Narcos: México es el nombre con el que se presenta la cuarta temporada de Narcos, si bien es cierto que no se le reconoce así como tal. Netflix decidió «rebootear» el concepto y acabar Narcos en 2017 con la tercera temporada, siendo Narcos: México un nuevo comienzo donde Colombia deja paso al Cártel de Guadalajara, aunque que la sombra de los carteles colombianos es demasiado alargada como veremos en el capítulo 5.
La serie está protagonizada por Diego Luna, Michael Peña, Ernesto Alterio, Tenoch Huerta, Joaquín Cosio, Matt Letscher, Aaron Staton, José María Yazpik, Alyssa Díaz y Teresa Ruiz. Al frente de la historia sigue estando Chris Brancato.
Félix Gallardo cansado de la marihuana se pasa a la cocaina.
Narcos: México la fórmula se agota.
Como gran admirador de las anteriores temporadas (considero la temporada del pasado año de lo mejor del 2017) tenía muchas ganas de que llegase tan ansiado estreno. Tras el visionado de la serie solo puedo lamentarme y darle un sonoro y doloroso suspenso . Destacaría que se salva por los aspectos técnicos (a estas alturas que menos) pero es que el sonido es bastante pobre, y si a ello se le suman algunos problemas de dicción es el acabose. Localizaciones, vestuario y demás es, como siempre, de sobresaliente. Es de alabar también la banda sonora, y es que en cuanto sonaron los primeros acordes reconocí al oscarizado Gustavo Santaolalla, conocido también por componer la banda sonora de las dos partes del videojuego The Last of Us.
Entonces, ¿Qué es lo que falla en Narcos: México? Para empezar comete para mí un gran pecado capital, repetir los esquemas de la primera y tercera temporada que tan bien funcionaba en ambas. Presentación de los cárteles de Medellín y Cali, y la aparición en escena de la DEA. Esta temporada opta por llevarnos por la misma y segura senda, pero pronto vamos viendo que hay un problema de fondo y es que los personajes no son ni la mitad de jugosos. Miguel Ángel Félix Gallardo, fundador del Cártel de Guadalajara, no impone como lo hacían los Escobar, Gilberto, Pacho Herrera o Miguel Rodríguez Orejuela. No es problema del actor, Diego Luna, cuya validez y versatilidad está más que demostrada. Percibo pues un problema en la historia que no es capaz de trasladarnos el terror de tener en pantalla a un personaje como el de Félix Gallardo, quien estará a la sombra de varios personajes y círculos hacia más de la mitad de la serie. Y es que hay un problema, el Imperio de Félix Gallardo tarda mucho tiempo en la serie en formarse. Será en el séptimo capítulo cuando notemos que Félix ha tomado las riendas pero ya va tarde. En lo que concierne a la DEA es más notable si cabe las deficiencias de la misma en la historia. Michael Peña encarna a Kiki Camarena, agente de la DEA que trata de acabar con el Cártel de Guadalajara, pero su papel es muy reducido en comparación con el de Pedro Pascal en las anteriores temporadas, donde asistíamos al típico juego del gato y del ratón. Aquí la DEA pasa mucho más de puntillas y Michael Peña y su Kiki Camarena no hacen sombra a Pascal y su agente Peña. Tampoco se trata de comparar pero, ya puestos, la serie no resiste ni lo más mínimo tal comparación. Pero el principal problema es que a lo largo de las 10 horas suceden pocas cosas relevantes. Hay dos capítulos que sí lo son: el quinto, que es el viaje de Félix Gallardo a Colombia para introducir el negocio de la coca con la consecuente aparición de personajes conocidos para los seguidores de Narcos, y el séptimo en el que hay una escena clave entre el personaje de Diego Luna y Ernesto Alterio, actor que debería haber sido mucho más aprovechado, ya que sus apariciones son de los mejores momentos de la serie. Respecto a los cofundadores del Cártel, Rafael Caro Quintero y Don Neto Fonseca, tengo sentimientos encontrados. El primero roza y se pasa muchas veces de lo paródico del narco, típico personaje cliché. Don Neto sin embargo es más atrayente pero al igual que sucede con el personaje de Alterio se le echa en falta más minutos.
Rafa roza la parodia.
Conclusión final.
En definitiva tenemos una serie a la que le cuesta mucho avanzar. A veces resulta tediosa, a veces lenta, falta de ritmo con el añadido de una mala calidad en el sonido en el que encontramos una discordancia entre las voces y el ruido ambiental. Narcos: México es un paso atrás para Netflix. El uso de personajes conocidos es un recurso que debería haber ido más allá del cameo. Me refiero por ejemplo al Chapo Guzman y, sobre todo, a los colombianos. La trama policíaca debería haber cobrado mayor protagonismo ya que no se percibe ninguna amenaza policial en gran parte de la serie. Narcos: México tarda mucho en arrancar y cuando estalla a falta de tres episodios ya es tarde. La sombra de temporadas anteriores es larga, sí, pero ni como serial independiente podemos hablar de una gran serie. Este año no puedo recomendarla.
¿Hay algún aficionado al 9º Arte que no conozca a Milo Manara? El autor europeo que ya es leyenda viva del cómic presenta en la prestigiosa galería El Arte del Cómic (calle Acuerdo 10, Madrid) su primera exposición y venta de originales en Madrid.
Milo Manara es conocido por sus obras como El click, El perfume invisible,Las aventuras de Giuseppe Bergman o Viaje a Tullum con guiones este último del maestro Federico Fellini. Las novelas gráficas de Manara, de contenido erótico, suelen mostrar a una mujer fuerte, elegante y sensual con un trazo fino y lleno de movimiento, obras de excelsa calidad que le han alzado a los altares de los autores vivos europeos.
Daniel Aldonza, dueño de la galería El Arte del Cómic y artífice de traer esta exposición única en Madrid nos ha dejado la nota de prensa que podéis ver a continuación.
La primera galería física de venta de originales en Madrid “ El Arte del Cómic” en colaboración con la prestigiosa galería con sede en Bruselas y Paris “Huberty & Breyne Gallery” presentan “L´Essenziale”, una exposición única e irrepetible del dibujante más reconocido e influyente en el mundo actual: Milo Manara
Por primera vez en la capital de España se exhibe una exposición retrospectiva del genio italiano que contará con una representación de las obras más significativas creadas a lo largo de su carrera y aclamadas por la crítica mundial así como por los lectores, ya que la obra del autor cosecha éxitos entre la crítica y el público a partes iguales.
Obras como “El Click”, “Giuseppe Bergman”, “Candid Camera”, “Il profumo dell´invisibile”, “El gaucho”, “L´Odissea”, “Revoluzione”, “Fuga da Piranesi”, “Tre ragazze nella rete”, “Ballata in si bemolle”…
Las portadas realizadas para “Viaggio a Tulum”, “Miele”, “Il Borgia” o las exclusivas que realizó para Marvel podrán verse expuestas en las paredes de esta muestra.
Ilustraciones de la serie del “Zodiaco”, de la obra “Contents Libertins La Fontaine”o de las actrices americanas realizadas para la revista “Lui”…
Sin olvidar la parte de los bocetos donde vemos el trazo delicado y único del maestro esbozando lo que luego será una obra de arte.
Todas las obras estarán a la venta, una oportunidad única para llevarse consigo una pequeña parte del mundo de este único e irrepetible artista.
Una breve biografía del autor
Manara descubre los cómics gracias a la esposa francesa de Berrocal, de los cuales nunca había sido un gran seguidor en su infancia o adolescencia. Inmediatamente queda fascinado por el carácter de producción en masa del medio, que se desvía de la singularidad de la obra de arte pictórica relacionándose así mas estrechamente con la literatura. Manara ve en los cómics la posibilidad de construir un papel en la sociedad y, por lo tanto, decide tratar de involucrarse con este lenguaje.
En 1978 creó su primer exitoso personaje, firmando también el guión, HP y Giuseppe Bergman, donde HP es una clara referencia a su maestro y mentor Hugo Pratt, transformado en uno de los protagonistas de la historia; en los años siguientes, Manara publica otros episodios dedicados a Giuseppe Bergman.
Entre finales de la década y principios de los ochenta, participó en la creación de Comic Story of Italy por Enzo Biagi y creó, por encargo de la revista Playmen, Il gioco, una historia con una alta densidad erótica que alcanza un éxito mundial extraordinario e inesperado por el propio autor.
Fellini pone su mano en uno de sus proyectos más personales y juntos dan vida al Viaje de G. Mastorna. Manara también produce los carteles de la película La voce della luna de Fellini.
A principios de los noventa, entre las muchas colaboraciones internacionales, ilustra Fantasex, una colección de historias de erotismo y ciencia ficción, seguida de la transposición de tres clásicos de la literatura: Gulliveriana, Kamasutra y L ́asino d ́oro. Luego dibuja tres historias de contenido social: Ballata in si bemolle, Rivoluzione, sobre la barbarie generada por la televisión, y Tre Ragazze nella nete inspiradas en el mundo de Internet.
Después de muchas publicaciones en Francia, es el turno de los Estados Unidos, gracias a una colaboración con DC Comics para su sello para adultos Vertigo, para el que realiza la historia de Desiderio en el libro Sandman Notti Eterne. Unos años más tarde, hace para Marvel Comics con guión de Chris Claremont X-Men: Ragazze in fuga.
Con la expansión de la comunicación multimedia, las actividades de Manara se diversifican, y también se centran en la creación de guiones gráficos y consultoría para campañas publicitarias, como las de Chanel, para Luc Besson. Su última obra es la biografía del pintor Caravaggio, publicada en dos volúmenes.
Ya tenemos aquí el primer tráiler, y además en español de El rey León (2019), la película de acción real basada en la película de dibujos animados del mismo nombre de Disney de 1994. La película es mundialmente conocida hasta tal punto que su musical es uno de los que más éxito cosecha en todos los países donde se estrena. ¿Tienes ganas de emocionarte una vez más? La película se estrena en julio de 2019 y no será la única película de Disney que verá la luz con «personajes reales» el próximo año.
Más películas con personajes reales de Disney
Parece que durante los próximos años veremos la adaptación de grandes películas de animación como cintas de acción real. Sólo para 2019 veremos El rey león, Aladin y Dumbo y para el 2020 se estrenará Mulan. Realmente nadie ha pedido estas adaptaciones pero ante la sequía en Hollywood de nuevas ideas en el cine (al contrario que en las series) se hace o se adapta lo que sea para seguir tirando del 9º Arte.
¿Estás a favor o en contra de estos remakes? ¿Aportan algo nuevo al medio o por el contrario lo minusvaloran?
Cuando nos estancamos en el producto más mediático, muchas veces tendemos a olvidar lo creativo y diferente que puede llegar a ser un medio. No es por desmerecer a lo comercial, que a veces sorprende y suele gozar de buena calidad, pero es el más propicio a estancarse en la comodidad y el sustento que garantiza hoy en día la popularidad. Y precisamente cuando salimos de esa burbuja y nos adentramos en aquellos productos que no han podido traspasarla y calar en el imaginario popular, muchas veces descubrimos nuevas maneras de hacer fascinantes que, estén más o menos pulidas, son un soplo de aire fresco necesario.
Una de estas propuestas transgresoras y diferentes que no ha sido capaz de estallar como debería en el resto del mundo, es la británica Inside No. 9, una serie descarada e innovadora como pocas que revive y revitaliza el concepto más clásico de antología. En este artículo, voy a explorar el concepto de la antología y mostrar porqué Inside No. 9 consigue un equilibrio magnífico que plasma su evolución a lo largo de la historia.
Antologías antes y ahora
Las antologías son aquellas series que carecen de una continuidad entre capítulos y que en cada entrega son libres de abordar la temática que deseen con los personajes y entornos que prefieran. Pero a pesar de la aparente ausencia de nexo entre sus episodios, las antologías siempre suelen tener algún elemento o característica unificadora que defina su personalidad y acote levemente qué esperar de ella. Fue una manera de hacer televisión revolucionaria y que fue responsable del apogeo que sufrió el medio en los años 50, con las ya famosas Alfred Hitchcock presents y The Twilight Zone. Durante el transcurso de la historia, poco a poco, -a pesar de su breve resurgir en los 90 con Tales from the Crypt o Amazing Stories-, fueron perdiendo fuerza con el surgimiento y popularización de series con una continuidad más dura al aparecer en escena los arcos de temporada.
Pero en 2011, hizo acto de presencia Black Mirror, una nueva formulación del concepto de antología en televisión, que anhelaba contar historias más ambiciosas y con un mayor desarrollo, dejando atrás así los primigenios días de los 30 minutos de duración. Ha sido gracias a Black Mirror que el público ha empezado a mirar con otros ojos el concepto de antología, reivindicando así su potencial y dando rienda suelta a toda una ristra de productos buscando reproducir su éxito. Pero, con este renovado foco puesto sobre las antologías, no cabía esperar mucho antes de que empezaran a surgir propuestas interesantes envalentonadas por esta nueva seguridad del formato. Y es aquí donde entra Inside No. 9.
Lo mejor de ambos mundos
Inside No. 9 propone una regresión a la esencia de las antologías, pero manteniéndose actual y aprendiendo de la popular Black Mirror. Aquí el nexo común entre los episodios es, para sorpresa de todos, el número 9. Todas las historias que acontecen, pivotan alrededor de ese numero, librándose así de la unidad por género que presenta Black Mirror, consiguiendo así más libertad para experimentar con una mayor variedad de temáticas. Es gracias a esto, por lo que los capítulos de Inside No. 9 suelen tener tanta personalidad, porque pueden permitirse hibridar varios géneros en función de las necesidades dramáticas de cada historia.
La serie también recobra el carácter de las antologías clásicas sin olvidar el presente, recuperando el mórbido humor y la ácida justicia de Tales from the Crypt; pasando por la contundente y reflexiva ironía de The Twilight Zone; y aderezado con la cruda crítica de Black Mirror. Un compendio de estilos que, contra todo pronóstico, combinan increíblemente bien, dejando una serie con reminiscencias clásicas y contemporáneas al mismo tiempo.
Pero, a pesar de presentar esta amalgama entre el pasado y el presente, si hay un término que define bien a Inside No. 9 es frescura. Desde el primer capítulo ya es apreciable lo distinta que es la serie, se respira algo especial. Cada episodio es una aventura nueva en el más estricto sentido de la palabra, pues la serie siempre busca maneras de innovar narrativamente e implementa recursos sumamente interesantes, reforzando así aun más la personalidad de sus entregas sin desentonar en la imagen del conjunto.
¿Por qué ver Inside No. 9?
¿Y por qué no? De todos los productos de los que disponemos en el panorama televisivo actual, la antología es el que menos riesgo ofrece, pues al carecer de continuidad alguna, lo único que nos debe conquistar es la esencia y trasfondo de la serie. Y si nos ceñimos al caso que nos concierne, Inside No. 9 ofrece quizás una de las mejores propuestas de antología del mercado. Ya sea por su diversidad de géneros, por su corta duración (30 minutos) o por su ansia innovadora; rara vez aparecerá el tedio. Incluso en sus capítulos más flojos, la serie ofrece siempre una historia distinta, bien construida y con sensación de autoría.
Para aquellos que busquen sorpresas o un contrapunto extravagante con la tónica del producto medio, Inside No. 9 ofrece cobijo si te dejas llevar.
AuZtralia es el nuevo juego de mesa de Martin Wallace, uno de los autores de más prestigio dentro del mundillo lúdico. Permite partidas de 1 a 4 jugadores (edad mínima sugerida de 13 años) y una duración aproximada de unos 30 minutos por participante. Está publicado en español por la editorial Masqueoca con un precio de 65 euros (75 en su edición especial).
Estamos ante una continuación temática de un juego anterior del mismo autor, Estudio en Esmeralda. Allí se mezclaban de manera muy acertada a personajes reales y ficticios de la Inglaterra victoriana (por ejemplo Otto von Bismarck y Sherlock Holmes) con los Mitos de Cthulhu.
En Auztralia se nos cuenta que Cthulhu y sus seguidores fueron derrotados pero la guerra se cobró un alto coste, ya que las tierras del hemisferio norte quedaron envenenadas y la gente se muere de hambre. Por ello se ha abierto la veda para poder explorar las regiones del nuevo mundo que permanecían ocultas, entre ellas Australia. En el juego tomamos el papel de una compañía que quiere expandirse por el nuevo continente en busca de nuevos recursos.
El juego totalmente desplegado luce muy bien
Pero el problema es que Cthulhu y los suyos se escondieron en los más profundo de las tierras inexploradas de Australia. El conflicto está servido en cuanto los colonos lleguen a esos rincones oscuros y el antiguo mal resurja.
Con este apasionante argumento Martin Wallace nos presenta un juego con dos fases bien diferenciadas. Al principio lo que haremos será expandirnos por Australia, hasta el momento en que se revele la presencia de las huestes de Cthulhu. En ese momento empezará un combate entre los Primigenios y los jugadores que tendrán que usar todos los recursos que hayan logrado acumular anteriormente. Primero tendremos que explorar y expandirnos por el continente (construyendo vías de tren) y luego habrá que pelear contra los monstruos que nos acechan.
El principal recurso que tendremos que gestionar será el tiempo. Todas las acciones que podemos llevar a cabo tendrán un costo en un track temporal que será el que vaya ordenando el turno de los participantes hasta llegar a un punto en el que los Primigenios despertaran para unirse a la partida como un jugador más (en la casilla 22). Este track será también el que nos marque el final de la partida (cuando acaben las 53 unidades de tiempo, se acabará la partida).
Tablero de los jugadores donde podemos ver las acciones disponibles, todo en español
Las acciones que podemos llevar a cabo son las siguientes:
Construir vías de tren. Cuesta carbón y hierro.
Recuperar recursos de una zona a la que hemos llegado con vías de tren. Existen monedas, fósforo, hierro y carbón.
Comprar carta de personajes de una reserva visible. Dan habilidades puntuales (recursos) o permanentes (+1 en ataque a primigenios con tanques) o bonus de puntuación al final de la partida (+x puntos por cada granja).
Construir hasta tres granjas, siempre que sean en terrenos diferentes de los tres existentes (valle, playa y montaña). Consigues una moneda por cada.
Comprar unidades militares con monedas.
Atacar a un monstruo.
Recuperar tus cubos de acción, ya que cada acción que hagas la bloquea, a menos que pagues dinero para repetirla.
Detalle de la expansión de los jugadores.
Los enfrentamientos contra los enemigos se hacen a través de una baraja (la misma que mueve a los monstruos). Para resumir comentar que cada carta determina qué unidades militares infligen daño al primigenio, así como a qué unidades daña el monstruo. Se va jugando un turno de batalla tras otro hasta que gane el primigenio (acabando con las unidades de combate que hemos enviado o acabando con la cordura del jugador), gane el jugador (haciendo al enemigo tantos puntos de daño como resistencia tiene) o el jugador se retire.
La partida acaba cuando se rebasa la casilla de valor 53 del track de tiempo o si los monstruos destruyen algún puerto (la base desde la que parte cada jugador). En ese momento se hace un recuento de puntos para ver quien ha ganado, con la peculiaridad de que incluso los primigenios pueden ser los vencedores.
Da puntos de victoria a los jugadores lo siguiente: las granjas, las cartas con condiciones de puntos, un recurso escaso, el fósforo y acabar con los enemigos. Las hordas de Cthulhu se puntúan con las losetas de monstruos que queden en juego (valen más las que no estén descubiertas) y por las granjas de los jugadores que hayan sido arrasadas.
Como añadido el juego tiene un modo solitario que permite a una persona jugar sola contra los primigenios, algo que es del gusto de muchos jugadores.
Para hacer este análisis se ha utilizado la edición especial del juego publicada por Masqueoca que contiene todos sus extras y mejoras desbloqueadas durante una campaña de Kickstarter (micromecenazgo) que se realizó para varios países. Los componentes de esta edición son de muy buena calidad (los tokens de recursos son variados y muy vistosos) y el aspecto gráfico está bastante logrado. Destaca sobre todo el tablero personal de los jugadores (claro y completo) y las cartas de personajes. El tablero principal es correcto pero le puede faltar un poco de color (las tierras de Australia eran mayormente desérticas pero no hubiera estado de más un poco más de alegría).
Oro, hierro, carbon y fosfato, los recursos del juego
Opinión personal
Auztralia me ha gustado bastante. La mezcla entre la parte de exploración y explotación y la de luchar contra los primegenios puede resultar extraña pero en la práctica fluye bastante bien y hace que las partidas sean amenas y divertidas. Primero nos dedicamos a recolectar recursos para poder construir granjas (con las que puntuar al final) y armar unidades militares con las que luego poder defendernos de los enemigos (para que no acaben con nuestro puerto o las granjas y para llevarnos los puntos que otorgan).
La idea de tender una línea ferroviaria para expandirnos recuerda un poco a otro juego de Martín Wallace, Raíles, tanto por temática como por mecánicas. Pero AuZtralia es mucho más ligero y sencillo así que es más fácil convencer a unos amigos para echarnos unas partidas. Sobre todo porqué después va a tocar molernos a palos con unos monstruos y eso siempre es divertido.
También me gusta que sea semicoperativo. Cada jugador va por su lado buscando su propia victoria pero teniendo en cuanta que si cae un puerto serán los primigenios los ganadores. Además, varios jugadores pueden atacar a un mismo monstruo, repartiéndose los puntos que otorgan (algunos son tan poderosos que sólo podrán ser derrotados colaborando). Y no hay que olvidar que al final de la partida el enemigo puntúa como un jugador más, así que entre todos habrá que intentar que no se acumulen muchas losetas de monstruos. Todo esto hace que haya bastante tensión, hay que calcular si nos interesa ir a nuestro aire o ayudar entre todos para que el enemigo no gane,.
Por otro lado el sistema de movimiento de los enemigos (a través de una baraja de cartas) es bastante sencillo y funciona con fluidez.
La organización del juego en torno a las unidades de tiempo está muy lograda. Hay que pensar muy bien que acción realizar para no destacarnos demasiado en el track temporal (cada acción tiene un coste de tiempo distinto). Esto puede hacer que nuestro rivales (incluido los primigenios) hagan varias acciones antes que nosotros pudiendo quedar descolgados.
Cartas de personajes que nos darán ventajas a lo largo del juego
Como aspectos negativos señalar que la preparación inicial es un poco pesada. Se hace por medio de unas losetas que se van colocando boca abajo en el tablero para luego darles la vuelta una a una y poner los recursos y los monstruos correspondientes. Se agradece que al ser algo aleatorio de variedad a las partidas pero lleva un rato hacerlo y es bastante aburrido.
Tampoco me acaba de convencer del todo los combates. Al final todo queda reducido a una especie de piedra, papel o tijera que me parece demasiado simple. Hubiera preferido un poco más de carga estratégica y menos azar. Al menos, al ser tan sencillo, hace que no se pierda mucho tiempo en los enfrentamientos lo que hace el juego más rápido.
Por último, la fluidez va a depender en gran medida de los propios jugadores. Las mecánicas están bien implementadas tanto en la exploración como en los combates. Pero si los participantes se piensan mucho que acción realizar va a aparecer el temido efecto análisis/parálisis, algo que los participantes van a notar sobre todo si han hecho una acción con un alto coste en tiempo que les tenga un rato sin hacer nada.
Buenos días queridos lectores, y bienvenidos a la crítica de esta, por lo menos por mi parte, esperada película. La FOX nos dio la oportunidad de ver esta película antes de tiempo, película que cumple con creces su objetivo: entretener al espectador y disparar su adrenalina.
En primer lugar decir que el film está basado en una serie de los los 80’s con el mismo título con la que no estoy familiarizada, así que si hay referencias o si esta historia ya está escrita, lo desconozco. Pero lo cierto es que me extrañaría que así fuese o que fuese de la misma forma, en cuyo caso estaríamos ante una honrosa excepción dado el empoderamiento femenino que presenciamos.
Y es que lo más destacable de la película sin duda alguna es el desarrollo de personajes del que somos testigos, con unas mujeres empequeñecidas, sumisas e indecisas, que viven a la sombra de sus esposos y que aunque no acaban de estar conformes con la idea, viven como un apéndice de los mismos. Es el caso de Alice, que pasa de ser una mosquita muerta con la que todo el mundo se ceba a una chica con recursos, resolutiva y que tiene el control de la situación. Pero para entender todo esto debéis saber el argumento de la película.
El largometraje empieza con la trágica y fatal muerte de cuatro criminales en una furgoneta incendiada que sin comerlo ni beberlo, dejan a sus esposas en la estacada, en algunos casos con hijos y por último en la más flagrante bancarrota, con deudas que les llegan hasta el cuello. Cuando Veronica, esposa del difunto líder de ladrones Rawlings se ve arrinconada por otro grupo de criminales que le exigen el dinero robado que se perdió en el fuego, ésta toma una resolución: tomar lo que es suyo y dar un gran golpe. Para ello decide contar con la ayuda de las otras viudas, pero con lo que no cuenta es que los criminales que quieren sangrarla están en procesos electivos para dominar la política de la zona.
Con un planteamiento aparentemente tan enredado lo cierto es que la película avanza sin ningún problema, remontándose a sí misma y dándole cada vez más emoción, más suspense, de forma que al final resulta en un producto muy entretenido y ligero, sobre todo para los amantes del género. Bien construido, el guión sólo se realza gracias a la ayuda de una clásica pero muy eficaz dirección, que lejos de pecar de barroca, con miles de ornamentos o licencias artísticas, nos acerca a conocer a lo realmente importante y destacable de la película: el desarrollo, construcción, pasado y motivaciones de los personajes, entre los cuales encontramos buenos ejemplos femeninos.
Aunque es muy posible que el personaje de Alice, ya mentado, sea el mejor ejemplo de cómo estas mujeres se hacen fuertes y deciden salir del cascarón, yo me voy a decantar por el personaje de Veronica, la verdadera protagonista de esta historia. Ella es el cerebro detrás de toda la operación, la que decide dar un paso al frente y enfrentarse a sus propios demonios, a superarse, a dar una solución a su problema. También es aquella que carga con el remordimiento y con el miedo, puesto que es el principal objetivo de los Manning, unos sádicos y malvados clásicos con todas las de la ley. Y aunque resulta ser una mujer fría, resolutiva, dura e insensible la propia película nos enseña cómo en realidad no lo es. Cómo no está hecha para eso y sabe que está mal, que tiene miedo, mucho miedo. Pero tiene que cumplir con su deber y lo va a hacer, derrotando a sus miedos.
Por otro lado, y aunque he de decir que las actuaciones han sido generalmente bastante buenas, creo que Daniel Kaluuya se ha lucido, con lo que yo creo que es, hasta ahora, su mejor papel. Aunque en algunas ocasiones resulte hasta histriónico en su papel de líder de mafia psicópata, da el pego.
Así resumimos la crítica en que, aunque no es ni de lejos la mejor película del año, quizá sí sea de lo mejor en su género, tratándose de un producto ligero, entretenido, y eficaz en lo que se propone.
¿Qué mejor lectura para el mes en el que se celebra el centenario del fin de la Primera Guerra Mundial que algo relacionado con el conflicto? Amor por la Guerra, de George Pratt nos hace viajar en el tiempo y nos pone en la piel de uno de los soldados más excelentes del momento. Nos cuenta su historia y con un apartado estético cuidado nos recuerda que la guerra rara vez tiene algo de heroico y honorable.
Pongámonos en situación: entre 1914 y 1918 el mundo se vio sacudido por un conflicto de escala global, produciendo millones de muertos. Para los españoles -neutrales entonces- es una historia lejana, para el resto de europeos es la vida de nuestros abuelos o bisabuelos, y una guerra marca. Y de eso va este Amor por la Guerra de George Pratt. Nos cruzamos en la manera de asumir lo violento de un conflicto a través de dos personajes: un piloto alemán que es considerado un as de la aviación, un genio del aire y un peligro asegurado para sus enemigos. Por otro lado un reportero que quiere saber su historia pero, sobre todo, saber como lidia con los fantasmas del pasado, pues él también luchó en una guerra.
La guerra en viñetas
Hasta ahí el argumento parece sencillo, pero la fuerza de este relato está en las imágenes. Con un estilo a medio camino entre la acuarela y los trazos más típicos de Europa nos vemos arrastrados al horror de la guerra, con geniales secuencias de los aeroplanos del momento haciendo piruetas en el aire, esquivando balas y, en algunos, casos muriendo. Es difícil plasmar la emoción del vuelo, la sensación que describe el protagonista de ser uno con la máquina, el reto, pero George Pratt lo consigue, porque se nota que el guion y el dibujo es suyo y que tiene claro qué quiere transmitir. Otra sensación que logra plasmar es la de estar en un bando por obligación, eliminando a los contrarios no por ser enemigos sino “por oponerse entre él y la vida”. No tiene más. Y es que hay un giro, una subtrama que nos lleva a lo más oscuro del ser humano: ¿cómo vivir con tus demonios? No sólo es ver morir a tus amigos y no dejar que eso te afecte, es que tú también has dejado a otros sin amigos. Y de la forma más horrorosa posible. De eso va esta novela. Aunque también hay luz y esperanza, recordando que lo que tiene que hacer cada uno es encontrar una manera de vivir con ello y aprovechar los días que nos quedan. Por ejemplo, también nos recuerda la famosa tregua de navidad, cuando un 24 de diciembre los bandos enfrentaros celebraron juntos un alto el fuego. Esto, por cierto, se relata muy bien en Feliz Navidad, una de las películas seleccionadas para nuestro ranking de mejores películas sobre la Primera Guerra Mundial.
Y es que todas las guerras son iguales. Si naciste a principios del Siglo XX en EEUU probablemente luchases en la Primera Guerra Mundial, veinte años más tarde en la Segunda Guerra Mundial, y diez años más tarde en Vietnam. ¿Cómo sobrevivir a eso? Pues de eso va este cómic: de escuchar a un señor mayor que ha sabido encontrarse a sí mismo y darle sentido a eso. En buscar honor en el fango. Por lo tanto, aunque el título tiene ese aire patriota que ensalza mandar a nuestros hijos a matar en realidad es todo lo contrario. Debería haber sido ‘La Ilusión de la Guerra’, para recordar la vieja mentira en la que todos estos conflictos se ven envueltos. Es, por tanto, una obra antibelicista muy recomendable.
Estamos hablando de George Pratt, un referente. Alguien que ha sido galardonado con el Premio Eisner por sus novelas gráficas -ahí es poco-. Tiene la medalla de oro Spectrum, y el premio al Mejor Documental del Festival Internacional de cine independiente de Nueva York gracias a su genial película documental See You In Hell, Blind Boy. Y esta, su primera novela gráfica, ha sido reeditada en tres ocasiones e incluso traducida a 9 idiomas. O sea, un arranque perfecto que os recomendamos porque son 128 páginas a todo color por un precio muy bueno: 14 euros. ECC ha acertado con esta publicación.
¡Albricias y Zapatetas! Regocijaos porque (¡por fin!) ha llegado a nosotros un nuevo libro de George R. R. Martin. No, no se trata de Vientos de invierno, del que se dice que llegará este próximo 2019 (ejem, ejem) sino de Fuego y Sangre, editado en España por Plaza Janes, un libro de más de 700 páginas que narra la historia de los Targaryen, empezando por Aegon I el Conquistador y su conquista de los 7 reinos. ¿Qué podemos esperar de Fuego y Sangre? Eso es lo que trataremos a continuación.
En primer lugar debemos señalar que no hemos leído todo el libro. Somos ávidos lectores pero la vida no nos da para tanto. El libro, uno de los más esperados del año, salió a la venta ayer (a la hora de escribir estas líneas) y es imposible leerlo de cabo a rabo en tan poco tiempo. En segundo lugar, debemos señalar que Fuego y Sangreno es una novela sino que se trata más bien de un tratado histórico; evidentemente se trata de una obra de ficción pero está narrada como si fuese la recopilación de los acontecimientos históricos acaecidos en Poniente, unos 300 años antes de lo que el mismo autor nos cuenta en Canción de Hielo y Fuego. En la ficción, es el Maestre Gyldayn de La Ciudadela el encargado de contar la llegada de los Targaryen a Rocadragón y como iniciaron la conquista de los 7 reinos a lomos de sus dragones. En palabras del propio George R. R. Martin:
Fuego y sangre es una creación muy diferente de Canción de hielo y fuego, espero que quede claro que no es una novela, sino un género distinto, historia imaginaria.
El Maestre Gyldan, autor del libro
Fuego y Sangre vs. El Silmarillion
Ya hay quien ha comparado Fuego y Sangre con El Silmarillionde Tolkien por aquello de que ambos libros dotan de un marco de referencia a novelas publicadas con anterioridad. ¿Es una comparación acertada? Si pero no. Es evidente esa conexión en cuanto a que, en ambas obras, los autores relatan una historia ficticia en la que se tratan puntos aparecidos en sus anteriores novelas, ya sean héroes, villanos, reyes, batallas, etc. Ahora bien, Martin no es Tolkien por mucho que algunos quieran verlo como su heredero. J. R. R. Tolkien dotaba a su obra de un lirismo y una poesía de la que Martin carece totalmente; además el tratamiento que daban a sus personajes y la épica difiere un abismo de un autor a otro. Sin embargo esto no debe entenderse como un menosprecio de la obra y la figura de George R. R. Martin. Se trata tan solo de constatar que el estilo de ambos escritores es muy diferente y eso da diferentes resultados. A título personal, he de decir que El Silmarillion me supera. No he sido capaz de leerlo entero y me aburre el apabullamiento de nombres, datos y referencias. Mi sorpresa ha sido que me esperaba algo parecido con Fuego y sangrey ha sucedido justo lo contrario.
Fuego y Sangre tiene, al igual que El Silmarillion, una abundancia abrumadora de nombres, fechas, lugares y referencias a hechos pasados y futuros pero la prosa de Martin consigue enganchar al lector, que avanza en sus páginas de forma amena, entretenida. Si se quiere retener en la memoria todo lo que se cuenta o si simplemente se pasa de puntillas por algunos párrafos y se centra la atención en otros ya entra dentro de las apetencias de cada uno. Personalmente me parece más sano para la mente lo segundo que lo primero, que exigiría una memoría fotográfica de la que carezco (aparte, si uno intenta memorizar el libro corre el riesgo de que le explote la cabeza). Hay que decir también que esa prosa a la que nos referimos podría haber sido más prólija en detalles pero ya que, como hemos señalado, no es una novela, podemos vivir con eso.
Para fans de los libros, que no de la serie
Otra característica de Fuego y Sangre es, a mi modo de ver, que se trata de una obra dirigida a los lectores de Martin y sus novelas, más que a los seguidores de Juego de Tronos. Por muy buena que sea la serie de HBO(que lo es; podéis leer nuestros análisis aquí) se ha dejado en la sala de montaje innumerables detalles y argumentos secundarios de los que tan solo se pueden disfrutar en las novelas y es a esos detalles y argumentos, a esas historias que la serie ha obviado por falta de tiempo y en aras del show televisivo, a los que alude esta obra. Quizás por eso se me ha hecho amena la lectura (hasta ahora) de las primeras páginas del libro, porque me suena la caída de Harrenhall, el nombramiento de la primera Mano del Rey, la claudicación de El Rey que se arrodilló, etc. A lo largo de las novelas que conforman Canción de Hielo y Fuego, Martin hace referencia una y otra vez a los hechos narrados en Fuego y Sangre, llegando a contar historias dentro de la historia principal, siendo un aliciente más de su obra. Dudo que un seguidor de Juego de Tronos que no haya leído las novelas en las que se basa pueda establecer una relación entre esos hechos y la serie, que los trata de forma muy escueta o simplemente los ignora.
Llegados a este punto, es lógico e incluso lícito, como seguidores del autor, preguntarnos como ha tenido tiempo George R. R. Martin de escribir semejante tratado (que además es el primer volumen de dos) y no ha sido capaz de terminar Vientos de invierno. La explicación, al margen de los compromisos que el autor pueda tener a nivel profesional y personal, está en que algunos fragmentos de Fuego y Sangre ya habían sido publicados con anterioridad en otros libros y en antologías de relatos, como es el caso de Conquista (en El Mundo de Hielo y Fuego), Los hijos del dragón (en la antología de relatos The Book of Swords) o La Princesa y La reina (en la antología de relatos Dangerous Women). Es decir que no estamos ante una obra cien por cien inédita. El autor ha preferido dotar de un marco histórico a su obra magna, rellenando huecos y juntando historias dispersas por aquí y por allá antes de afrontar la recta final de Canción de Hielo y Fuego.
Dragones
En cuanto a la edición
Para terminar debemos referirnos a la edición de Plaza Janes. Se trata, por lo que hemos podido apreciar en la librería, de una buena edición, una obra encuadernada en tapa dura y que acredita hasta 7 traductores, no se si por darse prisa y tenerla a punto o porque los relatos incluidos y publicados anteriormente ya tenían acreditados a esos traductores. Y digo por lo que hemos podido apreciar en la librería porque, personalmente, he optado por la versión Kindle de Amazon, que sale por más de la mitad de precio, pesa mucho menos y ocupa menos espacio en la estantería, ya de por si muy sobrecargarda. Eso si, hay que asumir que las 80 ilustraciones de Doug Wheatley, autor que ha trabajado en series de Star Wars o Superman, quedan reducidas a la mínima expresión, con lo que si sois amantes de su arte o no podéis prescindir de ellas os recomiendo la versión en papel
En resumen, Fuego y Sangre es una obra que puede devenir imprescindible para los seguidores de las novelas y no tanto para los de la serie, una obra que nos permite entretener la espera mientras Martin, en su refugio secreto en las montañas (no es broma; realmente está allí encerrado en estos últimos meses) termina de una vez por todas el sexto y penúltimo libro de la saga. Aunque, para ser justos, hay que decir también que el libro tiene un cierto aroma a sacacuartos y que podrían haber dado prioridad a la saga principal antes de entretenerse en este. Un saludo, sed felices.
El nuevo libro de George R. R. Martin narra la fascinante historia de los Targaryen, la dinastía que reinó en Poniente trescientos años antes del inicio de «Canción de hielo y fuego», la saga que inspiró la serie de HBO: Juego de tronos.
Siglos antes de que tuvieran lugar los acontecimientos que se relatan en «Canción de hielo y fuego», la casa Targaryen, la única dinastía de señores dragón que sobrevivió a la Maldición de Valyria, se asentó en la isla de Rocadragón.
Aquí tenemos el primero de los dos volúmenes en el que el autor de Juego de tronos nos cuenta, con todo lujo de detalles, la historia de tan fascinante familia: empezando por Aegon I Targaryen, creador del icónico Trono de Hierro, y seguido por el resto de las generaciones de Targaryens que lucharon con fiereza por conservar el poder, y el trono, hasta la llegada de la guerra civil que casi acaba con ellos.
¿Qué pasó realmente durante la Danza de dragones? ¿Por qué era tan peligroso acercarse a Valyria después de la Maldición? ¿Cómo era Poniente cuando los dragones dominaban los cielos? Estas, y otras muchas, son las preguntas a las que responde esta monumental crónica, narrada por un culto maestre de la Ciudadela, que anticipa el ya conocido universo de George R.R. Martin.
Fuego y Sangre brindará a los lectores la oportunidad de tener otra visión de la fascinante historia de Poniente. Esta obra, magníficamente ilustrada con 80 láminas inéditas de Doug Wheatley, se convertirá, sin duda, en una lectura ineludible para todos los fans de la aclamada serie.
Reconozco que me sorprendió muchísimo saber que James Bond, el mítico agente 007, el protagonista de la saga más larga de la historia del cine, tenía su propia línea de cómics. Al rato, me percaté de lo absurdo de mi sorpresa. Al fin y al cabo, Bond, como Star Wars o Sherlock Holmes, es uno de los iconos cinematográficos más conocidos y su adaptación al noveno arte es una oportunidad para rentabilizar al personaje.
Tras los dos primeros volúmenes, que estuvieron a cargo del conocido Warren Ellis, que definió un Bond violento y oscuro, más en la línea del Daniel Craig de Casino Royale, recoge el testigo Benjamin Percy, guionista titular de Green Arrow y Teen Titans Renacimiento. Su Bond tiene un enfoque más lúdico, menos oscuro y, por ello, es más cercano al 007 cinematográfico.
La caja negra es una nueva misión secreta del agente 007, que debe investigar el origen de un ataque informático a los archivos personales de los principales miembros de los gobiernos de todos los países. Esta misión le llevará a Japón, donde conocerá a una ex agente que trabaja como asesina de criminales.
A estas alturas, es una obviedad decir que James Bond es un personaje fuera de su tiempo. Un agente cínico, misógino y violento cuya compañía femenina solía portar el cartel de florero. En este sentido, una trama centrada en el mundo tecnológico en el que vivimos contrasta con la personalidad de nuestro 007 chapado a la antigua, que prefiere escribir por carta que las redes sociales o ligar a la cara que utilizar Meetic.
El argumento, al más puro estilo bondiano (por poner un ejemplo, la surrealista Moonraker y la carrera espacial durante los años 70), refleja las preocupaciones propias de nuestro tiempo: el uso de la información digital, lo desprotegidos que nos encontramos en las redes, el escándalo wikileaks…
Eso no evita que Benjamin Percy sitúe a un James Bond de otra época, más parecido al carácter Connery que al actualizado Craig. Puede chocar el desprecio al peligro, la rapidez con la que nuestro protagonista atrae a las mujeres o lo exagerado del villano… pero es James Bond, ni más ni menos. Por mucho que su identidad se haya perdido en las últimas películas y el testigo lo haya recogido Kingsman.
El ritmo del cómic es rápido, tal vez demasiado. En cada capítulo veremos múltiples escenas de acción, gadgets propios del personaje y momentos de humor. Incluso habrá varias referencias a películas como la persecución en esquí de Al servicio de su majestad. La rapidez con la que discurre la trama impide que haya momentos de reflexión sobre el (mal)uso de la información. Qué queréis que os diga…es James Bond. Y Percy tiene claro en qué centrarse: acción, lugares exóticos y situaciones en los que predomina la tensión, ya sea física o sexual.
Percy está acompañado del dibujante Rapha Lobasco, autor de Vampirella, entre otros títulos. Utiliza tintes coloridos, con predominio del azul y el rojo, y dibuja a un James Bond elegante, canalla, que no se define entre ninguno de los actores que han interpretado al famoso agente británico.
En definitiva, James Bond: la caja negra, es un cómic entretenido que encantará a los fans del personaje porque da precisamente lo que promete. De hecho, es un Bond más definido que el que vemos últimamente en el cine. Por lo demás, los fans del espionaje sin pretensiones, al estilo de Danger Girl, también disfrutarán de esta La caja negra, continuación del oscuro 007 de Warren Ellis.
Bond se enfrenta a un asesino que tiene como objetivo otros asesinos. Esta es tan sólo la primera pieza de un puzzle inyectado de adrenalina que llevará a 007 a lo largo de todo el planeta para investigar una filtración digital que amenaza la seguridad mundial.
Como en el anterior libro, James Bond: Felix Leiter, la mayor parte de la acción de este cómic transcurre en Japón, donde la yakuza, las grandes corporaciones tecnológicas y los agentes secretos de varias nacionalidades confluyen en un intento desesperado de guardar los peores secretos de cada país.
Benjamin Percy (Green Arrow y Teen Titans) y Rapha Lobosco (Vampirella) son los encargados de narrar esta nueva aventura del agente secreto al servicio de Su Majestad más famoso del mundo.
Maika Sakuranomiya es una estudiante japonesa perteneciente a una familia muy tradicional. Cansada de Japón, se propone buscar un trabajo a media jornada para conseguir dinero y así viajar al extranjero. Sin embargo tiene una pequeña peculiaridad y es que su sonrisa no es precisamente… dulce. Resulta que cada vez que la chica intenta ser amable, la expresión de su rostro presenta todo lo contrario, generando una situación de desconcierto ante los ojos amenazantes de una dulce niña que de repente parece querer matarte. A pesar de su intensa búsqueda no consigue encontrar nada, hasta que por casualidades del destino, caminando por la estación de metro se topa con un alto chico rubio de origen extranjero. En aquel momento ninguno de los dos lo sabía, pero no iba a ser la última vez que se vieran.
Aquel tipo resulta ser el gerente de una extraña cafetería maid, cuya temática es distinta de cualquier otra. En aquel lugar, cada chica interpreta un rol, una personalidad ficticia basada en los personajes del anime. De esta manera, la extraña combinación de amabilidad y bordería de Maika, le brinda la oportunidad de interpretar un rol único a la par que se le presenta la oportunidad de trabajo que tanto desea. Pero… ¿será capaz de comportarse como una sádica para encajar?
Lo que cree que muestra cuando sonríe.Lo que la gente ve realmente.
Vale, el argumento no es que sea el más profundo de la historia del anime. No es Anohanna desde luego, pero si lo miramos con las lentes correctas, y lo tratamos como lo que es, puede llegar a sorprendernos. Por mi parte, conocí este anime a través de los cientos de parodias de su opening (quizá uno de las mejores hechos y por hacer)
Aunque claro, con esto del anime pasa mucho que se empieza con el meme y te acabas viendo las 4 temporadas, la película y los dos OVAs. Como punto de partida podríamos decir que Blend S es una comedia japonesa estándar. Tiene lollis, tsunderes, situaciones embarazosas, juegos de palabras, y una tensión sexual evidente pero muy inocente. El caso es que en un principio, la premisa de la serie puede dar pie a una pequeña críticaque se desvanece por completo para dejar todo el protagonismo a la comedia. Me estoy refiriendo a las personalidades de las camareras del Café Style. El stuff de esta pequeña cafetería se compone en un principio de tres chicas y dos cocineros. La más veterana en el negocio es Kaho Hinata, una chica rubia y aficionada a los videojuegos que hace el papel de tsundere pero que sin embargo es una chica dulce y amable. Por otro lado Mafuyu Hoshikawa es la mayor de las tres, y sin embargo es la más bajita. Mide 1.30 cm, de modo que es perfecta para el papel de hermana menor, tan típico en el mundo otaku. Su rol, al igual que el de Hinata resulta ser todo lo contrario a su personalidad, pues con 20 años ella es una chica madura, centrada y calmada.
La alternancia entre el dibujo de anime clásico y el chibi es una constante.
Como podéis comprobar el patrón se repite con todos los personajes femeninos. Si se hubiese querido, se podría haber buscado una doble lectura para demostrar que las personalidades de las chicas que realmente trabajan en estos negocios en son ficticias y que muchas veces distancian tanto de la realidad hasta el punto de ser extremos. Pero tampoco podemos pedirle un mensaje de crítica social y concienciación a un anime de lollis. Esta obra reúne una gran cantidad de tópicos del anime para… generar todavía más tópicos. No falta un capítulo en la playa, una clase intensiva de kabedon, o el día en la nieve. Por supuesto el tratamiento de los extranjeros no iba a ser distintos. Es importante recordar que para los japoneses existen solo dos países, Japón y el Extranjero, donde todos somos iguales, altos, rubios y con los ojos azules (hay por ahí un señor bajito con bigote que se sentiría orgulloso). Por lo general, la imagen del gaijing (extranjero) es esta, y Blend S no parece mostrar ningún interés por romper este estereotipo. Dino, el gerente de la cafetería y amor platónico de Maika, vino a Japón desde Italia porque le gustaba mucho el anime. Un italiano de metro noventa, blanquísimo de piel, con rasgos arios y una afición insana al mundo del entrenamiento japonés. Bueno, supongo que es el equivalente al chico bajito, con gafas, buenísimo a nivel académico, genio de la informática y con problemas para socializar que se ve representado en el 90% de las películas en las que aparece un japonés. Ojo por ojo… y A todo gas 3: Tokyo Race nos sentenció a todos los occidentales a ser alemanes pura raza.
Mafuyu maltratando a Dino repetidamente.
Como conclusión es un anime entretenido y divertido. Todo son chistes sobre tópicos y estereotipos que dentro de su contexto de ficción tienen su punto. Entra dentro del estándar del humor japonés, y si te gusta el género desde luego vas a pasar un rato divertido rodeado del personal de Café Style. Aun así, considero que tiene una gran cantidad de buenas ideas que acaban siendo material de relleno para una serie que pasa sin pena ni gloria más allá de los memes:
Smile, Sweet, Sister, Sadistic, Surprise, Service… Seguramente pudo haber sido más de lo que es.
“Este juego será la competencia directa de World of Warcraft”, hemos oído muchas veces. Sin embargo el gigante de Blizzard sigue ahí, en primer puesto, con seis expansiones y una base de jugadores por lo menos cinco millones que pagan todos los meses. Y con película incluida. Muchos títulos que, aunque buenos e interesantes, no han logrado desbancar al rey y se han quedado en el camino o en un segundo plano.
Os dejamos con el artículo en formato vídeo, por si queréis verlo en nuestro canal de YouTube al que os recomendamos que os suscribáis:
Elder Scrolls Online
Aprovechando el tirón de la saga Elder Scrolls, especialmente de Skyrim, Bethesda se embarcó en la aventura de los MMORPG en el 2014. Levantó mucha expectativa al principio, sobre todo por la original propuesta de elegir entre tres facciones y por los vídeos promocionales, sin embargo se fue desinflando. Su mejor cifra está en 750.000 jugadores pero, pese a eliminar las cuotas mensuales y ser también para PS4 y Xbox One, no llegó tan lejos como querían.
Guild Wars 2
En el 2012 salió a la venta la segunda parte de unos de los juegos más populares en cuanto a mundos persistentes online se refiere. Gratis, original y con buenas ideas por parte de ArenaNet. Tesoros y secretos en cuevas insondables, caminar por el mundo y encontrarte con eventos aleatorios fueron aportaciones que, por ejemplo, World of Warcraft incorporó en Warlords of Draenor. Siempre gratuito y llegando a la cifra de siete millones es, sin duda, la alternativa a World of Warcraft.
Star wars: The Old Republic
El universo Star Wars siempre engancha, y más en estos días que vuelve a estar de moda gracias las películas. Quizás por eso llegó a tener medio millón de jugadores en su mejor momento, y también porque no es fantasía sino ciencia ficción. Bioware aseguró que llegaron al millón de jugadores en el primer mes cuando fue lanzando en 2011, pero rápidamente se desinfló.
Lineage II
Aunque en Estados Unidos y Europa es conocido, no ha llegado a tener la importancia o el interés que la mayoría de títulos en esta lista. Sin embargo es el MMORPG más jugado en Asia, especialmente en Corea. Entre otras cosas porque salió poco después de WoW, en el 2004, y estaban a tiempo de plantar cara gracias a su planteamiento Free-to-play. Sin ir más lejos, Lineage 1 generó 339 millones de beneficio en el 2015, así que parece que a esta franquicia le queda rato.
Warhammer Online: Age of Reckoning
Dark Age Camelot tenía una buena idea: un World of Warcraft más extenso y con más posibilidades. Pero el problema era que ya existía World of Warcraft, y la comunidad no estaba dispuesta a cambiar de un sitio a otro, por muy ricos y fascinantes que fuese el universo Warhammer. Comenzaron en el 2008 siendo de pago, luego se pasaron al free top lay, más tarde comenzaron a cerrar servidores y en el 2013, finalmente, la aventura llegó a su fin.
Neverwinter
Los seguidores de D&D seguramente hayan jugado a la saga Neverwinter Nights, y en ese mismo sitio se ambientaba este MMORPG. Comenzó fuerte entre aficionados a ese universo y curiosos, y se ha mantenido teniendo una importancia marginal. Aunque en el 2015 salieron a Xbox One y en el 2016 a Play Station 4, no termina de convencer.
Age of Conan: Hyborian Adventures
Cansados de los ataques mecánicos Funcom quiso añadir más dinamismo a este juego, permitiendo esquivar ataques con movimientos de nuestros personajes. El mundo de Hyboria, ya con muchos seguidores, no terminó de enganchar desde el día de su lanzamiento en 2008. Años más tarde cerraron muchos servidores y ahora parece que la empresa noruega quiere revitalizar la saga de alguna manera.
EVE online
Este juego, pese a haber salido en el 2003, está muy sano. Y lo ponemos en esta lista porque es un MMORPG que no ha llegado a ser tan famoso como World of Warcraft pero que sin embargo es de los más estables. Tiene un sistema diferente, incluso puede que diferente público y jugadores. No es fantasía, es exploración espacial, naves y gestión económica. Es un título denso que goza de gran renombre dentro de la comunidad pero que no ha traspasado las fronteras de darse a conocer más allá del mundillo.
Aion
En el 2009 salió a la venta este título de ambientación oriental de NCsoft. Tenía cuotas al principio y era muy parecido a Guild Wars, pero no pudo plantar cara al entonces World of Warcraft: Lich King de 13 millones de jugadores. Pese a eso aún respira con comodidad gracias a varios millones de jugadores. El pasado verano recibió su última expansión Echoes of Eternity.
DC Universe Online
Los chicos de Daybreak Game sacaron en el 2011 un título de superhéroes bajo la licencia DC sabiendo que en la pasada década el cine ha estado invadido de esta temática. Pese a estar de moda, y salir para diferentes plataformas (sin ir más lejos en Xbox One en el 2016), no parece ser un juego muy conocido incluso dentro de la comunidad gamer. Quizás es porque llegó en un momento de saturación de MMPORG.
Final Fantasy XIV
En estos días se habla mucho de Final Fantasy XV, pero no nos olvidemos que la propuesta online de Square Enix ha llegado a tener una comunidad de un millón de jugadores y hasta cinco millones de cuentas. Se puso a la venta en el 2010 y, como muestra de su buena salud, en el verano del 2017 saldrá la expansión Stormblood.
Señor de los Anillos: Sombras de Angmar
Lanzado en el 2007 con la premisa de plantar cara al WoW gracias a los millones de fans de los mundos de Tolkien no logró lo que se propuso. Su modelo Free to play funcionó bien e incluso les permitió a llegar a lanzar hasta cinco expansiones. No es poco. Pero el producto de Turbine nunca llegó a pasar de un segundo plano que parecía que funcionaba por los que se cansaban de pagar otros MMORPG y que luego volvían al mismo título del que provenían.
Tera Online
Dentro de Steam este título ha gozado de una buena fama. De hecho fue el MMORPG más jugado de la plataforma, llegando a tener 200.000 jugadores. No está mal sabiendo que llevan activos desde el 2011 con un modelo freemium (gratis pero pagas por opciones de personalización de personaje).
Dentro del catálogo de Amazon Prime no solo tenemos series originales sino también otras películas y series que la plataforma de Jeff Bezos distribuye a lo largo y ancho de Internet aunque no sean de producción propia. Este mes ha llegado una miniserie de 3 episodios que ejemplifica lo mejor de la BBC, una serie de gran calidad y que nos demuestra una vez más que, en cuanto a series de época (y esta lo es aunque sea de una época más reciente) no hay quien gane a los británicos. Nos referimos a A Very English Scandal, dirigida por Stephen Frears y protagonizada por Hugh Grant y Ben Whishaw, una auténtica joya que no debería perderse nadie.
Escándalo, es un escándalo
A Very English Scandalestá basada en un libro escrito por John Preston y que narra el llamado Caso Thorpe (Thorpe affair). Jeremy Thorpe, político inglés que acabaría siendo el líder del Partido Liberal, tuvo durante varios años una relación homosexual con un joven, Norman, a quien conoció en la mansión de un amigo suyo. Esa relación acabaría deteriorándose y tras la ruptura entre Thorpe y Norman Jossiffe (más tarde Norman Scott) regresaría a sus vidas en forma de acoso y chantaje, lo que llevaría a Thorpe a instigar el asesinato de su examante, un hecho por el que fue juzgado y que le costaría su carrera política. La serie narra la relación entre Thorpe y Norman a lo largo de más de una década y lo hace de forma brillante. Son varios los puntos fuertes de la serie, que pasamos a desglosar a partir de este punto.
En primer lugar, el guión y la ambientación. Ya hemos señalado que, en cuanto a ambientación histórica, a la BBC no le gana ni HBO, ni Netflix, ni Amazon ni nadie. En ese punto, son los putos amos. La serie se inicia en 1965, cuando Thorpe conoce a Norman y transcurre hasta 1979, cuando finaliza el proceso contra Thorpe. La recreación histórica es, como siempre en la cadena, impresionante, efectiva y sin aspavientos, como debe ser. Por otra parte, el guión – adaptación de la novela queda en manos de Russell T. Davies, un señor que es considerado por muchos un auténtico genio en esto de escribir guiones. Entre sus obras más destacadas y conocidas, Queer as folk, el relanzamiento en 2005 de Doctor Whoy aquella maravilla que fue Torchwood. No conozco el libro en el que se basa la serie por lo que no puedo compararlas pero el guión de Davies no puede ser mejor, planteando los 3 episodios como un típico planteamiento, nudo y desenlace, es decir el ABC de contar historias. El ritmo es endiablado y no hay tiempo para aburrirse pero lo más destacado es sin duda como Davies trata a los personajes, pero de eso hablaremos un poco más adelante. Los diálogos de Davies estás cargados de ironía y flema británica,de ese humor tan ingles que hace que se rían de ellos mismos como nadie, con un toque de gamberrismo y de provocación que provoca incluso una carcajada.
La dirección de un veterano
La dirección de A Very English Scandalqueda en manos de Stephen Frears, veterano director que inició su carrera en la BBC y que a mediados de la década de los 80 dio el salto a la gran pantalla con películas como Mi hermosa lavandería (1985) o Ábrete de orejas (1987), dando la gran campanada con Las amistades peligrosas en 1988. Suyas son también La camioneta (1996), Alta Fidelidad(2000) o The Queen (2006), para dejar claro que Stephen Frears es un director que de calidad y oficio anda más que sobrado. El suyo es un cine que bascula entre el compromiso y el costumbrismo, del que tenemos un buen ejemplo en Ábrete de orejas, película que narra la relación gay entre el dramaturgo Joe Orton y su amante, tratada de una forma natural y cotidiana, una película que por ambientación (los años 60) y temática (las relaciones homosexuales en el Reino Unido en una época en la que estaban prohibidas) entronca directamente con A Very English Scandal. Alguno podría comparar a Frears con su paisano Ken Loach por aquello del costumbrismo pero allí donde Loach va de sobrado, sermoneándonos en cada fotograma, Frears resulta didáctico sin tener mayores pretensiones y sobretodo entretenido.
Hugh Grant es Hugh Grant
Hugh Grant se abrocha el chaleco tras terminar la faena
Pasemos ya a lo mejor de la serie (mejor sin denigrar todo lo anterior). En el papel de Jeremy Thorpe tenemos a Hugh Grant, haciendo lo que mejor se le da, es decir de diferentes versiones de Hugh Grant. Soy incapaz de recordar uno solo de los nombres de los personajes de Hugh Grant a lo largo de su extensa carrera, en la que tenemos al Hugh Grant bobalicón (Cuatro Bodas y un Funeral), al Hugh Grant payaso (Un niño grande), al Hugh Grant romántico (Nothing Hill), incluso tenemos al Hugh Grant héroe de acción (Al cruzar el límite) y al Hugh Grant agente secreto (The Man from U.N.C.L.E.) pero siempre es él, Hugh Grant. Esto en cualquier otro es un demérito pero no en este caso. Y es que no hay nadie que haga de Hugh Grant como Hugh Grant y eso influye mucho en el personaje de Thorpe.
No nos engañemos: Jeremy Thorpe es el villano de la serie. No solo es político sino que encima es un descarado mentiroso, un perverso manipulador y un auténtico depravado. Thorpe no es que sea homosexual. Él mismo dice que sus preferencias están 80 – 20 en cuanto a hombres y mujeres se refiere. Ni mucho menos es militante de la causa gay ya que, a pesar de que apoyó su legalización, afirma sin complejos que si se llegasen a saber sus preferencias en cuanto a sexo, el mismo se pegaría un tiro. Es más, lo de legalizar la homosexualidad solo va a servir, según su parecer, para que los homosexuales den lástima. En ocasiones parece más un degenerado que lo mismo le daría follarse un camello. Para Jeremy Thorpe la cosa va más de meter la polla donde sea y tiene mucho que ver con la clase social. Así como en la antigua Roma y la Grecia clásica, si no se la metías a tu amante varón por el culo no eras nadie, parece que en la Inglaterra de los años 60 la cosa era parecida. Jeremy Thorpe no es el único político o personaje influyente, con poder y de clase social acomodada, que ha mantenido relaciones homosexuales pero si el único, que se sepa, que conspiró e instigó para que asesinaran a su examante. A la postre, lo que acabará con Thorpe no serán sus relaciones homosexuales sino el hecho de mentir descaradamente a la opinión pública. Así que sí, Jeremy Thorpe es una mala persona pero lo interpreta Hugh Grant y es imposible sustraerse a su carisma, a sus tics de Hugh Grant, a su ironía y sentido del humor y el muy ladino hace que le cojamos simpatía al degenerado de Thorpe.
He sido vil, he sido cruel, he sido maricón. He sido yo mismo.
Ben Whishaw, esa locaza
Esa frase la suelta el otro implicado en el caso Thorpe, el personaje de Norman Scott, interpretado por un Ben Whishaw mucho más versátil en cuanto a hacer creíble un personaje que Hugh Grant. Tampoco nos engañemos: Norman Scott es la victima, el joven que es utilizado por el poderoso como juguete sexual y que es abandonado cuando ya no le sirve, el joven que sigue enamorado de su protector y que sufre un intento de asesinato del que escapa por los pelos pero, aun siendo conscientes de eso y paradójicamente, es difícil cogerle cariño y también la interpretación de Whishaw tiene mucho que ver en eso. A ratos tiernos, a ratos vulnerable, Norman Scott tampoco es homosexual sino que el mismo se define como queer, o sea lo que despectivamente llamaríamos un mariconazo o una locaza, un término que apunta más a una pose o a un amaneramiento que a una preferencia sexual. Es más, a lo largo de la serie no se priva de mantener relaciones con unos y con otras. Es cierto que, en un momento del juicio, afirma que lo hace para que jóvenes como él no sean utilizados como juguetes y echados después al arroyo, para que no sufran el acoso de los poderosos, las embestidas en los portales ni que los manoseen en rincones oscuros. Todo muy loable pero, con todas sus buenas intenciones, Norman Scott es otra pieza de cuidado.
Norman Scott es la victima pero también es alguien que, antes de su relación con Preston, estuvo internado en un psiquiátrico y que a lo largo de la serie demuestra tener graves problemas mentales, además de ser un mentiroso, un manipulador, un egoísta, un fantasioso, un ególatra narcisista y un chantajista de tomo y lomo que se pasa tres cuartas partes de la serie exigiendo que Thorpe le proporcione su tarjeta de la seguridad social perdida. Para eso no duda en mandar cartas a la madre de Thorpe describiendo su relación con todo detalle, de aprovecharse de una viuda enamorada de él para acceder a un cargo del partido que se opone a Thorpe y todo un rosario de situaciones y detalles que hacen que tengas ganas de darle un bofetón a ver si se comporta.
Los auténticos Norman Scott y Jeremy Thorpe al lado de Hugh Grant y Ben Whishaw
Así, en todo este sarao y gracias al buen hacer de actores, director y guionista, quedan todos retratados y se hace muy difícil ver las cosas claras, tomar partido. A Very English Scandal consigue algo muy difícil hoy en día y que es alejarse de los sermones y de lo políticamente correcto (el término maricón o queer en el original es usado cada dos por tres), sin tomar claro partido por unos o por otros, más raro aun dada la orientación sexual de Russell T. Davies y Ben Whishaw, abiertamente gays, o de los antecedentes cinematográficos de Stephen Frears. Si alguien espera encontrar en la serie una apología del movimiento LGBT o un retrato amable y comprensivo de la homosexualidad, que lo vaya olvidando. La orientación sexual de los personajes protagonistas es lo que hace arrancar la trama pero al final todo se reduce a seres humanos, con más o menos escrúpulos, con más o menos decencia, cosas de las que tanto Thorpe como Scott no andaban sobrados. Toda esta conjunción de hechos convierte A Very English Scandal en una de las mejores series del año, una serie divertida y apasionante que os mantendrá pegados a la pantalla. Un saludo y sed felices.
Bienvenidos todos al análisis del séptimo capítulo de la temporada 9 de The Walking Dead. Recordar que el artículo está repleto de spoiler así que ya sabéis, mejor leerlo después de haber visto el episodio.
Este episodio sirve de complemento al anterior, colocando bien a todos los personajes en su nueva situación de cara al capítulo de la semana que viene, último antes del parón que la serie siempre hace por Navidad.
Habíamos dejado a Carol y Henry con un ermitaño Daryl. La soberana del Reino quiere que su amigo deje de vivir solo e intenta convencerle para que acompañe a su inocente hijo a Hilltop, como su guardián. Daryl se niega. No ha conseguido superar la muerte de Rick y se empeñó en buscar su cadáver (ya sabemos todos que no lo puede encontrar se ponga como se ponga), alejándose cada vez más de sus amigos. Pero después de que Henry le ayude a salvar a su perro de unos zombies se le acaba ablandando el corazón y se marcha con ellos, dando lugar a una extraña pareja que puede dar mucho juego: Daryl como “niñera” de Henry. Y si amigos, el duro superviviente tiene un perro que además se llama “Perro”, un animal que en unas pocas escenas logra caernos muy bien. Por otro lado, Carol logra su objetivo: traer de vuelta a su amigo.
Henry,Carol y Daryl en el bosque
Además por fin se nos muestra Hilltop a través de un plano aéreo general dónde vemos como ha prosperado la comunidad, con muchas tierras de cultivos y la gente trabajando feliz. La gran sorpresa viene al saber que el líder es Jesús, siendo Tara su principal ayudante.
Maggie se ha ido con su hijo Hersel en pos de la enigmática Georgie, ayudándola a poner en pie su propia comunidad. Después de la marcha de Andrew Lincoln se confirma también el abandono de Lauren Cohan, no sabemos si de manera permanente o temporal. De todas maneras está despedida “a la francesa” deja mucho que desear, sobre todo si la comparamos con la de su compañero. Por otro lado Jesús no está demasiado cómodo en su papel de jefe, sólo acepto como favor a su amiga antes de que se marchara.
Ya intuíamos que las relaciones entre los distintos asentamientos estaban bastante deterioradas, algo que se confirma cuando para entrenar y ponerse al día. Ambos están de acuerdo en que la Feria que se va a celebrar debe contar con la presencia de Alexandria, buscando un acercamiento entre todos que les vuelve a hacer fuerte.
Jesús y Aaron, dos buenos amigos… ¿o algo más?
Y justo en este momento se encuentra a Rosita. Ha conseguido escapar del rebaño que la perseguía pero teniendo que dejar al malherido Eugene en un granero.
Por su parte Michonne, acompañada de Saqquid, sigue llevando a Yumiko, Magna, Luke, Connie y Kelly hasta Hilltop, pero antes visitan el campamento en el que vivían para comprobar que ha sido destruido por los caminantes. Recuperan sus armas pero la madre de Judith no confía en ellos, así que las requisa y anuncia que ella volverá ya Alexandria. Se intuye que algo ha debido pasar entre Michonne y Maggie, ya que la primera no quiere ver a su antigua amiga por nada del mundo.
Las distancias entre las comunidades son ahora mayores. Ya no se desplazan en vehículos a motor (suponemos que la gasolina escasea), los viajes se hacen a caballos y en carro (volvemos al tono de western). Y este largo caminar sirve para que conozcamos más a los nuevos personajes de la serie. Sobre todo cuando el grupo es atacado y no queda más remedio que entregarles su armas para defenderse entre todos. Así vemos que Yumiko tiene un arco, Connie y Kelly manejan a la perfección los tirachinas, Magna tiene sus cuchillos y Luke… bueno, no es un buen combatiente pero su labor es otra. Es erigirse como un guardián de la cultura y de la música, algo que según él es lo que nos llevará otra vez a ser una comunidad fuerte, compartiendo todo lo que sabemos. Recuerda bastante a lo que pensaba Michonne antes de la muerte de la muerte de Rick.
El tirachinas como arma definitiva contra los zombies
Así pues tenemos ya asentados a unos nuevos personajes, fuertes y complejos (al menos en lo poco que hemos visto de ellos). Tienen habilidades y roles que son de utilidad y que pueden llegar a ganarse un sitio en el corazón de los espectadores. Veremos.
Carol, Henry y Daryl llegan a Hilltop a tiempo para saludar a viejos amigos y para que el maestro de la ballesta se una a la partida de búsqueda de Eugene. Ha pasado mucho tiempo pero Daryl retoma su lugar entre los supervivientes sin mayores problemas.
Michonne se entera por Saqquid de que Maggie ya no está en Hilltop. Y el episodio acaba cuando su grupo se encuentra con unos jinetes que le dicen que Rosita esta malherida en Hilltop y Michonne les dice que avisen de que van para allá.
Michonne y Saqquid piensan cosas distintas sobre que hacer con «los nuevos».
El misterio. En cuanto a Daryl hay que comentar una de las incógnitas más importantes que nos deja el episodio. Vemos que tiene en su espalda unas cicatrices en forma de cruz iguales a las que tiene Michonne. Henry le pregunta por ellas pero no recibe respuesta alguna. No sabemos cómo ni cuándo se hicieron esas cicatrices, ni por qué los dos personajes las tienen iguales. Puestos a especular ¿tendrá algo que ver con el conflicto con Maggie?
Todo queda preparado para el parón navideño. El siguiente va a ser un episodio en el que se presupone que habrá un gran enfrentamiento (en la búsqueda de Eugene). Esperamos que haya algún golpe efecto, algo a lo que la serie nos tiene acostumbrados antes de Navidad. Puede ser una revelación importante (por ejemplo ver más de los Susurradores) o alguna muerte. Sólo nos queda esperar una semana. Aunque de momento, visto lo visto, la serie apunta cosas buenas y está recuperando poco a poco algo de la calidad y el pulso que tenía.
En diciembre se estrena la nueva película de Aquaman y las expectativas son altísimas. Ya hemos subido otros tráilers en meses pasados y os lo recomiendo ver porque son también impresionantes. Con esta película DC y Warner Bros quieren volver a la senda de películas como Wonder Woman en lugar de recrearse en fracasos de taquilla como la Liga de la justicia. Sinceramente, espero que Aquaman arrase y Marvel pueda tener una competidora para sus películas de superhéroes. DC se lo merece.
Os dejo el tráiler final de Aquaman en español. ¿Qué os parece?
SINOPSIS
Arthur Curry se entera de que es el heredero del reino submarino de la Atlántida. Así se convertirá en Aquaman, el emperador de Atlantis, comprometido a defender todo el planeta, tanto en la tierra como en los mares.
