin de semana Francis Ford Coppola, en busca de una distribuidora ha sacado un teaser o un clip de Megalopolis. Sinceramente, o no tengo ni idea de cine o Coppola ha sacado un tráiler con muy pocas ganas. Un minuto de Adam Driver haciendo piruetas…

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Lo que me ha llamado la atención son algunos portales que se lanzan a decir lo siguiente:

Impresionante tráiler de la película de ciencia ficción más ambiciosa de la historia. Francis Ford Coppola presenta ‘Megalópolis’, la película que ha tardado 42 años en poder hacer

Este es el titular de la noticia de la web de Espinof sobre el clip en cuestión. ¿En serio? ¿Impresionante tráiler? ¿Película de Ciencia Ficción más ambiciosa de la historia? Y ya no hablamos de los dichosos 42 años, que ha quedado como la coletilla de la película. Pero Vandal ha ido más allá, ojo:

Megalopolis puede ser una de las mejores películas de la historia. Francis Ford Coppola demuestra con este tráiler que estamos ante un posible hito cinematográfico: Megalópolis tiene pinta de convertirse en un clásico

Mi no entender. ¿Qué me estoy perdiendo? ¿Por qué sacamos las cosas de quicio? Os dejo con el tráiler y juzgad vosotros (está en versión original, pero creo que lo entenderéis los no iniciados en el idioma de Shakespeare).

Otras webs hablan de la película de ciencia ficción más esperada del año, ¿Ya no nos acordamos de Dune: Parte Dos?

En fin, la maquinaria de marketing ha comenzado y las webs sacan los típicos adjetivos sin mesura. Yo personalmente tengo recelos de esta Megalopolis. Hace años que el cine de Coppola dejó de interesarme. Sus últimos filmes han ido por lo experimental y por lo que me dicen, son fallidas propuestas.

Esta de Megalopolis pues habrá que esperar, pero lo dicho, de momento no ha captado mi atención.

Un saludo y sed felices.

Tráiler de «The Acolyte». Tiene hasta pintaza pero ya estamos muy escamados

«Anoche, una Jedi fue asesinada»…

Nuevo tráiler de The Acolyte tuvimos ayer aprovechando que este fin de semana fue 4 de mayo, día de Star Wars. Y seamos sinceros, el tráiler pinta muy pero que muy bien… si no nos la hubiesen colado en anteriores ocasiones ya. Pero lo dicho, pinta bien.

La serie está ambientada en la era de la Alta República, lo que le da un plus ya que no se sabe mucho de ese momento solo que los Jedi no tienen oposición. Sin embargo, en un momento de cambios con el fin de su reinado, fuerzas oscuras se acercan. Al final del tráiler un Sith sale en escena para pesadilla de los Jedi.

The Acolyte Star Wars Trailer

The Acolyte contará con ocho episodios protagonizados por Amandla Stenberg, una joven ex padawan que se reúne con su Maestro Jedi para investigar una serie de crímenes. El otro protagonista de esta historia es Lee Jung-jae, de El juego del calamar, el Maestro Jedi, mientras que Joonas Suotamo, hará ahora de un Jedi wookiee llamado Kelnacca.

Star Wars estrenará sus dos primeros episodios el 4 de junio, mientras que el resto de capítulos llegará de forma semanal.

Un saludo y sed felices.