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Tráiler de Rebel Moon (Parte uno): La niña del fuego

Ya tenemos el tráiler de Rebel Moon (Parte uno): La niña del fuego. Al menos el tráiler final antes de su estreno el 22 de diciembre en Netflix. Y la verdad es que pinta muy bien.

Ya hicimos un artículo presentado las intenciones del bueno de Zack Snyder puesto que además de las películas su intención era hacer serie animada, cómic y podcast… y todo lo que le venga en gana.

Tráiler de Rebel Moon

Creo que Snyder es un poco un jeta y un genio, una persona que no se puede perder en este mundo de monotonía. Snyder es un talento que hay q conservar y de vez en cuando nos vale para menear el árbol.

Esta película en dos partes, Rebel Moon (Parte uno): La niña del fuego, el 22 de diciembre, y Rebel Moon (Parte dos): La guerrera que deja marcas, el 19 de abril de 2024 puede ser el apogeo de este director/guionista después de 300 y La liga de la justicia.

Después de estrellarse en una luna en los confines del universo, Kora (Sofia Boutella), una joven con un pasado misterioso, empieza una nueva vida en una pacífica colonia rural. Hasta que el tirano Balisarius (Fra Fee) y su cruel emisario, el almirante Atticus Noble (Ed Skrein), descubren que los granjeros han estado vendiendo las cosechas a los Bloodaxe (Cleopatra Coleman y Ray Fisher), líderes de un feroz grupo de insurgentes que Madremundo quiere capturar. Ahora, Kora es su única esperanza de sobrevivir.

Kora y Gunnar (Michiel Huisman), un agricultor bonachón que no sabe nada de guerras, deben reunir a gente dispuesta a luchar y dar la vida por los habitantes de Veldt. Y así, en un viaje por varios planetas en busca de los Bloodaxe, se forja un grupo de guerreros unidos por la necesidad de redimirse: Kai (Charlie Hunnam), piloto y pistolero a sueldo; el general Titus (Djimon Hounsou), un líder legendario; Nemesis (Doona Bae), una gran espadachina; Tarak (Staz Nair), un prisionero de sangre azul; y Milius (E. Duffy), una combatiente de la resistencia. De vuelta en Veldt, el viejo androide protector Jimmy (con la voz de Anthony Hopkins en la versión original) se despierta con un nuevo objetivo. Pero los recién estrenados revolucionarios tienen que aprender a confiar en los otros y luchar unidos antes de que lleguen los ejércitos de Mundomadre a arrasar con todo.

Un saludo y sed felices.

Reseña de Afrikakorps (2023), el enfrentamiento sin odio durante la II Guerra Mundial

La II Guerra Mundial, como su propio nombre indica, tiene una capacidad de generar historias tan inabarcable como los distintos contendientes que se dieron cita para matarse entre ellos. La guerra en Europa, los campos de concentración, el frente ruso, la guerra en el Pacífico o la lucha en el norte de África, enfrentamiento que se relata en Afrikakorps, el nuevo cómic de Olivier Speltens que Norma Cómic ha publicado de forma integral.

Las 25 mejores películas sobre la Segunda Guerra Mundial

Afrikakorps es una crónica detallada y fiel del conflicto entre alemanas y británicos en el norte de África a través de los ojos ficticios del capitán Von Richter, que, seguro, es el reflejo de uno de tantos soldados alemanes al mando de un tanque en África, liderados por el mariscal Erwin Rommel, el conocido como Zorro del desierto.

Su autor, que trabaja en Afrikakorps como guionista y dibujante, es Olivier Speltens, autor belga fascinado por la Segunda Guerra Mundial. Antes del citado tomo, publicó el Ejército en la sombra, similar trama aunque centrada en el frente ruso que también tenéis en Norma.

A la hora de retratar la II Guerra Mundial desde el punto de vista nazi, lo más fácil es centrarse en el conflicto africano porque, al menos históricamente, fue el conflicto más “honesto” de cuantos se sucedieron durante los seis años que duró la guerra. Es decir, que la lucha en África fue una guerra sin odio.

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Rommel era un mariscal obsesionado con las victorias militares pero, al parecer, nada afín a los pensamientos supremacistas nazis. Durante el conflicto africano, hizo frente con sus tanques al superior ejército británico, dirigido por el mariscal Montgomery que, como tantos otros militares de los Aliados, admiraba a Rommel.

Afrikakorps es un cómic esencialmente bélico que se centra en la campaña africana y recoge episodios como la batalla de Tobruk, la de Bir Hakeim o la de El Alamein. A un nivel más intimista, se enfoca en el día a día de los soldados, en su progresiva desgana a medida que el conflicto avanzaba. En las dificultades para mantener los panzers, sometidos a las inclemencias del desierto. Apenas hay tiempo para dilemas morales con la lealtad al nazismo. Únicamente se retrata a unos soldados que luchan por su patria.

En lo que respecta al dibujo, es probablemente lo mejor de Afrikakorps. Speltens dibuja la guerra en toda su “grandeza», sabiendo extraer toda la épica e intensidad del conflicto. Es un cómic que recuerda a Corazones de acero o a Black Hawk derribado. Solo falta la música de Hans Zimmer mientras se lee el relato.

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Además, lo más llamativo del tomo es el detallismo a la hora de recrear el equipamiento militar, los tanques, armas y aviones con los que estos hombres tuvieron que hacer la guerra en el norte de África.

En definitiva, Afrikakorps es un cómic bélico que sirve como un buen resumen de la campaña bélica del norte de África durante la Segunda Guerra Mundial. Una historia que no pretende más que narrar los hechos hechos históricos en los que una serie de hombres, alejados del odio que se vertió en otros lugares, libraron la guerra con respeto al enemigo y una férrea voluntad contra los obstáculos que el desierto les brindaba. No esperéis sesudas reflexiones sobre la ambivalencia entre un alemán que lucha por Alemania y el que sirve al nazismo. Aquí lo que cuenta es narrar, de la forma más espectacular posible, la épica de la guerra.

Enlace a Afrikakorps, tomo integral de Olivier Speltens, que tenéis en NORMA EDITORIAL

LA NUEVA OBRA DE UNO DE LOS GRANDES MAESTROS DEL BÉLICO ACTUAL

El teniente Joachim Von Richter forma parte del Afrikakorps, la fuerza terrestre alemana que, a las órdenes del comandante Rommel, sembró el terror en el norte de África durante la II Guerra Mundial. A bordo de un Panzer, Joachim y sus hombres participarán en los episodios más comprometidos de una ofensiva librada a sangre y fuego.

El historietista belga Olivier Speltens (El Ejército de la sombra) aborda en esta brillante recreación histórica los avatares de una fuerza militar que, a base de astucia y arrojo, impuso su hegemonía sobre un enemigo superior.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Retro-Análisis | Lady Bird (2017)

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Escrita y dirigida por la ya experimentada actriz Greta Gerwig, quien ha tenido a su cargo Nights and weekends (2008), Mujercitas (2019) y, por supuesto, la película más taquillera de este año, Barbie. LadyBird nos lleva a una revisión de su vivaz adolescencia.

Christine McPherson (con un casting perfecto Saoirse Ronan, que incluye Hanna 2011 y Mujercitas 2019), la cual se hace llamar “Lady Bird”, es una chica de 17 años de Sacramento. Su madre (interpretada maravillosamente por Laurie Metcalf) decide inscribirla en una escuela católica debido a la violencia que hay en las escuelas públicas.

Lady Bird sueña con ser adinerada y asistir a una universidad de la costa este para poder estudiar artes, pero la situación familiar y, sobre todo, su madre no aprueba su elección, pues no cree que su hija sea capaz de ingresar por concebirla como una chica sin talento (o eso es lo que deja entrever en sus primeros minutos el filme).

La cinta se enfoca principalmente en la relación madre –  hija, aunque también desarrolla en todo momento al personaje de Lady Bird, desde simples decisiones como ingresar al club de teatro o postularse para presidenta del consejo estudiantil. Todo remite a la personalidad de Lady Bird, la cual va cambiando a lo largo de la película y, junto con ella, la visión sobre su madre.

Lady Bird (2017)

La adolescencia

El personaje de Lady Bird está escrito honestamente: no es la chica más bonita de la escuela ni la más interesante e incluso deja muy en claro que no es inteligente o sobresaliente: solo una chica normal de 17 años que no es madura sino, por el contrario, bastante infantil y con rabietas patéticas.

La película no trata de ser un pretencioso alegato sobre la adolescencia; más bien la toma con honestidad y sin glorificarla, pero tampoco menospreciándola, sino simplemente dejándola ser.

Su amiga Julie muestra otra faceta de la adolescencia: una que no es muy placentera, pero aun así y a su forma ella trata de ser feliz.  Dany, el primer amor de Lady Bird, también resulta ser otra visión de la adolescencia, una donde descubres tu sexualidad y tienes dudas sobre la concepción de ti mismo. También tenemos a aquellos a los que la adolescencia les sonríe (o eso parece), como lo son Jenna o Kyle, los cuales son adinerados y su juventud ( (e incluso concepción del mundo) es muy distinta.

Lady Bird pasa por ambas caras de la adolescencia, pero solo en una es realmente ella misma; en la otra tiene que fingir e ir en contra de sus principios e ideologías para encajar, siendo este el descenso de nuestra protagonista.

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La importancia de Sacramento

Hay otro recurso que el guion utiliza de manera excelente para sentir la desigualdad que causa el desfavor económico; Sacramento está ahí para eso: es una zona barata en California y esto acompleja a Lady Bird ya que adopta el ser de Sacramento como signo de que es pobre. Pero aquellos que tienen recursos económicos no ven precisamente a Sacramento como una ciudad de pobres, como es el caso de Jenna o Kyle.

Pero aunque Lady Bird odie Sacramento, también es consciente de la misma y, al odiarla, la conoce bastante bien. Es por ello que su ensayo de ingreso a la Universidad es sobre la ciudad.

Lady Bird y Sacramento

Aun con las dificultades de ingresar a una universidad de New York, el padre de Lady Bird decide apoyarla para que se aplique. Para su sorpresa, es aceptada en una universidad, pero todo a escondidas de su madre que, al enterarse, le deja de hablar: ni siquiera baja del auto para verla partir a New York.

Relación madre-hija

En toda la película la relación madre-hija es una de subidas y bajadas: siempre que Lady Bird pasa un buen día o le ocurre algo que la hace feliz su madre le apaga el momento y la trae a una realidad en la cual su padre está despedido y ella debe trabajar doble turno para que pueda tener escuela, comida y vivienda. Y aunque tienen momentos felices, son muy pocos en realidad: los únicos en que les vemos pasar un tiempo sin discutir ocurren cuando van a ver casas en venta.

La relación está tan bien trabajada y dirigida: entendemos perfectamente ambas posiciones y aunque Lady Bird, en ocasiones, sea una niña egoísta, no es culpa suya la situación económica del país o de su familia. Por el lado de la madre, entendemos perfectamente esa frase casi al final de la película: Quiero que seas la mejor versión de ti misma.

Al final, Lady Bird cumple 18 y ya se considera una adulta: lo primero que hace es comprar unos cigarros y una revista porno; sin nada de asombro se da cuenta que “el ser adulto” no tiene nada de espectacular.

En su primer día en New York, coge la borrachera de su vida pero sucede algo maravilloso y por fin deja de auto nombrarse Lady Bird, sino que se presenta por su nombre real y dice que es de Sacramento, lo cual sí es un paso a ser adulto, a aceptarse a ella misma y al lugar de dónde viene.

Al despertar está en un hospital, sale a la calle, entra a una iglesia y recuerda su antigua escuela, llama a su madre para explicarle cómo es que se emocionó la primera vez que manejó por Sacramento: al fin de todo no estaba tan mal como ella creía.

Hasta pronto y sean felices…

Lady Bird de Greta Gerwig

Critica interna de Mujercitas 2019 de la directora Greta Gerwig.

Reseña del crítico mexicano Jorge Ayala Blanco.

Análisis del portal e Roger Ebert.

Ya tenemos Tráiler de Damsel (Damisela), la Nueva Película de Netflix protagonizada por Millie Bobby Brown

Espada y hechicería al por mayor es lo que promete Damsel (Damisela), la propuesta de fantasía épica que tiene en el papel principal a Millie Bobby Brown y en la dirección al español Juan Carlos Fresnadillo. Netflix acaba de lanzar el primer tráiler.

Sencillamente, Millie Bobby Brown no para y el romance que con ella mantiene Netflix tampoco. Tras haberse convertido en una de las jóvenes actrices de mayor suceso con Stranger Things y las dos películas de Enola Holmes, (de todo lo cual pueden leer nuestros análisis pinchando en los links correspondientes), incursionará ahora en la fantasía épica de corte medieval con Damsel (Damisela).

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La dirección del filme corre por cuenta del canario Juan Carlos Fresnadillo (28 Semanas después, Intruders) y no es por cierto la única propuesta en este estilo que por estos días le involucra ya que también, por lo que se anuncia, dirigirá para Disney el live action de Merlín el Encantador.

Millie, quien además oficia como productora ejecutiva, interpreta a la princesa Elodi, joven hija de un noble caído en desgracia al cual el príncipe del vecino reino de Auria promete auxiliar económicamente si ella accede a unirse con él en matrimonio. La muchacha acepta, pero se trata de una trampa y lo que en realidad quiere la familia de su prometido es entregarla a las garras de un temible dragón como parte de un ritual ancestral.

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Si se están preguntando si el argumento está tomado de alguna novela o saga literaria de las que abundan en el género de la fantasía épica, la respuesta es no, pero eso no quiere decir que el libro no exista.   A los efectos de promocionar el filme, el guion ha sido novelizado por Evelyn Skye, reconocida autora de best sellers que no es primeriza en el género, y si bien aún no está disponible en español, es de creer que lo estará en cuanto estemos más cerca del estreno.

El tráiler pinta bien y la cosa promete mucha espada y hechicería, además de tener un interesante elenco que incluye a Angela Bassett, Nick Robinson , Shohreh Aghdashloo y Robin Wright, quien de esta forma regresa al género que prácticamente la lanzara al estrellato cuando allá por 1987 protagonizara La Princesa Prometida (hasta el argumento pareciera contener algún guiño).

Inicialmente, la película había sido anunciada para este año pero como consecuencia de las huelgas de guionistas y de actores que felizmente han llegado a su fin (en los correspondientes links pueden enterarse cómo), el estreno se ha ido aplazando y finalmente tendrá lugar el año próximo, aunque aún no se especifica fecha.

Por cierto, 2024 volverá ser un año que encontrará muy activa a Millie, pues además de Damsel y siempre para Netflix, tiene también en agenda The Electric State, bajo dirección de los hermanos Russo, así como la tercera entrega de Enola Holmes.

Por otra parte y por más debutante que sea en esto de la fantasía épica, bien sabemos que experiencia en enfrentarse con monstruos no le falta y, además, mientras la vemos blandir la espada, nos preguntamos si no la volveremos a ver también usar el arco. Digamos que el contexto lo amerita.

En fin, ¿qué les parece el tráiler? Hasta pronto y sean felices…

El cómic de la semana: Vanish 1

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a El cómic de la semana. Hoy reseñamos Vanish 1. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Vanish 1, vuelven los 90

Y si, los 90 vuelven. En esta sección del cómic de la semana nos hemos aventurado en muchas ocasiones con comics de Spawn y a veces me he llevado algún tironcillo de orejas. Y ahora parece que vuelvo a los fueros porque no solamente tengo en mente más cómics del engendro de McFarlane, sino que además me meto en el charco por otra colección de similar corte. Y hablo nada más y nada menos que de Vanish 1.

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Y es que Vanish ha nacido con ese objetivo, ser de nuevo una serie sin más pretensiones que entretener. Y ese es su objetivo y no engaña. Cumple. Por tanto si buscas otra cosa diferente, no lo compres, porque este Vanish 1 no es otra cosa que eso, que un divertimento curioso narrado y dibujado como hace 30 años.

Ostias sin panes porque si, mamporros por malentendidos, splah con dibujos gigantes y escenas barrocas que a veces no entiendes un carajo. Eso es Vanish 1, la serie de mola para todos los nostálgicos de los 90, con la aquiescencia de Spawn, por supuesto.

Os comento un detalle para que entendáis que es Vanish. El sello editorial, creado para esta serie, y se esperan algunos spin-off, se llama KLC press. Ok, por ahora nada raro. Pero esperad porque esas siglas significan Kids Love Chains. En honor de nuevo a Spawn, el paradigma de los 90 que sobrevive a nuestros días. ¿Todavía hay alguna duda de que vais a leer?

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Pero sigamos, el cómic está perpetrado por Donny Cates a los guiones y Ryan Stegman a los lápices, y creedme cuando os digo que el cómic se devora y disfruta en muy poco tiempo.

Cuando saco a la luz este artículo en Estados Unidos ya hay 8 números publicados, y editados a su vez en 2 tomos en tapa dura. Pero la segunda saga de Vanish, que se espera para el número 9 americano, aún se hace esperar. Y es que parece que entre arco y arco, o entre saga y saga de 4 números, los autores se toman un merecido descanso. También es cierto que las viñetas no son sólo dibujos hechos con prisa, vienen con muchos matices y además con fondos. Mira, mientras sigan con tanto detalle no me molesta tanto la espera. Otra cosa es el ostracismo y dejarse a perder. Pero por el momento la serie cumple.

Y me gustaría destacar la edición española de Moztros, que no es barata, pero los tomos vienen hasta con portadas con diferentes texturas en el título y en los rayos que salen del protagonista. Una edición muy bien cuidada y recomendable.

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Esta es la historia de Oliver Harrison, un héroe mítico que acabó con la mayor amenaza a su reino antes de llegar a la pubertad, lo que presagiaba grandes hazañas y honores por venir. Sin embargo, hoy en día Oliver es un adulto con una vida normal y corriente, inestable, extremadamente paranoico y adicto a los cigarrillos, al alcohol y a todo aquello que le permita esconder sus horribles pesadillas y encerrarlas en lo más profundo de su mente.

Pero todo puede cambiar con la llegada de un grupo de superhéroes dispuestos a demostrar que la locura enterrada en la cabeza de Oliver es real y a desencadenar sucesos que podrían desmitificar toda la fantasía épica de su infancia. Adéntrate en Vanish, una historia brutal como el infierno de mundos mágicos, jóvenes dotados, hechiceros malvados, superhéroes, guerra, sangre, tripas y muerte que te golpea en la cara!

De DONNY CATES (Hulk, Thor, Matanza Absoluta), RYAN STEGMAN (Lobezno, Rey de Negro), JP MAYER (Matanza Absola, Cuatro Fantásticos), y SONIA OBACK (Amazing Spider-Man, Han Solo), el equipo creativo de artistas estrellas que realizó VENENO para la Casa de las Ideas, llega con una creación proopia y una versión completamente nueva sobre la búsqueda del héroe clásico.

Sin más os dejo a continuación enlace a Moztros (Whakoom) y justo debajo la portada del tomo en España.

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Vanish 1

Un saludo y sed felices.

El fin de la huelga de actores y el nuevo impulso al cine

El 25 de septiembre nuestro editor jefe Carlos María Porras ya advirtió en Las cosas que nos hacen felices del final de la huelga de guionistas. ¿Pero por qué aún la industria del cine no había retomado al 100% sus producciones? Muy sencillo, aún seguía en pie la huelga de actores que durante el día 9 de noviembre se ha dado por concluida.

La huelga de actores ha durado 118 días y ha mantenido en vilo a todo Hollywood afectando a casi la totalidad de las producciones tanto cinematográficas como de televisión. Las grandes promociones no se hacían porque nadie podía ir a los eventos o alfombras rojas, eso sin contar el desarrollo de nuevos guiones y producciones, por lo que las productoras fueron desplazando en el calendario series y películas.

Huelga de actores

Es que solo con la huelga de guionistas ya se empezaron a cambiar fechas de una manera descomunal como adelantó el propio Carlos meses atrás.

Si no recuerdo mal, Marvel ya empezó a retrasar cintas como Avengers: Kang Dynasty para el 1 de mayo de 2026 o Avengers: Secret Wars para el 7 de mayo de 2027.

Deadpool 3, o incluso el Captain America: Brave New World, Thunderbolts, Blade Fantastic Four si hablamos de superhéroes Marvel, también fueron retrasadas considerablemente. Algo estaba pasando. Pero ya entrabas en pánico (cinematográfico) cuando confirmaron que las grandes producciones fuera de los héroes también se iban a demorar un año. Y hablamos de Avatar y sus secuelas así como las nuevas de Star Wars.

Y cuando parecía que no se podía ir a peor, el otro gran trasatlántico como Warner tuvo que ceder, y mandar para el año siguiente la tan esperada secuela de Dune, como ya nos hicimos eco en este artículo.

Pues bien, esto parece haber acabado. El comité negociador de SAG-AFTRA ha logrado un acuerdo firmado de «manera unánime». Recordad que la huelga de guionistas se cerró con una firma del 99% de los implicados. Por lo tanto parece que las negociaciones han sido satisfactorias.

Según el diario Los Angeles Times en este acuerdo se mejora el salario mínimo de todos los trabajadores, sus fondos de salud (allí no hay seguridad social) y de pensiones. Además se aumentan los llamados pagos residuales, que ahora es una miseria, y esto implica lo que cobran los actores una vez sus películas se emiten en televisión o plataformas de streaming. Y lo que es más importante, porque este punto que ahora voy a decir fue la gota que colmó el vaso y es la regulación del uso de inteligencia artificial.

Bueno, parece que con todo esto mejorado y/o regulado, el mundo del cine y de la televisión podrá seguir adelante, y esperemos que esto sea un punto de anclaje para un nuevo impulso.

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Desde la pandemia, la asistencia al cine ha bajado mucho y oasis como con Barbie u Oppenheimer no se dan todos los fines de semana. Por ejemplo, puedo poner en la palestra Los asesinos de la luna, película con buena crítica, con grandes actores y con un director estrella como Martin Scorsese. Pues bien, como se ha estrenado en medio de esta vorágine sin precedentes en la última década, ha recaudado 23 millones en Estados Unidos su primer fin de semana. Muy lejos de lo esperado para una superproducción.

Por cierto si queréis leer la crítica de Los asesinos de la luna os insto a que leáis la de Fernando Vílchez que hizo para la web.

Con el final de la huelga de guionistas, y ahora la de actores esperamos un nueva resurgimiento en la industria, con guiones renovados (como los sueldos) y con actores dando las mejores interpretaciones. Todos lo esperamos.

Un saludo y sed felices.

Análisis de Loki, temporada 2: un lío multiversal

Bienvenidos al análisis, reseña, crítica (o lo que le queráis llamar) de la segunda temporada de Loki. A Odín puse por testigo que no la haría y aquí estoy, faltando a mi palabra cual político después de unas elecciones. Os dejo con el enlace a los análisis de la temporada anterior y vamos al lío. Por supuesto, con spoilers.

El que permanece

Decíamos al final de la temporada anterior que Kang, a.k.a. El que permanece, había muerto y Loki aparecía en una A.V.T. donde nadie lo reconocía. En esta temporada descubrimos que Loki había viajado atrás en el tiempo y eso será una constante: viajará atrás y adelante en el tiempo hasta llegar al punto de controlar esos desplazamientos. Su objetivo: que la muerte de El que permanece no suponga la destrucción de la realidad y de sus amigos.

Así que Loki, acompañado de Mobius, viaja por aquí y por allá; conoce a Victor Timely, una variante de El que permanece; se reencuentra con Silvie, que trabaja en un McDonalds (sí, suena estúpido porque lo es) en Broxton, Oklahoma, en lo que es una de las escasas referencias a los cómics que vemos en esta segunda temporada (de la etapa de J.M. Straczynzki, cuando le dio por trasladar Asgard a ese Estado); lucha con Ravonna y con la galleta Maria que se ha vuelto muy malvada; conoce a Ouroboros, ingeniero jefe de la A.V.T. interpretado por el recuperado Ke Huy Quan; y al final…

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Bueno, al final el pobre Loki acaba de Dios del Tiempo o algo parecido, insertado en medio de Yggdrasil, el árbol de la vida del que cuelgan los nuevos mundos y hay una rata / ardilla que vive en él y hay una serpiente y… en fin, que ahí se queda el pobre Loki para proteger el UCM, sentado en su trono y sujetando las ramas de la línea temporal, mientras las variantes de Kang hacen de las suyas

No me he enterado

O eso es más o menos lo que hemos deducido. La segunda temporada de Loki es lo que indica el título de este post: un lío de coj…. Personajes por aquí y por allá, ahora viajo adelante en el tiempo, ahora viajo atrás, ahora doy largas explicaciones / parrafadas pseudo-científicas para explicar qué está pasando para, al final, regresar al punto de partida. Esta vez Kevin Feige y los suyos se han superado: 12 episodios para regresar al principio. ¿No habéis visto que el primer episodio de la primera temporada se titula igual que el último de la segunda? ¿O acaso es al revés?

En todo caso, esta segunda temporada de Loki tiene un guion desastroso, con agujerazos de guion importantes, con diálogos pretenciosos y con secuencias de acción que brillan por su ausencia. Vamos, que la historia está contada con el cu.. y es una tomadura de pelo. Como dijo mi hija al terminar, tienes un personaje que puede viajar en el tiempo, impedir que muera Iron Man, que muera la tía May buenorra y Spiderman se quede solo y lo pones a sujetar ramas. Vaya una puta mierda. Nuff said.

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El problema de Marvel y sus series

La segunda temporada de Loki, como tal, no da más de sí. La puedo resumir en que me he perdido y eso, para alguien que se ha leído miles y miles de páginas de cómics, acostumbrado a torear con argumentos fantasiosos, es mucho decir. ¿No sois vos, soy yo? Puede ser pero lo dudo.

El 15 de julio de 2021 escribí lo siguiente:

Puntos débiles aparte, lo peor es que Loki ha oficializado algo que todo Internet sabía: el multiverso del UCM. De verdad, no lo soporto. Los multiversos me han parecido siempre un truco barato, el uso y abuso de historias ya conocidas, vueltas a contar de otra forma por pereza mental de crear algo nuevo. Es muy triste que Kevin Feige haya dejado que pasara. Como dice el refrán, para este viaje…

Si, me cito a mi mismo. Soy así de vago. ¿O acaso creías que El que permanece tenía la exclusiva de regresar al principio? En todo caso, me reitero. La peor opción que tenía Marvel tras el orgasmo colectivo que fue Vengadores: Endgame es la que eligieron: el Multiverso. Cuando todo puede pasar, sucede que lo que te están mostrando te importa una mierda. ¿Para que voy a preocuparme por esos personajes? Igual son variantes. Así se han encontrado con que al público ya no le interesa ese UCM.

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También tenemos el tema de que tras la muerte de Roberto Dauni Yunior (variante en espanglish del original) y la jubilación de Steve Rogers, han optado por personajes de segunda, tercera y cuarta final. ¿Hulka? Segunda fila. ¿Ms. Marvel? Entre la segunda y la tercera. ¿El Caballero Luna? Mítico en alguna etapa pero de segunda fila. ¿Echo? Cuarta división regional. ¿Invasión secreta? Sin comentarios.

En el caso que nos ocupa, la serie de Loki se justificaba por el carisma mostrado por Tom Hiddleston en el papel. Aguantó una temporada, cobró su cheque y el carisma se esfumó. Owen Wilson anda muy descafeinado y el fichaje del actor de moda, Ke Huy Quan, es un fiasco. Cuando lo veo no puedo evitar pensar: anda, el Tapón de Indiana Jones crecidito. Que vaya con ojo porque puede que los multiversos le hayan dado un Oscar pero si sigue por ese camino le pasará lo que a Hiddleston, que terminará anclado en un personaje del que no puede escapar.

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Lo mejor del reparto ha sido Jonathan Majors, un actor con múltiples variantes, quiero decir registros,  pero como su carrera está acabada podemos olvidarnos de él. Seguramente lo sustituyan por una variante. Ya hay quien dice que se sacarán de la manga alguna explicación peregrina y su papel en el UCM lo ejerza el Dr. Muerte.

En fin, que hasta aquí ha llegado Loki. Esperemos que haya unas Secret Wars que valgan la pena, destruyan el Multiverso y volvamos a empezar, que recuperemos la ilusión que teníamos en 2008 cuando se estrenó Iron Man, porque ahora andamos algo apagados. Un saludo, sed felices.

Pinta bien la cosa: Tráiler espectacular de Avatar: La leyenda de Aang

Ya tenemos tráiler de Avatar: La leyenda de Aang, el live action de la maravillosa serie de animación cortesía de Netflix.

La serie de animación también llamada con ese mismo nombre, responde en inglés a Avatar: The Last Airbender, y es una de las series de animación más conocida en la plataforma de streaming.

Aprovechando la Geeked Week, otro evento friki que tanto nos gusta y nos hace felices, Netflix ha aprovechado para presentar Avatar: La leyenda de Aang en una temporada de ocho episodios, que más o menos está en la media de las últimas series. Podría haber sido peor. Eso sí, tendremos que esperar hasta el 22 de febrero de 2024.

Póster de Avatar: La leyenda de Aang

Avatar: La leyenda de Aang

La serie se centra en el viaje de Aang, de 12 años, el Avatar actual y último superviviente de su nación, los Nómadas del Aire, junto con sus amigos Sokka, Katara y más tarde Toph, mientras se esfuerzan por poner fin a la guerra de la Nación del Fuego contra las otras naciones del mundo.

En 2010 M. Night Shyamalan ya hizo una adaptación al cine titulada Airbender, el último guerrero, de la serie animada de Avatar: la leyenda de Aang y fue uno de los grandes fracasos del director. El bueno de Shyamalan reconoció años más tarde que esa versión y AfterEarth son sus mayores fracasos.

Solo esperemos que esta versión en ocho capítulos de Netflix sea todo lo digna que se espera.

Un saludo y sed felices.

Los amos del aire: Tráiler de lo que promete ser una de las grandes series de 2024

Espero no comerme el titular. Pero creo que Los amos del aire lo tiene todo para ser uno de los eventos del 2024. Por una parte es la tercera serie de Tom Hanks y Steven Spielberg tras  Hermanos de Sangre y The Pacific.

Ya os decía en otro artículo lo siguiente: Hermanos de Sangre es quizás la mejor miniserie del siglo XXI (lo se, una afirmación muy exagerada) del 2001 y que aunque es de HBO, ahora podéis verla también en Netflix. Narra la historia de la Compañía Easy, el regimiento 506 de paracaidistas que luchó en Europa durante la II Guerra Mundial. Es una obra maestra, si no la habéis visto ya estáis tardando,¡”Currahee!

La segunda es The Pacific (2010) otra joya de la televisión. En este caso se basa sobre todo en las memorias de dos soldados norteamericanos, “With the Old Breed” de Eugene Sledge y “Helmet for My Pillow” de Robert Leckie, que narran sus experiencias en la lucha contra los japoneses durante la Segunda Guerra Mundial.

Después tenemos un grandísimo reparto: Austin Butler, Callum Turner, Anthony Boyle, Nate Mann, Rafferty Law, Barry Keoghan, Josiah Cross, Branden Cook y Ncuti Gatwa.

Steven Spielberg y Tom Hanks vuelven a ejercer como productores y la dirección corre a cargo de Cary Joji Fukunaga, quien realiza los cuatro primeros episodios, por lo que será él quien imprima su sello. Luego tenemos a Anna Boden y Ryan Fleck que dirigieron Capitana Marvel, Dee Rees y Timothy Van Patten, un habitual de HBO.

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En Apple TV+ y no en HBO

Lo que no entiendo como HBO ha dejado escapar esta serie. Es verdad que corren malos tiempos para  HBO Max, pero… ¿Hasta este punto? Hablamos de Tom Hanks, Steven Spielberg, pero más allá de eso, nada más que hay que ver el tráiler para saber que lo que nos espera es muy grande.

La serie se estrena el 26 de enero de 2024 con los dos primeros episodios y los siete restantes irán lanzándose semanalmente hasta que la miniserie llegue a su fin el 15 de marzo.

Un saludo y sed felices.

Warner, como ya hiciese con «Batgirl», tira a la papelera «Coyote vs Acme», con 70 millones ya invertidos

Warner está cerca de su final. Y para alargarlo va dándose mordiscos como si fuera un zombie.

En agosto del pasado año, Warner Bros. Discovery, con David Zaslav de director, canceló una película de superhéroes esperada por el público ya que traía de vuelta a Michael Keaton como Batman. Hablamos de Batgirl. Película que en Filmaffinity figura con fecha de 2025.

Pues parece ser que no es una táctica aislada y ahora la que ha recibido el hachazo es  Coyote vs. Acme, una película que mezclaba animación con imagen real con el Coyote de los Looney Tunes y John Cena de protagonista.

El rodaje de Coyote vs. Acme concluyó en mayo de 2022, con visos a estrenarse el 21 de julio de 2023, ¿Os suena la fecha de estreno? Os digo una palabra Barbenheimer. Obiviamente siendo Barbie de Warner fue esta película la que sacaría a Coyote vs Acme de la fecha de estreno hasta vete tu a saber cuando. Porque nunca más supimos de ella… hasta hoy.

Una película cuyo rodaje acabó hace año y medio tiene que estar totalmente montada, pero que estuviera finalizada y que haya costado mínimo 70 millones le ha importado poco a Warner para sacar la guillotina, considerando que le sale más barato tirar ese dinero y no estrenarla nunca y desgravarse en impuestos unos 30 millones.

La sinopsis de la película era bastante surrealista y graciosa. El Coyote harto de que los explosivos de Acme fallasen uno tras otro decide contratar a un  abogado para demandar a la empresa.

Coyote vs Acme

El director Dave Green se lamenta en un comunicado

Coyote vs. Acme fue dirigida por Dave Green (Tortugas Ninja: Fuera de las Sombras) con producción precisamente de James Gunn. El realizador al enterarse de la noticia ha emitido el siguiente comunicado:

«Durante tres años tuve la suerte de hacer una película sobre Wile E. Coyote, el personaje más perseverante, apasionado y resistente de todos los tiempos. Me rodeé de un equipo brillante que se entregó en cuerpo y alma a este proyecto. Estábamos decididos a honrar los legados de estos personajes históricos y a hacer una adaptación a la altura. A lo largo del viaje, fuimos acogidos por audiencias de prueba que nos recompensaron con puntuaciones fantásticas. Estoy muy satisfecho del resultado final y completamente devastado por la decisión de Warner».

Una lástima sin duda alguna. Un saludo y sed felices.

Prime Video desvela el tráiler de la segunda temporada de Reacher

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La esperada segunda temporada de la exitosa serie protagonizada por Alan Ritchson se estrenará el 15 de diciembre. La temporada 1 de Reacher ya tuvo crítica por Pedro Pérez, autor habitual de Las cosas que nos hacen felices.

A continuación dejo el tráiler de la segunda temporada de Reacher, el póster oficial y la nota de prensa de Prime Video.

Reacher

Prime Video ha desvelado hoy el tráiler oficial de la segunda temporada de Reacher y ha anunciado que la serie regresará este 15 de diciembre. Después del éxito de  la primera temporada, la segunda dobla la apuesta con aún más acción. La nueva entrega de ocho episodios se estrenará en exclusiva en Prime Video en más de 240 países y territorios de todo el mundo con tres episodios el 15 de diciembre y un episodio nuevo cada viernes hasta el fin de temporada el 19 de enero de 2024. Reacher ha conseguido una gran audiencia global, convirtiéndose rápidamente en una de las cinco series originales más vistas en la historia de Prime Video. Los fans de la serie pueden ponerse al día con la primera temporada, así como con una amplia gama de thrillers de acción y crimen disponibles en Prime Video, como Jack Ryan de Tom ClancyCitadelRefugio y La lista final.

La segunda temporada de Reacher arranca cuando el veterano investigador de la policía militar Jack Reacher (Alan Ritchson) recibe un mensaje codificado en el que se le informa de que los miembros de su antigua unidad, la 110ª Unidad de Investigaciones Especiales de la Policía Militar, están siendo brutalmente asesinados. Apartado de su estilo de vida nómada, Reacher se reúne con tres de sus antiguos compañeros que se convirtieron en su familia para investigarlo, incluyendo a Francés Neagley (Maria Sten); Karla Dixon (Serinda Swan), una contable forense por la que Reacher siente debilidad desde hace años; y David O’Donnell (Shaun Sipos), un hombre de familia, de hablar rápido y de empuñar navajas. Juntos empiezan a atar cabos en un misterio en el que cada vez hay más en juego, y que les llevará a preguntarse quién les ha traicionado y quién será el próximo en morir. Utilizando su inigualable mezcla de inteligencia y tamaño, Reacher no se detendrá ante nada para descubrir la verdad y proteger a los miembros de su unidad. Si hay algo que Reacher y su equipo tienen claro es que con los Investigadores Especiales no se juega. Prepárate para que esta temporada Reacher y la 110ª contraataquen con fuerza.

Basada en Mala suerte, el undécimo libro de la exitosa saga de Lee Child, la segunda temporada de Reacher está protagonizada por Alan Ritchson en el papel principal de Jack Reacher, junto a Maria Sten, Serinda Swan y Shaun Sipos como miembros de la 110ª Unidad de Investigaciones Especiales de la Policía Militar. Completan el reparto Ferdinand Kingsley como A.M., un mercenario al que la seguridad nacional se refiere como un «fantasma»; Robert Patrick como Shane Langston, jefe de seguridad de un contratista privado de defensa con un historial cuestionable; y Domenick Lombardozzi como Guy Russo, un duro detective de la policía de Nueva York.

Reacher está producida por Amazon Studios, Skydance Television y Paramount Television Studios. Basada en las novelas de Lee Child, que también ejerce de productor ejecutivo, la serie está escrita por el guionista nominado al Emmy Nick Santora (Scorpion, Prison Break), que también ejerce de productor ejecutivo y showrunner. Además de Santora y Child, la producción ejecutiva de la serie también corre a cargo de Don Granger, Scott Sullivan y Adam Higgs, junto a David Ellison, Dana Goldberg y Matt Thunell de Skydance.

Un saludo y sed felices.

La luz que no puedes ver, serie de Netflix con aroma a clásico directa al corazón

Netflix ha estrenado La luz que no puedes ver, miniserie de 4 episodios escrita por Steven Knight (Peaky Blinders) y dirigida por Shaw Levy (Stranger Things, El proyecto Adam, Deadpool 3). Protagonizada por Aria Mia Loberti y Louis Hofmann, cuenta en su reparto con Mark Ruffalo y Hugh Laurie como actores más destacados. Basada en la novela del mismo título de Anthony Doerr, ganadora del premio Pulitzer en 2015, quizás no lo parezca a simple vista pero es una de las series del año. Al lío.

Francia, agosto de 1944

En la localidad de Saint Malo tomada por los nazis, Marie (Aria Mia Loberti), una adolescente ciega, retransmite pasajes de 20.000 leguas de viaje submarino mientras se suceden los bombardeos americanos. Al mismo tiempo, Werner Pfening (Louis Hofmann), soldado nazi a la fuerza, escucha esos mismos pasajes en la frecuencia que antes ocupaba «El Profesor», un misterioso personaje que retransmitía palabras de paz a los niños.

Las vidas de Marie y Werner, en bandos antagónicos, están condenadas a cruzarse en un escenario donde el padre de Marie ha desaparecido, su tío es un ex-combatiente de la 1ª Guerra Mundial con agorafobia y un nazi de los más malvado anda buscando El mar de llamas, un diamante que confiere la vida eterna a su poseedor a cambio de la desdicha de todos sus seres queridos.

Louis Hoffman

Con una producción más que aceptable, La luz que no puedes ver nos presenta una historia de esas que tocan la fibra sensible del espectador, con un aire de cuento clásico, donde los malos son muy malos y los buenos asumen sus imperfecciones. Con sólo un 23% de valoraciones positivas en Rotten Tomatoes y un 36 sobre 100 en Metacritic, La luz que no puedes ver es la confirmación de que, en demasiadas ocasiones, la crítica especializada no se entera.

Igual no trascenderá la historia de las series pero La luz que no puedes ver emociona, engancha y entretiene al espectador como pocas veces hemos visto este año, que al fin y al cabo es de lo que se trata. Cada episodio finaliza con un cliffhanger que, sorprendentemente, se resuelva al siguiente episodio de forma lógica, sin aspavientos ni giros de guion forzados.

luzLa aportación de los veteranos

Gran trabajo el de Louis Hofmann y también el de Aria Mia Loberti pero hay dos actores que se imponen al resto, tanto por prestigio como por experiencia. El primero es Mark Ruffalo en el papel de Daniel LeBlanc, el padre de Marie, el hombre de ciencia que antepone a su hija a todo y que protege El mar de llamas. Ruffalo es uno de los actores más versátiles de su generación (compartiendo el escalón con Matt Damon) e imprime humanidad a cualquier personaje que interprete.

El otro es Hugh Laurie como Etienne LeBLanc, tio abuelo de Marie, héroe de las trincheras aquejado de sindrome de estrés posraumático, cuya presencia se impone al resto a partir del final del segundo episodio. Etienne es otro personaje repleto de fallas y de humanidad que no se entiende sin la mirada y la voz del añorado Gregory House.

Hugh Laurie

Destaca también la banda sonora de James Newton Howard, compositor infravalorado pero que suele darle mil vueltas al antiguo teclista de Mecano, el sobrevalorado Hans Zimmer. En la serie, la partitura de Newton Howard sobresale, cosa no muy habitual en este tipo de producciones y más en las de Netflix.

A pesar de las desfavorables críticas, rompemos una lanza en favor de La luz que no puedes ver, una serie directa al corazón del espectador. ¿Acaso hay algo malo en eso? Tocar fibra sensible con una buena historia es de lo más difícil que se puede hacer hoy en día. Es muy posible que el material original (que reconocemos no haber leído) sea mejor y la historia se haya simplificado en aras del espectáculo pero lo asumimos e intentaremos enmendar nuestra falta literaria. Un saludo, sed felices.

Crítica de The Changeling. Interesante pero confuso cuento oscuro para adultos

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The Changeling es la nueva serie con la que Apple TV+ pretende volarnos la cabeza. Consta de ocho capítulos de unos cincuenta minutos y está basada la novela homónima de Victor LaValle. En su promoción nos quieren dejar muy claro que estamos ante un cuento oscuro para adultos ambientado en una ciudad de Nueva York mágica y misteriosa. Podríamos decir también que The Changeling es una fábula sobre los peligros de la familia y sobre todo de la paternidad que parece dirigida a ese público de Apple TV+ al que gustó la ‘Servant’ de Shyamalan.

Esa intención de ofrecer una historia inquietante dirigida a un público al que se pide cierte bagaje intelectual, hace que sea difícil comentar el argumento sin destripar nada, pero lo vamos a intentar.

La historia comienza presentando el nacimiento de la historia de amor entre Apolo (LaKeith Stanfiel), un comerciante de libros raros y antiguos y Emma (Clark Backo) una bibliotecaria volcada en su trabajo. Ambos son jóvenes, guapos, simpáticos y con un futuro brillante por delante, por lo que no es extraño que se sientan atraídos a pesar de los importantes traumas que tienen en su pasado.

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Emma y Apolo al principio de su relación

Como en todo buen cuento de hadas, el príncipe y la princesa acaban juntos y tienen un hijo, algo que colma de felicidad a la pareja, sobre todo a un Apolo que siempre ha querido ser padre. Pero la felicidad se empieza a trasformar poco a poco en inquietud cuando Emma parece caer en una depresión postparto y rechaza al bebé. Apolo intenta ayudarla como puede, pero no ve salida al problema. Hasta que la situación se precipita y tiene lugar un escalofriante incidente que dispara definitivamente la acción y sumerge a los protagonistas en una Nueva York oscura y misteriosa con muchas cosas ocultas a las que nuestros protagonista tendrán que hacer frente.

En este sentido la serie ofrece todo lo que promete. La forma en que nos cuenta la historia, con un narrador con voz interesante incluida (el autor de la novela en la versión original), la ambientación, siempre con todos oscuros, el uso de la música y los efectos de sonido, el diseño de producción… En resumen, todos los elementos de The Changeling están pensados y dirigidos para hacernos sentir en un cuento para adultos con una temática muy oscura.

emmabebe
Emma no es demasiado feliz con su bebe

Para ello la serie propone una ambiciosa mezcla de elementos que van desde tradiciones africanas y cuentos de hadas nórdicos a las historias misteriosas de las catatumbas de Nueva York y las brujas o mujeres sabias. Una mezcla que funciona muy bien y que dota de una personalidad propia a una historia que atrapa al espectador pero que poco a poco empieza a perderse en su propio afán de sofisticación.

La manera de contar la historia, lejos de ser lineal, va pegando saltos temporales todo el rato. Esto no tiene por que ser malo y es un recurso que hemos visto mil veces, pero el problema es que, si además vas complicando la historia cada vez más, corres el riesgo de que el espectador pierda el hilo. Y además de la historia principal, vamos a conocer el pasado de los padres de los protagonistas, un pasado que se revela traumático como pocos y que ahonda aún mas en el tema de la paternidad como “maldición” que sobrevuela la serie en muchos momentos.

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La madre de Apolo es la protagonista principal del capítulo 7

El problema es que la serie empieza muy fuerte pero luego se toma su tiempo en ir contando las cosas. Se puede decir que está cocinada a fuego lento, ofreciendo cada capítulo muchas más preguntas que respuestas. Es cierto que la manera en que esta contada y como va construyendo poco a poco su propia mitología hace que no deje ser interesante, pero no hubiera estado de más un ritmo narrativo un poco más alto. Este problema se acrecienta cuando los misterios y los diversos personajes de este mundo mágico empiezan a amontonarse, cada uno presentando su propia historia, que no deja de ser apasionante, pero que aleja al espectador de la trama principal.

Como ejemplo basta saber que la historia de la serie sigue unos cauces más o menos normales hasta el episodio cinco. Para luego en el sexto ver todo lo que ha pasado desde el punto de vista de Emma y en el séptimo conocer más del pasado de la madre de Apolo. Si, son dos capítulos brillantes que aportan mucha información. Pero al estar insertados de esa manera tan abrupta en medio de la serie, corta el ritmo de visionado de tal manera que cuando vemos el octavo y último de la temporada, es imposible no encontrarse un poco perdido. Sobre todo, al irnos dando cuenta de que la historia no va a acabar aquí ni mucho menos. Esta temporada acaba con un clifhanger como un pino y un vistazo de lo que está por venir en la siguiente. Aunque hay que señalar que Apple TV+ aún no la ha confirmado.

En resumen, The Changeling es una serie que ofrece una visión oscura y adulta sobre los miedos de la paternidad a través de una fabula oscura enriquecida con una ambientación y un trasfondo de los más atrayente. El problema es que tiene una trama confusa y un ritmo irregular que perjudica la historia principal, pero a pesar de estos problemas, es una serie que gustará a los amantes de los cuentos adultos que mezclan varias mitologías. Eso sí, por favor abstenerse los padres y madres de recién nacidos o aquellos que estén buscando tener un bebe.

Reseña de Tungsteno. Un original thriller brasileño que se lee del tirón

Siempre es un placer que se reediten obras de calidad publicadas hace algún tiempo y que ahora mismo son difíciles de conseguir. Por eso es una buena noticia que ECC de una nueva oportunidad a Tungsteno, el thriller cotidiano de Marcelo Quintanilla que fue editado hace ocho años por La Cúpula.

Tungsteno es la obra gracias a la cual conocimos en nuestro país a Marcelo Quintanilla, un guionista y dibujante brasileño bastante famoso en Brasil, pero del que sólo los muy cafeteros tenían conocimiento en España. Y podemos decir que se trata de una presentación perfecta ya que ofrece una historia muy atractiva a la par que original que hace las delicias de los aficionados a las viñetas y sobre todo de los amantes al thriller.

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Estamos ante un emocionante thriller que se aleja de los cánones del género para ofrecer una visión fresa y divertida del género negro profundamente anclada en el Brasil que tan bien conoce el autor y que tan opuesto puede parecer a los amantas de las historias policiacas. Por que siempre que pensamos en un thriller automáticamente se nos va la cabeza a callejones oscuros, al humo del tabaco y a las femme fatales. Pero nada de eso hay en Tungsteno.

La acción trascurre principalmente en las playas y las favelas de Salvador de Bahía, a la luz del día y con la única concesión al género de que uno de los protagonistas, Richard, es un oficial de policía un poco de vuelta de todo, pero tremendamente profesional. Le acompañan en la historia Keira, su amante, con la cual tiene una relación tóxica, el señor Ney, un militar retirado que sigue pensando que cualquier tiempo pasado fue mejor y Caju, un joven que se dedica a trapichear con droga para sobrevivir.

Lo que une a estos cuatro individuos es un acto delictivo, una pesca ilegal con dinamita a plena luz del día en las aguas de la costa, algo tan cotidiano que el propio autor reconoce que vio en un periódico y que le dio la idea para contarnos esta historia.

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El relato que Quintanilla hace de los hechos es sencillamente magistral ya que va mezclando la historia de todos los personajes de una manera orgánica y sencilla para ir mostrando al lector toda la información necesaria hasta llevarnos de la mano a un final que desde luego no esperamos y que nos deja con cara de sorpresa pero que no deja de tener toda la lógica del mundo.

La gracia es que los hechos de esta historia suceden simultáneamente y vamos saltamos de un personaje a otro para mostrar lo que todos están haciendo al mismo tiempo. La acción anda entrecortada con muchos cambios de ritmo y con un aire cinematográfico realmente notable. Al principio puede costar un poco entrar en el juego del escritor, pero una vez que el lector se acostumbra, la sensación de estar dentro de la misma historia es sencillamente genial.

Por otro lado, Tungsteno es un libro que tiene en el realismo que desprenden sus páginas una de sus mejores bazas. Como las verdaderamente buenas historias de género negro sus personajes están alejados de estereotipos. Muestran unas personalidades muy trabajadas, donde no hay héroes ni villanos ya que todos tienen su parte buena y su parte mala, conformando un mundo de grises en el que ninguno es especialmente simpático pero que al final, de cierta manera, acaban ganándose un poco de redención. Y el escenario donde trascurre la acción, las calles y playas de Salvador de Bahía, son un personaje más de la historia.

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Con todos estos elementos el autor se permite hacer esbozos de crítica social de la situación que vive su país. El señor Ney representa a los ancianos que no se han sabido adaptar la nueva realidad social y que echan de menos tiempos mejores, pero más autoritarios. Mientras que Caju es el típico joven de favela que no tiene otra salida en la vida que dedicarse al mundo de la droga. Sin olvidar es certero retrato de las relaciones tóxicas que tenemos en la pareja formada por Richard y Keira.

El último elemento que me gustaría destacar es el uso que el autor hace de la acción y sobre todo, de la violencia. La historia trascurre a un ritmo espectacular, siempre están pasando cosas y es imposible aburrirse. Y cuando los personajes se pelean, la acción esta plasmada de tal manera, con tal realismo, que parece que los puñetazos y patadas van a salir de las páginas para impactar al lector.

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En el apartado gráfico, Tungsteno también destaca por el realismo. El autor está especialmente inspirado en la representación de los personajes, con unas expresiones faciales muy conseguidas que sirven para subrayar su personalidad. Las escenas de acción están bastante bien, sobre todo las peleas, con un especial cuidado en los encuadres y las posturas de los personajes. Me ha gustado mucho como el autor usa las onomatopeyas como ensalzar algunos momentos importantes e impactantes. También hay que comentar que las viñetas están por lo general llenas de vida, plasmando perfectamente la vida en las calles de Salvador de Bahía. En cuanto al apartado del color, hay una combinación de blanco y negro acompañada del uso del carboncillo con grises planos que sirven tanto para jugar con la iluminación como para trasmitir el mundo soleado y cálido de la ciudad conde se mueven los personales.

Como nota curiosa hay que comentar que a una historia con un ritmo y aspecto tan cinematográfico no podía faltar su propia adaptación a las pantallas, realizada en el 2018 por Heitor Dhalia.

La actual edición de ECC es bastante completa. Estamos ante un libro encuadernado en tapa dura de 208 páginas en blanco y negro, papel de gran gramaje y algunos extras jugosos como entrevistas, bocetos e incluso parte del guion de la película. El precio de venta es de 30 euros.

Tungsteno es una obra perfecta para los amantes de los thrillers que busquen algo orinial. Estamos ante una historia vibrante, con un ritmo espectacular que se lee del tirón y que además deja poso en el lector atento, que puede sentarse a reflexionar sobre lo que ha leído e incluso permitirse el lujo de hacer una segunda lectura más relajada para profundizar en los muchos detalles que esta obra esconde. En resumen, Tungsteno es un libro muy recomendable y que sin duda merece ocupar un lugar destacado en cualquier estantería.