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Festival de Cine Europeo de Sevilla 2018, XV edición

Toni CE
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Festival de Cine Europeo de Sevilla 2018, XV edición

Las cosas que nos hacen felices ha estado cubriendo el Festival de Cine Europeo de Sevilla (SEFF18) en su 15 edición que durante dos semanas (9-17 Noviembre) ha hecho de Sevilla la capital española del cine. En las siguientes líneas os contaré mi experiencia durante 3 días en los que he dormido poco pero visto muchas películas.

Sobre el festival

Contaros todo sobre el festival sería una tarea ardua a la par de inútil, ya que tenéis una web oficial del festival dónde podéis conseguir toda la información posible. Mi participación en el festival ha sido, sinceramente, la de ver el mayor número posibles de películas. Obviamente, me he perdido por ello algunas entrevistas, eventos, actividades, conferencias y otras películas debido al coste de oportunidad. Me gustaría que este artículo, más allá de dar una idea básica sobre el festival, sea una opinión sobre mi experiencia.

No obstante, antes de ello me gustaría daros algunos datos para que os hagáis una idea del evento para que además comprendáis porque me ha sido imposible participar en todas las actividades que el festival nos brindaba. Durante el SEFF18 se han realizado más de 450 proyecciones, entre las que tenemos 74 películas españolas (50 largometrajes y 24 cortometrajes)  y de las cuales 39 son andaluzas. Además, hemos tenido 30 estrenos mundiales y 116 estrenos nacionales de más de 50 países diferentes. Pero no todo es ver películas, ya que como gran fiesta del cine hemos tenido 120 coloquios y demás actividades, destacando algunas como Forum de educación cinematográfica, encuentro de cine animación y videojuegos,  y charlas-encuentros con profesionales de la talla de Pedro Casablanc, Sudabeh Mortezai (Joy), Alberto Gracia, Yervant Gianikian, Sergei Loznitsa entre otros. En la edición del año pasado pasaron por el festival más de 75.000 personas, siendo casi la mitad de edad juvenil.

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En general estoy contento con la organización del Festival en Sevilla. Los horarios estaban bien distribuidos, hemos tenido multitud de diferentes eventos sin tener que desplazarnos demasiado y con suficiente margen entre películas, con suficientes posibilidades para hacer un maratón cada día. Hemos tenido varias películas con pase de prensa cada día y no he tenido que hacer demasiada cola si llegabas con tiempo. Las salas de cine han sido de gran calidad con todas las películas en versión original con subtítulos.

Para su mejor distribución, las proyecciones del Festival de Cine Europeo de Sevilla se dividen en diferentes secciones. A continuación enumeraré las que me han parecido más significativas.

Sección Oficial

Son las películas que compiten por los principales premios del SEFF. Encontramos algunas de las obras europeas contemporáneas más importantes del año. Encontramos películas como Atardecer (László Nemes), Donbass (Sergei loznitsa),  Joy (Sudabeh Mortezai) o M (Yolande Zauberman).

Nuevas Olas

Aquí podemos encontrar otras películas europeas que no compiten en la sección oficial. Entre las que se encuentran películas como Adam & Evelyn (Andreas Goldstein), Chaos (Sara Fattahi), Dead Horse Nebula (Tarik Aktas) o Jumpman (Ivan I. Tverdovskiy).

Revoluciones Permanentes

En esta sección encontramos películas españolas independientes con temática libre y radical. Destacar obras como El Rey (Alberto San Juan, Valentín Alvárez) y El Viaje a Kioto (Pablo Llorca).

Selection European Film Academy

Una de las secciones más interesantes, ya que concentra películas pre-nominadas a los premios de la European Film Academy, el equivalente en Europa a los Premios Oscar, que este año se celebra en Sevilla el 15 de Diciembre. Podemos encontrar películas como Border (Ali Abbasi), La casa de Jack (Lars Von Trier), Michael Inside (Frank Berry), Girl (Lukas Dhont) o STYX (Wolggan Fischer).

PELÍCULAS DESTACADAS

A continuación os mostraré algunas de las grandes películas que componían la cartelera del festival. Solo os mostraré las que he podido ver y que os pueda interesar. Desgraciadamente fueron bastantes las películas a las que por tiempo y horarios no pude visionar, pero por contra fueron bastantes las películas que pude ver, de las que prácticamente todas me gustaron.

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ATARDECER

¿Quien la dirige? El director Húngaro Lásló Nemes nos trae Atardecer después de llevarse el Oscar y el Gran Premio del Jurado de Cannes por la fantástica cinta El hijo de Saúl. Uno de los directores europeos más a tener en cuenta en el presente, por lo que no quise perderme su nuevo estreno con la que ganó el Premio Fipresci en Venecia.

¿Quienes son los protagonistas? Protagonizada por Juli Jakab, a quien ya pudimos ver en El hijo de Saúl. Por otro lado podemos ver a Vlad Ivanov, un gran conocido del cine europeo, especialmente en Cannes por películas como 4 meses, 3 semanas, 2 días. 

¿Qué nos cuenta? La obra está ubicada en la Budapest de 1913, época turbulenta semanas previas a la I Guerra Mundial, dónde encontramos a Irisz Leiter, una joven decidida a encontrar trabajo en una prestigiosa tienda de sombreros, en un pasado perteneciente a sus padres. Pero el nuevo propietario la rechaza sin saber en un principio que el asunto encierra un pasado turbulento con un hermano desconocido por medio.

Comentario: Desde un principio puedes notar que Atardecer es cine de calidad. El caos del Imperio Astrohúngaro está perfectamente desarrollada, así como actuaciones que funcionan a gran nivel. Técnicamente encontramos lo que esperamos de un director de primera clase, pero por un motivo u otro no estamos ante una película redonda, que se pierde con el paso de los minutos. La trama no tiene el enganche suficiente para captar la atención del público, que se sentirá confuso ante un aluvión de decadencia en la pantalla.

 

BUENOS VECINOS

¿Quien la dirige? El director Islandés Hafsteinn Gunnar Sigurðsson nos trae esta película cuyo título original es Undir trénu (Under the Tree).

¿Quienes son los protagonistas? Entre los actores tenemos a Gunnar Sigurðsson, Edda Björgvinsdóttir, Sigurður Sigurjónsson, Þorsteinn Bachmann y Selma Björnsdóttir. Son actores que han hecho carrera mayormente en Islandia, por lo que a pesar de su gran trabajo en la película no he visto anteriormente.

¿Qué nos cuenta? La película comienza después de que Atli tenga que volver a vivir con sus padres una vez que su esposa no quiera saber nada de él después de acusarle de adulterio. Mientras este intenta recuperar a su familia, sus padres se enfrentan con sus vecinos debido a que estos tienen un árbol que da sombra a su parcela. Poco a poco las acusaciones van degenerando a algo mucho más personal.

Comentario: Desde el país nórdico nos llega esta comedia negra -que no te hará reir- que mezcla una aberrante diversión con una cruel tragedia familiar que logra incomodar. Una crítica objetiva a los comportamientos más hostiles y que a muchos harán recordar esas turbulentas reuniones de vecinos.

BEAST

¿Quien la dirige? El británico Michael Pearce nos trae su primer largometraje británico después de triunfar hace años con su cortometraje Rite, siendo nominado a los premios BAFTA. Esta puede ser la película que haga llamar la atención del público su trabajo, ya ha sorprendido en festivales como Toronto y Sitges.

¿Quiénes son los protagonistas? El dúo protagonista viene caracterizado por dos prometedores jóvenes, el actor Johnny Flynn (Genius: Einstein) y la actriz Jessie Bluckley (Guerra y paz). Aunque la que se come la pantalla con cada aparición es Geraldine James, reconocida actriz británica ganadora de un Premio Tony.

¿Qué nos cuenta? Ubicada en un pueblo costero ingles, cuenta la historia Moll, una joven que tiene una turbulenta relación con su familia. Todo empeora cuando conoce a Pascal, un chico de campo con aspecto salvaje y que será sospechoso de una serie de asesinatos en el pueblo.

Comentario: Tan rara como interesante, Beast es un thriller psicológico que parte de la premisa ¿Dormimos con el enemigo? Johnny Flynn se sale en su papel, llegando a confundirnos durante toda la película. Un guión que funciona mejor durante la primera mitad pero que resulta muy bien elaborado.

GIRL

¿Quién la dirige? Gran opera prima del director belga Lukas Dhont. Con solo 27 años se ha convertido en un uno de los directores europeos más prometedores del presente. También hay que destacar el trabajo de la producción, que pudimos ver en Alabama Monroe, película que tuvo gran éxito en los premios europeos del año 2012.

¿Quiénes son los protagonistas? Si antes os hablaba del prometedor futuro de Lukas Dhont, poco menos puedo decir de Victor Polster, que se estrena en este largometraje con una personalidad impropia de su edad, llegando a ganar un certain regard en el Festival de Cannes.

¿Qué nos cuenta? Lara es una chica de 15 años que nació siendo chico y que sueña con poder operarse a la vez que trabaja duro para ser bailarina.

Comentario: Puede convertirse en una de las películas más importantes del año. Complicada película que trata el tema de la transexualidad en la adolescencia con una naturalidad y rabia que abrirá muchos ojos y encogerá muchos corazones. No provoca, no cae en conflictos innecesarios más allá de los que puedas hacerte con tu mente cerrada. Girl me ha encantado y sin duda es una película que dará mucho que hablar cuando se estrene.

BORDER

¿Quién la dirige? El sueco Ali Abbasi dirige esta obra que ha conseguido Un Certain Regard a mejor película en el Festival de Cannes, así como varias nominaciones a Premios del Cine Europeo. Border es la adaptación de una historia corta de John Ajvide Lindqvist, el escritor de la novela Déjame entrar.

¿Quiénes son los protagonistas? Como protagonistas tenemos a Eva Melander y Eero Milonoff, actores suecos con varias películas y series en su país que en Border logran unas caracterizaciones muy convincentes. Mención aparte a los maquilladores, que hacen que estos actores tengan un aspecto natural a la vez que espeluznante.

¿Qué nos cuenta? Tina es una trabajadora de aduanas con la peculiar habilidad de conocer quién lleva algo ilegal en su equipaje gracias a su olfato. Todo cambia para Tina cuando conoce a Vore, un hombre con cierto parecido a su peculiar físico y que esconde algo muy personal con ella.

Comentario: Sin duda la película que más me ha sorprendido del festival. Border es hipnótica y maravillosamente extraña. No te da respiro; tiene romance, intriga, terror sobrenatural y sorprendentes giros. Cuanto menos sepas de ella, más la disfrutarás.

 

Diamantino

¿Quien la dirige? Los portugueses Gabriel Abrantes y Daniel Schmidt se ponen al mando de esta locura de película después de varios trabajos juntos, mayormente cortometrajes.

¿Quienes son los protagonistas? Protagonizada por Carloto Cotta, quien a pesar de sus 34 años tiene una larga carrera en el cine, ganando en 2009 la Palma de Oro (cortometrajes) en Cannes con el cortometraje Arena.

Qué nos cuenta? Diamantino es el mejor jugador de fútbol del mundo y una vez que sufre una tragedia familiar pierde su toque especial y empieza su declive en la carrera. Una vez esto ocurra comienza una alocada trama dónde no faltarán cachorritos, política, conspiraciones, refugiados y modificación genética.

Comentario: Tenemos que ser complacientes en que Diamantino es una película que juega en una liga cercana a la serie B. Solo con leer su sinopsis podemos intuir que vamos a ver una verdadera locura. Diamantino es una sátira de Cristiano Ronaldo que se burla de multitud de temas, pero que resulta divertida y muy entretenida. Si no esperas muchas respuestas y te gusta el humor absurdo, te va a encantar.

La casa de Jack

¿Quien la dirige? No creo que el danés Lars Von Trier necesite muchas presentaciones. Y si no lo conoces por películas como Anticristo, Nymphomaniac, Dogville o la obra de arte Bailar en la oscuridad, es posible que le conozcas por sus conflictos.

¿Quienes son los protagonistas? Matt Dillon (Crash) lleva el gran peso de esta cinta cuyo reparto lo completan actores de la talla de Bruno Banz y Uma Thurman entre otros.

¿Qué nos cuenta? Esta película trata sobre Jack, un asesino en serie que durante 12 años ha considerado el asesinato como obra de arte, tratando a sus víctimas como meros seres inferiores. Ah, y mientras esto ocurre intenta diseñar su casa ideal.

Comentario: La película que más ganas tenía de ver del festival. Estaba claro que con Von Trier nunca se sabe, y que a pesar de ser un directo increíblemente talentoso, normalmente no logro conectar con sus películas. La casa de Jack es entretenida y cruelmente divertida hasta que Von Trier se quiere pasar de listo y tira por la borda la película en un epílogo del que prefiero no hablar.

 

Los ganadores del Festival

Como suele ocurrir en estos tipo de casos, no logré ver la película ganadora del Giradillo de Oro. Estos premios suelen ser difícil de predecir y por la cara de la multitud, la mayoría de los premiados fueron una sorpresa. A continuación os enumero los ganadores de los principales premios.

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  • Giraldillo de Oro-Mejor película: Donbass
  • Premio Especial del Jurado: Ray & Liz
  • Mejor dirección: M
  • Mejor actor: Vicent Lacoste, Pierre Deladonchamps (Vivir deprisa, amar despacio)
  • Mejor actriz: Joy Alphonsus (Joy)
  • Mejor guión: Milorad Krstic, Radmila Roczkov (Ruben Brandt, Collector)
  • Mejor fotografía: Víctor Moreno (La ciudad oculta)
  • Premio del Público: La mujer de la montaña
  • Mejor dirección en un primer film: Ruben Brandt, Collector
  • Premio Eurimages: Atardecer

Reseña de Primavera del 68, de Panini

Carlos María Porras Castaños
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Reseña de Primavera del 68, de Panini

Recientemente Panini alcanzaba un acuerdo de jointventure con el grupo italiano Bonelli para editar las mejores novelas gráficas de la editorial milanesa en español. Dicho acuerdo se ha concretado con la salida de dos novelas gráficas mensuales.

Bonelli es uno de los editores que más páginas producen a nivel mundial, con personajes como Tex y Dylan Dog, que son los de mayor venta en Europa. El acuerdo entre Panini y la editorial italiana se centra en sacar de momento al mercado español las novelas gráficas de mayor éxito. Así el pasado octubre comenzaba el binomio Panini Cómics y Sergio Bonelli Editore. Primavera del 68 ha sido el título elegido por Las cosas que nos hacen felices para empezar a reseñar este idilio entre ambas editoriales.

Primavera del 68: Un poco de contexto histórico.

Ante todo hay que decir que éste no es un cómic histórico, no pretende contarnos que desencadenó y en qué consistía dicho movimiento por lo que los menos versados en la Historia se podrían perder un poco en el contexto histórico en el que se ambienta la historia. El origen del mayo del 68, que es como se conoce dicho movimiento, tuvo su origen en París, entre mayo y junio de 1968.  Los estudiantes de la Universidad de Nanterre en protesta a la Guerra de Vietnam y exigiendo que se levantaran las leyes que les prohibían a hombres y a mujeres compartir sus dormitorios universitarios  ocuparon un edificio que acababa de ser clausurado. Posteriormente se trasladaron a la Sorbona. La policía intervino. Hubo más de medio millar de detenidos. El 10 de mayo es conocido como la “noche de las barricadas”.

La primavera del 68 no perseguía usurpar el poder sino transformar la sociedad. Era una revuelta contra el estado industrial existente, contra la estructura capitalista imperante y el tipo de sociedad de consumo que se creó. No solo se levantaron los universitarios, se movilizaron diversos grupúsculos marxistas o anarquistas y los sindicalistas que organizaron – a pesar de su dirección burocrática – la huelga general más grande de la historia de Francia.

No solo fue en Francia, media Europa se movilizó. En el caso de Italia, el país que nos concierne, fue la ciudad de Milán la que más notoriedad tuvo. Primavera del 68 editado por Panini nos retrotrae a una época de soñadores, de lucha, de promesas incumplidas.

primavera

Que veinte años no es nada, que febril  la mirada.

Decía que no es este un cómic histórico en el sentido de didáctico, de aprender sobre una época como ocurre por ejemplo en La Brigada Lincoln, editado también por Panini. Aquí se nos cuenta la historia de seis jóvenes en dos partes. Una primera ambientada en una época de cambios, la Europa del 68 y una que se ambienta veinte años después. Lina, Margherita, Paolo, Armando, Milo y Turi son esos seis jóvenes que hacen amistad durante las primeras ocupaciones de la Universidad. Son la típica pandilla juvenil que busca sobre todo pasárselo bien, pasando de puntillas por la Historia del Mayo del 68. En este sentido no se siente en ellos la trascendencia del acontecimiento, van a las huelgas por seguir a la muchedumbre pero las pocas inquietudes personales que puedan tener a esa edad se anteponen a la revolución. La segunda parte de la historia tiene lugar veinte años después y tiene como recurso para hacer juntar nuevamente a los seis amigos una exposición fotográfica en la que se recoge una instantánea con toda la pandilla al completo con el título ¿Dónde estáis? Nuestros amigos no se han perdido la pista del todo. Siguen viviendo en Milán. Dicha exposición les vale como excusa para recordar sus vivencias, como se conocieron y como han cambiado sus vidas.

Primavera del 68 02

Conclusiones.

Siendo una más que correcta novela gráfica, podría haber sido más interesante de haber trasladado el protagonismo del momento a los seis jóvenes. En cambio el escritor Gianfranco Manfredi nos cuenta la historia de estos chicos en un contexto que no los marca especialmente. Ya que hablamos del apartado técnico, me ha convencido más la labor de Luca Casalanguida, recurre de manera acertada al blanco y negro, con trazos realistas en los que hace una buena y conseguida caracterización de los personajes alternando trazos gruesos y finos. Igualmente es de destacar la ciudad de Milan.

En definitiva estamos ante una historia simple que evoca a tiempos en los que los jóvenes se permitieron el lujo de soñar, de reunirse, de protestar, de reivindicar. En ese sentido vendría bien esta lectura, para despertar las conciencias dormidas.

Aquí tenéis enlace al cómic Primavera del 68.

primavera 68

Descripción

Milán, 1968. Seis jóvenes hacen amistad durante las primeras ocupaciones de la universidad: Lina, Margherita, Paolo, Armando, Milo y Turi. Seguiremos sus vidas a lo largo de veinte años de historia de Italia, desde la contestación juvenil del 68 hasta finales de los años 80, repasando las alegrías, penas y esperanzas de un grupo de jóvenes inadaptados, alejados de cualquier organización política y en perenne ruptura con sus familias. Gente que no pertenece a nadie.

Un saludo y sed felices.

Los cinco mejores planos secuencia de la televisión

Fernando Vílchez
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Los cinco mejores planos secuencia de la televisión

Que la ficción televisiva ha cambiado no es ningún secreto. En esta sacrosanta web ya hemos hablado de las bondades (y defectos) del tremendo auge cualitativo de las series de televisión. Recientemente hemos asistido a un nuevo fenómeno surgido de la plataforma Netflix: la serie de terror La maldición de Hill House, que ha desatado las alabanzas de crítica, público y de algunos gurús del terror contemporáneo, como el mismísimo Stephen King.

Aquí tenéis el artículo en formato vídeo, pero podéis seguir leyendo si queréis el desarrollo escrito. ¡Suscríbete al canal si te gusta! 

 

 

Análisis de La maldición de Hill House, parte 1.

Análisis de La maldición de Hill House, parte 2. 

Uno de los aspectos que más comentarios han suscitado en dicha serie ha sido la elegante dirección a cargo de Mike Flanagan, director de El juego de Gerald o Ouija: el origen del mal. En concreto, los aplausos se han centrado en un sexto episodio rodado a base de planos secuencia, el leitmotiv de este artículo.

¿Pero qué es un plano secuencia? Básicamente, es una técnica de rodaje que consiste en la realización una toma sin cortes de cámara durante un tiempo dilatado, desde varios segundos a minutos de duración. Normalmente, no es un recurso que se prodigue mucho, ya que necesitan un alto grado de planificación, así como de múltiples actores que hacen que, al mínimo fallo, haya que repetirlo todo de nuevo. Por eso mismo, es una técnica muy agradecida para el espectador, que deduce la dificultad que entraña un plano de estas características y se involucra más con la narrativa de la escena.

Encontramos muchos ejemplos en el cine: desde La Soga, película que Hitchcock rodó en un solo plano, pasando por el inmortal inicio de Sed de Mal (probablemente, el plano secuencia más conocido de la historia), los múltiples planos secuencia de Hijos de los hombres o Birdman, ejemplo más flagrante del plano secuencia digital o falso plano secuencia, que hace posible tomas inviables de forma artesanal. Sin embargo, el objetivo de este artículo es centrarse en los cinco mejores planos secuencias que he podido ver en televisión, intentando analizar su propósito en el contexto narrativo de la ficción televisiva. Por supuesto, esta lista es puramente subjetiva y limitada a las series que he tenido la oportunidad de ver. Cualquier otro plano secuencia que queráis añadir será bienvenido en los comentarios de este artículo. Comenzamos.

LA MALDICIÓN DE HILL HOUSE 1X06, drama familiar y terror en medio de un funeral.

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Comenzamos por la serie mencionada al comienzo de este artículo. En el sexto capítulo, asistimos al funeral de un personaje de la serie y a la primera reunión de los hermanos protagonistas junto con su padre en el presente. Es un episodio de una hora de duración que se reparte en tres largos planos secuencia de altísima complejidad por la alternancia de pasado y presente sin cortes. El propósito es interesante. Por primera vez, la serie adopta un punto de vista coral, ya que los cinco primeros capítulos se centran en cada uno de los hermanos que crecieron en Hill House. El plano secuencia va adoptando el punto de vista de cada uno de los protagonistas. Por otro lado, este recurso nos ayuda a imbuirnos en el drama familiar con tintes de terror que es, en esencia, La maldición de Hill House.

KIDDING 1×03, Superación y paso del tiempo.

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Kidding es una serie dirigida por Michel Gondry y protagonizada por Jim Carrey, que ya colaboraron juntos en el atípico romance Olvídate de mí. En el tercer episodio asistimos a un impresionante plano secuencia de apenas 2 minutos de duración en el que vemos la evolución del personaje de Shaina, una drogadicta que acaba abandonando su adicción y mejorando su vida gracias al programa infantil que presenta el protagonista. Todo esta secuencia se realiza sin cortes en el apartamento de la chica con un movimiento de la cámara en 360º, sin necesidad de diálogo. Lo que lo hace más impresionante es el vídeo del making of, en el que se revela la cantidad de planificación y trabajo que requiere una escena de este tipo.

HERMANOS DE SANGRE 1X09, las secuelas de la guerra.

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No hay dudas acerca de la importancia de Hermanos de Sangre a la hora de mostrar la Segunda Guerra Mundial en toda su crudeza. La historia de la compañía Easy a lo largo de su periplo por Europa es todo lo que pudo ser y no fue Salvar al soldado Ryan y, probablemente, el mejor bélico que se ha realizado nunca sobre este periodo histórico. Además, la serie contaba con momentos que eran una delicia, cinematográficamente hablando. Uno de ellos fue el comienzo del penúltimo capítulo, Why we fight, que comienza con un plano detalle de un violín que se va alejando hasta mostrar durante dos minutos y medio la desolación de una ciudad tras la guerra. Todo ello aderezado con música de Beethoven que nos pone los vellos de punta.

DAREDEVIL 1X02, 2×03, 3×04, El desgaste del héroe.

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Con su tercera temporada todavía reciente, no cabe duda de que Daredevil es una de las mejores muestras que nos ha dejado la ficción superheroica. Además de ser la serie más consistente de Marvel-Netflix y contar con uno de los mejores villanos superheroicos, Daredevil es la serie más cuidada cinematográficamente hablando. Prueba de ello es su amor por los planos secuencia. Si bien se ha ido superando en duración temporada a temporada (en esta última asistimos a uno de más de diez minutos de duración), mi favorito sigue siendo el primero, una pieza magistral en su uso del fuera de campo. Básicamente, asistimos a un combate entre Daredevil y varios criminales en un pasillo con habitaciones. La entrada y salida del héroe, objetos y malhechores refuerzan la crudeza del combate y el desgaste del protagonista, que pese a acabar agotado nunca tira la toalla. Imposible reflejar mejor la personalidad del Diablo de la Cocina del infierno.

Análisis de la tercera temporada de Daredevil, parte 1.

Análisis de la tercera temporada de Daredevil, parte 2. 

TRUE DETECTIVE 1X04, El peligro puede venir de cualquier lado.

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La primera temporada de True Detective tuvo tintes de punto de inflexión en el mundo audiovisual, aunque su segunda temporada no tuviera el éxito esperado. La calidad del guión, el prestigio de los actores implicados , la música o la impresionante dirección de Cary Fukunaga hicieron ver a muchos que la televisión podía llegar a superar al cine como medio hegemónico del entretenimiento de calidad. Culpa de ello tuvo el final del capítulo cuarto, el ecuador de la temporada, la madre de todos los planos secuencia realizados en televisión.

Durante poco más de seis minutos, asistimos a un allanamiento por drogas en el que todo acaba saliendo mal. La cámara se centra en Rust Cohle (Matthew McConaughey) que aprovecha el caos para llevarse a un confidente por el cual se había infiltrado en una de las bandas. Al no romper la narrativa con cortes, Fukunaga consigue que nos enfanguemos en el peligro y en la tensión de la situación, con múltiples disparos y enemigos fuera de campo. Cuentan que consiguieron realizarlo al cuarto intento. Bendito Fukunaga por insistir en terminar una de las mejores escenas de la historia de la televisión.

Sed felices!

Crítica de Crónicas de Navidad (2018): estreno de Netflix que llega demasiado pronto

Máximo Simancas
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Crítica de Crónicas de Navidad (2018): estreno de Netflix que llega demasiado pronto

Algún día habrá que hacer algún artículo sobre cómo la Navidad empieza a celebrarse cada vez con mayor antelación. Quizás por influencia norteamericana, quizás por otros motivos, el ambiente festivo se adelanta a su supuesta fecha de inicio, el 24 de diciembre. Esto tiene consecuencias positivas, sobre todo para los propietarios de supermercados y grandes almacenes, pero perniciosos efectos sobre la programación televisiva, incluso en el mercado del vídeo bajo demanda en el que Netflix es el rey. Uno de ellos es el estreno a destiempo de Crónicas de Navidad, una película que habría sido mucho más soportable de haberse estrenado el 20 de diciembre.

Fuera de casa por Navidad

Seamos justos: la película no pretende en ningún momento pasar a la posteridad, sino ofrecer un entretenimiento inofensivo y adecuado para toda la familia, sin demasiadas salidas de tono, y con una moraleja fácil de digerir. Esto lo consigue sin resultados espectaculares, pero sobresaliendo sobre sus competidores en algunas ocasiones, como en su sorprendente primera escena. A partir de aquí, sin embargo, este producto va cuesta abajo.

La cinta cuenta la historia de Teddy y Kate, dos hermanos cuyo padre ha fallecido recientemente, y que están empezando a distanciarse. Para colmo de males, él empieza a meterse en líos y a cometer pequeños delitos, mientras que su madre pasa demasiado tiempo en el trabajo para mantenerlos. Todos los años anteriores han celebrado la Navidad en familia… pero, durante estas fiestas, ni siquiera tienen las luces puestas. Algo que, para las familias americanas de las películas, es el equivalente a una tragedia.

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Sin embargo, esta lamentable situación cambiará en cuanto Kate observe a Papá Noel en una de las grabaciones de su cámara, e intente captarlo otra vez. Cuando esto suceda, y los incrédulos hermanos se cuelen en su trineo, acabarán provocando un accidente que hará que Santa Claus pierda su gorro mágico y, con él, sus poderes. Ahora, deben encontrar a los renos perdidos, su gorro y su saco… o el espíritu de la Navidad acabará descendiendo. Y esto, aparentemente, crispará tanto los nervios de la población que podría provocar una guerra mundial. Sí, eso insinúa la película.

Un Papá Noel ligeramente distinto

Hay que dejarlo claro desde el primer momento: lo más destacable del filme es la interpretación de Kurt Russell como Santa Claus, en la que el veterano actor le da vida a un San Nicolás tan bonachón como siempre, pero con un toque inconfundiblemente suyo: se trata de un Papá Noel muy moderno, que se queja de su versión tradicional, llegando a equipararla con las fake news, y al que le encanta la música rock. Cabe preguntarse cuánto habrá cobrado por aparecer en esta película, pero lo que no admite réplica es que se lo ha pasado de miedo prestándole sus rasgos al popular personaje. Alguna escena absurda le hará abrir los ojos con incredulidad a más de uno, pero siempre junto a una sonrisa o una carcajada, sobre todo si se conoce la trayectoria del actor.

En cuanto a la historia, no hay mucho que decir. Se trata de una trama mil veces vista, sin ningún momento impredecible más allá de un par de coqueteos con el género de metraje encontrado, y que seguramente sirva para distraer a los más pequeños durante una hora y media. Hay un par de subtramas que involucran a secundarios como los agentes de Policía que confunden a Papá Noel con un secuestrador, y que logran proporcionar un par de momentos de relativo peso dramático, buscando la lágrima fácil en estas fechas.

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Por lo tanto, a pesar de la desconcertante y desternillante interpretación del hombre detrás de Jack Burton, se trata de una de esas películas que no nos importaría que jamás hubiera existido. Quizás esté siendo más duro de lo que debería, dado que no formo parte de su público objetivo, pero el cine infantil nos ha dado obras tan cuidadas y accesibles a adultos que esto ya no es excusa. Además, la aparición de personajes tan horriblemente diseñados como los duendes del Polo Norte, animados con un CGI mediocre, acaba por condenar a este filme. Sin embargo, su calidad no es su mayor problema.

Conclusión

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Aunque pudiera parecer lo contrario, Crónicas de Navidad no es una película especialmente mala. Es una de esos largometrajes mediocres pero entretenidos que, si pusieran por la tele un 25 de diciembre, muchos nos tragaríamos sin demasiados problemas. De hecho, si hubiera visto este filme en esas fechas, mi crítica habría sido mucho más positiva. Habría que preguntarse, entonces, si la estrategia de Netflix ha sido la adecuada. Teniendo en cuenta la amplia oferta de su catálogo, con obras de mucha mayor calidad, quizás habría sido más inteligente dejar este estreno para después. Pero, claro, esta no es una de esas películas que necesitan contentar a la crítica, sino camelar a los niños y conseguir que sus papás soporten la experiencia. Y, con este Kurt Russell, las risas están aseguradas. Pero tampoco muchas.

Análisis de The Walking Dead. Temporada 9. Episodio 8 y parón de media temporada

Juanjo Avilés
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Análisis de The Walking Dead. Temporada 9. Episodio 8 y parón de media temporada

Bienvenidos todos al análisis del octavo capítulo de la temporada 9 de The Walking Dead. Recordar que el artículo está repleto de spoiler así que ya sabéis, mejor leerlo después de haber visto el episodio.

Aquí puedes ver los análisis de los episodios anteriores

Llegamos al parón de Navidad de la serie con un buen sabor de boca. En esta primera mitad de la temporada  han pasado muchísimas más cosas que en las dos anteriores: la despedida (que no muerte) de Rick, el salto temporal de 6 años (que ha aportado mucha frescura), los nuevos personajes, las nuevas relaciones entre las comunidades, el nuevo aire de western… Todo en un paz tensa que parece a punto de saltar por los aires.

En este episodio vemos un poco más de la situación de Negan. El padre Gabriel habla con él, ejerciendo casi de terapeuta, buscando llegar a la buena persona que supone que hay en el interior del dueño de Lucille. Pero no hay manera, sigue siendo el capullo manipulador que todos conocemos. Aunque cuando Gabriel pierde la paciencia (Rosita, su pareja, está herida y no puede ir con ella porque tiene que cuidar del prisionero) y se marcha, Negan parece tocar fondo y ablandarse. ¿Estaremos ante una trasformación del carismático villano? Habrá que esperar. Y lo mejor es que lo último que sabemos de él es que la puerta de su celda queda abierta y se escapa. ¿Ha sido un descuido o Gabriel quiere ver las intenciones de Negan?

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Jesús peleando contra los zombies en una escena a la que sólo le falta Michael Jackson

Por otro lado tenemos la llegada de Michonne con su grupo a Hilltop y la tensión se masca en el ambiente. Queda claro que algo grave paso que distanció a las comunidades. Michonne dice que tomó decisiones difíciles para salvarlos a todos y que está dispuesta a pagar el precio por ello. No quiere ni oír hablar de hacer las paces ni de que Alexandria participe en el festival que están montando Hilltop y El Reino.

En Hilltop también habíamos dejado al joven Henry en su afán por ser herrero. Aunque parece que hay otras cosas que le han llevado allí. Se queda prendado mirando a Enid, pero esta tiene una relación con Alden así que se queda compuesto y sin novia. Pero no todo está perdido, conoce a un grupo de jóvenes del lugar con los que se escapa de noche para emborracharse. Queda claro que después de la muerte de Gregory, Henry se queda con el premio de personaje más insufrible. Al menos acaba en una celda, pensando en lo que ha hecho y con deseos de enmendarse.

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Los jovenes de Walking Dead parecen ser tan idiotas como en todas partes

Pero el plato fuerte del capítulo está en la partida de búsqueda del malherido Eugene compuesta por Jesús, Aaron y Daryl. Desde el principio queda claro que Jesús es un tío magnifico, podría ser un gran líder y además reparte estopa como nadie. Y ya sabemos cómo suele acabar esto….

Los zombies que los persiguen actúan de manera extraña. Y cuando por fin encuentran a Eugene este les dice que les ha oído hablar entre ellos. No saben si creerle pero los caminantes no dejan de perseguirles, cambiando de dirección y haciendo caso omiso de los ruidos que hacen para despistarlos.

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Salvar al soldado Eugene

Eugene está herido y no pueden huir deprisa así que quedan atrapados en un cementerio, con una puerta vallada a sus espaldas que no pueden abrir al estar medio enterrada en el suelo. Se preparan para pelear contra los zombies, en una nueva exhibición de habilidades de combate de Jesús, que cubre a Daryl y Aaron para que estos puedan escapar con la ayuda del grupo de Michonne que luega justo a tiempo.

A tiempo para ver como un zombi logra esquivar el ataque de Jesús para clavarle una espada en el pecho. ¡Toma ya! Los demás corren en su ayuda para enfrentarse a una horda de zombies que pelean armados como ellos hasta que acaban huyendo.  Daryl se para a examinar un caminante caído y descubre que era un hombre disfrazado. Los zombies se vuelven a acercar a nuestros protagonistas susurrando que no hay que dejarlos escapar y cuando están rodeados se acaba el episodio, dejando al público impaciente, con ganas de más y con un final impactante marca de la casa en los parones de media temporada.

Ya tenemos con nosotros de manera oficial a los Susurradores, los nuevo enemigos de la serie. No es que los zombies hablaran y hubieran evolucionado como se temía Eugene. Es que hay personas que se camuflan como caminantes dentro de los rebaños para poder controlarlos. La verdad es que es una idea genial y espeluznante.

Su presentación ha sido una oda a las viejas películas de terror. Por la noche, en un cementerio abandonado, rodeados de niebla… todo muy tétrico. Si esto significa que The Walking Dead por fin va a volver a ser una serie de terror, bienvenidos sean los Susurradores, unos enemigos que pueden dar mucho juego.

zombie
Este capítulo si que ha logrado tener una atmosfera de terror

Lo que no me ha gustado ha sido la muerte de Jesús, por dos motivos. Uno,  que ha sido alguien interesante desde que apareció la primera vez, pero los responsables de la serie nunca se habían molestado en explotarlo. Ahora que parecía que el personaje podía ser unos de los grandes protagonistas y se le había dado más peso en la trama, van y se lo cargan. Por otro lado, se sigue con la manía de ensalzar a uno de los supervivientes para acabar matándolo. Ya he comentado en otras ocasiones que es un recurso simplón, ñoño y que le quita toda la sorpresa que tiene la muerte como recurso efectista.

Pero en resumen tengo que reconocer que esta primera mitad de temporada me ha gustado bastante más que la anterior. Todos los pasos dados hasta ahora han sido en la dirección correcta y la serie no se ha resentido para nada de la marcha de su principal protagonista. Además, estoy deseando saber  mucho más de los Susurradores y ver si se va a poder conjugar de manera adecuada el tono de western apocalíptico que tiene la serie con los elementos de terror que estos puedan aportar.

Tráiler de Artemis Fowl, película de Disney basada en las novelas de Eoin Colfer

Pedro Pérez S.
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Tráiler de Artemis Fowl, película de Disney basada en las novelas de Eoin Colfer

Disney ha presentado el primer tráiler de Artemis Fowl, película que adapta la obra de Eoin Colfer y que cuenta entre sus protagonistas con Miranda Raison, Judi Dench y Josh Gad. La película está dirigida por Kenneth Branagh (lo que no sabemos si es motivo de alegría o justo lo contrario) y tiene previsto su estreno en España el próximo verano, el 9 de agosto. Para quienes no lo conozcan, hay que señalar que los libros de Eoin Colfer cuentan una historia un tanto peculiar, la del niño de 12 años, inventor y genio malvado Artemis Fowl, empeñado en conseguir el oro que guardan los seres mágicos que se esconden bajo  nuestro mundo. La dudosa moralidad del protagonista es lo que lo diferencia de otras novelas dirigidas a un público juvenil, con la que guarda parecidos en cuanto a su ambientación y fantasía.

Artemis AlfredEn principio, parece que el tráiler no pinta mal. Kenneth Branagh es un realizador que suele dar el pego en cuanto a la ambientación y la producción de sus cintas, impregnadas de un aire de cierta sofisticación británica. Otra cosa es que el resultado sea el esperado. También da el pego el protagonista, el novato Ferdia Shaw. Lo que queda en el aire es si Disney conseguirá impregnar la producción de la mala leche y el cinismo que destilan las novelas de Colfer. Para los aficionados a los cómics, señalar que el guionista Grant Morrison se ha manifestado como fan entusiasmado de las novelas de Artemis Fowl, es más, el personaje de Damien Wayne, el hijo de Batman y la hija de Ra’s Al Ghul, está claramente inspirado en este personaje, hasta el punto de que el mayordomo de Batman, Alfred, aparece en alguna que otra viñeta leyendo las novelas. Os dejamos con el tráiler. Un saludo y sed felices.

https://youtu.be/y6olen_sjH4

Crítica de El veredicto (la ley del menor): Una cuestión de fe

Ex colaborador de la web
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Crítica de El veredicto (la ley del menor): Una cuestión de fe

El veredicto (la ley del menor) es la nueva adaptación del medio literario que llega a las pantallas. En este caso, el libro es el de Ian MacEwan, autor ya más que acostumbrado a ver sus novelas recibir este tipo de tratamiento. Richard Eyre como director aporta un filme sofisticado que plantea preguntas acerca del valor de la vida, la religión y la importancia de las distintas influencias que recibimos a lo largo de nuestra existencia.

Emma Thompson interpreta a la juez Fionna Maye. En la primera escena del filme vemos en qué consiste su trabajo: debe decidir si merece la pena salvar la vida de un niño siamés sacrificando a su hermano. Este es el tipo de decisiones que debe tomar en su día a día. Es por esto mismo por lo que su matrimonio no pasa por el mejor momento, su vida laboral requiere tanto de ella misma que su marido, interpretado por un Stanley Tucci un tanto malgastado, afirma que son uno de esos matrimonios que ha perdido la magia y el contacto físico por el paso de los años. El verdadero argumento del filme comienza con la llegada de un nuevo caso: Adam Henry (Fionn Whitehead), al ser un joven criado bajo las enseñanzas de dos padres testigos de Jehová, se niega a recibir una transfusión de sangre que podría salvar su vida. Fionna es la que debe decidir si, al ser menor de edad, el chico es lo suficientemente responsable para tomar una decisión tan importante. Para dar con una solución, decide visitar a Adam Henry en el hospital.

Uno de los aspectos más destacados del filme son las interpretaciones por parte del trío principal de actores. Emma Thompson está magnífica como protagonista de la historia. La británica sabe perfectamente cómo realizar una actuación contenida pero efectiva. Por otro lado, Fionn Whitehead nos cautiva desde el primer momento que aparece en escena. Este joven actor que ya destacó en Dunkerque el año pasado, demuestra ser una joven promesa a la que se debe seguir de cerca. Finalmente, como comentaba antes, el tiempo de Stanley Tucci en pantalla es bastante limitado, pero cuando aparece aporta ciertos elementos cómicos, sin descuidar el componente dramático del papel.

Si hay algo que el filme ejecute a la perfección es la total neutralidad con la que se presenta. En este caso en particular, podría haber sido muy fácil haber realizado un filme donde predomine el blanco y el negro en cuanto a moralidad se refiere. Gracias a esta imparcialidad, se crean preguntas acerca del derecho propio a decidir, de la fe, de la tolerancia y del sistema judicial. En La Ley del Menor no se tiene miedo a dejar preguntas sin respuesta, realmente nunca sabremos si el chico estaba o no influenciado por sus padres. Que no se den resoluciones claras no hace más que incrementar la valía del filme, ya que de esta forma, se refleja de forma más verídica la realidad.

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Otro de los aspectos positivos y sorprendentes del filme es la estructura que posee. Todo el caso de Adam se resuelve durante la primera mitad del largometraje. Una vez finaliza esta parte, el espectador se pregunta qué más puede ofrecer La Ley del Menor; pero el filme encuentra cómo continuar con la historia. Hay dos partes distinguidas, las dos son totalmente cautivadoras por distintos motivos. En la primera nos atrapa el pensamiento del grupo religioso y esperamos impacientes la decisión de la jueza; la segunda parte está rodeada de un umbral de extrañeza, en la que  somos testigo de un equilibrio exquisito entre una tensión sexual creciente y la más pura preocupación derivada de un instinto maternal.

Si hay algo que no funciona en el filme es el aspecto emocional. Es una historia muy trágica, de eso no hay duda, pero el impacto sentimental nunca llega, el guion está demasiado centrado en crear un debate moral que algunos otros apartados están descuidados y no llegan al nivel de excelencia del debate.

En resumen, La Ley del menor es un filme que no es del todo redondo porque no llega a emocionar a pesar de su trama tan trágica, pero sí que abre un debate moral muy interesante y presenta unas interpretaciones impecables por parte de su reparto.

Crítica de Superlópez. Un divertido superhéroe con mucho sabor español

Juanjo Avilés
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Crítica de Superlópez. Un divertido superhéroe con mucho sabor español

Superlópez llega a las pantallas de los cines con un único propósito: divertir al espectador. La adaptación de las aventuras del superhéroe español creado por Jan (Juan López Fernández) sólo busca que los espectadores se rían y se lo pasen bien. Y lo consigue.

Javier Ruiz Caldera, director de la cinta, tiene experiencia en la labor de adaptar tebeos al cine ya que es el responsable de Anacleto, agente secreto. Este trabajo anterior oscilaba de manera irregular entre la comedia y el cine de acción y espionaje y eso hacía que la película, sin ser mala, se resintiera.  En Superlópez se ha decidido de manera clara por hacer una cinta divertida. Tiene sus momentos de acción (después de todo es un superhéroe) pero siempre sin perder de vista que es una comedia.

En este sentido ayuda mucho que los guionista sean sean Borja Cobeaga y Diego San José, responsables de las taquilleras Ocho apellidos vascos y Ocho apellidos catalanes. Esas dos películas han sido todo un éxito haciendo que la gente se ría y aquí buscan repetir el objetivo.

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Superlópez y su traje… ¿O es su pijama?

No se adapta ningún comic concreto y, aunque en todo momento se ve que se respeta el trabajo de Jan, tampoco se acaba de conectar del todo con el espíritu del personaje ya que se busca llegar a un publico lo más amplio posible. No gustará a los aficionados más puristas de Superlópez aunque a cambio, sí que se nos ofrece una cinta muy amena y divertida que gustará a toda la familia, incluidos los más pequeños.

La película nos cuenta las aventuras de Juan López, un triste oficinista que en realidad es un alienígena con superpoderes criado desde bebé en nuestro planeta por un una pareja de granjeros catalanes. ¿Os suena? No es más que una parodia de Superman, trasladando en clave de humor las características de este superhéroe a nuestro entorno. Tanto es así que desde bebé tiene su peculiar bigote y cómo es español, se esfuerza por no destacar, ser alguien normal, una medianía sin aspiraciones para que no se descubra que puede hacer cosas extraordinarias.

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Maribel Verdú se lo pasa en grande siendo mala malísima

Pero vuelve a reencontrarse con un antiguo amor universitario que despierta en él sus ganas de ser algo más y toda su búsqueda de tranquilidad se va al traste cuando evita un accidente en el metro de Barcelona. Otra alienígena que le estaba buscando le descubre y querrá capturarlo para llevárselo a su planeta natal para usarlo como arma.

El encargado de dar vida a Superlópez es Dani Rovira mientras que Alexandra Jiménez le da réplica como su interés amoroso. El trabajo de los dos actores es muy bueno. Ambos tienen muchas tablas en la comedia y eso se nota, además su relación derrocha en cada escena. Una relación que va mucho más allá de la damisela en apuros ya que Luisa (el personaje de Alexandra Jiménez) es una mujer de armas tomar.

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Alexandra Jiménez destaca en todas sus actuaciones

La elección de Rovira despertó bastante críticas en su momento. Su físico y personalidad parecían no pegar mucho con lo que debería ser un mediocre como Juan López y su alter-ego. Y mucho más cuando se vieron sus primeras imágenes enfundado en el traje de Superlópez. Pero la gente se olvida de que esto es una comedia y en la propia película se hacen múltiples bromas sobre el “pijama” que lleva puesto (genial el detalle de lo que cuesta quitarse la ropa que lleva encima, justo como en el comic). En definitiva, el trabajo del actor encarnando a su personaje es bastante bueno, haciendo creíble (todo lo que puede ser un personaje de comic) a Juan López con sus muchos defectos y algunas virtudes.

Acompañando a Rovira y Jiménez tenemos al siempre divertido Julián López como amigo del protagonista y Maribel Verdú como la malvada de la función, haciendo un trabajo un poco pasado de vueltas pero en el que se nota que se lo ha pasado en grande haciendo de mala. Pedro Casablanc y Gracia Olayo también están excelentes como los padres adoptivos de Juan.

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Los protagonistas de le película

En cuanto al apartado técnico señalar que no estamos ante una gran superproducción de Marvel. Los efectos especiales son bastante justitos y a la cinta se le ven un poco las costuras a veces. Por el contrario el diseño de producción es bastante bueno, tomando de ejemplo lo que hemos comentado  del traje del protagonista y el robot al que este se tiene que enfrentar. No es espectacular pero se ajusta como un guante al tono de la película, siendo divertido y atractivo.

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Un robot que parece salido de las viñetas del comic

Superlópez es una película que adapta sin complejos  los códigos de la comedia contemporánea a la idiosincrasia española sin olvidarse de las escenas de acción, que sin ser espectaculares están bien resueltas y son, sobre todo, muy divertidas.

Y como guinda, una aparición muy especial al final que hará las delicias de los aficionados a los comic. ¿Nos esperan más películas de Superlópez? Ojala…

One Piece 925, los Capitanes Titán de Kurohige y las calamidades de Kaido

Mario Fernández Filloy
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One Piece 925, los Capitanes Titán de Kurohige y las calamidades de Kaido

Bienvenidos una vez más, fieles adeptos de Oda, a un nuevo análisis de One Piece. En esta ocasión, del capítulo 925 del manga. Más o menos un pequeño paréntesis que involucra al desaparecidísimo Gecko Moria y a la tripulación de Kurohige. Aprovecharé para recapitular a todos y cada uno de los componentes de la tripulación del yonkou. Comencemos.

Isla Pirata

Después de ese breve prólogo con Mihawk y Perona, que no aporta información relevante más allá de conocer que todavía siguen viviendo juntos y que justamente sirve para relatar la marcha de Perona de la isla, Oda nos lleva hasta la Isla Pirata, una isla que fue nombrada por Nico Robin en el pasado pero que nunca antes habíamos llegado a ver. Allí está Kurohige con su tripulación, y el desaparecido (creo que a nadie le importa) Gecko Moria, que por alguna razón busca al yonkou. Sabemos también que antes de él visitó la isla su camarada Absalom, que resulta estar muerto (a lo del impostor que aparece en este capítulo todavía no he conseguido encontrarle explicación) y, lo más importante, el poder del diablo que tenía pasó, como es natural, a una nueva fruta que fue consumida por Shiliew de la lluvia (fruta Suke Suke, de la invisibilidad). Las teorías sobre su enfrentamiento con Zoro no se han dejado esperar.

Está claro que Moria no va a salir de la isla así como así: o lo matan o se une a Kurohige, y teniendo en cuenta que en el Reverie se ha abolido el grupo Shichibukai, ahora mismo, sin tripulación y con su baja recompensa que da a entender su lamentable nivel en el panorama actual del Nuevo Mundo, poco más podrá hacer que aceptar la proposición de Barbanegra de tener un lugar junto a él, en el caso de que éste lo haga, claro.

Tripulación de Kurohige (Diez Capitanes Titán)

  • Kurohige (Marshall D. Teach): Como hemos sabido en este capítulo, su recompensa actual es de Berrysymbol2.247.600.000. Posee las frutas del diablo Yami Yami y Gura Gura, es decir, la fruta de la oscuridad (una de las más poderosas, sino la que más, de todo One Piece) y la del temblor o terremoto (otra que podía incluirse sin miedo a equivocarse en un top 5 de poder). Creo que no necesita más presentación.

kurohige

  • Jesús Burgess – Capitán Titán del Primer Barco: No se sabe demasiado sobre él. Se desconocen su recompensa y sus poderes, aunque sí hay consciencia de su increíble fuerza y rapidez (comprobado durante la batalla en el Coliseo). También tiene un imponente haki de armadura.

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  • Shiliew de la lluvia – Capitán Titán del Segundo Barco: Como recordaréis, este peligroso personaje proviene de Impel Down. Si bien en un primer momento fue Jefe de Guardia en la propia prisión, terminó siendo encarcelado por la extrema violencia con la que trataba a los presos. Es un sádico incomparable, que escapó durante el arco de Impel Down y se unió a Barbanegra durante la Guerra. Se desconoce su recompensa pero se sabe que tiene la fruta Suke Suke y que sus habilidades con la espada son excelentes.

shiliew 1

  • Desconocido – Capitán Titán del Tercer Barco. 
  • Avalo Pizarro – Capitán Titán del Cuarto Barco: Es uno de los cuatro piratas que Kurohige libera de Impel Down. Se desconocen su recompensa y sus poderes (si posee o no una fruta del diablo) pero estaba encerrado en el nivel 6 de la prisión, por lo que se deduce que su poder y recompensa son abrumadoramente altos, teniendo en cuenta además que es uno de los cuatro más poderosos de ese nivel.

avalo pizarro

  • Laffitte – Capitán Titán del Quinto Barco: Hace años formaba parte del cuerpo de policía del East Blue, pero a causa de su violencia fue expulsado y se convirtió en pirata. También se desconocen de él sus poderes y recompensa, pero se ha podido ver a lo largo de One Piece que es un gran navegante, que posee un bastón espada y enormes alas que le permiten volar (quizás es consumidor de una Zoan). Tiene también una enorme resistencia y la capacidad de hipnotizar.

laffitte

  • Catarina Devon – Capitán Titán del Sexto Barco: Es otro de los 4 prisioneros rescatados de Impel Down. Se desconoce su recompensa pero se sabe, gracias a la información que hemos recogido de este último capítulo, que es poseedora de la fruta Inu Inu: modelo Kyubi (Zoan mitológica del zorro de las 9 colas). Es la única componente mujer de la tripulación del yonkou.

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  • Sanjuan Wolf – Capitán Titán del Séptimo Barco: De nuevo, otro de los 4 prisioneros de Impel Down. Tiene aproximadamente 100 años y es un criminal legendario. A pesar de ser un gigante, su tamaño es increíblemente superior a los de su raza (se dice que esa magnitud es debida a una fruta del diablo). Se desconocen sus poderes y habilidades y su recompensa.

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  • Vasco Shot – Capitán Titán del Octavo Barco: Es el último rescatado de Impel Down, y a parte de eso y de que es un bebedor compulsivo, no se conoce nada más sobre él.

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  • Desconocido – Capitán Titán del Noveno Barco.
  • Desconocido – Capitán Titán del Décimo Barco. 
  • Van Augur: Es el primer aliado de Kurohige, probablemente la persona de mayor confianza para el yonkou. Es conocido por ser un tirador ejemplar y muy veloz (de ahí su apodo supersónico). O bien es el segundo al mando de Kurohige (si es que existe esa jerarquía en su tripulación) o bien puede ser el todavía no confirmado Capitán Titán del Tercer Barco, pero teniendo en cuenta la confianza y relación forjadas con su capitán desde mucho antes de que los Capitanes Titanes se unieran a él, optaría por la primera opción.

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  • Doc Q: Al igual que con Van Augur, se conoce que la relación entre este pirata y Kurohige es anterior a la que mantiene con sus Capitanes Titanes, por lo que yo apostaría a que Q es su tercer al mando. Además, el apodado La Muerte, es el médico de la tripulación y viaja subido a su caballo Stronger, ya que a causa de una enfermedad con la que nació, no tiene la suficiente fuerza como para caminar. A pesar de todo, es un ser muy poderoso, al igual que toda la tripulación del yonkou, y aunque desconocemos sus poderes, sabemos que porta una enorme guadaña.

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Calamidades de Kaido

Hasta ahora tan solo teníamos noción de la calamidad Jack, pero en este capítulo hemos podido conocer a las otras dos: Queen y King. Ninguna información se ha dado acerca de ellos pero no hace falta ni decir que su poder actualmente es muy posible que se encuentre al nivel de Luffy. Ya hay teorías acerca de qué Zoan posee cada uno, y de las que a mí más me han llamado la atención: Queen sería un escorpión y King algún tipo de ave pirómana.

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Y hasta aquí el análisis de esta semana, nos vemos en el 926, en el ínterin, sed felices.

Análisis de Titans (Titanes). Temporada 1. Capítulo 6

Adrián De La Fuente Lucena
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Análisis de Titans (Titanes). Temporada 1. Capítulo 6

Introducción

Bienvenido Titán o Titánide a tu cita semanal con mis análisis de Titans. Espero que estés disfrutando la serie como la disfruto yo y que te sean provechosas mis valoraciones de la misma. Yo estoy muy contento porque están generando comentarios por lo que entiendo que es de tu interés. ¡Vamos con el sexto capítulo!

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Jason Todd

Ya al final del capítulo anterior se presentó a Jason Todd/Robin II (Curren Walters) así que el título de este episodio, Jason Todd, no deja lugar a dudas de que va a estar enfocado en él. Jason echará una mano a Dick escondiendo al Dr. Adamson en uno de los inmuebles que utiliza Batman para sus operaciones secretas. La cual se convertirá en una improvisada base de Los Titanes. También se implicará en la investigación de su predecesor en los asesinatos de la mayor parte de lo miembros del Circo Haley, el circo donde Dick trabajaba como trapecista, con sus padres. Al final se descubrirá que el responsable de dichos asesinatos es Nicolas Zucco (Kyle Mac), hijo de Anthony Zucco (Richard Zeppieri), el mafioso responsable de la muerte de los padres de Dick. Las acciones de Nicolas están motivadas por las consecuencias que tuvo para su familia y para él el que Dick decidiera vengarse de su padre en el pasado.

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Como ya comenté en el post del capítulo anterior, el origen y carácter de Jason, excesivamente parecido al de Dick, fue alterado tras la saga Crisis en Tierras infinitas (86). El guionista Max Allan Collins mostró a Jason como un huérfano, a muy temprana edad, que vivía en las calles de Gotham. Circunstancia que le forjó un carácter rebelde y problemático. De hecho, Batman lo conoció en el Callejón del Crimen (el lugar donde los padres del Señor de la Noche fueron asesinados) cuando trataba de roberle las ruedas del Batmovil. Anécdota que se comenta en este episodio. Batman vió potencial en el muchacho y decidió convertirlo en el nuevo Robin.

Pero su forma de ser hicieron que su relación con Batman fuera cada vez más tensa hasta volverse imposible. A lo cual contribuían los guiones de Jim Starlin, que no era partidario de que Batman tuviera compañero así que, con su caracterización de Jason, buscaba hacerlo aborrecible para que los lectores no lo echaran de menos cuándo lo matara. El entonces editor del Hombre Murciélado, Dennis O’Neil, no estaba muy por la labor de matarlo así que lo dejó a la elección de los lectores, a través de una encuesta telefónica. Para satisfacción de los que no aguantamos a Jason y creemos que Batman funcionan bien con aliados circunstanciales pero no con críos revoloteando todo el día a su lado, se decidió que fuera asesinado por el Joker. Aunque, como suele pasar en los cómics, rara vez una muerte es permanente.

¿Veremos algo de esto en Titans? Visto el tono que tiene la serie no lo descartaría. Y más teniendo en cuenta que Jason fue, durante un corto período de tiempo, miembro de los mismos. Habrá que esperar a ver.

Cierre

En este episodio se ha tenido la ocasión de ver interactuar a los Robin de dos generaciones que, a su vez, representan dos formas diferentes de entender su papel. Para Dick su identidad de Robin es algo a superar mientras que Jason no tiene ninguna intención de dejar de serlo. Se encuentra muy cómodo en su papel y entiende la función que tiene Robin para Batman, la de ser un elemento de distracción para los criminales, mientras el Caballero Oscuro golpea. Casi se podría entender que nos están diciendo que Robin es carne de cañón, lo que no deja de resultar irónico considerando el destino de Jason en las viñetas. Por lo general, ambos actúan como sus versiones comiqueras a la hora de confrontar sus puntos de vista con respecto a ser Robin. En el caso de Dick lo que parece variar son algunas de las circunstancias por las que quiere dejar de serlo. En lo que respecta a Jason aún es pronto para hacer comparaciones y dar una valoración definitiva. Pero, de entrada, su caracterización es buena.

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Es cierto que la trama principal no está avanzando pero, aún así, los episodios están dando mucho de sí gracias a las historias paralelas y/o secundarias, que evitan una aburrida trama única de primera temporada, arrastrada capítulo a capítulo. Pongáse el Arrowverso o la serie de Netflix que se quiera como ejemplo, menos Daredevil.

Eso ha sido todo por esta semana mi Titán o Titánide. Espero que te haya gustado este post. Si es así, ¡comenta y comparte! ¡Muchas Gracias!

Incógnitas y teorías sobre Los crímenes de Grindelwald (SPOILERS)

Ex colaborador de la web
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Incógnitas y teorías sobre Los crímenes de Grindelwald (SPOILERS)

La nueva película del universo creado por JK Rowling está arrasando en taquilla para sorpresa de nadie. Pero eso sí, en lo que respecta a misterios, dudas e incógnitas la cinta no se queda nada corta. Con un desarrollo confuso, algo que llama la atención de la película es la gran cantidad de información, desconocida para nosotros, que poseen sus personajes. Incluso los más cercanos a este mundo mágico están teniendo problemas para comprender qué está sucediendo, quién es quién y qué significa su final. Por supuesto no vamos a quedarnos atrás en este juego de especulación, así que hoy vamos a mostrar algunas teorías y opiniones respecto a ciertos detalles del film. Aviso a muggles: ¡SE VIENEN SPOILERS!

LA SERPIENTE NAGINI

Cuando Creedence escapa después de los acontecimientos de la primera película se refugia con los integrantes de un circo ambulante que exponen a diversas criaturas mágicas para lucrarse de ellas. Estas viven en condiciones terribles y son explotadas por los trabajadores del nefasto espectáculo. Una de las apariciones más sorprendentes es la de una joven asiática llamada Nagini, que parece haber cogido mucha confianza con el joven Obscurial. No mucho después de su primera escena, se nos revela un dato que ha generado una enorme controversia: Esta joven es una humana Maledictus, es decir, porta una maldición sanguínea, que le permite convertirse en serpiente, pero cuyo efecto acabará por volverse irreversible, obligándola a conservar su forma reptil por la eternidad. Quizá a muchos el nombre de Nagini no les haya llamado la atención, pero si utilizan un poco la memoria podrán recordar a alguna serpiente similar presente en la saga de Harry Potter…

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Las dos formas de la maldita Nagini

LA FAMILIA LESTRANGE

Otro personaje que se nos presenta en la película es el hermano de Newt, Theseus Scamander, cuya prometida resulta ser la ya citada en la entrega anterior: Leta Lestrange. La reaparición de la familia Lestrange y la subtrama que se genera a su alrededor es una de las incógnitas más grandes del film. Muchas personas han tenido que comerse el coco a la par que crear y consultar diferentes árboles genealógicos para poder encontrar la relación que existe entre este personaje y la archiconocida Bellatrix Lestrange de la saga original. Personalmente, he encontrado un vídeo que a muchos les puede resultar de ayuda, pero claro, esto son solo teorías.

DUMBLEDORE GAY

Pese a que mucho cerrado de mente haya puesto todo lo que está en su mano para negarlo, las declaraciones de JK Rowling son tajantes: Dumbledore es gay. Las escenas de la película lo sugieren más que lo afirman, convirtiéndolo así en un susurro a voces, pero ya se ha confirmado que Dumbledore tuvo un pasado junto a Grindelwald, uno que al parecer no terminó tan bien como el director del Colegio Hogwarts de Magia y Hechicería hubiese querido. Esto es algo que se conoce desde hace bastante, y los más fieles seguidores a los libros sabrán de las polémicas declaraciones de la escritora en 2007. De modo que todo aquel que clama al cielo que la británica se está dejando influenciar por el movimiento de lo políticamente correcto, pueden estar tranquilos, este “secreto” que muchos ya conocían simplemente ha esperado 11 años para salir en la gran pantalla.

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El espejo de Oesed, le muestra a un joven Dumbledore lo que su corazón más desea.

HERMANO DE DUMBLEDORE

La cantidad de referencias y secretos que oculta la película es inmensa y no podemos realizar un estudio completo de cada ínfimo detalle. Pero eso sí, no podemos irnos sin comentar algo sobre ese final que ha dejado a tantos sin aliento: ¿¡Creedence es en realidad hermano de Dumbledore!?

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Esto ha dejado descolocado hasta a los fans más próximos, que no recuerdan haber visto nunca el nombre de Aurelius Dumbledore. Con respecto a esto, existen varias teorías, hay quien dice que es un hermano perdido de la familia, pero que ninguno de los hermanos Dumbledore lo descubrió nunca, otros que afirman que es uno de tantos secretos que Albus busca ocultar sobre su vida privada, y algunos incluso se atreven a afirmar que el joven en realidad no es un Dumbledore y que Grindelwald simplemente le mintió para manipularlo mejor. A todo esto se le suma, que durante la escena de la supuesta revelación, un fénix que transita de un lado a otro de la habitación. Puro simbolismo. ¿Su significado? Seguramente tengamos que esperar a la siguiente entrega para saberlo, pero queremos saber vuestras teorías y opiniones, quizá lo que escribías en comentarios puede convertirse en una nueva profecía.

 

Crítica de El método Kominsky, el limbo de Chuck Lorre

Pablo Ferrer
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Crítica de El método Kominsky, el limbo de Chuck Lorre

Es innegable que Chuck Lorre se está estableciendo como uno de los escritores y creadores de sitcom más prolíficos del momento. Ya sea para bien como con sus mundialmente reconocidas y consideradas discutiblemente como los dos sitcoms más influyentes de los últimos años The Big Bang Theory y Dos hombres y medio; o no tan bien como con sus proyectos menos inspirados y perezosos en Young Sheldon o Descolocados; Lorre se ha reivindicado como una figura a tener en cuenta dentro del panorama serial contemporáneo.

Su última apuesta en el sector, El método Kominsky, cuenta con dos grandes nombres en Michael Douglas y Alan Arkin, y promete un ligero cambio de estilo con respecto a lo que nos tiene acostumbrados, alejándose del sitcom más tradicional que le ha visto nacer y sumiéndose en el territorio del dramedy.

Dos abuelos muy carismáticos

La serie nos presenta al veterano actor Sandy Kominsky (Michael Douglas) y a Norman Newlander (Alan Arkin), su agente de toda la vida. La carrera de Sandy jamás llegó a trascender la barrera del éxito pero ha conseguido ganarse la vida creando su propio taller de interpretación -de ahí el nombre de la serie- y tanto él como su agente afrontan juntos los nuevos tedios surgidos de la vejez.

Más allá del tratamiento que pueda terminar teniendo la historia, las garantías que el dúo protagonista aportan son más que notables y cabe decir que ninguno de los dos decepciona. La dinámica entre Arkin y Douglas mantiene a flote la serie y sus interpretaciones son capaces de subsanar gran parte de las deficiencias argumentales que, con el tiempo, va evidenciando El método Kominsky. Y es que la serie, por desgracia, no termina de cuajar a pesar de que todos los elementos parecen estar ahí: protagonistas carismáticos y talentosos, formato de media hora en 8 capítulos, las garantías que se supone que una gran plataforma como Netflix debe aportar y un especialista del género tras las cámaras en Lorre. Pero es precisamente en este último punto donde los problemas de El método Kominsky salen a la luz.

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Atascada entre dos mundos

Desde que la serie da comienzo, se hace más que evidente la mano de Lorre tras el guión: diálogos punzantes, personajes cruelmente ingeniosos, rápidas y dinámicas conversaciones… Pero lo que diferencia esta serie del resto de proyectos televisivos tras los cuales se ha visto involucrado, es que El método Kominsky no es una sitcom, es un dramedy. Los mordaces diálogos e ingenio conversacional no son capaces de sustentar un producto que a la par que risas busca drama y Lorre parece sacar literalmente la dinámica de sus anteriores sitcoms y encasquetarla aquí, dejando como resultado personajes poco creíbles y unos momentos dramáticos insulsos.

La serie muestra claramente una intencionalidad más reflexiva u oscura si cabe, pero a pesar de la música melancólica de fondo para reforzar el sentimiento de tristeza que se supone que debería producir en algún momento, El método Kominsky tiene el mismo nivel de dramatismo que The Big Bang Theory. Algo que per se no tendría por qué ser malo pero la serie, al no cumplir la promesa del dramedy y vagar entre dos estilos tan distintos, en última instancia termina careciendo de alma. Cualquier pretensión reivindicativa o mínimamente reflexiva, es coartada por su misma construcción y quedan en poco más que gracias intrascendentes.

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Una serie sin más

Para aquellos adeptos al estilo de Lorre y que ansíen una serie ligera repleta de chascarrillos y personajes ofensivamente ingeniosos, El método Kominsky no decepcionará. Su formato ligero y núcleo de protagonistas bien interpretados, hace de su visionado una experiencia agradable y entretenida. Pero aquellos que busquen una buena comedia dramática es más probable que terminen la serie con un poso de amarga indiferencia. Y es una lástima porque había el talento y el formato para llegar a hacer un producto interesante y con realmente algo que aportar pero que por culpa de un erróneo planteamiento y un poco inspirado desarrollo -prueba de ello es el más que anticlimático final de temporada-, termina cayendo en lo anodino.

En definitiva, El método Kominsky es una irregular amalgama de estilos que terminan desembocando en una comedia pasable con pretensiones de drama, que se ve inevitablemente lastrada por el propio Lorre pero salvada por los actores.maxresdefault 1

Análisis de Doctor Who: Temporada 11. Capítulo 7: ¡Kerblam!

Toni CE
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Análisis de Doctor Who: Temporada 11. Capítulo 7: ¡Kerblam!

Buenos días Whovians y curiosos de Doctor Who, en Las cosas que nos hacen felices os traemos otra semana más el análisis del capítulo de la semana. En esta ocasión tenemos un episodio entretenido, muy del estilo Doctor Who, por lo que espero que hayáis pillado la manta y preparado el té para disfrutar del viaje en la TARDIS junto a la Doctor y a sus companion.

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El siguiente artículo está lleno de SPOILERS, doy por hecho que habéis visto el capítulo o que no os importan que os destripen el capítulo.

Este capítulo está dirigido por el director Jennifer Perrot, a quien ya hemos visto dirigiendo el capítulo titulado El enemigo Tsuranga. El guión corre a cargo de Pete McThighe, conocido por ser escritor de la serie Wentworth y un gran whovian, trabajando como asesor en las temporadas anteriores.

El capítulo comienza con el equipo TARDIS sufriendo las turbulencias de su nave espacial hasta el momento en el que reciben la visita de un cartero perteneciente a la empresa Kerblam. Un robot mensajero perteneciente a esta empresa se ha tteletransporta dentro de la TARDIS con la misión de entregar un paquete para la Doctor. Dentro del paquete encontramos un Fez como el que solía llevar el undécimo doctor, que habrá sacado al sonrisa a muchos. Dentro del paquete encontramos una nota con la palabra Ayuda escrita. Como no podía ser de otra manera, la Doctor y el resto se dirigen a conocer más sobre la nota y quien solicita auxilio, por lo que visitan la empresa de paquetería más grande del universo: Kerblam, ubicado en la luna del planeta Kandoka, convertido en una sede para la empresa, que recordará a muchos a una especie de Amazon futurista. Esta empresa cuenta con un 90% de su plantilla formada por robots, con solo un 10% de trabajadores humanos obligados por ley. Una vez dentro consiguen unos puestos de trabajo gracias al papel psíquico que usa la Doctor para engañar a Judy, la encargada de personal de la empresa. Gracias a esto,  podrán infiltrarse en la empresa y conocer que es exactamente lo que anda mal y quien pide ayuda.

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Por lo tanto encontramos a la Doctor, Ryan y Yaz como trabajadores del almacén en paquetería y a Graham a tareas de mantenimiento premium, con fregona y cubo incluidos. Estos se encuentran con los robots que trabajan en la empresa, quienes a pesar de su amabilidad dan bastante mala espina, por lo que desde un principio podemos intuir que algo no saldrá bien con ellos.

Uno de los personajes que nos presentan en el capítulo es Kira, una joven y amable chica que se encuentra trabajando junto a Ryan y la Doctor. Otro secundario que tenemos es Dan Cooper, un hombre de mediana edad que se encuentra junto a Yaz y se ofrece para ir en su lugar a la sección triple nueve, ya que al parecer es una zona en la que han ocurrido cosas extrañas desapariciones los últimos días, y no quiere que Yaz vaya en su primer día. Como podíamos intuir, las cosas no salen bien para Dan, y cuando llega a la sección triple nueve es atacado por uno de los robots que trabajan en la empresa, y a pesar de que Yaz corre en su ayuda cuando escucha su grito, esta solo encuentra su colgante. En el lugar en el que estaba el colgante encuentra al robot que atacó a Dan, y ante las malas vibraciones que le dan a Yaz, huye del lugar consiguiendo salir antes de que otro robot la rodee.

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Por otro lado encontramos a Graham, quien conoce a su mentor de mantenimiento, Charlie, un joven que trabaja en la empresa y que una vez que Graham se gana su confianza, le lleva hasta los planos originales de Kerblam, para poder conocer las instalaciones de la empresa como le había pedido la Doctor. Mientras tanto Yaz, la Doctor y Ryan entran en el despacho de Slade, el jefe del almacén, pero mientras inspeccionan entre unos documentos en los que Slade tiene apuntados los nombres de los desaparecidos, son sorprendidos por Judy. Pero una vez que le enseñan los documentos que escondía Slade, logran convencerla de que hay algo oculto en la empresa. En ese momento hay un apagón total en la empresa producido debido a que la energía se ha concentrado en el nivel subterráneo. Ante la confusión llegan Graham y Charlie con los planos de las instalaciones. De repente, y a pesar del apagón, aparece uno de los robots repartidores atacando a Charlie, pero logra zafarse con la ayuda de Judy, arrancándole la cabeza al robot. Gracias al destornillador sónico la Doctor logra analizar los restos del robot y observa que la energía de la empresa se canalizaba en ese único robot. Mientras la Doctor y el resto del equipo TARDIS buscan una solución al problema, unos robots repartidores comentan a Kira que ha ganado un premio por su buen trabajo y con este engaño consiguen llevarla a una habitación en la que se encuentra una caja sorpresa. Cuando en el aparato de control que lleva Judy no aparece Kira activada en el panel; Ryan, Charlie y Yaz van a buscarla, y aunque logran llegar hasta donde se encuentra, no llegan a tiempo y por desgracia Kira explota después de explotar el papel de envoltorio, ante la mirada atónita de nuestros compañeros.

A continuación ponen en funcionamiento a Twirly, uno de los robots de primera versión de la empresa para acceder al código de la empresa y acceder a la información de esta. Sorprendentemente el sistema de la empresa usa a Twirly como enlace y descubrimos que era el propio sistema quien pedía auxilio a la Doctor. Entra en escena Slade, quien descubrimos que no tiene nada que ver con las desapariciones, y que al final era una confusión, ya que este también desconfiaba del resto, llevando tiempo intentando descubrir quien estaba detrás de las desapariciones.

Una vez que está todo aclarado, son teletransportados debido a una especie de pistola transportadora a la zona de envíos, dónde vemos los restos de los empleados desaparecidos, quienes han sido literalmente licuados. Pero además, vemos un gigantesco ejército de robots repartidores ordenados en fila y con apariencia de estar preparados para la batalla. Yaz, Ryan y Charlie llegan a esta zona con el resto y la Doctor descubre que el culpable de todo es Charlie, quien ha conspirado contra la empresa para sabotearla como castigo por solo contratar un 10% de personas. Charlie había preparado la armada de robots para que una vez que llegan a los clientes, estos mueran debido a la explosión ocasionada por el papel de burbujas. A pesar del genial plan, la Doctor consigue que Twirly cambie la dirección de los robots para que exploten sin que se muevan del lugar en el que están. A pesar de que avisan a Charlie de que salga de la zona, este muere ante la explosión ocasionada por los robots.MV5BMTI2MTVkMWItMWU2Ny00OTZhLWJlZDEtMmJhNWUyZTRkMzhlXkEyXkFqcGdeQXVyODM2NzM1Mzk@. V1

Y llega el final del capítulo, con Judy reflexionando sobre lo ocasionado y anunciando que contratarán mayor personal orgánico. Por último, Yaz comenta que le gustaría llevar el colgante de Dan Cooper a la hija de este, para que esta tenga el recuerdo de su padre, quien se sacrificó y salvó la vida de Yaz.

KERBLAM, el planeta robotizado

El capítulo de esta semana ha sido una vuelta a los orígenes de las últimas temporadas de Doctor Who. Seguramente sea el capítulo que más recuerda a las anteriores capítulos y se nota que Pete McTighe es un verdadero fanático de Doctor Who, con referencias al fez de Matt Smith -que habrá arrancado una sonrisa a todos los fans- o al episodio de Agatha Christie, de la cuarta temporada. En anteriores capítulos he criticado el modo de matar personajes, ya que pienso que muchas de las ejecuciones que hemos visto -y van unas cuantas- no tenían el desarrollo y la ejecución necesarias para que funcionen. En este capítulo hemos visto como -y desgraciadamente- la ejecución de Kira, Charlie y Dan han funcionado mucho mejor que en anteriores ocasiones, han dado desarrollo al personaje y hemos visto una carga dramática en ellos a pesar de ser secundarios. Incluso en Charlie que podríamos pensar en que terminaría salvándose a pesar de resultar ser el villano. Es curioso que en este capítulo este haya tenido castigo para el villano y en el capítulo de Arácnicos en UK, el villano haya tenido un final diferente. En cuanto a los secundarios vuelven a encontrarse en segundo plano, ya que en anteriores capítulos hemos visto como algunos habían eclipsado a la Doctor o los companion. Sin resultar inolvidables, creo que han funcionado muy bien, y el giro de Charlie realmente no me lo esperaba. Otra de mis críticas en esta temporada han sido los villanos, y aunque sigo sin ver un enemigo común a la temporada, me ha sorprendido el final de este capítulo, creo que ha estado muy bien llevado hasta el punto de resultar inesperado. Sigo sin ver en esta temporada tramas complejas y conectadas, así que no sé que nos encontraremos en el final de esta, aunque como dije al principio, parece que este capítulo vuelve a los orígenes de Doctor Who, aunque para muchos demasiado tarde para una temporada que parece casi un reinicio de la serie. Una de los defectos que veo en el capítulo son los Deus ex machina que vemos a lo largo de este. Hay varias cosas que yo al menos no encuentro explicación fácil y que simplemente nos tenemos que tragar para seguir a la trama. Sigo sin comprender cómo conoce el sistema del planeta a la Doctor entre otras escenas que me han parecido mal elaboradas y que han descuidado para no perder ritmo en el capítulo. Otro de los asuntos más propicios a debate es el final, y aunque como dije antes me ha gustado el giro, tengo algunas dudas sobre su realización, ya que no veo a Charlie como una persona capaz de asesinar a miles de personas inocentes, creo que en ese sentido han exagerado o no han desarrollado correctamente el personaje, y es una pena porque creo que podría haber quedado bastante mejor.

A pesar de algunos puntos negativos que no me han gustado, esto no quita que el capítulo me haya gustado. No me parece casualidad que su estreno sea unos días antes del Black Friday, por lo que podríamos conectarlo aún más con una crítica al capitalismo, ya que el episodio podemos verlo como una defensa de los derechos laborales y una crítica hacia el avance de la tecnología, sin resultar ser tecnófobo, más bien al uso que le damos a esta. Ya lo digo la Doctor: lo malo no es el sistema, sino el uso que hacen las personas que lo manejaban. 

Sed felices

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