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Series y Películas que se estrenan en Disney+ en Enero 2026

Rodolfo Del Bene
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Series y Películas que se estrenan en Disney+ en Enero 2026

Comienza otro año y también otro mes de estrenos en Disney+, el cual tiene como principales atracciones dos series basadas en cómics: The Beauty, thriller de ciencia ficción que es la nueva creación de Ryan Murphy, y Wonder Man que, en tono satírico, inserta al personaje creado por Stan Lee en el Universo Cinematográfico de Marvel. Pero hay más…

Bienvenidos a un nuevo año y, amén de renovar las esperanzas y todo eso que se suele decir, lo que nos atañe es que llegan los estrenos de Disney+, con las series y películas que nos trae este enero con el que comenzamos 2026. Ojo, no hay mucho como notarán por la tachadura, pero eso no es novedad. En efecto, no tenemos ninguna película (salvo algún documental), pero sí algunas series y documentales interesantes.

The Beauty es una serie de FX que constituye la nueva creación de Ryan Murphy, responsable de las exitosas Glee y American Horror Story. Se anuncia básicamente como una propuesta de thriller con elementos de distopía en la cual dos agentes del FBI interpretados por Evan Peters y Rebecca Hall deben investigar una serie de misteriosas muertes que involucran a modelos del mundo de la alta costura y que tienen que ver con un virus de laboratorio que, creado por una organización a la que se conoce como La Corporación, brinda perfección física, pero con terribles consecuencias que se traducen en una epidemia de alcances globales.

La historia se basa en el cómic de idéntico título que, creado por Jeremy Haun y Jason A. Hurley, fuera publicado por Image Comics, lo cual se sale un poco de la dualidad DC-Marvel tan común por estos días. Se pueden establecer paralelos con La Sustancia y lo de la dupla de agentes siempre nos va a remitir un poco a The X-Files.

Además de los actores mencionados, el elenco incluye varias figuras de renombre en la pantalla o incluso en el modelaje, como Ashton Kutcher, Isabella Rossellini, Bella Hadid y el inmenso Vincent D’Onofrio, además de Anthony Ramos, Jeremy Pope, Amelia Gray Hamlin y Ben Platt entre otros. La premisa promete, así que esperemos que las habituales desmesuras de Ryan Murphy no terminen por arruinar expectativas.

Estreno el 22 de enero.

 

Como parte de la Fase 6 del Universo Cinematográfico de Marvel (honestamente ya me perdí con las fases), llega Wonder Man, basada en el cómic homónimo creado en 1964 por Stan Lee junto a los ilustradores Don Heck y Jack Kirby. Se trata de una miniserie de ocho episodios creada por Destin Daniel Cretton y Andrew Guest, quien también oficia como showrunner.

La adaptación, según se anuncia, viene en tono de sátira contra la industria cinematográfica y la propia Marvel, a la vez que funciona como historia dentro de otra, pues Simon Williams (Yahya Abdul-Mateen II) no es como en las viñetas un rico industrial que hereda de su padre una fábrica de municiones, sino un actor de segunda línea que se presenta al casting para una película basada en dicho personaje y obtiene por accidente sus mismos poderes. ¿De qué modo? Bueno, se supone que para saberlo hay que ver la serie, ¿verdad?

La propuesta juega contra con los límites entre realidad y ficción y apunta a cómo ciertos actores quedan para el público mimetizados con sus personajes al punto de diluirse su propia identidad, una idea con la que de algún modo jugó el filme Birdman (2014), pero que en este caso la metáfora va mucho más a lo fantástico. El elenco incluye a aclamadas y reconocidas figuras como el oscarizado Ben Kingsley, Ed Harris y Joe Pantoliano, junto a Demetrius Groose, Arian Moayed, Byron Bowers y Olivia Thirlby.

Estreno el 28 de enero.

 

ACI: Alta Capacidad Intelectual es una versión americana de la muy exitosa serie francesa del mismo nombre, que ya lleva cinco temporadas. Básicamente sigue a Morgan, una madre soltera con un coeficiente intelectual de 160 a la que la policía de Los Angeles recurre para resolver crímenes, pero su temperamento y carácter le hacen difícil encajar con ellos.

Creada por Andrew Goddard y protagonizada por Kaitlin Olson, ya fue estrenada por ABC en 2024 y por Disney+ para Latinoamérica en 2025, pero no para España, posiblemente para no superponerla con la original, que se emite por Antena 3. En general, la adaptación de Disney ha recibido críticas por hacer una versión bastante más lavada y correcta, perdiéndose mucho del humor corrosivo que caracteriza a la serie francesa al burlarse de tabúes y prejuicios sociales. Habrá que ver y juzgar…

Estreno en la plataforma el 7 de enero.

 

Entre los documentales se destaca Bruce Springsteen: Nebraska Live, especialmente para quienes, como mi colega Pedro o yo, somos devotos de este inigualable artista de New Jersey al que en algún momento se promocionó como “el futuro del rock n´roll”, pero que renegó de ese título y en respuesta, allá por 1982, grabó Nebraska, sin duda su disco más intimista, introspectivo y oscuro en el cual deja colgadas tanto la guitarra eléctrica como la E Street Band para ofrecer un álbum despojado en el que están solo él y su acústica o, a lo sumo, algún carrillón, una mandolina y solo en un tema su Esquire tan característica.

Filmada en blanco y negro por Thom Zimny, realizador afín a la carrera de Springsteen si los hay, esta película recoge testimonio de la presentación en vivo en la que, por primera vez, interpreta de principio a fin ese disco que, no tan conocido para el gran público, es sin embargo uno de los más amados por los fans y al cual en su momento ni siquiera presentó en gira. Gran complemento, además, para el documental Diarios de Carretera (aquí la crítica de mi compañero Pedro) y la película biográfica Deliver Me from Nowhere, estrenada en octubre de este año y en la cual Bruce es encarnado por el actor Jeremy Allen White.

Estreno el 9 de enero.

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Siguiendo con los documentales, en este caso de National Geographic, De Polo a Polo con Will Smith es una docuserie que demandó cinco años de producción y que, en experiencia altamente inmersiva y cinematográfica, lleva al conocido actor a través de los cinco continentes acompañado por científicos, exploradores y expertos locales. Se trata de siete episodios, de los cuales el primero está dedicado a la Antártida y el Polo Sur, los dos siguientes a las junglas del Amazonas y los cuatro restantes al Himalaya, las Islas Pacíficas, el Desierto del Kalahari y el Polo Norte respectivamente.

Los siete estarán disponibles en Disney+ a partir del 14 de enero.

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Y no hay mucho más. En el terreno animado, la serie El Cuento de Sylvan, que viene a reversionar uno de los más clásicos relatos infantiles europeos (macedonio en este caso), además de mencionar que también arriban este mes a la plataforma nuevas temporadas de Mil Golpes, Colegio Abbott, Tell Me Lies y La Agencia, así como también, al completo con sus cinco temporadas (92 episodios) el drama médico New Amsterdam. Vamos al listado…

SERIES

. New Amsterdam (5 temporadas, 1 de enero)

. ACI, Alta Capacidad Intelectual (5 de enero)

. La Agencia (parte 2, 6 de enero)

. Colegio Abbott (temporada 5, parte 1, 7 de enero)

. El Cuento de Sylvan (9 de enero)

. Mil Golpes (temporada 2, 9 de enero)

. Tell Me Lies (temporada 3, 13 de enero)

. The Beauty (22 de enero)

. Wonder Man (28 de enero)

DOCUMENTALES

. Guepardos en Primer Plano, con Bertie Gregory (2 de enero)

. Bruce Springsteen: Nebraska Live (9 de enero)

. De Polo a Polo con Will Smith (14 de enero)

Esperando, como siempre, que hayan encontrado algo de su gusto e interés, nos volvemos a encontrar el próximo mes para dar repaso a los estrenos de febrero.  Hasta entonces y sean felices…

Las 10 películas más decepcionantes de 2025

Fernando Vílchez
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Las 10 películas más decepcionantes de 2025

En Las cosas que nos hacen felices aprovechamos tanto el tiempo que, cuando nos dedicamos a repasar lo mejor del año, también nos acordamos de aquellas películas de las que tanto esperábamos y, al final, por una cosa u otra, no fueron para tanto. Este no es un ranking con las peores obras del año. De hecho, veréis grandes películas que no cumplieron mis expectativas. Comenzamos.

  1. Misión Imposible: sentencia final, de Christopher McQuarrie.

Parto de la base de que considero a Tom Cruise  casi como un dios cinematográfico en vida. Y que Misión Imposible puede ser una de las mejores sagas de la historia del cine con sus continuos cambios de directores y rumbo, sobre todo en sus primeras entregas.

Teniendo en cuenta todo esto y tras su espectacular entrega previa, reconozco que Sentencia Final no llega a la calidad de películas como Protocolo fantasma, Nación secreta o Fallout.

Y creo que esto se debe a un consciente cambio en la narrativa de la película que arriesga y no gana del todo. En primer lugar, no vemos a un Tom Cruise tan entregado físicamente a la lucha como en anteriores entregas de la saga. Y, en segundo lugar, la película se lo juega todo a dos cartas: la escena submarina y la de los dos aeroplanos.

Ambas tan espectaculares que lastran un poco el resto de segmentos de la película. Es cierto que son dos secuencias absolutamente únicas en la historia del cine pero una película es mucho más que su escena más mítica.

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  1. Frankenstein, de Guillermo del toro.

No soy muy afín al cine de Guillermo del toro. Ya me gustaría, porque me interesan todos los proyectos que intenta sacar adelante, desde la gótica La cumbre escarlata al cine negro de El callejón de las almas perdidas. El problema es que Del toro se deja llevar por la forma y siempre descuida el fondo. Salvo una excepción, la magistral El laberinto del fauno.

Quería pensar que Frankenstein era la excepción. La novela original es una mis favoritas y me atraen tanto las versiones más clásicas como la reciente de Kenneth Branagh con Robert de Niro como el monstruo. Así que la película partía con la remora de que algo distinto debía buscar Guillermo del Toro para adaptar lo más que adaptado. Y confiaba que fuera así.

Pero no, Del Toro no añade absolutamente nada (no como Robert Eggers y su Nosferatu). De hecho, lo poco que añade enlentece la película, con esa voz en off que se dedica a sobreexplicar lo que las imágenes dicen tan claramente como Mary Shelley escribió en su novela. Que el monstruo es el creador y no la criatura.

Nuestra crítica de Frankenstein

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  1. El abismo secreto, de Scott Derrickson.

Mucho ha cambiado la industria del cine para que una película dirigida por Scott Derrickson (Sinister, Black Phone, Doctor Extraño) y protagonizada por dos estrellas en alza como Miles Teller (Whiplash, Top Gun: Maverick) y Anya Taylor Joy (Gambito de Dama, La cena, Última noche en el Soho) se estrenara directamente en Apple TV sin ruido mediático.

El abismo secreto es un lujoso producto de plataforma con una premisa bien sencilla y muchos monstruos imaginativos. Ni el carisma de sus protagonistas libran a la película del poco fondo de la propuesta y de lo previsible que es la historia. Ni me acuerdo de cómo acababa.

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  1. Jay Kelly, de Noah Baumbach.

A esta sí le tenía ganas. El esperado regreso de George Clooney al cine más reputado tras años apartado de la actuación salvo películas muy ligeras (la fallida Wolfs con su amigo Brad Pitt). Encima, con Noah Baumbach, director de Historias de un matrimonio, en otra producción para Netflix.

Y lo que nos queda es una producción tan suave y condescendiente que ni acaricia. Jay Kelly es una película más sobre los problemas de las estrellas de cine. Ese mantra de “tengo mucho dinero pero nadie me quiere” que en Jay Kelly se repite hasta la extenuación. Al final, por mucho repartazo que tenga la película (el mejor es Adam Sandler), Jay Kelly no deja de ser una lujosa versión de telefilm de domingo por la tarde.

9

  1. Del cielo al infierno, de Spike Lee.

Todo un ídolo en la industria cinematográfica por su capacidad de no callarse nada, hay que reconocer que Spike Lee lleva casi veinte años sin rodar nada sorprendente. La última vez fue esa joya titulada Plan oculto, su anterior colaboración con Denzel Washington hasta esta Del cielo al infierno.

Remake de ese tótem de Akira Kurosawa titulada El infierno del odio, la película de Spike Lee es infumable. Aburrida, con un cambio de foco que lastra la película y con un Denzel Washington que jamás ha estado peor. De hecho, aunque sea la sexta en mi lista de decepciones, Del cielo al infierno es la peor película del año. Solo se salva su excelente música, aunque esta no acompañe a lo que va ocurriendo en la película de secuestros menos de secuestros de la historia.

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  1. Capitán América: Brave new world, de Julius Onah.

Lo del cine de superhéroes es otra historia. Con la certeza de que Marvel había traído de nuevo a los hermanos Russo y al actor Robert Downey Jr. para corregir la deriva de las películas posteriores a Vengadores: Endgame, pensaba que iba a cuidar más sus producciones de 2025. Y si Thunderbolts ha sorprendido y Los cuatro fantásticos ni fu ni fa, Capitán América: Brave New World ha sido un fracaso, tanto de taquilla como de calidad.

Y ha sido inesperado. No solo por la elección de un mito como Harrison Ford para sustituir al fallecido William Hurt como el coronel Ross. La saga del Capitán América, enmarcada más en el cine de espionaje que en el de superhéroes, era el eje vertebrador de la calidad del Universo Cinematográfico de Marvel hasta Endgame. Y duele ver como la película da la sensación de haberse rodado con desinterés, deseando que pase el tiempo para la nueva película de Vengadores. No hay carisma ni suspense, hasta el punto de que parece más una parodia del personaje que una nueva entrega destinada a aupar al actor que tiene que interpretar al personaje bajo la sombra de Chris Evans.

Nuestra crítica de Capitán América: Brave new world. 

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4.La fuente de la eterna juventud, de Guy Ritchie

A Guy Ritchie no hay quien lo entienda. Compro lo de que tiene una carrera lastrada porque sus mejores películas las rodó al principio (Lock & Stock, Snatch, cerdos y diamantes). Pero es que lleva una década estrenando cada pestiño con buena pinta y mejor reparto que solo se justifica por el salario que les pagaran a los actores. Eso sí, se libra Despierta la furia, con el enorme Jason Statham.

La fuente de la eterna juventud es un Uncharted versión marca blanca. Dado que, de por sí, la película de Uncharted es la marca blanca de Indiana Jones, imaginaros la calidad de esta película que cuenta con John Krasinski, Natalie Portman, Eiza González o Domhall Gleeson. Aquí sí que me alegro de que fuera directamente para Apple.

Nuestra crítica de La fuente de la eterna juventud. 

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  1. Puñales por la espalda: de entre los muertos, de Rian Johnson.

Llegamos a la medalla de bronce. En un año en el que no sabemos que va a pasar, podíamos confiar en Rian Johnson, que no ha estrenado una película mala en toda su carrera. Y encima, una nueva entrega del whodunit Puñales por la espalda, con el que lleva enfrascado desde 2019.

Desgraciadamente, esta tercera entrega comienza a dar muestras de agotamiento. Las dos primeras películas habían subvertido la esencia de la intriga clásica con distintos trucos narrativos que en esta película no aparecen. Queda una trama con un asesinato, varios sospechosos y distintos giros, pero lejos de la brillantez de las otras Puñales por la espalda. Y encima, se va a las dos horas y medio, que cayeron unos cuantos bostezos.

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  1. Estragos, de Gareth Evans.

Otra que dolió. Siempre hay ganas de lo nuevo de Gareth Evans desde que aplaudiera cada uno de los golpes y disparos que se dan en Redada asesina y en su secuela. Encima, tenía a Tom Hardy, que se sacó el grado experto en molar desde la Origen de Christopher Nolan.

Pues tremenda decepción. Estragos había sido retrasada varias veces por Netflix y entemos por qué. Un sinsentido narrativo que únicamente se sostiene por escenas de acción que son una sombra de las mejores obras de Gareth Evans. Otra de las películas más flojas del año. 

Nuestra crítica de Estragos

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  1. Una batalla tras otra, de Paul Thomas Anderson.

Exceptuando Misión Imposible: sentencia final, Una batalla tras otras puede ser la mejor película de esta lista. Pero tengo claro que la firme candidata a los Oscar de 2026 ha sacado a la luz el grave problema con las críticas profesionales en la actualidad.

Que Paul Thomas Anderson es un director adorado por la crítica se sabe desde Boogie Nights, allá por 1997. Que había ganas de un thriller político con este director con Leonardo Di Caprio y Sean Penn, también.

Imaginaros mi expectación cuando, de 54 críticas, prácticamente todas son excepcionales. Un consenso crítico como hacía años que no recordaba (diría que La la land fue la última que alcanzó dicho estatus).

Y resulta que la película no es para tanto. En el cine, se puede entender que a unos nos gusten unas películas y a otros otras, pero me cuesta muchísimo asumir que Una batalla tras otra sea una película que haya gustado absolutamente a todo el mundo, a la altura de películas como El padrino, Sin Perdón o la mismísima Magnolia de su director.

Porque puede que Una batalla tras otra maneje ciertos aspectos con interés, como el desencanto con las ideologías a medida que avanza la vida o el extraño papel que cumplen los héroes Leonardo Di Caprio y Benicio del toro, meros espectadores del viaje del héroe que realiza el personaje de Chase Infinity, pero no es ni por asomo una película para todo el mundo, como tampoco lo es Anora, Todo a la vez en todas partes o Nomadland, otras películas de tremendo consenso crítico que no se extrapola a los espectadores que vamos al cine.

Por ello, sorprende que los que se dedican a esto de analizar películas aborden las virtudes de la película y que prácticamente a nadie le pese la larga duración, el que se disperse sin profundizar en alguna de las interesantes temáticas que aborda o lo sobreactuados que están sus actores protagonistas. En su lugar, leemos artículos prácticamente calcados que huelen mucho a promoción y con los que algunos no nos sentimos identificados.

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¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

 

 

 

 

Los mejores videojuegos de 2025

Toni CE
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Los mejores videojuegos de 2025

Como cada año, os traemos una lista de lo mejor del año. En este caso, una selección de los mejores videojuegos. Antes de entrar en el tema, me gustaría hacer algunas aclaraciones:

  • La lista es personal. Es completamente subjetiva, porque para la objetividad ya está Metacritic (digo yo). Evidentemente, mis géneros favoritos influyen en las elecciones.

  • No he podido jugar a todo. En la lista faltan juegos que actualmente estoy jugando como Assassin’s Creed Shadows o Kingdom Come 2. También faltan muchos otros que seguramente jugaré en el futuro, como Death Stranding 2, Hades 2, etc.

  • Son novedades estrictas. No se incluyen recopilatorios como Mario Galaxy 1 & 2, Patapon 1+2, ni remasterizaciones como The Last of Us Parte II o las nuevas versiones de The Legend of Zelda para Nintendo Switch 2 o Metal Gear solid Delta: Snake Eater.

Por todo esto y más, es importante que dejéis en los comentarios cuáles han sido vuestros videojuegos favoritos del año.

Mis mejores videojuegos del 2025:

7. Mario Kart World

Mi primer vistazo real a la nueva Nintendo Switch 2 venía cargado de grandes expectativas. He de admitir que Mario Kart World no las ha cumplido todas, ya que su apuesta por un mundo abierto de carreras no ha terminado de entusiasmarme.

Sin embargo, mantiene intacta la esencia de la saga: un juego tremendamente divertido, ahora con la posibilidad de hacerlo con un mayor número de personajes en pista. Es cierto que el online puede no satisfacer a los más quisquillosos y volverse algo caótico con tantos jugadores en la pantalla intentando destruirse, pero si lo que buscas es diversión a raudales sobre ruedas, este sigue siendo tu juego.

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6. Absolum

Llegamos a una de las grandes sorpresas del año, una auténtica joya indie que se erige como abanderada del beat ’em up clásico con tintes de fantasía.

La buena gente de Guard Crush Games, responsables de Streets of Rage 4, junto a Supamonks, nos traen un juego desafiante, variado y frenético, con un sistema de progresión que consigue que no sueltes el mando en mucho tiempo. Un homenaje al género que no se queda atascado en el pasado.

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5. Donkey Kong Bananza

Plataformas nintendero que sigue la corriente dejada por Mario Odyssey. Como es habitual, lo que mejor se le da a Nintendo es partir de lo establecido y añadir variaciones hasta convertirlo en un juegazo. Donkey Kong Bananza es un claro ejemplo: un título divertidísimo donde la exploración juega un papel fundamental.

Da gusto romperlo todo a tu alrededor, y las físicas funcionan especialmente bien. A esto se suma una paleta de colores preciosa que complementa una experiencia muy entretenida. Un juego notable que dará a los amantes de las plataformas un más que digno respiro hasta la próxima gran obra de Mario.

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4. Dispatch

Seguramente, quitando Expedition 33, que juega en otra liga, el gran tapado del año. Si te gusta The Boys, tienes que probar esta parodia superheroica que, mediante episodios interactivos, te sumerge en una serie con tintes de comedia y drama protagonizada por un grupo de inadaptados.

La parte no narrativa me ha enganchado más de lo que esperaba: a través de distintos encargos tendremos que gestionar el tiempo y decidir a qué misiones enviamos a nuestros “heroicos” despojos humanos. Una mezcla sorprendentemente sólida que nos ha pillado a traspiés. Este es el camino que debería de seguir el género.

3. Leyendas Pokémon: Z-A

Quizás el puesto que más sorprenda y el que genere mayor discrepancia. Como ya avisé al inicio, esta es una lista personal, y yo mismo he sido uno de los sorprendidos al colocar Pokémon ZA tan alto.

Era muy escéptico con este título. Pokémon Legends Arceus no me entusiasmó y este enfoque urbano no me llamaba la atención. Sin embargo, tengo que ser sincero: me lo he pasado pipa recorriendo Luminalia con mis bichos. El sistema de juego es rápido, fluido y funciona a las mil maravillas.

La historia, aunque simple e infantil, es lo suficientemente interesante como para no desconectar. Y si hay algo que hará las delicias de los fans, son las megaevoluciones, la mejor mecánica de la saga.

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2. Hollow Knight: Silksong

El primer Hollow Knight fue toda una sorpresa para mí y un juego que me marcó. Las expectativas colocaron esta secuela en el Olimpo, y como suele ocurrir, no todos los juegos pueden cumplirlas.

Silksong es un juego de nicho, un metroidvania indie que juega en su propia liga. No es un título de masas ni busca llevarte de la mano. Desafía tu paciencia constantemente y no pretende complacerte.

Sin embargo, si conectas con él, no lo vas a soltar fácilmente. Te frustrará en más de una ocasión (y más de dos), y sus primeras horas pueden ser duras, especialmente si no jugaste al original. Pero quienes le den una oportunidad encontrarán un juego difícil de mejorar que incrementa todo lo que hizo grande al primero: exploración llena de misterios, un plataformeo y combate excelentes, y jefes finales variados y memorables.

Hollow Knight ha estrado entre los mejores videojuegos del 2025

  1. Clair Obscur: Expedition 33

Probablemente el GOTY más claro de los últimos años, y eso que 2025 ha estado repleto de grandes novedades. Poco más se puede decir de un juego que prácticamente lo ha ganado todo este 2025 y que ha vuelto a poner sobre la mesa que los juegos por turnos no son cosa del pasado.

Una conversación que ya inició Baldur’s Gate III hace dos años y que, aun así, parece que algunas compañías siguen sin querer escuchar. Sí, Square Enix, te estoy mirando a ti.

Si aún no lo has jugado, te espera una historia sobresaliente, una banda sonora que se ha colado en mi lista de spotify y un sistema de combate por turnos divertido, variado y en ocasiones, exigente. Sandfall Interactive ha agitado la industria, y no es para menos.

aqui tienes un breve trailer sobre el lore de clair obscur e 2b2f.1280

Conclusiones del año:

2025 ha demostrado que, a pesar de encontrarnos en una época de cambios en la industria, esta goza de una salud envidiable en cuanto a calidad. Seguimos teniendo, eso sí, una falta de originalidad generalizada, y las grandes compañías continúan optando por el camino fácil: videojuegos que les garantiza un mayor número de ventas. ¿Quién se lo puede reprochar?

Por suerte, existen compañías que, sin presupuestos desorbitados, nos brindan juegos que nos renuevan la esperanza. Parece que, poco a poco, vamos mirando de nuevo al pasado, a una época en la que los títulos triple A eran algo excepcional y la mayor parte del catálogo se situaba en un punto intermedio.

Durante años, los juegos independientes han sido quienes han aportado el toque de originalidad, y seguramente seguirán haciéndolo. Sin embargo, creo que en la próxima década, aunque sigamos teniendo nuestros Assassin’s Creed (dos o tres por año) o nuestro GTA generacional, lo mejor de cada año seguirá viniendo de juegos como Expedition 33 o Kingdom Come 2: títulos de presupuesto medio. Espero que esto haga que las grandes compañías se pongan las pilas y cada vez puedan arriesgarse más y que para ello no tengan que hipotecar el estudio o explotar laboralmente a sus trabajadores.

Saludos y felices fiestas.

Crítica de Avatar: Fuego y ceniza, cuando James Cameron vuelve a volarte la cabeza aunque ya sepas el truco

Mario Losada
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Crítica de Avatar: Fuego y ceniza, cuando James Cameron vuelve a volarte la cabeza aunque ya sepas el truco

Vamos a decirlo claro desde el principio, sin rodeos ni flechitas azules: “Avatar: Fuego y ceniza” es un espectáculo descomunal. Una apisonadora visual. Una de esas películas que te hacen mirar la pantalla con cara de “¿pero esto cómo narices lo han hecho?”. James Cameron vuelve a demostrar que, cuando se pone serio con la tecnología, el resto del cine juega en otra liga… o directamente en otro planeta. He intentado hacer una crítica de Avatar: Fuego y ceniza lo mas honesta posible, porque ahora viene la parte en la que no digo tantas cosas bonitas.

Ahora bien. Y aquí viene el “pero”, que es grande como un ikran con resaca: como tercera parte de la saga, no cuenta nada nuevo. Nada. Cero. La innovación se ha quedado aparcada en Pandora con el motor encendido.

Y aun así… ojo, que me ha gustado más que “El sentido del agua”. Sí, lo he dicho.

Crítica de Avatar el sentido del agua. Entre documental y gran película de acción

Crítica de Avatar: Fuego y ceniza

Un espectáculo que te pisa la cara (con cariño)

Visualmente, Avatar: Fuego y ceniza es una barbaridad. No hay otra palabra. Cameron sigue siendo ese señor obsesivo que no duerme hasta que cada plano parece una demo técnica del futuro. Todo es gigantesco, hiperrealista, orgánico, vivo. Pandora vuelve a sentirse como un lugar real, no como un fondo de pantalla caro.

Las nuevas localizaciones volcánicas, el uso del fuego, las texturas, los colores… todo está tan cuidado que parece que puedas quemarte si te acercas demasiado a la pantalla. Es cine que no se ve, se experimenta. Y en una sala grande, con buen sonido y buena imagen, es una fiesta sensorial que justifica el precio de la entrada sin pestañear.

Aquí no hay discusión posible. Cameron no compite con nadie. Cameron compite consigo mismo.

El problema es que ya hemos estado aquí antes

El gran fallo de Avatar: Fuego y ceniza no está en lo técnico ni en lo visual. Está en el guion, que vuelve a ser solamente correcto. Funcional. Previsible. Seguro. Demasiado seguro.

La primera Avatar fue un antes y un después por el 3D. No porque inventara nada narrativamente, sino porque cambió la forma de vivir una película en el cine. La segunda sorprendió con el rodaje bajo el agua, una locura técnica que volvió a empujar los límites del medio.

¿Y esta tercera?

Pues nada. No hay gran salto. No hay “esto no se ha hecho nunca”. No hay sensación de estar viendo el futuro del cine. Es más de lo mismo, solo que más grande, más caro y más pulido.

La historia vuelve a recorrer caminos conocidos, conflicto, choque cultural, amenazas humanas, decisiones familiares, discursos ecologistas envueltos en CGI de lujo. Todo funciona, pero nada sorprende.

Y eso, para una saga que siempre ha presumido de ir un paso por delante, se nota.

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Personajes que cumplen pero no evolucionan

Los personajes siguen ahí, reconocibles, sólidos, pero también algo estancados. No hay grandes giros emocionales ni evoluciones que te descoloquen. Sabes quién va a hacer qué, quién va a sacrificarse, quién va a aprender la lección y quién va a volver a liarla.

No es que esté mal contado. Es que está contado sin riesgo. Cameron prefiere la épica clásica, el camino seguro, la emoción calculada. Y eso, después de dos películas, empieza a pesar.

Entonces ¿por qué me ha gustado más que la segunda?

Aquí viene la parte interesante.

El sentido del agua era técnicamente alucinante, sí, pero también excesivamente larga, más dispersa y emocionalmente más fría. Parecía un documental de las ballenas. Avatar: Fuego y ceniza es más directa, más intensa, con un ritmo algo mejor medido y un tono más contundente.

Hay más acción, más tensión y menos sensación de estar viendo un documental submarino con presupuesto infinito. El fuego, la destrucción y el conflicto le dan a esta entrega una energía más agresiva, menos contemplativa, que funciona mejor como espectáculo cinematográfico.

No innova, pero entretiene como un demonio. Y eso, en una película de más de tres horas, ya es decir mucho.

Conclusión. Cameron sigue mandando, aunque esta vez sin revolucionar nada

Avatar: Fuego y ceniza es una proeza tecnológica, una película impresionante, absorbente y tremendamente entretenida. Es cine evento, cine de sala grande, cine que recuerda por qué este medio sigue siendo algo especial.

Pero como tercera parte de la saga, no aporta nada realmente nuevo. Ni a nivel narrativo ni a nivel técnico. Es la confirmación de un estilo, no su evolución.

Aun así, funciona. Y funciona muy bien. Porque cuando James Cameron hace “más de lo mismo”, ese “más de lo mismo” sigue estando muy por encima de la media.

No es revolucionaria. No cambia las reglas del juego. Pero te lo pasas en grande. Y al final, sales del cine pensando:

“Vale, no me has sorprendido… pero cabrón, cómo me has hecho disfrutar”.

Y eso, aunque ya no sea nuevo, sigue teniendo mucho mérito.

Un saludo y sed felices.

Novedades y estrenos de HBO Max para enero 2026

Lucia Hernández
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Novedades y estrenos de HBO Max para enero 2026

Casi acabando el año es hora de repasar el avance de novedades y estrenos de HBO Max para enero 2026. La plataforma de streaming empieza el año con el estreno de la segunda temporada de THE PITT, la serie original de Max ganadora de cuatro Premios Emmy, seguido de los estrenos de la cuarta temporada de la serie dramática original de HBO INDUSTRY y el debut de la serie dramática original de HBO El caballero de los siete reinos, situada un siglo antes de los acontecimientos de Juego de Tronos

Novedades y estrenos de HBO Max para enero 2026

Series

9 de enero

The Pitt (Temporada 2). Serie Max original

Dentro de las novedades y estrenos de HBO Max para enero 2026 destaca la serie dramática sobre la sala de urgencias de un hospital, THE PITT. Se trata de un análisis realista de los retos a los que se enfrentan los trabajadores sanitarios en la América actual, visto a través de la lente de los héroes de primera línea que trabajan en un hospital moderno de Pittsburgh.

La primera temporada, que se estrenó en enero de 2025, recibió 13 nominaciones a los premios Emmy, y ganó cinco, entre ellos el de mejor serie dramática, los primeros premios Emmy para Noah Wyle (actor principal), Katherine LaNasa (actriz secundaria) y Shawn Hatosy (actor invitado), y el de mejor reparto. También ha obtenido dos nominaciones a Los Globos de Oro y tres a los Critics Choice Awards, entre ellas la de mejor serie dramática en ambos casos.

12 de enero

Industry (Temporada 4). Serie original

En la cima de sus carreras y viviendo la vida que se propusieron como graduadas de Pierpoint, Harper (Myha’la) y Yasmin (Marisa Abela) se ven envueltas en un juego del gato y el ratón de alto riesgo y que las lleva por todo el mundo cuando una prometedora empresa fintech irrumpe en la escena londinense.

Mientras Yasmin navega por su relación con el fundador de la empresa tecnológica, Sir Henry Muck (Kit Harington), y Harper se ve arrastrada a la órbita del enigmático ejecutivo Whitney Halberstram (Max Minghella), su retorcida amistad comienza a deformarse y a encenderse bajo la presión del dinero, el poder y el deseo de estar en la cima.

Primal (Temporada 3). Serie original Adult Swim

Combinando arte y acción trepidante, las dos primeras temporadas siguieron a Spear mientras formaba un vínculo inesperado con un dinosaurio casi extinto y más tarde hacía el sacrificio definitivo tras un enfrentamiento final que resultó fatal.

La tercera temporada de PRIMAL comienza con un giro impactante que resucita a Spear en una nueva forma, despojado de su memoria y humanidad, y lo obliga a vagar por un mundo brutal y salvaje como una sombra de lo que fue.

Mientras Spear lucha contra paisajes salvajes y enemigos mortales, los débiles ecos de su pasado comienzan a despertarse, lo que lo lleva a un reencuentro emotivo y explosivo que pondrá a prueba los límites de la supervivencia.

19 de enero

EL CABALLERO DE LOS SIETE REINOS. Nueva serie original

Sin duda, una serie de las más esperadas dentro de las novedades y estrenos de HBO Max para enero 2026. Un siglo antes de los acontecimientos de Juego de Tronos, dos héroes inverosímiles vagaban por Poniente… un joven ingenuo, pero valiente caballero, Ser Duncan el Alto, y su diminuto escudero, Egg.

Ambientada en una época en la que la dinastía Targaryen aún ocupa el Trono de Hierro y el recuerdo del último dragón aún no se ha borrado de la memoria colectiva, grandes destinos, poderosos enemigos y peligrosas hazañas esperan a estos improbables e incomparables amigos.

novedades y estrenos de HBO Max para enero 2026

ESPECIALES

24 de enero

Real Time with Bill Maher. Serie original

Permitiendo a Maher ofrecer su perspectiva única sobre temas de actualidad, el programa continúa con su monólogo inicial, entrevistas individuales con invitados destacados, mesas redondas con panelistas y su característica sección «Nuevas reglas».

DOCUMENTALES

23 de enero

Mel Brooks: The 99 Year Old Man! Nueva serie documental original

MEL BROOKS: THE 99 YEAR OLD MAN! explora la vida, la carrera, las amistades y los amores del legendario escritor, director, productor e intérprete Mel Brooks. Brooks, uno de los satíricos más atrevidos de Hollywood desde los primeros años de los sketches cómicos televisivos hasta sus éxitos cinematográficos y teatrales, ha reflejado la condición humana como un espejo deformante y ha utilizado la risa como vía para la resiliencia, la conexión y la alegría durante casi un siglo.

27 de enero

33 Photos From The Ghetto. Nuevo documental original

33 PHOTOS FROM THE GHETTO cuenta la historia de las únicas fotografías conocidas del interior del gueto de Varsovia durante el levantamiento de abril de 1943 y su brutal represión que no fueron tomadas por las fuerzas alemanas.

Las imágenes, tomadas en secreto por el bombero polaco de 23 años Zbigniew Leszek Grzywaczewski, que fue testigo de la devastadora respuesta al levantamiento como miembro del Servicio de Bomberos de Varsovia, presentan un raro relato civil de uno de los momentos más oscuros de la Segunda Guerra Mundial.

PELÍCULAS

8 de enero

How to have sex

16 de enero

Alien: Romulus

24 de enero

Canina

Y hasta aquí el avance de novedades y estrenos de HBO Max para enero del 2026. Espero que tengáis un estupendo año.

Saludos y sed felices.

Estuvimos en la premiere de El médico II. Crítica sin spoilers

Mario Losada
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Estuvimos en la premiere de El médico II. Crítica sin spoilers

Hay películas que uno ve con ilusión genuina. Otras con curiosidad profesional. Y luego están las que ves en primicia, con libreta en mano, intentando convencerte de que igual el problema eres tú. El médico II, que se estrena el 1 de enero de 2026, pertenece peligrosamente a esta tercera categoría. La fuimos a ver en la premiere y nos quedamos con ganas de más.

Y ojo, empecemos bien, que aquí no todo es darle palos a la película. Tiene cosas muy chulas y es recomendada en algunos aspectos de la misma. Vayamos pues.

Lo bueno es que se nota el dinero, el oficio y las buenas intenciones

La película entra por los ojos. La fotografía es elegante, cuidada, casi de anuncio de perfume histórico. Todo está bonito, bien iluminado, con planos que parecen pedir a gritos un premio técnico o, como mínimo, un aplauso educado. No hay chapuzas visuales, no hay sensación de serie de sobremesa disfrazada de cine grande. Eso suma y eso dice que al menos han puesto recursos y profesionales del medio

El reparto, además, cumple. Y no poco. Hay actores solventes, gente con presencia, con tablas, con esa capacidad de decir frases solemnes sin que te dé vergüenza ajena. Nadie está mal. Nadie cobra sin trabajar. Hasta aquí, bien. Podemos ver a Tom Payne, Aidan Gillen al que todos conocemos como «Meñique» en Juego de Tronos, Owen Teale, Liam Cunningham o Emily Cox.

El problema es que una película no vive solo de verse bien y de que sus actores sepan dónde está la cámara. Y aquí muchas veces parecen perdidos. Cambian de opinión sobre la marcha, se arrepienten de actos que les llevan a una consabida muerte…

El médico II

Lo flojo es cuando todo es tan bonito que no duele nada

El médico II tiene un pecado capital, es demasiado educada. Todo está tan pulido, tan suavizado, tan cuidadosamente edulcorado, que la historia pierde peso. Donde debería haber conflicto hay azúcar. Donde debería haber riesgo hay una música que te avisa de cómo tienes que sentirte, por si no te habías dado cuenta.

La película no se atreve a incomodar, y eso, en una historia que debería tocar emociones profundas, se nota muchísimo. Quiere emocionar, pero sin despeinarte. Quiere conmover, pero sin molestarte. Y así es complicado que algo se te quede dentro.

Ritmo y emoción. Es aquí es donde el pulso se pierde

Hay un problema claro de ritmo. La narración avanza, sí, pero lo hace sin urgencia, sin nervio, sin esa sensación de “esto importa ahora”. Las escenas se suceden con corrección, pero pocas dejan huella.

Y emocionalmente es donde viene el mayor tropiezo. La película no termina de tocarte. Sabes cuándo deberías emocionarte, cuándo deberías sentir algo grande, pero la conexión no llega.

Sales del pase de prensa pensando: “está bien hecha” y eso, para una historia así, es quedarse muy corto.

el medico II CAPTURA 2

Conclusión: correcta, bonita… y olvidable

El médico II no es una mala película. Y eso es casi lo peor que se puede decir. Es regular, agradable de ver, técnicamente cuidada, con actores que cumplen y una factura impecable. Pero le falta riesgo, le falta alma, le falta ese latido que convierte una historia en algo memorable.

Demasiado pastelosa, demasiado contenida, demasiado preocupada por gustar a todo el mundo. Y al final, cuando intentas agradar a todos, acabas emocionando a pocos.

Probablemente funcione con cierto público. Probablemente tenga su recorrido. Pero uno sale con la sensación de que, con todo lo que tenía para ser grande, se conforma con ser correcta.

Y eso, en cine… duele más de lo que parece.

Un saludo y sed felices.

‘El barrio de los deseos’ | Una fábula cotidiana con corazón y esperanza en tiempos difíciles

Juanma Martín
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‘El barrio de los deseos’ | Una fábula cotidiana con corazón y esperanza en tiempos difíciles

‘El Barrio de los deseos’ es una novela escrita por Paco Hernández y publicada por HarperCollins que vio la luz a finales del mes de octubre con una premisa llamativa. Una mezcla perfecta entre magia, cotidianeidad y personajes con un pasado y presente poderosos y emotivos.

Una obra que encuentra su lugar entre el drama contemporáneo y la fábula clásica. Un retrato de aquellos los barrios obreros de los años ochenta con seres humanos que tratan de reconstruirse tras una pérdida devastadora.

Carol ha sufrido una gran pérdida, y lleva el día a día como puede con la ayuda de sus amigos: María, Lucas, Félix y Luis, quienes también tienen sus propios problemas. Sin embargo, todo toma un giro inesperado cuando aparece en escena Juan, un amigo de la infancia de Carol que dejó el barrio hace veinte años y ha vuelto para montar un restaurante.

Ambos guardan en secreto algo que ocurrió una noche cuando tenían diez años, algo relacionado con La princesa y el Lucero del Alba, un cuento de hadas sobre una princesa que debe pedir un deseo mágico. Podría ser anecdótico si no fuera porque con la llegada de Juan a algunas personas del barrio se les han comenzado a conceder sus deseos más íntimos…

Dicen que existe un barrio,

más allá de las vías,

donde sus gentes han vuelto a soñar.

En el que escuchan atentamente

los anhelos de otras personas.

Ten cuidado, vigila lo que dices,

a quién abres tu corazón,

o tus deseos podrían hacerse realidad.

el barrio de los deseos

‘El barrio de los deseos’ tiene muchos aciertos, y quiero empezar por el que más me ha conquistado: la inclusión de un cuento infantil. Lo que podría parecer un mero adorno acaba siendo una pieza fundamental para entender la evolución de los personajes. Es una fábula que nos recuerda que, a menudo, nos obsesionamos tanto con la meta que olvidamos disfrutar del maravilloso viaje que nos lleva hasta ella.

Es un cuento con moraleja, como los que nos leían nuestros padres y abuelos; esas enseñanzas que también encontrábamos en muchas series animadas de los años 80 con las que me he criado. Es ese ejercicio de nostalgia (de la buena) lo que hace que esta novela tenga tanto corazón, que todas las piezas encajen y que su historia nos conquiste al cerrar la última página.

Paco utiliza la fábula a modo de juego, no solo para que la ‘historia real’ respire o para aportar ese toque infantil, sino para dar mayor peso a todo lo que ocurre más adelante en el barrio. ‘La montaña’ es el enemigo a batir, como lo son los traumas y los golpes que nos da la vida (porque nos los da a todos) y que nos hacen ser quienes somos.

La novela cuenta con una trinidad de personajes, a cuál más interesante y bien escrito, que nos enamoran desde el primer momento: Carol, Lucas y Juan. Tres personas marcadas por el dolor, la culpa y la pérdida que se reconstruyen de formas muy diferentes, y con las que es muy fácil empatizar conforme avanza la trama.

Al escribir personajes es fácil caer en arquetipos: el que se levanta tras un golpe, el villano o el gigante amable. Podríamos pensar que esta obra camina por esa senda trillada, pero pronto la abandona para que los protagonistas sean algo más que un cúmulo de traumas que desembocan en un optimismo fácil. El dolor es palpable, la sombra de la culpabilidad es evidente y el camino de redención se siente orgánico.

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EN CF: TODOS LOS LIBROS QUE PUEDES ENCONTRAR RESEÑADOS EN NUESTRA WEB

He mentido un poco al mencionar solo a tres protagonistas, ya que hay un cuarto igual de importante: el barrio. El barrio del Maquinista es un personaje en sí mismo, no solo por lo que sucede en él, sino por ser ese reducto de vecindad que nos traslada a una infancia que los que crecimos en los 80 echamos de menos. La novela recupera esos lazos afectivos y el sentimiento de pertenencia que existía entre los vecinos hace más de cuatro décadas.

La prosa de Hernández es directa y está cargada de una sensibilidad que nunca llega a ser empalagosa. Su mayor logro es hibridar el realismo de personajes cotidianos con el aire sobrenatural de los «milagros» del barrio, mostrando cómo el ser humano necesita creer en la magia para hacer su vida más llevadera.

La metáfora final de los globos aerostáticos es visualmente potente (se nota que Paco se ha formado entre obras de gran fuerza visual como los cómics) y resume una idea sencilla: a veces, para solucionar un problema que parece irresoluble, solo necesitamos alejarnos y cambiar la perspectiva para ver el dibujo completo de nuestra vida.

Conclusión

‘El barrio de los deseos’ es una lectura tierna que se atreve a tocar temas oscuros, como la muerte y la culpa, sin apartar la vista de esa luz que siempre hay al final del túnel. Es una lectura que acaricia el corazón y humedece los ojos. En definitiva, Paco Hernández ha escrito una carta de amor a la bondad. Una obra que nos recuerda (como dijo Michael Jackson en Man in the Mirror) que para cambiar el mundo hay que empezar por uno mismo.

Tenéis ‘El barrio de los deseos’ en cualquier librería, en formato Kindle en Amazon y en audiolibro en Audible. No hay excusa (ni mejor época del año) para hacerse con esta obra tan interesante, tierna y emotiva.

@pacohdez77

#elbarriodelosdeseos @HarperCollins Ibérica #booktok #booktoker #booktokespañol #libro En la bio os dejo el enlace de preventa!

♬ sonido original – De todo un Paco

Un saludo y sed felices.

Crítica Valor Sentimental. Trier ahonda en las relaciones humanas

JordiCD
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Crítica Valor Sentimental. Trier ahonda en las relaciones humanas

Joachim Trier, es un director que no es un novel en lo que a dramas personales se refiere, anteriormente a Valor Sentimental, el director noruego nos había introducido en películas como Reprise (2006) centrada la trama en dos jóvenes escritores en Oslo, (aquí da comienzo a su llamada «trilogía de Oslo») siguiendo por un drama sobre un ex-drogadicto en Oslo, August 31st (2011).

Luego rodando en inglés realizó El amor es más fuerte que las bombas (Louder Than Bombs,2015) que trata un drama sobre las consecuencias que ocurren en un núcleo familiar (compuesto por un padre y dos hijos) luego de la pérdida de la madre, fotógrafa de guerra interpretada por Isabelle Huppert. En esa ocasión, Trier ahonda en las relaciones humanas, por lo que es un habitual de los dramas familiares desde sus inicios.

Trier en su siguiente película entró en el cine fantástico de la mano de Thelma (2017) donde una joven universitaria lidia con unos poderes sobrenaturales que son reprimidos por si misma. Y llegamos a la última producción antes que la que nos ocupa, La peor persona del mundo (The Worst Person in the World, 2021) comedia dramática sobre una mujer en sus treinta la cual tiene una crisis personal y sentimental profunda que pone fin a la trilogía de Oslo. Ha sido su éxito más destacado.

Que nos cuenta Valor Sentimental

Valor Sentimental es un drama familiar íntimo y emocional que sigue a Nora y Agnes, dos hermanas que se ven obligadas a enfrentar su pasado cuando su padre Gustav, un director de cine de renombre que se había distanciado de ellas, regresa tras años de ausencia. Gustav ofrece a Nora, una actriz de teatro, el papel principal en su próxima película, pero ella rechaza la propuesta, lo que provoca tensiones y resentimientos familiares. A partir de ese momento y también a raíz de la llegada de la sustituta de su hija en el papel protagonista, Rachel, provocará una catarata de sentimientos y situaciones de reproche entre los familiares.

Critica Valor sentimental Affeksjonsverdi

Los aspectos que la convierten en especial y en la mejor de 2025

Joaquim Trier tiene la capacidad de hacernos partícipes de historias muy humanas, dramáticas en su mayoría y con siempre el elemento de que cuando terminas de visionarlas, siempre te queda la reflexión como ejercicio ante lo que propone. Si algo destaca de su Valor Sentimental es su capacidad para hacer que formes parte del drama como un observador exterior, llegando en cierta manera a entender los diferentes puntos de vista que tienen sobre la historia de la familia.

Las interpretaciones de Stellan Skarsgard como Gustav Borg, un director de cine famoso que abandonó a sus hijas hace años y regresa a sus vidas en el sepelio de su ex mujer, las de Renate Reinsve (La peor persona del mundo,2021) como Nora la hija mayor, e Inga Ibsdotter Lileaas (Una vida Maravillosa, 2023) como la menor son magníficas. Elle Fanning como Rachel, la actriz joven que viene a interpretar a la protagonista de la historia de Gustav acaba de cerrar el círculo de grandes performances.

Es evidentemente como todo lo que hace Trier una película que basa su éxito en el guion, en la historia que quiere mostrarnos. Aquí tenemos varios temas que construyen la trama entre los que podemos entrever el drama familiar que nos muestra el director a modo de metáfora a través del paso del tiempo en la casa familiar y las grietas que en ella han dejado las heridas de las personas que la han habitado. Separación de los padres, suicidio de la abuela paterna, reencuentro entre el padre y las hijas, etc.

Se toca el tema del aprovechamiento de esas vivencias dramáticas del pasado por parte del padre para su próxima película, incluyendo el casting de Nora la hija mayor para que interprete el papel de su abuela y la negativa de ésta a protagonizarla y las consecuencias que ello conlleva. (La aparición de Rachel en escena).

Tenemos también una sub trama entre las hermanas donde vemos como Nora tiene desde el momento en que su familia se rompe años atrás un sentimiento de rabia, que la lleva a momentos de depresión, situaciones autodestructivas, y a alejarse de su hermana, la cual, siempre la ha tenido como su núcleo de refugio en momentos difíciles. La escena hacia el final donde se abrazan y se confiesan lo mucho que se quieren es uno de los momentos más emotivos del film.

Fuerademenu valorsentimental trier

Podemos destacar como Trier a través de la puesta en escena y del dispositivo meta-cinematográfico (película dentro de película) nos muestra como el cine puede curar heridas pero a la vez reabrir las del pasado. La puesta en escena es sobria y centrada en desarrollar la trama principal en torno a los diálogos entre los personajes, y se juega con los flashbacks que alternan recuerdos de la familia con escenas de anteriores películas del personaje de Skargard para darnos a entender que la memoria a veces funciona según nuestras propias subjetividades. A destacar también la banda sonora de Hania Rani (incluida la canción de Terry Callier, Dancin´Girl).

Como debemos tener claro, Valor Sentimental es una película pequeña en formato, pero emocionalmente potente. La forma en como vemos avanzar los personajes hacia una especie de redención, perdón, sanación, es brillante y discreta. Esa escena final con las miradas cruzadas de Nora y su padre luego de finalizar la última escena del film es maravillosa. No es necesario verbalizar los sentimientos, basta con mostrarlos. Seguramente si la comparamos con La peor persona del mundo, aquella es más generacional, cómica en más de un momento, en cambio la que nos ocupa hoy, es más adulta, agridulce, y tiene ese fondo dramático que la hizo merecedora del Gran Premio del Jurado del festival de Cannes este año.

A quien podría interesarle Valor Sentimental

Todos los que seáis fans de Joaquim Trier no os la podéis perder, también los que disfrutáis con las historias dramáticas que tienen a la familia como su núcleo argumental y que basan su trama en las relaciones entre personajes, y en general a aquellos que queréis conocer otras maneras de hacer cine alejadas del show business americano.

Os dejo el enlace de otra película que este año ha tocado temas personales de forma dramática. AQUI.

 

 

Top mejores Animes 2025: las series imprescindibles que no te puedes perder

El Escritor Nómada
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Top mejores Animes 2025: las series imprescindibles que no te puedes perder

El 2025 ha sido la confirmación del anime como fenómeno mundial, respaldado en taquilla con el súper éxito de Kimetsu No Yaiba en los cines de todo el planeta (y de la que se espera con ansias su segunda y tercera parte). Ha sido un año espectacular para los fans del anime, con el regreso de series populares, despedidas de sagas queridas y producciones originales que han sorprendido por su calidad técnica.

Desde historias repletas de acción y fantasía, pasando por comedias románticas hasta dramas emocionantes, el anime sigue apostando por ofrecer propuestas innovadoras, lo que le permite seguir evolucionando para generar diferentes narrativas que atraigan a todo tipo de espectadores. En este artículo encontrarás un listado con los mejores animes de 2025, una selección de series imprescindibles que no te puedes perder si quieres estar al día con lo más destacado del anime.

‘Gachiakuta’

Sin duda una de los estrenos más impactantes del año. Un anime con una audaz potencia visual, repleto de acción y misterio que desborda imaginación en cada centímetro de sus secuencias. Gachiakuta nos presenta un mundo crudo y desigual, con sus dosis ajustadas de drama en el que el dolor y la injusticia se convierten en la parte más importante de la ecuación que da vida a la aventura (algo que no terminó de conseguir la película Damsel).

Rudo un chico de los barrios bajos de una ciudad flotante, es exiliado al borde del abismo, un lugar donde se encuentran los desechos de los ricos. Una basura que ha generado unos monstruos feroces a los que se enfrentan un grupo llamado los Limpiadores. Rudo tendrá que aprender a manejar su dolor, su odio y su poder para ser capaz de enfrentarse a las enormes bestias de la basura.

Una serie con una estética poderosamente atractiva y una narrativa que se balancea entre la supervivencia y el largo camino de la venganza. Su tono oscuro y sus escenas estilizadas de combate lo han convertido en uno de los mejores estrenos del año.

‘Takopi’s Original Sin’

Una sorpresa que se ha agarrado a las emociones más íntimas de los espectadores para volarlas en mil pedazos de melancolía y desesperanza. Su tono melodramático y su historia sorprendente alejada de los géneros habituales del anime, la han convertido por derecho propio en uno de los mejores animes del año.

Nos cuenta la historia de Takopi, un extraterrestre proveniente del planeta Happy que llega a la Tierra con el objetivo de hacer felices a los humanos con la ayuda de sus objetos. El alien se encuentra con Shizuka, una niña que sufre bullying y con tendencias suicidas, que carga con una depresión gravísima. Tras verla tan triste, Takopi decide algo muy claro: hacerla feliz sea como sea.

Vaya por delante que se trata de un anime bastante duro, en el que no se suaviza nada de las peores emociones que hacen sufrir al ser humano.

original sin

‘My Hero Academia’ (final del anime)

La parada final del mejor anime de superhéroes que existe (no le vendría mal echarle un ojo a los creativos de Marvel). Un final que ha estado a la altura de las expectativas y que ha elevado las pulsaciones y la adrenalina a límites estratosféricos. Izuku Midoriya y sus compañeros de academia han conseguido construir un relato en el que la heroicidad parte del corazón y del compañerismo.

Con unas secuencias de combates espectaculares que han culminado en una de las mejores experiencias audiovisuales de la temporada. Mostrando un antagonista tan brutal como carismático, una legión de personajes interesantes y repleto de aristas psicológicas, y una historia que logra condensar la emoción, la tensión y la acción en ese punto de ebullición que hace florecer el espíritu de la aventura en todo su esplendor.

‘Dan Da Dan’ (Temporada 2)

Tras una primera temporada que sorprendió por su mezcla de comedia, acción y elementos sobrenaturales, DAN DA DAN ha regresado con una creciente dosis de intensidad (aquí puedes leer reseña del manga). Un anime que triunfa gracias a su caótica historia llena de espíritus, aliens y monstruos que se entremezclan en un batiburrillo de drama, comedia, fantasía y ciencia ficción. Un caos que transpira diversión, humor y creatividad por cada una de sus secuencias.

Esta segunda temporada ha elevado el tono de anarquía y de espectacularidad visual. Okarun y Momo siguen siendo tan carismáticos que se comen la pantalla y tienen una batalla final épica de esas que nunca se olvida. Aunque el ritmo haya sido algo desigual, sigue siendo una serie ambiciosa, diferente y con una producción técnica sobresaliente.

‘Solo Leveling’ (Temporada 2)

El regreso más esperado del año no defraudó a sus seguidores (la tercera temporada nos mantiene expectantes). Una narrativa que sigue explorando el ascenso de Sung Jin-Woo en un mundo repleto de mazmorras y amenazas cada vez más peligrosas. Sigue manteniendo la frescura y la potencia visual de unos combates extraordinarios, a los que se añade un mejor desarrollo de personajes.

La trama se beneficia del juego que se entabla entorno al poder real de Jin-Woo, secretos y revelaciones que se convierten en elementos que dan profundidad y mantienen la intriga en el espectador. Aunque lo mejor del anime es su brillante animación, gracias a unos extraordinarios combates repletos de movimientos fluidos y con una intensa brutalidad que hacen vibrar la pantalla. Cada pelea convierte sus secuencias en una experiencia visualmente impresionante.

solo leveling

‘Dr. Stone Science Future’

La ciencia puede ser maravillosa gracias a Senku y sus divertidos avances tecnológicos (pincha si quieres ver una reseña del anime). Una trama bien hilvanada que logra transportar la tensión a tu respiración mientras ves los capítulos. Una aventura extraordinaria que se convierte en fuente de conocimiento para el espectador mientras ríe, llora y sufre con su espléndido y estimulante grupo de personajes.

Llegamos a la etapa clave en el que Senku y su grupo tienen que reconstruir la civilización y enfrentarse a un antagonista igual de inteligente. Una historia que genera interesantes conflictos ideológicos; ¿La ciencia sirve para obtener poder o para genera libertad a las personas? Un choque de ideas que da profundidad a una narrativa absorbente que mantiene el equilibrio perfecto entre entretenimiento y divulgación científica. Un anime extraordinario que no deberías perderte.

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‘Kaiju No. 8’ (Temporada 2)

Sigue siendo uno de los mejores animes de acción del año (siendo uno de los animes más vendidos del 2024). Una hermosa y fluida animación que centellea con pasión en la pantalla, capaz de intensificar la épica de los combates contra los kaijus. Una acción intensa que devora cada segundo de tus emociones gracias a una sublime detonación audiovisual.

Kafka sigue siendo un protagonista alejado de los clichés del anime; un adulto que había abandonado sus sueños. Sin embargo, nos presenta un personaje que es capaz de enfrentarse a las adversidades y a sus miedos internos. Un viaje no exento de dolor en el que solo hay una manera de descubrir ese conflicto entre lo que somos y lo que queremos ser, que no es otra cosa que seguir caminando.

Aunque su ritmo se resiente en algunos capítulos, sigue manteniendo el encanto de una narrativa melodramática que conmueve al espectador. La historia de Kafka sigue desarrollando una mágica aurea de anime legendario gracias al trazo firme de su argumento. Con unos personajes humanizados que se quiebran ante el dolor, pero capaces de no perder su carisma mientras luchan contra sus sentimientos. Sus escenas de batallas son espectaculares a las que se añaden las gotas de dramatismo necesaria para que queden clavadas en nuestra memoria para siempre.

kaiju

‘Clevatess’

Una de las sorpresas de la temporada de verano, es este anime de fantasía oscura que mezcla acción visceral, política y las diferencias morales entre distintas especies. Con una riqueza audiovisual que eleva la calidad de la serie por la que desfilan unos personajes bien desarrollados que dan profundidad y consistencia a su trama. Sin embargo, lo más destacable es su cruda narrativa que entremezcla las emociones de la venganza con los dilemas morales. Teniendo un enfoque más oscuro, reflexivo y existencialista sobre la condición humana y sus vulnerables imperfecciones.

Desarrolla un potente world-building tenebroso y amenazante que es atractivo para los fans de la fantasía. Una serie prometedora, adictiva y violenta, que se sustenta en un sombrío mundo medieval que combina escenas de combate intensas, una narrativa madura y unos personajes admirables que evolucionan emocionalmente a lo largo de la temporada. Una fantasía oscura que tiene identidad propia y se disfruta de principio a fin.

‘To Be Hero X’

Un anime diferente que ahonda en la otra cara de los superhéroes. Una historia profunda y delicada que impacta vehemente en el espectador. Planteada en una sesión de arcos que dejan respirar a sus personajes, un espacio que beneficia su desarrollo y que consigue que podamos empatizar con sus dramáticas historias.

Su animación asombrosa es capaz de reflejar en muchas ocasiones la luz y la oscuridad que se encuentra en los sentimientos de los protagonistas. Una descarga visual hermosa y melancólica capaz de acompañar con delicadeza los temas que va tratando el anime como el valor de confianza, el miedo, la corrupción en el mundo de los héroes y el estado mental que quiebra el sueño de convertirse en superhéroe. Un anime que no tiene miedo a experimentar para romper con lo convencional.

'To Be Hero X'

‘El Verano en que Hikaru murió’

Una intensa serie de terror rural que utiliza el misterio como base para construir una fábula sanguinaria. Sus imágenes logran componer un retrato tenso y escalofriante de la dualidad de su personaje principal, o es un dios o una naturaleza sobrenatural. El misterio y los enigmas sin resolver logran sintonizar con las emociones del espectador, algo que permite perdonar su ritmo irregular que tiene demasiados momentos contemplativos (y alguna que otra crítica que ha recibido Netflix por su traducción).

Un thriller que mezcla el terror, lo esotérico y el drama adolescente bajo una aparente capa de inocencia narrativa que explora temas profundos como el duelo, la identidad, la amistad y la pérdida de lo que amamos. La historia está sustentada en un miedo psicológico, más cercano al drama introspectivo con elementos sobrenaturales que al miedo tradicional con monstruos asesinos.

‘Sanda’

Un anime que ha pasado injustamente desapercibido en la plataforma de Prime Video. Una historia que mezcla con altas dosis de entretenimiento el misterio, la acción, el drama y la comedia oscura. Kazushige Sanda es un estudiante de secundaria que descubre que es descendiente de Santa Claus, lo que le permite transformarse en un Santa musculoso y con poderes (otro Papa Noel diferente lo puedes encontrar en la película de Red One). Una propuesta excéntrica y original que desarrolla temas más profundos como la identidad, la madurez y las expectativas sociales.

Su trama logra una acertada crítica social con ecos de ciencia ficción futurista obsesionada con la eternidad del hombre. Contiene una premisa intrigante entretejida entre toques de comedia absurda, creando un contexto distópico que mezcla la iconografía navideña con la acción salvaje y desenfrenada. Tiene un estilo de animación atractivo que logra distinguirse visualmente de otros animes de fantasía. Una serie diferente que merece la pena descubrir por su concepto original y arriesgado.

Sanda

‘Tierra, sangre, conocimiento: Sobre el movimiento de la Tierra’

Otro anime extraordinario que ha pasado de puntillas en la programación de Netflix. Partimos de la base que no es un serie ligera ni fácil de ver, algo que queda lejos de sus intenciones. Se aleja de la acción convencional para ofrecernos un drama histórico-filosófico que gira en torno a una idea tan simple como revolucionaria: la Tierra se mueve.

Una trama en el que la ciencia es tratada con seriedad narrativa, donde las teorías astronómicas son el núcleo emocional de la historia (si quieres una propuesta de este estilo puedes disfrutar de la la serie Fundación). Unas teorías que nos dicen que para lograr el progreso individual y social debemos ser capaces de cuestionar nuestras convicciones. La serie explora los miedos y dilemas tanto de la religión como de los seres humanos, desgranando con una extrema sensibilidad las complejas relaciones entre la fe y la razón. Gracias a sus fenomenales diálogos, una exquisita animación y una sólida narrativa filosófica, esta serie se posiciona como uno de los mejores guiones de anime de la temporada.

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‘Lord of Mysteries’

La animación china sigue creciendo con historias capaces de volarte la imaginación. Lord of Mysteries es una serie que te atrapa en sus intrincados juegos enigmáticos, que tiene una calidad audiovisual que te deja sin aliento y una narrativa repleta de misterios con mil capas. Una mezcla de fantasía oscura, inquietud y thriller steampunk ambientado en un mundo similar a la Inglaterra victoriana (si te gustan este tipo de historias no te pierdas el cómic de M.O.R.I.A.R.T.Y El ladrón de las mil caras).

Puede costar al principio encontrarle sentido, es algo confusa y da pocas explicaciones con mucha información nueva, un ritmo frenético y una simbología que cuesta entender. Sin embargo, es lo que lo hace tan especial, ya que cuando te sumerges en su mundo rico en detalles logras ir entendiendo todas sus referencias… algo que aumenta la sensación de sorpresa y diversión de nuestro cerebro. Una trama que tiene ecos de horror lovecraftiano, un universo extenso con una rica iconografía sobrenatural y unas secuencias elegantemente poéticas. Un anime con una refinada producción artística, una BSO vibrante, un guion que mueve las neuronas y una excelsa calidad audiovisual.

En definitiva, el 2025 ha sido un año extraordinario para el anime, ofreciendo títulos que van desde emocionantes aventuras de fantasía, hasta historias profundas, reflexivas y visualmente impactantes. Ya sea que busques emociones fuertes, misterios que te atrapan o historias que te hagan pensar, en este listado encontrarás grandes series con las que disfrutar del maravilloso mundo del anime (aquí puedes encontrar un listado con los animes más premiados de la historia).

Un saludo y sed felices.

Avance del Plan Editorial de Panini Cómics DC 2026

DAve Solis
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Avance del Plan Editorial de Panini Cómics DC 2026

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Las circunstancias mandan hace tan solo unas horas, Panini Cómics España nos ha presentado su Plan Editorial para DC Comics en 2026. Vamos a verlo un poco.

2026 será un año clave para Panini Cómics y su gestión de DC en España. Tras su desembarco en 2025, la editorial afronta su primer ejercicio completo con un plan editorial que apuesta por tres pilares claros: actualidad, clásicos y recuperación de líneas históricas.

El resultado es un catálogo amplio, cohesionado y con una intención evidente: consolidar a DC en el mercado español bajo un enfoque global y sostenido.

Avance Panini Cómics del Plan Editorial DC para 2026

Panini Comics España ha publicado el avance de su plan editorial para DC Comics en 2026, consolidando su primer año completo de gestión del catálogo tras el desembarco en 2025.

Este plan amplía la era ALL IN y la Línea ABSOLUTE, incorpora eventos como DC K.O., nuevos títulos y una recuperación masiva de clásicos y Vertigo.

El documento detalla una estructura clara con actualidades mensuales, recopilatorios y ediciones de lujo, accesible para todos los lectores.​

Línea ABSOLUTE y Actualidad

Se fortalece con seis series mensuales en comic-book: ABSOLUTE BATMAN, SUPERMAN, WONDER WOMAN, GREEN LANTERN, MARTIAN MANHUNTER y FLASH, sumando en abril el especial ABSOLUTE EVIL.

Superman destaca con ALL IN SUPERMAN UNLIMITED (mensual, con cruces a DC K.O.), SUPERMAN de Phillip Kennedy Johnson (comic-book con lomo en meses pares) y ALL IN SUPERGIRL (trimestral desde enero).​

Batman incorpora ALL IN BATMAN de Matt Fraction y Jorge Jiménez (comic-book con lomo desde febrero), mientras continúan ALL IN DETECTIVE COMICS (mensual), BATMAN Y ROBIN: AÑO UNO (hasta marzo) y series como NIGHTWING, HARLEY QUINN, CATWOMAN y BATGIRL; Batwoman se une en noviembre.

Wonder Woman mantiene ALL IN WONDER WOMAN (mensual) y TRINITY: HIJA DE WONDER WOMAN (hasta mayo).

DC​

Evento DC K.O. y One-Shots

DC K.O. arranca en marzo como serie principal (comic-book hasta agosto), con spin-offs como DC K.O. ALL FIGHT MONTH ESPECIAL (mayo), KNIGHTFIGHT (julio, con Batman), TITANES (abril y julio), THE FLASH (abril y julio) y JEFE FINAL (julio).

Entre los one-shots en comic-book con lomo destacan SIRENAS DE GOTHAM: DESORBITADAS (enero), DC PRIDE 2026 (junio) y DC’S ZATANNIC PANIC! (octubre).​

Clásicos y Recopilatorios

DC PREMIERE ofrece tres lanzamientos mensuales de AMANECER DE DC, como TITANES: BEAST WORLD (enero) o ABSOLUTE BATMAN 1 (diciembre), marcando el fin del periodo inicial de lanzamientos.

Líneas como DC MUST-HAVE (JLA/JSA: PECADOS Y VIRTUDES), DC FINEST (impares, como GREEN ARROW: EL CAZADOR ACECHA) y ARCHIVOS DC (pares, como BATMAN EN LOS CINCUENTA) rotan mensualmente.​

DC COMPACT trae accesibles tomos mensuales como SUPERGIRL: IDENTIDAD SECRETA, mientras Vertigo recupera mensualmente PREDICADOR, SANDMAN MYSTERY THEATRE y LA COSA DEL PANTANO DE ALAN MOORE, con nuevas series desde finales de 2026.

Bibliotecas DC como SUPERMAN, GREEN LANTERN DE GEOFF JOHNS y nuevas como WONDER WOMAN (bimestral desde noviembre) completan la oferta.

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Otras Líneas Destacadas

Ediciones de lujo incluyen JLA: TIERRA 2 (abril), MR. MIRACLE (marzo) y BLACK LABEL como STRANGE ADVENTURES (febrero).

DC LIMITED EDITION trae ómnibus como BATMAN DE JAMES TYNION IV Y JORGE JIMÉNEZ (enero) y colecciones completas como LOBO (junio).

Facsímiles icónicos como DETECTIVE COMICS 27 (marzo) y crossovers con Marvel, como SUPERMAN VS. SPIDERMAN, enriquecen el año.

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Pero no os queremos cansar más … Justo aquí debajo, os dejamos el pdf completo presentado por Panini Cómics España, con su Plan Editorial DC para 2026.

Echadlo un ojo, disfrutad y sobre todo …

¡Sed Felices!

Hasta siempre Brigitte Bardot (1934-2025), diva del cine mundial y referente indiscutido de la sensualidad y la irreverencia

Rodolfo Del Bene
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Hasta siempre Brigitte Bardot (1934-2025), diva del cine mundial y referente indiscutido de la sensualidad y la irreverencia

A los noventa y un años de edad nos dejó Brigitte Bardot, la rubia que enamoró a todo el mundo y que, icono de la belleza y el desenfado, dejó la actuación para dedicar su vida a defender los derechos de los animales.  Musa del director Roger Vadim y de otros grandes cineastas, desarrolló también carreras como modelo, cantante y escritora.

Había nacido un 28 de septiembre de 1934 en París. A diferencia de otras divas de su tiempo como Marilyn Monroe o Sophia Loren, sus orígenes no fueron humildes sino burgueses al ser hija de un poderoso industrial. Ello, sin embargo, no le implicó crecer sin problemas pues la joven Brigitte Bardot destacó desde pronto no solo por su belleza sino también por su carácter independiente y conducta irreverente que le llevaron ya a los siete años a estudiar danzas enfrentándose a los deseos de su padre, que no quería para ella un destino ligado al arte.

Sus primeras clases de ballet gozaron no obstante de los auspicios de su madre y las tuvo a las órdenes del coreógrafo ruso Boris Knyazev.  Nunca más literal la expresión ya que este era conocido por la férrea disciplina que impartía a sus estudiantes, al punto de castigarles con un látigo si se comportaban de modo negligente o hacían las cosas mal. Allí le tocó ser compañera de estudios de Leslie Caron, quien saltaría a la fama años más tarde junto a Gene Kelly en el filme musical Un Americano en París (1951).

Un hecho fortuito disparó a los trece años su carrera en el modelaje, al tocarle reemplazar a último momento a una chica que no pudo participar en una sesión de fotos para una revista. Y de allí el gran salto al cine, debutando en 1952 en la comedia francesa Locos de Amor, dirigida por Jean Boyer.

En los siguientes cuatro años le llovieron los papeles, siempre menores, pero que fueron haciendo su rostro conocido para productores y directores, al punto de tener incluso los primeros para realizaciones americanas, como Acto de Amor (Anatole Litvak, 1953), en la cual compartía cartel con Kirk Douglas, o Helena de Troya (1956), en donde, a las órdenes del prestigioso Robert Wise, interpretaba a Andraste, la doncella de Helena.

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Pero fue sin duda el director Roger Vadim quien la lanzó a la fama con Y Dios creó a la Mujer (1956), que la convirtió no solo en icono de belleza y sensualidad, sino también de desenfado y liberación. Lo paradójico era que el propio Vadim, para ese entonces su esposo, la había rechazado en otro casting algunos años antes.

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En esa película, además, compartió cartel con Jean Louis-Trintignant (aquí nuestro artículo sobre su trayectoria con motivo de su fallecimiento en 2022), cuya carrera también cobraría impulso de allí en más y, años después, se convertiría en el tercero en discordia que provocaría el divorcio entre Brigitte y Roger.

El papel de Juliette al que ella daba vida en esa película venía a romper con la forma en que habitualmente se mostraba a las mujeres en cine. No porque renunciara a la femineidad que, por el contrario, destilaba a mares, sino porque lo hacía de un modo casi despreocupado en el que se fusionaban ingenuidad y sensualidad sin límites ni encorsetamientos. La escena en que baila descalza sobre la mesa es al día de hoy recordada como una de las más eróticas en la historia del séptimo arte.

Tanto ella como el filme ayudaron además a disparar la fama de Saint-Tropez, balneario de la Costa Azul en el cual el mismo fue rodado y que se convertiría en destino turístico obligado de allí en más. Y la película significó para Brigitte el éxito masivo y su elevación a carácter de diva, eclipsando su presencia en los festivales de la época a las de Sophia Loren o Gina Lollobrigida, que eran quienes habitualmente robaban los flashes de las cámaras en la mayoría de los eventos.

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En los años que siguieron no paró de filmar, siendo convocada por prestigiosos realizadores franceses en títulos como La Verdad (Henri-Georges Clouzot, 1960), El Desprecio (Jean-Luc Goddard, 1963) o Viva María! (Louis Malle, 1965). Incluso se interpretó a sí misma en el filme americano Querida Brigitte (Henry Koster, 1965), en el que James Stewart daba vida a un profesor de matemática cuyo hijo estaba obsesionado con ella.

Su último papel relevante antes de retirarse por decisión propia de la actuación lo tuvo en Las Petroleras (Christian-Jaque, 1971), spaghetti western que la tenía como estrella principal junto a Claudia Cardinale, la otra gran diva a la que hemos tenido que despedir este año. Y no olvidemos por supuesto su carrera como cantante con cinco álbumes y múltiples singles lanzados entre 1963 y 1970, ni como escritora, con cinco títulos publicados entre 1978 y 2006, incluyendo su autobiografía.

A partir de 1974, y en coincidencia con sus cuarenta años, se retiró de la actuación para dedicarse a otra de las grandes pasiones de su vida: la defensa de los derechos de los animales, que se inició con sus campañas contra el consumo de pieles de foca (dando incluso lugar a prohibir la importación en varios países, entre ellos Francia) y que dio lugar, a partir de 1986, a su propia fundación.

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Desde los noventa, y tras su casamiento con su cuarto esposo, el político Bernard d’ Ormale, sus opiniones mostraron un fuerte acercamiento a la derecha francesa y sus declaraciones acerca de la inmigración o el Islam la convirtieron en blanco de organizaciones progresistas o de izquierda e incluso objeto de multas.

En los últimos años había tenido ciertos problemas de salud, sometiéndose a un par de internaciones y una cirugía, difundiéndose en algunos medios y redes sociales el rumor de su fallecimiento, finalmente dado por falso. Esta vez no es rumor: a los noventa y un años y en la propia Saint-Tropez que ella misma ayudó a impulsar, Brigitte nos dejó hace algunas horas.

“La Fundación Brigitte Bardot anuncia con inmensa tristeza el fallecimiento de su fundadora y presidenta, la señora Brigitte Bardot, actriz y cantante mundialmente reconocida, que decidió abandonar su prestigiosa carrera para dedicar su vida y su energía a la defensa de los animales y a su Fundación”, expresa el comunicado que acaba de dar a conocer la organización que ella fundó.

Y, más allá de las controversias que puedan haber suscitado sus opiniones en las últimas décadas, nos queda el recuerdo imborrable de alguien que revolucionó la pantalla y sacudió la cultura de su época con una sensualidad salvaje e independiente, amén de muy femenina.  Hasta siempre Brigitte, te vamos a extrañar…

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Presentación del Plan Editorial Panini Marvel 2026.

DAve Solis
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Presentación del Plan Editorial Panini Marvel 2026.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy queremos hablaros del Plan Editorial de Panini Cómics España Marvel en 2026. Vamos a comentarlo …

Plan Editorial Panini Marvel 2026

Panini Cómics presenta su avance del Plan Editorial Marvel para 2026, destacando más de dos décadas publicando en España con eventos clave como La Era de Revelación Mutante y el Fin del Universo Ultimate.

Eventos Principales

La Era de la Revelación arranca en enero con la obertura en Patrulla-X y salta diez años al futuro, afectando series como Asombrosa Patrulla-X, Indestructible Patrulla-X y El Último Lobezno, culminando en mayo.

Otros hitos incluyen el cierre de arcos de Muerte (como Las Mazmorras de Muerte en agosto), el relanzamiento de Los Vengadores precedido por Armagedón, y SpiderMan alcanzando el #1000 USA a fin de año.

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Series Actuales

Continúan Los 4 Fantásticos (Ryan North y Humberto Ramos), El Asombroso SpiderMan (con crossover Espiral de Muerte en verano), Miles Morales: Spider-Man y Nuevo Veneno, todos en comic-book con lomo.

Vengadores de Jed MacKay finaliza en verano, mientras estrenan El Mortal Thor (Al Ewing y Pasqual Ferry) en febrero e Iron Man (Joshua Williamson y Carmen Carnero) en julio.

Clásicos y Formatos Especiales

Marvel Premiere lanza mensualmente recopilaciones como Ultimate Spider-Man y Vengadores de Jed MacKay.

Marvel Saga TPB recupera etapas como El Asombroso Spider-Man «A lo Grande«.

Destacan Ómnibus como Invasión Secreta (febrero), integral de Capitán América (abril) y Deluxe autoconclusivos como Hulk de Cates y Ottley (mayo).

Crossover Marvel/DC

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Sí. En el primer semestre del año, se publicará el clásico SUPERMAN Y SPIDERMAN, en edición facsímil.

Marvel Limited Edition

Quería destacar tres títulos. Los que más me llaman la atención:

1.- Los Nuevos Defensores: Asalto al Imperio

Esta edición recopila la épica saga de Los Nuevos Defensores (New Defenders #1-12 USA), donde el equipo enfrenta la amenaza del Imperio de Rupert Dockery, un magnate que busca dominar el mundo a través de Spider-Woman y otros héroes.

Escrita por J.M. DeMatteis y dibujada por Paul Ryan, marca el fin de la era de Los Defensores con acción intensa y giros dramáticos, ideal para fans de equipos no convencionales.

2.- Namor de John Byrne

Reúne Namor: The Sub-Mariner #19-40 USA, completando la revolucionaria run de Byrne que revitalizó al Príncipe de Atlantis con raíces salvajes, conflictos submarinos y la trama de «Semilla de Maldad«.

A lo largo del año, se publicarán dos volúmenes (de un total de cuatro), en el formato Marvel Limited Edition en TPB.

3.- Alpha Flight de Bill Mantlo 1 y 2.

Panini incluye Alpha Flight de Bill Mantlo en su línea Marvel Limited Edition para 2026, como reedición premium de la etapa post-Byrne del equipo canadiense.

Continuando las aventuras iniciadas por John Byrne con Mantlo al guion, explorando amenazas como el regreso de enemigos clásicos, dinámicas internas del equipo (Guardián, Vindicator, Sasquatch) y crossovers tempranos que definen su identidad superheroica canadiense.

Destaca por su acción intensa, desarrollo emocional de personajes secundarios y arte dinámico de los 80, ideal para fans nostálgicos.

Pero no os queremos cansar más … Justo aquí debajo, os dejamos el pdf completo presentado por Panini Cómics España, con su Plan Editorial Marvel para 2026.

Echadlo un ojo, disfrutad y sobre todo …

¡Sed Felices!

Retro-Análisis: El Tambor de Hojalata (1979). El niño que decidió no crecer en la Alemania nazi

JordiCD
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Retro-Análisis: El Tambor de Hojalata (1979). El niño que decidió no crecer en la Alemania nazi

En nuestra sección de retro-análisis, hacemos hoy repaso de El Tambor de Hojalata, provocador filme del realizador alemán Volker Schlöndorff.

Estamos ante una de esas películas incómodas de ver e incluso de analizar.  El Tambor de Hojalata es una de esas producciones que, a través de una historia provocadora, trata de hacernos meditar sobre hechos que tuvieron lugar en el pasado de una Alemania diezmada por la pobreza y las consecuencias de las Guerras Mundiales. Un retrato a través de su protagonista, un niño que decidió no crecer físicamente, aunque sí moralmente como veremos en estas líneas.

Qué nos cuenta El tambor de Hojalata

La película nos cuenta la historia de Oskar Matzerath (David Bennent) durante la depresión de la Primera Guerra Mundial y los hechos que dan lugar al ascenso del nazismo y por ende a la Segunda Guerra Mundial. Decide no crecer más a la edad de 3 años como rechazo al mundo adulto que le rodea, donde la violencia, la hipocresía y el oportunismo se hallan instalados de forma permanente. Le acompaña siempre un tambor de hojalata, el que con cada golpe de sus baquetas trata de reflejar la realidad de la sociedad alemana en la que transcurre la película. Los acontecimientos históricos van sucediéndose de manera inexorable mientras la degradación social avanza igual de rápido que la guerra.

Razones por los cuales la recomendamos

Por su fondo de crítica social sobre el nazismo, y en general sobre la sociedad adulta donde los códigos que Oskar tiene en su niñez son ninguneados por unos adultos incapaces de mantener sus valores, los cuales adaptan al momento histórico que viven. Para Oskar darse cuenta de como es el mundo adulto le hace tomar una determinación, no crecer más. No quiere llegar a adulto.  La infancia aparece como refugio perverso desde el cual eludir la responsabilidad histórica.

El director Volker Schlöndorff construye una película muy simbólica, entre lo grotesco y lo absurdo (por ejemplo el hecho de la caída de Oskar para dejar de crecer), donde pone de manifiesto la cobardía de la sociedad germana ante el horror del totalitarismo.

Visualmente también podemos destacar El Tambor de Hojalata por su elaborada recreación de la época en la cual transcurre la historia y una puesta en escena donde se mezclan el realismo histórico con elementos surrealistas. La música y el propio tambor ejercen un papel muy importante en la trama de la historia siendo partícipes de la tragedia y momentos esperpénticos (ese mitín nazi en el que acaba con todo el mundo bailando un vals por culpa del tambor es un ejemplo) que son la base de la historia de la película.

Evidentemente todo esto no hubiera tenido la repercusión que causó en la época en que se estrenó sin la brillante actuación de David Bennent como Oskar.  Recordemos que el filme, coproducción alemana-francesa-polaca, ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes (mejor película ex equo con Apocalypse Now) y el Oscar de la Academia a mejor película de habla no inglesa.

Su influencia es notoria en lo que se llamó Nuevo Cine Alemán, un movimiento que trató de replantear la identidad cultural del país tras la Segunda Guerra Mundial. Evidentemente ayudó el hecho de su difusión internacional y la forma de tratar temas espinosos del pasado de Alemania sin caer en el dramatismo clásico. Su uso de la sátira y los momentos grotescos para tratar temas históricos traumáticos, a través de lo que se llama narrador no confiable (porque son relatos contados desde la memoria y recuerdos subjetivos) ayudaron a que películas posteriores trataran la infancia desde un punto perturbador y no idealizado.

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Cómo fue recibida por público y crítica

Este tipo de película acostumbra a polarizar al público y a la crítica especializada. Desde su estreno en 1979, ha estado marcada por el reconocimiento internacional, pero también por generar una fuerte controversia. Especialmente por su evidente tono provocativo y su intención de incomodar al espectador, sobre todo al germánico. En el apartado de la crítica especializada, los que estaban a favor, valoraron la fidelidad al espíritu de la novela de Günter Grass (Premio Nobel de Literatura) y la capacidad del filme para abordar esos temas tan complicados desde la sátira, lo absurdo y lo grotesco, alejándose así del tipo de drama habitual en este tipo de producciones.

En cambio, en el otro lado de la balanza estaban los que se ofendieron por el tono provocador del filme, por ser moralmente ambiguo o difícil de digerir. El hecho de que el personaje de Oskar descubra la sexualidad muy joven, sumado a escenas donde se le incluía en algún tipo de contexto perturbador, alimentaron la crítica a la película. Por suerte esos años pasaron y hoy en día se reinterpretaron esas críticas para entender que el verdadero poder y valor radicaban justamente en la provocación. Hoy en día es considerado un clásico moderno.

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A quién recomendamos El Tambor de Hojalata

A todos aquellos que quieran descubrir una joya del séptimo arte incómoda y satírica sobre unos hechos dramáticos que acontecieron en el siglo XX y que marcaron a la sociedad europea, incluso a la mundial durante décadas.  También a quien sea seguidor del cine germano de mediados del siglo pasado, el llamado Nuevo Cine Alemán. Aún siendo incómoda de ver os aseguro que no os arrepentiréis de haber entrado en su mundo particular.

Os dejamos AQUí nuestro listado con las mejores películas sobre la Segunda Guerra Mundial.

El cómic de la semana: Gadiro. El embajador de la Atlántida. La víctima de azaes

Mario Losada
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El cómic de la semana: Gadiro. El embajador de la Atlántida. La víctima de azaes

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Gadiro. El embajador de la Atlántida. La víctima de azaes. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Hay momentos en la vida del lector de cómics que no se olvidan. El día que te llega una caja de un crowdfunding es uno de ellos. No es Amazon. No es un algoritmo. Es alguien que ha estado meses dejándose la piel para que tú tengas eso entre las manos. Y ahora, por fin, ha llegado.

Las copias de Gadiro. El embajador de la Atlántida. La víctima de azaes ya están circulando, y uno no puede evitar sonreír como cuando te traen un plato que sabes que se ha cocinado a fuego lento. Este tercer volumen no solo continúa la saga, la hace mejor, la complica y la lleva a ese punto donde ya no vale mirar hacia otro lado. Quizás es el tomo que más me ha gustado. Y lo mejor es que en pocos meses se podrá comprar en todas las librerías de España.

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VERKAMI – Gadiro, embajador de la Atlántida. Un nuevo proyecto de Serendipia Editorial para este verano de 2022.

 

Gadiro. El embajador de la Atlántida. La víctima de azaes ya no es solo un símbolo, es un problema

Si en los tomos anteriores Gadiro jugaba a ser puente entre mundos, aquí se convierte directamente en daño colateral con piernas. La víctima de azaes no va de casualidades bonitas, va de cómo las decisiones, propias y ajenas, te empujan aunque no quieras.

El título no engaña. Gadiro se ve atrapado en una cadena de hechos que parecen aleatorios, pero que acaban teniendo una lógica cruel. Política, intriga, traición y ese runrún constante de que la Atlántida no es precisamente un lugar donde te aplaudan por tener buenas intenciones.

Aquí el cómic se vuelve más adulto, más tenso, menos épico de postal y más épico de consecuencias.

Una narrativa que se nota pensada, no improvisada

Este volumen huele a planificación. A historia que sabía a dónde quería llegar desde el principio. Nada se siente metido con calzador. Los diálogos mejoran, los silencios dicen cosas y las decisiones importan.

No hay prisa. No hay concesiones al lector vago. Gadiro La víctima de azaes confía en que quien lo lea está dentro de la historia y quiere sufrir un poco. Y eso, en cómic independiente, es una bendición.

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El arte: cada página parece decir “esto es personal”

Visualmente, el cómic mantiene identidad propia. No busca parecerse a nadie grande. No quiere imitar estilos americanos ni franceses. Tiene voz propia, y eso se agradece.

La Atlántida se siente viva, densa, antigua. Los personajes no posan, tienen vida propia. Hay miradas que cuentan más que un monólogo de cinco páginas. Y cuando la acción aparece, lo hace con contundencia, sin fuegos artificiales gratuitos.

Manuel Veiga sigue siendo el escritor de esta tercera entrega. Está con nosotros desde el primer tomo, y Adrián M. García es el dibujante del segundo y tercer tomo, y espero que siga con nosotros muchos más tomos.

El cómic de la semana: Gadiro II La serpiente de Bóreas

 

El crowdfunding: cuando apoyar merece la pena

Y ahora lo importante, esto no habría sido posible sin la gente que creyó antes de tener el cómic en las manos. Gadiro La víctima de azaes es un tomo que nace de la confianza entre autor y lector, no de una reunión de marketing.

Recibirlo ahora, recién salido del empaquetado, tiene algo casi ceremonial. Es el premio a la paciencia y a creer que el cómic nacional puede hacer cosas grandes sin pedir permiso.

Conclusión: Gadiro ya no juega en ligas pequeñas

La víctima de azaes es el volumen que confirma que Gadiro no es un experimento, es una serie sólida, con personalidad y ambición. Simplemente avanza y te arrastra con él.

Si estabas dentro desde el principio, este tomo te recompensa. Si llegas ahora, aún estás a tiempo.

Porque hay cómics que se compran. Y otros que se esperan. Y este, sin duda, merecía la espera.

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La Isla-Continente de la Atlántida en su apogeo, antes del hundimiento, se extiende desde Madeira a las Islas cercanas a Mesoamérica, y está dividida en 10 Reinos (siguiendo la descripción de Platón).

Sin apenas descanso, Gadiro y sus compañeros, tras su misión en Bóreas, reciben noticas muy preocupantes, el reino de Azaes está en grave peligro, lo que les lleva solicitar la intervención del embajador de la Atlántida.

En el reino de Azaes, la primogénita, Amairani, ha estado sufriendo ataques repetidos todas las noches, siendo violada y golpeada, sin que sean visibles las huellas de tales ultrajes en su cuerpo… únicamente, su hermana Bela es capaz de descubrir el “infierno” por el que está pasando.

Desconcertados y sin saber que hacer, deciden recurrir a Gadiro y al druida Wythrin, quienes acompañados de Dhembo, Naeem y la espía de Atlas, Sapphira, se dirigen urgentemente a Azaes.

Mientras tanto, Xail, la prometida de Gadiro y última descendiente de los extintos aztecas, queda en Athlán, recuperándose de las heridas sufridas en su anterior misión en el reino de Bóreas; pero lejos de estar a salvo, será víctima de una conspiración para matarla, por parte de Atlas, la amante de este y el general atlante Helder.

Debajo de estas líneas os dejo la portada de la edición española de Serendipia y el enlace a la editorial pinchando aquí.

Gadiro. El embajador de la Atlántida. La víctima de azaes

Un saludo y sed felices.

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