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Análisis de Outlander. Temporada 8. Episodio 9

Nos queda ya un único episodio para el final de Outlander y analizamos el noveno y penúltimo de esta temporada final cuyo título es Pharos. Creada por Ronald D. Moore y basada en la exitosa saga de novelas de Diana Gabaldon, la serie de Starz es emitida para España por Movistar+ y para América Latina por Disney+.

Hola otra vez, forasteros y viajeros del tiempo. Parecen una eternidad las dos semanas transcurridas desde nuestro último encuentro debido a una de esas pausas obligadas a que las series del universo Outlander tienen por costumbre someternos. Y lo increíble es que ya estamos a una única entrega del final de la serie y no puede sino producirnos nostalgia más allá de que este viaje, en su momento fascinante, haya sido tan irregular a partir de la tercera temporada y muy especialmente en estas dos últimas.

Y en virtud de lo cerca que está la conclusión, el vértigo y el apresuramiento siguen siendo regla como lo han sido durante toda esta octava temporada que, de modo contraproducente y rayando en la desprolijidad, paga el precio de ser más corta que las demás a excepción de la sexta, que a su vez pagaba a su vez el de las huelgas y la post-pandemia.

Un noveno episodio que viene con perdones y reconciliaciones (más que al final de la serie parece que nos acercáramos a Navidad) para dejar especialmente cerradas las tramas sentimentales y afectivas, al tiempo que es cada vez más inminente la batalla de Kings Mountain y la sentencia histórica de Frank Randall cuelga como Espada de Damocles sobre el destino de un Jamie Fraser que, de todas formas y aún a sabiendas, no rehúye el combate. Ah, y tenemos un nuevo viajero del tiempo, que por cierto no es Fanny, de quien insólitamente no tenemos noticias.

Pero pasemos a ver mejor qué ha ocurrido pues en esta entrega, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos de Outlander y aquí los de su precuela Outlander: Sangre de mi Sangre.

Amenaza y Extorsión

Comenzamos con John Grey encadenado en un cobertizo después de que, al final del episodio anterior, fuera sorprendido por el capitán Richardson con la traidora anuencia de Percy.

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Al presentarse ambos en su lugar de cautiverio, Richardson le muestra un documento firmado por Neil Stapleton (perdón, ¿quién?), en el cual este hace confesión de la relación que les ha unido en el pasado y se vale del mismo extorsión para que convenza a su hermano Harold de no dar un discurso que piensa pronunciar en la Cámara de los Lores en favor de que la Corona retire fondos para la causa de la lucha contra los independentistas americanos. De no hacerlo, será colgado por sodomita…

La amenaza, desde ya, enfurece a John, pero no consigue doblegarlo y se mantiene obstinado en negativa. Al retirarse sus captores, en su mente pareciera restallar una idea mientras toma su anillo y un clavo que encuentra en el lugar.

Disculpándose por no haber tenido alternativa, Percy regresa para intentar convencerlo, pero sigue sin tener éxito y lamenta con profundo pesar que todo tenga que terminar de ese modo, pues admite que lo sigue amando y, de todas formas, Richardson acabará consiguiendo lo que quiere. John le entrega su anillo y le pide que se lo lleve a William, además de encomendarle que le diga que lo ama.

Misión Rescate

En efecto, la nota pidiendo a Harold abstenerse de su discurso llega de todos modos a casa de John traída, según Amaranthus, por un hombre de aire melancólico. Al poner esta al tanto de la desaparición de John a Jamie, Claire y William, hay preocupación en el trío y especial consternación al comprobar que, junto con la nota, ha llegado también copia de la declaracion de Stapleton incriminándolo.

Al reconocer, no obstante, la mano de Percy en ello, van a hacerle una visita y le someten a una buena golpiza a fines de que diga dónde está John. Siempre insistiendo con lo de no haber tenido alternativa, Percy les termina anoticiando de que John se halla cautivo de Richardson, pero no es capaz de decir el lugar por haber sido llevado allí con los ojos vendados: solo sabe que se llega en barco…

La pista final llega cuando hace a William entrega del anillo que John le envió y descubren que en el perímetro interior aparece grabada la palabra “pharos”, expresión griega que, obviamente, significa faro: digamos que se las complicó innecesariamente con el idioma, pero quiero pensar que no le alcanzaba el anillo para la expresion inglesa “lighthouse” o bien habrá dado por descontado que ni Richardson ni Percy sabían griego…

Repasando faros cercanos, caen en que el más próximo se halla en la isla de Tybee y hacia allí se dirigen Jamie, Claire y William en operativo comando. Es una zona pantanosa y, apenas llegar, ven a la distancia con catalejo a Richardson pescando. Jamie y William se introducen en el cobertizo y emergen del agua a lo Marlon Brando en Apocalypse Now para deshacerse de los guardias más estúpidos del mundo, quienes juegan a los naipes y no se dan cuenta de nada hasta que ya tienen el cuello rebanado.

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Logran así llegar al lugar de cautiverio de John y liberarlo pero, mientras ello ocurre, Claire se ha percatado de que Richardson ha dejado de pescar y va de regreso, por lo cual decide actuar rápidamente por cuenta propia y lo sorprende apuntándolo con su pistola.

Al irrumpir ambos en el cobertizo, hay sorpresa en los rostros de Jamie y William, pero especial desprecio en el de John ahora que el cautiverio se ha invertido. Dejan a Richardson atado al cuidado de Claire y ella está especialmente intrigada por sus permanentes cambios de bando, ante lo cual el cautivo le arroja la inesperada revelación de que su objetivo es evitar que la independencia condene a los esclavos a seguir en tal condición cuando en Gran Bretaña, por el contrario, está prosperando un movimiento abolicionista. Y su tatarabuela, dice, fue esclava…

Claire es invadida por el asombro, sobre todo al derivar la conversación hacia la guerra civil norteamericana, para la cual faltan aún más de ochenta años, con lo que se da cuenta que Richardson es también un viajero del tiempo y lo suyo continúa volviéndose cada vez más frecuente y vulgar. Conmovida por su objetivo final de hacer un bien, le propina un discurso sobre la inutilidad de querer cambiar la historia, lo cual ella misma, junto a Jamie, ha intentado sin éxito en las pasadas batallas de Culloden y Alamance.

Richardson replica que las cosas no tienen por qué ser iguales y que si tanto él como ella han sido dotados con la capacidad de viajar en el tiempo, quizás se deba a un plan de Dios y esté en el destino de ambos corregir lo que en su momento se hizo mal. Solo le pide que le deje cumplir con ese “mandato” bajo palabra de que se portará bien. Cuesta creer que Claire sea tan ingenua y manipulable, pero lo libera y lo sorprendente es que lo decide en soledad y sin siquiera poner al tanto al resto…

Si tenía pensado o no Richardson cumplir con su palabra es algo que nunca sabremos porque, apenas intenta escabullirse, recibe un disparo en la frente de parte de John y no está mal. Y Claire, extrañamente, nada cuenta sobre su conversación con él ni nadie le pide explicación de por qué estaba libre. Cosas de Outlander…

Perdona nuestros Pecados

Vueltos a Savannah, John va a ver a Percy, que se sorprende de verlo vivo. Lleno de rabia, le conmina a firmar una declaración reconociendo haber mentido sobre él como parte de la extorsión del capitán Richardson. Si lo hace, su destino será la cárcel, y si no lo hace, la muerte. Apesadumbrado y lleno de culpas, Percy firma pero, apenas marcharse John, se mete un disparo en la cabeza…

John agradece luego a Jamie y Claire el haberle salvado la vida y evitado su difamación, pero cuando Jamie se arroga la potestad de perdonarle sus actos del pasado, el rostro de John se transfigura y se marcha intempestivamente de la habitación, no sin antes espetarle enardecidamente que es él quien no le perdona el destrato a que le ha sometido durante los dos últimos años. Claire, para esta altura sabia consejera de todo el mundo, le cita a Jamie el proverbio bíblico de que “el orgullo precede a la caída”, clara invitación a que recomponga las cosas…

En efecto, Jamie va a ver a John y la conversación comienza tensa, pero poco a poco el tono del primero va cambiando en la medida en que reconoce al segundo haber criado a William como un hijo cuando él no fue capaz de hacerlo y le pide disculpas al respecto.

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John nada responde y, por un momento, parecieran estar a punto de tomarse a los golpes, pero acaba invitándolo a jugar al ajedrez a fines de tomarse venganza de la última partida que le ganó, así que terminan sentados ambos a extremos opuestos de un tablero. Buen detalle de época que Jamie abra con a4, apertura hoy casi desechada, pero no en 1780…

William, en tanto, sigue superado por la situación. No es fácil lo de tener dos padres ni la crisis de identidad de no saber si es un Fraser o un Grey, pero por suerte está allí Claire para aconsejarle y decirle que puede querer a los dos, citándole muy atinadamente los casos de Brianna, Roger o El Más Veloz de los Lagartos. No se le puede negar razón: en esta serie, quien no tiene dos esposos, tiene dos padres…

Menos bien le va con William a Amaranthus, pues aun cuando este le perdona haberle mentido (entiende que lo hizo por proteger a su hijo), considera por otra parte que no tienen un futuro juntos. La deja obviamente desilusionada y a nosotros también, no tanto por su decisión sino por su falta de explicación en una charla que se preveía larga, profunda y conmovedora. Nada de eso: asunto cerrado y a otra cosa…

Con emoción, pues, John y William despiden a Jamie y Claire que ponen grupas bajo la lluvia con destino a Fraser´s Ridge y, en un gesto de redención para con su propo pasado, esta vez Jamie sí se da vuelta para mirar a su hijo una vez más. ¿Despedida definitiva? Hmm, no lo creo. Ni en sus vidas ni en la serie…

Ya en Fraser´s Ridge, nos enteramos que ha nacido el hijo de Brianna y lo han llamado David William Ian Fraser Mackenzie (puaj). El alumbramiento, como tantas cosas últimamente, ha tenido lugar en off, aunque nos enteramos que, por suerte, Claire ya estaba de regreso para asistirlo. Sigamos corriendo…

Mientras se va acercando la fecha de la batalla, Jamie se pregunta si serán los últimos días que compartirá con su ahora amplia familia y así lo encuentra Brianna, a quien él pone al corriente de lo escrito por Frank en su libro. Ella queda conmocionada, pero a la vez entiende que la cuestión es fácil: simplemente no debería ir a la batalla y el fatídico devenir histórico quedará evitado. Pero no hace falta decir que Jamie no está de acuerdo, pues debe luchar por la libertad y asegurarles un futuro tanto a ella como a los demás. Y si Frank escribió eso en el libro fue justamente porque quería que así lo hiciera…

Brianna queda obviamente devastada y, para colmo de males, Cleveland se cae con una compañía de jinetes para anoticiar de que Ferguson está en camino a Carolina del Norte e instruir a Jamie que reclute hombres ante la inminencia del combate. Hay rostros sombríos y, particularmente, el de Claire, que se pregunta si estará despidiendo a su amado esposo por última vez…

Balance del Episodio

Bueno, qué decir. Lo de velocidad supersónica ya se queda corto; estamos más bien acercándonos a de la luz y, paradójicamente, el efecto no es de dilatación del tiempo sino todo lo contrario, con tramas que se siguen resolviendo de manera torpe, atropellada y hasta con algún deus ex machina.

¿Quién demonios es el tal Stapleton al que John parece tan bien conocer de su pasado? Yo por lo menos no lo recuerdo y que alguien me ilumine si en algún momento de la serie se aludió a él. En todo caso, sirvió para dar cierre forzado a la trama de John y que todos quedasen en paz, incluso William.

Lo del capitán Richardson como viajero del tiempo fue un buen giro y conecta con un detalle perdido de la sexta temporada (episodio 5) que, en lo personal, creía que habían olvidado para siempre, aunque también es cierto que ese recurso argumental ya aburre de tan vulgarizado y quita a Claire cada vez más aquella condición individual y única que tenía en un principio. Y ya sabemos que lo que abunda quita sorpresa y encanto: hay más viajeros del tiempo en Outlander que sobrevivientes de Krypton en Superman.

Amén de ello, no deja de ser interesante la dualidad moral de Richardson, que le hace cuestionarse el nacimiento de una nación “libre con esclavos”, pero que no le genera conflicto al momento de utilizar la amenaza o la extorsión para lograr su objetivo. Y no es lo único que parece no plantearse: tampoco se le ocurre que eliminar la esclavitud y a la postre liberar a su tatarabuela puede cambiar el futuro de tal forma que él jamás nazca. En todo caso, queda demostrado que la historia, al menos en el universo Outlander, no puede cambiarse y ello preocupa sobremanera a Claire de frente a lo que avizora como un final cada vez más inevitable para Jamie.

Pero volviendo a Richardson, hace chirriar que le hayamos conocido tan poco, pues debiera haber tenido mayor desarrollo si iba a ser tan importante en el penúltimo episodio. Eso sí, lo del movimiento abolicionista británico es una realidad de la época y no solo por cuestiones humanísticas o filosóficas, sino también y mayormente económicas: el esclavo había pasado a ser un lastre costoso e improductivo en una sociedad capitalista que requería ahora mas bien obreros y consumidores.

Y ya que hablamos de viajeros del tiempo, ¿qué ocurrió con Fanny, de quien al parecer nos habíamos enterado al final del episodio anterior que también lo era? ¿Por dónde anda o en qué época? ¿Qué pasó que se olvidaron de ella, sobre todo cuando el nacimiento en off del hijo de Brianna evidencia que ha transcurrido un cierto tiempo? Sorprende el silencio al respecto, aunque no tanto si consideramos que últimamente nadie cuenta nada ni pregunta nada, como lo demuestran el mutismo de Claire con respecto a Richardson y la falta de curiosidad de los demás.

Y el cierre de la historia entre William y Amaranthus se lleva todos los premios de apresuramiento. Lejos de condecirse con el tiempo que en la temporada se dedicó a su relación, fue prácticamente como si él hubiese estado apurado por liquidar un trámite y marcharse. Son el tipo de escenas que, como el nacimiento del hijo de Brianna o la muerte de Cameron, requerían otro tipo de desarrollo y compromiso emocional, pero los plazos mandan y no lo han tenido.

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Nos queda ya solo un capítulo, aunque cueste pensarlo y, mucho más, decirlo. Se viene la batalla de Kings Mountain y la definición del futuro de Jamie, aunque, curiosamente y como si este nunca hubiera antes “muerto” en ninguna otra batalla, nadie contempla la posibilidad de que Randall haya simplemente recibido el dato equivocado. Y a pesar de la despedida entre Jamie y William, sigo sosteniendo que este último va a estar de alguna forma en Kings Mountain.

Lo que se hace difícil de creer es que, a la luz del apresuramiento que se viene viendo, vayamos a tener un final satisfactorio. Ojalá me equivoque y tanto showrunner como guionistas nos sorprendan sacando un conejo de la galera.

Con mucha emoción, pero también con muchas preguntas, les espero para analizar el último episodio de Outlander. Hasta entonces y sean felices

Los Vigilantes de la Playa (Baywatch), el regreso de la icónica franquicia a la televisión con Stephen Amell, estrella de Arrow

Los Vigilantes de la Playa (Baywatch) volverá a la pequeña pantalla el año que viene, y se ha revelado un primer avance, junto con la noticia de que estará protagonizada por «grandes talentos de la televisión y personas con gran influencia en las redes sociales». Bueno, lo de grandes talentos para más de uno parecerá un chiste.

Hay mucho revuelo en torno al reboot de Los Vigilantes de la Playa (Baywatch) de Fox, pero hoy se ha confirmado que la serie no estará lista para su estreno en otoño. Se ha confirmado que causará sensación a finales de enero de 2027.

En declaraciones a algunos medios de comunicación Michael Thorn, presidente del canal de televisión Fox, dijo que es «un honor» recuperar la propiedad intelectual, y añadió:

«Solo hay un Baywatch. Es una de las franquicias televisivas más emblemáticas y populares de la historia de la televisión».

La serie original de Los Vigilantes de la Playa (Baywatch) se emitió durante 11 temporadas entre 1991 y 2001, convirtiéndose en el programa más visto del mundo en aquella época. Se emitió en más de 200 países y llegó a más de mil millones de espectadores cada semana. Los intentos de resucitar la franquicia en forma de película en 2017, con Dwayne Johnson y Zac Efron, fracasaron.

Los Vigilantes de la Playa

Esta versión seguirá a Hobie Buchannon (Stephen Amell), un capitán de Baywatch que sigue los pasos de su padre, Mitch. Pero cuando su hija, Charlie Vale (Jessica Belkin), aparece en su puerta, su mundo da un vuelco.

El director de programación de Fox, Dan Harrison, dijo:

«Tenemos una larga trayectoria en el lanzamiento de series a mitad de temporada. Lo acabamos de hacer recientemente con Best Medicine, Memory of a Killer y, antes de eso, con Doc. Se remonta a 24, Empire, las series 9-1-1 y The Resident. Obviamente, Baywatch es una prioridad enorme para nosotros, y creemos que tenemos una gran oportunidad de preparar la serie para el éxito [a mitad de temporada]».

«Baywatch es una prioridad enorme para nosotros, y creemos que tenemos una gran oportunidad de preparar la serie para que triunfe allí», continuó Thorn, afirmando que el reboot será «puro escapismo con un reparto que combina a los mejores talentos de la televisión con importantes influencers sociales».

Este último punto llamará la atención, pero probablemente era de esperar. Thorn reconoció que esta nueva versión de Los Vigilantes de la Playa (Baywatch) tiene «mucho que demostrar», y añadió:

«Tenemos mucha presión para intentar que sea genial, [pero] no hay forma de que no lo intentemos».

Un saludo y sed felices.

Mortal Kombat 2: Un brillante Johnny Cage salva la función pero no los combates

El día 8 de mayo se ha estrenado la secuela de Mortal Kombat de 2021, una cinta de la que ya hablé (y no muy bien) en su día. La nueva entrega de la franquicia estaba llamada a expandir el lore tan atractivo de la saga del Dragón y darnos el torneo que no tuvimos hace 5 años. ¿Lo consigue? A medias. Aunque cumple con la cuota de violencia, deja un sabor agridulce para quienes buscan algo más.

El hilo conductor de la película es, siendo generosos, flojo. El centro de la trama es la llegada de Shao Kahn a Edenia y su compleja (aunque poco explorada) relación con Kitana. Lo que podría haber sido un drama épico de conquista y traición termina sintiéndose como una excusa apresurada para mover a los personajes de un escenario de lucha al siguiente. Casi como una pantalla de carga entre combate y combate. Falta peso emocional; las motivaciones se sienten planas y muchas de ellas son tan predecibles que lastran el disfrute de la película.

Mortal Kombat

¿Acaso no se veía venir el arco argumental de Jade? Creo que, tras las quejas de muchos fans por la falta de torneo en la primera entrega, aquí han dicho: ‘¿Quieres sopa?, toma tres tazas’. Y tienes tazas para hartarte, pero la mayoría son sopas de sobre y sin sabor, pero de eso hablaré más adelante.

Lo mejor (y lo peor) de la cinta es, sin duda, la incorporación de Karl Urban como Johnny Cage. Urban captura perfectamente la esencia del personaje: egocéntrico, divertido y con ese síndrome del impostor y sentimiento de ‘pez fuera del agua’ que aporta el alivio cómico necesario en un mundo de semidioses y espectros.

Sus referencias al cine y cultura popular me encajan mejor que las de Kano, que hay momentos en los que se hace insufrible y funciona tan mal como en la primera entrega. Sí, Kano está vivo, ya lo vimos en el tráiler.

El resto de personajes que fueron protagonistas en la primera entrega pasan a ser algo más secundarios, dándole el mando a Cage y Kitana. No hay arco de evolución de ninguno de ellos, únicamente tienen ciertas frases metidas con calzador en las conversaciones que, si sabemos leer entre líneas, nos va a desvelar cual será su futuro dentro de la franquicia. Mortal Kombat no es Shakespeare, pero se podía haber exprimido más su folclore para que los protagonistas y antagonistas tuviesen más peso.

Mortal Kombat II


EN CF: TODO lo que hay de mortal kombat en la web


Raiden, Quan-Chi y shang Tssung son meros extras andando por detrás de la escena con escasas líneas de dialogo que no añaden nada nuevo.

En Mortal Kombat 2 nos vamos a mover entre diferentes mundos y localizaciones de los videojuegos, que se han plasmado de una forma brillante y que los fans vamos a reconocer al instante. Dándonos un aspecto muy similar a la segunda entrega del videojuego de Midway (NetherRealm studios actualmente) y eso es algo en lo que se nota que han puesto cariño, mimo y se agradece mucho.

Los efectos especiales para mostrarnos Edenia y sus paisajes místicos funcionan muy bien, al igual que los poderes de los combatientes que suelen integrarse bien en medio de los combates para darles algo de dinamismo.

Vamos a lo importante de una película de artes marciales: Los combates. Los enfrentamientos tienen un baremo que va desde el suspenso más lamentable al notable más merecido. En la parte baja estarían los de Johnny Cage. La diferencia entre los artistas marciales reales del elenco y los actores de Hollywood es abismal. Es demasiado evidente que Urban no realiza la mayor parte de sus combates, por no decir ninguna. El montaje se vuelve frenético y los planos se sitúan sospechosamente en lugares en los que no le vemos la cara al actor cuando este lanza una patada, delatando el uso constante de dobles.

¿Tan difícil era el uso de un ‘deep fake’ de la cara de Urban sobre el cuerpo de un artista marcial?

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Cuando eso lo usas a modo cómico, como en el tráiler de ‘Uncaged Fury’, pues encaja con el cine de los 80 y 90 y saca una sonrisa a los que lo vivimos de primera mano, pero cuando tienes que vender que ese actor es un artista marcial y no lanza ni un solo puñetazo, pues te saca de la película.  En el otro extremo están Ludi Lin, Max Huang, Joe Taslim o Hiroyuki Sanada. Los combates en los que estos artistas marciales participan están a un nivel soberbio. Son espectaculares y con coreografías en las ellos mismos participan y en las que se mezclan golpes llamativos con los poderes del personaje de una forma creativa.

Esa diferencia entre combates es tan abrumadora que cuando acaba uno de esos que te dejan con ganas de más y viene otro que es decepcionante, pues las expectativas caen por el suelo tan rápido como una caída en el escenario de ‘the Pit’.

Si vas por la acción pura y sin descanso, la película te da lo que pides. Los combates están saturados de poderes icónicos sacados del videojuego, y los Fatalities son tan gráficos y creativos como cabría esperar. En este aspecto, la producción no se corta, entregando una violencia estética que satisfará a los seguidores más acérrimos de la hemoglobina del material original.

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En lo que a música se refiere, tengo que reconocer que es muy genérica y que en los momentos más espectaculares tira de una versión del ‘Techno Syndrome’ de The Immortals que la cinta de 1995 hizo tan icónico.

Conclusión

‘Mortal Kombat 2’ es una cinta que prioriza el espectáculo visual sobre la sustancia, pero no siempre ese espectáculo funciona. Se nota una brecha insalvable entre la calidad de las coreografías de los artistas marciales y la torpeza de algunos actores principales en los combates.

Lo mejor para mi es Karl Urban robándose cada escena en la que no tiene que pelear y el personaje de Kitana (Adeline Rudolph), que carga con todo el peso de la trama y lo hace de manera solvente.

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Lo peor es un guion que parece escrito solo como excusa entre combate y combate y que pese a que expande algo el folclore de Mortal Kombat, lo hace torpemente.

‘Mortal Kombat 2’ es una cinta que entretiene, pero a la que se le ven las costuras en cuanto te cuestionas ciertas decisiones y situaciones. Es mejor que la primera entrega, a la que olvida casi de forma clamorosa, desechando lo que los fans odiaron, pero, aun así, para mí aprueba raspada.

Eso sí, el cameo que nos trae en el papel del barman me sacó una sonrisa.

Me despido con el mítico Techno Syndrome de Mortal Kombat de 1995:

Un saludo y sed felices

Man of tomorrow, la secuela de Superman ya está en marcha con Milly Alcock, Supergirl como personaje invitado

Supergirl llega a los cines el mes que viene, y ahora se dice que Milly Alcock se encuentra en Atlanta, Georgia, para volver a interpretar el de prima del Hombre de Acero en la secuela de Superman del próximo verano, Man of Tomorrow.

Desde hace tiempo se especulaba con la aparición de Milly Alcock en Man of Tomorrow, y al parecer esto ha sido confirmado por un prolífico miembro de la prensa del corazón en Atlanta, Georgia.

La secuela de Superman forma parte de la «Saga de Superman» de James Gunn, al igual que la película Supergirl que se estrena este mes de junio, por lo que no es de extrañar que la heroína aparezca junto a su primo para enfrentarse a Brainiac. Queda por ver qué papel desempeñará en esta película.

Supergirl apareció en los momentos finales de Superman para recuperar a Krypto. Desde entonces, los tráilers de su próxima película en solitario han confirmado que el Hombre de Acero de David Corenswet se comunicará con Kara Zor-El por videollamada mientras ella está en el espacio.

Milly Alcock

Aunque Supergirl se desarrolla en el cosmos, la temporada 2 de Peacemaker parecía establecer que Kara es miembro de (o al menos ha trabajado junto a) la Banda de la justicia. Teniendo esto en cuenta, no te sorprendas si lucha junto a ellos cuando Brainiac invada la Tierra.


Análisis de todos los capítulos de Peacemaker


 

Al cineasta James Gunn le preguntaron en Threads cómo iba el rodaje de Man of Tomorrow y respondió:

«De maravilla y sin escatimar en nada».

Sorprendentemente, hasta ahora no se han publicado fotos del rodaje. Cuesta imaginar que la producción no acabe saliendo a las calles de Cleveland para rodar las escenas ambientadas en Metrópolis, pero es posible que se hayan construido decorados en Atlanta que eviten tener que rodar en exteriores.

Sería una pena, sobre todo porque las filtraciones del rodaje revelaron un primer vistazo a Superman, la Liga de la Justicia o la Banda de la justicia o como se llame, e incluso al personal del Daily Planet. En esta ocasión, los fans esperan ver a Brainiac y el traje de guerra de Lex Luthor, aunque ambos podrían acabar siendo más efectos especiales que realistas.

En Man of Tomorrow, Superman se verá obligado a aliarse con Lex Luthor para luchar contra Brainiac, una amenaza no solo para Metrópolis, sino para el mundo entero.

Man of Tomorrow llegará a los cines el 9 de julio de 2027.

Un saludo y sed felices.

El Agente Secreto y El Eternauta arrasaron en los Premios Platino 2026

Se llevó a cabo este fin de semana la decimotercera entrega de los Premios Platino que, de un tiempo a esta parte, vienen premiando cada año lo mejor en cine y series del medio iberoamericano.  El filme brasileño El Agente Secreto y la serie argentina El Eternauta fueron los más galardonados en una ceremonia que incluyó además premio especial para el actor Guillermo Francella.

En la Riviera Maya de México se llevó a cabo este último sábado por la noche la entrega de los Premios Platino 2026 que, con la conducción del actor colombiano Carlos Torres y la actriz española Cayetana Guillén Cuervo, tuvo lugar en el Teatro Gran Tchalco del Parque Xcaret. Cada año, la premiación que distingue al cine, tv y streaming del mundo iberomericano incorpora más categorías, por lo que algunos premios fueron entregados con anticipación en la ceremonia de apertura del jueves. Pero la gala final tuvo lugar este sábado, arrojando como indiscutibles ganadores a la película brasileña El Agente Secreto, con siete estatuillas, y la serie argentina El Eternauta, con ocho.

El filme dirigido por Kleber Mendonça Filho es un thriller político neo-noir ambientado en el Brasil de 1977 durante la dictadura de Ernesto Geisel y cuenta con las actuaciones principales de Wagner Moura y el alemán Udo Kier en su última participación cinematográfica debido a su fallecimiento. Ha tenido cuatro nominaciones a los Premios Oscar (igualando a Ciudad de Dios como película brasileña más nominada) y se ha alzado con dos Globo de Oro, entre muchas otras distinciones.

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La serie El Eternauta, dirigida por Bruno Stagnaro y de la cual pueden leer aquí el análisis de un servidor, está basada en el célebre cómic creado en los años cincuenta por H.G. Oesterheld (desaparecido durante la última dictadura argentina) y el dibujante Francisco Solano López. Con mucho de metáfora política y social, cuenta la historia de una nevada mortal e invasión alienígena sobre la ciudad de Buenos Aires y tiene en su papel protagónico al reconocido Ricardo Darín.

El Agente Secreto se impuso en las categorías de película de ficción, dirección, interpretación masculina (Wagner Moura), guion, dirección de arte, dirección de arte y musica original. El Eternauta, en tanto, lo hizo en miniserie o teleserie cinematográfica, creador de miniserie, interpretación masculina, (Ricardo Darín), interpretación femenina de actriz de reparto (Andrea Pietra), interpretación masculina de actor de reparto (César Troncoso), música original, montaje y efectos especiales.

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Por el lado de España, la película Sirāt se quedó con tres galardones y la serie Anatomía de un Instante con cuatro, en tanto que la actriz Blanca Soroa, por su parte, se impuso en la categoría de mejor interpretación femenina en película por Los Domingos (aquí nuestra crítica) y la mexicana Paulina Gaitán lo hizo en el equivalente para miniserie o teleserie por Las Muertas.

Cabe destacar también la distinción para el argentino Guillermo Francella (protagonista de la serie El Encargado), que recibió por su trayectoria el Platino de Honor con mucha emoción y un aplauso que se volvió extendido.

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Les damos a continuación la lista con todas las categorías, destacando para cada una en negrita al ganador o ganadora…

Mejor Película Iberoamericana de Ficción

  • Aún es de noche en Caracas
  • Belén
  • Los Domingos
  • El Agente Secreto
  • Sirât

Mejor Comedia Iberoamericana de Ficción

  • Homo Argentum
  • La Cena
  • Un Cabo Suelto
  • Un Poeta

Mejor Película de Animación

  • Decorado
  • Kayara
  • Olivia & las Nubes
  • Soy Frankelda

Mejor Película Documental

  • Apocalipse nos Trópicos
  • Bajo las Banderas, el Sol
  • Flores para Antonio
  • Tardes de Soledad

Mejor Ópera Prima

  • La Misteriosa Mirada del Flamenco
  • Manas
  • No nos Moverán
  • Sorda

Premio al Cine y Educación en Valores

  • Belén
  • La Mujer de la Fila
  • Manas
  • Sorda

Mejor Dirección

  • Alauda Ruiz de Azúa — Los Domingos
  • Dolores Fonzi — Belén
  • Kleber Mendonça Filho – El Agente Secreto
  • Oliver Laxe — Sirât

Mejor Interpretación Masculina

  • Alberto San Juan — La Cena
  • Guillermo Francella — Homo Argentum
  • Ubeimar Ríos Gómez — Un Poeta
  • Wagner Moura – El Agente Secreto 

Mejor Interpretación Femenina

  • Blanca Soroa – Los Domingos
  • Dolores Fonzi — Belén
  • Natalia Reyes — Aún es de noche en Caracas
  • Patricia López Arnaiz — Los Domingos

Mejor Interpretación Masculina de Reparto

  • Álvaro Cervantes – Sorda
  • Edgar Ramírez — Aún es de noche en Caracas
  • Juan Minujín — Los Domingos
  • Rodrigo Santoro — O Último Azul

Mejor Interpretación Femenina de Reparto

  • Camila Pláate – Belén
  • Dira Paes — Manas
  • Julieta Cardinali — Belén
  • Nagore Aranburu — Los Domingos

Mejor Guion

  • Alauda Ruiz de Azúa — Los Domingos
  • Kleber Mendonça Filho – El Agente Secreto
  • Oliver Laxe, Santiago Fillol — Sirât
  • Simón Mesa Soto — Un Poeta

Mejor Música Original

  • Alejandro Rivas Cottle, Gonzalo Pardo — El Último Blues del Croata
  • Aránzazu Calleja — Maspalomas
  • Matti Bye, Trío Ramberget — Un Poeta
  • Tomaz Alves Souza y Mateus Alves – El Agente Secreto 

Mejor Dirección de Montaje

  • Andrés Gil — Los Domingos
  • Cristóbal Fernández — Sirât
  • Eduardo Serrano y Matheus Farias – El Agente Secreto
  • Ricardo Saraiva — Un Poeta

Mejor Dirección de Arte

  • Bernardita Baeza — La Misteriosa Mirada del Flamenco
  • Koldo Vallés — La Cena
  • Micaela Saiegh — Belén
  • Thales Junqueira – El Agente Secreto

Mejor Dirección de Fotografía

  • Bet Rourich — Los Domingos
  • Javier Juliá — Belén
  • Juan Sarmiento Grisales — Un Poeta
  • Mauro HerceSirāt

Mejor Dirección de Sonido

  • Amanda Villavieja, Laia Casanovas y Yasmina Praderas Sirāt
  • Eduardo Cáceres — Cordillera de Fuego
  • Leandro De Loredo — Belén
  • Urko Garai, Enrique G. Bermejo, Alejandro Castillo — Sorda

Mejor Diseño de Vestuario

  • Ana Martínez Fesser — Los Domingos
  • Helena Sanchís – La Cena
  • Lucía Gasconi, Greta Ure — Belén
  • Rita Azevedo — O Agente Secreto

Mejores Efectos Especiales

  • Ana Rubio, Paula Gallifa Rubia — Los Tigres
  • Bruno Fauceglia, Lucas Di Rago, Mariano Segat — Belén
  • Pep ClaretSirāt 
  • Raúl Luna, Paula Siqueira — Aún es de noche en Caracas

Mejor Maquillaje y Peluquería

  • Ainhoa Eskisabel, Jone Gabarain — Los Domingos
  • Ana López-Puigcerver, Belén López-Puigcerver y Nacho Díaz – El Cautivo
  • Martín Macías Trujillo — O Filho de Mil Homens
  • Nuno Esteves “Blue”, Teresa Dias — As Meninas Exemplares

Mejor Miniserie o Teleserie Cinematográfica Iberoamericana de Ficción o Documental

  • El Eternauta
  • Anatomía de un Instante
  • Chespirito: Sin Querer Queriendo
  • Las Muertas

Mejor Serie de Larga Duración

  • Beleza Fatal
  • La Promesa
  • Sueños de Libertad
  • Velvet: El Nuevo Imperio

Mejor Interpretación Masculina en Miniserie o Teleserie

  • Ricardo Darín – El Eternauta
  • Álvaro Morte — Anatomía de un Instante
  • Javier Cámara — Yakarta
  • Leonardo Sbaraglia — Menem

Mejor Interpretación Femenina en Miniserie o Teleserie

  • Candela Peña — Furia
  • Paulina Gaitán – Las Muertas
  • Carla Quílez — Yakarta
  • Griselda Siciliani — Envidiosa (Temporada 2)

Mejor Interpretación Masculina de Reparto en Miniserie o Teleserie

  • César Troncoso – El Eternauta
  • David Lorente — Anatomía de un Instante
  • Eduard Fernández — Anatomía de un Instante
  • Juan Lecanda — Chespirito: Sin Querer Queriendo

Mejor Interpretación Femenina de Reparto en Miniserie o Teleserie

  • Andrea Pietra – El Eternauta
  • Leticia Huijara — Las Muertas
  • Lorena Vega — Envidiosa (Temporada 2)
  • Yalitza Aparicio — Cometierra

Mejor Creador/a en Miniserie o Teleserie

  • Bruno Stagnaro – El Eternauta
  • Mariano Varela, Ariel Winograd — Menem
  • Rafael Cobos, José Manuel Lorenzo, Fran Araújo, Alberto Rodríguez — Anatomía de un Instante
  • Rodrigo Guerrero — Estado de Fuga: 1986

Mejor Música Original en Miniserie o Teleserie

  • Antônio Pinto, Gabriel Ferreira — Ângela Diniz: Assassinada e Condenada
  • Federico Jusid – El Eternauta
  • Julio de la Rosa — Anatomía de un Instante
  • Manuel J. Gordillo — Estado de Fuga: 1986

Mejor Dirección de Montaje en Miniserie o Teleserie

  • Alejandro Brodershon y Alejandro Paysow – El Eternauta
  • Andrés Quaranta — Menem
  • Jose M. G. Moyano — Anatomía de un Instante
  • Valeria Valenzuela, María José Cuevas — Juan Gabriel: Debo, Puedo y Quiero

Mejor Dirección de Arte en Miniserie o Teleserie

  • María Battaglia, Julián Romera — El Eternauta
  • Natalia Mendiburu — Menem
  • Pepe Domínguez del Olmo – Anatomía de un Instante 
  • Salvador Parra — Las Muertas

Mejor Dirección de Fotografía en Miniserie o Teleserie

  • Alberto Anaya Adalid — Las Muertas
  • Álex Catalán – Anatomía de un Instante 
  • Diego Jiménez — Estado de Fuga: 1986
  • Gastón Girod — El Eternauta

Mejor Dirección de Sonido en Miniserie o Teleserie

  • Alejandro de Icaza — Mentiras: La Serie
  • Andrés Silva Díaz, Alejandro Uribe-Holguín — Estado de Fuga: 1986
  • Daniel de Zayas – Anatomía de un Instante 
  • Martín Grignaschi — El Eternauta

Mejor Diseño de Vestuario en Miniserie o Teleserie

  • Annai Ramos — Nadie nos vio partir
  • Fernando García – Anatomía de un Instante 
  • Julián Grijalba — Estado de Fuga: 1986
  • Patricia Conta — El Eternauta
  • Pilar González — Menem

Mejores Efectos Especiales en Miniserie o Teleserie

  • Daniel de la Madrid, Alejandro Valente — Cometierra
  • Ezequiel Rossi, Pablo Accame, Ignacio Pol – El Eternauta 
  • Guille Lawlor, Bruno Fauceglia, Ezequiel Hasl — Menem
  • Ricardo Arvizu — Cada Minuto Cuenta

Mejor Maquillaje y Peluquería en Miniserie o Teleserie

  • Alejandra Velarde — Mentiras: La Serie
  • Dino Balanzino, Ángela Garacija — El Eternauta
  • Marcos Cáceres y Dolores Giménez – Menem 
  • Yolanda Piña, Nacho Díaz — Anatomía de un Instante

 

Y esto es todo por este año.  Nos volvemos a encontrar el próximo para la decimocuarta entrega o bien con motivo de alguna otra premiación.  O incluso en cualquier momento por esta misma web.  Hasta pronto y sean felices…

Retro-Análisis: El Temible Burlón (1952). La película de piratas que marcó nuestra niñez

El Temible Burlón (El Pirata Hidalgo en América Latina) fue la película de piratas que marcó nuestra niñez para muchos cinéfilos.  No es que yo la viera de niño al estrenarse, porque si así fuera tendría hoy día más de 70 años y no es el caso. Estamos ante una película de esas que repiten en los canales de televisión en numerosas oportunidades a lo largo del tiempo, con lo que tienes oportunidad de haberla visto más de una vez.

Si no es el caso (o sea, si no la has visto aún), y eres fan del género de aventuras, esta es la crítica que puede hacerte verla y descubrir una más que destacable producción de la fábrica de sueños, que es lo que fue Hollywood en los años 50.

Qué historia nos cuenta El Temible Burlón

La trama sigue al capitán Vallo (Burt Lancaster), un pirata audaz y a la vez encantador, en sus aventuras por los mares del sur, tratando de sacar el máximo provecho de sus fechorías en una historia llena de intrigas políticas, alianzas cambiantes, rescates, fugas e incluso un romance ligero que parece que no tendrá repercusión para alguien tan curtido en mil batallas como él, pero ya veremos que nada más lejos de la realidad.

Qué podemos destacar de El Temible Burlón

Estamos ante una película que no busca el rigor sobre aspectos fílmicos ni históricos. Estamos ante la típica producción de Hollywood para tratar de entretener al espectador de la mejor manera posible. Es más un ejemplo de ese tipo de cine de capa y espada que tan bien se hacía en esa época en la cuna del cine pero, incluso siendo algo típico, se transforma en algo digno de destacar gracias a su fórmula que ofrece, sobre todo, espectáculo, ritmo y divertimento. Evidentemente todo al servicio de su protagonista, el cual está brillante una vez más.

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Burt Lancaster, el núcleo atómico de esta producción

No vamos a descubrir a estas alturas quién fue Burt Lancaster.  Tuvo un pasado en el mundo del circo y eso se nota mucho en esta película. Evidentemente, no todas las acrobacias son protagonizadas por él, pero sí es evidente que muchas de ellas. Y no solo él, sino que su química con Nick Cravat (compañero suyo en el circo) tuvo como resultado esta producción y otra de aventuras donde se nota la sincronía entre ambos: El Halcón y la Flecha. En la película que nos atañe, Lancaster no solo actúa: salta, trepa, se balancea con cables, pelea y se mueve con una naturalidad que le da al personaje una vitalidad extraordinaria.

Habitualmente, en este tipo de producciones en las que el heroísmo puede depender de un gesto elegante o una pose romántica, Lancaster introduce una fisicidad casi circense que resulta innovadora. Su personaje no es moralmente intachable; de hecho es muy ambiguo en sus intereses y el hecho de que Lancaster pareciera estar disfrutando de cada escena le da un toque especial al filme.

Otros aspectos relevantes

Aunque pueda parecer extraño, otro de los elementos para destacar del filme es un personaje mudo. Ojo, interpretado por Nick Cravat aporta ese tipo de humor más físico y expresivo que podríamos ligar justamente al cine mudo. Esa relación entre su personaje y el de Lancaster hace que en más de una escena aparezcan momentos o gags humorísticos que son recordados por espectadores de todas las edades.

El tono del film es también digno de mención.  Robert Siodmak (Forajidos, La Escalera de Caracol), director más asociado habitualmente al cine negro, demuestra aquí su buen hacer llevando a término una historia que nada tiene que ver con dicho género. La película mezcla acción, comedia y romance sin que el conjunto se descontrole en absoluto. Sabe, como los buenos cocineros, poner las dosis adecuadas de cada género para que todo funcione. La puesta en escena es dinámica, clara y orientada al movimiento. Las luchas, combates y persecuciones están filmados con una energía que hace que el espectador no quite el ojo de la pantalla.

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La parte visual toma una importancia vital gracias al uso de color, decorados y vestuario.  Todo ello nos ayuda a crear un mundo vistoso, aunque muy artificioso (habitual en este tipo de producciones) y con una versión idealizada y casi teatral del Caribe. Recordemos que muchas de las producciones de esa época eran realizadas en el interior de estudios, con lo que ello conlleva tanto de bueno como de malo. Al no buscar seriedad documental, sino simplemente entretener, se permite un cierto nivel de humor que no va en contra del filme sino más bien todo lo contrario.

El guion también tiene lo suyo y sin ser quizás el punto más sobresaliente de los que aquí tratamos, tiene la capacidad de mantener el ritmo y enlazar escenas de acción que lo hacen diferente. Aunque no tiene giros de script importantes, el viaje de Vallo desde su posición de ambigüedad como corsario hasta terminar defendiendo una causa justa hace que El Temible Burlón tenga un tono argumental con cierto fondo.

Resumiendo, estamos ante un ejemplo de película clásica de aventuras, con un protagonista carismático (Burt Lancaster) que nos ofrece pasar casi dos horas entretenidas, lo cual ya es algo. Es un filme de tono ligero, con escenas de acción pero a la vez también toques de humor y momentos románticos que agradarán a todo tipo de público.

Os dejamos un enlace a un artículo de la web sobre películas de aventuras. AQUÍ 

Adaptando personajes de ficción a Dragones y Mazmorras: Goku

Buenos días a todos los amantes del rol y de Dragon Ball. Hoy os traigo un artículo para celebrar que hoy, 9 de mayo, celebramos el Día de Goku.

Para ello, mi idea es recrear de la forma más fiel posible al personaje de Goku siguiendo las reglas de rol de Dragones y Mazmorras 5.ª edición (2024). Como es de esperar, habrá algunas situaciones que serán más difíciles de adaptar, por lo que recomiendo hablar con vuestro director de juego para que os permita cierta flexibilidad, sobre todo a nivel temático. Mi idea no es crear el personaje más poderoso, sino que sea al menos funcional y lo más divertido posible.

Otra aclaración importante es que en este artículo me refiero a Goku en su infancia, al comienzo de la serie. Además, para ser lógicos, me limito a los primeros seis niveles del juego. Si os gusta el artículo, en un futuro podríamos intentar adaptar a Goku adulto.

Adaptando a Goku niño en Dragones y Mazmorras (niveles 1–6)

Raza:

La opción más lógica sería la de humano. Podrías pedir a tu Director de Juego que te permita crear un humano con cola, de manera temática.

Si quieres representar el Ozaru, podrías plantearlo como una transformación narrativa usando reglas similares a las de un personaje con forma híbrida (como en el caso de un licántropo).

Otra opción, pensando más en una futura evolución hacia Goku adulto, sería el Aasimar. Su rasgo de Fulgor Interior puede reinterpretarse como la energía del ki, y con el consentimiento del DM podrías representar la capacidad de volar como parte del desarrollo del personaje sin las alas características de su esta raza.

También, si pensamos en un Goku adulto, la especie Goliath puede ser muy interesante. Nos da ventajas en agarre y mayor velocidad de movimiento. Y podrás obtener el tamaño Grande y ayudarte a representar de forma narrativa una transformación tipo Ozaru.

Además, usando el linaje de los gigantes de las nubes podrás obtener Paso brumoso, lo que te permitirá imitar la icónica teletransportación de Goku.

Goku niño

Clases a elegir:

Monje. 

Sin duda, es la clase que mejor encaja cuando Goku es principalmente un luchador de artes marciales. En esta etapa (niveles 1–6), el enfoque debería ser un Monje puro, centrado en movilidad, reflejos y combate cuerpo a cuerpo.

En el futuro, si desarrollamos un Goku más adulto, podríamos plantear una multiclase para recrear sus ataques más icónicos, como la Onda Vital. Sin embargo, más adelante te indico una posible solución.

Quizás podría ser interesante añadir niveles de Bárbaro para obtener Furia, que podrías interpretar temáticamente como el Kaioken. Sin embargo, tu personaje perderá utilidad si quieres mantener un estilo basado en Destreza.

Características importantes:

-Destreza: Este tiene que ser tu atributo principal, ya que podrás atacar con él y te ayudará a golpear primero aumentando tu iniciativa.

-Sabiduría. Otra característica importante, ya que te aumentará la CA con el rasgo Defensa sin armadura y te ayudará para otras habilidades que la requieren, como Explosión Elemental.

-Constitución: Tu tercera característica, importante para tener puntos de golpes extras y poder sobrevivir en el combate. Hay que recordar que no podremos tener armadura, por lo que nos vendrá muy bien, sobre todo en los niveles iniciales .

Equipamiento:

-Ataque desarmado. Por motivos evidentes usaremos este estilo de combate que viene de perlas al monje.

-Bastón. Podemos aprovechar que se trata de un arma de monje para imitar los combates de Goku en sus inicios, combinándolos con los ataques desarmados.

-Armadura: Nuestra armadura será no llevar ninguna. Elige una túnica apropiada similar a la que lleva Goku, ya que si seleccionamos alguna armadura perderemos utilidad en la partida.

Objetos mágicos:

Nube de kinton (escoba voladora) (infrecuente)

Este objeto típico de brujas nos permite movernos por el cielo con total libertad. Si tu DM lo permite, podrías cambiar su aspecto para obtener el de la nube Kinton. Podrías pedir una tirada de salvación de sabiduría a los personajes que quieran subir.

Pértiga contraíble (objeto común)

Este objeto te permite alargarlo, por lo que podremos imitar el bastón mágico que Goku usa en su niñez. Lo ideal sería que nuestro DM nos permita combinarlo como un bastón de manera temática.

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Brazales de defensa (raro)

Con este objeto, ganarás +2 de CA cuando no tengas armadura ni escudo, por lo que nos viene fantástico.

Bastón de poder (muy raro)

Una posible solución para poder usar una especie de Onda vital es pedirle a tu DM que te permita obtener este objeto, al menos a niveles altos. Con el mismo podrás utilizar conjuros como Relámpago para imitar la Onda Vital y Proyectil mágico para los ataques de KI.

Pociones de curación (rareza variable)

Sería fantástico que el Director de juego permitiera cambiar el aspecto de las pociones por semillas del ermitaño, manteniendo su utilidad.

Poción de longevidad (muy raro)

Si en algún momento quieres cambiar a Goku adulto y la historia no realiza un avance en el tiempo, puedes usar esta poción para aumentar tu edad. Sin embargo, necesitarás más de una, por lo que podrías pedir a tu Director de juego que te permita ver a una Saga del bosque para que haga el efecto.

Principales rasgos de clase que tenemos que tener en cuenta:

-Nivel 1: Artes Marciales. 

Este rasgo te permite obtener los siguientes beneficios si usas ataques sin armas o las que tengan las propiedades ligeras:

Ataque sin armas como acción adicional. Si vas con un bastón a dos manos (1d8 versátil) te permitirá dar una patada como acción adicional.

Dados de Artes marciales. Si el ataque sin armas (1d4) no te convence, puedes usar 1d6 como daño en su lugar. Esto hará que en momentos puntuales tus puños hagan más daños.

Ataques diestros: Te permite usar tu modificador por destreza en lugar de por Fuerza para tus tiradas. Además, también es válido para agarrar o empujar a tus adversarios.

-Nivel 1: Defensa sin armadura. 

Este rasgo nos permite calcular nuestra clase de armadura con 10 más nuestro modificador por destreza y sabiduría mientras que no llevemos armadura ni escudo. Este rasgo es perfecto para aguantar los golpes en los primeros niveles de mayor debilidad.

Nivel 2: Concentración de monje. 

Gracias a este rasgo podemos usar el KI para mejorar nuestras habilidades de monje. Empezamos con 2 puntos de concentración. Estos puntos podemos usarlos para las siguientes características:

-Defensa paciente: Podemos usar destrabarnos y evitar ataques de oportunidad como acción adicional. Con un punto de concentración también podrás esquivar, haciendo que todos los ataques en la ronda vayan con desventaja.

Paso del viento: Esta habilidad te permitirá correr como acción adicional y gastar 1 punto de concentración para destrabarte y correr. Además, la distancia de salto se duplica.

Ráfaga de golpes: Con 1 punto de concentración, puedes hacer dos ataques sin armas como acción adicional.

Nivel 3: Desviar ataque. 

Este rasgo te permitirá durar más en la partida. Con una reacción puedes reducir ataques contundentes, cortantes o perforantes. Además, si logras reducir el daño a 0, puedes gastar 1 punto de concentración para redirigir una parte de la fuerza del ataque a un enemigo cercano.

Nivel 4. Caída Lenta

¿Te tiran de la nube Kinton? No te preocupes, con una reacción podrás reducir el daño de caída.

Nivel 5: Golpe aturdidor. 

Ahora tus golpes con arma de monje o ataque sin armas podrán intentar aturdir a un enemigo por 1 punto de concentración.

Nivel 6: Golpes Potenciados. 

Gracias a este rasgo podrás golpear a enemigos con resistencias físicas causándoles daño por fuerza, que es el tipo menos resistido. Esto nos viene de perlas para causar mayor daño a enemigos resistentes.

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Subclase de monje.

Al nivel 3 podrás elegir las subclases de monje. Te recomiendo las siguientes:

-Guerrero de la mano abierta. Esta subclase te permitirá mejorar tu combate sin armas. Cuando uses Ráfaga de golpes puedes derribar, desconcentrar o empujar a tus enemigos. Al nivel 6 ganas Plenitud de cuerpo, que te permitirá aguantar más en el combate.

Esta subclase me gusta mucho para Goku pequeño, te permite ganar ventaja y rolear mejor como un experto en artes marciales. Sin embargo, si quieres rolear hasta Goku adulto se queda a medio camino.

-Guerrero de los elementos. 

Con un punto de concentración podrás aumentar el alcance de tus golpes e imbuirlos en golpes elementales.  Esta subclase puede ser interesante a los fines de imbuir tus golpes de elemento relámpago para adaptar los combates de Dragon Ball, pero más enfocados en Goku adulto.

Además, al nivel 6 ganas Explosión Elemental, haciendo explotar justamente una esfera de energía elemental. Un rasgo perfecto para Goku. Si quieres crecer hasta Goku adulto te recomiendo esta subclase.

Orígenes de personaje:

No me convence ninguna para el trasfondo de Goku, pero creo que Campesino es la que puede tener más sentido. Nos da competencia en Trato con animales y tenemos que recordar que en sus inicios Goku vivía en la montaña con su abuelo.

Dotes:

Por Campesino tenemos Duro, que nos aumenta los golpes máximos, lo que nos vendrá genial para aguantar más en el combate. Si seleccionas humano y puedes seleccionar otra dote de origen puede ayudarte Alerta, para asegurarte de golpear siempre primero o intercambiar tu turno con otro compañero.

Para dotes generales, cuya primera seleccionamos al nivel 4, te recomiendo sin duda Apresador. Con esta dote puedes pegar y apresar en un único ataque, además de ganar ventaja sobre una criatura que estás agarrando. Sin duda, esto simulará aun mejor tus combates cuerpo a cuerpo.

Espero que os haya gustado.

No olvidéis dejar en la caja de comentarios vuestra opinión, cómo construiríais al personaje o qué otros personajes os gustaría que analizara en futuros artículos.

El cómic de la semana: Silent Jenny. Ciencia ficción con mensaje y un dibujo espectacular

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semanaHoy destacamos Silent JennyAl final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Nuevo Nueve publica en España Silent Jenny, la última obra de Mathieu Bablet. El autor francés se está ganando a pulso un nombre dentro del comic europeo dentro del género de la ciencia ficción pero siempre con un trasfondo social que le permite tocar temas importantes y comprometidos.

En esta ocasión Bablet nos presenta un escenario postapocalíptico en el que la humanidad está condenada bien a vagar por un paramo desierto en grandes maquinas que funcionan como pequeñas aldeas o bien a vivir en ciudades mugrientas en las que no hay futuro.

Silent Jenny

El resumen de la editorial es el siguiente: En un futuro lejano el cambio climático no se ha detenido y la desaparición de los insectos ha provocado la no polinización, dejando estériles grandes extensiones de tierra. Se ha puesto en marcha una dinámica de supervivencia, se han formado islas móviles conocidas como “mónadas” y la gente intenta ayudarse mutuamente, cada uno siguiendo sus propios hábitos y costumbres que vamos descubriendo a medida que nos adentramos en el libro. Jenny es una investigadora bastante solitaria que intenta encontrar el camino de vuelta al mundo anterior. Trata de hallar el ADN de las abejas para poder clonarlas y recrear insectos polinizadores. Pero se da cuenta de que eso no es posible. El mundo antiguo ya no existe y lo que hay que hacer es inventar uno nuevo.

La protagonista de la historia es Jenny, una joven que tiene una doble vertiente que nos permite a través de ella conocer el escenario que el autor nos quiere presentar. Por un lado vive en una “mónada”, donde vamos a ver como los individuos que viven allí han dejado de lado el egoísmo para formar una sociedad en la que lo importante es el grupo y el interés general para poder sobrevivir en un entorno tan hostil.

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Pero Jenny también trabaja para la megacorporación Pyrrhocorp. Gracias a un proceso de miniaturización que hace se puedan reducir a tamaño microscópico, los exploradores de la megacorporación buscan restos de abejas para lograr recuperar su ADN y que se pueda iniciar de nuevo el ciclo de polinización de las plantas que permita recuperar el ecosistema que todos conocemos.

En este escenario Mathieu Bablet se permite hablar de los problemas derivados de un posible desastre ecológico y como se podría ordenar la vida después del mismo.

Como viene siendo habitual en este tipo de historia, las grandes empresas son las que tomarían el control, aunque siempre enfrentándose a rebeldes (en este caso los habitantes de las “monadas”).

Este punto de vista enfrentado permite al autor establecer las grandes diferencias entre dos maneras contrapuestas de ver el mundo. Uno regido por el corporativismo y otro por el colectivismo, quedando meridianamente claro cuál es el mejor.

Sobre todo según vamos viendo lo estúpido de la organización de Pyrrhocorp, totalmente kafkiano y desesperante.

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El futuro postapocalíptico y desértico en el que trascurre la historia nos recuerda mucho al de Mad Max, pero no es la única referencia que nos puede venir a la memoria. Todo el tema de las “monadas” recuerda muchísimo a las novelas de Philip Reeve, Máquinas mortales, adaptadas al cine con escaso éxito en 2018.

También es imposible no acordarse de películas como El chip prodigioso en las escenas de miniaturización de la protagonista. El autor cuenta la historia mezclando todos estos elementos con ideas propias, como todo lo referente al desastre ecológico y la búsqueda del ADN de las abejas o la organización social de las “monadas”.

Y esto logra dotar a Silent Jenny de una personalidad propia que atrapa al lector viñeta tras viñeta.

En cuanto al apartado visual, obra también del propio Bablet, decir que es sencillamente impresionante. Su dibujo de línea fina recuerda al del mejor Moebius (salvado las distancias con el maestro), ofreciendo un trabajo de diseño espectacular. Brilla a la hora de presentar los escenarios desérticos, el interior de la “monadas”, todo lo que tiene que ver con la tecnología futurística y sobre todo, los paisajes microscópicos en los que el autor deja volar su imaginación para ofrecer una paginas que quitan el hipo.

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En cuanto a la edición de Nuevo Nueve, solo puedo quitarme el sombrero. La editorial española recoge la historia completa en un volumen de 312 páginas en tapa dura que respeta el mayor tamaño de la obra original, algo esencial para poder disfrutar al máximo del arte de Bablet. El precio de venta es de 45 euros.

En resumen, Silent Jenny es una de las mejores obras de ciencia ficción que he podido leer en los últimos tiempos. Es cierto que es una lectura compleja que va a exigir cierto esfuerzo del lector, pero una vez entrado en su juego es imposible no sentirse atrapado por una historia llena de imaginación que se permite dejar mensajes sociales que calan en el lector sin llegar a ser adoctrínate. Y todo con un dibujo espectacular que deslumbra a la hora de presentar conceptos nuevos y apasionantes.

En un futuro lejano el cambio climático no se ha detenido y la desaparición de los insectos ha provocado la no polinización, dejando estériles grandes extensiones de tierra.

Se ha puesto en marcha una dinámica de supervivencia, se han formado islas móviles conocidas como “mónadas” y la gente intenta ayudarse mutuamente, cada uno siguiendo sus propios hábitos y costumbres que vamos descubriendo a medida que nos adentramos en el libro. Jenny es una investigadora bastante solitaria que intenta encontrar el camino de vuelta al mundo anterior. Trata de hallar el ADN de las abejas para poder clonarlas y recrear insectos polinizadores. Pero se da cuenta de que eso no es posible.

El mundo antiguo ya no existe y lo que hay que hacer es inventar uno nuevo.

Os dejo el enlace a la editorial y debajo de estas líneas la portada de la edición española de Nuevo Nueve.

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Un saludo y sed felices.

Novedades de Norma Editorial de mayo de 2026. Viene muy fuerte y es mi cumple …

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el inmenso placer de presentaros las novedades de Norma Editorial del mes de mayo. Estamos a las puertas del Salón del Cómic de Barcelona y la editorial catalana ha apostado por publicar gran cantidad de títulos de inmensa calidad. Intentaremos seleccionar algunos.

Novedades de Norma Editorial de mayo de 2026

Como ya he comentado antes, voy a seleccionar los títulos que más me llaman la atención de entre las novedades de Norma Editorial de este mes de mayo. Huelga comentar que la selección se realiza de manera totalmente subjetiva y atendiendo a mis gustos personales.

1.- El Mercenario. Integral 1.

Norma

El Mercenario. Integral 1 reúne las primeras aventuras del guerrero conocido como El Mercenario, que vive en un valle oculto en El Himalaya llamado País de las Nubes, poblado por dragones, monstruos y pueblos enfrentados.

En estos episodios iniciales lo vemos ejercer como guerrero a sueldo, mezclando encargos de rescate y misiones peligrosas con el descubrimiento de los secretos de este mundo fantástico y de sus extrañas tecnologías.

Lo tendremos disponible el 11 de mayo en nuestra librería habitual.

2.- El Castillo de los Animales. Integral 2.

Norma

Este segundo integral de El Castillo de los Animales cierra la fábula política iniciada en el primero, en un castillo gobernado por el tirano Toro Silvio y su milicia de perros, que oprimen al resto de animales.

La gata Miss Bengalore continúa liderando una rebelión pacífica frente a las amenazas, la miseria y la violencia, buscando derribar al régimen sin convertir la revolución en una nueva carnicería, en una clara relectura contemporánea de “Rebelión en la granja” centrada en la resistencia no violenta y la esperanza de una utopía más justa.

Este título estará disponible el 15 de mayo en nuestra librería.

3.- Six. Integral 1.

Norma

Six. Integral 1 es un wéstern crepuscular ambientado en Estados Unidos hacia 1860, donde seis personajes marginales —un huérfano, un desertor, un apache, un esclavo fugitivo, una exprostituta y una falsa monja— se ven forzados a colaborar.

Unidos solo por la desesperación y la promesa de una “montaña de oro” en las Black Hills, intentan escapar de sus muchos enemigos mientras el guion desmonta los tópicos del wéstern clásico y da protagonismo a quienes suelen quedar en los márgenes del género, todo ello con un dibujo muy expresivo de Javier Casado.

Podéis ver las novedades de Norma Editorial en su web, pinchando AQUÍ.

Y hasta aquí la selección de títulos de Norma Editorial previstos para este mes de mayo. No obstante, justo un poco más abajo, os dejo el pdf completo con todo el catálogo de novedades previstas para este mes.

Echad un ojo, disfrutad y sobre todo …

¡Sed Felices!

Meridiano de sangre, la novela más impactante del siglo XX.

Cormac McCarthy, autor prolífico, deja tras de sí una enorme cantidad de obras. Nadie olvidará “La carretera” ni “No es país para viejos”.

Cormac es un universo propio. Frases esculpidas, casi poemas. Descripción hiperrealista de acciones. Léxico cuidado. Personajes arrojados a un mundo que ya no es suyo o que nunca lo será. Y la parábola. Pues no hay obra que pueda entenderse solo como divertimento; en todas hay un mensaje a cada cual más crudo.

ARGUMENTO

Meridiano de Sangre”, escrita en 1985, es violencia pura.  Cuarenta y un años después sigue viva. Perturbadora y filosófica, se ambienta en la frontera entre Estados Unidos y México. Es la época del Lejano Oeste: vaqueros e indios. Pero narrada de una manera brutal.

En este ambiente de violencia y gente sin piedad, un joven -nacido en la mayor de las inmundicias y arrebatado hasta de su nombre, pues nunca se lo dieron- ha de sobrevivir como sea. Ese ímpetu de supervivencia, sumado al azar, le llevará a unirse a un grupo de mercenarios que cazan indios.

El mismo se compone de personajes desprovistos toda humanidad, salvo destellos mínimos. O quizá esa es la verdadera humanidad: bestias bajo trajes divinos.

El lejano oeste de “Meridiano de Sangre” es más cercano al infierno de Dante en la “Divina Comedia” que a cualquier western que hayas visto de John Ford o Howard Hawks.

Para McCarthy es un mundo despiadado, donde la violencia se convierte en estructural. No hay buenos ni malos. Porque esos conceptos no son humanos. Lo humano es sobrevivir, y vivir un día más solo depende del exterminio del otro.

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El director de cine John Ford

ANALÍZAME ESE LIBRO, COLEGA

Cormac McCarthy talla sus obras con un lenguaje cuidado; ya anunciábamos la preferencia culta del autor para describir los mayores horrores. Todo está narrado sin intermediarios morales.

La obra comienza con una narración rápida sobre la infancia de nuestro protagonista.  Sin embargo, evoluciona a una parte más descriptiva, componiendo escenas en las cuales veremos diferentes aventuras, todas descritas minuciosamente y creando encuentros incómodos con personajes oscuros y violentos.

Cada capítulo se convierte a su vez en un pequeño relato.  Cada uno contiene un elemento perturbador, inquietante, que hace que se rompa: con una acción totalmente inesperada o bien una charla filosófica que, sabemos, esconde algo aún desconocido para nosotros; o quizá sí conocido, pero a lo que no queríamos enfrentarnos.

La magia de este libro es que es tan duro, incómodo y brutal que parece que nada debiera estar ahí. Incluso así, el autor se saca un as de la manga y consigue que, dentro del infierno, sigan apareciendo elementos que nos incomodan todavía más.

Esta forma de narrar de Cormac McCarthy, dividiendo las escenas, adopta tres ritmos en la obra…

Una primera parte en la que se describen las acciones de los protagonistas en un ambiente brutal hasta cumplir una de sus misiones de caza de indios. Casi la mitad del libro consiste en llegar hasta esa caza, donde estalla la violencia. Pero la genialidad de McCarthy es que la misma ya está presente desde la primera página a través de la atmósfera.

En la segunda parte, todo es acción. Nos encontraremos matanza tras matanza; ahora la sensación de brutalidad llega desde la concatenación de acciones violentas. La sombra de los personajes se convierte en ríos de sangre.

Y la ultima parte del libro vuelve a un tono más pausado. Notamos aquí que el autor va cerrando la obra. No apuesta por una frase final que le dé sentido a todo, sino que se toma su tiempo para construirlo. Como dijo Albert Camus: hay que tallar palabras. Y como dijo Andréi Tarkosvki: hay que esculpir el tiempo.

Pues Cormac lo hace, y lo hace de una manera tan precisa que casi no lo percibimos. El ritmo, que se había convertido en un encabalgamiento abrupto, frena.  Respira, observa alrededor y nos da brochazos, advirtiéndonos que todavía algo sigue ahí. Es el final, y nos prepara para él. Hasta llegar a unas escenas clave que construirán el marco para entender el mensaje sin piedad que el autor tiene para nosotros.

Gran forma de construir un libro que contiene una de las ideas más brutales de la literatura.

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EN RESUMEN.

La lectura es densa. Un lenguaje tan cuidado y la abundancia de descripciones de actos hacen que el lector deba entregarse a la obra. Si no, el avance lento de la primera parte puede facilitar que se abandone la lectura.

Pero ese pacto entre escritor y lector es fácil de aceptar. Todo es tan raro, tan incómodo, tan nuevamente brutal que no puedes dejar de mirar. Ese es el principal acierto de “Meridiano de Sangre”: su atmósfera, y ver todo lo que ya nos habían contado, pero ahora desde ojos nuevos. Y son unos ojos totalmente desquiciados.

El mensaje de la obra es accesible y no se vuelve hermético; no obstante, hará que nos sintamos desconcertados y desolados.

No tiene adaptación al cine, de momento, porque sería demasiado violenta. Pero quizá esa barbarie sea la realidad de nuestros días y la de los anteriores. Como dice el cómic “Dioses Mancos” en boca de su protagonista, el Capitán Maní: “Mira a tu alrededor, hoy día.  ¿Quién no es un hijoputa?”

Parece que ese día no acaba.

Crítica de Send Help (Enviad Ayuda, 2026), un survival con el sello de Sam Raimi

Disney+ acaba de estrenar Send Help, película que, traducido su título en España como Enviad Ayuda y en Latinoamérica como ¡Ayuda!, nos trae el regreso del Sam Raimi más corrosivo en un filme que mezcla comedia negra, thriller psicológico, drama de supervivencia y terror físico con una formidable Rachel McAdams en su papel principal.

Los monstruos no nacen, se hacen”. La frase pronunciada por el personaje principal Linda en un momento de la película define perfectamente a Send Help (Enviad Ayuda), la nueva propuesta de Sam Raimi, uno de los más personales e interesantes directores que han sabido dar el cine de terror o el de ciencia ficción y que vuelve a reencontrarse con su silla después de la algo controvertida Doctor Strange en el Multiverso de la Locura (2022).

Aquí Raimi está más claramente en lo que sabe hacer. Y lo que sabe hacer es en primer lugar engañar, sobre todo al espectador. Son saludablemente varias las veces a lo largo del filme en que pensamos que todo lleva hacia un determinado tipo de historia que ya hemos visto para encontrarnos abruptamente con otra. Y cada vez que parece que el inconfundible sello del director tiende a diluirse o está directamente ausente, irrumpe de la forma más brutal e impactante para hacernos recordar que esta es una película suya.

Send Help cuenta la historia de Linda Little (Rachel McAdams), una asistente ejecutiva eficiente en lo laboral, pero muy loser, lo cual se evidencia tanto en su vestuario como en su calzado y en el hecho de vivir con una cacatúa como única compañía. Es fan de Blondie, banda de la cual ninguno de sus compañeros de trabajo ha oído hablar (suficiente para que ya no me caigan bien), y se lo pasa viendo realities de supervivencia para los que realiza vídeos a fines de ser admitida.

En su trabajo la ningunean todo el tiempo, al punto que el antipático Donovan (Xavier Samuel) le roba sus informes y los presenta como propios. Su jefe le había prometido que la ascendería a vicepresidenta y no tenemos forma de saber si pensaba cumplir la promesa o no porque su súbita muerte y llegada a la empresa de su hijo Bradley (Dylan O´Brien) introduce un signo de interrogación y torna incierto el futuro de Linda al preferir este para tal cargo a Donovan, de quien es amigo de años.

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Si Donovan es antipático, Bradley lo aplasta. Soberbio y pedante, se pavonea en las oficinas con su prometida Zuri (Edyl Ismail) y dice preferir para el puesto antes mencionado a alguien con presencia y capacidad de relacionarse, además de que en en lo posible sepa jugar al golf y no tenga restos de atún sobre su escritorio ni en la comisura de la boca, nada de lo cual encaja con Linda.

Al ir ella a verle para plantear su decepción, él le ofrece como premio consuelo acompañarle junto a su detestable séquito de obsecuentes en un viaje de negocios a Tailandia. Sin embargo, una tormenta se abate sobre el avión en pleno vuelo y, tras hacer pedazos su fuselaje, lo hace caer sobre el océano en cercanías de una isla paradisíaca pero desierta a la cual Linda y Bradley van a parar como únicos sobrevivientes.

Ella pone en práctica todo lo aprendido con los realities y se la ve más interesada en seguir sobreviviendo que en salir de la isla, exactamente lo contrario de él, que mantiene sus aires de arrogancia y altanería aun con una pierna literalmente destrozada y como si la isla siguiera siendo su empresa.  Para ella, en cambio, ese entorno salvaje es un mundo en el cual se siente ama y señora en contraposición con el ejecutivo y empresarial.

Desde ese momento, Send Help se transforma en una historia de supervivencia y son varios los casos de filmes o series en que los protagonistas van a parar a una isla desierta tras un accidente aéreo (Náufrago, Seis Días y Siete Noches, Perdidos) o que, siendo solo dos, deben afrontar el desafío de convivir más allá de los roces (Infierno en el Pacífico, El Lago Azul). Pero esto es un filme de Sam Raimi y ello hace inevitable que esa excusa argumental sea utilizada con otro sentido.

La desigual lucha de la oficina se traslada a un ámbito en el que no hay control y, por el contrario, pareciera ser Linda quien tiene la batuta, habida cuenta del aislamiento, la ausencia de normas y el estado en que Bradley se halla. Es como si invirtiéramos el planteo de Misery haciéndonos tomar partido por Annie Wilkes.

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Pero aun eso puede ser engañoso, pues una de las cuestiones que plantea la supervivencia en la isla es que la ambigüedad moral tiene campo libre de acción y no es que que Linda sea tan santa ni carezca de zonas oscuras como en principio podría pensarse. De hecho, su obsesión por ascender no es distinta de la de aquellos que la marginan y el final del filme es bastante evidente al respecto.

La misoginia, al igual que el canibalismo laboral y la competencia descarnada, es importante dentro del filme y, sin embargo, Raimi evita sagazmente la corrección política de mostrar únicamente a la mujer sufrida y postergada en su ámbito laboral para presentarla, en cambio, como víctima y victimario a la vez. Y si bien hay momentos en que su vengativo proceder nos pueda despertar algo de simpatía, también los hay en que nos genera conflicto y sensaciones encontradas, lo cual nos conduce nuevamente a la frase que citamos al principio acerca de que los monstruos, en definitiva, se hacen…

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La lucha por la supervivencia es aquí literal y, llegado cierto punto, puede implicar incluso la mutua destrucción física, terreno en el cual Raimi se mueve como pez en el agua y que le permite echar mano de esos repulsivos detalles gore que no transitaba desde Arrástrame al Infierno (2009). Y las cámaras subjetivas o de movimiento frenético que tanto caracterizan su filmografía reaparecen en toda su dimensión, al igual que los primerísimos planos o planos-detalle.

Todo vale cuando no hay normas ni sistema contenedor. Lo mismo te pueden reventar el ojo que vomitarte en la cara mientras tratan de hacerte respiración artificial y si lo expreso en segunda persona es porque precisamente esa es la sensación que el filme genera con los clásicos efectos bien de entrecasa, artesanales o de cine B que siempre fueron sello de Raimi.

La película parece ir al principio hacia una comedia ejecutiva en el estilo de El Diablo viste de Prada (aquí retro-análisis), lo cual parece casi un homenaje al ser Rachel McAdams la protagonista principal, habida cuenta de que la actriz había sido inicialmente considerada para el papel de Andrea Sachs en dicho filme antes de que fuera designada Anne Hathaway.

Sin embargo, se desvía drásticamente hacia el terror psicológico más escabroso y, cuando pareciera luego reencaminarse hacia una historia de amor en que los personajes descubren cuánto tienen en común al verse en apuros, todo vuelve a cambiar una vez más y los giros se mantienen así hasta el final. Es cierto que el ritmo no se mantiene igual durante toda la película, sufriendo especialmente una pérdida en los tramos medios, pero a la vez ello termina siendo parte del engaño que construye un director al cual, repito, es bueno ver nuevamente en lo suyo.

Producida por 20th. Century Fox, Send Help está mayormente rodada entre Australia y Tailandia con guion a cargo de Damian Shannon y Mark Swift, dupla de buena presencia en el cine slasher.  La música, por su parte, corresponde al experimentado Danny Elfman, quien nos sabe guiar a través de todos los cambios que el filme propone, pudiendo así la misma sonar distendida, nostálgica, dramática, ominosa u obsesiva según la trama lo requiera.

Dylan O´Brien está correcto en su papel, pero el verdadero lucimiento es de Rachel McAdams, quien entrega quizás el mejor trabajo de su carrera con un personaje que tiene algo de autorreferencial y no solo, como antes hemos dicho, por la relación con El Diablo viste de Prada, sino también porque la escena del accidente aéreo con los cuerpos succionados (gloriosa y deliberadamente cutre) remite a Vuelo Nocturno (2005), filme de Wes Craven que ella misma protagonizara. Además, y al igual que Linda en su trabajo, McAdams no ha tenido en su ámbito el suficiente reconocimiento e, injustamente, fue nominada al Oscar solo una vez.

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Send Help, en definitiva, es una propuesta que no será para todos los gustos (desaconsejable especialmente para estómagos débiles), pero sí para quienes extrañen al Sam Raimi que, con su humor negro y corrosivo, supo hacer nuestras delicias en otros tiempos, sello personal que, de manera casi paradójica, termina recuperando en una plataforma de Disney.

Y un dato más al margen: el correr de los créditos finales con Blondie de fondo (One Way or Another) es acompañado por ilustraciones didácticas sobre métodos de supervivencia, así que no los quiten ni permitan que la plataforma lo haga porque uno no sabe cuándo pueda necesitarlos. Y si van a quedarse varados en una isla, rueguen que sea en soledad y no en compañía…

Les dejo abajo nuestros otros artículos sobre filmes de Sam Raimi y también a Blondie, no sea cosa que vayan a pensar (como muchos jóvenes creen hoy) que ese tema que cierra la película es de One Direction.  Hasta la próxima y sean felices…

Retro-Análisis: Evil Dead (1981), una cabaña, un libro y mucha casquería

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Doctor Strange en el Multiverso de la Locura (2022), mucha magia visual para esconder la simpleza

Reseña de Rogue Trooper: El Valle de las Heridas. El toque de Garth Ennis a uno de nuestros títulos favoritos de 2000 AD.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de hablaros de uno de los títulos más emblemáticos de 2000 AD: Rogue Trooper: El Valle de las Heridas. En esta ocasión, tenemos a los mandos a (nada más y nada menos) Garth Ennis.

¿Quién nos lo ha traído? …

Dolmen Editorial

Roque Trooper: El Valle de las Heridas

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Tierra Nu siempre fue un infierno bélico, pero en El valle de las heridas, la cosa va un paso más allá: un agujero negro caprichoso arranca a Rogue Trooper de su guerra química eterna y lo lanza a otro conflicto igual de sucio, igual de desesperado y, sin embargo, muy distinto.

Allí, en medio de una guerra que no es la suya, el último soldado de Infantería Genética sigue siendo exactamente lo que fue creado para ser: una máquina de supervivencia que solo entiende de avanzar, cumplir la misión y honrar a los caídos.

Garth Ennis aprovecha esa premisa casi de “qué pasaría si Rogue fuera el fantasma de las Navidades futuras” para un pelotón británico perdido en plena Segunda Guerra Mundial, convirtiendo al clásico héroe azul de 2000 AD en una figura casi espectral que pasea por un paisaje helado y lleno de cicatrices físicas y morales.

El resultado es un cómic donde la ciencia ficción, el horror bélico y el drama de soldados que saben que, hagan lo que hagan, el barro se los va a tragar, se dan la mano en una historia cerrada, directa y con más mala leche emocional de la que parece a simple vista.

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La edición de Dolmen Editorial

Dolmen Editorial presenta Rogue Trooper: El valle de las heridas dentro de su Línea Albion, siguiendo la línea de recuperación y puesta al día de grandes iconos del cómic británico que ya hemos visto con Juez Dredd, Nemesis the Warlock o Perro de Estroncio.

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Tenemos reseña de Reseña de Rogue Trooper de Gerry Finley-Day. Tomo 1. Pinchad AQUÍ.

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Nos encontramos con un tomo en tapa dura de 20 x 28 cm, 96 páginas en blanco y negro, con ese papel y reproducción que buscan respetar la atmósfera original sin renunciar a una buena nitidez de trazo.

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Tenemos reseña de Juez Dredd: Necrópolis. Pinchad AQUÍ.

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El volumen incluye la historia completa escrita por Garth Ennis y dibujada por Patrick Goddard, con portada potente y un interior que luce especialmente bien en este formato grande, donde los contrastes de negros y grises trabajan a favor del tono gélido y opresivo del relato.

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Tenemos reseña de Juez Dredd: Dredd vs. Muerte. Pinchad AQUÍ.

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Es, en definitiva, el tipo de edición “Dolmen Albion”: sólida en mano, pensada para durar en estantería y para que quienes llegan nuevos a Rogue Trooper tengan una puerta de entrada clara, mientras que los veteranos disfrutan de una puesta de largo a la altura del personaje.

Pinchad AQUÍ, para acceder a más información sobre este título en la web de Dolmen Editorial.

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El poderoso equipo artístico

Garth Ennis (Irlanda del Norte, 1970) es uno de los grandes nombres del cómic moderno, conocido por series como PredicadorThe BoysHellblazer o Crossed, donde mezcla violencia extrema, humor negro y una mirada muy cínica pero muy humana hacia sus personajes.

Debutó a finales de los 80 en revistas británicas como Crisis y pronto dio el salto a 2000 AD, donde ya dejó huella con Juez Dredd antes de convertirse en un habitual del mercado estadounidense y ganar premios como el Eisner gracias a obras como Hitman y el propio Predicador.

Además de su pasión por el terror y el superhéroe malencarado, Ennis tiene una fijación clara por el cómic bélico, algo que se nota mucho en el tono de este Rogue Trooper: El valle de las heridas.

Patrick Goddard, por su parte, es un dibujante habitual de 2000 AD y de la Judge Dredd Megazine, donde ha trabajado en series como Judge Dredd o Nina Petrova and the Angels of Death.

Su estilo, detallado y muy sólido en anatomía y entornos, encaja como un guante con la dureza del guion de Ennis: rostros castigados, uniformes pesados, nieve, barro y maquinaria de guerra que parecen tener peso real en página.

Aquí firma un trabajo que equilibra muy bien la épica bélica con la sensación de horror cotidiano, apoyándose en el blanco y negro para reforzar el clima de “pesadilla helada” que pide la historia.

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Valoración final

Rogue Trooper: El valle de las heridas me ha parecido, sencillamente, una delicia para cualquiera que disfrute de la vertiente bélica de Garth Ennis y al mismo tiempo, tenga cariño por la tradición de 2000 AD.

Es una historia autocontenida, accesible incluso si no has seguido al personaje desde sus orígenes, pero cargada de guiños para el lector veterano: el trauma de Tierra Nu, la condición de último de su especie, la búsqueda del traidor convertida aquí en una especie de condena eterna.

Ennis no se limita a hacer “otra misión de Rogue”, sino que lo utiliza como espejo deformado del soldado humano corriente, mientras Goddard construye un paisaje de trincheras, nieve y fuego que te mete de cabeza en ese valle del título donde cada cicatriz cuenta algo.

Como lector, y como alguien que disfruta de la combinación entre pulp bélico y ciencia ficción dura, el tomo me ha dejado muy satisfecho: ritmo ajustado, atmósfera lograda y una edición de Dolmen Editorial que hace justicia al material original.

Si te atraen las historias de guerra con mala conciencia, los iconos del cómic británico y los héroes condenados a seguir caminando aunque el mundo se hunda a su alrededor, este Rogue Trooper: El valle de las heridas es una de esas lecturas que, efectivamente, se ganan un hueco …

¡Entre esas pequeñas cosas que nos hacen felices!

Andy Serkis desvela la reacción de Viggo Mortensen ante el cambio de actor para el papel de Aragorn en El Señor de los Anillos: La caza de Gollum

El director de El Señor de los Anillos: La caza de Gollum, Andy Serkis, desvela cómo reaccionó Viggo Mortensen al enterarse de que Jamie Dornan interpretaría a Aragorn, y reflexiona sobre su singular experiencia en Star Wars.

En la CinemaCon del mes pasado, Warner Bros. anunció el reparto principal de El Señor de los Anillos: La caza de Gollum. La mayor sorpresa fue que Jamie Dornan, protagonista de Cincuenta sombras de Grey y El turista, sustituirá a Viggo Mortensen en el papel de Aragorn.

Viggo Mortensen

Aunque se esperaba que un nuevo actor tomara el relevo, se había rumoreado mucho que Leo Woodall (One Day) interpretaría el papel. En cambio, ahora sabemos que ha sido elegido para interpretar a Halvard, un personaje de nueva creación para la Tierra Media.

El Señor de los Anillos: La Caza de Gollum. Teaser con el reparto

Andy Serkis ha dicho lo siguiente:

«Estamos a punto de empezar a rodar. Por eso diré que, ya sabes, no nos queda mucho para empezar. Así que voy a dejar para más adelante todo lo relacionado con el reparto»

«Aparte de eso, estamos encantados de que Jamie participe. Estamos absolutamente encantados. Y, por cierto, Viggo también lo está».

Cuando preguntaron a Serkis sobre Gollum comentó lo siguiente:

«Hay mucho más por descubrir en este personaje tan complejo, quizá el más complejo que Tolkien creó, ya que él mismo lo revisó en numerosas ocasiones. Por eso surgió el deseo de hacer una serie de películas que volvieran a la Tierra Media, y esto parecía una forma estupenda de recuperar a parte del reparto, pero también de enfocar la historia desde una perspectiva mucho más íntima».

«Y una profunda investigación psicológica de un personaje que se ha arraigado en la conciencia colectiva de una forma bastante notable. Así que da la sensación de que tiene una relevancia real. Creo que aún hay mucho que sacar del personaje, y encaja perfectamente entre la trilogía de El Hobbit y El Señor de los Anillos. Es una forma estupenda, creo, de traer de vuelta al público a este mundo».

Un saludo y sed felices.

Avance editorial Yermo Ediciones mayo-agosto de 2026.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros el avance editorial de Yermo Ediciones, previsto de mayo a agosto de 2026. Sin lugar a dudas, Yermo continúa con sus series más exitosas y apuesta por la continuación de su habitual línea editorial que tanto nos deleita a todos los aficionados.

Avance editorial Yermo Ediciones de mayo a agosto de 2026

Hace ya unas semanas que Yermo Ediciones nos ha presentado su avance de novedades de mayo a agosto. Como es habitual, van a llegar publicaciones de gran calidad y a unos precios muy competitivos.

No obstante, quiero resaltar una serie muy esperada para mí: Las Nuevas Aventuras de Barbarroja.

Yermo

No obstante, justo aquí debajo, os dejamos el pdf con el avance editorial de mayo a agosto de Yermo Ediciones.

Echadlo un ojo, disfrutad y sobre todo …

¡Sed Felices!