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Paramount adaptará Amanecer Rojo: la rebelión de Darrow se prepara para conquistar el cine

La novela de Pierce Brown dará el salto a la gran pantalla con Francis Lawrence, director de Los juegos del hambre, al frente de la película y Justin Rhodes encargado del guion. Amanecer Rojo es una epopeya espacial de ciencia ficción, revoluciones y luchas de poder que aspira a convertirse en el próximo gran universo cinematográfico. Sobre el papel, las piezas parecen encajar. Ahora falta lo más complicado: que funcionen cuando se enciendan las cámaras.

Más de una década después de la publicación de la novela de Pierce Brown, Paramount prepara su adaptación cinematográfica. Una noticia especialmente esperada por los lectores que llevan años imaginando cómo sería contemplar los Juegos del Instituto y las batallas de los Dorados en una pantalla de cine.

La elección del equipo creativo para adaptar Amanecer Rojo invita al optimismo. Lawrence conoce bien el universo de las distopías gracias a Los juegos del hambre, Justin Rhodes se encargará del guion y el propio Brown podrá aportar su conocimiento de una saga que ha crecido hasta convertirse en una ambiciosa epopeya espacial. El autor tiene, además, una referencia cinematográfica de enorme exigencia: la trilogía de El Señor de los Anillos dirigida por Peter Jackson.

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Francis Lawrence vuelve a un territorio que conoce bien

La elección de Francis Lawrence tiene bastante sentido. En Los juegos del hambre (cuya nueva entrega es Amanecer en la cosecha), el director ya trabajó con una sociedad profundamente desigual, una élite que convierte el sufrimiento ajeno en espectáculo y una rebelión que termina transformando el destino de sus protagonistas.

Sin embargo, Amanecer Rojo propone una dimensión narrativa mucho más amplia. Su universo combina conquista espacial, ingeniería genética, jerarquías sociales y una cultura política inspirada en la antigua Roma. Un escenario donde el poder no solo se ejerce mediante la fuerza, sino también a través de la educación, la manipulación y el control de quienes viven sometidos.

La diferencia más importante está en su protagonista. Darrow no es simplemente un joven que termina convertido en símbolo de una revolución. Es un minero de Lykos que descubre que toda su vida ha sido una mentira y que, para cambiar el destino de los suyos, tendrá que infiltrarse en el corazón mismo de quienes los oprimen.

Su transformación física y psicológica constituye uno de los elementos más atractivos de la historia. Para sobrevivir entre los Dorados deberá adoptar su apariencia, aprender sus costumbres y demostrar que merece ocupar un lugar entre ellos.

Esta dualidad es fundamental para comprender al personaje. Darrow no solo lucha contra sus enemigos, sino que también debe enfrentarse a la posibilidad de convertirse en aquello que siempre ha despreciado. Su ascenso al poder está marcado por decisiones difíciles, pérdidas personales y una violencia que amenaza con transformar su propia identidad. Es una contradicción que da mucha más profundidad al personaje y que no debería perderse entre espadas, armaduras y grandes batallas.

Bajo el estratega que aprende a jugar según las reglas de sus enemigos debe seguir latiendo el joven que conoció a Eo en las profundidades de Marte y creyó que su sacrificio podía cambiar el destino de los suyos. Esa herida no puede quedar sepultada bajo una armadura espectacular. Si desaparece, Darrow corre el riesgo de convertirse en otro protagonista invencible que reparte golpes durante dos horas.

Justin Rhodes, vinculado a Terminator: Destino oscuro y al desarrollo de la adaptación de BioShock para Netflix, tendrá que trasladar esa complejidad al guion. El reto consistirá en presentar el universo de Amanecer Rojo lleno de castas, códigos y estructuras políticas sin perder de vista aquello que realmente importa: las personas que intentan sobrevivir dentro del mismo.

Todo sobre el nuevo tráiler de Los juegos del hambre: Amanecer en la cosecha

Marte era una mentira. La sociedad de los Dorados es bastante peor

Publicada en 2014, Amanecer Rojo nos presenta una humanidad que ha colonizado el sistema solar y organizado su civilización mediante un rígido sistema de castas identificadas por colores. Cada grupo tiene una función determinada y un lugar establecido dentro de una estructura social aparentemente perfecta.

En el universo de Pierce Brown, el arcoíris esconde una trampa: cada color representa un peldaño de una pirámide social donde unos nacen para gobernar y otros para sostener los privilegios de quienes están por encima. En la cúspide se encuentran los Dorados, una élite que ha levantado su particular paraíso sobre una montaña de cadáveres y concentra el poder político, económico y militar.

Por debajo se extiende una compleja jerarquía de castas: los Plateados controlan las finanzas, los Blancos administran la justicia y los Cobres gestionan la burocracia. Más abajo encontramos pilotos, científicos, ingenieros, artistas y soldados. En los últimos escalones sobreviven sirvientes, guerreros Obsidianos, Rosas y, finalmente, los Rojos, condenados a realizar los trabajos más duros. Un gigantesco engranaje humano en el que cada pieza tiene asignado su cometido y donde cambiar de color equivale a desafiar el orden establecido.

Darrow pertenece a esa última casta. Los Rojos viven bajo tierra, convencidos de que su sacrificio servirá para hacer habitable Marte y garantizar un futuro mejor a las próximas generaciones. Pero cuando descubre que el planeta ya está conquistado, comprende que toda su existencia ha sido una mentira.

Los Juegos del Instituto representan una de las expresiones más brutales de esa sociedad. Los jóvenes Dorados compiten para demostrar su capacidad para gobernar, sometiéndose a pruebas donde la inteligencia, la estrategia y la violencia determinan quién merece sobrevivir. La crueldad se convierte en una virtud y la dominación en una demostración de superioridad. Un sistema educativo donde las notas se ponen con sangre y llegar vivo al final ya puede considerarse todo un éxito académico.

Aquí reside una de las grandes fortalezas de Amanecer Rojo. Brown combina ciencia ficción, tragedia política, referencias romanas e infiltración sin que su universo se convierta en un simple decorado. Las batallas ponen a prueba las lealtades y las decisiones dejan cicatrices. Todas estas ideas forman parte de una estructura narrativa que reflexiona sobre el poder, la justicia y la naturaleza humana.

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El Señor de los Anillos como referencia para conquistar el cine

Que Pierce Brown mire hacia la trilogía de El Señor de los Anillos (que recientemente ha anunciado otra película: Sombras del Pasado) resulta comprensible. La adaptación de Peter Jackson consiguió trasladar un universo literario extraordinariamente complejo a la pantalla, construyendo una experiencia cinematográfica que combinaba espectáculo, emoción y desarrollo de personajes.

Una de las grandes lecciones de Peter Jackson fue entender que adaptar un universo literario no consiste en trasladar cada página a la pantalla, sino en conseguir que el espectador comprenda sus reglas sin necesidad de explicárselas constantemente.

La Tierra Media cobraba vida a través de diferentes culturas, conflictos y personajes. Su grandeza no estaba únicamente en sus paisajes, criaturas o batallas, sino también en la fragilidad de sus protagonistas y el peso emocional de sus sacrificios.

Amanecer Rojo necesitará encontrar ese mismo equilibrio: mostrar cómo funciona su sociedad mientras Darrow lucha por sobrevivir dentro de ella. El mundo debe sentirse vivo antes incluso de que el espectador termine de comprenderlo.

No necesita convertirse en una versión espacial de la Tierra Media ni Darrow necesita una espada élfica para liderar una revolución. Necesita que el espectador comprenda las dimensiones de su mundo y, sobre todo, que le importe lo que les ocurra a quienes viven en él.

La saga cuenta ya con seis novelas publicadas: Amanecer Rojo, Hijo dorado, Mañana azul, Oro y ceniza, Edad oscura y El portador de luz. Además, Brown prepara Red God, la séptima entrega. Material hay de sobra para desarrollar una franquicia cinematográfica de largo recorrido.

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Hollywood ya tuvo su oportunidad

La noticia de Paramount tiene un antecedente que invita a moderar las expectativas. En 2014, Universal Pictures adquirió los derechos de Amanecer Rojo y vinculó aquella versión al director Marc Forster. El proyecto nunca llegó a materializarse. Más adelante, también se exploró la posibilidad de desarrollar una serie de televisión, aunque tampoco terminó convirtiéndose en una adaptación estrenada. La rebelión ha sobrevivido a guerras, traiciones y conspiraciones, aunque su mayor enemigo hasta ahora parece haber sido conseguir que alguien dé luz verde al proyecto.

Por eso, la existencia de un equipo creativo definido y la implicación de Pierce Brown son razones para prestar atención, no para descorchar el champán. Hollywood está lleno de proyectos que llegaron a tener director, guionista y una prometedora nota de prensa, pero nunca salieron del papel.

Amanecer Rojo tiene todos los ingredientes para convertirse en una gran experiencia cinematográfica: un universo visual extraordinario, personajes complejos, enfrentamientos de enorme intensidad y una historia que combina ciencia ficción, tragedia y reflexión política. Brown convierte el sistema solar en un gigantesco tablero de ajedrez donde cada movimiento tiene consecuencias y hasta el peón más insignificante puede terminar cambiando el destino de la partida.

La rebelión cinematográfica apenas comienza. Paramount tiene ante sí la oportunidad de construir una de las grandes sagas de ciencia ficción de los próximos años, pero antes tendrá que demostrar que comprende aquello que hizo especial a la novela de Pierce Brown.

Porque derrocar a los Dorados ya era difícil. Conseguir que Hollywood no convierta la revolución en otra franquicia intercambiable quizá sea la prueba definitiva.

Los Anillos de Poder, temporada 3: las historias que marcarán el futuro de la Tierra Media

Hay sombras que no se inclinan ante la luz. En la Tierra Media, algunas llevan siglos esperando el momento de regresar, y ninguna representa mejor esa amenaza que Sauron. La tercera temporada de El Señor de los Anillos: Los Anillos de Poder (aquí nuestros análisis de la serie) abordará uno de los episodios decisivos de la Segunda Edad: la forja del Anillo Único y la guerra que marcará el futuro de sus pueblos.

La historia retomará los acontecimientos tras la caída de Eregion, cuando los distintos reinos todavía intentan recuperarse de las consecuencias de la guerra. Será una oportunidad para ver si la serie es capaz de remontar el vuelo y mejorar las prestaciones de su segunda temporada.

El legendario autor Brandon Sanderson, califica de «bastante mediocre» la serie Los anillos del poder de Prime Video

¿Cuándo se estrena la temporada 3 de Los Anillos de Poder?

La tercera temporada llegará a Prime Video el 11 de noviembre de 2026. Los primeros cuatro episodios estarán disponibles ese día; los capítulos cinco y seis se estrenarán el 18 de noviembre, mientras que los dos últimos llegarán el 25 de noviembre.

La serie se sitúa en la Segunda Edad del universo de Tolkien, miles de años antes de los acontecimientos de El Hobbit y El Señor de los Anillos.

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Sauron prepara el Anillo Único

Han pasado cinco años desde la caída de Eregion y la guerra entre Sauron y los Elfos alcanza su punto álgido. En Mordor, el Señor Oscuro trabaja en la forja del Anillo Único desde la recién completada torre de Barad-dûr. Con el Anillo, pretende someter a sus adversarios y consolidar su dominio sobre las Tierras de la Segunda Edad.

Aunque sus ejércitos han conquistado buena parte de sus territorios, todavía quedan reinos dispuestos a resistir. En Khazad-dûm, los Enanos afrontan sus propias amenazas en las profundidades de la montaña, mientras Lindon y Rivendel cuentan con la protección de los Tres Anillos de los Elfos. A estos frentes se suman las tensiones políticas de Númenor y los acontecimientos en las tierras orientales, que amplían el alcance del conflicto.

La historia también dará más espacio a las alianzas entre sus adversarios y a los conflictos internos que puedan debilitar su resistencia.

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El tráiler anticipa grandes batallas

El avance muestra Mordor y la torre de Barad-dûr, además de adelantar varios enfrentamientos que apuntan a una temporada de mayor despliegue visual. Entre las escenas más destacadas figura el enfrentamiento con el Balrog en Khazad-dûm, donde la espada del Señor Oscuro se bate contra la criatura de fuego y sombra.

El tráiler también muestra a Galadriel combatiendo, a Gandalf utilizando su magia en Rhûn y la aparición de los Nazgnagôl, los servidores del Anillo que preceden a los Nazgûl. Se alternan escenas de combate con secuencias protagonizadas por personajes de distintas regiones, lo que permite anticipar una narración repartida entre varios escenarios.

En sus últimos momentos, Sauron aparece con el Anillo Único en el dedo, rodeado por el fuego del Monte del Destino. La guerra ya no amenaza únicamente con destruir reinos. También está a punto de dar forma al símbolo que dominará la historia de la Tierra Media durante miles de años.

Galadriel y Sauron, una relación que divide a los fans

Uno de los aspectos más controvertidos de Los Anillos de Poder seguirá presente en la tercera temporada: la compleja conexión entre Galadriel y Sauron, iniciada cuando el Señor Oscuro se presentó ante ella bajo la identidad de Halbrand.

El avance sugiere que aquel vínculo continuará teniendo consecuencias, mientras el regreso de Celeborn, interpretado por Jamie Campbell Bower, obliga a Galadriel a enfrentarse a una parte de su historia que todavía permanece sin resolver.

La serie se aparta aquí de lo que Tolkien escribió sobre estos personajes. En los textos, Galadriel desconfiaba de Sauron cuando este se presentó bajo la apariencia de Annatar, el Señor de los Dones. La adaptación televisiva ha desarrollado un vínculo más personal y ambiguo entre ambos, una decisión que ha generado críticas entre los seguidores más fieles de la obra original.

La nueva entrega tendrá que mostrar cómo evoluciona Galadriel después de descubrir el engaño y hasta qué punto esa experiencia condiciona sus decisiones. El reto será desarrollar esta relación sin perder de vista la lucha contra un enemigo que convierte la promesa de poder en una forma de sometimiento.

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Gandalf, Númenor y el destino de los Enanos

Más allá de la guerra contra Sauron, la tercera temporada deberá resolver varios conflictos que pueden cambiar el equilibrio de poder. Uno de los más importantes se desarrolla en Rhûn, donde Gandalf continúa investigando la influencia del Mago Oscuro. Su enfrentamiento con esta amenaza permitirá profundizar en el pasado de los Istari y en el papel que desempeñan los magos en la lucha contra las fuerzas de Sauron.

En Númenor, la división política amenaza con debilitar uno de los reinos humanos más poderosos de la Segunda Edad. El enfrentamiento entre los partidarios de Pharazôn y quienes mantienen su fidelidad a las antiguas tradiciones marcará el futuro de la isla. La ambición del nuevo gobernante y el progresivo deterioro de las relaciones entre sus habitantes anticipan acontecimientos decisivos para el destino de los Hombres.

Khazad-dûm también afronta un momento crucial. Durin IV y Disa tendrán que hacer frente a las consecuencias de los acontecimientos que han sacudido el reino enano, mientras la amenaza del Balrog continúa creciendo en las profundidades de la montaña. Su presencia conecta directamente esta historia con uno de los episodios más trágicos del pasado de los Enanos y anticipa el destino que aguarda a Moria.

Estos tres escenarios permitirán ampliar el alcance de la temporada y mostrar que la amenaza de Sauron no se limita a los campos de batalla. Las decisiones políticas, las rivalidades internas y los peligros que permanecen ocultos también pueden determinar el futuro de los reinos de los Pueblos Libres.

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Reparto: quién vuelve en la tercera temporada

La tercera temporada de los Anillos de Poder contará de nuevo con Charlie Vickers como Sauron y Morfydd Clark como Galadriel. También regresan Robert Aramayo como Elrond, Daniel Weyman como Gandalf, Benjamin Walker como Gil-galad, Owain Arthur como Durin IV, Sophia Nomvete como Disa, Lloyd Owen como Elendil, Maxim Baldry como Isildur y Trystan Gravelle como Pharazôn.

Entre las incorporaciones destaca Jamie Campbell Bower como Celeborn. También se suman Zubin Varla como Khamûl, Eddie Marsan como Thráin y Andrew Richardson como Anárion. Simon Pegg pondrá voz al Balrog.

La nueva temporada está encabezada por los responsables creativos J. D. Payne y Patrick McKay, que continúan al frente de la adaptación.

¿Habrá una cuarta temporada?

Sí. Prime Video ha renovado El Señor de los Anillos: Los Anillos de Poder por una cuarta temporada, cuyo desarrollo permitirá continuar la adaptación de los acontecimientos de la Segunda Edad de Tolkien. El anuncio se produjo en mayo de 2026, durante la presentación anual de Amazon Upfront.

La historia todavía tiene por delante acontecimientos fundamentales, como la caída de Númenor y la Última Alianza de Elfos y Hombres. Antes de llegar a esos acontecimientos, la tercera temporada deberá mostrar cómo Sauron consolida su poder y completa la forja del Anillo Único. En este enlace podéis leer la crítica de la segunda temporada.

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Una guerra que cambiará la Tierra Media

La tercera temporada de los Anillos de Poder afronta un reto que va más allá de la espectacularidad de sus batallas: dar coherencia a las distintas tramas y desarrollar personajes cuyas decisiones tendrán consecuencias en el futuro de la Segunda Edad.

Sauron quiere gobernarlos a todos. Frente a él, los pueblos libres deberán decidir qué están dispuestos a sacrificar para conservar su libertad.

Novedades de Norma Editorial y Astronave de noviembre de 2026.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy queremos presentaros las novedades de Norma Editorial y Editorial Astronave, previstas para este mes de noviembre. En esta ocasión tenemos un mes de gran variedad en la temática de publicaciones. Vamos a echar un ojo …

Novedades Norma Editorial y Astronave

Noviembre de 2026

Como siempre, vamos a seleccionar los títulos que más nos llaman la atención, de entre todas las novedades de Norma Editorial (y Astronave), previstas ara este mes.

1.- La llamada del oeste. 5 historias de Lucky Luke.

Norma

Ochenta años después de su primera aparición en Spirou, Lucky Luke vuelve al Oeste en una antología que reúne cinco miradas europeas sobre el icónico héroe creado por Morris.

El tomo apuesta por la diversidad de estilos y enfoques: cada historia reinterpreta al vaquero solitario desde la sensibilidad de un equipo creativo distinto, sin perder el espíritu de aventura, humor y western que convirtió al personaje en un clásico del cómic.

El título más destacado es “Una tumba para Lucky Luke”, obra de los españoles Jorge García y Sagar, presentada por la editorial como una aventura excepcional a la altura de las mejores historias del personaje.

Esta participación española añade un atractivo especial para el lector hispanohablante y convierte el volumen en una buena puerta de entrada tanto para veteranos de Lucky Luke como para quienes quieran descubrirlo.

2.- 200 de PSA: De padres, hijos y cáncer.

Norma

200 de PSA. De padres, hijos y cáncer es una novela gráfica autobiográfica de Javier Marquina, al que acompaña Vicente Benavent y que aborda, con una honestidad incómoda y necesaria, el declive de un padre enfermo de cáncer de próstata durante más de dos décadas.

Norma Editorial lo publicará el 20 de noviembre de 2026 como una obra de memoria familiar, enfermedad y despedida.

Javier Marquina narra en primera persona la convivencia prolongada con la enfermedad de su padre, diagnosticado de cáncer de próstata y enfermo durante más de veinte años.

El cómic no se limita al proceso médico: explora el desgaste cotidiano, la incertidumbre, la dependencia, el miedo, la culpa y las relaciones familiares que se transforman cuando la enfermedad se instala en casa.

3.- El Depravado. Edición de lujo.

Norma

En Milwaukee, en 1973, un Santa Claus cubierto de sangre comete atrocidades contra unos niños durante la Navidad. Cincuenta años después, un joven guionista de cómics entrevista en prisión al asesino apodado El Depravado, quien sigue proclamando su inocencia.

Cuando regresa la Navidad, el pasado vuelve con fuerza (y con un hacha afilada), obligando a los personajes a enfrentarse a lo que ocurrió realmente aquella noche.

Y hasta aquí la selección de títulos de Norma Editorial previstos para este mes de octubre. No obstante, justo un poco más abajo, os dejo el pdf completo con todo el catálogo de novedades para este mes.

Echad un ojo, disfrutad y sobre todo …

¡Sed Felices!

Análisis de Outlander: Sangre de mi Sangre. Temporada 2. Episodio 7

Continuamos analizando la segunda temporada de Outlander: Sangre de mi Sangre con su séptimo episodio titulado Corazón de las Tierras Altas.  Creada por Matthew Roberts y basada en los personajes creados por la escritora Diana Gabaldon, la serie de Starz puede ser vista en España por Movistar+ y en Latinoamérica por Disney+.

Hola otra vez, forasteros y viajeros del tiempo. De nuevo aquí para analizar otro episodio de Outlander: Sangre de mi Sangre y nos toca hoy el séptimo de esta segunda temporada, uno en el cual la rebelión jacobita se toma un cierto descanso dentro de la continuidad de la trama, pero no así sus consecuencias ni las secuelas que ha dejado la batalla de Sheriffmuir. Además, el capítulo viene con una noticia devastadora para Brian y otra para Julia, aun cuando ninguna de las dos sea para nosotros sorpresa.

Pasemos pues a ver qué ha ocurrido, pero no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí los análisis previos de Outlander: Sangre de mi Sangre y aquí los de su ya concluida serie madre Outlander.

Los Muertos que vos matáis…

Comenzamos en Leoch con un Colum que, como siempre lloroso y de dientes apretados, ve a las mujeres del castillo preparar mortajas para los hombres caídos en Sheriffmuir. Se produce entonces el arribo de Dougal, acompañado este de Brian y Murtagh. Los rostros evidencian sorpresa de verlo con vida y él dice que es así gracias al sacrificio de Angus y a los dos hombres que vienen con él, para quienes pide buena bienvenida.

Colum le echa en cara los muertos por su egoísmo y le dice que no puede permanecer allí siendo un fugado de Fort William, por lo cual le ofrece ir a la cabaña del viejo granjero en que se ocultaban de niños. Antes de marcharse, Dougal tiene su reencuentro con Maura, pero su cabeza parece estar en otro lado y ella le consuela con que ha dado lo mejor de sí, tras lo cual terminan teniendo sexo en lo que constituye la primera escena sensual y romántica de las que involucran a la pareja, normalmente más rústicas.

Brian es anoticiado por Collum de que Ellen está en su alcoba, pero también advertido por la señora Fiz de que vaya preparado para una mala nueva. En efecto, encuentra a Ellen llorando en su lecho y ella le da la terrible noticia de la pérdida del bebé, lo cual lo deja obviamente turbado, aunque su expresión adquiere un cariz distinto cuando ella le pone al tanto de que el responsable ha sido su padre y que, además, le ha destruido el útero dejándola infértil.

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Ellen dice a Brian que siente que era una niña y que espera que ahora esté con Janet, así como también que lo entiende si piensa dejarla al no poder ella ya darle hijos. Claramente, sin embargo, no es ese el plan de Brian y así lo manifiesta antes de salir hecho una furia en busca de su padre mientras Ellen intenta en vano detenerlo. “Ni los sabuesos del infierno podrían hacerlo” sentencia Jocasta.

Murtagh, por su parte, se encuentra con Grace y, tras confesarle que tocó en batalla la flor cada vez que pensó en estar dejando algo inconcluso, la invita a construir una relación que ella no ve posible por los siete años de contrato que tiene por delante con los Grant. Él replica que pueden mientras tanto compartir los momentos de tiempo que encuentren disponibles y Grace termina citándolo para la mañana siguiente, cuando salga a buscar hierbas y los ojos no estén puestos sobre ella.

En efecto, se terminan encontrando en un granero y teniendo su propio momento íntimo. Él se preocupa por la virtud de ella, pero Grace lo tranquiliza con que ya la perdió y que ahora quiere conocer la experiencia de entregarse a alguien libremente y por propia voluntad…

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El Anillo de la Discordia

Un flashback (o flashforward, según se lo vea) nos lleva al siglo XX con Henry y Julia yendo al cine y encontrándose al salir con Lottie (Lily Travers), una expareja de él claramente despechada y resentida. Ignorando de manera grosera el saludo de Julia, recrimina a Henry el haber terminado con una oficinista que le escribía cursilerías e incluso ningunea el anillo que ella lleva por ser una simple baratija. Julia no se echa atrás y le refriega en la cara que el corazón de Henry es ahora suyo…

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Hablando después la pareja en privado, Julia lamenta haber estado algo ruda, pero él resta importancia a lo ocurrido. Ella le pregunta entonces si amó a esa mujer en el pasado y él reconoce que fue su primer amor, pero que ella será el último. Y, con respecto al anillo, Julia señala que es efectivamente una amatista común, pero que para ella vale por lo simbólico y su material procede de una veta única que atraviesa el corazón de la isla. Henry dice que algún día irá allí…

El Collar de la Discordia

De camino a la finca de su familia, el carruaje en que viaja Margaret Grant (Erin Shanager) es interceptado por una patrulla inglesa, cuyo líder se queda al parecer con un valioso collar suyo para dejarla pasar. Al menos, esa es la versión que cuenta despúés a su hermano Malcolm, pues no llegamos a ver el momento en que ello ocurre, pero sí que él está furioso por el valor monetario y emocional de la pieza al haber sido la misma un regalo que a ella hizo su padre.

Habida cuenta de su lealtad a la Corona, se muestra además desconfiado de la historia que relata Margaret e incluso desliza que quizás simplemente entregó el collar gustosa, a lo que ella repone que, de haberse quedado el oficial a cargo de la patrulla con algo suyo, hubiera sido más posiblemente su virtud. Con aspereza, el tío Mac replica que, al menos en ese caso, podrían haberla casado con el militar y asunto arreglado.

Una carta llega en ese momento y resulta ser una invitación del rey para una ceremonia de investidura a realizarse en la propiedad del duque de Sandringham y en la cual muy probablemente sean recompensados quienes se hayan mostrado leales ante los últimos acontecimientos. Malcolm queda gratamente sorprendido, pero se enfurece aún más con su hermana por no tener el collar para la ocasión. Henry y Bug se ofrecen a salir a buscarlo, aunque no está claro cómo conseguirán que el teniente inglés lo devuelva si es que realmente lo tiene.

En realidad, se trata de una treta de Henry a fin de salir a buscar las gemas que necesita para poder viajar en el tiempo con Julia y el bebé. Y Murdina, por cierto, le da una pista fundamental al decirle que encontrará lo que busca en un desfiladero en el cual dos amantes fueron alguna vez convertidos en piedra por las hadas.

Henry está presuroso por ir allí, pero Bug se muestra cauto en acompañarlo, pues ya sabemos cuánto lo intimida todo aquello que tenga que ver con hadas y ve el asunto como muerte segura. Sin embargo, a último momento se decide y se sube a su montura para no dejar solo a Henry…

Llegados al lugar, Henry desciende al fondo de la cañada mientras Bug lo sostiene con una cuerda que, para desesperación de este, se corta. Henry, de todas maneras, cae al agua sin mayores consecuencias y halla las gemas que busca, por lo que se encuentra luego a escondidas con Julia para darle la buena nueva y mostrarle el feliz hallazgo que les permitirá regresar a su época…

Piedra Angular

En Leathers, y al igual que Malcolm, Lord Lovat ha recibido la invitación del rey y se muestra fastidioso con Davina por no tener, según él, sus prendas en condiciones. A Julia se le iluminan los ojos de saber que allí estarán todos los clanes leales, lo cual le brinda, desde luego, una excelente oportunidad para encontrarse con Henry y escapar juntos del siglo XVIII.

Brian llega al castillo hecho una furia y, tras romperle la nariz a Balloch contra la mesa, incrimina con vehemencia a su padre por el daño tan arteramente infligido al útero de Ellen. Lovat se justifica en que, según la profecía, quien lo herede debe ser el último en el linaje de los Fraser.

Brian amenaza con matarlo, pero Lovat se le mofa en la cara y tiene la pésima idea de llamar ramera a Ellen, lo que hace que su hijo lo estrangule y está a punto de rebanarle el cuello al momento de ser interrumpido por Julia y Davina, quienes logran convencerlo de que no lo haga o terminará colgado, lo que constituirá una pérdida más para la ya sufrida Ellen…

A su pesar, pues, Brian suelta el cuello del viejo a condición de que este le entregue en propiedad una antigua casa junto a Broch Morda con sus tierras circundantes y que no ose en el futuro acercarse a Ellen o ya no tendrá con él contemplaciones.

Volviendo entonces grupas a Leoch, Brian pasa en su camino de regreso por el puente en que alguna vez conociera a Ellen y, extrayendo del mismo una piedra con su cuchillo, regresa con ella para enseñársela y decirle que será la primera del hogar que construirá para que ambos vivan juntos…

No viajarás…

A todo esto, Julia se encuentra en Leathers con la sorpresiva llegada de Maisri, lo cual no puede menos que indignarla después del episodio del vino. La vidente se ampara en que solo hizo su trabajo y que está allí convocada por Lovat para que le vaticine su suerte en la reunión promovida por la Corona.

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Julia le enrostra estar engatusando al viejo con una profecía falsa, pues sabe bien que el niño no será rey al venir ella de otro tiempo, pero resulta que para Maisri no es eso ninguna novedad: dice que siempre lo supo por no lograr ver su pasado más allá de un año, lo que significa que el mismo se halla en el futuro.

Julia le pregunta por las gemas y sus posibildades de viajar en el tiempo pero, para su desazón, Maisri le dice que ella no tiene el don. Consternada, Julia pregunta cómo es eso posible si ya viajó antes, a lo que la vidente responde que eso fue porque en aquel momento llevaba un viajero del tiempo en su vientre…

Balance del Episodio

Entrega intensa y con unas cuantas emociones. Si algo demuestra que los guionistas de esta serie saben cómo mantenernos prendidos es que logren hacerlo con una noticia que sabíamos de antemano y otra que casi también, pues ya estábamos al tanto de que Ellen había perdido a su bebé, pero sentíamos morbosa curiosidad por saber cómo reaccionaría Brian, sobre todo a la luz del siniestro plan ejecutado por su padre. Y del diagnóstico de Maisri acerca de que Julia no puede viajar en el tiempo solo nos faltaba la confirmación, pero se veía venir…

El momento en que Brian fue anoticiado por Ellen de su aparente esterilidad fue devastador y seguramente todos queríamos que se cargara de una vez por todas a Lovat, en lo posible con el máximo de sufrimiento, pero tuvieron que venir Julia y Davina para arruinarnos todo, más allá de que algo de razón no les faltara. Aun así, no termino de entender cómo Brian se va tan convencido de que Lovat cumplirá con su palabra cuando ya sabe lo ruin, miserable y traicionero que puede llegar a ser. Lo que sí está claro es que la piedra que tomó del puente terminará siendo la que funde Lallybroch…

Por otra parte, y como suele ocurrir con las precuelas, nuestro conocimiento de lo que va a ocurrir hace que algunas situaciones carezcan de suspenso o incertidumbre y la infertilidad de Ellen es una de ellas, pues sabemos que su útero no puede tener daño permamente como ella teme y supone (por cierto, muy simpático Colum con su sentencia de que “una mujer sin útero no sirve”).

El pequeño William no será el último de los Fraser, pero no es que la profecía sea necesariamente falsa como le increpa Julia a Maisri, sino que la poción no dará el resultado esperado y, habiendo más niños Fraser, ningún rey saldrá de la familia. ¿Lo sabe Maisri? Teniendo en cuenta que siempre parece ir un paso por delante, no sería extraño que lo suyo haya sido adrede para dejar conforme al viejo…

Lo de Julia, en tanto, no puede menos que llenarnos de interrogantes de cara al futuro. La posibilidad de que hubiera logrado viajar en el tiempo gracias a su estado de embarazo era algo que preveíamos y podíamos imaginar, pero la consecuencia aparente de la confirmación es que ya no habrá entonces para ella ningún viaje más o eso parece…

Existe, desde luego, la chance de que quede nuevamente embarazada y su próximo bebé porte también el don, pero no sabemos cómo funciona eso y no hay, por ende, garantía de que un segundo niño tenga que ser viajero temporal si el primero lo fue. No parece algo que se transmita inexorablemente de padres a hijos y, para muestra, nos alcanza con el ejemplo de Brianna, quien ha demostrado en la serie principal ser capaz de viajar en el tiempo, pero no así su padre.

Lo más probable, por lo tanto, es que tanto Julia como Henry y William deban quedarse para siempre en el siglo XVIII. Cómo o dónde no lo sabemos, pues deberían permanecer ocultos de Lovat y de los Grant, pero es lo más lógico que queden varados en el pasado si pensamos que Claire crecerá sin sus padres y creyéndolos fallecidos.

En cuanto a Dougal, está definitivamente cambiado. No solo evidencia haber dejado atrás sus rencores con Brian y quizás, de manera más general, con los Fraser, sino que además los últimos sucesos lo han vuelto más introspectivo y menos impulsivo, a la par de hacerlo sentir culpable por llevar a sus hombres hacia la muerte, algo que Colum no perdió oportunidad de enrostrarle. Parece, eso sí, estar construyendo una relación cada vez más firme con Maura, una pareja que poco parecía prometer aquel día en que simplemente se casaron para cubrir el plantón de Ellen…

Más me preocupa la relación entre Murtagh y Grace, no porque se los vea mal, pues es más bien todo lo contrario. Pero la situación servil la hace a ella muy vulnerable en caso de que lo suyo sea conocido y sabemos perfectamente que en el futuro de Murtagh no hay ninguna Grace y sí un romance con Jocasta. ¿Qué pasará entonces con ella? No sé a ustedes, pero a mí la pregunta me inquieta porque Grace me cae bien…

No sé qué decir de Margaret Grant, pues apenas nos han presentado al personaje y no se sabe aún qué función viene a cumplir en la historia. Ignoro qué antecedentes le pesen encima para que su hermano Malcolm sea tan desconfiado y no creo tampoco que solo la hayan introducido en la serie a fin de que el collar robado o perdido sirva de excusa a Henry para salir en busca de las gemas. Habrá que ver la evolución del personaje…

De momento, la serie sigue estando muy entretenida a pesar de sus lugares comunes y de los spoilers inherentes a su condición de precuela. Nos hemos tomado un impasse con respecto a la rebelión jacobita, pero supongo que reaparecerá en el próximo episodio considerando la invitación cursada por el rey a Lord Lovat y al tío Mac. Ya nos quedan solo tres capítulos, por lo que interpreto que la temporada irá entrando cada vez más en zona de definiciones…

Les espero para analizar el próximo. Hasta entonces y sean felices…

Retro-Análisis: Harry Potter y la Piedra Filosofal (2001), a 25 años de su estreno

Dirigida por Chris Columbus y con un elenco infantil que quedaría para siempre en el recuerdo, el 4 de noviembre de 2001 llegaba a los cines Harry Potter y la Piedra Filosofal, inaugurándose con la misma una saga de ocho películas dedicadas al célebre mago creado por J.K. Rowling. Al cumplirse pues en pocos días el 25° aniversario y en espera de la serie a ser estrenada por HBO Max hacia fin de año, hacemos revisión…

Bienvenidos sean a un nuevo retro-análisis, hoy para hablar de Harry Potter y la Piedra Filosofal (2001), película que, ni falta hace decirlo, se ha instalado de manera icónica en la cultura popular y la identidad juvenil, además de haber iniciado una de las sagas más exitosas de la historia del cine y lanzado al estrellato a sus tres niños protagonistas. Con dirección de Chris Columbus, el filme adapta no solo la primera novela del universo de Harry Potter, sino también la primera de la autora en ser publicada.

La historia de J.K. Rowling, por cierto, ha sido contada muchas veces y puesta como ejemplo de resiliencia y entereza para convertir la adversidad en inspiración, pues al momento de conseguir vender y publicar su primera novela venía, en lo personal, de una serie de experiencias frustrantes y negativas. A un fallido matrimonio con violencia incluida le habían seguido el desempleo, las permanentes mudanzas, los préstamos de amistades para solventar sus estudios y la ayuda social para sostener a su hija Jessica.

Sí, parece casi la historia de la Cenicienta, pero es real. Rowling venía escribiendo la novela desde 1990 cuando, según contó, tuvo la idea de Harry Potter a bordo de un tren mientras viajaba entre Londres y Manchester. En ese momento, dice, los tres personajes principales ya estaban delineados en su mente.

Entre todas las dificultades que le tocó vivir, nunca dejó de escribirla hasta que, después de doce rechazos editoriales, consiguió en 1995 venderla por un monto modesto a Bloomsbury después de que su director Nigel Newton viera a su hija de ocho años exigir el segundo capítulo tras leer el primero.

La novela, como es bien sabido, fue un arrasador éxito editorial al igual que las seis que le siguieron, constituyéndose de hecho la saga en la serie de libros más vendida de la historia. Impensable, desde luego, que a nadie se le ocurriera la posibilidad de llevarla al cine cuando era un éxito asegurado en el largo plazo, pues ya había cuatro libros publicados al momento de llegar la primera adaptación.

Fue el productor David Heyman quien, a la búsqueda de alguna buena historia infantil, se enamoró de la novela al leerla aun a pesar de que no le gustaba el título. Se la presentó a Warner junto con las tres que siguieron y así fue como Rowling vendió a la misma los derechos de los primeros cuatro libros por un millón de libras esterlinas. La condición que impuso fue que todo el elenco debía ser británico o irlandés.

Se encomendó el guion a Steve Kloves, responsable de Los Fabulosos Baker Boys (1989), y se barajaron distintos directores. Steven Spielberg fue uno de los primeros en mostrar interés, aunque su idea era hacer una película animada con la voz de Harry Potter a cargo de Haley Joel Osment, actor infantil que venía de impactar en El Sexto Sentido (1999), pero que rompía la condición impuesta por Rowling al ser estadounidense. Spielberg abandonó el proyecto y se abocó a la realización de Inteligencia Artificial (2001), la película que dejara pendiente Stanley Kubrick.

Otros nombres fueron considerados: Jonathan Demme, Baz Luhrmann, David Fincher, Alan Parker, Rob Reiner, Wolfgang Petersen, Ivan Reitman, M. Night Shyamalan y Terry Gilliam, que era la preferencia inicial de Rowling. Pero el elegido terminó siendo Chris Columbus, responsable de éxitos como Solo en Casa (1990) o Señora Doubtfire (1993), además de declarado fan de las novelas tras ser prácticamente obligado por su hija a leerlas. Se dice que pidió ser el último en la rueda de entrevistas a fin de dejar, entre todos los candidatos, una impresión más final y duradera.

Para los papeles principales se realizaron sesiones abiertas y así quedaron seleccionados Daniel Radcliffe, Emma Watson y Rupert Grint en los respectivos papeles de Harry Potter, Hermione Granger y Ron Weasley. De los tres, únicamente el primero tenía algo de experiencia en pantalla, mientras que los otros dos solo en obras escolares o a lo sumo grupos de teatro locales.

Pero lo desconocido del trío principal se compensaba por detrás con una impresionante constelación de glorias británicas como Richard Harris, quien se quedó con el papel de Albus Dumbledore tras ser rechazado el mismo por Christopher Lee (que se decidió por Saruman en El Señor de los Anillos) y por Sean Connery. Alan Rickman terminó siendo el del profesor Snape después de que Tim Roth lo desechara por preferir El Planeta de los Simios (2001).

Maggie Smith, en tanto, fue la elegida para dar vida a Minerva McGonagall y Robbie Coltrane a Hagrid, papel en el que había manifestado interés Robin Williams pero, una vez más, jugaba en contra la nacionalidad.

En septiembre de 2000 comenzó el rodaje en localizaciones británicas especialmente elegidas como el Castillo de Alnwick o la Catedral de Gloucester. Inicialmente se había pensado también en la Catedral de Canterbury, pero las autoridades eclesiásticas a cargo de la misma se negaron por el “tema pagano” de la historia.

La fotografía quedó a cargo de John Seale (Rain Man, El Paciente Inglés) y la banda sonora de John Williams, de quien espero que no me pidan ejemplos de filmes que musicalizó. El rodaje concluyó en marzo de 2001 y la película llegó a los cines en noviembre del mismo año.

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La Historia

En las tierras altas de Escocia y oculto a la vista de los muggles (personas corrientes como tú y como yo), se halla el Colegio Hogwarts de Magia y Hechicería en el que, a partir de los once años, son entrenados en dichas artes niños de Gran Bretaña o Irlanda con aptitud para las mismas. Algunos son magos de sangre pura que descienden de prestigiosos linajes y otros pueden ser hijos de muggles o bien mestizos, como el pequeño Harry…

Luego de quedar este huérfano tras morir sus padres en un supuesto accidente, el profesor Albus Dumbledore (Richard Harris) y la profesora Minerva McGonagall (Maggie Smith), respectivamente director y vicedirectora de la institución, deciden dejarlo al cuidado de sus tíos maternos (Richard Griffiths y Fiona Shaw) hasta que cumpla los once y sea convocado a Hogwarts.

Luciendo en su frente una misteriosa cicatriz en forma de rayo, Harry crece con ellos, pero su familia adoptiva no es ninguna maravilla. Lo menosprecian y relegan todo el tiempo en favor de su tan odioso como imbécil primo Dudley (Harry Melling) y, como si con eso no bastara, le esconden las cartas que las lechuzas traen desde Hogwarts convocándolo por haber alcanzado la edad requerida.

Hagrid (Robbie Coltrane), guardabosques de la institución, va pues personalmente a buscarlo y, por poco que guste a sus tíos, se lo termina llevando. En el Callejón Diacon, del Londres oculto, le ayuda a conseguir los insumos necesarios, previo paso por una entidad bancaria atendida por duendes en la cual el niño retira el dinero que sus padres le han legado. Con el mismo, adquiere lo que le hace falta y, muy especialmente, la varita mágica, que en realidad lo elige a él.

En la estación, aborda el Expreso Hogwarts en la platorma 9 ¾, a la cual se accede literalmente atravesando la pared, y conoce arriba a Ron Weasley (Rupert Grind) y Hermione Granger (Emma Watson), trabando primeras conversaciones con quienes serán de allí en más no solo sus compañeros, sino también sus amigos inseparables.

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McGonagall les da la bienvenida en Hogwarts y se enteran que los estudiantes son divididos en cuatro casas designadas respectivamente Gryffindor, Happlepuff, Ravelcrow y Slytherin, siendo los magos de esta última los de carácter más oscuro.

El Sombrero Seleccionador (literalmente un sombrero parlante) decide cuál toca a cada uno y tanto Harry como sus dos nuevos amigos son asignados a Gryffindor, aunque con bastantes dudas en su caso personal. El arrogante Draco Malfoy (Tom Felton), de quien ya se intuye que será su gran rival allí dentro, va a parar en cambio a Slytherin. El sentido de la selección y división es que las casas compitan entre sí sumando o restando puntos a lo largo del año lectivo para ganar un trofeo que se entrega al final del mismo.

Pronto conocen a los demás personajes del instituto como el profesor Snape (Alan Rickman), especialista en pociones y venenos, o el tartamudo Quirrell (Ian Hart), quien imparte clases de Defensa contra las Artes Oscuras. También al malhumorado celador Filch (Adrian Bradley) e incluso a Nick Casi Decapitado (John Cleese), fantasma que se pasea por el edificio como si tal cosa.

Los niños son entrenados en el uso de la escoba voladora y en el particular juego del quidditch mientras van conociendo oscuros secretos sobre el pasado del instituto y, particularmente, sobre los padres de Harry, quien se anoticia de que fueron en realidad asesinados por un mago malvado llamado Voldemort, mismo que le dejara la cicatriz.

A medida que vayan explorando el lugar y empapándose en sus misterios, se cruzarán con criaturas fantásticas como unicornios, centauros, hombres lobo, crías de dragón, pozos con tentáculos, un enorme troll y un perro de tres cabezas que resguarda una puerta trampa con un secreto oculto del cual no quiero contar demasiado, pero solo diré que tiene que ver con el título de la película y el pasado de Harry…

La Magia de la Inocencia

Esta es una película que no se puede mirar con ojos de adulto, pero lejos de ser ello un defecto, es más bien su virtud principal. Inútil buscar en ella ironías o dobles sentidos como puede ocurrir con tantas producciones infantiles de las útimas décadas. No nos guiña el ojo todo el tiempo para hacernos saber que nos reconoce como adultos al otro lado de la pantalla, sino que más bien busca y consigue llevarnos a una época de nuestras vidas en que todo nos fascinaba y estaba por ser descubierto.

Es probable incluso que Harry Potter y la Piedra Filosofal no sea la mejor película de la saga ni aparezca alto en las preferencias de los fans que, en líneas generales, prefieren el tono más oscuro que tomó la saga a partir de su tercera entrega y de la dirección de Alfonso Cuarón. Pero tiene algo que no tienen las demás y es ese espíritu de descubrimiento único e irrepetible que nos hace ir conociendo Hogwarts a la par de los protagonistas.

Porque, después de todo, ¿cuántos adultos habíamos leído la novela al momento de estrenarse en su momento la película? Diría que muy pocos y admito pertenecer a la gran mayoría neófita que cayó al cine sin saber de qué iba la cosa, salvo que había detrás un fenómeno editorial de ventas que era garantía segura de franquicia y, en el centro de todo, un maguito de lentes que volaba en escoba.

De hecho, quizás allí esté el mayor problema de la película, que es el tener que dar al espectador demasiada información, sobre todo en su primera mitad. Pero es no solo lógico sino también necesario que así sea, pues Hogwarts es un universo en sí mismo que responde a reglas propias y el filme se toma su tiempo para que podamos internalizarlo como la cosa más natural del mundo. Como si tuviéramos once años, bah…

Es posible que por eso mismo no nos enganche tanto la primera mitad, pues el esfuerzo del guion por hacernos captar ese particular universo y el nuestro por comprenderlo provocan que la historia vaya hasta entonces a ritmo algo lento y le cueste arrancar. Pero cuando la intriga acaba por tomar forma, ya no para de crecer de manera sostenida hasta el final en una segunda mitad repleta de giros que es puro suspenso, aventura y, por supuesto, fantasía. Y después de quejarse de la ausencia de guiños para adultos, se da entonces uno cuenta de que no hacían falta…

Y buena parte del encanto, por cierto, reside en que se trata de una fantasía que puede ser extraña y alocada, pero a la vez cercana y reconocible, a lo cual contribuye sin duda la preponderancia de efectos físicos por sobre los de ordenador, primando más bien las maquetas, animatrónicos, brazos mecánicos, cables y trucos de cámara de los más tradicionales. Hasta se usaron aves reales especialmente entrenadas para representar a las lechuzas Hedwig en lugar de hacerlo digitalmente.

No es que el CGI esté por completo ausente, sino que se reserva para las escenas visualmente más exigentes como el partido de quidditch, por cierto una de las más icónicas de la película e incluso de la saga. Pero durante la mayor parte del metraje, insisto, se recurre preferentemente a ingeniosos efectos prácticos de set de filmación.

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No todos vuelan, desde ya (y valga la redundancia), a la misma altura y alcanza para comprobarlo el momento de la cena en que la cabeza del fantasma hace presencia en la mesa e interactúa con los integrantes del trío principal mientras los ojos de estos parecieran mirar a cualquier lado. Supongo que ha de ser un problema de edición, pues la escena se rodó con el propio Cleese asomándose por un agujero y superponiéndolo después con otra toma de la mesa en la que estaba ausente él, pero no los niños.

Y, sin embargo, nada de ello desluce a la película sino que contribuye a darle un delicioso carácter artesanal y artificioso que, ayudado por la maravillosa paleta de colores cálidos a que recurre la fotografía de John Seale, acaba remitiendo a las ilustraciones de los libros de cuentos o a los murales que adornaban aquellos corredores de nuestras escuelas de primer ciclo.

Un Elenco con Carisma

Desde ya que la película no sería lo que es sin su trío principal, cuyos integrantes muestran una química a todas luces magnífica que se percibe desde el primer momento en que se conocen. Es cierto, no obstante, que en ese entonces Daniel Radcliffe era de los tres el que más limitaciones mostraba y menos recursos tenía, lo cual queda especialmente en evidencia por la desafortunada frecuencia con que se exhibe su rostro en primer plano.

Mucho más convincentes están Rupert Grint, que aporta una comicidad fresca y espontánea a su interpretación de Ron, o Emma Watson, que transmite la suficiente seguridad y energía como para que Hermione se devore prácticamente la segunda mitad de la película, en la que es principalmente ella quien hace avanzar la trama con sus acertadas decisiones y astutas deducciones.

Pero repito que, a pesar de las diferentes capacidades actorales, es el trío lo que funciona y, de hecho, allí está el principal desafío para los actores infantiles que les dan vida en la serie que está a punto de estrenarse. En la cultura iconográfica masiva, hoy por hoy, los rostros de Radcliffe, Grint y Watson están ya mimetizados con los de Potter, Weasley y Granger al punto que parece casi no haber diferencia entre unos y otros. Y no está fácil luchar contra eso para quienes tengan la pesada tarea de volver a dar vida a esos personajes…

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Y si hablamos de elenco, por supuesto, no hay que olvidar a los secundarios, que de secundarios tienen solo el nombre porque descollan por allí grandes y rutilantes glorias del cine y teatro británicos. Alan Rickman, el actor de las pausas y la voz inconfundible, da por ejemplo a su profesor Snape una magnética ambigüedad que hace difícil apartar nuestra atención de él cuando está en pantalla.

Maggie Smith, por su parte, es la imagen misma de la autoridad en su composición de McGonagall, personaje al que la prestigiosa actriz impone su propio sello. Y a no olvidar ese increíble Dumbledore encarnado por Richard Harris o el maravilloso vendedor de varitas mágicas al que el siempre impagable John Hurt da vida en una escena tan breve como inolvidable. Me duele en el alma, eso sí que ninguno de ellos esté ya con nosotros…

Por último, pero obviamente no menor, no se puede dejar de mencionar la eficaz dirección de Chris Columbus, realizador que no tiene una impronta visual reconocible como la que puedan tener, por ejemplo, Tim Burton o los previamente considerados Steven Spielberg y Terry Gilliam, pero que siempre supo, sin embargo, estar al servicio de lo que sus filmes requerían a la hora de hacerlos divertidos, amenos y accesibles a todos los públicos.

También hay que subrayar, desde luego, el guion de Steve Kloves, quien repetiría luego en otras seis películas de Harry Potter y que, en este caso en particular, recibió el visto bueno tanto de los fans como de la propia autora de los libros por su fidelidad a los mismos. Y párrafo aparte para la icónica música de John Williams, quien suma el habitual aporte emocional que suele caracterizar a sus bandas sonoras.

Valoracion y Legado

Harry Potter y la Piedra Filosofal fue un éxito de taquilla al recaudar casi mil millones de dólares con un costo de ciento veinticinco y las críticas fueron en general elogiosas al momento de estrenarse. Le siguieron siete películas, siendo Las Reliquias de la Muerte: parte 2 (2011) la que daría cierre final a la historia, más las tres de Animales Fantásticos que, aunque fueron de mayor a menor, ayudaron a expandir también el universo. Y como esto es retroalimentación, los ya exitosos libros pasaron a serlo aún más en la medida en que nuevos lectores llegaban a los mismos tras visionar los filmes.

Como antes he dicho, puede que Harry Potter y la Piedra Filosofal no sea en el balance final la mejor de la saga (ya habrá tiempo de ordenarlas en un top), pero la experiencia de entrar en ese mundo por primera vez es única, inmersiva e irrepetible. Para algunos será la más infantil de todas, pero allí está la gracia. No está pensada para niños y adultos por separado, sino para un público de niños y adultos que quieran volver a ser niños, tal la invitación que nos hace con su fascinante mundo de magia por más que el bombardeo de información pueda, en la primera mitad, abrumar un poco a los no conocedores de la saga literaria.

Ahora es el turno de la serie, que llega esta navidad y que, como fue señalado, no la tiene fácil, no solo porque haya nuevos rostros infantiles detrás de los personajes principales, sino porque ahora la historia es demasiado conocida por todos y serán muy pocos los que lleguen sin haber pasado previamente por los libros o las películas. Los que en 2001 podían ser giros sorpresivos hoy ya no lo son.

Pero así como Harry Potter y la Piedra Filosofal hizo en algún momento caer nuestros prejuicios de adulto, habrá que ser lo suficientemente abiertos para librarse ahora de los del fan y dejar que la cosa simplemente fluya para evaluar con criterio. Ya estaremos seguramente hablando de la serie en esta web cuando llegue. Mientras tanto, a disfrutar de lo que tenemos. Y de la magia…

Hasta la próxima y sean felices…

HBO Max estrenó hoy por sorpresa episodio especial de It: Bienvenidos a Derry

Estamos en Halloween y, como no puede ser de otra forma, las plataformas y franquicias salen a explotar la fecha. Y lo que era un rumor con respecto a un episodio especial de It: Bienvenidos a Derry quedó hoy confirmado con el estreno de La Historia de Derry (Una Historia de Derry para América Latina). Sin hacer spoiler, te contamos de qué va y qué nos ha parecido…

Lo de sorpresa es relativo, pues era en estos días un secreto a voces y circulaba cada vez más fuerte el rumor de que HBO Max saldría a explotar Halloween estrenando un episodio especial de It: Bienvenidos a Derry (aquí nuestros análisis), aun cuando la cadena persistiera en no confirmarlo y algunos muy cercanos a los “ámbitos correctos” lo dieran ya como hecho. La Historia de Derry es el título del episodio especial de veintisiete minutos que ha llegado hoy a la plataforma para ampliar la mitología de la célebre novela de Stephen King con un gran salto temporal hacia atrás, mayor al de cualquier adaptación previa o incluso de la propia serie, salvo aquel flashback del cuarto episodio.

Acorde a los tiempos, se trata de una entrega básicamente hecha por mujeres al tener como directora a Tazbah Chavez y como guionistas a Cherie DiMaline y Jasmyne Flournoy, en tanto que los protagónicos principales están a cargo de Kiawentiio, Morningstar Angeline, Isabel Deroy-Olson y Kimberly Guerrero.

La historia, como hemos dicho, se ubica bastante más atrás de lo que nos dejó la serie, pero a la vez viene a explicar algo de lo que había, justamente, quedado parcialmente difuso en el capítulo final de la primera temporada (aquí análisis de un servidor). Y cuando me refiero a que el salto temporal va mucho más atrás, hablo de los tiempos de la América del Norte indígena, cuando la zona en la que luego haría estragos Pennywise era aún habitada por la tribu Penobscot y los primeros colonos británicos comenzaban a llegar a los bosques cercanos.

No se trata, pues, de un preámbulo o un tráiler de la segunda temporada (aunque indirectamente lo es), ya que esta, según fue anunciado, se ambientará en tiempos de la Gran Depresión. Pero sí viene a arrojar luz sobre la historia del Bosque Occidental y el tipo de contacto y relación que los aborígenes mantuvieron con It, el cual, desde luego y considerando el contexto cultural y de época, no se presenta todavía en la apariencia de Pennywise, como lo hará después.

Particularmente, se nos termina de explicar el origen de los fragmentos o “pilares” que formaban parte de ese meteorito que le servía de prisión y de los cuales los originarios habitantes de la zona, según nos contaran en la serie, se valieron para confinar a la criatura. En ese sentido, la historia se ensambla directamente con la de la tortuga Maturin, esa entidad cósmica ancestral que, mencionada en la novela It como némesis de Pennywise (e incluso referida en la saga de La Torre Oscura), estuvo por completo ausente de las adaptaciones cinematográficas o televisivas de la misma, aunque no de la serie It: Bienvenidos a Derry.

El origen alienígena de la criatura, por supuesto, cobra aquí un protagonismo especial, aunque el enfrentar a aborígenes de América del Norte con un ser de otro mundo termina haciendo recordar bastante a Depredador: La Presa (aquí análisis de un servidor), por cierto la mejor de las secuelas en la franquicia del cazador extraterrestre. Y el hecho de que tengamos a una muchacha cazadora al frente de la historia aumenta aún más esa asociación.

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Por cierto, a las tres muchachas que se internan en el Bosque Occidental ya las habíamos visto en la serie, particularmente en el flashback que cerraba el cuarto episodio El Gran Mecanismo Giratorio del Funcionamiento de nuestro Planeta (aquí análisis de un servidor), de allí que quizás sus rostros nos resulten conocidos. Y si el de Kiawentiio, aun así, les suena familiar de otro lado, es posible que la hayan visto dar vida a Katara en la serie live action Avatar: La Leyenda de Aang (aquí análisis de un servidor).

Es un gran acierto, en tal sentido, el echar mano de un elenco casi exclusivamente de ascendencia aborigen, aunque sorprende el hecho de que los mismos hablen a veces en su lengua y otras (la mayoría) en inglés, lo cual termina siendo algo cobarde en el supuesto caso de que se haya temido que el público de tal habla no estuviera dispuesto a leer subtítulos durante veintisiete minutos. Y el juego de palabras entre “it” (eso) y “eat” (comer), que es en un momento remarcado, pierde sentido cuando lo lógico es que los penobscot no lo dirían de esa forma.

Por lo demás, es un episodio entretenido y visualmente bien presentado que deja un mejor sabor de boca que el flojo final de la primera temporada de la serie. No recomiendo verlo, eso sí, en caso de que no la hayan visionado previamente.

Hasta la próxima y sean felices…

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El cómic de la semana: Babs Vol. 1

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Babs Vol. 1. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Cuando uno ve el nombre de Garth Ennis estampado en la portada de una novedad editorial, ya sabe perfectamente a lo que viene a jugar. El guionista norirlandés no engaña a nadie a estas alturas de la película y, tras regalarnos tótems imperecederos del gamberrismo como Predicador (Preacher) o The Boys, nos llega ahora de la mano de Paneta Cómics el primer tomo de su nueva gamberrada, Babs Vol. 1. Un tebeo en el que une fuerzas de nuevo con el dibujante Jacen Burrows (con quien ya firmó páginas gloriosas en Crossed) para adentrarse de lleno en el terreno de la brujería, las maldiciones y la magia negra desde su particular y socarrona perspectiva.

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Babs, sin inventar la rueda, pero con la diversión asegurada

A ver, vamos a ser honestos desde el minuto uno y a hablar en plata. Babs no viene a redefinir el noveno arte, ni a ganar premios Eisner por su profunda carga introspectiva, ni pretende posicionarse como la quintaesencia del cómic contemporáneo. ¿Y sabéis qué os digo? Que no le hace ni puñetera falta. La propuesta de Ennis es directa, va al grano y es sumamente consciente de sus pretensiones desde la primera viñeta.

La historia nos presenta a Babs, una bárbara con una actitud totalmente irreverente, mala leche a raudales y cero paciencia para las formalidades del mundo místico o mortal. A través de una trama cargada de hechizos grotescos, demonios de tres al cuarto y líos de faldas sobrenaturales, el guionista aprovecha la coyuntura para desplegar toda su artillería pesada habitual. Diálogos agudos, un humor negro brillantísimo y una sátira mordaz que no deja títere con cabeza.

Es un cómic tremendamente entretenido, de esos que lees de una sola sentada con una sonrisa de oreja a oreja en la cara. Tiene ese sabor añejo y desenfadado de las obras menores de Ennis que, sin embargo, funcionan como un tiro porque maneja la narrativa de la comedia cafre y la violencia visceral como absolutamente nadie en el mercado USA.

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Un Jacen Burrows en su salsa y el espíritu inconfundible de The Boys y Predicador

En el apartado gráfico, Jacen Burrows demuestra una vez más por qué es el aliado idóneo para los guiones de Ennis. Su estilo, caracterizado por una pulcritud en el trazo, una claridad compositiva impecable y un diseño de personajes hiperexpresivo, crea un contraste de lo más divertido con las situaciones pasadas de rosca que se suceden en la trama.

Burrows no se corta un pelo a la hora de retratar los elementos más explícitos o extravagantes de la brujería que propone el guion. Es un dibujo limpio que permite seguir la acción con fluidez pasmosa y que sabe clavar los tiempos cómicos de las viñetas, algo fundamental cuando estás manejando un cómic tan volcado en la ironía y en el gag bestia.

Si disfrutasteis en su día del tono sinvergüenza de The Boys o de las salidas de tono teológicas de Predicador, en Babs vais a encontrar un refugio comodísimo. Hay ese mismo desprecio juguetón por la autoridad, esa mala baba característica al retratar la estupidez humana y sobrenatural, y esa capacidad única para hacer que te rías de salvajadas que en cualquier otro cómic resultarían indigestas.

Ideal para desconectar el cerebro tras una jornada dura, tirarse en el sofá y disfrutar de una buena dosis de brujería gamberra sin trampa ni cartón.

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«No puedo evitar pensar que, si fuera sumamente rica, no tendría estos problemas».

Te presentamos a Babs, una bárbara ladrona y también la portadora de Barry, la espada encantada más inútil del mundo.

En un mundo fantástico repleto de magos, dragones, castillos y elfos, Babs se ha propuesto hacer fortuna o, en su defecto, emborracharse y pegar a palizas a quien se atreva a meterse con ella. No obstante, la llegada de un grupo de caballeros muy blancos le pone palos mágicos en la rueda, y nuestra heroína no tarda en verse hasta el cuello de violencia, brujería e intrigas.

A la diversión, se unen un ejército de muertos, una tripulación de elfos adictos al sexo, un orco friki y su pandilla de inadaptados, y el peor caballero del reino. Sin embargo, Babs jamás ha evitado abordar los problemas con los puños… para que dichos problemas terminen siendo cien veces peores.

Babs es una sátira afilada del género de espada y brujería, obra de los aclamados autores Garth Ennis (The Boys) y Jacen Burrows, el equipo creativo responsable de Crossed, The Ribbon Queen, El Castigador: La caza de Furia y 303.

“Una parodia profana del género de espada y brujería.” – Forbes.

“Un divertido giro a los tópicos del género fantástico y también un buen gancho de derecha de crítica social.”

“Babs es ingenioso, subversivo, hilarante y, sin duda, uno de los mejores cómics del año.” – CBR.

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Un saludo y sed felices.

Manga para un Halloween 2026 de miedo.

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Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Si Halloween pide historias incómodas, grotescas y capaces de quedarse bajo la piel, el manga ofrece un catálogo difícil de igualar. De la ciencia ficción sucia de Q. Hayashida al terror rural y al horror corporal más extremo, estas seis obras cubren prácticamente todas las formas de inquietud.

Manga para un Halloween 2026 de miedo

1.- Dorohedoro — Q-Hayashida (Norma Editorial).

Halloween

Caimán despierta con cabeza de reptil y sin recuerdos en Hole, una ciudad degradada utilizada por los magos como campo de experimentos humanos. Junto a Nikaidô, dueña del restaurante Hungry Bug, inicia una violenta caza de hechiceros para descubrir quién lo maldijo y recuperar su identidad.

La gran baza de Dorohedoro es su mezcla imposible y adictiva de acción, ciencia ficción, horror, humor negro y ternura. Su mundo sucio, sangriento y absurdo convierte cada enfrentamiento en una fiesta visual, mientras la búsqueda de identidad de Caimán sostiene una trama tan enrevesada como memorable.

La edición de Norma Editorial permite adentrarse en una de las obras más singulares del manga adulto de las últimas décadas.

2.- Estuche Las montañas de la locura — Gou Tanabe (Planeta Cómic)

Halloween

En 1930, una expedición científica de la Universidad de Miskatonic viaja a la Antártida en busca de restos y descubrimientos geológicos. Lo que comienza como una hazaña exploradora se convierte en una pesadilla cósmica cuando los hallazgos revelan una historia de la Tierra mucho más antigua (y mucho más aterradora) de lo que la humanidad podía imaginar.

Gou Tanabe adapta con una ambición visual sobresaliente el clásico de H. P. Lovecraft, trasladando a la viñeta el vértigo de lo incomprensible y la pequeñez del ser humano ante lo cósmico. El estuche de Planeta Cómic reúne la obra en un formato especialmente atractivo para lectores de seinen y aficionados al horror lovecraftiano.

3.- Buscadores de cadáveres — Housui Yamazaki (Arechi Manga)

Halloween

Isshin y sus amigos del instituto deciden investigar la desaparición de Ayano, una antigua compañera de clase que lleva dos años sin aparecer. El caso está vinculado a una serie de secuestros infantiles y a un inquietante misterio: Las últimas imágenes que Ayano envió muestran a un hombre enmascarado con una máscara de tengu junto a una torre de alta tensión.

Housui Yamazaki construye un thriller juvenil que arranca con aire de aventura veraniega y deriva hacia un territorio mucho más oscuro, con asesinos, desapariciones, secretos y giros constantes.

Es una recomendación ideal para quienes buscan suspense más que gore, con una atmósfera que recuerda a Cuenta conmigo, pero llevada hacia el thriller criminal. La serie está completa en España, con cuatro tomos publicados por Arechi Manga.

4.- I Am a Hero — Kengo Hanazawa (Norma Editorial)

Halloween

Hideo Suzuki es un asistente de mangaka con una vida anodina, problemas de relación y una imaginación que no siempre le deja en paz. Cuando una epidemia zombi transforma Japón en un país en ruinas, su existencia mediocre se convierte en una lucha por sobrevivir entre los infectados, conocidos como ZQN, y otros supervivientes igual de peligrosos.

I Am a Hero destaca por retratar el colapso social con un realismo incómodo: El miedo, el egoísmo, la paranoia y la fragilidad humana importan tanto como los zombis. Kengo Hanazawa consigue que el lector se aferre a un protagonista profundamente imperfecto, lo que convierte esta obra en una de las grandes propuestas del género en el manga moderno.

5.- El morador de las tinieblas — Gou Tanabe (Planeta Cómic)

Halloween

Robert Blake, un joven fascinado por el ocultismo, se siente irremediablemente atraído por una iglesia abandonada de Federal Hill. Su investigación lo lleva hasta la historia de un culto llamado La Sabiduría de las Estrellas, pero entrar en aquel lugar significa abrir la puerta a un secreto que los habitantes prefieren no nombrar.

Este volumen único reúne dos adaptaciones de Lovecraft: Dagon y El morador de las tinieblas.

Tanabe demuestra una vez más su talento para construir atmósferas opresivas, con una ambientación gótica, sombras densas y una sensación creciente de que la locura no es una posibilidad, sino un destino. Es una elección perfecta para una noche de Halloween breve, intensa y profundamente inquietante.

6.- Dai Dark — Q-Hayashida (Norma Editorial)

Halloween

Sanko Zaha es un adolescente perseguido por medio universo: Según la leyenda, quien obtenga sus huesos podrá ver cumplido cualquier deseo. Acompañado por Avakian, recorre el espacio buscando el origen de su maldición mientras se cruza con criaturas extrañas, religiones amenazantes y cazadores dispuestos a todo.

Después de Dorohedoro, Q Hayashida traslada su caos característico al espacio: Hay violencia, humor absurdo, diseño de personajes delirante y una estética que combina lo grotesco con lo cósmico. Dai Dark es la opción más divertida y desquiciante de esta lista, perfecta para quienes quieren terror con una sonrisa nerviosa y cero solemnidad.

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Entre las espirales del destino, los zombis más humanos, los pueblos con secretos inconfesables y las pesadillas cósmicas de Lovecraft, este Halloween 2026 el manga demuestra que el miedo no necesita sobrenatural: a veces basta con mirar de frente aquello que preferiríamos no ver.

¡Sed terroríficamente Felices!

Ocho cómics españoles para vivir un Halloween 2026 entre viñetas.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Llega Halloween. Hay culturas ancestrales que creen que en estos días, velo entre los vivos y los muertos es más débil. No sabemos si estaban en lo cierto o no. Lo cierto es que hay muchos testimonios que hablan de encuentros con seres del más allá …

Cómics para Halloween 2026

Vamos a haceros recomendaciones de cómic hechos por autores españoles para este Halloween 2026.

1.- Roger Rojas y el Secreto del Orbe Oscuro.

Salva del Viso y Jesús del Viso. Editorial Serendipia. 22,95€.

Halloween

Roger Rojas y sus amigos se ven envueltos en una conspiración ligada a un poder ancestral capaz de alterar el destino del mundo.

La historia transcurre en un Toledo mágico y legendario, en plenas vísperas del Corpus, donde una organización secreta desata una aventura de misterio, fantasía y acción.

Es una opción especialmente recomendable para lectores juveniles y adultos que busquen una lectura de aventuras con trasfondo esotérico y una ambientación española muy reconocible.

Para quien busque: Aventura fantástica, misterio, leyendas españolas y una lectura ideal para compartir en familia.

2.- El fantasma de Gaudí.

El Torres y Jesús Alonso Iglesias. Nuevo Nueve Editores. 30€.

Halloween

Barcelona vive aterrorizada por una serie de crímenes atroces cometidos en algunos de los edificios más emblemáticos de Antoni Gaudí.

Antonia, una cajera de supermercado que salva la vida a un anciano, queda atrapada en la investigación de un asesino imposible: ¿Se trata de un fanático o del propio espíritu de Gaudí, que exige un sacrificio final para completar su obra maestra?

Terror urbano, misterio y patrimonio barcelonés se combinan en esta novela gráfica de El Torres y Jesús Alonso Iglesias.

Para quien busque: Terror contemporáneo, asesinos en serie, Barcelona y una atmósfera gótica muy visual

3.- Las Crónicas de Nyur Nyur. Tomo 1.

Pau Castanyer. Dolmen Editorial. 39.95€.

Halloween

Este primer tomo de Pau Castanyer abre las puertas a un universo propio de fantasía, habitado por criaturas, aventuras y paisajes de aire mítico.

Su tono imaginativo y su dimensión de mundo abierto la convierten en una opción ideal para quienes prefieran una Halloween menos explícitamente terrorífica, pero cargada de misterio, magia y descubrimiento.

Para quien busque: Fantasía épica, mundos originales y una lectura envolvente para adentrarse en una saga.

4. Hijos de la Alhambra.

Paco Roca. Cartem Comics. 19,95€.

Halloween

El pintor romántico Alexandre Ícaro llega a la Alhambra atraído por sus leyendas y por el eco de los relatos de Washington Irving

 Allí asiste a una serie de muertes inexplicables y se adentra, junto a Íñigo Badía e Isabel, en la búsqueda del palacio secreto de Ibrahim Ayub, supuestamente oculto bajo la fortaleza granadina.

Paco Roca construye una aventura histórica y sobrenatural, con una atmósfera nocturna y legendaria perfecta para la temporada.

Para quien busque: Leyendas andalusíes, aventura histórica, misterio y el talento de uno de los grandes autores del cómic español.

5. Salazar.

El Torres e Ignacio Noé. Nuevo Nueve Editores. 22€.

Halloween

En Zugarramurdi, escenario del mayor juicio por brujería celebrado en España, la Inquisición se enfrenta a un caso que cambiará su forma de proceder.

El cómic recrea la figura de Alonso de Salazar y Frías, quien aplicó métodos empíricos para cuestionar las acusaciones de brujería y se convirtió, según la obra, en un precursor del detective moderno.

Es una lectura de terror histórico, brujería e Inquisición, con un enfoque tan oscuro como documentado.

Para quien busque: Brujería, historia de España, Inquisición y un terror más cerebral y documentado.

6. Un Oscuro Manto.

Jaime Martín. Norma Editorial. 25€

Halloween

En el Pirineo catalán de mediados del siglo XIX, Mara, una anciana curandera conocida como Trementinaire, encuentra en el bosque a Serena, una joven muda y fugitiva con un pasado enigmático.

Cuando estalla una epidemia, el pueblo se sume en el miedo, los prejuicios y la sospecha, mientras la relación entre ambas mujeres se convierte en el corazón de una historia de sororidad, fantasía y terror rural.

Jaime Martín entrelaza drama histórico, misterio sobrenatural y crítica social en una obra atmosférica y inquietante.

Para quien busque: Terror rural, leyendas del Pirineo, brujas y una historia con una gran carga emocional.

7. Hijos del fuego. 

Fidel Martínez. Norma Editorial. 23,95€.

Halloween

Veinticinco años después del desastre de Chernóbil, la zona alrededor del reactor se ha convertido en un territorio fantasma habitado por la fauna, los llamados stalkers y, según los rumores, por criaturas inteligentes que no son humanas.

Fidel Martínez firma una fábula ecológica terrorífica y hermosa, ambientada en un paisaje postapocalíptico donde la radiación, la naturaleza y lo desconocido se funden. Una elección excelente para lectores que busquen ciencia ficción oscura con un trasfondo reflexivo.

Para quien busque: Ciencia ficción, horror postapocalíptico y una historia con una potente reflexión medioambiental.

8. Kraken.

Antonio Segura y Jordi Bernet. Cartem Comics. 25€.

Kraken

Bajo Metropol, una ciudad corrupta y decadente, se extiende un mundo oculto de sectas, fugitivos y criminales. En sus alcantarillas habita el Kraken, una criatura nacida de la podredumbre y los residuos químicos, mientras el Teniente Dante, del Grupo de Acción Subterráneo, intenta contener tanto al monstruo como a la violencia humana que se refugia en las cloacas.

Este clásico del noir español de Antonio Segura y Jordi Bernet sigue siendo una de las obras más opresivas, crudas y visualmente poderosas del cómic nacional.

Para quien busque: Noir urbano, terror clásico, monstruos y una de las obras más oscuras del cómic español de los años ochenta.

Y hasta aquí, nuestras recomendaciones para este Halloween 2025. Espero que os gusten estas obras que os hemos mencionado. Todas ellas merecen mucho la pena (o eso creemos).

No obstante, antes de marcharos, podéis echar un ojo a:

Aquí nos despedimos. Un abrazo para todos y …

¡Sed terroríficamente Felices!

Reseña y presentación de Los Días. Norma Editorial. Hoy día 30 de octubre, a las 19:00, en la librería Los Tres Hermanos de Moriarty (Madrid).

¡Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices! Hoy se presenta oficialmente en Madrid, en la librería Los Tres Hermanos de Moriarty, el cómic Los Días, publicado por Norma Editorial y realizado por Agustín Comotto como autor completo.

Los Días, de Agustín Comotto:

Pasear a los perros al borde del fin del mundo.

Hay distopías que gritan y otras que susurran. Los Días, la nueva novela gráfica de Agustín Comotto publicada por Norma Editorial, pertenece a la segunda categoría: Una mirada cercana, melancólica y profundamente humana a un futuro inmediato en el que el planeta ya se ha vuelto casi inhabitable, pero la vida cotidiana (con sus rutinas, sus afectos y sus pequeñas ceremonias) se resiste a desaparecer.

Días

¿Qué nos vamos a encontrar?

La premisa es de una eficacia desoladora. En un porvenir muy próximo, las altísimas temperaturas han convertido el exterior en un infierno y obligan a las personas a vivir bajo tierra y a salir a la superficie protegidas con trajes presurizados.

No estamos ante una civilización futura lejana ni ante una catástrofe fantástica: Comotto desplaza apenas un paso nuestro presente, hasta que el clima extremo se ha vuelto la norma y la supervivencia una rutina.

Sin embargo, el corazón del cómic no está en la catástrofe, sino en un gesto aparentemente mínimo: Los vecinos de una pequeña comunidad siguen sacando a pasear a sus perros. Esos paseos diarios funcionan como un bálsamo frente a las angustias de una existencia al límite de lo invivible.

La idea es brillante por su sencillez: Cuando el mundo se derrumba, conservar un hábito tan humano como cuidar de un animal se convierte en un acto de resistencia.

Agustín Comotto traslada así a un futuro próximo la perplejidad, las inquietudes y el miedo (cada vez más fundado) de cualquier colectivo humano ante un apocalipsis venidero. Lejos del espectáculo apocalíptico, Los Días construye su tensión desde lo doméstico: La convivencia, la memoria, el miedo compartido y la necesidad de seguir inventando razones para levantarse cada mañana.

Presentación en Los Tres Hermanos de Moriarty

Días

Esta tarde, hoy viernes 30 de octubre, a las 19:00, en la librería Los Tres Hermanos de Moriarty (Madrid). Metro de Tribunal. Pinchad AQUÍ.

La cita llega en un momento idóneo: Los Días se presenta justo cuando el debate sobre la crisis climática, la adaptación a un mundo más hostil y la fragilidad de nuestras formas de vida ocupa un lugar cada vez mayor en la conversación pública.

Que la presentación tenga lugar en una librería madrileña refuerza además la dimensión comunitaria de la obra: Un cómic sobre vecinos, rutinas y vínculos se presenta ante lectores reunidos en un espacio de barrio.

Para quienes quieran descubrir el libro en primera persona, escuchar a su autor y conversar sobre una de las preguntas más inquietantes de nuestro tiempo: ¿Cómo se vive cuando el futuro se ha vuelto incierto?; la presentación de esta tarde es una oportunidad recomendable.

Días

La edición de Norma Editorial

Norma Editorial publica Los Días en cartoné, con un formato de 22 x 29 centímetros, 136 páginas a color y un precio de 28€. Es una edición generosa, pensada para que el lector pueda detenerse en las viñetas y en la atmósfera visual que Comotto construye alrededor de sus personajes.

La editorial la sitúa dentro del cómic europeo y la define como novela gráfica, una etiqueta coherente con su enfoque: no busca tanto un relato de acción como una experiencia de lectura pausada, sensible y reflexiva. El propio eslogan de la obra, “una mirada cercana y costumbrista al inminente fin del mundo”, resume muy bien esa voluntad de retratar el colapso sin perder de vista lo cotidiano.

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Pinchad AQUÍ para obtener más información de Los Días, desde la web de Norma Editorial.

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Biografía del autor

Agustín Comotto es ilustrador e historietista argentino afincado en Barcelona desde comienzos de 1999. Comenzó a publicar a finales de los años ochenta en la revista Fierro y se formó con dos figuras fundamentales del cómic argentino, Alberto Breccia y Leopoldo Durañona.

Su trayectoria combina la ilustración, la historieta y la literatura infantil y juvenil. En 2001 recibió el Premio A la orilla del viento del Fondo de Cultura Económica de México por Siete millones de escarabajos, obra que al año siguiente obtuvo una Mención White Raven de la Biblioteca de Múnich. También ha ilustrado clásicos para Nórdica, entre ellos obras de Julio Verne, Tolstói, Calders y Poe.

En el terreno del cómic, en 2017 publicó 155, dedicada a la vida de Simón Radowitzky y editada en varios países. Su último trabajo anterior a Los Días fue El peso de las estrellas, sobre el anarquista Octavio Alberola.

Días

Valoración final

Para quien, como yo, siente debilidad por la ciencia ficción distópica, Los Días resulta especialmente atractivo porque evita los grandes mecanismos del género para centrarse en su consecuencia más inquietante: La normalización de la catástrofe.

No hay ejércitos, conspiraciones ni héroes salvadores; hay personas que intentan conservar una vida digna en condiciones cada vez más extremas.

Esa contención es, a la vez, su mayor virtud y su propuesta más radical. Agustín Comotto demuestra que la mejor distopía no siempre necesita mostrar el fin del mundo, sino el esfuerzo por seguir viviendo cuando este ya ha comenzado.

Los Días es un cómic sensible, inquietante y necesaria, una obra que emociona precisamente porque nos recuerda que, incluso bajo un cielo imposible, alguien seguirá sacando al perro.

Venid a la presentación en Los Tres Hermanos de Moriarty (Madrid) y …

¡Sed Felices!

Adiós Sir Patrick Stewart, el capitán que nos enseñó a mirar las estrellas

Hay días en los que la redacción de una web de cultura pop se congela por completo, y este es, sin ningún género de dudas, uno de los más tristes que nos toca vivir. A la edad de 86 años, nos ha dejado Sir Patrick Stewart. Adiós Sir Patrick Stewart. Se apaga la voz, la elegancia infinita y la presencia imponentes de uno de los actores más queridos de la historia de la televisión, del cine y del teatro. Con su marcha no solo se va el hombre que dio vida a algunos de los rostros más icónicos de nuestra educación televisiva se marcha un auténtico caballero de la interpretación, un tipo cabal, entrañable, alejado de escándalos y dotado de esa clase británica irrepetible que la Corona reconoció con el título de Sir.

No hay imagen más hermosa para recordar a este hombre que ese último capítulo de la serie titulada Picard. Ver al capitán Jean-Luc Picard reunido alrededor de una mesa, rodeado de toda su tripulación de confianza de la Enterprise, echándose una última y entrañable partida de póker con sus amigos de toda la vida. Aquella escena no era solo un guiño nostálgico a los viejos tiempos de La nueva generación, era una declaración de intenciones, un abrazo en pantalla entre compañeros que sabían perfectamente el peso del legado que estaban construyendo. Pudo terminar su gran serie, ver el reconocimiento unánime y cerrar su etapa en el puente de mando con una sonrisa y una copa en la mano.

Análisis de Star Trek: Picard. Temporada 3. Episodio 10. Final de la Serie

“Anunciamos con gran pesar el fallecimiento de sir Patrick Stewart, ocurrido ayer en su domicilio de Los Ángeles, bajo el cariñoso cuidado de su amada esposa Sunny, tras un breve y conmovedor proceso con la enfermedad de Alzheimer y de demencia con cuerpos de Lewy”

“Ha estado arropado por el cálido abrazo de su familia y amigos, rodeado de música en directo, oraciones, lágrimas, risas y ese tipo de emoción profunda que solo él podía inspirar tras toda una vida de dedicación a todos nosotros. Siempre atesoraremos la paz y la serenidad que se reflejaban en su rostro, un recuerdo imborrable de su gracia inquebrantable”.

De las tablas de Shakespeare al puente de mando de la USS Enterprise

Nacido en Mirfield (Inglaterra), la carrera de Stewart venía curtida en el fuego sagrado de la Royal Shakespeare Company, un bagaje clásico que impregno cada uno de sus papeles de una dignidad abrumadora. Pero para los que nos criamos pegados a la pantalla, su nombre quedó grabado a fuego para siempre cuando se puso el uniforme de la Flota Estelar para interpretar al inolvidable Capitán Jean-Luc Picard en Star Trek: La nueva generación.

Picard no era el típico héroe de acción de mandíbula cuadrada, era un diplomático, un pensador, un humanista empedernido que defendía los valores más nobles de la humanidad con la calma y la firmeza de quien domina la escena con una sola mirada. Años más tarde, cuando muchos ya habrían colgado las botas, volvió a demostrar su maestría enfundándose la telepatía y la sabiduría del Profesor Charles Xavier en la saga cinematográfica de X-Men, convirtiéndose en el ancla moral indiscutible de los mutantes de Marvel.

Hasta siempre, querido Chekov: nos dejó Walter Koenig

Mucho más que el Capitán y el Profesor, un currículum galáctico

Y es que el bueno de Patrick Stewart era un auténtico comodín de lujo para cualquier aficionado a la ciencia ficción de calidad. ¿Cómo olvidar su participación en aquella monumental y abrumadora adaptación de Dune dirigida por David Lynch en 1984, donde interpretaba al inolvidable Gurney Halleck portando un pug (carlino, una raza de perro pequeña originaria de China) en plena batalla? O sus papeles cómicos desatados, su inconfundible voz en infinidad de proyectos de animación y esa capacidad innata para reírse de sí mismo manteniendo siempre un talento interpretativo fuera de toda duda.

Adiós Sir Patrick Stewart

Su inminente y emotiva aparición póstuma en Vengadores: Doomsday

Pero la leyenda del actor británico todavía nos guardaba un último servicio a los mandos del multiverso. Su icónico Profesor Charles Xavier volverá a hacer acto de presencia de forma póstuma en la esperadísima Vengadores: Doomsday, cuyo estreno está fijado para este próximo 18 de diciembre.

En esta macroproducción marvelita dirigida por los hermanos Russo, el multiverso entra en colapso absoluto bajo la amenaza de una incursión masiva y la llegada del temible Doctor Doom (interpretado por el reaparecido Robert Downey Jr.). En medio de ese caos galáctico donde las realidades chocan y colisionan, el Profesor X de Stewart formará parte de ese contingente de héroes clásicos de la extinta Fox que intentarán plantar cara al desastre, sirviendo como el pilar de sabiduría y templanza al que nos tenía acostumbrados. Verle de nuevo enfundado en la silla deslizante del líder de los X-Men en la gran pantalla va a ser, sin duda, uno de los momentos más emotivos y agridulces de la historia reciente de Marvel.

¿Y qué hay de su continuidad para la siguiente parada, Vengadores: Secret Wars (prevista para diciembre de 2027)? Aunque los detalles del argumento definitivo de esa inmensa conclusión multiversal se mantienen bajo siete llaves en los despachos de Kevin Feige, la participación de los mutantes clásicos en el tramo final del conflicto deja la puerta abierta a que su huella digital o sus apariciones ya grabadas resuenen en el gran colofón del estudio.

Sea como fuere, el viejo capitán y mentor de mutantes se ha marchado con los deberes hechos, el cariño infinito de millones de frikis y una trayectoria que ya forma parte de la historia sagrada del entretenimiento.

Se nos va un pedazo gigante de nuestra infancia y de nuestra adolescencia, un actor que nos enseñó que la inteligencia, la empatía y la elegancia son las mejores armas de un héroe. Allá donde estés, Sir Patrick, gracias por habernos hecho soñar con que el futuro de la humanidad merecía la pena. Que la fuerza, la Flota Estelar y las estrellas te acompañen siempre.

Crítica de Tenzing (2026), tan inspiradora como predecible película de alpinismo.

Hay algo de fascinante en la montaña. No he escalado una en mi vida, pero no me pierdo ni una sola película que enfrente a seres humanos contra esos inmensos picos que se elevan hasta el cielo. Por eso he tardado poco en ver Tenzing, el nuevo estreno de Apple TV que mezcla biografía, hazaña deportiva y alpinismo.

Las 25 mejores películas nevadas.

Tenzing es la recreación del primer ascenso a la cima del Everest por la expedición del británico John Hunt, allá por 1953. En dicho grupo fueron vitales tanto el neozelandés Edmund Hillary como el nepalí Tenzing Norgay, en cuya vida se ha centrado la película.

La película no ofrece nada que no podamos esperar antes de verla. Como buena biografía actual, se aleja de la versión occidental habitual para centrarse en las minorías. Dicho de otra forma, en otro tiempo probablemente hubiéramos tenido esta película desde el punto de vista de los británicos y no del sherpa nepalí que les acompañó como miembro de pleno derecho por su experiencia previa con el Everest.

Esto da pie a que la película plantee una serie de conflictos raciales relacionados con el hecho de que los escaladores occidentales “comprarán” la concesión de intentar escalar el Everest durante un año y se sirvieran de porteadores de la región para conseguir sus objetivos. También se aborda las dificultades de Tenzing durante toda su vida, abandonado por unos padres que no podían darle de comer.

Por desgracia, y esto también era predecible, Tenzing cae más en la hagiografía, reflejando a un héroe totalmente virtuoso y sin mácula que, finalmente, se convierte en un personaje plano que nunca se equivoca y, a la hora de esperar giros narrativos, tampoco se va a equivocar. Además, la película cuenta con una serie de flashbacks innecesarios que buscan realzar la figura de su protagonista.

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Lo mejor de la película se centra en que la mayor parte de esta transcurre en una montaña. La directora Jennifer Peedom es toda una experta en documentales de montaña y se nota su experiencia a la hora de retratarla. Los fotogramas son impresionantes y es una pena que Tenzing haya sido destinada a Apple TV sin pasar por cines, porque merecía haber sido vista en pantalla grande.

Por otro lado, aunque la película no está exenta de momentos de tensión, esta no alcanza los niveles de películas como Everest, por retratar un antecedente claro a Tenzing. En su lugar, Tenzing es una película llamada a que contemplemos con la boca bien abierta la inmensidad del Everest y la hazaña que supuso derrotar cada obstáculo, con la necesidad de varias semanas para superar un pequeño glaciar. 

En este sentido, los actores cumplen a la hora de reflejar ese agotamiento. Genden Phuntsok es el actor nepalí que interpreta a Tenzing Norgay y no se le puede poder un pero a su papel aunque tampoco resalte porque está atado a un guión que lo sitúa en un pedestal del que no puede salir. Su compañero de fatigas es un Tom Hiddleston que siempre está bien y al que su papel como Loki le tiene demasiado centrado en Marvel como para desarrollar una carrera que podría ser mejor de lo que es hasta ahora. Sin embargo, mi favorito es un Willem Dafoe en piloto automático que lo borda como el personaje con más aristas, un hombre dedicado a su patria que quiere escalar el Everest sin poder evitar sus prejuicios raciales.

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Y, en lo que respecta a la hazaña deportiva, Tenzing no deja de ser una inspiradora película que, en estos tiempos de marcada polarización en la que es prácticamente imposible entendernos, se nos muestra como dos personas de diferente raza y condición consiguieron llegar al punto más alto de la tierra superando distintos obstáculos, entre ellas sus propias reservas con el otro. Y claro, uno termina la película pensando que, si ellos pudieron, ¿Por qué nosotros no?

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Aquelarre en frío (2026): Brujería, encierro y miedo en estado puro. Una nueva novela de Iván Ledesma. Publica Dolmen Editorial.

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Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el infernal placer de presentaros la nueva novela de uno de los autores más en forma del momento, que nos ha traído (una vez más) Dolmen Editorial. Aquelarre en Frío confirma a Iván Ledesma como un autor de terror muy sólido, eficaz y con una capacidad notable para atrapar al lector desde las primeras páginas.

Aquelarre

Aquelarre en Frío

La premisa de Aquelarre en Frío es tan sencilla como poderosa: La última noche del año, un hospital comarcal queda aislado por una inundación y se convierte en una trampa de hormigón para trabajadores y pacientes.

En ese escenario cerrado irrumpe un grupo de brujas y acólitos cuyo objetivo es completar un ritual para despertar a una hermana encerrada desde hace más de cien años en una máscara mortuoria.

A partir de ahí, la novela juega con una tensión muy cinematográfica, porque el peligro no solo viene del exterior, sino también de las grietas emocionales de quienes permanecen atrapados dentro.

Entre los personajes figuran un jefe de enfermeros hundido en la depresión, una paciente de psiquiatría al borde de la fuga, una mujer embarazada y una encargada de limpieza con un pasado terrible.

Ese conjunto de perfiles hace que el terror no sea únicamente sobrenatural, sino también humano, físico y moral.

Aquelarre

La edición de Dolmen Editorial

Dolmen Editorial apuesta aquí por su Línea Stoker, una colección ya asociada al terror y al fantástico, lo que encaja de forma natural con el tono de la obra. La edición nos ha llegado en rústica con solapas y con un precio de 17,95 euros y una extensión de 338 páginas.

La propia presentación del libro subraya el componente de terror puro y la idea de que la normalidad se rompe para dejar salir a los monstruos interiores, una declaración de intenciones muy acorde con el enfoque editorial.

Por tanto, Dolmen no solo publica el libro: Lo sitúa con claridad dentro de una tradición genérica reconocible para el lector habitual de horror.

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Pinchad AQUÍ para obtener más información de Aquelarre en Frío, desde la web de Dolmen Editorial.

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Iván Ledesma

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Iván Ledesma (Barcelona, 1977) es un creador versátil que ha transitado con naturalidad entre la literatura, el guion y la música. Durante años compaginó su labor como guionista para televisión, radio, cine y eventos con una prolífica trayectoria como narrador para lectores de todas las edades.

Su producción literaria se extiende desde el terror psicológico hasta la fantasía urbana, con obras señeras como Negorith (galardonada con el Premio Joaquim Ruyra de narrativa juvenil), 184, El Rito Circular y su más reciente El llanto del Cuco.

En el mundo del cómic, destaca La vampira de Barcelona, una novela gráfica que recrea la historia real de Enriqueta Martí bajo una estética oscura y cuidada.

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Tenemos reseña en la web de El Rito Circular, pinchando AQUÍ.

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En el terreno audiovisual, Ledesma firmó el guion principal de Xtremo, filme de acción que se situó en el número uno de Netflix España, y colaboró en Awareness, serie de ciencia ficción disponible en Prime Video.

Desde 2020 se consagra en exclusiva a la escritura, fusionando su oficio narrativo con una especial sensibilidad hacia temas como la pérdida, la culpa y lo sobrenatural inserto en lo cotidiano.

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También tenemos reseña de El Llanto del Cuco, pinchando AQUÍ.

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Valoración final

Aquelarre en Frío es, sobre el papel, una propuesta muy atractiva para quienes disfrutan del terror con ambiente claustrofóbico, criaturas inquietantes y una acción que avanza sin descanso.

La combinación de hospital, inundación, brujería y personajes al límite tiene una fuerza visual enorme, y la propia descripción editorial promete una historia donde la violencia ritual y la supervivencia se entrelazan desde el principio.

Lo más estimulante es que la novela no parece limitarse al susto fácil, sino que trabaja la sensación de encierro y la descomposición emocional de los personajes. Esa es una de las claves del buen terror: Hacer que el lector tema tanto por lo que ocurre como por lo que puede revelarse dentro de cada personaje.

Como fan incondicional de Iván Ledesma, la expectativa aquí es alta, y con razón. Sus novelas de terror tienen fama de leerse con una velocidad casi compulsiva, y todo invita a pensar que esta nueva entrega seguirá esa misma senda: capítulos que empujan a seguir, una atmósfera enrarecida y un pulso narrativo que no afloja.

Estamos ante una lectura muy recomendable para los aficionados al género y especialmente atractiva para quienes ya conocen y disfrutan la obra del autor. Si uno busca una novela para empezar y no soltar hasta el final, Aquelarre en Frío apunta exactamente a ese territorio.

Y para un lector que espera con ansia cada nueva historia de Iván Ledesma, la impresión final es la mejor posible: Otra vez estamos ante una novela que promete mucho terror, mucha tensión y esa clase de placer lector que se acaba demasiado pronto.

Acercaos al interior de las páginas de Aquelarre en Frío y …

¡Sed terroríficamente Felices!

Un Halloween Made in Spain. Recomendaciones Literarias para el fin de semana más terrorífico de 2026.

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Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Vuelve Halloween. Una fiesta pagana celebrada contraculturalmente por muchos españoles y odiada por otros por no ser una celebración vinculada a nuestra cultura ibéricoespañola. También será la Noche de Difuntos, la Noche del Tenorio, el Día de todos los Santos, etc. Para mí … Simplemente es una excusa para hablar de libros. De buenos libros. Escritos por autores españoles. Como debe ser.

Seguro que hay muchos más libros de los que yo propongo, pero los que quiero presentaros son los que he leído y me han gustado. Estos son los dos requisitos que deben cumplir para estas …

Recomendaciones Literarias para Halloween 2026

1.- Aquelarre en Frío. Dolmen Editorial.  Línea Stoker. 17,95€.

Halloween

La premisa de Aquelarre en Frío es tan sencilla como poderosa: La última noche del año, un hospital comarcal queda aislado por una inundación y se convierte en una trampa de hormigón para trabajadores y pacientes.

En ese escenario cerrado irrumpe un grupo de brujas y acólitos cuyo objetivo es completar un ritual para despertar a una hermana encerrada desde hace más de cien años en una máscara mortuoria.

A partir de ahí, la novela juega con una tensión muy cinematográfica, porque el peligro no solo viene del exterior, sino también de las grietas emocionales de quienes permanecen atrapados dentro.

Entre los personajes figuran un jefe de enfermeros hundido en la depresión, una paciente de psiquiatría al borde de la fuga, una mujer embarazada y una encargada de limpieza con un pasado terrible.

Ese conjunto de perfiles hace que el terror no sea únicamente sobrenatural, sino también humano, físico y moral. Y estoy seguro que Iván Ledesma sabrá haceros pasar por momentos muy terroríficos leyendo esta obra.

2.- Siete en Tinieblas. Dolmen Editorial. Línea Stoker. 16,50€.

Halloween

Siete en Tinieblas es una antología de terror contemporáneo, escrita por Ángel Luis Sucasas, que reúne siete relatos independientes, cada uno con su propia atmósfera asfixiante y su giro inesperado. El hilo conductor es la oscuridad, pero entendida desde múltiples perspectivas:

El sueño de R´lyeh: Una niña que dibuja dioses que luego existen. Un cuento sobre el poder de la imaginación infantil y las consecuencias imprevisibles de dar forma a lo divino.

Polybius: Dos hermanos malditos por un videojuego. El horror entra por la pantalla: Una partida que no termina, una maldición que se instala en la sangre.

Moonshine: Un blanco y un negro, enamorados y policías, contra los zombis de ojos de luna. Terror social con toques de acción y una metáfora punzante sobre la identidad y el miedo al otro.

Texturas: Una bruja que transforma tu carne en cosas hermosas. Body horror poético, donde el dolor se convierte en arte y la transformación es a la vez bendición y condena.

La visión: El rey de Los Ángeles y la droga del fin del mundo. Una distopía urbana, cruda y alucinada, con ecos de Cronenberg y Burroughs.

Hijos de Adán: Una familia de hermanos obligados a suicidarse en el nombre de Dios Padre. Terror religioso llevado al extremo, con una crítica feroz al fanatismo.

Una última vez: Un viejo, una gasolinera y una mujer que nunca pestañea en el sótano. Un relato de tensión creciente, con una presencia inquietante que recuerda a los mejores cuentos de King o Matheson.

Cada historia es un mundo distinto, pero todas comparten una misma vocación: Incomodar, sorprender y dejar una huella.

3.- Parecen Personas. Dolmen Editorial. Línea Stoker. 17,95€.

Halloween

Parecen Personas, de Ignacio Cid Hermoso, narra el regreso de Roi, un escritor en crisis, a la aldea de su infancia tras descubrir que la tumba de su padre ha sido profanada. Su progenitor fue un célebre cineasta de stop-motion, una figura severa y dominante cuya sombra sigue condicionando la vida y la creación de su hijo.

Al investigar lo ocurrido, Roi se enfrenta también a otro misterio: La última obra de su padre quedó inacabada y podría esconder un final oculto.

En la casona familiar empieza entonces a moverse una presencia siniestra, posiblemente el Señor Zancudo, una marioneta que lo aterrorizaba en su niñez.

Entre el duelo, la culpa y los recuerdos, la novela construye un relato de terror psicológico y surrealista sobre la herencia paterna, el ego del creador y los monstruos que el arte puede dejar atrás.

4.- Nana de Sombras. Dolmen Editorial. Línea Pazuzu. 19,95€.

Halloween

La novela de Marina Tena Tena, se presenta como una colección de tres relatos conectados por un tono común: La melancolía, la infancia, el deseo y la amenaza de lo desconocido. No es una antología de sustos rápidos, sino un conjunto de historias que dejan una sensación persistente, como una canción de cuna cantada en la penumbra.

Hugo y el océano de los miedos: El primer relato nos presenta a Hugo, un niño pequeño que debe enfrentarse a llantos, sirenas y a un auténtico océano de miedos. La historia se apoya en uno de los territorios más universales del terror: La vulnerabilidad infantil ante aquello que los adultos no saben explicar ni proteger.

Aquí funciona especialmente bien la ambigüedad ¿Son criaturas reales las que acechan a Hugo o son la materialización de sus temores? Esa duda convierte el relato en una experiencia incómoda y emotiva, ideal para quienes buscan terror psicológico más que gore.

La voz que conoce los deseos: El segundo cuento gira en torno a una familia formada por una hija, su madre y su abuelo, y por una voz dulce y oscura que parece conocer sus deseos más íntimos. Es quizá la premisa más clásica del conjunto: la tentación de obtener aquello que ansiamos, aunque el precio sea demasiado alto.

Marina Tena Tena juega con la figura del deseo como puerta de entrada al horror. La voz no amenaza de forma abierta; seduce. Y ese es su mayor peligro. El relato recuerda que, en los cuentos tradicionales, las criaturas no siempre llegan a romper la puerta: a veces esperan a que seamos nosotros quienes las invitemos a entrar.

¿Quién habita en este cuerpo?: El tercer relato plantea una pregunta directamente inquietante: ¿Quién habita en este cuerpo? La identidad, la posesión y la sensación de no reconocerse a uno mismo se convierten en el eje de una historia que cierra el libro con un tono más personal y perturbador.

Si los dos primeros cuentos exploran el miedo exterior (las sirenas, la voz, la amenaza familiar), este último se adentra en el territorio más íntimo: el miedo a perder el control sobre la propia existencia. Es un final adecuado para una obra titulada Nana de Sombras, porque deja al lector con la impresión de que el verdadero peligro puede estar mucho más cerca de lo que imaginamos.

Y hasta aquí nuestras Recomendaciones Literarias para este Halloween 2026. No obstante …

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Y para despedirme, os deseo …

¡Sed Terroríficamente Felices!