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¿Cuales son las películas de superhéroes más esperadas de 2024?

ComicBookMovie ha realizado una encuesta entre sus seguidores para saber cuales son las películas de superhéroes mas esperadas de 2024 y este ha sido el resultado.

Tengo que aclarar que se refieren a los estudios de Marvel (Disney), DC (Warner) y también Sony bajo la licencia de Marvel. También recuerdo que los derechos cinematográficos de Spiderman pertenecen a Sony. Y cuando me refiero a Spiderman me refiero a todo su «universo» como Morbius, Venom, Kraven etc. Evidentemente los derechos cinematográficos de la Fox, los X-Men que además incluyen otros héroes como Deadpool, fueron comprados por Disney años atrás, por lo que ya estarían dentro de Marvel.[sg_popup id=»474931″ event=»inherit»][/sg_popup]

deadpool 3 Y a todo esto tengo que añadir que ahora mismo tenemos una huelga de actores y guionistas, que están retrasando películas. La última y más notable ha sido Dune 2 cuyo estreno se espera (por el momento) en 2024. Por tanto existe la posibilidad de que alguna otra película se pueda estrenar en fechas posteriores a 2024.

Uno de esos ejemplos podría ser la tercera parte del universo de Miles Morales Spiderman, titulada provisionalmente Spider-Man: Más allá del universo arácnido. Esta cinta se ha retrasado «indefinidamente», pero realmente lo que quiere decir es que la huelga de actores y guionistas la ha demorado y aún no se ha fijado una fecha de estreno.

La ganadora con diferencia, la película más esperada por los fans en esta página es Deadpool 3, con nada más y nada menos que el 62,95% de los votos. Y es que parece claro que además de ver a Ryan Reynolds de vuelta como el mercenario bocazas, tener al mítico Lobezno encarnado por Hugh Jackman tiene mucho tirón.

Por cierto recomiendo leer este artículo de cómo se conoce a Wolverine en los países de habla hispana.

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En segundo lugar, la película más esperada es la segunda parte del Joker con un 15,32%, seguida de cerca por Capitán América: Brave New World (13,54%) y ya mucho más lejos Thunderbolts (3,92%).

Y por último está la franquicia de Sony con sus películas derivadas de Spiderman, que parece que no están generando mucho entusiasmo ya que tenemos a Madame Web (1,66%), Kraven el cazador (1,54%) y Venom 3 (1,07%).  Extraño, sobre todo, extraño tener a Venom 3 con un 1%.

¿Qué os parece este ranking de las películas de superhéroes más esperadas?

Un saludo y sed felices

Netflix lanza Tráiler de El Asesino (2023), la Nueva Película de David Fincher

Después de la aclamada Mank (2020), Netflix trae otro filme de David Fincher con el cual el reconocido director regresa al thriller.  Su título es El Asesino (The Killer): Ya tenemos tráiler y te contamos de qué va y desde cuándo podrás verlo.

David Fincher, de ganado prestigio con filmes como Seven, El Club de la Lucha, La Habitación del Pánico y tantos otros, vuelve a dirigir para Netflix como ya lo hiciera con Mank y con varios episodios de House of Cards o de la tristemente cancelada Mindhunter, además de ser uno de los creadores de Love, Death & RobotsEl Asesino (The Killer), tal el título del filme que nos ocupa, es un thriller psicológico negro, oscuro y violento que, detrás de la economía de su título, esconde justamente la historia de un asesino a sueldo que se ve atrapado en un dilema que le puede llevar al conflicto con sus propios jefes e inclusive a perder la cordura.

El papel principal corre a cargo del alemán Michael Fassbender (300, Malditos Bastardos, segunda trilogía de X-Men), en lo que constituye su primer trabajo a las órdenes de Fincher.

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Le secundan en el elenco Tilda Swinton, Charles Parnell, Sophie Charlotte y Arliss Howard. El guion corre por cuenta de Andrew Kevin Walker, quien no trabajaba junto a Fincher desde Seven. La fotografía está cargo de Erik Messerschmidt, responsable también de Mank, en tanto que la música tiene como compositores a Trent Reznor y Atticus Ross, ambos nombres vinculados a la banda Nine Inch Nails.

La película tendrá un preestreno este domingo en el Festival de Venecia, que se inicia mañana, y le seguirá a partir de octubre un corto y limitado recorrido por salas cinematográficas para, finalmente, llegar a Netflix el 10 de noviembre.

En fin, el tráiler promete. ¿Están de acuerdo?

Hasta pronto y sean felices…

James Gunn ‘ataca’ el Batman de 1989: Otra llamada al boicot y a la cancelación

¿Los «fans» de DC atacan a James Gunn? ¡Que sorpresa, eso es nuevo! Para muchos, la cinta de Batman de 1989 dirigida por Tim Burton, es una grandísima cinta que sigue siendo la cumbre indiscutible de las películas de superhéroes. Pero debemos recordar que la elección de Michael Keaton como el Caballero Oscuro fue controvertida ya en su día y no fue del gusto de todos. Después todos adoramos a este actor interpretando a Bruce Wayne.

Obviamente como gustos hay colores y habrá fans de Batman que valoren más la trilogía de Christopher Nolan o la propuesta de Matt Reeves y Robert Pattinson y James Gunn (como ser humano que es) no es diferente. Lo que me resulta ridículo es como los arqueólogos de las redes sociales buscan cualquier mensaje anterior o posterior al cretácico para atacar al que será al artífice del nuevo DC Studios.

Ya ocurrió lo mismo hace algunos años cuando fue ‘funado’ de Marvel por unos tuits antiguos del cineasta (Aquí tenéis nuestro artículo sobre eso), aunque posteriormente la casa de Mickey Mouse ‘perdonó’ a Gunn y este volvió para ‘Guardianes de la Galaxia volumen 3’.

Ahora han salido unos mensajes de Facebook en los que el director se despacha a gusto contra la cinta de 1989 de Batman y eso parece para algunos que es imperdonable viniendo de alguien de su relevancia dentro de DC. Menos mal que no dijo que le gustó ‘Batman y Robin’, eso creo que es pena capital en algunos países.

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¿De verdad es relevante que no tenga una buena opinión sobre la cinta de Burton? ¿Eso le hace menos valido para el futuro de DC, o es que hay algo más que tiene que ver con un hashtag muy famoso alrededor del pilar del anterior DCEU?.

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Atacar a Gunn, por una parte del fandom, ya es algo que casi normal en el día a día de la cultura pop y nos enroca en una cuestión que parece que no entienden: No se va a regresar al pasado se haga lo que se haga.

Como fan del Batman de Tim Burton (Aquí tenéis lo que significó para mí esa película) entiendo que haya gente que no comparta mi punto de vista y no por eso creo que deberíamos poner su cabeza en una pica.

Otro clavo ardiendo al que agarrarse para poder pedir la cancelación o llamar al boicot de todo lo que tenga pensado construir James Gunn con DC Studios. No veo más historia en la búsqueda concienzuda que se ha hecho para encontrar algo de lo que tirar.

 

Un saludo desde el sótano de la Batcueva.

Análisis de Fundación. Temporada 2. Episodio 7

Continuamos analizando la segunda temporada de Fundación , esta vez con el séptimo episodio cuyo título es Una Muerte Necesaria y que, entre traiciones y engaños, avanza decididamente hacia la Segunda Crisis. La serie, creada por David S. Goyer e inspirada en la célebre saga de Isaac Asimov, es emitida por Apple TV+.

Hola otra vez, psicohistoriadores. Faltan solo tres episodios para acabar una segunda temporada de Fundación que, por lo menos yo, estoy disfrutando mucho. Es cierto que esta entrega no está al nivel de la anterior ni arroja tantas revelaciones, pero nos mantiene expectantes mientras el plan de Seldon pareciera deshacerse y el escenario presagia ya ahora más decididamente la guerra entre el Imperio y la Fundación.

Pasemos ya mismo a analizar el episodio, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos. A ver qué ha pasado…

Desde el Confín

Tal como vimos en el episodio anterior, Poly y Constant han llegado a Trántor. Quizás no de la mejor manera, pues han quedado detenidos, lo que hace que el primero lamente haberle fallado al profeta. Ella, en cambio, tiene una perspectiva más optimista ya que al menos, dice, han cumplido en llegar al palacio imperial.

Desde una pantalla, Day los observa junto a Demerzel mientras se pregunta el porqué de las togas. Ella le pone al tanto de que proceden de Términus y pertenecen a la religión de Hari Seldon, lo que lleva a reflexionar sobre la paradoja de que Bel Riose se esté acercando al Confín a la vez que el Confín a ellos.

Madre Imperial

Sareth no puede dejar de celebrar la buena repercusión que ha tenido su discurso y más aún la expresión de hielo de Day al oírlo. Rue, en cambio, le aconseja un tono más moderado y no está de acuerdo en que se ponga tan en evidencia: razón no le falta.

Por otra parte y para determinar si está en condiciones de dar a luz a la progenie imperial, es sometida a humillantes exámenes médicos en presencia de casi una multitud. Tenso momento se vive cuando le quieren extraer óvulos y se niega hasta tanto llegue la boda. Demerzel da su aprobación pero cuando, instantes después y en privado, Sareth le echa en cara que es un robot (¿era necesario?), asume una postura menos contemplativa…

Le cuenta que en el pasado los robots se regían por las Tres Leyes de la Robótica, pero que hoy ella solo se guía por el bien del Imperio: primera vez que la serie hace referencia específica a las leyes de Isaac Asimov, despejando de paso algunas dudas del cierre de temporada anterior. Pero no se lo dice a título meramente informativo: también la anoticia de estar enterada que está allí por venganza y le aconseja recordar lo ocurrido con su familia. En otras palabras, confirma que los mató y advierte que ninguna ley robótica le impedirá hacer lo mismo con ella…

Pero Sareth no aprende a callarse y sigue metiendo la pata. En los jardines del palacio, echa a Day en cara el asesinato de los suyos tras darle una disertación sobre los padecimientos y virtudes que han sufrido. Sin admitir ni negar, él le recuerda que debería estar agradecida del lugar en que se halla y la oportunidad que se le ofrece…

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De incógnito, ella contacta a Dawn, quien le dice lo mucho que se expone al reunirse con ella y le cuenta que ya otro Dawn en el pasado pagó caro el salir de palacio (temporada 1, episodio 9). Ella quiere tener un hijo con él porque lo ve diferente y no quiere que el padre del niño sea un monstruo; nadie notaría el engaño al ser ambos genéticamente idénticos. Él se muestra dubitativo y comenzamos a preguntarnos si será igual de ingenuo que aquel otro…

Miedo a la Oscuridad

Luego de dos entregas completas sin noticias, retomamos a Bel Riose y su flota en las cercanías de TérminusGlawen insiste en quererle convencer de desobedecer al Imperio y labrar su propio camino, pues medios y lealtades no le faltan, además de tener la flota a su disposición. Bel objeta que el caos no es lo suyo y teme que, en caso de caer el Imperio, la oscuridad consecuente podría ser mucho peor (un razonamiento que, por otro camino, lo acerca bastante a Seldon). Además, sabe que en caso de rebelarse nuevamente, la dinastía genética le hará pagar duramente su traición y no con su vida sino con la del propio Glawen.

Mascotas

Hober Mallow, a todo esto, ha llegado al Enjambre-Hogar y los espaciales se preguntan cómo. Manifiesta haber sido enviado por Seldon y enseña un tubo con opalesco, sustancia vital para ellos que el Imperio monopoliza y solo les entrega a cambio del diez por ciento de sus crías. Les ofrece la posibilidad de ser libres y les pone al tanto de que el Imperio los reemplazará por naves que no requieren de sus servicios: para demostrarlo, les permite un escaneo de la suya…

Por un momento, parecieran dudar y resultarles tentadora la idea, pero terminan sin embargo contactando a la flota de Riose para informar no solo que alguien les ha alentado a la traición, sino también que el mismo posee una de las naves de salto que el Imperio anda buscando y, se dice, tienen conciencia propia: algo así como tejido cerebral sin anfitrión.

Llevando al detenido y a su nave, El Enjambre-Hogar llega hasta la flota de Riose y allí Mallow es interpelado, pero logra escapar con la ayuda de Beki, pues la temible mascota de Constant a la que por fin vemos en acción, se abalanza sobre Bel y Glawen en cuanto quieren ingresar a la nave que, para sorpresa de todos, huye con un salto en espacio reducido y confirma así que la Fundación está desarrollando naves superiores a las de ellos.

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Misión Diplomática Fallida

En Trántor, Poly y Constant son llevados ante Day y el primero expone sus razones y la necesidad de llegar a un acuerdo para evitar una guerra: en concreto, pide que el Confín tenga soberanía y se le respete. Day lo encuentra sincero, pero capta algo extraño en Constant y se revela entonces el holograma de Seldon. En ese momento pensamos si este no estará para esas horas flotando muerto en Ignis, pero se trata de la versión contenida en la cúpula y que él mismo instaló en la mente de Constant.

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Day se sorprende de verle vivo, pues le creía largamente muerto. Seldon le remarca que, de haber una guerra, será mucho más perjudicial para el Imperio que para la Fundación. Con una sonrisa socarrona, Day le pone al tanto de que la psicohistoria ya no tiene vigencia, pues lo ha leído con detenimiento y sus cálculos han fallado: la dinastía genética, uno de los elementos que, según Seldon, daba debilidad al imperio, se ha terminado y, por lo tanto, lo que venga es ahora un interrogante…

De modo traumático que casi la deja exánime, logran quitar a Seldon de la mente de Constant mientras Day se pregunta qué clase de líder utiliza a una muchacha de esa forma. Dejándoles nuevamente detenidos a ella y a Poly, da a Demerzel orden que Riose ponga cerco a Términus para tomar control de la Fundación y de toda la tecnología que pueda haber desarrollado…

Pequeñas Muertes

En Ignis, Gaal está desarrollando cada vez más sus habilidades mentales, pero Salvor está preocupada por la ausencia de Seldon y no le gusta la gente de Tellem. En Términus, ella podía leer los pensamientos a todos, pero en Ignis a nadie: propone tomar una nave y largarse cuanto antes.  Gaal no está de acuerdo: le replica que ha visto al Mulo y no es una abstracción, lo mismo que ella muerta en el piso.

Ambas comparten con la comunidad un desayuno de “moluscos fantasma” recién sacados del mar, pero al ser los mismos arrojados en aceite hirviendo, las mentes de las muchachas se ven sacudidas por horribles chillidos de sufrimiento. Tellem dice que es porque están progresando y que la diferencia entre su comunidad y el resto de la humanidad es que no se cierran ante el dolor que provocan sino que lo asumen y ven como necesidad.

Pero Salvor se ha quedado intrigada luego de una conversación en la playa con Loron durante la cual vio que traían su bote de pesca y él lo miraba con insistencia. Al ir en la noche, descubre que le han borrado sus datos de navegación (nunca mejor aplicado el concepto), lo cual es por demás sospechoso, pero logra entrar al caché y puede hacer que repita su último viaje.

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Gaal la sorprende e intenta detenerla: le pide que confíe al menos en ella si no confía en el resto. Salvor le recrimina estarse creyendo su rol de salvadora y mesías: ella misma, dice, sufrió frustraciones desde pequeña por ser considerada especial. Tomando entonces el bote por su cuenta y haciéndole repetir su último recorrido, va a parar a la bahía del calvario de Seldon, a quien, en efecto y para su consternación, encuentra ahogado…

Se aparecen Tellem y los suyos. Salvor intenta incriminarla, pero la líder la silencia y, después de insistir, como con los moluscos, en el hecho de que pequeñas muertes son a veces necesarias, la deja inconsciente con un ademán y ahogándose junto al cuerpo de Seldon…

Balance del Episodio

Una buena entrega. No tanto como la anterior o incluso otras de esta temporada, pero prepara muy bien el clima para lo que viene mientras las cosas se ponen cada vez más tensas y la Segunda Crisis está al producirse.

La sensación es que el Imperio se va saliendo con la suya y los intentos de Seldon fracasan, pero quizás sea justamente sensación: ya hemos visto que suele haber segunda y hasta tercera intención tras los actos de este último, así que perfectamente podía estar en sus planes que la misión diplomática fallase o el engaño de Constant fuera descubierto. Con Seldon nunca se sabe…

A Sareth se la ve impulsiva y atropellada: parecía más inteligente al principio, pero su obsesión de venganza la lleva a cometer torpezas que solo sirven para alertar a Day y a Demerzel que, ya para esta altura, tiene todo claro. De todos modos, la cohesión de la dinastía genética está erosionada por dentro de tanto insistir Day en que la misma ya no existe: habrá que ver si no terminan redundando en virtuales alianzas la eventual relación entre Dawn y Sareth o la ya conocida entre Dusk y Rue. Quizás la dinastía genética no esté tan terminada y los cálculos de Seldon se mantengan inalterables…

El concepto de muerte necesaria, que da título al episodio, ha sobrevolado prácticamente toda la trama, ya sea mencionado por Tellem sobre el final o graficado en los horrendos chillidos de los moluscos, aunque también extensivo a la lógica de imperio en torno a la muerte de la familia de Sareth y la amenaza de Demerzel.

Yendo más atrás, dicho concepto forma también parte del plan de Seldon, al punto de haberlo utilizado consigo mismo y con Raych en la primera temporada. La muerte necesaria parece atravesar bandos y rivalidades, pudiendo ser practicada por el Imperio, Tellem o el propio Seldon.

También la traición y el engaño, en múltiple juego, han sido transversales al episodio: Mallow quiere convencer a los espaciales de dar la espalda al Imperio y otro tanto Glawen con Bel; Salvor percibe que hay algo extraño en los mentálicos y quiere convencer a Gaal de robar una nave y largarse; el Seldon de la Bóveda entra en la mente de Constant y busca engañar al Imperio sin decir palabra a Poly.

Y hablando de engaños, ¿están realmente muertos Salvor y Seldon? Las ilusiones permanentes que crean los mentálicos nos hacen dudarlo y además una presunta muerte invalidaría la visión de Gaal, según la cual debería producirse mucho después. Y si estuviera realmente muerta, Tellem perdería el salvoconducto que le garantiza la lealtad de Gaal. Puede, sí, montar un nuevo engaño, pero ya sabemos que Gaal es especial y difícilmente no lo descubra…

Por cierto, no terminamos de conocer aún las intenciones de Tellem, salvo la declarada intención de mantener a Ignis como santario. Y en cuanto al Mulo, a pesar de que solo lo hemos visto un par de veces y siempre en visiones, mantiene constante presencia al ser mencionado una y otra vez como una amenaza inevitable.  Dudo que le lleguemos a ver en los tres episodios que quedan a esta temporada: faltan ciento cincuenta años para su llegada y hay mucho que resolver antes, pero casi descuento que le veremos en la tercera y quizás hasta en un cliffhanger final de esta…

Por fin hemos visto en acción a Beki, aunque seguramente lamentemos que Mallow la llamara nuevamente a bordo cuando sus garras y dientes estaban por dar cuenta de Bel y Glawen. Lo que sí está claro es que ya Mallow se ha amigado con ella y que no tenemos idea de qué rumbo pueda haber tomado con su salto.

Por último, pero no menos importante, han sido por primera vez mencionadas las Leyes de la Robótica. Para quienes conozcan la literatura de Asimov son suficientemente conocidas y quizás también para muchos que no lo hayan hecho pero, a modo de síntesis, digamos que prohíben a un robot hacer daño a un ser humano o, por su inacción, dejar que este sufra daño.

Tales leyes no corresponden de manera directa a la saga de la Fundación, pero a la larga se relacionan y el que Demerzel afirme no responder a ellas ayudaría a entender por qué es capaz de matar, algo que generó algún debate en nuestros análisis de la primera temporada. La pregunta es: ¿será tan así o hay algo más?

Ya lo iremos sabiendo. Por lo pronto, la cosa luce interesante e intrigante. Hasta la próxima y sean felices…

El huevo de Pascua de «Batman v Superman» en «Soy Leyenda» 9 años antes

Repasando curiosidades del cine tengo que destacar el huevo de Pascua de «Batman vs Superman» en «Soy Leyenda». Y ojo, es que ese huevo de Pascua se plasmó 9 años antes que la película viera la luz. ¿Alucinante no?

Los Easter Eggs o Huevos de Pascua están muchas veces puestos en las producciones cinematográficas, o ahora en series de televisión para dar que hablar a los fans más exigentes. Pero repasando uno de ellos, creo que de los más curiosos puede ser el que sale en la película Soy Leyenda, protagonizada por Will Smith en 2007. Os he dejado el fragmento de la película más abajo.[sg_popup id=»474931″ event=»inherit»][/sg_popup]

En la escena podemos ver como Robert Neville (Smith) va andando por Times Square en busca de presas para poder subsistir. Cuando se ve una panorámica de como ha quedado Nueva York, podemos ver los típicos carteles publicitarios, pero destaca en grande el de Batman y Superman, película que se estrenaría en 2016 bajo en nombre de Batman v Superman: El amanecer de la justicia.

En declaraciones a Collider en 2014, durante la promoción de Los juegos del hambre: Sinsajo Parte 1, el director Francis Lawrence explicó que el póster se creó porque el guionista y productor de Soy leyenda, Akiva Goldsman, había trabajado previamente en el borrador de una película de Batman y Superman que Warner Bros. nunca llegó a realizar.

El proyecto fue una de las grandes renovaciones de los personajes de Batman y Superman que Warner Bros. consideró en los días posteriores al estreno de Batman y Robin, cuando ninguno de los dos héroes tenía presencia en la gran pantalla y ambos esperaban un resurgimiento. Esos resurgimientos llegaron finalmente en forma de películas en solitario (Batman Begins en 2005 y Superman Returns en 2006), por lo que esa encarnación de la película de equipo nunca llegó a producirse. Sin embargo, al pensar en gags de fondo para su versión de Manhattan, Lawrence y Goldsman pensaron que sería divertido imaginar un mundo en el que la película se hubiera hecho realmente.

Poco sabían, por supuesto, que pocos años después, tras el éxito de taquilla de El hombre de acero, Warner Bros. daría luz verde a un enfrentamiento entre Batman y Superman, cortesía del director Zack Snyder. En los años que siguieron al anuncio de la película, el huevo de Pascua de Soy leyenda se convirtió en el momento profético favorito de los fans.

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Un saludo y sed felices.

Novedades de Moztros de septiembre de 2023 … ¡Y tenemos el nuevo sello Moztros Manga!

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros las novedades de Moztros, del mes de septiembre de 2023. Y nos llega con la creación del nuevo sello Moztros Manga.

Moztros Manga

Moztros

Moztros    Moztros

Una vez visto el este importantísimo comunicado de Moztros, vamos a echar un ojo a las …

Novedades de Moztros de septiembre de 2023

Ya sabéis que siempre nos gusta hacer un par de recomendaciones, sobre los títulos que más nos llaman la atención. Vamos con ello …

1.- Razorblades 1.

Moztros

«“Hay cosas pequeñas, delicadas y afiladas, que pueden cortarte…”
¡La sensacional antología de terror independiente creada por James Tynion IV (EL ARMARIO, EL DEPARTAMENTO DE LA VERDAD, HAY ALGO MATANDO NIÑOS) y Steve Foxe llega por fin en una prestigiosa edición en tapa dura!

RAZORBLADES reúne a algunos de los nombres más vanguardistas del género a través de sus más de 200 páginas de horror.

Desde monstruos en el armario (si habéis leído la reciente publicación de Moztros de Jamen Tynion IV ya sabréis de qué hablamos) hasta cuerpos metidos en lavadoras, esta escalofriante antología se propone redefinir los cómics de terror para la próxima era.

También incluye prosa, ilustraciones y entrevistas en profundidad con iconos del
terror: en esta primera entrega James Tynion IV conversará con Scott Snyder, acompañados por las ilustraciones de Jock.

Saldrá a la venta el 21 de septiembre, con un P.V.P. de 22,90€.

2.- Frankenstein.

Moztros

«El 31 de julio de 1797, durante una expedición al Polo Norte, el capitán Walton queda atrapado con su barco en las profundidades más inhóspitas del hielo.

De repente, a lo lejos, una enorme figura humanoide aparece en la lente de su telescopio, conduciendo un trineo guiado por perros.

Pero esto no es lo único que ve: otro trineo se encuentra a la deriva en el hielo. El conductor de este último trineo es un hombre con el rostro marcado por el cansancio.

Su nombre es Victor Frankenstein, y una vez que se recupere de la helada le contará al capitán la historia de su larga lucha con la misteriosa criatura a la que él mismo dio vida …»

Saldrá a la venta el 28 de septiembre, con un P.V.P. de 19,90€.

Estas han sido nuestras dos recomendaciones. No obstante, hay muchísimo más. Echad un ojo a las novedades del sello Moztros Manga y al resto de novedades y alguna reedición.

Justo aquí debajo, os dejo el pdf completo y hagáis vosotros mismos vuestra selección.

Una vez que habéis echado un vistazo a las novedades de Moztros del mes de septiembre, vamos a ver un pequeño avance de todas ellas.

Espero que estos títulos de Moztros, os hayan llamado la atención y que tengáis ganas de que estén en vuestras librerías. Leed, bebed mucha agua, bañaos, disfrutad y …

¡Sed Felices!

Retro-Análisis: El Cuervo (1963), Poe según Corman y en Clave de Humor

En nuestra sección de retro-análisis, le sacamos hoy polvo a El Cuervo (The Raven), película de Roger Corman de 1963 que, basada muy libremente en el poema homónimo de Edgar Allan Poe, construía encima del mismo una divertida comedia de terror que reunía en un elenco de lujo a tres leyendas del género como Vincent Price, Peter Lorre y Boris Karloff, secundados por un joven Jack Nicholson.

Casi desde los orígenes el cine, la literatura ha sido un referente a la hora de buscar historias que pudiesen servir de argumento. Sabemos de infinidad de películas que se han basado en novelas u obras de teatro, ¿pero existirán muchas que lo hayan hecho en poemas? El Cuervo, de Roger Corman, debe ser uno de los poquísimos casos al basarse, aunque con bastante libertad, en el más célebre poema de Edgar Allan Poe.

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Ya de por sí, la faceta de Poe como poeta no es para el público masivo tan conocida como la de cuentista y no deja de ser paradójico porque fue justamente un poema el que le dio fama internacional. Hablamos , desde luego, de El Cuervo, que no es el único salido de su pluma, ya que escribió muchos e incluso puede decirse que su escritura en prosa siempre destiló un tono poético.

Lo que sí es seguro es que ese poema se convirtió de los suyos en el más famoso gracias a su atmósfera gótica, a un misterio que no se resuelve y a una angustia casi existencialista sintetizada en una de las más famosas frases de la literatura universal.

El Poema

Publicado originalmente en 1845, El Cuervo está narrado por alguien sin nombre que pena la reciente pérdida de su amada Lenore (traducido a veces como Leonora) cuando en plena noche oye un golpeteo en la puerta y luego otro en la ventana que, al abrirla, deja que un cuervo entre volando a la habitación. Por mucho que le pregunte sobre su nombre o el motivo de su presencia y por más que le conmine a irse, el ave ya no se irá nunca y repetirá siempre una frase que es en realidad una única palabra (“nevermore”), pero que traducida al español se convierte en dos: “nunca más”…

El poema ha tenido montones de interpretaciones e incluso el propio Poe ha explicado su estructura narrativa en el ensayo Filosofía de la Composición. Si nunca lo han leído, aquí se los dejo completo en pdf, tanto en inglés como en español.

Y el nunca más se ha instalado tanto en la cultura popular que, sin ir más lejos y cuándo no, hasta fue utilizado en Los Simpson mientras Homer era atormentado por un cuervo con el rostro de Bart.

Pero, claro, la pregunta es: ¿hay algo allí como para hacer una película? ¿Hay una historia? La respuesta es claramente negativa; a lo sumo podría servir de base a un corto experimental y sin resolución, pero si algo ha demostrado Roger Corman a lo largo de su carrera, para bien o para mal, es que nada lo desalienta…

De hecho, El Cuervo no es de su parte la primera ni última adaptación que haya hecho de Poe como director, sino la quinta de ocho en solo cuatro años (!!!): es fácil entonces entender que hablar de Poe en el cine de los sesenta sea necesariamente hablar de Corman. Y de Vincent Price, claro, que, solo ausente en La Obsesión (1962), protagonizó siete de ellas.

El Terror en Broma

Pero no solo de Poe es sinónimo Corman en el cine, sino también de bajo presupuesto, ya sea como director o como productor: no en vano su libro de memorias se titula Cómo hice Cien Películas en Hollywood y nunca perdí un Centavo. El Cuervo no podía ser la excepción…

Con producción de James H. Nicholson y Samuel Z. Arkoff (dupla emblemática del cine B de la época y fundadores del sello AIP), el filme fue realizado con solo 200.000 dólares y ello hace tanto más sorprendente que haya logrado reunir un elenco de estrellas como el que tiene.

Además, y a pesar de que ya hubiera antecedentes, inclusive del propio Corman, se puede decir que la película refunda la comedia de horror de modo muy especial al echar mano de actores que, justamente, no provenían de la comedia sino del terror y eran incluso íconos del mismo.

Es fundamentalmente allí donde el filme marca un quiebre y lo puedo decir por experiencia propia, ya que corta edad tenía cuando lo vi por primera vez en televisión y estaba habituado a que los rostros de Vincent Price o Peter Lorre fueran para mí la personificación del miedo y ni qué decir el de Boris Karloff. Esa plana mayor del cine de terror especialmente reunida solo podía hacerme temblar al leer los créditos pero, por otra parte, me llamaba la atención que la película fuera emitida en horario de siesta cuando era regla que las de terror iban a la noche y bien tarde.

No es que no hubiera antes comedias de terror. El inigualable Bob Hope había protagonizado en 1940 El Castillo Maldito y, de igual modo, el dúo cómico de Bud Abbott y Lou Costello había incursionado en 1946 con una divertida historia de fantasmas llamada Ni Vivos ni Muertos (dejo link en inglés porque en todas las webs en español está pésimamente explicado el argumento por gente que no la vio).

El propio Corman, como fue dicho, transitó el subgénero con Un Cubo de Sangre (1959) y La Pequeña Tienda de los Horrores (1960). Y algunos filmes de terror clásicos tenían toques de comedia, como La Novia de Frankenstein (1935), aunque no eran entonces vistos de ese modo ni definían el tono general de las historias que contaban.

Pero una cosa es ver a actores de comedia haciendo terror (en cuyo caso, uno presupone que va a reírse porque la cosa no pinta en serio) y otra es que haya leyendas del terror haciendo humor, como es este el caso. Ese, creo yo, es un camino que se abre con El Cuervo

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Todo un Seleccionado del Género

Para crear una historia en donde casi no la había, se recurrió a Richard Matheson, gran especialista en literatura de ciencia ficción y terror que nunca esquivó el cine o la televisión: su novela Soy Leyenda fue, de hecho, adaptada tres veces a la pantalla grande y él ya había además trabajado con Corman en El Gato Negro, adaptación del célebre relato de Poe que constituía uno de los segmentos del filme Historias de Terror (1962), antecedente directo de El Cuervo al reunir por primera vez a Price y Lorre.

También tenían experiencia junto a Corman la actriz británica Hazel Court, que había estado en la antes mencionada La Obsesión y… un tal Jack Nicholson que, por cierto muy joven, había ya sido estrella principal de La Pequeña Tienda de los Horrores.

Boris Karloff, en cambio, era primerizo junto al director y aunque no estaba ya en sus mejores días, constituía todo un ícono del terror al haber dado vida al monstruo de Frankenstein en cuatro películas entre 1931 y 1944, así como a La Momia en 1932. Su elección era un guiño, pues había protagonizado en 1935 una primera adaptación de El Cuervo que, dirigida por Lew Landers, conservaba del poema solo el título y no exagero.

La Historia

En la trama de Matheson y a diferencia de lo que ocurre en el poema, el personaje y narrador principal tiene nombre y es el hechicero Erasmus Craven (Vincent Price), en juego fonético con “raven” (cuervo). La película comienza con el recitado textual del poema mientras, en su castillo, él juega a dibujar en el aire la efigie de un cuervo que, instantes después, se hace realidad entrando por la ventana.

Todo parece indicar hasta allí que la cosa lleva camino de Poe y estamos por ver una película de terror gótico convencional pero, en giro tan drástico y sorprendente como divertido, entendemos abruptamente que el asunto va en solfa cuando, al preguntar Erasmus al cuervo si volverá a ver a su Lenore, en lugar del famoso “nunca más” el ave responde “¿Cómo diablos voy a saberlo? ¿Acaso soy adivino?”…

El cuervo, cuya voz es inconfundiblemente la de Peter Lorre, es en realidad un viejo colega suyo llamado Adolphus Bedlo, a quien el pérfido hechicero Scarabus (Boris Karloff) ha convertido en tal como resultado de un duelo en que, según dice, hizo trampa. Ha venido a verle porque para recuperar la forma humana necesita de sus servicios y de los ingredientes de su laboratorio, los cuales incluyen cabello de muerto que, no encontrándolo luego en cantidad suficiente, deberán bajar a buscar a la cripta en que se halla el padre de Erasmus y cortarlo de su cadáver. Una gloria la escena…

Pero hay también una noticia para Craven que es a la vez buena y mala: su Lenore no está muerta; está de parranda y es casi literal porque se ha convertido en la amante del tal Scarabus, quien se ha apropiado de su alma. Ello, unido al deseo de venganza de Bedlo, devendrá en que ambos realicen un viaje al castillo del hechicero, en el que se les sumarán Estelle (hija de Erasmus) y Rexford (hijo de Adolphus), respectivamente interpretados por Olive Sturgess y Jack Nicholson. No quiero contar más: solo que la historia conduce a un muy divertido duelo de hechicería entre Craven y Scarabus.

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La Mano de Corman

La película fue en su momento un éxito de taquilla, pero maltratada por la crítica que, como suele ocurrir, la acabaría reivindicando con el tiempo y hasta elevando a clásico de culto. La principal queja era que se apartaba demasiado del poema de Poe. ¿Qué esperaban?

Lo que hace el guion de Matheson es justamente tomar como base al mismo para construir una historia y lo cierto es que funciona, aunque tal vez no lo hubiera hecho con otro elenco. Se nota que los tres actores principales se divierten: Lorre, como era habitual en él, improvisa la mayoría de sus líneas y por momentos se advierte a Price tentado de reírse. En cuanto a Karloff, consigue eficaz e hilarantemente poner en ridículo la propia imagen siniestra que él mismo cultivara a lo largo de su carrera.

Hazel Court compone a una villana estupenda y Jack Nicholson no es aún el actor que será, pero ya muestra condiciones y, al ver la película hoy, es imposible no pensar en Jack Torrance al verle enloquecer y actuar como poseído mientras, desde el pescante del carruaje, azuza alocadamente a los caballos. Olive Sturgess, en tanto, no pasa de lo ornamental y es la clásica damisela en apuros a la cual, fetichista como era Corman, no deja pasar la oportunidad de colocar en un cepo de tortura.

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El paso del tiempo puede hacer que algunos gags no tengan la misma gracia, pero la película sigue siendo hoy divertida y sabe muy bien jugar con el humor de reducir al absurdo lo siniestro. Así, al revisar Erasmus las cajas del laboratorio de su padre a la búsqueda de ingredientes tales como sangre de murciélago u ojo de comadreja, cierra con prisa una que acaba de abrir y al ser consultado por Bedlo sobre su contenido, simplemente responde: “preferiría no decirlo”…

Por supuesto que la producción rezuma cine B por todos lados o no sería Corman y los efectos visuales se ven cutres inclusive para la época. Así y todo, está muy lograda la escena inicial en que Erasmus dibuja el cuervo en el aire y el duelo de magia del final es pura diversión y encanto más allá de lo rudimentario.

La banda sonora de Les Baxter dista de ser memorable, pero cumple su función, sonando ominosa y espectral en algunos momentos, o divertida y casi circense en otros. De ser hecha la película hoy, probablemente se hubiera jugado más a provocar risa con las contradicciones (algo así como usar música muy melosa en las escenas más escabrosas), pero hay que ubicarse en contexto de época y entender que lo que hoy logra hacer reír no lo hubiera logrado en ese momento. Y viceversa…

Valoración Final

Aun con sus falencias, El Cuervo es una película muy divertida que, en una apuesta osada y riesgosa para la primera mitad de los sesenta (otro cantar sería la segunda mitad), se atreve a poner en clave de comedia a los popes del horror de la época. Más aún: redobla su valor el ser la penúltima película de Lorre antes de su lamentable muerte por accidente cerebrovascular al año siguiente.

Es posible que, como ocurriera al momento de su estreno, los puristas de Poe vean en el filme un sacrilegio a su obra y, ojo, quizás lo sea, pero si algo sabía hacer Corman era transformar los defectos en virtudes y la falta de respeto en arte: no solo desacralizaba a Poe al ponerlo en clave humorística sino también a todo el elenco y siendo él un realizador de tanta producción de terror durante los cincuenta y sesenta, habrá que concluir que El Cuervo es una película en la cual el horror se ríe de sí mismo. Y saberse reír de uno mismo es siempre una virtud

De hecho, no hay mejor humorada que presentar un cuervo verborrágico y molesto que habla hasta por los codos (o lo que sea que tenga) en lugar del que, lacónico y sentencioso, solo dice “nunca más”. A propósito y casi lo olvidaba: en la película esa frase no aparece sino hasta el final y… no es dicha por el cuervo.

Hasta la próxima y sean felices…

El cómic de la semana: Marvel Gold. Los Nuevos Mutantes 5. La maldición de las Valquirias

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a El cómic de la semana. Hoy reseñamos Marvel Gold. Los Nuevos Mutantes 5. La maldición de las Valquirias. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Marvel Gold. Los Nuevos Mutantes 5. La maldición de las Valquirias, el final del camino.

Y se acabó. Con este tomo finalizan las aventuras de Los nuevos mutantes en este maravilloso formato de Marvel Gold de forma cronológica donde Panini está recuperando toda la etapa Claremont hasta 1991.

¿Después de todo esto llegará X-Force? El tiempo y las ventas lo dirán

Lo que sí sabemos es que los números que se quedan sin publicar de Los nuevos mutantes pertenecen a la saga Proyecto Exterminio, que veremos en el tomo 11 de La Patrulla-X. Por tanto, ya no veremos más a los Bebes-X como se les llamaba cariñosamente antaño en su propia colección. Aún así tengo que añadir que los 3 últimos números de la serie son realmente un prólogo de X-Force, serie que realmente espero que llegue en este mismo formato.

Espero que sea así, y sigamos disfrutando de las series mutantes más allá de 1991.

Los nuevos mutantes

Mientras tanto, tengo que aclarar que este tomo contiene los números 74 al 94, además del Annual 6 que hace cross-over con los anuales de Fantastic Four, X-Factor y Uncanny en una saga llamada Días del futuro presente, que realmente no está nada mal.

Este tomo va justo a continuación de la saga Inferno, ya que aún quedan reminiscencias del mismo. Pero desde ese número, la serie tira hacia delante con una Louise Simonson que escribe la gran mayoría de los números, excepto alguno de Claremont de relleno si no recuerdo mal.

Y este tomo me parece maravilloso porque, por ejemplo, nos topamos con una saga bastante larga en la que nuestros héroes vuelven a Asgard en una especie de secuela tardía de Las Guerras Asgardianas que, guionizadas por Claremont y dibujadas por Art Adams, ya pudimos disfrutar en el tomo 2 de esta colección.

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También me gustaría mencionar, aunque sea de pasada, su cruce con Actos de Venganza. Pero lo que destaca de este tomo son tres momentos clave…

El primero, por orden de aparición, es la irrupción estelar del dibujante Rob Liefeld. Recuerdo que en esa época el bueno de Rob  empezó a ser una estrella mundial y años después llegó a ser uno de los fundadores de Image.  Sí señores, sí. Liefeld empezó en esta serie a ser una leyenda, aunque ya venía con buenas referencias de sus series de DC como Halcón y Paloma.

El segundo momento clave es la primera aparición de Cable, otro personaje mítico creado por Simonson y el propio Liefeld que empezó a decir que al héroe le brillaba el ojo porque molaba. En fin, que Cable salió bien de casualidad.

Y el tercer momento clave es la primera aparición de Deadpool, también conocido como Masacre. Y es que si os fijáis, en muy pocos números Simonson y Liefeld crearon dos personajes míticos además de crear la semilla para la futura serie X-Force, que a la postre se convirtió en la segunda serie más vendida (el número 1) de todos los tiempos. Siempre, claro está, por detrás de X-Men.

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La etapa final de Louise Simonson al frente de Los Nuevos Mutantes representó el final de una era para La Casa de las Ideas y está recogida en este último volumen de la colección. Un hechizo de Hela ha corrompido la personalidad de Valquiria que habita en Espejismo. Para ayudar a su compañera, Los Nuevos Mutantes deben regresar a Asgard, el hogar de los dioses nórdicos, en el preciso momento en que Hela conspira para asesinar a Odín y quedarse con el trono del Reino Eterno. ¿Serán suficientes un puñado de mutantes para derrotar a la Diosa de la Muerte? Además, la llegada del misterioso hombre conocido como Cable marca el fin de Los Nuevos Mutantes y llega la secuela de «Días del Futuro Pasado».

Contiene:

The New Mutants 74-94, Annual 5 y 6, Summer Special y material de Fantastic Four Annual 23, X-Factor Annual 5 y The Uncanny X-Men Annual 14

A continuación os dejo el enlace a la editorial y la portada editada por Panini Cómics en España.

los nuevos mutantes 5 Un saludo y sed felices.

Crítica de Twisted Metal (2023)

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Twisted Metal es una saga de videojuegos con una historia convulsa, la última propiedad que uno imaginaría dentro del ambicioso proyecto de PlayStation Productions. Los tráilers de esta serie, en los que se incidía demasiado en un humor algo estúpido, tampoco auguraban nada bueno, y la promoción en general ha sido deficiente. Sin embargo, Twisted Metal, estrenada en la plataforma estadounidense Peacock este 27 de julio, ha recibido buenas críticas por parte de la prensa y, sobre todo, por parte de los espectadores.

Detrás de esta serie, que aún no se sabe cuándo y en qué plataforma llegará oficialmente a España, se encuentra Michael Jonathan Smith, que cuenta con el aval de Cobra Kai, y está protagonizada por Anthony Mackie, conocido por su papel como el Halcón en el Universo Cinematográfico de Marvel. También cuenta con los guionistas de Deadpool y de Zombieland. Pero, independientemente de los nombres asociados a este producto, ¿merece la pena Twisted Metal? ¿Nos hace sentirnos como si tuviéramos un mando de la PlayStation en la mano o se trata de un accidente mortal? Pisemos el acelerador y descubrámoslo.

La historia de un rider

El protagonista de Twisted Metal es un individuo amnésico conocido sencillamente como John Doe, que vive en un mundo postapocalíptico y trabaja como «lechero», es decir, como transportista de diversos bienes y provisiones entre los distintos asentamientos que todavía intentan mantener la civilización. Fuera de las murallas de las ciudades, las carreteras están ocupadas por variopintas bandas de criminales y psicópatas que convierten cada encargo en un asunto de vida o muerte.

Twisted Metal

Tras entregar un paquete, la líder de uno de estos asentamientos le hace una oferta que no puede rechazar: a cambio de llegar hasta Chicago, recoger y devolver un paquete, le permitirá quedarse en su ciudad y evitar la previsible muerte prematura que acontece a los miembros de su particular gremio. John Doe acepta y se adentra en la carretera. Pero el encuentro con una bandida en busca de venganza hará que se replantee su objetivo.

Gasolina y sangre

Twisted Metal es una serie trepidante de diez episodios de media hora con una buena cantidad de gore y acción. Podríamos buscarle muchos problemas a su guión, y hablaremos de ellos, pero su desenfado y falta de pretensiones hacen que sea imposible enfadarse mucho con ella. Parece un homenaje a esas comedias gamberras de finales de los 90 y principios de los 2000 (no en vano uno de sus realizadores trabajó en Dogma de Kevin Smith), lo que se confirma cuando vemos que, en este universo, el apocalipsis llegó en 2002. Puestos a explotar la nostalgia, al menos han escogido un período de referencia menos trillado que los omnipresentes años ochenta.

A lo largo de esta decena de capítulos, los guionistas consiguen establecer un ritmo rápido: con cada nueva entrega hay una nueva facción a la que hacer frente, un nuevo enemigo, un nuevo giro, una nueva misión. A veces, estas subtramas son algo repetitivas, pero siguen resultando entretenidas. Este frenetismo, junto a un humor negro con momentos verdaderamente descacharrantes, convierte a Twisted Metal en un entretenimiento ligero que no por ello deja de tener personajes muy llamativos con sus propios arcos.

Anthony Mackie y Stephanie Beatriz tienen una química muy creíble como la pareja protagonista, pero se ven acompañados por algunos personajes icónicos de este videojuego. Mike y Stu son unos secundarios muy eficaces que remiten a las comedias de la época, los miembros de la comuna que se alían con ellos tienen algunas tramas muy emotivas que en principio no deberían funcionar en una serie como esta, el agente Stone es un villano patético y despreciable… y, por supuesto, tenemos a Sweet Tooth, la cara visible de la franquicia, al que Will Arnett le presta la voz y el gigantesco Samoa Joe le presta el cuerpo.

Twisted Metal

Pero, pese a un conjunto satisfactorio y su carismático elenco de pirados, la serie quizás imita demasiado bien a estas comedias noventeras y se ve lastrada por la irregularidad de su humor. Se trata de un estilo de humor popularizado por creadores como Joss Whedon, que medio mundo ha disfrutado en el UCM durante la última década pero del que ya comenzamos a estar algo cansados. Cuando los chistes funcionan (y funcionan muchas veces), le dan personalidad a la trama. Cuando no funcionan o se alargan demasiado, sin embargo, restan dramatismo a momentos que deberían habernos conmovido más.

Twisted Metal… pero sin Twisted Metal

Tras haber hablado de la serie como producto independiente, hablemos de ella como adaptación, entrando ya en spoilers.

Es difícil adaptar Twisted Metal (como ha reconocido su creador David Jaffe, que está disfrutando de la serie) porque nunca ha tenido una campaña como tal, sino numerosos finales arcade. Pero, en un mundo donde Sonic y Mario han triunfado en la gran pantalla, quizás esta sea la vía a seguir: adaptar una franquicia con una trama lo suficientemente difusa como para permitir una gran libertad creativa. En este sentido, aunque los responsables se han tomado sus licencias, han conseguido traducir solventemente la esencia violenta y desenfadada de la mayor parte de juegos de la saga.

Los personajes de Twisted Metal siempre han cambiado radicalmente de una entrega a otra, por lo que no podemos sorprendernos de que hayan tenido que adaptarlos a esta nueva historia. Algunos como Sweet Tooth son prácticamente iguales, con cambios mínimos. Otros, como Raven, solo tienen el nombre. La mayoría se encuentra en un punto intermedio donde conservan su rol habitual pero sus personalidades o motivaciones se han visto alteradas para hacerlas encajar dentro de lo que pide la trama.

Twisted Metal

Esto es algo previsible, pero en esta ocasión el choque se ve atenuado por el mimo que los responsables del producto han puesto a los numerosos cameos y huevos de pascua. En la serie veremos a personajes de las entregas más odiadas de la saga que, sin embargo, aquí se convierten en unos secundarios muy interesantes. Echamos de menos, eso sí, que les acompañe una banda sonora con tanta personalidad como la de los juegos.

Pero lo peor de esta adaptación es que, hasta los últimos diez minutos, decide ignorar la propia premisa de la saga, dejándonos la miel en los labios para una segunda temporada que quizás no llegue: un campeonato en el que el ganador obtendrá el deseo que pida. Los creadores se han reservado para después a algunos de los conductores más icónicos, como Mr. Grimm, Axel o Dollface, algo comprensible pero arriesgado teniendo en cuenta lo desapercibida que ha pasado la serie.

Conclusión

Twisted Metal no es una serie de una calidad excepcional, pero es un producto entretenido que ha gustado a prácticamente todo el que lo ha visto. Por desgracia, esta sensación satisfactoria se ve empañada por su irregularidad y por la incertidumbre sobre su segunda temporada. Quizás habría sido una buena idea cerrar esta tanda de episodios sin el cliffhanger: ahora, como le sucedía a Mortal Kombat, la primera temporada casi parece un prólogo para lo que de verdad importa.

Dune 2 retrasa su estreno a 2024 ¿Buena noticia para Oppenheimer?

Dune 2 retrasa su estreno. La huelga de guionistas y actores está empezando a pasar factura a las grandes producciones también, y parece que ahora le ha tocado a Dune 2. Debido a que no pueden ni hacer promoción de la cinta, Warner Bros. y Legendary han decidido postponer el estreno de la película.

Dune 2 retrasa su estreno a 2024

Los integrantes de esta película, los actores por supuesto, no pueden hacer ningún acto promocional de la misma, ni ir a eventos ni preestrenos. La huelga (y las protestas) de los sindicatos lo prohiben. Es por tanto lógica esta decisión y más cuando Warner Bros. y Legendary han puesto tanto dinero y esfuerzo en esta «secuela» por llamarla de alguna manera. Y digo «secuela» porque realmente es la segunda parte de una misma película.[sg_popup id=»474931″ event=»inherit»][/sg_popup]

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Y recordemos todos que Dune, la cinta de 2021 ganó 6 estatuillas en los Oscar. Qué su estreno se retrase para 2024 le quita automáticamente de la carrera de los premios de 2023, dejando vía libre en muchas categorías a Oppenheimer de Nolan.

Y aunque me fastidie, creo que debido a las circunstancias, el retraso de Dune 2 es la mejor de las peores opciones.

Ahora mismo la fecha de reubicación de la película es el 15 de marzo, que con el tiempo veremos si se mantiene, o si por lo contrario acaba siendo una aproximación del estreno definitivo.

La revista Variety predice que Oppenheimer, sin Dune 2 ya en la carrera, podría optar a 12 estatuillas, incluyendo mejor película y mejor director. ¿Oppenheimer podrá ganar más Oscar sin la presencia de la cinta de Villeneuve?.

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Según Variety, Oppenheimer podría optar a estas categorías:

  1. Mejor Película
  2. Mejor Director
  3. Mejor Fotografía
  4. Mejor Actor Protagonista (Cillian Murphy)
  5. Mejor Actriz de Reparto (Emily Blunt)
  6. Mejor Actor de Reparto (Robert Downey Jr.)
  7. Mejor Diseño de Producción
  8. Mejor Guion Adaptado
  9. Mejor Canción Original
  10. Mejor Sonido
  11. Mejor Montaje
  12. Mejores Efectos Visuales

Sólo deseamos que Dune 2 sea un peliculón y la comentemos aquí, en Las cosas que nos hacen felices. Y además que Oppenheimer pueda optar a todos los premios posibles.

Un saludo y sed felices.

Verkami – Las Cinco Banderas de Pau Escápula. Podemos participar hasta el 8 de septiembre de 2023.

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Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Por si alguno de vosotros no conocía este proyecto, hoy queremos presentaros Las Cinco Banderas 1/5 Liberté, égalité, fraternité. Realizado por Pau Escápula. Lo tenemos disponible en la plataforma Verkami, hasta el próximo 8 de septiembre.

Antes de centrarnos en este nuevo proyecto de Pau Escápula, vamos a recordar el objetivo de la plataforma de crowdfunding Verkami:

Banderas

Haz realidad tu proyecto ¡Empieza tu Verkami!”

Verkami es un equipo de apasionados por la cultura y la creatividad que te acompañaremos en toda tu aventura.

Con las mejores herramientas, el mayor ecosistema de Europa de mecenas entusiastas del crowdfunding y el porcentaje de éxito más alto del mundo!

¿A qué estás esperando?” ¡Empieza tu proyecto!

Las Cinco Banderas 1/5 Liberté, égalité, fraternité.

Banderas

Lo cierto es que recomendar Las Cinco Banderas no tiene ningún mérito. Pau Escápula es sobradamente conocido en este mundillo. Pero no solamente eso. El proyecto necesitaba una aportación de 10.000€ por parte de los mecenas, para salir adelante.

¡Y consiguió el 100% de la financiación en las primeras 22 horas!

Además, logró el 200% de la financiación en los cuatro primeros días. Por eso digo que no tiene ningún mérito este artículo. El mérito es única y exclusivamente, fruto del trabajo del autor.

No obstante, vamos a comentar alguna cosa sobre este primer volumen (de cinco) de Las Cinco Banderas.

Banderas

Las Cinco Banderas nos cuenta la extraordinaria aventura de un joven español en las guerras Civil y Mundial, contada por él mismo y dibujada por su nieto (Pau Escápula).

A lo largo de nueve años, este joven aventurero participó en La Guerra Civil Española y la II Guerra Mundial, defendiendo cinco banderas diferentes: La republicana española, la francesa, la británica, la nazi y la franquista.

Fue voluntario en la defensa de Madrid, combatió en la guerra de España en una fuerza de choque, la XII Brigada Internacional Garibaldi, sufrió una desagradable vivencia en  campos de concentración y de trabajo en Francia y Alemania.

Posteriormente, se alistó en la British Expeditionary Force justo antes de La Batalla de Dunkerque y fue capturado por los nazis. Además fue herido por una granada de gas iperita, participó en la construcción de la Base de submarinos de Lorient 

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«Su juventud y su afición a las novelas de BurroughsVerne o Kipling le hicieron vivir aquellos años como una inmensa aventura llena de emociones, y así lo escribió en sus conmovedoras memorias hace 80 años, con un talento narrativo fuera de serie».

¿Cómo superar todo eso y poder contarlo? Veremos cómo su actitud, su suerte -a veces la buena se disfraza de mala- y sus compañeros fueron claves.

¡Pinchad aquí para conocer más a fondo el proyecto!

Espero que el proyecto de Las Cinco Banderas os haya cautivado tanto como a nosotros y que decidáis acompañar en su viaje a Pau Escápula y participéis como mecenas en alguna de las recompensas que se nos presentan.

Debo precisar que Pau Escápula se salió de la producción tradicional de cómics a través de una editorial y fundando su propio sello (Escápula Cómics), publicando sus obras a través de campañas de micromecenazgo, como esta misma de la que os estamos hablando.

Echad un ojo aquí y aprovechad para haceros con alguna de las obras anteriores de Pau. Os puedo decir que la edición integral de La Saga de Atlas & Axis es excepcional.

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Una vez visto el proyecto, queremos invitaros a echar un vistazo al canal de Las cosas que nos hacen felices en Verkami. Aquí recomendamos proyectos que nos gustan y nos llaman la atención. Cosas que, a nuestro parecer, merecen la pena y nos pueden hacer muy felices.

Sin más, nos despedimos de todos vosotros deseándoos solamente una cosa …

¡Sed Felices!

Novedades Nuevo Nueve Editores de septiembre de 2023

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos las novedades de Nuevo Nueve Editores, previstas para ya mismo. Que empezamos en breve el mes de septiembre. Vamos con ello …

Nueve

Novedades de Nuevo Nueve de septiembre de 2023

Como aficionado al wéstern que soy, no puedo más que recomendar de manera absoluta uno de los títulos que saca este mes el bribón de mi amigo Ricardo Esteban. No es nada más y nada menos que …

Hoka Hey!

Nueve

«Georges es un joven lakota criado por el pastor que administra su reserva. Aculturado, el joven olvida poco a poco sus raíces y sueña con un futuro inspirado en el modelo americano, en plena expansión.

Se cruzará con Little Knife, un nativo americano frío y violento en busca del asesino de su madre. Acompañado por sus dos compañeros, arranca a Georges de su vida y lo lleva de viaje.

A lo largo de su viaje, el hombre y el niño se abrirán el uno al otro y encontrarán lo que les es esencial: el apaciguamiento de la ira mediante la transmisión de su cultura para uno y el descubrimiento de su identidad y sus orígenes para el otro».

El tomo saldrá en una singular fecha. El 11 de septiembre. Podéis reservarlo en la web de Nuevo Nueve, pinchando aquí.

Pero justo aquí debajo, os dejo el pdf completo con las novedades de Nuevo Nueve, previstas para este mes de septiembre.

Echad un ojo, disfrutad y …

¡Sed Felices!

Análisis de Riverdale. Temporada 7. Episodio 19

Nos queda un solo episodio y ya Riverdale nos dice adiós. Como tal, esta temporada final adquiere ribetes cada vez más emotivos a medida que nos acercamos a la despedida. Analizamos hoy entonces el decimonoveno y penúltimo episodio o, si lo prefieren, capítulo 136 del listado total, cuyo título es La Era Dorada de la Televisión. Creada por Roberto Aguirre-Sacasa e inspirada en los cómics de Archie, la serie es emitida por The CW y para España por Movistar+.

Hola otra vez, riverdaleros. Qué fuerte saber que ya nos estamos empezando a despedir: ese final con Jughead sentado a la máquina de escribir nos lo ha dejado más que claro, pues el próximo episodio se llama justamente Adiós, Riverdale. Parece mentira decirlo, porque no me da la impresión de que haya sido hace tanto cuando les decía que todavía teníamos una temporada completa por delante y resulta que ya prácticamente se nos fue. Junto con la serie…

Si bien algunas de las tramas se han cerrado de modo apresurado o con incongruencias y detalles poco explicados, la fuerza emotiva de esta entrega hace que dejemos de lado todo para concentrarnos simplemente en dar el debido adiós a personajes que nos lo han hecho pasar tan bien durante todo este tiempo.

Pasemos ya mismo a analizar este penúltimo episodio no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden echar ojo aquí a nuestros análisis previos.

Gente Decente

Comenzamos, como es clásico en Riverdale, con relato en off de Jughead. Mientras nos emocionamos al ver el cartel de bienvenida a la ciudad (hacía rato que no aparecía), nos cuenta que Riverdale es la ciudad del vigor, pero que los recientes sucesos han revelado la oscuridad que había por debajo: algo parecido a lo que dijera al iniciar el primer episodio de la serie y ya veremos que no es casual. Para graficar mejor sus palabras, el periódico habla en primera plana del desbaratado Proyecto Moloc y hasta muestra una foto de él mismo en situación de héroe local…

Featherhead ha renunciado a la dirección del colegio y se ha dicho que por “motivos personales”, pero Jughead nos cuenta de posibles vinculaciones al espionaje soviético por el que ha caído Clifford Blossom.

Jughead teme que el puesto vacante recaiga en Werthers, pero este le pone al tanto de que se marcha a Washington para acompañar al presidente en controlar actividades rebeldes juveniles y sobre todo cómics.

El reemplazante termina siendo Weatherbee, quien dice así presente en esta línea temporal y, apenas asumir el cargo, arranca aplausos de entusiasmo con un discurso que llama a romper con los prejuicios y asumir el desafío de ser mejores y, sobre todo, gente decente. Parece un homenaje a La Hoguera de Las Vanidades, filme de Brian De Palma en el cual el juez interpretado por Morgan Freeman pronuncia uno bastante similar y con el mismo sentido en el mensaje final (solo en la película, porque en el libro original de Tom Wolfe, esa parte no existe).

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Cheryl recupera el Mando

En Thornhill, Nana Rose (¡qué bueno verla!) llama idiota a su hijo y víbora a su nuera, además de manifestar el deseo de que ambos se pudran en algún gulag ruso (díficil si los han capturado en América). Dice a sus nietos que ahora han quedado solo ellos tres y les arenga para hacer que el apellido Blossom resurja de las cenizas como el Ave Fénix: Cheryl dice que sabe por dónde empezar…

La pelirroja se presenta entonces ante las Vixens para reclamar su antiguo liderazgo en lo que llama “golpe de estado”. No sé si es la mejor analogía, pero es cierto que la expresión no tiene en los países anglosajones la misma connotación que en los latinos.

Desafía a Evelyn a una competencia de baile para determinar y le recalca que no es una opción el negarse al reto. Ofrece entonces su número y aunque le hemos visto mejores (cómo olvidar el “Cherry Bomb” de la cuarta temporada), lo hace suficientemente bien para dejar a Evelyn sin chance y profiriendo esta un alarido que es mezcla de rabia, dolor e impotencia, se larga…

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Cheryl ha recuperado el control de sus preciadas animadoras y en su primer acto como tal, sincera ante ellas su relación con Toni. Contrariamente a lo que ella pudiera esperar, ninguna manifiesta rechazo, sino que la aceptan como es e incluso dos muchachas, cansadas de vivir en las sombras, sinceran su propia relación.

Madre e Hija

Después de los sucesos del episodio anterior y las revelaciones en torno a Hal y su historia con la señora Muggs, los Cooper han decidido seguir viviendo en la misma casa, pero separados. Betty no entiende por qué su madre no se divorcia, pero esta dice que no quiere destruir la familia y que tampoco tiene adónde ni sabe arreglarse por su cuenta.

A todo esto, Betty ha logrado publicar su libro, cuya cubierta reproduce el óleo que le hiciera Cheryl en ropa interior. Se lo lleva a su madre, no con la esperanza de que esté orgullosa de ella, sino de que al menos lo lea para conocerla mejor. Tras su renuencia inicial, Alice acaba en efecto leyéndolo y, emocionada, manifiesta a Betty comprender ahora mejor sus ideas, sus sueños y sus aspiraciones, esas mismas que ella no tuvo o no supo realizar. Betty le dice que siempre hay tiempo para hacerlo y todo termina en un nuevo abrazo reconciliatorio.

Amigos son los Amigos

Después de leer a Jack Kerouac, Archie ha decidido ser un escritor errante y salir a empaparse con el mundo y sus historias. En cuanto a Reggie, se le ha complicado asistir a su campamento de baloncesto porque le han cambiado las fechas y ahora se superpone con la cosecha de maíz, fundamental para la economía de su familia.

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Retomando el personaje noble y desinteresado que siempre le conocimos (y que en algún momento nos irritara un poco), Archie se ofrece de buena voluntad a reemplazarlo, aun a sabiendas de que los padres de Reggie no pueden pagarle: dice que le servirá como experiencia enriquecedora para escribir y también aquí tenemos un abrazo…

Recuerdos en Color

El último acto de Werthers al frente del Código es rechazarle a Jughead un cómic basado en el relato corto El Cometa, de W. E. B. Du Bois, que nos hace inevitablemente unir cabos con el que asoló Riverdale en la otra línea de tiempo. Como el cuento, trata del romance entre un hombre blanco y una mujer afroamericana que acaban siendo únicos sobrevivientes de un cometa que destruye la ciudad de New York y es en esa relación interracial, sostiene Fieldstone, donde está el verdadero motivo del rechazo que escudan en la defensa de valores americanos tradicionales.

Jughead está descorazonado, pero para su sorpresa Fieldstone quiere editarlo y no solo eso, sino también que le escriba el editorial del que será el último número de Pep Comics, ya que se ha cansado de lidiar contra los árbitros de la moral. Además, dice, ya no podrán publicar nada mejor, así que lo distribuirán como sea y aun cuando muchos ejemplares sean incautados. Y Veronica quiere llevarlo al cine con Clay como guionista y Sidney Poitier como estrella principal.

Jughead no sale de la emoción que le embarga al tener que despedir a Pep Comics cuando, de regreso a su vagón… se encuentra con Tabitha. No la de los cincuenta como él cree en principio, sino la viajera del tiempo, a quien no recuerda. Ella le pone al corriente de que tanto él como los demás proceden de otra línea temporal y para demostrárselo, le pone frente a un televisor color (que aún no existía) y le muestra una historia que comienza con su propia voz y coincide con el inicio del primer episodio de la serie.

Jughead queda completamente perplejo: ahora recuerda todo y se pregunta qué es lo que sigue. Tabitha dice que no ha logrado separar las líneas temporales y ha optado, en cambio, por el camino contrario: estabilizarlas y unirlas en un sola, que es en la que están en ese momento. Ya no puede devolverlos a su época, pero sí hacerles recuperar sus recuerdos en caso, claro, de que quieran hacerlo.

Jughead le va con la novedad al resto y juntos presencian una sesión de tv en la que se enteran de sus historias en la otra línea de tiempo. Ni Clay ni Julian asisten, por haberse enterado que no tienen lugar en la misma.

Conmoción general: Betty sabe ahora que su padre fue un asesino y su hermana asesinada; Veronica, que mató a su esposo y mandó matar a su padre; Archie, que fue boxeador, jugador de fútbol y soldado: ha vuelto a ver a su padre, pero ha sufrido su pérdida nuevamente. Los recuerdos tienen su parte buena, pero están también llenos de dolor y no es muy atractivo volver a ellos.

Le preguntan a Tabitha si sería posible retener solo la parte buena y, para su sorpresa, responde que sí. Y así acaban nuevamente ante el televisor, pero viendo esta vez solo aquello con lo que se quieren quedar y sin recuerdos del resto. Bueno… todos menos Jughead. Y Betty. Ambos han decidido que el dolor es parte de ellos tanto como la felicidad.

¿Y qué pasa con Tabitha en su versión cronoquinética? Pues ha pasado a ser la única que tiene dos versiones propias y, habiendo ahora una única línea temporal, no hay lugar para dos Tabithas. Tiene lugar una emotiva despedida, pues ahora Jughead recuerda la historia que han tenido juntos y se pregunta si fue real. Ella dice que sí: el haber visto juntos Titanic juntos e ido después a Pop´s es algo que ocurrió en una burbuja temporal que aún existe y que, de hecho, les protege.

Hay beso de despedida y, tal como Jughead dice en off, en un abrir de ojos ella ya no está. No teminamos de saber adónde se fue, pero dejó en claro que no muere. Lo que es seguro, dice él, es que les ha dejado el regalo más preciado y son sus recuerdos…

En la escena final y frente a la máquina, Jughead se apresta a escribir lo que, dice, será el capítulo final de la saga épica que todos han vivido: un capítulo llamado Adiós, Riverdale

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Balance del Episodio

Qué difícil evaluar una entrega cuando viene con una carga emocinoal tan alta al saber que es la penúltima. Ha habido, sí, varias incongruencias. La tardía aparición de Tabitha (por la cual admito que yo mismo he bregado) ha terminado por acelerar demasiado la resolución de la trama del cometa y, de hecho, no sé hasta qué punto está resuelta…

De acuerdo a lo que entendí, ahora existe una única línea temporal, lo cual significa que todo lo ocurrido en la otra, con aquel escenario apocalíptico, ya no existe y, en todo caso, los personajes han sido salvados al ser llevados a la actual. ¿Pero no tenían una existencia previa en la misma? ¿Quiénes ocupaban sus lugares? ¿Los recuerdos que ahora han recuperado se fusionan con los que pudieran tener antes sus versiones previas o directamente no las había? Todo bastante difuso, quizás por apresurado, y ya no va a ser resuelto.

El rol de Tabitha también me confunde: habrá que confiar mucho en sus poderes o en la calidad de “ángel” que ella misma dice tener porque no llego a entender de qué modo logra hacer que alguien recuerde o deje de recordar e inclusive es capaz de seleccionar sus recuerdos. Tampoco se sabe cómo funciona ese televisor que les ha traído: ¿capta algo así como una señal celestial?

Más allá de eso, ha tenido un alto impacto emocional el que pudieran ver sus propias historias tal como nosotros las hemos visto: alto plus haber visto por allí a Jeff Andrews (Luke Perry) y ni qué decir de ese final con Jughead escribiendo “Adiós, Riverdale” que, supongo, habrá arrancado lágrimas a más de uno o bien ha estado cerca de hacerlo.

En cuanto a las reconciliaciones, creo que apuntan a que nos quedemos con una buena imagen de los personajes que más sensaciones ambiguas nos despertaron, como el caso de Alice. Lo del tío Frank y el sheriff Keller no sé cómo tomarlo: cayó tan de la nada que ni siquiera encajó con el resto del episodio y por eso no lo mencioné en la reseña previa, pero terminaron en relación homosexual sin que hubiera indicio de ello. Entiendo que la idea es poner el acento sobre la hipocresía de su doble discurso, pero no hubiera estado mal que nos dejaran entrever mínimamente algo…

La trama de espionaje también fue demasiado abrupta, tanto al iniciarse como al cerrarse. Y deja preguntas y contradicciones: si Clifford Blossom era espía soviético y quizás Featherhead también, ¿a qué venía de parte de ambos tanta cruzada macartista en defensa de los valores norteamericanos? Lo que sí nos complace con respecto a los Blossom es que Cheryl esté otra vez donde siempre debió estar, así como que sigamos viendo a Barbara Wallace, con sus cien años, llegar al final de la serie dando vida a Nana Rose: ¿acaso esta mujer es eterna?

Creo que en el balance final, ha sido un episodio más fuerte en lo emotivo y en lo que promete que en solidez interna. Y no está mal: es como cuando estamos cerca de perder a un ser querido y no nos queremos acordar de los malos momentos, algo parecido a lo que les ocurre aquí a ellos al preferir (salvo Jughead y Betty), quedarse con sus recuerdos más felices. De algún modo, nosotros hacemos lo mismo con la serie

Y es que parece increíble decirlo, pero esta es la última vez en que los despido hasta la próxima entrega, que seguramente nos desequilibrará emocionalmente. Les espero entonces para analizar juntos el último episodio de Riverdale.

Hasta entonces y sean felices…

Tráiler de La Sociedad de la Nieve. La nueva película de José Antonio Bayona que nos trae Netflix.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hace solamente un ratito, Netflix nos ha presentado el tráiler de La Sociedad de la Nieve. La nueva película de José Antonio Bayona.

La Sociedad de la Nieve. J. A. Bayona y Netflix.

Como ya os hemos dicho, Netflix acaba de presentarnos el tráiler oficial de La Sociedad de la Nieve. La película española ha sido la elegida para clausurar el 80º Festival de Cine de Venecia.

Sociedad

Todo parece indicar que el film producido por Netflix será un auténtico éxito, cuyo artífice, José Antonio Bayona (Lo Imposible, El Orfanato) es sinónimo de calidad.

La Sociedad de la Nieve está ambientada en 1972. Se basa en la historia real del vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya, que despegó llevando a bordo a un equipo de rugby uruguayo, para jugar un partido en Chile.

El vuelo 571 no llegó a su destino y solamente 29 de sus 45 pasajeros sobrevivieron al accidente.

Los supervivientes del siniestro sufrido por el vuelo 571, quedaron atrapados en uno de los entornos más hostiles e inaccesibles del planeta y se vieron obligados a cometer terribles actos para sobrevivir.

Sociedad

El reparto de la película, se encuentra formado por Enzo Vogrincic (Iosi, el espía arrepentido), Rafael Federman (Matadero), Matías Recalt (Argentina, tierra de amor y venganza), Agustín Pardella (Cielo grande), Esteban Kukuriczka y Tomas Wolf.

Además de haberse encargado de la dirección de la película, José Antonio Bayona también firma el guion junto a Bernat Vilaplana (montador de Un monstruo viene a verme y Lo imposible), Jaime Marqués (Malnazidos, Noche de Reyes) y Nicolás Casariego (Intruders).

También hemos de decir que La Sociedad de la Nieve se encuentra basada en la novela homónima de Pablo Vierci.

Pero dejémonos de tanta palabrería y disfrutemos del tráiler oficial de La Sociedad de la Nieve, que nos acaba de traer Netflix.

Echad un ojo, disfrutad y …

¡Sed Felices!