Por lo tanto, el estreno de la temporada 2 de Arcane llegará 3 años después de deleitarnos con la primera. Este retraso es debido a que se decidió seguir con la misma calidad en aspectos técnicos que la primera, y no me olvido de recordar que fueron asombrosos. Por tanto, esperamos todos una continuación a la altura de una de las mejores series de esta década.
Y también recordad que fue un éxito no tan esperado, ya que Nicolo Laurent de Riot Games ha dicho que no se empezó antes el proyecto con la temporada 2 de Arcane ya que no sabían el éxito que podría tener la serie:
No lo sabíamos. Si hubiéramos sido conscientes del éxito que iba a tener ‘Arcane’ podríamos haber comenzado la temporada dos mucho antes, pero no lo sabíamos, así que esperamos y ahora estamos pagando el pecio.
En esta ocasión, la familia Spengler regresa al lugar donde todo comenzó, el icónico parque de bomberos de Nueva York, para colaborar con los Cazafantasmas originales. Estos últimos han establecido un laboratorio de investigación altamente confidencial con el fin de llevar la caza de fantasmas a un nivel superior.
Sin embargo, cuando el hallazgo de un antiguo artefacto desencadena una fuerza malévola, tanto los nuevos Cazafantasmas como los veteranos se ven obligados a unir fuerzas para proteger su hogar y salvar al mundo de una segunda Edad de Hielo.
Los Cazafantasmas originales, Bill Murray, Ernie Hudson y Dan Aykroyd, vuelven a juntarse como ya hicieron en Más allá con Finn Wolfhard, Paul Rudd y Mckenna Grace, de la anterior secuela.
Bienvenidos todos y todas al análisis del tercer capítulo de la segunda temporada de 30 monedas, titulado Criaturas infernales. Los responsables de la serie ya han colocado todas sus piezas en el tablero y se dedican a jugar con ellas dando rienda suelta al costumbrismo y a la locura marca de las producciones de Álex de la Iglesia y Jorge Guerricaechevarría.
El episodio comienza con un vistazo al infierno un año antes con respecto a la acción principal. Allí asistimos a una reunión impía entre Vergara, Angelo y un Santoro (Manolo Solo) al que no habíamos visto hasta ahora y que también acabó en el averno después de caer del balcón con Vergara. Los tres ven en la sangre de los condenados como Barbrow roba de la Biblioteca Vaticana un libro que según Angelo contiene un temible conjuro que le permitirá invocar a algo más poderoso que el más poderoso de los demonios. ¿Habla de una segunda venida de Jesucristo?
En cuanto al grupo de Segovia, Haruka y Antonio parece que han hecho buenas migas y se dedican a estar en la cima de un aerogenerador para que Antonio pueda sintonizar las locuras que están pasando en el mundo. Una de las cosas más interesantes que dice es que hay muchas tierras con pequeños o grandes cambios con respecto a la nuestra, estableciendo la “original” idea del Multiverso en esta serie. También le cuenta a Haruka que todo esta preparado para la destrucción de nuestro universo y que la única que puede evitarlo es Elena. Mientras, Salcedo y Lagunas llegan a la conclusión de que necesitan entrar en el psiquiátrico donde están los habitantes de Pedraza, así que no les va a quedar otra que hacerse pasar por locos.
Barbrow se hace con un libro muy peligroso
También tenemos tiempo para visitar el Vaticano. El Papa sabe lo que pasó en Pedraza y que hay serpientes en su curia.Reúne a un grupo de cardenales y les va interrogando con un báculo que, cuando el interpelado miente desprende rayos. En ese grupo esta Lagrange, que ve con preocupación como le va a llegar el turno. Pero un poco antes, otro cardenal usa una moneda para derribar el techo sobre un Papa que se salva de milagro, saliendo el resto de clérigos por patas. La Santa Sede ya tiene claro que tiene un gran problema entre manos.
La parte más impactante del capítulo es la referida a Paco y Elena. Se esconden en un asqueroso cuchitril que les presta un amigo de Paco (interpretado por El Langui). Elena por supuesto no está muy contenta con la situación, ha pasado de tener una vida tranquila en su pueblo a vivir unas locuras que no tienen nombre y acabar embarazada sin saber cómo. Para colmo de males, ese embarazo parece ir mucho más deprisa de lo normal. Paco se marcha con su amigo a buscar a una matrona ilegal (Carmina Barrios). Todo parece indicar que para que practique un aborto a Elena pero cuando llegan con ella le dicen que no quiere abortar, quieren que sea su médico durante el embarazo.
El Langui no sabe que hacer con un embarazo como el que tiene delante
El problema es que la mujer ya esta para dar a luz ante el asombro de todos así que no queda otra que arremangarse y afrontar el parto. Un parto que es muy complicado ya que la matrona no logra agarrar al bebe, aunque finalmente la criatura sale del cuerpo de madre de una manera asquerosa. Y si, digo criatura por que lo que sale del cuerpo de Elena es un engredo blanquecino tumefacto con forma ovalada y patas de araña que empieza a corretear por el suelo del sucio cuchitril hasta acabar al parecer muerta debajo de una mesa.
Por otro lado, Merche descubre que el regalo que le hizo Lagrange tenía un precio. Si, ella puede tener una moneda y haber logrado el hijo que tanto quería, pero el grupo de Lagrange tiene más monedas y por lo tanto es más poderoso. Así que la obligan a ir a México para robar las dos monedas que tiene el Cardenal De la Cruz (Carlos Bardem).
De la Cruz recibe a Merche en su guarida, ya que es una invitada con contactos muy poderosos. El Cardenal ha establecido un pequeño feudo donde el trafico de drogas y el culto a la Santa Muerte dan un toque muy macabro al lugar. El hombre solo quiere que le dejen en paz allí, vivir su vida tranquilamente en un rincón del mundo que se ha construido a su gusto y donde es el amo absoluto entre locuras de los narcocorridos y los sacrificios humanos. Así que se ofrece a comprar a Merche su moneda y esta se niega. Pero claro, hay un problema. De la Cruz tiene dos monedas y Merche solo una, así que esta en desventaja. Hasta que descubrimos que nuestra protagonista lleva consigo otras tres monedas que le han prestado los compañeros de Lagrange con lo que derrota fácilmente a su rival haciéndose con las monedas de este.
El Cardenal De la Cruz y Merche
Cuando huye se encuentra con un muñeco gigante de la Santa Muerte que ha cobrado vida y que esta a punto de acabar con ella. En su ayuda acude alguien inesperado. Barbrow derriba a la Santa Muerte y monta a Merche con él en su coche para salir de aquel loco lugar mientras vamos a fundido en negro.
Valoración del capítulo
Después de dos episodios bastante calmados y expositivos, sin duda necesarios para enlazar una temporada con otra y presentar los nuevos escenarios y personajes, toca volverse un poco locos.
Este capítulo es el más ágil de todos los que llevamos ya que pasan mil cosas, sin dar un momento de respiro al espectador. Las diferentes escenas se suceden mientras vemos a los distintos protagonistas sobrellevar como pueden lo que va pasando, con un montaje un poco atropellado a veces que no deja respirar algunas tramas ya que todo ocurre muy deprisa.
Esta segunda temporada se había mostrado muy contenida, con una narración bastante tranquila sin que pasara nada especialmente extraño para como son De la Iglesia y Guerricaechevarría. Pero esto se acaba aquí. En el barrio donde se esconden Paco y Elena encontramos el costumbrismo y el gusto por el esperpento propio de los guionistas, con un sentido del humor de trazo grueso que patina en algunas ocasiones, salvándose muchas escenas por el buen trabajo de los nuevos fichajes ya que tanto El Langui como Carmina Barios están soberbios en sus papeles, sobre todo esta última.
Barbrow es un enemigo temible
Toda la escena del parto esta rodada con una crudeza que particularmente me parece innecesaria y hasta de mal gusto. Los primeros planos de la vagina de Elena totalmente hinchada, notándose a la legua el latex, con la matrona metiendo las manos, con los chillidos de los personajes… En fin, una rallada que al menos, cuando nace la criatura levanta el vuelo con esos planos a ras del suelo persiguiéndola que recuerdan al mejor San Raimi.
Pero hay partes muy positivas. Lo del Papa con su báculo de rayos es otra ida de olla, pero en este caso me parece genial. Si, es muy friky pero es una escena con mucha fuerza y con mucha tensión, con Lagrange a punto de ser descubierto hasta que se salva in extremis.
El mítico Fofito es uno de los cardenales malvados de la curia
Lo mejor sin duda se lo dejamos a Merche, como la semana pasada. Macarena Gómez esta esplendida dando vida a una mujer tan poderosa y a la vez tan frágil (ahora con el niño tiene un claro punto débil). Y Carlos Barden esta perfecto dándole la replica como ese Cardenal que recuerda un poco al Marlon Brando de Apocalypse Now, un monarca en un reino propio en el que es el amo absoluto. Lo único que no me ha gustado de esta parte es justo el final, con el muñeco de la Santa Muerte que cobra vida a santo de no sabemos muy bien qué (¿podría ser por el propio Barbrow para así poder rescatar a Merche y quedar como su héroe? Un muñeco que, además, como las escenas de la vagina de Elena, podría estar mucho mejor acabado. De todas maneras, estoy deseando ver que puede salir de este dúo Barbrow-Merche, dos personajes que me parecen fascinantes y que pueden tener mucho en común.
En resumen, este capítulo es el más irregular de lo que llevamos de temporada y es necesario que el espectador quiera entrar en el juego que los responsables ofrecen para poder disfrutarlo a fondo. Yo por mi parte, no puedo estar más encantado con una serie que siempre me sorprende a pesar de sus fallos y en la que además las cosas pasan a toda velocidad, un plus con respecto a la temporada anterior donde todo era más lento.
Prime Video ha desvelado el tráiler y el póster de la comedia Navidad en Candy Cane Lane, la primera película navideña de Eddie Murphy que se estrenará el próximo 1 de diciembre. Con Navidad en Candy Cane Lane el público vivirá la magia de las fiestas con la ayuda de personajes mágicos y un caos inesperado.
Navidad en Candy Cane Lane está protagonizada por Eddie Murphy, Tracee Ellis Ross, Jillian Bell, Thaddeus J. Mixson, Ken Marino, Nick Offerman, Robin Thede, Chris Redd, Genneya Walton, Madison Thomas, Anjelah Johnson-Reyes, Lombardo Boyar, D.C. Young Fly, Danielle Pinnock, Timothy Simons, Riki Lindhome y Stephen Tobolowsky.
Eddy Murhpy protagoniza esta comedia navideña en la que un hombre tiene la misión de ganar el concurso anual de decoración navideña de su barrio. Después de que Chris (Eddie Murphy), sin darse cuenta, haga un trato con una traviesa elfa llamada Pepper (Jillian Bell) para mejorar sus posibilidades de ganar, ella lanza un hechizo mágico donde los 12 días de Navidad cobran vida y causan estragos en toda la ciudad. A riesgo de arruinar las fiestas para su familia, Chris, su esposa Carol (Tracee Ellis Ross) y sus tres hijos deben correr contrarreloj para romper el hechizo de Pepper, luchar contra retorcidos personajes mágicos y salvar la Navidad para todos.
Navidad en Candy Cane Lane está dirigida por Reginald Hudlin y escrita por Kelly Younger, quien escribió el guion basándose en sus propias experiencias navideñas en Candy Cane Lane, El Segundo, California. Brian Grazer, p.g.a., Eddie Murphy, Karen Lunder, p.g.a. y Charisse Hewitt-Webster, p.g.a. se encargan de la producción, mientras que la producción ejecutiva corre a cargo de Doug Merrifield. La película reúne al director Reginald Hudlin, a Murphy y al productor Brian Grazer por primera vez desde su éxito de 1992, Boomerang (El príncipe de las mujeres).
Pues han tardado en liberar las críticas pero ya tenemos las primeras reacciones a The Marvels y ojo que están destacando su carácter desenfadado y como debería de ser una película adaptando un cómic. Esto último me chirría cuando llevamos tropecientas adaptaciones…
Críticas positivas
Vamos a ver primero las críticas positivas y que es en lo que más se fijan. Por un lado destacan una duración acertada ya que la hace más amena, sin relleno. También destacan la química que hay entre los tres personajes, y por supuesto algunas escenas de acción sumamente espectaculares. Vamos a ver las críticas:
#TheMarvels flies higher, further and faster than the first movie! Iman Vellani, take a bow. Easily the most fun I've had watching a Marvel movie since Spider-Man: No Way Home. pic.twitter.com/labCXnNEta
#TheMarvelsvuela más alto, más lejos y más rápido que la primera película. Iman Vellani, haz una reverencia. Fácilmente lo más divertido que he tenido viendo una película de Marvel desde Spider-Man: No Way Home.
—This film is so much fun and exactly what a comic book movie should be. It’s funny, silly, short and sweet, action-packed. Loved the cosmic sci-fi moments. Plenty of MCU interconnectivity without being overbearing.
Mi revisión inicial #TheMarvels – -Sí. Tanto si. —Esta película es muy divertida y exactamente lo que debería ser una película de cómics. Es divertido, tonto, breve y dulce, lleno de acción. Me encantaron los momentos cósmicos de ciencia ficción. Mucha interconectividad MCU sin ser dominante. —Hablaremos de esta película en los años venideros.
Lo de hablaremos de ella en los años venideros…..
#TheMarvels is the most fun I’ve had watching a superhero movie in a while! It’s hilarious, action-packed & full of girl power. Kamala was a stand out & so many moments surprised me. There was a great balance of the team, while dropping shocking bombs that will change EVERYTHING. pic.twitter.com/Zj6Lbc5xKn
#TheMarvels ¡es lo más divertido que he tenido viendo una película de superhéroes en mucho tiempo! Es divertidísimo, lleno de acción y lleno de poder femenino. Kamala se destacó y muchos momentos me sorprendieron. Hubo un gran equilibrio del equipo, mientras se lanzaban bombas impactantes que lo cambiarán TODO.
THE MARVELS is an astonishingly wacky film. I had a lot of fun.
Iman Vellani was born to be an MCU star. She elevates a tangled story into a Marvel nerd’s dream. Sometimes that dream wavers out of sync. But it sticks the landing.
THE MARVELS es una película sorprendentemente loca. Tuve un montón de diversión. Iman Vellani nació para ser una estrella del MCU. Ella eleva una historia enredada al sueño de un nerd de Marvel. A veces ese sueño se desincroniza. Pero aguanta el aterrizaje. ¡Mi reseña sin spoiler aparecerá en NR mañana!
Críticas negativas
En cuanto a las críticas negativas, hay quienes se lamentan de un montaje errático, donde se nota la mano del estudio sobre la directora y hay quienes directamente se han aburrido como una ostra.
Despite everyone on screen trying their best, #TheMarvels feels like it lost its battle in the editing room.
Scenes don't flow into each other & you can't tell when the first act or second act begins. There's a few really dope scenes but studio interference might be to blame.
A pesar de que todos en la pantalla hacen lo mejor que pueden, #TheMarvels siente que perdió la batalla en la sala de edición. Las escenas no fluyen entre sí y no se puede saber cuándo comienza el primer acto o el segundo. Hay algunas escenas realmente geniales, pero la interferencia del estudio podría ser la culpable.
#TheMarvels It pains me to say that this is not good, because Iman Vellani, Brie Larson, and Teyonah Parris are awesome in these roles. The film is just a mess with no idea what story it wants to tell. It's a bunch of generic save the world destruction
#TheMarvels Me duele decir que esto no es bueno, porque Iman Vellani, Brie Larson y Teyonah Parris son increíbles en estos papeles. La película es un desastre sin tener idea de qué historia quiere contar. Es un montón de destrucción genérica para salvar el mundo.
El 27 de octubre del 2023, Netflix estrenó la película El negocio del dolor. Inspirada en el libro Pain Hustlers: Crime and Punishment at an Opioid Startup de Evan Hughes , que originalmente fue un artículo de la revista New York Times en 2018, la cinta nos lleva de nuevo a darle una mirada a la famosa crisis de los opioides norteamericana.
Sé lo que estás pensando: ¿otra vez una historia sobre eso? Y tienes toooda la razón. Después de Dopesick tuvimos la adaptación de Netflix estrenada en agosto Medicina letal, y es justo preguntarse qué de nuevo nos trae esta nueva adaptación.
Y lo cierto es que se podría decir que estamos ante El lobo de Wall Street de las farmacéuticas. Detrás de un falso documental, con narraciones en off y el uso en determinadas ocasiones de la cámara lenta, contribuyen a darle vida a este híbrido de comedia oscura y drama criminal.
El negocio del dolor nos trae la historia de superación de una madre en problemas, Liza Drake (Emily Blunt), y su desesperada decisión de aprovechar la oportunidad que un vendedor charlatán, Pete Brenner (Chris Evans) le brinda una noche al poco de conocerse.
La mujer aceptará un trabajo como vendedora a comisión para una farmacéutica. Un mundo difícil en el que hacerse un hueco, pero que una vez dentro las probabilidades de cambiar de vida a mejor son inmensas.
Así pues, El negocio del dolor nos trae la historia del sueño americano de la mano de esta mujer empoderada que no dudará en luchar con uñas y dientes por hacerse con la vida que sabe que se merece. Y eso es lo que vamos a ver durante una primera parte de la película que, para mí, es lo mejor de toda la cinta.
Después de la lucha por hacerse un hueco en la vida de Liza, todo empieza a ir hacia abajo en esta historia. Hasta llegar a un final sin alma que deja al espectador preguntándose cómo se ha llegado a eso después de haber visto un principio de película tan prometedor.
Pero incluso con eso, El negocio del dolor es entretenida de ver. Le da un punto de vista diferente a la crisis de los opioides, que nos hace pensar en hasta dónde estaríamos dispuestos a llegar por mantener un estatus de vida medio/alto, y más cuando venimos literalmente del fango.
Como drama criminal, El negocio del dolor se queda un poquito corto. Aunque es interesante ver cómo se va desarrollando la trama y descubrir cómo se llega a su final. Pero este es más o menos esperado. En realidad es todo muy predecible y el espectador solo está viendo un final anunciado, algo que no es nada divertido de ver.
Lo bueno de la película son sus protagonistas. Blunt lleva el peso de la trama, pero se queda sin sacar todo su potencial. En cuanto a Evans, sabemos que está ahí, pero digamos que su aportación es casi de figurante. Y a pesar de ello, entre ambos nace una especie de química donde los personajes se complementan resultando una relación visualmente atractiva.
Con Andy Garcia (Dr. Neel) viviremos momentos de comedia bastante locos que te sacarán una sonrisa en los momentos menos inesperados. Estos toques cómicos se verán potenciados con la intervención de una Catherine O’Hara en el papel de la excéntrica Jackie, la madre de Liza, que es toda una delicia exasperante.
De momento, El negocio del dolor ha obtenido una puntuación en IMDb de 6’4, y en Rotten Tomatoes tiene un 70% por parte del público y un 24% por parte de la crítica. ¿Tú que opinas?
Qué dice Netflix de El negocio del dolor.
Para sacar adelante a su hija, una trabajadora en paro acepta un empleo en una start-up farmacéutica en quiebra y acaba implicada en una peligrosa trama de crimen organizado.
Liza Drake (Emily Blunt) es madre soltera, se acaba de quedar en paro y está con el agua al cuello. Hasta que conoce a Pete Brenner (Chris Evans), representante comercial de una farmacéutica, y empieza una buena racha económica.
Pero también emprende un camino éticamente cuestionable y acaba implicada en una peligrosa trama criminal. Ante un jefe (Andy García) cada vez más desquiciado, los problemas de salud de su hija (Chloe Coleman) y la certeza del daño que está haciendo su empresa, Liza empieza a buscar alternativas.
El negocio del dolor es un retrato perspicaz y revelador de lo que algunas personas hacen por desesperación y otras por codicia. Dirige la película David Yates, ganador del BAFTA, en tanto que Lawrence Grey la produce y Catherine O’Hara, Jay Duplass y Brian d’Arcy James son los coprotagonistas.
Menudo año este 2023. Hemos asistido a las nuevas películas de Christopher Nolan, Martin Scorsese, Tom Cruise, Víctor Erice o John Wick. Pronto se estrenará el regreso de Bradley Cooper a la dirección tras Ha nacido una estrella, la nueva película de Michael Mann o de Ridley Scott. Pero hoy toca centrarnos en The killer, traducida al español como El asesino, la última película de David Fincher,cuyo estreno para cine ha sido limitado porque es una producción de Netflix, como todas con las que está relacionadas el director desde Mindhunter.
El asesino adapta el cómic homónimo de Matz y Luc Jacamon, que tenéis reseñado en esta sacrosanta web. Michael Fassbender interpreta al asesino a sueldo protagonista, un hombre metódico al extremo y con un punto de vista particular sobre el mundo en el que vivimos cuyo último encargo le colocará frente a frente con el caos que siempre había intentado evitar.
Es imposible hablar de El asesino sin centrarnos en la figura de su director David Fincher, uno de los grandes realizadores de finales del siglo XX y principios del XXI. Al igual que Quentin Tarantino, Fincher ha ido puliendo su estilo hasta el punto de que sus últimas películas apenas se parecen a las primeras que les encumbraron. Resumiendo, las películas de Fincher, desde Zodiac, son cada vez más cerebrales, más asépticas, más limpias. Y eso que en Seven había suciedad y vísceras para toda la familia. O en El club de la lucha. Si acaso, la estética de Fincher que más ha pervivido es la de The game, esa infravalorada joya cuyo mayor pecado fue estrenarse entre las dos conocidísimas películas que acabo de mencionar.
En este sentido, El asesino es su película más pulida. Lo que quiere decir que es todo Fincher, sin adornos. Aunque el guion es de Andrew Kevin Walker, conocido por Seven, no esperéis una historia parecida. Ni en tono ni en complejidad. Esta es una trama muy sencilla, con muy pocos personajes y cuya profundidad psicológica se limita a la mente de su protagonista. No esperéis giros argumentales. El asesino no busca impactar, como sí lo hacía el de Seven. Busca calar, como Zodiac o Mindhunter.
Pero se queda a medias. Fundamentalmente porque, en una decisión equivocada, Fincher decide calcar la estructura narrativa del cómic que adapta. Y lo hace porque su asesino protagonista apenas habla en toda la película. Pero piensa mucho. Y lo que en el cómic se detalla imprimiendo su pensamiento en palabras aquí se convierte en una continua y muy molesta voz en off que nos asalta durante toda la película.
Cada arte tiene sus códigos y el del cine se basa en la capacidad de un director para plasmar el pensamiento de sus personajes a través de la imagen. La voz en off de Michael Fassbender pone en relieve la visión del mundo del personaje y su método a la hora de matar, pero sobreexplica lo que vemos en pantalla (queda claro que el protagonista es un asesino metódico al extremo) y termina por lastrar la película.
Por lo demás, El asesino se desarrolla a lo largo de una estructura episódica en la que, sin entrar en spoilers, se enfrentan el protagonista y su posible víctima.
Fassbender, dueño y señor de la función, y cuatro años después de su último papel, cumple a la perfección con su silencioso protagonista. Se funde a la perfección y no me extrañaría que lo nominaran al Oscar. El resto de actores apenas tienen un papel testimonial por la propia estructura de la película.
Dado que no es una historia que destaque por su originalidad, El asesino puede recordar a otras películas centradas en la figura del asesino a sueldo, como El silencio de un hombre, que aparece en todos los análisis como principal influencia de El asesino tanto por la personalidad de su protagonista como por el tono en el que se desarrolla la historia. Sin embargo, a mí también me recuerda mucho a la infravalorada joya española Sicarivs, la noche y el silencio, en la que el director Javier Muñoz encuentra soluciones más acertadas, originales e interesantes para acceder a la mente del asesino sin necesidad de una burda y equivocada voz en off.
En definitiva, El asesino puede ser la película más Fincher de toda la carrera de David Fincher. Pero eso no implica que sea su mejor película. De hecho, lo aséptico de su propuesta hace que El asesino sea una película que no emocione en ningún momento y que, incluso, se ve lastrada por una voz en off que sobreexplica y, por tanto, nos saca de una trama pensada para sumergirnos en ella, pero a la que solo se puede aspirar a rascar en la superficie.
De la mano de David Trueba nos llega Saben Aquell, el biopic (si, los españoles también dominamos ese género) sobre el humorista Eugenio y su ascenso al estrellato y sobre todo su historia de amor con su primera mujer, Conchita Alcaide, historia que se impone con justicia al retrato del humorista. Sin duda, una de las mejores películas de este 2023.
Humorista a su pesar
Para los milenials y para los que nos leen desde el otro lado del Atlántico, hay que empezar explicando que en este país tan sólo dos personas han elevado el contar chistes a la categoría de arte. Uno fue Chiquito de la Calzada y el otro Eugenio (alguno dirá que Gila pero este basaba su trabajo más en los monólogos con el teléfono que en contar chistes uno detrás de otro). Ambos fueron un personaje en si mismos, totalmente antagónicos y reflejo de la época que les tocó vivir.
Algún día llegará el biopic del malagueño y cerraremos el círculo pero por el momento nos centraremos en el catalán, un hombre que se enamoró perdidamente hasta el punto de aprender a tocar la guitarra y superar su timidez para subirse a un escenario, que vio como el éxito no llegaba y que se recicló en contador de chistes porque no le quedaba otra, inventando un personaje imperturbable, siempre fumando y con un cubata en la mano, que ametrallaba con chistes a una España en plena transición que necesitaba reírse.
Sabel Aquell nos cuenta la historia de Eugenio (David Verdaguer), quien se convierte en el mejor contador de chistes de la época, a contracorriente, cuando lo que realmente quería era acompañar a su mujer con la guitarra. Pero había que comer y la vida te lleva siempre por donde no quieres.
La película es además un retrato de España en general y de Cataluña en particular, de finales de los 60 y los 70 del siglo pasado, perfectamente recreada por Trueba y todo su equipo. Una España, una Cataluña que, tal cual después de una larga pandemia de 40 años, quería salir a la calle y dejarse llevar, entre humo, cubatas y chistes.
Una gran y pequeña historia de amor
Sin embargo, ante todo y sobre todo, Saben Aquell es la historia de Eugenio y Conchita (Carolina Yuste), de como se conocen y se enamoran a primera vista, de como se sacrifican por su pareja y de como la realidad y la miseria de la vida se imponen a sus deseos. La mayoría de críticas destacan a Conchita como una mujer fuerte, alguien que da un paso al lado para que triunfe su marido. Obvian (intencionadamente, creo) que Eugenio va totalmente a remolque, dando bandazos y entregándose a un personaje que ni quiere ni desea.
La única iniciativa que muestra Eugenio en toda la cinta es cuando se lanza a conocer a Conchita, huyendo de un futuro matrimonio condenado al fracaso. Después, queda totalmente subordinado a ella y, tras su muerte, tan sólo le queda ser Eugenio, el enterrador chistoso.
Impresionantes en sus papeles están tanto él como ella, David Verdaguer y Carolina Yuste. Una pareja con una química perfecta, las dos caras de una moneda, soportando el gran peso de la película. La mimetización de David Verdaguer con Eugenio es total, en voz, gestos y pausas pero Carolina Yuste compone un personaje entrañable, luminoso, lleno de vida. Genial cuando va pasando del catalán al castellano y viceversa en momentos de alegría o cabreo (para ver en versión original en catalán, sin duda).
Saben Aquell, con su ritmo tranquilo pero sin pausa, con su recreación de época y con sus personajes complejos y humanos (sobre todo humanos) es una película que se pasa volando (101 minutos; todo un logro cuando algunos necesitan más de 3 horas y media pera contar una historia) en la que el espectador ríe con los míticos chistes de Eugenio y llora y se emociona con el amor entre Conchita y Eugenio.
La película acaba con la muerte de Conchita y la primera actuación de Eugenio tras su muerte. Lo que vino después fue más truculento, escabroso y empaña el amor entre ellos. El Goya a Verdaguer está más que cantado. El de Yuste también sería de justicia. Un saludo, sed felices.
Tenemos tráiler final de The Marvels. Han tirado de épica cuando los anteriores tráilers eran más chistosos. Saben que tienen malas previsiones y lo han dado todo en este tráiler. Vamos a ver el tráiler primeramente y pasamos a analizar porque The Marvels será el primer fracaso del UCM.
Quizás viene en mal momento este estreno, sobre todo tras el mega artículo de Variety que mi compañero Mario posteriormente analizó. Pero es que todo lo que rodea al UCM y derivados, o sea series de televisión, en los últimos meses trae cola.
Yo precisamente os comenté que Kevin Feige (o Disney) se atrevió a cancelar la serie Daredevil Born Again, con seis capítulos ya rodados. Pero es que también se habla de problemas en la preproducción de Blade.
Son muchos los frentes abiertos en una franquicia en la que todo era éxito. Pero al final la gallina de los huevos de oro se ha roto.
Y ojo, que la hecatombe está por llegar este jueves con The Marvels, una película cuyo presupuesto asciende nada más y nada menos que a los 275 millones de dólares.
The Marvels no estará a la altura del UCM en la taquilla, según las últimas previsiones
El UCM estrena su película número 33 con The Marvels. Pues atención a los datos: de 32 películas, 25 han debutado en taquilla con más de 100 millones de dólares recaudados en el mercado doméstico. y las previsiones para la cinta de Nia DaCosta no son nada halagüeñas a este respecto y ni se contempla que sea la número 26. Según The Hollywood Reporter, The Marvels, estará en el rango de 75 a 80 millones de dólares en la última prueba de fatiga de superhéroes de taquilla.
¿Cómo puede ser cuando es secuela de Capitana Marvel que superó la barrera de los mil millones e hizo en su primer fin de semana 153,4 en el mercado doméstico?
Para entender esto hay que recordar varios factores, por un lado la excepcional actriz protagonista, Brie Larson, siempre ha sido objetivo de las críticas de un número importante del fandom, sin motivo aparente. Luego la misma actriz se sintió en mitad de la producción molesta por el hecho de compartir protagonismo con Teyonah Parris e Iman Vellani cuando supuestamente era «su» secuela.
Y para colmo tenemos el acabóse con la elección de la directora, Nia Dacosta. Marvel lleva tiempo utilizando directores emergentes pero «fácilmente manipulables». El poder de decisión y libertad creativa en estos directores es cero. Y Dacosta lo ha comprobado a las malas.
Aquí me podría enrollar largo y tendido. Ella misma ha dado titulares sin querer.
«Creo que la fatiga de los superhéroes existe absolutamente. La mayor diferencia con las otras películas del UCM hasta la fecha es que es realmente loca y absurda. Los mundos a los que vamos en esta película son mundos diferentes a otros que has visto en el UCM. Mundos brillantes que no has visto antes».
En una reciente entrevista a Vanity Fair, admitió que hubo días en los que le envió un mensaje de texto al director de Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos, Destin Daniel Cretton, para desahogarse sobre cómo se sentía.
«A veces estabas en una escena y decías: ‘¿Qué diablos significa toda esta mierda? O un actor está mirando algo loco que está sucediendo en el espacio, y [en realidad] está mirando una X azul. Obviamente hubo días difíciles y días en los que pensabas: ‘Esto simplemente no está funcionando'».
Esto puede parecer menor ya que ella misma es la que lo dice pero si tenemos en cuenta que al parecer la realizadora dejó la película en medio de la posproducción para encargarse de su nueva película, según cuenta una fuente cercana a la producción, apaga y vámonos:
«Si diriges una película de 250 millones de dólares, es un poco raro que el director la deje cuando aún quedan unos meses por delante».
A este respecto cierto es que ha salido la entrevista con Jake Hamilton donde ella explica su salida de la posproducción:
«Cambiaron la fecha de la película cuatro veces. Así que en lugar de ser un proceso de dos años, con el que yo estaba profundamente comprometida, se convirtió en un proceso de tres años y medio… y ellos sabían en todo momento que yo tenía una obligación, una película aprobada con gente que me estaba esperando. Sabían que no podría estar en Los Ángeles para terminar The Marvels en persona si se volvía a retrasar, ya que tenía que trasladarme a Londres para Hedda. Así que buscaron la manera de terminar su trabajo en The Marvels a distancia».
Since my interview with Nia DaCosta is being spread around today, I just wanted to ensure the entire question and answer were both out there.
I appreciate her kindness and openness during our interview.
Es lo que os decía antes, Kevin Feige sigue mandando, aunque dicen que está un poco más perdido con tantas series y películas. Pero baste recordar que, en última instancia, las películas de Marvel son más de Feige que de ningún director o directora. Tenemos el ejemplo de Chloe Zhao con Eternals que aunque se mantuvo con el proyecto, al parecer no pudo editarlo de la manera que inicialmente esperaba. Además, en una entrevista previa, DaCosta reconoció que perdería cierto control creativo en la producción The Marvels, aunque afirmaría que no dejó que eso eclipsase su propia visión para el largometraje. Pero esto deja patente lo que ya os advertía en párrafos anteriores, Marvel lleva un tiempo contratando realizadores de perfil bajo o asociados al cine independiente, con el objetivo de tener desde la productora la decisión final en la producción.
Este viernes saldremos de duda pero parece que The Marvels está vista para sentencia y huele que será el primer fracaso del UCM tras 33 películas. Ojo, que ni tan mal.
En 1982 se estrenó la película Conan el Bárbaro de John Milius que revitalizó el género de espada y brujería. Una película hoy de culto que convirtió a Arnold Schwarzenegger en toda una estrella del cine.
De esta película hice un retroanálisis del cual estoy muy contento a día de hoy de como quedó, os lo dejo abajo.
Has de saber, oh príncipe, que entre los años del hundimiento de Atlantis y sus brillantes ciudades, tragadas por los océanos, y los años del nacimiento de los hijos de Aryas, hubo una edad no soñada de reinos esplendorosos, diseminados por el mundo como mantos azules bajo las estrellas…
Con esta frase de las Crónicas nemedias daban comienzo los cómics de La espada salvaje de Conan. Mi yo de pequeño no deja de soñar con un mundo de bárbaros, trolls, pictos, brujería, piratas, pillajes y mil y una aventuras con el cimmerio de protagonista. Sin duda alguna esa serie será siempre mi preferida de Conan, con Roy Thomas y John Buscema de baluartes de la misma.
En 1982 se estrenó Conan el Bárbaro, una película hoy considerada de culto y en la cual los más acérrimos seguidores del personaje en las viñetas no vislumbramos a nuestro cimmerio en el filme protagonizado por un increíble y voluntarioso actor austriaco Schwarzenegger. No obstante hay que admitir que la película es bastante buena y revitalizó durante unos años el género de espada y brujería.
Por motivo del 40 aniversario se ha realizado el volumen Conan el Bárbaro: El libro oficial de la película. Un impresionante libro repleto de fotografías e ilustraciones que han permanecido ocultas e inéditas para el espectador hasta el día de hoy. Todo ello acompañado de textos realmente enriquecedores de John Walsh. Aquí tenéis un avance de lo que os podéis encontrar en el libro.
No quiero pecar de pedante, pero pocas cosas nuevas he descubierto de este filme que no supiera. Aun así el libro es imprescindible para los amantes del cine en general y de la película de 1982, en particular.
Y es que el libro lo abarca todo, unos apuntes biográficos de Robert E. Howard, creador del personaje, entrevistas nuevas, relatos de como se trabajó la película, una sección dedicada al diseño de producción con un Ron Cobb que supo captar como nadie el mundo Hibóreo…
El libro supone un making of completísimo, nos cuenta como fue el casting del actor austriaco, como llegaron a elegir a Sandahl Bergman y a dos talentosos actores como James Earl Jones como Thulsa Doom y Max Von Sydow como el imponente Rey Osric.
No hay nada que este volumen no trate, nos habla de las espadas de la película, las localizaciones, de la escena del buitre (no, no era un buitre real).
También hay un artículo respecto a una de las mejores bandas sonoras que ha dado el cine, compuesta por Basil Poledouris.
Y por supuesto lo que más me ha gustado ha sido el tema de fotografías e ilustraciones. Tenemos fotos de la película y del como se hizo Pero lo que más me ha gustado son las muchísimas ilustraciones que contiene el libro, de artistas como Frank Frazetta, Boris Vallejo, el mismo Ron Cobb, William Stout y alguno que me habré dejado en el tintero.
Si eres fan de la película este libro te va a encantar.
LOS SECRETOS DEL RODAJE DE LA PELÍCULA QUE CONVIRTIÓ A ARNOLD SCHWARZENEGGER EN UNA ESTRELLA DEL CINE
En 1982, Conan, el icónico antihéroe literario de Robert E. Howard, se abrió paso a espadazo limpio desde la página impresa hasta la gran pantalla tras un accidentado periplo de décadas. Con su potente combinación de épicas panorámicas y sangrientas batallas, Conan el Bárbaro entusiasmó a los espectadores de todo el mundo e hizo despegar la carrera cinematográfica de Arnold Schwarzenegger.
Cuarenta años después de su estreno, este clásico de culto es objeto de celebración en Conan el Bárbaro: La historia oficial de la película, un lujoso volumen en el que se relata la historia completa de cómo se hizo el filme. Entrevistas nuevas con el reparto y el equipo artístico y técnico, además de numerosas fotografías del rodaje, detrás de las cámaras y en los escenarios naturales, así como una cobertura visual completa de los ambiciosos sets construidos y todo el arte conceptual creado por el equipo de producción nos proporcionan una mirada privilegiada y fascinante del desarrollo de uno de los largometrajes fantásticos más venerados de los años 80.
Zack Snyder parece que está poniendo toda la carne en el asador con Rebel Moon. No sólo tendrá dos películas para Netflix, sino que además promete más cosas.
Rebel Moon será más que dos películas
En Total Film vía GamesRadar, Snyder concede una entrevista donde habla de extender la cronología de Rebel Moon hasta 800 años. Aparte de ser el director pretende ser el showrunner y hacer dos películas para Netflix, una serie animada, un cómic y un podcast.
Zack Snyder literalmente ha dicho:
«Soy el guardián de lo que es posible. Soy el único que sabe adónde va toda la historia, y la tengo trazada hasta el final».
«Estamos haciendo un podcast narrativo, y un cómic animado, y una serie animada. Todos ellos tienen lugar antes de los acontecimientos de la película. Así puedes empezar a entender la inmensidad de la mitología en la que hemos estado trabajando».
Es el coguionista Kurt Johnstad, habla sobre los largometrajes de Rebel Moon, y dice son sólo la punta del iceberg:
«El mundo está muy, muy detallado y desarrollado»
«Hay cientos y cientos de páginas de documentos sobre metodología, mitología y tradiciones. La línea temporal se remonta 800 años atrás, desde nuestras películas».
También cabe destacar el videojuego que se presentó en el Gamescom 2023 que según se pretende será de «acción cooperativa para cuatro jugadores» y para suscriptores de Netflix. Este videojuego tendrá lugar después de lo acontecido en los dos películas de Rebel Moon. Aún faltan más detalles que poco a poco nos irán facilitando desde Zack Snyder y su entorno.
Como ya adelantamos en este artículo en agosto de 2023 (que también incluye el tráiler), Rebel Moon se divide en dos parte. La niña del fuego (Parte Uno) se estrenará en Netflix el 22 de diciembre. La guerrera que deja marcas hará lo propio el 19 de abril de 2024.
Os dejo el tráiler oficial de Netflix España con subtítulos en español.
Ana B. Nieto, prolífica escritora de fama internacional cuyo arte hemos podido disfrutar principalmente en el ámbito de la novela histórica, debutó en el mundo literario con la saga de La Huella Blanca que le valió una nominación a los premios Hislibris y acaba de realizar su primera incursión en el género de ciencia ficción con la novela que reseñamos hoy, Proyecto Karón, finalista del premio Minotauro 2023.
Proyecto Karón nos retrata un futuro distópico en el que se han cumplido todas las catástrofes que tememos hoy día, el cambio climático, la guerra mundial, una desbordada dependencia y adicción a la tecnología, las idolatría a personajes prominentes en las redes sociales, y otros problemas han llevado a la humanidad a una situación límite que ha transformado completamente el panorama social.
Dentro de este mundo minuciosamente construido, la autora nos cuenta la historia de Alaxi Dalem y Lena Gradavi, creadores del sistema de realidad virtual Karón, capaz -a través de una IA simbiótica- de crear constructos basados en las consciencias de aquellos que se conectan a él. Cuando Lena es secuestrada dentro del Karón, Alaxi se verá forzado a sumergirse para intentar rescatarla, una misión más mortífera de lo que podría parecer tanto en el plano físico como en el emocional.
EL MUNDO DE PROYECTO KARÓN: LA GRAN UNIÓN
Proyecto Karón destaca sobre todo por un mundo muy bien construido. Las ideas principales que nos propone las hemos visto en infinidad de historias, los ejemplos más manidos son Matrix o Ready Player One, no llegando a sumergirse del todo en el género Cyberpunk pero rozándolo de cerca. La trama se divide principalmente en dos secciones distintas, lo que ocurre en el día a día de los personajes que se nos presentan (tenemos varios narradores) y las incursiones de Alaxi en el Karón, donde la Dama Iridio (Lena) intentará cobrarse venganza contra su antiguo compañero y amante.
La historia nos sitúa en la Gran Unión, una versión futura de los Estados Unidos reconstruida tras una gran guerra que ha convertido la sociedad en un matriarcado, dejando la política y la organización social a la mujeres mientras que los hombres se encargan de la agricultura, el trabajo manual y la seguridad.
La autora nos propone gran cantidad de conceptos, el sistema de simulación política Quimera y todos sus brazos, desde la defensa, el cultural, pseudo-religioso, etc. todo matizado con ciertos tintes mitológicos, hasta el control social a base de pulseras que miden la agresividad de los individuos y dietas neuroquímicas, pasando por una crítica mordaz al marketing, las redes sociales y el poder casi místico de los influencers virtuales, distintas jerarquías sociales como los highcorp, etc.
UNA FICCIÓN COMPLEJA PERO GRATIFICANTE
Lena Gradavi, La Dama Iridio
Estos conceptos aportan texturas y matices al mundo de Proyecto Karón, pero resultan algo confusos y frustrantes si no se tiene un conocimiento previo del trasfondo, y en ocasiones tanta explicación puede llegar a resultar algo abrumadora. Las secciones dentro del Karón, sin embargo, tienen un planteamiento más dinámico y repleto de acción, algo que encaja perfectamente con el corazón de la trama, que diverge entre la libertad que el aparato aporta al individuo y también su posible adicción.
En materia de personajes nos encontramos con un elenco bastante amplio que ofrece diferentes puntos de vista a lo largo de la trama. En términos generales los personajes más redondos tratan los temas más trascendentes que tienen que ver con la conexión entre individuos que proporciona el constructo virtual del Karón y sus implicaciones para con el futuro de la humanidad, mientras que los secundarios -más planos- sirven como vehículo de examen para la sociedad de la Gran Unión, representando facetas sociológicas que nos pueden interesar más o menos, pero con su función y papel dentro de la historia. Hasta aquí puedo contar sin adentrarme en el terreno del spoiler.
En conclusión, Proyecto Karón nos plantea una historia emocionante con tintes de acción, con homenajes y escenas reminiscentes al mundo del videojuego, mezclada con una interesante construcción de una sociedad distópica con tintes Orwelianos y tonos cercanos al género Cyberpunk, que gustará a los que busquen un mundo de Ci-Fi verosímil, intricado y adulto que en ocasiones se hace un poco difícil de digerir debido a su complejidad, pero que recompensará a aquellos que tengan la paciencia necesaria para disfrutarlo.
Hoy le sacamos lustre a Días de Trueno (Días de Truenos para América Latina), película de 1990 que, dirigida por Tony Scott y con producción de Don Simpson y Jerry Bruckheimer, aborda el mundo de las carreras NASCAR con Tom Cruise en el papel principal secundado por Robert Duvall, Michael Rooker y Nicole Kidman, a la postre su esposa y con quien volvería a compartir cartel en otros dos filmes.
Hacia finales de los ochenta, Tom Cruise era uno de los más exitosos actores jóvenes de Hollywood. A pesar de haber pasado en sus inicios por manos de prestigiosos directores como Franco Zeffirelli, Francis Ford Coppola o Curtis Hanson fue, en 1986, Top Gun (aquí retro-análisis), la película que lo elevó a categoría de estrella, aunque también lo encasilló en personajes similares durante los años sucesivos y Días de Trueno (Days of Thunder), de Tony Scott, no fue la excepción.
Las similitudes entre ambos filmes son claras y no podía esperarse otra cosa al repetirse director y actor principal. Los aviones de combate son reemplazados por autos de carrera y Cruise no pilota un F-14sino un Chevrolet para competencias NASCAR, uno de esos tantos fenómenos particularmente populares en Estados Unidos, pero no tanto en el resto del mundo.
La Historia
Tom Cruise da vida a Cole Trickley, joven piloto que viene cosechando éxitos en carreras de monoplazas y que es reclutado por Tim Daland (Randy Quaid), magnate de concesionarios que quiere montar un equipo competitivo para la Copa Nascar. A tal fin es también convocado Harry Hodge (Robert Duvall), constructor de automóviles en retiro que regresa al ruedo después de que una traumática experiencia con la muerte de un piloto lo alejara de los boxes.
Cole es arrogante y presuntuoso, pero pronto debe admitir que hay cosas que desconoce: sabe cómo conducir un auto, pero no tiene idea de lo que ocurre adentro y ello hace que Harry deba someterlo a un entrenamiento riguroso por considerar que eso es esencial para interactuar y complementarse adecuadamente con el vehículo. Debe además soportar la competencia y rivalidad del piloto Rowdy Burns (Michael Rooker), quien se vale de trucos sucios para aventajarlo en las carreras.
No contaré mucho más por si no la han visto, pero un accidente compartido hará que ambos acaben en el hospital y ello les llevará a redefinir la relación que vienen sosteniendo, además de que Cole comenzará a comportarse de modo menos altanero y más aún después de conocer a su neurocirujana, la bella doctora Claire Lewicki (Nicole Kidman), que le influirá en tal sentido y con quien iniciará una relación. Por otra parte, y al ser Rowdy tempranamente redimido por el guion, tomará su relevo otro villano antagonista (Cary Elwes) o no habría más película…
Fórmula Repetida, pero Eficaz
Hablábamos antes de puntos de contacto con Top Gun (aquí retro-análisis) y, por cierto, son muchos y harto evidentes. Tom Cruise vuelve a encarnar al muchacho novato que cree saberlo todo, pero al que un mentor y guía ayuda a entender que no es así. Esa misma situación, de hecho, no solo está presente en Top Gun, sino también en El Color del Dinero (Martin Scorsese, 1986), donde no hay autos ni aviones pero sí mesas de billar y el mentor en cuestión es interpretado por Paul Newman. O en Cocktail (Roger Donaldson, 1988), donde Bryan Brown encarna a un experimentado barman que lo instruye y forma en los gajes de su oficio.
Pero volviendo específicamente a las comparaciones con Top Gun, está también, desde luego, la muchacha con formación científica (astrofísica en un caso, neurocirujana en el otro) que ocupa con respecto a él una posición jerárquica o está al menos en situación de darle órdenes y consejos que le ayudarán a lidiar con el mundo y aceptar que no es perfecto. Es curioso que en ambos casos y a pesar de sus altas formación, experiencia y posición, sean mujeres que parecen comportarse como adolescentes quinceañeras al largar todo por un joven apuesto, exponiendo incluso sus propias carreras.
No obstante ello, el personaje de Kidman me gusta más que el de Kelly McGillis por ser más humano y sin tanto aire de devoradora, además de mostrar con Cruise una química especial que no en vano los terminará llevando al altar en la vida real y a repetir pareja actoral en Un Horizonte muy Lejano(Ron Howard, 1992) y Eyes wide shut (Stanley Kubrick, 1999). Él volverá, en el futuro, a actuar con algunas de sus sucesivas parejas, pero con ninguna conseguirá otra vez esa química.
En cuanto a Tony Scott, no era aún el director que sería después, sino casi el más americano de los directores británicos y que, a pesar de haber debutado con una interesante y personal propuesta de terror como El Ansia (1981), formaba parte de esa escuela de realizadores tan exitosa en los ochenta que, tomando recursos de la publicidad o el videoclip, privilegiaban la forma por sobre el contenido sin empacho de recurrir a fórmulas y lugares comunes (Adrian Lyne fue otro referente emblemático).
Sin embargo, la cosa cambiaría en los años sucesivos y Tony adquiriría el respeto de la crítica especializada con filmes llenos de grandes diálogos como El Último Boy Scout(1991), Amor a Quemarropa(1993) y Marea Roja (1995), en los dos últimos casos con el aporte de Quentin Tarantino en el guion (acreditado o no). De hecho, en algún momento, hasta pareció ubicarse por sobre su hermano al volverse el talento de este más intermitente.
Pero Días de Trueno, a pesar de contar en el guion al oscarizado Robert Towne de Chinatown (Roman Polanski, 1984), encaja todavía en su línea de filmes anteriores: una historia con moraleja de superación en la que todo luce tremendamente americano desde el momento de poner a las carreras NASCAR en el centro de la trama.
Vértigo y Confusión
Al igual que ocurre con el fútbol americano o el roller derby, el NASCAR constituye un fenómeno bien local y nacional en el que tiene especial lugar el roce físico (entre autos, claro) y parte de la estrategia consiste en desplazar al rival o hasta arrojarlo contra un muro. Se podría trazar un paralelismo con el individualismo competitivo y por momentos caníbal del estilo de vida americano, pero no quisiera hacer tan sociológico el artículo.
Lo cierto y concreto es que las carreras ocupan en la película un lugar central y, para darles realismo, se incluyeron escenas de competencias verdaderas haciendo participar de las mismas a los autos del filme para que no parecieran estar en otro mundo. Incluso hacen cameos de sí mismos prestigiosos pilotos de la especialidad como Richard Petty, Rusty Wallace y Neil Bonnett, o también reconocidos comentaristas y periodistas de las más importantes cadenas de noticias.
Eso sí: al igual que ocurría en Top Gun con escenas de aviones en las cuales uno no sabía si estaba subiendo, bajando o girando, también aquí el frenesí hace que por momentos los autos desfilen por la pantalla de manera vertiginosa mientras el rugir de los motores, los insistentes carteles de publicidad y las comunicaciones desde boxes forman un conjunto en el que no se sabe bien qué está pasando.
Ello podría quizás resultar aburrido para quien no esté familiarizado con el NASCAR, pero Scott logra que la confusión, como en una montaña rusa, se convierta en contagiosa adrenalina y terminemos diciendo “no sé qué está sucediendo, pero vaya que mola”…
Todo en su Justo Lugar
Y así como Scott no es todavía el director que será luego, otro tanto ocurre con Cruise como actor. Ojo: ya había tenido momentos de clara evolución en Rain Man (Barry Levinson, 1988) y Nacido el Cuatro de Julio (Oliver Stone, 1989), filmes ambos que le hicieron crecer actoralmente aun cuando no dejara de interpretar a personajes inicialmente presuntuosos que acababan chocando con la realidad o descubriendo un nuevo sentido a sus vidas. Su personaje en Días de Trueno, por lo tanto, podría ser visto como una involución o quizás mejor como una despedida…
Nicole tampoco es la actriz que después será (de las más versátiles de Hollywood), pero cumple y aporta a su personaje el toque de mesura necesario para encaminar al protagonista, en tanto que Michael Rooker, vaya a saber por qué, es uno de esos talentos nunca valorados en su justa medida. El desempeño sobresaliente, no obstante, es sin duda el de Robert Duvall, cuyas credenciales hablan por sí solas y lo convierten en garantía absoluta haga lo que haga.
El guion está lejos de ser memorable, pero cumple a los fines de la película sin necesidad de estridencias, lo mismo que la correcta fotografía de Ward Russell, quien debutaba en tal rol luego de haber sido jefe de iluminadores en Top Gun. Las localizaciones están realizadas en Charlotte y Daytona Beach, mientras que la música está a cargo de Hans Zimmer, que por ese entonces venía de la nominación al Oscar por Rain Man y volvería trabajar con Scott en Amor a Quemarropa.
No obstante y al igual que en Top Gun, cobran importancia en la banda sonora las canciones que impregnan al filme con elementos de videoclip, en este caso a cargo de Elton John, Joan Jett ,Cher o Chicago, mientras que The Last Note of Freedom fue compuesta e interpretada especialmente por David Coverdale (cantante de Whitesnake y ex Deep Purple convocado a pedido del propio Cruise).
Por su parte, Break though the Barrier, a cargo de Tina Turner, era un tema inédito y sobrante de las sesiones del álbum Foreign Affair .
También merece destacarse la inclusión de Knockin´on Heaven´s Door, cover del clásico de Bob Dylan en versión de los Guns n´Roses, que recién lo incluirían al año siguiente en su álbum Use your Illusion II, lo que convierte a esta en la primera edición oficial en estudio.
Valoración Final
Días de Trueno no es una película rupturista ni que cambie la historia del cine. Es una cinta bien de los ochenta a pesar de ser rodada y lanzada en 1990 (aunque dicen las matemáticas que ese año sigue correspondiendo a tal década).
Con las consabidas dosis de romance y adrenalina, es la clásica historia del muchacho novato, rebelde y exitoso que debe aprender a tomar conciencia de sus limitaciones y de que no puede resolverlo todo. Y tiene en su centro a una pareja con una química única y equiparable a la de Richard Burton – Liz Taylor, por nombrar otros que compartieron tanto habitaciones como sets de filmación.
Es también la tan recurrente historia del antagonismo entre rivales que acaba deviniendo en amistad y respeto mutuo, teniendo no solo puntos de contacto con Top Gun y otras de la filmografía de Cruise, sino también con Rocky: el cruce verbal del hospital en el que Cole y Rowdy ocupan sendas sillas de ruedas remite mucho al de Balboa y Creed en el comienzo de Rocky II (1979) aunque, siendo pilotos en lugar de boxeadores, es lógico que la cosa acabe en carrera de sillas (homenajeando a la vez a la escena que hizo Paul Newman para La Última Locura de Mel Brooks (1976).
Pero a pesar de sus lugares manidos, la historia funciona y entretiene constituyendo quizás la última película en ese estilo tanto para Scott como para Cruise y probablemente también la despedida de un cine de los ochenta que ya no volvería. No en vano y a pesar de sus convencionalismos, el mismísimo Quentin Tarantino dice considerarla como la mejor película de alto presupuesto sobre carreras de autos y mi compañero Carlos, cuya opinión es para mí igual de válida que la de Tarantino, la incluye en su listado de los mejores filmes de dicha temática al que invito, desde luego, a echar ojo.
La cinta tuvo buen desempeño en taquilla, aunque sin las cifras de Top Gun, no obstante lo cual y tal como he dicho en el título, me gusta más. Lo sé: muchos querrán asesinarme y me hago cargo, pero aun cuando le reconozco a Top Gun su indudable valor icónico, creo que la de Días de Trueno es una historia mejor contada, menos histérica y que se cierra de modo más convincente (aquel diálogo final entre Cruise y McGillis está para mí entre los cierres más detestables de la historia del cine): al menos no busca convencerte de que pilotando autos tendrás asegurados el éxito y las mejores mujeres.
Si nunca han visto Días de Trueno, vaya especialmente recomendada para quienes gusten de los autos, pero también para quienes añoren un cine que ya no se hace y que no pretendía más que lo que conseguía.
Ha salido el tráiler de Echo, precisamente mi compañero Mario escribió ayer un grandísimo artículo en el que hablaba entre otras cosas del fiasco de las series de Disney+ de Marvel. Y sinceramente, el tráiler mola pero no pienso ver ni un minuto de esta serie. Hace tiempo que perdí la fe con estos productos.
Y mira que como decía el tráiler mola, tenemos a Kingpin y a Echo como letal asesina y en un fotograma al mismísimo Daredevil. Pero ni por esas.
Y el problema no es solo mío, es de la misma Disney+. Saben que esta serie les quema y la iban a cancelar incluso ya realizada. Al final han decidido soltar los cinco episodios el mismo día, el 10 de enero. Y es que vienen del mayor de los descalabros con Invasión Secreta, una serie de 212 millones de presupuesto y que veían cómo semana a semana la sangría de pérdida de espectadores era abrumadora. Al final no la ha visto ni el tato. Además el episodio final de ‘Invasión secreta’ se convirtió en el contenido de Marvel Studios peor valorado de la historia con un triste 13% en Rotten Tomatoes.
Daredevil otra vez de gancho como en Hulka, cuando no es capaz de sacar su propia serie.
Yo era uno de los grandes defensores del UCM; nos ha dado horas y horas de entretenimiento, pero ahora Feige no atina como antaño y se especula que quiere traer de vuelta a los actores originales, cosa que tampoco se puede permitir por los altos salarios que manejan.
Mientras se decide, nos tenemos que conformar con Echo. En esto se ha convertido el UCM. Yo me bajo del barco. Ya si eso me contáis.
