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«Aliens: Dark Descent» (PC, Playstation4 – 5, XBOX One): en tu cuarto sí escucharán tus gritos

Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez.

Hemos vuelto de entre los muertos para hablar de cosas de Aliens. ¿Y quién no?, pensará el astuto lector que recuerde cómo vamos a película, serie o videojuego relacionada con el bicho cada poco tiempo. Pero desde este modesto pero vibrante sitio queremos reivindicar cosas de hace años de nuestro xenomorfo favorito. Incluso reivindicar cosas de la Europa decadente que lleva unos añitos pintando los morros en el asunto de los videojuegos a la teóricamente gloriosa Estados Unidos. Es decir, vamos a hablar de Aliens: Dark Descent, del estudio francés Tindalos Interactive.

Lo hacemos por nuestra voluntad de ensalzar las cosas pequeñas. Los videojuegos que no tienen el presupuesto de una superproducción de Hollywood, los cómics o nuestra cuenta corriente. Aliens: Dark Descent no puede presumir de animaciones faciales, cinemáticas de quitar el hipo ni nada así, y lo fía todo a lo esencial en un videojuego. Es decir, la jugabilidad. Increíble pero cierto.

La historia es algo más o menos funcional que, sin ser insultante, tampoco nos va a sorprender. Muchos años después de lo que pasó en las tres primeras películas un grupo de marines, científicos y etc., se quedan atrapados en una nave espacial con serios daños. La misma está en un planeta en el que había colonias humanas. Bueno, también hay aliens. Muchos aliens. Más aliens que nunca. Hay un bello sistema, a lo Warhammer 40k, para purificar el planeta con muchísimas explosiones en unos cuantos días. El videojuego irá de cómo hacemos expediciones a distintas partes del planeta, recuperamos piezas, reparamos la nave, rescatamos a gente que pueda hacer levantarse la nave e incluso huir antes de la gran mascletá.

El juego recuerda en parte a nuestros amados X-COM, ya que al principio nos pasearemos por las distintas localizaciones de la nave, investigamos mejoras, curamos soldados, compramos armas, vemos los niveles de experiencia de cada uno y les ponemos habilidades o armamento. Hasta aquí la parte estratégica. Y luego vamos a la parte táctica, en la que nuestro puñado de marines van a mapas enormes, con varias plantas, a realizar una serie de objetivos antes de volver a la nave nodriza con lo que buenamente hayan conseguido coger.

Y aquí empieza la gozadera: manejamos al grupo de marines como si fueran un solo hombre. Damos órdenes en general y solitos disparan si ven corriendo hacia ellos cosas que quieren comérseles . ¿Y qué vamos a hacer nosotros?. Pues desde indicarles por dónde ir, dónde parar, dónde encarar, dónde usar todos los instrumentales que llevamos (minas, bombas, lanzallamas, curarse, soldar puertas, etc), cuándo correr y cuándo usar habilidades. Como decimos, las órdenes van al grupo de una manera que una vez te la explican no es necesario pensar cómo hacer tal cosa o la otra: el control y el interfaz de las cosas que eres capaz de hacer no puede ser más elegante, rápido ni directo.

El resultado de esto es que la acción es frenética, agobiante y desmadrada en su número de balas y explosiones. Aunque, claro, eso es cuando hay que desmadrarse. Porque Aliens: Dark Descent castiga enormemente que vayamos matando todo lo que veamos. Cuantas más veces nos vean los xenomorfos más agresividad habrá en la zona…y los aliens son infinitos. Sí. Es decir, cuantas más veces nos vean los aliens más aliens habrá en el mapa y más cada vez siguiente que nos vean. Y empezarán a mandarte aliens enormes que parecen tanques. Cada vez será más y más y más difícil. Y aunque hay mucha munición por los mapas tampoco es que sea precisamente infinita.

Cuando te das cuenta de esta mecánica, el juego pasa a ser la segunda película de Aliens. Estás siempre en una posición de inferioridad, tienes que ir con el culo pelao escondiéndote en las esquinas y viendo el dispositivo de movimiento. E incluso tener cuidado porque algunos no se mueven (los huevos y algún alien que está echándose la siesta). Debes elegir qué gozaderas de balaceo y explosiones son inevitables porque la violencia aquí es quirúrjica. Eso sí, cuando toca no puede ser más gozosa por la cantidad de cosas distintas que podemos hacer y que son más cuanto más nivel tengan los marines que hayamos elegido para la misión.

Lo cual nos lleva a que los marines se mueren y no resucitan. Incluso, por lo que sea, la exposición a pelearse con bichos que intentan comerte o llevarte a que se te coman sus crías (que también lo intentarán, cuidado) les provoca estrés. En fin, que hemos educado a una generación a no aguantar nada y así nos ha salido una generación de cristal. Siendo un fastidio, debemos dejarles en el psiquiatra, que se relajen y no les dé un infarto o desarrollen traumas… aunque da igual, porque desarrollarán traumas sí o sí. Uno robará botiquines porque es un yonqui, el otro te herirá a los compañeros por ser un broncas, otro se pondrá más nervioso de lo normal cuando vea aliens, otro que como no vea el partido del aleti es que no sale a matar aliens… así hasta desear que entren estos de una vez y nos coman a todos.

En fin, que iremos recuperando androides, suministros, científicos, viendo qué ha pasado en cada colonia, conociendo a grupos de humanos que han desarrollado un culto siniestro respecto a los aliens, muchos testimonios de gente aislada que no sabía lo que se les venía encima y mil pruebas de que la empresa detrás de las colonias está dirigida por unos inmensos bastardos a los que hay pocas cosas que les pudieran pasar que no fueran merecidas. Tendremos carreras con bichos por miles, fases de parapetarse y aguantar un tiempo en una posición mientras vienen miles de bichos, fases de ir en sigilo entre miles de bichos y, aunque no te lo creas, miles de bichos.

Es complicado aburrirse en Aliens: Dark Descent por el cambio, cada poco, de mecánica jugable. Ya hemos dicho: pasamos del sigilo a la exploración, a la defensa de una posición, a saber que hay una reina en esa sala y prepararnos a conciencia para el enfrentamiento. Aunque el juego es en tiempo real se puede y se debe ralentizar o pausar para pensar en nuestras opciones. Hay que pensar siempre sobre cómo volver las cualidades de los aliens en su contra, cómo usando hasta el vómito las balizas de señalización, que no solo marcan el movimiento en el mapa sino que pueden sobrecargarse haciendo un ruido espantoso y atrayendo a todos los aliens de la zona. Si hemos puesto balizas en otro punto del mapa y las activamos, para allá iran las criaturitas. Y como eso todo. Desde aquí recomendamos poner muchas minas y muchas balizas siempre que se pueda. ¿Qué haces leyendo pudiendo poner otra mina y otra baliza?. Es más, en plan miserable verás pronto que poner balizas cerca del megatanque que nos deja en la misión es algo vergonzosamente tramposo y necesario: el megatanque nunca deja de tener munición y mata todo a su alcance.

Al final, irás viendo que, por lo que sea, en un planeta infestado de aliens no queda tanta gente que reclutar, así que digamos que debes mimar hasta al último marine que tengas. Cada muerte es dolorosísima y sentida, sobre todo porque eres tú el que querrías haberles matado con tus manos cuando se fuman otro botiquín por ser unos yonquis. En fin, que tanto cambio de dinámica jugable hace que no termines de cansarte ni acostumbrarte ni aburrirte demasiado. También contribuye a que no es juego eterno y tiene una duración media, más que adecuada para un videojuego así.

Por ir acabando, Aliens: Dark Descent es posiblemente más divertido de jugar que el famoso y proclamado mejor juego del asunto, Alien Isolation. Tiene una historia más de andar por casa, pero en cuanto a cosa jugable y disfrutona es muy superior, y lo es con muchos menos recursos técnicos y económicos. También tiene elementos originales recordando a partes del mítico videojuego español Commandos y a partes de Darkest Dungeon. Es un videojuego favorito de nadie pero disfrutable por casi todos, además de ser algo refrescante jugablemente y divertido a rabiar. A nadie se le hará pesado y te pica para hacer los mapas del modo más cuidadoso posible. Ha pasado un tiempecito y no está caro, Pueblo.

Sed felices.

Análisis de It: Bienvenidos a Derry (It: Welcome to Derry). Temporada 1. Episodio 8. Final de Temporada

Y llegamos al cierre de la primera temporada de It: Bienvenidos a Derry analizando su octavo y último capítulo cuyo título es Fuego de Invierno. La serie, que se emite por HBO Max, expande el universo de Stephen King al hacer de precuela a su novela It y muy especialmente a las dos adaptaciones cinematográficas de Andy Muschietti, quien desarrolla la misma junto a su hermana Bárbara y a Jason Fuchs, también showrunner.

Bienvenidos a Derry una vez más, esta vez para dar cierre a la primera temporada. Un cierre, por cierto, con más acción que terror y que deja los caminos abiertos no solo hacia una hipotética segunda temporada sino también hacia El Resplandor y quizás incluso a algún spin-off que haga de puente. Aunque visualmente avasallante, el final vuelve a hacer patentes los problemas que en general ha mostrado la serie y los potencia al buscar superlatividad y grandilocuencia de un modo exagerado que no solo se ve como una mezcla de cosas conocidas, sino que poco tiene que ver con el universo que Stephen King creó para It.

Talismanes, fantasmas y paradojas temporales confluyen en este episodio que a continuación analizamos para luego hacer balance de temporada. Cumplo en advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA y en recordar que pueden leer aquí los análisis previos.

¿Daga o Anillo?

Una espesa niebla que parece sacada de otra historia de Stephen King se apodera de Derry al despertar la criatura de su letargo. Por qué esta vez ocurre de este modo y no en ocasiones anteriores es un misterio, pero un gris manto invernal cubre la ciudad y Pennywise sale a hacer de las suyas.

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En el colegio, los estudiantes son convocados al gimnasio y el director les habla casi como marioneta hasta que, con espanto y entre gritos de horror, los niños ven cómo es decapitado por Pennywise, que sostiene su cabeza por las cuencas de los ojos (eso ya lo hizo Daryl Dixon). Las fauces del payaso se abren y las “luces de muerte” ponen a todos en trance mientras comienzan a levitar y, luego, al son de su música, van tras él como si del Flautista de Hamelin se tratase.

IT: Welcome to Derry' Episode 8 Recap: "Winter Fire" (Season 1 Finale)

Pero Ronnie, Lilly y Marge, conmocionados tras los sucesos del Black Spot y la reciente muerte de Rich, han faltado al colegio y, desde el mirador, ven con asombro cómo la niebla cubre todo y, al descender, encuentran todo empapelado con volantes que dan por desaparecidos a todos los niños del instituto. En su incredulidad, van al colegio para comprobarlo y descubren que, en efecto, no hay nadie, salvo el cuerpo decapitado del director, además de volantes aquí y allá con más nombres y fotos de estudiantes desaparecidos, entre ellos Will.

Quieren ir a rescatarle y la daga podría servirles, pero la bicicleta no soporta a tres y optan por el camión del lechero, que ha quedado allí abandonado tras morir este último y manifestando Marge saber conducirlo de tanto haberle visto. La cosa no sale bien y por el camino vuelcan, debiendo seguir a pie. Un momento de tensión se produce al desatarse una pelea por la posesión de la daga, que termina en manos de Lilly, quien ve como justo que sea ella quien deba sufrir el daño que la misma provoca. De pronto, la daga es el Anillo Único y Lilly Frodo, o quizás Gollum

Todos al Río

En la base, Leroy recibe un llamado y un burlón Pennywise le anoticia de que tiene a Will. Después de que Charlotte entra en crisis y le recrimina haber dicho en su momento que allí estarían a salvo, Leroy va a ver a Hallorann en busca de ayuda, ya que este estuvo conectado con el payaso y dentro de su mente. Le encuentra lidiando con sus propios fantasmas (nunca tan literal) y hasta llevándose un arma a la boca para intentar suicidarse, pero cuando Leroy le pone al tanto de que se trata de Will, cambia de actitud y decide ayudar.

Rose y Taniel dicen que la culpa por la niebla y el regreso de It es de los militares que destruyeron el pilar, por lo que habría que encontrar la daga para reemplazarlo y, como Dick se toma un té de maturin (perdón, pero tengo que relatar lo que ocurre con la misma frialdad con que el verdugo deja caer el hacha), sabe que la misma se halla en poder de Lilly.

La daga, cuenta Rose aumentando las conexiones con Tolkien, puede volver loco a su portador si este está demasiado tiempo expuesto a ella. Lo que hay que hacer es enterrarla bajo un antiguo pino junto al río que marca no sé qué punto para que los pilares queden interconectados.

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Bueno, o algo así, yo que sé. Lo cierto es que todos van al río: Pennywise con los estudiantes secuestrados que, ojos en blanco, levitan sobre la capa de hielo (ah, porque con la niebla se congeló el río); Ronnie, Lilly y Marge llevando la daga; Dick, Leroy y Taniel siguiendo el rastro de la misma y los militares buscando que nadie logre evitar la ola de horror. A tal fin, justamente, es que disparan contra el grupo de Leroy costándole una herida a este y la vida a Taniel que, en general, no ha tenido mucha suerte en la temporada…

A dormir…

La daga comienza de pronto a brillar y Marge tiene una visión del payaso anoticiándole de que ella será en el futuro la madre de Richie Tozier, uno de los que justamente acabará dándole muerte. Convertida de pronto la niña en Sarah Connor, Pennywise se abalanza sobre ella, pero siempre ocurre algo cuando ataca a alguien de ese grupo y en esta oportunidad Hallorann le deja congelado en pleno ataque. Sí, también hay un poco de Matrix

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Ello permite a los niños ganar tiempo para llevar la daga hasta el árbol, pero la misma se resiste. El general Shaw, a todo esto, se acerca a la estática imagen de Pennywise azorado de comprobar finalmente su existencia. Pero su plan siempre fue estúpido y no tiene por qué ser diferente esta vez: en cuanto pasa el efecto de congelamiento, la criatura le reconoce de aquel encuentro de tantos años atrás y termina devorándolo.

Leroy acribilla a balazos a Pennywise pero siempre vuelve a revivir, aunque eso da aún más tiempo a los niños para que puedan llevar la daga al árbol, lo cual sigue complicado, pero entra en ayuda el fantasma de Rich y terminan haciéndolo. La niebla acaba (aunque por alguna razón el río no se descongela) y Pennywise, derrotado, termina volviendo a su confinamiento y letargo tras haber estado a nada de salir hacia el mundo…

Caminos que se abren

Hay funeral para Rich, pero este anda dando vueltas por allí siendo solo visto por Hallorann, quien anoticia al padre del niño de que la mano que siente sobre su hombro es la suya. Marge está sacudida por la revelación de Pennywise y se queda rumiando sus palabras acerca de que pasado y futuro son para él lo mismo. La conclusión a la que arriban (sí, unos niños) es que este percibe el tiempo de manera diferente y quizás intente volver atrás para matar a sus padres. Por otra parte, hay beso entre Ronnie y Will…

Dick, en tanto, anuncia que se marcha a Londres para trabajar como cocinero y se pregunta qué podría pasar de malo en un hotel. La referencia, claro, hace alusión a El Resplandor, aunque el Overlook no estaba en Londres sino en Colorado y ello hace presumir que Halloraan tendrá todavía otras experiencias por vivir antes de ingresar a esa otra historia icónica. ¿Alguien dijo spin-off?…

Una escena post-créditos nos lleva al año 1988 (justo antes de los sucesos de la primera película) y vemos a una ya anciana Ingrid Kersh (Joan Gregson) internada en Juniper Hill. Una mujer que pende del techo tras haberse suicidado es observada con desasosiego por su propia hija, en quien reconocemos a Beverly Marsh, interpretada como en la película, por Sophia Lillis. Ingrid la consuela con que “nadie que muere en Derry muere realmente”.

Balance de Temporada

Confieso que me hizo doler la cabeza volver a contar semejante descalabro. A veces las cosas tienen tan poco sentido que uno ni siquiera sabe cómo reseñarlas. En un solo episodio hemos visto fusionarse La Niebla, El Resplandor (hasta allí vamos bien), El Señor de los Anillos, Regreso al Futuro, Terminator, El Sexto Sentido, El Pueblo de los Malditos, El Flautista de Hamelin y Stranger Things, más alguna pincelada Marvel.

Que Muschietti es hombre de desmesuras ya ha quedado harto evidente, al punto de pintar para heredero de Ryan Murphy, pero en este capítulo de cierre de temporada cualquier límite ha sido superado y lo peor de todo es que, desvirtuando el cáracter de la historia original, la resolución se ha basado más en la acción que en el terror. No muy King que digamos…

La visibilidad que ha tenido Pennywise en esta temporada va en contra del carácter misterioso que tiene en la novela y adaptaciones. De pronto resulta que se había enfrentado prácticamente con todo Derry y hasta el ejército de Estados Unidos.  No solo eso, sino que ha pasado de ser una criatura voraz que solo busca alimentarse y en todo caso usa artes de engaño con sus víctimas, a ser una capaz de elaborar meticulosos planes.

Y ya que hablamos de planes, el de Shaw, como toda la trama militar, jamás se entendió y acabaron por volver terriblemente lineal y sin matices a un personaje que pintaba interesante y hasta simpático. Una lástima…

Lo de la daga como talismán terminó en abuso. Jamás nos habíamos anoticiado de que hubiera objetos mágicos que contenían a It y ahora resulta que había muchos e importantísimos. Y si a ello agregamos fantasmas bienhechores, el despropósito no puede ser mayor.

Ojo: la temporada ha tenido algunos aciertos, sobre todo cuando los flashbacks nos llevaron al pasado para mostrarnos el origen de Pennywise en una forma que en modo alguno se contraponía con la esencia de la historia original.  Nos quejábamos, eso sí, de que habían contado demasiado y nos preguntábamos en consecuencia cómo harían para dar sustento a unas eventuales segunda y tercera temporada (hasta ahora no confirmadas). Ahora lo sabemos: haciendo viajar al payaso en el tiempo y jugando con las paradojas, lo cual, desde luego, no parece buen camino ni mucho menos cercano al universo y espíritu de It.

Hay, no obstante, algunos puntos para destacar en este episodio final: los efectos visuales, de los que más de una vez nos quejamos, estuvieron esta vez a la altura más allá de la sobrecarga visual. Bill Skarsgård ha entregado asimismo un trabajo notable y lo mismo Chris Chalk.  Y muy fuerte desde lo emocional la presencia de Joan Gregson en la escena post-créditos por ser este su último rol antes de fallecer en junio de este año.

En cuanto a la conexión con El Resplandor, es mucho más interesante que lo que pueda prometer esta serie de aquí en más, tanto que me tienta más un spin-off que una segunda temporada (aunque a la vez me hace temer que terminen contándonos que en Londres había ocurrido algo mucho más terrible que los sucesos del Overlook).

Pero la temporada, en el balance final, no deja buen sabor de boca y me pregunto si no sería bueno que esto que hemos visto no fuese considerado canon para la franquicia, sino simplemente una historia alternativa o what if. Por mucho que me esfuerce, no puedo aceptar que Pennywise se haya enfrentado con medio Estados Unidos antes de hacerlo con el club de los perdedores.

Y dado que los flashbacks estuvieron acertados, cabe preguntarse si no hubiera sido mejor rodar una película en lugar de una serie. Una que se abocase simplemente a contar el origen de It. O, por qué no, una miniserie en cuatro episodios, dedicando uno a 1962, otro a 1935, otro a 1908 y otro a la trama indígena previa.

Habrá que ver qué pasa ahora, sobre todo en la medida en que la compra de Warner por parte de Netflix (aquí artículo) introduce un signo de interrogación en la continuidad de todas las series de HBO. En lo personal, creo que la serie será continuada pues los índices de audiencia han sido buenos y Netflix no mata gallinas de huevos de oro ni revienta globos rojos. La cuestión, claro, es que, vista la tendencia a ir siempre un paso más allá en la desmesura, es de temer que el despropósito se haga aún mayor

Les espero, no obstante, para analizar la segunda temporada cuando llegue. Hasta entonces y sean felices…

Los informes de las proyecciones de prueba de Supergirl son en su mayoría positivos

Ya se conocen las primeras reacciones de las proyecciones de prueba de Supergirl, y además de proporcionar información sobre la duración y los personajes, parece que la película es buena… pero no excelente. Y para mi esto no es una sorpresa. Me alegra que sea «buena», y lo dejo entre comillas, pero tenía claro que no iba a ser la maravilla del siglo. Mientras me lo pase bien en el cine, es ahora mismo más que suficiente.

Con el estreno de Supergirl previsto para el próximo verano, parece que DC Studios ya ha comenzado a realizar proyecciones de prueba de la película.

Daniel Richtman fue el primero en informar de que ayer se llevó a cabo una proyección de prueba, revelando que «solo ha oído cosas buenas de varias personas». Sin embargo, @Cryptic4KQual, que filtró el tráiler y la duración, nos ha dado otro punto de vista bastante contrario al de Richtman.

«Sí, Supergirl tuvo una proyección de prueba»

«Aproximadamente 2 horas y 5 minutos. Por lo que he oído, las opiniones no fueron muy buenas, pero no era una mala película. Algunas escenas brillaron mucho más que otras. Milly es elogiada por su interpretación del papel. Lobo tiene dos peleas. El villano es decepcionante».

Superman también recibió críticas mixtas en los preestrenos, pero finalmente consiguió una puntuación del 83 % en el Tomatómetro de Rotten Tomatoes y se ganó a los fans a lo grande.

Que Lobo tenga dos escenas de lucha es emocionante, ya que se trata solo de su presentación en el Universo DC, y teóricamente le veremos en futuras películas. Por desgracia, el villano llamado Krem de las Colinas Amarillas ha sido tildado de «decepcionante». Ojo esto es lo peor de la película para mucha gente. Parece que Matthias Schoenaerts, el actor elegido parece una versión muy genérica del villano de Supergirl: La mujer del mañana, a juzgar por el tráiler.

En cuanto a la duración, seguro que irá cambiando el metraje hasta la definitiva versión en el cine. Ser buena, sin llegar a ser excelente, puede ser suficiente para Supergirl, teniendo en cuenta lo mucho que se ha peleado por esta película.

Os recuerdo que el objetivo de una proyección de prueba es averiguar qué funciona y qué no, por lo que DC Studios ahora puede averiguarlo, hacer los cambios necesarios y tal vez incluso remodelar partes de la película con nuevas tomas.

Supergirl, la nueva película de DC Studios que llegará a la gran pantalla, se estrenará en los cines de todo el mundo el próximo verano de la mano de Warner Bros. Pictures, y estará protagonizada por Milly Alcock en el doble papel de Supergirl/Kara Zor-El. Craig Gillespie dirige la película a partir de un guion de Ana Nogueira.

Cuando un adversario inesperado y despiadado ataca demasiado cerca de casa, Kara Zor-El, alias Supergirl, se une a regañadientes a un compañero inesperado en un épico viaje interestelar en busca de venganza y justicia. Alcock protagoniza la película junto a Matthias Schoenaerts, Eve Ridley, David Krumholtz, Emily Beecham y Jason Momoa.

 

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Un saludo y sed felices.

Espacios de ensueño para fans de series y películas

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Convertir tu casa en un pequeño homenaje a tus historias favoritas ya no es cosa de adolescentes ni de habitaciones saturadas de posters. Hoy, la decoración inspirada en series, mangas y películas se acerca más a una experiencia emocional que a un simple guiño estético. Se trata de habitar los universos que nos han acompañado durante años, integrarlos con criterio, y conseguir espacios que sigan siendo cómodos, luminosos y que inviten a pasar tiempo en ellos.

Para llevar a cabo este sueño, no será necesario transformar toda la vivienda, en la mayoría de los casos bastará con un dormitorio o una zona concreta para crear ese refugio personal, ese entorno ideal donde se concentren todos esos espacios soñados, añorados, deseados que solo has visto a través de la pequeña pantalla o en una sala de cine.

Una idea recurrente, muy utilizada para estos diseños de interior, consiste en separar ese espacio temático del resto de la casa mediante una puerta corredera cristal, una solución práctica que permite aislar visualmente el ambiente cuando apetece sumergirse en ese otro mundo, sin perder luz natural ni sensación de amplitud. Funciona especialmente bien en pisos urbanos donde cada metro cuenta y donde la decoración debe convivir con el día a día.

Espacios de ensueño para fans de series y películas

Dormitorios que cuentan historias

El dormitorio es el lugar perfecto para dar rienda suelta a la imaginación. Un cuarto inspirado en Harry Potter puede apoyarse en tonos oscuros, textiles con textura y pequeños detalles como baúles, mapas antiguos o iluminación cálida que recuerde a las salas comunes de Hogwarts. En el caso de Star Wars, el enfoque suele ser más minimalista, con colores neutros, líneas rectas y algún elemento icónico que evoque una nave espacial sin convertir la habitación en un decorado rígido.

Los universos manga, como One Piece, admiten un tratamiento más desenfadado. Aquí funcionan bien los murales ilustrados, las estanterías abiertas con figuras bien seleccionadas y una paleta de colores que recuerde al mar, a la aventura y al viaje. La clave está en elegir pocos elementos, pero con intención, para que el espacio no pierda equilibrio ni serenidad.

Cuando la cultura pop se comparte

En habitaciones compartidas, especialmente entre hermanos o amigos con gustos afines, el diseño puede volverse aún más creativo. Una litera bien planteada permite jugar con la idea de camarotes de nave espacial, vagones de tren mágico o cubículos de academia fantástica, combinando descanso y fantasía en un solo mueble. Además de ahorrar espacio, aporta carácter y convierte la habitación en un lugar que invita a quedarse y a ser creativos.

Este tipo de soluciones funcionan mejor cuando se cuidan los materiales y los acabados. Maderas naturales, textiles agradables al tacto y una iluminación bien pensada ayudan a que el resultado sea acogedor y no excesivo. El estilo friki también puede ser elegante cuando se diseña con calma.

Por otro lado, y más allá del mobiliario, los pequeños gestos son los que terminan de construir el ambiente. Tiradores personalizados, ropa de cama inspirada en símbolos reconocibles, láminas bien enmarcadas o iluminación indirecta para capturar la esencia de la historia y adaptarla a tu forma de vivir es la clave.

Un saludo y sed felices.

Reseña de Juez Anderson: Satán. Cuando el alma se enfrenta al sistema. Nos lo ha traído Dolmen Editorial.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de hablaros de un cómic de la Línea Albión. Vamos a comentar Juez Anderson: Satán. Una maravilla de 2000AD. Nos lo ha traído Dolmen Editorial.

Juez Anderson: Satán.

Dolmen Editorial.

Anderson

En Juez Anderson: Satán, Dolmen Editorial nos invita a descender a los rincones más oscuros de Mega-City 1, donde la justicia no siempre es sinónimo de redención y donde la mente puede ser el campo de batalla más cruel.

Alan Grant y Arthur Ranson, veteranos del sello 2000 AD, nos entregan una obra que no solo amplía el universo de la Juez Anderson, sino que lo sacude desde sus cimientos.

La premisa es tan inquietante como poderosa:

¿Qué ocurre cuando una agente psíquica del sistema judicial más autoritario del cómic se enfrenta al mismísimo Satán?

¿Qué queda de la identidad cuando se promete la vida eterna a cambio de renunciar a uno mismo?

Estas preguntas no se responden con moralismos, sino con crudeza, ironía y una atmósfera que roza lo sobrenatural.

Ranson, con su trazo hiperrealista y su dominio del claroscuro, convierte cada página en una experiencia sensorial. Sus composiciones no solo ilustran, sino que amplifican el colapso mental de la Juez Anderson, atrapada entre visiones, dogmas y la rigidez de una sociedad que no admite fisuras. El dibujo no acompaña al guion: lo potencia, lo eleva, lo convierte en pesadilla.

Grant, por su parte, se aleja del tono más sarcástico de Juez Dredd para explorar el dolor, la duda y la espiritualidad. Hay crítica social, sí, pero también una reflexión sobre el libre albedrío, la fe y el precio de la verdad. La Juez Anderson no es heroína ni mártir: es humana, vulnerable, y por eso su viaje resulta tan perturbador como necesario.

Anderson

La edición de Dolmen Editorial.

La edición de Dolmen, en tapa dura y con traducción cuidada, lomo recto, 144 páginas de un papel poroso de gran gramaje y a todo color. Se ha publicado en septiembre de 2025 como parte de la Línea Albión y cuenta con un P.V.P. de 26,90€.

Pinchad AQUÍ para obtener más información desde la web de Dolmen.

Es un complemento perfecto para Shamballa, pero también una obra autónoma que merece ser leída con atención. No es un cómic fácil, ni amable, ni complaciente. Es una obra que exige, que incomoda, que deja huella.

Tenemos reseña de Juez Anderson: Shamballa, pinchando AQUÍ.

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El equipo creativo.

Alan Grant. Guionista. Nació el 9 de febrero de 1949 (Bristol, Reino Unido) y falleció en Escocia el 21 de julio de 2022.

Fue uno de los guionistas más emblemáticos del cómic británico, especialmente por su trabajo en 2000 AD. Su carrera despegó en los años 80 con historias que marcaron época, como Judge Dredd y Anderson: Psi Division.

Junto a John Wagner, redefinió el cómic de ciencia ficción con sátira social, humor negro y una crítica feroz al autoritarismo.

Además de su impacto en el Reino Unido, escribió para DC Comics, dejando huella en títulos como Batman y Lobo, donde exploró temas como la justicia, la anarquía y la psicología del héroe.

Su estilo narrativo combinaba acción con reflexión, y sus personajes solían enfrentarse a dilemas éticos en mundos distópicos.

Hasta sus últimos años, mantuvo una voz crítica y comprometida, colaborando en proyectos independientes. Su legado perdura en cada historia que se atreve a cuestionar el sistema y en cada personaje que lucha por conservar su humanidad.

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Arthur Ranson. Dibujante. Nació en Essex (Reino Unido) en 1939.

Es uno de los dibujantes más singulares del cómic británico, conocido por su estilo fotorrealista y su capacidad para transmitir emociones complejas.

Tras comenzar en publicidad y revistas como Look-in, dio el salto a 2000 AD, donde brilló especialmente en Anderson: Psi Division, ilustrando las historias de Alan Grant con una sensibilidad visual poco común.

Su trazo detallado y expresivo aportó profundidad psicológica a personajes como Cassandra Anderson, y más adelante lo consolidó en obras como Button Man y Mazeworld.

Aunque se retiró del cómic profesional, su legado sigue vivo en reediciones y en el reconocimiento de lectores y artistas que ven en su obra una referencia de realismo y narrativa visual.

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Valoración final de la obra.

Juez Anderson: Satán es un «cómic tipo» de 2000AD y la Línea Albión de Dolmen Editorial.

Tenemos ante nosotros un cómic muy entretenido, con un ritmo trepidante, acción a raudales y que cuenta con un apartado gráfico sobresaliente.

Es un cómic que cualquier aficionado puede disfrutar. Tanto por su historia, que contiene aventura, ciencia ficción, acción y crítica social; como por el fantástico dibujo de Arthur Ranson.

La edición de gran calidad a un precio muy contenido y competitivo, es otro aliciente que se añade a las virtudes del título.

Acercaos y conoced a la Juez Anderson. Sus aventuras en nada tienen que envidiar a las de Juez Dredd.

Echadlo un ojo, disfrutadlo, degustadlo, porque os aseguro que con Juez Anderson: Satán

¡Seréis Felices!

Universo Cinematográfico Marvel. Rumores sobre el Departamento de Control de Daños que se extienden hasta el reinicio de los X-Men

Se han revelado nuevos detalles sobre los planes de Marvel Studios para el Departamento de Control de Daños, incluyendo su regreso en Wonder Man y Spider-Man: Brand New Day y como se relaciona con el reinicio de X-Men.

El Departamento de Control de Daños hizo su debut en el UCM en Spider-Man: Homecoming, cuando supimos que la organización propiedad de Tony Stark había recibido el encargo de limpiar Nueva York tras los acontecimientos de Los Vengadores.

Sin embargo, algo cambió tras la muerte de Iron Man, y desde entonces hemos visto cómo la organización se centraba en héroes jóvenes o nuevos como Spider-Man, Ms. Marvel y She-Hulk (Hulka). A continuación, parece que la organización irá a por Simon Williams en Wonder Man, con el regreso del agente P. Cleary encargado de capturar al actor con superpoderes.

La prisión para gente con superpoderes

The Cosmic Circus ha compartido hoy algunas novedades, entre ellas el hecho de que, además de reutilizar la tecnología de Industrias Stark y dar caza a las personas con superpoderes que consideran una amenaza, están «utilizando a los aliados más cercanos de Simon para espiarlo». ¿Es por eso por lo que Trevor Slattery es ahora un hombre libre? Trevor Slattery fue el personaje que hizo del Mandarin en Iron Man 3 protagonizado por el oscarizado Ben Kingsley.

En cuanto al motivo por el que la organización ha cambiado su perspectiva, puede que se deba al nuevo responsable. El informe afirma que Tramell Tillman, protagonista de Severance, interpretará al nuevo jefe del Departamento de Control de Daños en Spider-Man: Brand New Day.

«Su papel en la película será dirigir una investigación del Departamento para detener a un nuevo metahumano rebelde al que llevan tiempo vigilando»

«El personaje en cuestión será interpretado por Sadie Sink».

«El personaje de Sink estará bajo la protección de Frank Castle, interpretado por Jon Bernthal, lo que lo convertirá en una persona de interés en la investigación del DODC, junto con Bruce Banner y Spider-Man».


Sadie Sink de Stranger Things a protagonista de Spider-man 4 y a ¿Jean Grey?


 

Departamento de Control de Daños

Según se informa, el papel de Tillman en Spider-Man: Brand New Day no será puntual y probablemente dará lugar a la próxima saga de la historia. Tras Vengadores: Secret Wars, el Departamento de Control de Daños evolucionará hasta convertirse en una agencia dedicada a detener a cualquier superhumano rebelde que no esté bajo la supervisión de un grupo como Los Vengadores.

«la idea detrás de esta historia es conseguir que el público en general tema a los superhéroes y a las personas con superpoderes, lo que permitiría a la agencia obtener financiación federal, continuar sus experimentos con ellos y desarrollar armas para neutralizar la «amenaza mutante»».

Como parte de esta trama, villanos como Bolivar Trask, Los Centinelas o Mister Siniestro se infiltrarán en proyectos «centrados en los mutantes», y es de suponer que uno o todos ellos tendrán vínculos con el Departamento de Control de Daños. Teniendo esto en cuenta, la posibilidad de que se creen Centinelas utilizando los diseños de Iron Man parece cada vez más probable.

El futuro de los X-Men y de los mutantes en general, pende de un hilo.

Un saludo y sed felices.

Teaser de El Día de la Revelación. Hollywood (y Spielberg) vuelve a prometer contacto alienígena (otra vez)

Lo confieso, cada vez que Hollywood anuncia una película sobre extraterrestres noto un déjà vu más fuerte que el de Matrix. Pero es que ayer soltaron el teaser de El Día de la Revelación y oye algo me hizo sacar una sonrisa en mi semblante, como cuando encuentras un billete o unas monedas en las ranuras del sofá. Algo que no esperas y es bueno, y es que irremediablemente se nota que por detrás de todo está la mano del Rey Midas, Steven Spielberg.

El avance no enseña mucho, por eso se llama teaser, claro, pero se lee en entrelineas una especie de contacto alienígena que puede ir entre Encuentros en la Tercera Fase y la Guerra de los Mundos. Veremos en que deriva todo esto porque aún no sabemos casi nada de la cinta. ¿Contacto pacífico? ¿Contacto beligerante? ¿Qué hacen los animales actuando como si tuvieran raciocinio?

el dia de la revelacion 2

Al frente del invento está un director que posiblemente sea el director más famoso del mundo Steven Spielberg, acompañado de los actores Emily Blunt, Josh O’Connor, Colin Firth, Eve Hewson, Colman Domingo, Wyatt Russell, Henry Lloyd-Hughes y Michael Gaston. Ese momento en el que te preguntas: ¿y si esta vez sí nos sorprenden con algo nuevo? ¿Y si esta vez estamos ante un peliculón?

Recordemos que esta historia parte de una idea del propio Steven Spielberg, pero cuya adaptación a la gran pantalla corre a cargo de David Koepp, el mismo que llevo a los cines Parque Jurásico en 1993.

Ya veremos si el Día de la Revelación revela algo, o se queda simplemente en un quiero y no puedo. Confío en Spielberg, sólo me queda eso.

A continuación os dejo el tráiler en español.

Un saludo y sed felices.

Reseña de Laberintos de Charles Burns edición ómnibus: Entre sombras y metamorfosis

En el vasto universo del cómic, pocos autores logran capturar las complejidades de la adolescencia con la misma destreza que Charles Burns. Su obra Laberintos es un testimonio inquietante y provocador sobre la confusión, el deseo y el miedo que caracterizan esos años tumultuosos de la vida. Laberintos recién editada en formato ómnibus por Reservoir books, no solo se erige como una exploración del crecimiento personal, sino también como una meditación visual rica en simbolismo y ambigüedad, donde cada viñeta parece pulsar con la energía de un mundo tanto fascinante como aterrador.Reseña de Laberintos de Charles Burns edición ómnibus: Entre sombras y metamorfosis

Desde su primera página, Burns envuelve al lector en un ambiente cargado de tensión, un laberinto visual que refleja la angustia interna de sus personajes. La narrativa gira en torno a un grupo de adolescentes que navegan por las complejidades del sexo, las relaciones y la identidad, en medio de un entorno surrealista que se transforma en un personaje más de la historia. En este universo, lo cotidiano se entrelaza con lo grotesco; sueños y realidades se fusionan para crear un paisaje onírico que desafía la lógica y la razón.

El trazo estilizado y las sombras marcadas que caracterizan el arte de Burns contribuyen enormemente a esta atmósfera inquietante. Su estilo, a menudo comparado con el trabajo de Edward Gorey, mezcla lo macabro con lo cómico, lo que permite que las emociones de los personajes resalten con claridad a pesar de la oscuridad que los rodea. Los rostros están dotados de expresiones exageradas que reflejan no solo sus pensamientos internos, sino también la alienación y el desasosiego inherentes a la juventud.omnibus laberintos cosas felices

A medida que avanzamos en la lectura, nos encontramos con la figura central de la narrativa, Doug, un adolescente atrapado en un torbellino de emociones contradictorias. Sus dudas y miedos son palpables, manifestándose en escenas que alternan entre lo real y lo fantástico. El uso del surrealismo es particularmente efectivo, ya que nos sumerge en la psique de Doug y nos invita a recordar nuestras propias inseguridades adolescentes. Sus encuentros con otros personajes, cada uno cargado de sus propios traumas y anhelos, crean un tejido narrativo denso y multifacético que mantiene en vilo al lector.

Uno de los elementos más intrigantes de Laberintos es la manera en que Burns utiliza simbologías recurrentes para profundizar en los temas tratados. Las arañas y los laberintos aparecen como metáforas constantes del encierro y la búsqueda de salida que experimentan los jóvenes protagonistas. Las arañas, en particular, pueden interpretarse como representaciones de lo desconocido, de los miedos que acechan en la penumbra de nuestras mentes. Este simbolismo invita al lector a cuestionar la naturaleza de sus propios miedos, convirtiendo Laberintos en un espejo en el que muchos pueden verse reflejados.Laberintos integral cosas felices

Las relaciones interpersonales en Laberintos son otro aspecto digno de análisis. Burns retrata con sinceridad las complicaciones que surgen en estos vínculos durante la adolescencia: la confusión amorosa, la traición y la inevitabilidad de la soledad. La amistad entre Doug y sus compañeros se ve amenazada por celos y malentendidos, creando un ambiente tenso que resulta familiar para cualquiera que haya atravesado la tumultuosa etapa de la juventud. Cada interacción revela una nueva capa de complejidad emocional, lo que hace que los lectores se cuestionen hasta qué punto son capaces de comprender y aceptar a los demás, así como a sí mismos.

Por otro lado, la narrativa de Burns no rehúye del horror y el gore, elementos que se entrelazan con la historia para crear una experiencia visceral. En Laberintos, la violencia es simbólica y literal, funcionando como un recordatorio de que la transición a la adultez está plagada de sufrimiento y sacrificios. Las imágenes impactantes y a menudo perturbadoras sirven para confrontar al lector con las realidades más oscuras de la vida, haciéndonos reflexionar sobre la fragilidad de la existencia humana.integral omnibus laberintos burns cosas felices

A medida que el relato avanza, se hace evidente que el verdadero laberinto que deben sortear los personajes no es solo el exterior, sino también el interior. La lucha por encontrar la identidad, por construir un futuro en medio de la confusión y el desasosiego, es una temática que resuena profundamente. Doug, con su introspección y vulnerabilidad, se convierte en un símbolo de una generación que busca identidad en un mundo que a menudo parece hostil e incoherente.

La narrativa de Burns también se distingue por su capacidad para evocar una sensación de nostalgia a través de la representación de una época: los años 80 y 90, con su cultura pop y sus temores sociales.

A través de las referencias visuales y culturales, el lector es transportado a un momento en el que los adolescentes lidiaban con conceptos que hoy podrían parecer más claros, como la sexualidad y la presión social, pero que se vivieron entonces con una intensidad casi inabarcable. Este contexto histórico añade una capa adicional de conexión emocional, haciendo que los temas universales de Laberintos resuenen con fuerza en aquellos que crecieron en esa era y en quienes están experimentando estos dilemas en la actualidad.omnibus laberintos integral cosas felices

El cómic aborda el tema del crecimiento de manera cruda y honesta, mostrando que no hay una transición sin dolor. Las metamorfosis de los personajes, tanto físicas como emocionales, son representaciones visuales del cambio que ocurre dentro de ellos y del inevitable paso del tiempo. La angustia de perderse a sí mismo en la búsqueda de lo que uno debería llegar a ser es una lucha particularmente aterradora y que Burns retrata con una sinceridad abrumadora.

No se puede dejar de lado la complejidad de Laberintos como una obra abierta a la interpretación. Cada lector puede encontrar en sus páginas diferentes significados, dependiendo de sus propias experiencias y vivencias. La riqueza de su simbolismo y la profundidad de sus personajes permiten múltiples lecturas, lo que convierte la obra en un clásico contemporáneo que invita a ser redescubierto una y otra vez.

Las preguntas que surgen durante la lectura son muchas: ¿Qué es realmente el laberinto? ¿Es una búsqueda de identidad, el miedo a lo desconocido o la lucha por entender a los demás y a uno mismo? Este espacio ambiguo y, a la vez, concreto, es el que hace de Laberintos una experiencia literaria y visual excepcional.laberintos omnibus cosas felices

Laberintos de Charles Burns es mucho más que un cómic; es una exploración profunda de la adolescencia, un viaje a través de los laberintos de la mente humana, donde las sombras y los deseos se entrelazan en una danza de descubrimiento y autocomprensión. Con su estilo inconfundible, su narrativa envolvente y su capacidad para confrontar los temores más oscuros de la juventud, Burns se establece como uno de los narradores más brillantes del medio. Laberintos es una obra que perdura, un faro que guía y acompaña a las generaciones, recordándonos que, aunque el camino puede ser tortuoso, siempre hay esperanza en la búsqueda de la luz al final del túnel.

 

Ficha técnica

Autor: Charles Burns

Editorial: Reservoir books

ISBN: 9791387740528

Fecha: 20 oct 2025

Formato: Tapa blanda con solapas

Páginas: 232

Reseña de Starhenge libro uno, el Dragón y el Jabalí. Un complejo acercamiento a los mitos artúricos que mezcla Terminator con Camelot

Ya podemos disfrutar en España gracias a Planeta de Starhenge, una obra peculiar en la que su autor, Liam Sharp, se encarga de todo: guion, bocetos, ilustraciones, color y maquetado, con la ayuda de Dave Gibbons en un puñado de tipografías logrando una mezcla entre comic y libro ilustrado que llama poderosamente la atención por un apartado artístico apabullante. Pero vayamos por partes.

El resumen de la editorial es el siguiente: Un Merlín del futuro viaja a la Britania del siglo V para impedir que unos aterradores robots asesinos capaces de viajar en el tiempo despojen de magia al universo. Entretanto, la animada narrativa que Amber Weaver hace del presente revela cómo se ve atraída a una guerra que trasciende el tiempo.

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La idea de Starhenge le viene a Liam Sharp de su pasión por el personaje de Merlín, pero no de la idea que todos tenemos del Gran Mago, la que proviene sobre todo de La Morte d´Arthur de sir Thomas Mallory. Para Sharp es más interesante la visión que ofrece Godofredo de Monmouth en su Historia Regum Britanniae (un libro escrito sobre el año 1100) y la que luego refrenda Nikolai Tolstoy en The Quest for Merlin. Esta interpretación es más cruda y realista (dentro de lo realista que se puede ser con los mitos), y también mucho más interesante a la hora de introducirla en un relato fantástico como es Starhenge.

Porque Starheng mezcla los mitos artúricos con la ciencia ficción más dura dando lugar a un relato escalofriante, que es muy exigente con el lector, pero que acaba atrapando una vez se entra en su juego. Es cierto que la idea de llevar al Rey Arturo a un escenario de ciencia ficción no es precisamente nueva; ya lo hizo Mike W. Barr en la muy entretenida Camelot 3000. Pero lo que hace Liam Sharp va mucho más allá. Su historia es compleja, complicada y muy exigente con el lector.

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Starhenge está narrada a través de tres escenarios temporales: el futuro lejano, muy muy lejano, el presente y el pasado en el que vivió Merlín. Y la historia acaba haciendo confluir todos estos momentos ya que, en realidad, todo está pasando a la vez en una complicada visión de la corriente temporal

En el futuro vamos a ver cómo la humanidad está a punto de sucumbir en una cruenta guerra contra las máquinas. La única arma que teníamos para derrotarlas era la magia, pero los seres tecnológicos han logrado viajar en el tiempo para eliminar la misma de la corriente temporal y llevarnos al borde de la derrota. Entonces la Reina de la humanidad manda al pasado a sus propios agentes con el fin de proteger la magia. Uno de ellos, el hijo de la Reina, acaba convertido en el mítico Merlín, aunque hay otros agentes que en nuestro presente no saben ni su origen ni su función y que se demostrarán decisivos en esta guerra.

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Esta claro que además de los libros sobre Arturo y Merlín, Liam Sharp se ha visto muy atentamente Terminator porque el argumento recuerda mucho al de las películas de Schwarzenegger.

Por si este argumento, con los múltiples cambios temporales y la cantidad de personajes en danza no fuera lo suficiente complicado, el arte de Liam Sharp hace que el lector tenga que poner todavía más atención en descubrir qué es lo que pasa en cada página. El artista combina técnicas de collage digital, fotografía, pintura y dibujos con varios estilos distintos según la situación.

Esto hace que el apartado visual del libro sea espectacular, pero a veces muy difícil de seguir. Sobre todo porque Sharp es un dibujante especialmente dotado para la fantasía, con unos personajes, escenarios y monstruos que parecen sacados del mejor libro de ilustraciones, pero a la vez, tiene muchas limitaciones a la hora de plasmar la tecnología. A todo esto hay que sumarle un color muy oscuro que hace que sea complicado ver detalles, recordando incluso a lo que pasa en algunas series modernas (te estoy mirando a ti Juego de Tronos).

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De lo que no queda la menor duda es del enorme esfuerzo que ha tenido que suponer esta obra para el autor. Tanto a nivel argumental, con las referencias a las fuentes más antiguas de los mitos artúricos y esa manera tan especial de mezclarlos con la ciencia ficción más dura, como a nivel artístico, ofreciendo unas ilustraciones magníficas, todo un tour de forcé creativo en el que destacan algunas dobles páginas realmente espectaculares.

La edición de Planeta recoge en un volumen los seis números que componen el primer libro de Starhenge (de seis) de esta apasionante epopeya y que tiene como titulo El Dragón y el Jabalí. Esta publicación tiene 184 páginas encuadernadas en tapa dura y además incluye una galería de portadas, un guion para un proyecto que fue el germen del libro que nos ocupa y un interesante epílogo a cargo del propio autor que sirve para poner en contexto al lector. El precio de venta es de 20 euros. En EE.UU. aún no se ha publicado nada más, así que no nos queda mas que rezar para que los nuevos capítulos salgan cuanto antes.

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En resumen, Starhenge es un ambicioso proyecto en el que Liam Sharp ha volcado todo su talento para contarnos una apasionante historia que mezcla de una manera increíble Terminator con Camelot. Nunca había visto un acercamiento así a mitos Arturícos, logrando crear una historia muy original con un material al que hemos tenido mil acercamientos tanto en cine, como en literatura o en comic. Y todo con un acabado artístico apabullante en el que el autor mezcla muchos estilos, unas veces con más acierto que otra, pero siempre espectacular.

Es cierto que estamos ante una lectura compleja y exigente, que hará que el lector tenga que volver sobre sus pasos una y otra vez para entender bien la historia, pero una vez que entremos dentro de este fantástico universo corremos el riego de quedar atrapados para toda la eternidad.

Reseña de El Prisionero de las Estrellas, del maestro Alfonso Font. Una odisea existencial en los márgenes de la distopía y uno de los mejores cómics de 2025. cARTEm Cómics.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el inmenso placer de presentaros uno de los mejores cómics que  se han publicado en 2025: El Prisionero de las Estrellas. Realizado por el maestro Alfonso Font y publicado por cARTEm Cómics. Vamos a echarlo un ojo …

El Prisionero de las Estrellas

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El Prisionero de las Estrellas fue publicado, de manera serializada a principios de los años 80′ en la mítica revista CIMOC,donde originalmente se editó en glorioso blanco y negro.

No es solamente un cómic de ciencia ficción. Yo lo considero una parábola sombría sobre la supervivencia, la libertad y la deshumanización en un futuro en el que la esperanza de la humanidad no son sus clases políticas gobernantes. Al contrario.

No dejo de pensar que esta historia está muy vigente en pleno siglo XXI, en que las clases mandatarias de todos los países del mal llamado primer mundo velan por sus intereses individuales en vez de hacerlo por los de los ciudadanos a los que gobiernan. Pero esta reflexión parcial y subjetiva debe quedarse aquí.

Escenario: Una Tierra condenada.

Debido al uso y abuso de las armas nucleares (por parte de las clases gobernantes) el sol se ha visto afectado y se está convirtiendo en nova. Esto ha provocado que su acción sobre su superficie de la Tierra incida de manera mucho más agresiva.

La Tierra ha sido arrasada por la radiación ultravioleta y la supervivencia en nuestro antaño planeta azul es prácticamente imposible.

La vida humana se aferra a la existencia en ciudades subterráneas o en bases fuertemente protegidas bajo una cúpula de calor sofocante y un cielo hostil.

En este entorno apocalíptico, la sociedad se ha vuelto paranoica y brutalmente jerarquizada. La ley y el orden son mantenidos por una fuerza policial opresiva y omnipresente que ejerce un control absoluto sobre una población desesperada. El sistema ha colapsado moral y físicamente.

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La huida de un proscrito.

El corazón de la historia late al ritmo de la huida de su protagonista, un hombre sin nombre, un antihéroe anónimo que encarna la desesperación del hombre común frente a un sistema monstruoso.
La trama arranca con su escape del temido «Penal del Diablo», una prisión de máxima seguridad que es un infierno en la Tierra.
Su fuga no es un acto de heroísmo, sino de pura y dura supervivencia.
A lo largo de la narración, Alfonso Font desgrana una road movie (o mejor dicho, una space road movie de baja intensidad) que es, en realidad, un viaje existencial.
El protagonista deambula por los márgenes de esta sociedad terminal, encontrándose con personajes secundarios que reflejan las diferentes facetas de la desesperación humana: otros fugitivos, oportunistas, víctimas del sistema y, ocasionalmente, chispas de solidaridad fugaz.
La persecución es el motor constante del relato. Una policía implacable le sigue los pasos, convirtiendo cada encuentro y cada localización en un potencial campo de batalla.
La paranoia es un elemento clave; nunca se sabe quién es un aliado y quién es un agente del sistema.
Enmascarada la historia en una cortina de ciencia ficción, el autor nos presenta temas trascendentales como la deshumanización de las personas, una ácida crítica social a los sistemas totalitarios, una crítica aún más voraz a la pérdida de las libertades individuales y una alegoría a la esperanza en la desesperanza.
El volumen, editado de manera soberbia por cARTEm Cómics, presenta la historia en dos partes claramente diferenciadas por el ambiente y el tono.
En la segunda parte prima un poco más la aventura, aunque prosigue la crítica social a los totalitarismos y el dibujo del maestro baja de sobresaliente a notable.
Debo referir que esta segunda aventura se queda sin terminar. Las historias dejaron de publicarse y no tuvimos la finalización.
Prisionero

Un trazo inolvidable.

Gráficamente, la maestría de Alfonso Font es indiscutible. La obra originalmente fue realizada en un blanco y negro contrastado y expresivo que enfatizaba la oscuridad y el calor del ambiente.
La nueva versión a color no desmerece en nada a la edición original. La aplicación del color por parte del Maestro hace que su estilo, que mezcla la línea clara con un claroscuro dramático, siga dotando a la obra de una atmósfera opresiva, casi tangible.
En definitiva, El Prisionero de las Estrellas no es solo un cómic de culto; es una obra maestra de la narrativa gráfica que merece ser leída y estudiada.

La soberbia edición de cARTEm Cómics.

Tenemos ante nosotros un lujoso volumen en tapa dura, a todo color, que cuenta con 152 páginas de papel satinado de un gramaje importante, lomo recto y que destila grandísima calidad en cuanto lo tienes entre tus manos.

También he de destacar el prólogo realizado por Rafa Marín, escritor, traductor, director de la Línea Sin Fronteras de Dolmen Editorial y amante de los tebeos que nos sitúa en la época álgida de las revistas de historietas, momento en que fue concebido este Prisionero de las Estrellas.

Lo tenemos disponible desde el mes de noviembre de 2025 y cuenta con un P.V.P. de 34,95€.

Pinchad AQUÍ para obtener más información o adquirir el cómic, directamente desde la página web de cARTEm Cómics.

Y ahora que he terminado de leer la obra … Quisiera echar un guante a mi estimado Daniel Díez, enamorado de los cómics y editor de Cartem:

«Daniel … ¿Cómo verías una edición especial en blanco y negro?«

Ahí te lo dejo, Daniel … Y aquí os dejo a vosotros un pequeño avance, para poder disfrutar del arte de Alfonso Font.

Alfonso Font, uno de los Grandes.

Alfonso Font Carreras (Barcelona, 1946) es una figura indispensable del cómic español.
Con una extensa trayectoria que abarca décadas y géneros, es conocido por su estilo realista y detallado, consolidándose como un referente tanto a nivel nacional como internacional.
Inició su carrera a finales de los 60, trabajando para mercados extranjeros antes de convertirse en un pilar fundamental de revistas españolas de los años 70 y 80 como Cimoc.
Es aquí donde desarrolló sus obras más icónicas en blanco y negro, a menudo como autor completo (guion y dibujo).
Su obra destaca por la maestría en la ciencia ficción distópica, con títulos de culto como El Prisionero de las EstrellasCuentos de un futuro imperfecto, donde utilizaba el género para la crítica social y la reflexión filosófica.
Font también ha brillado en el cómic de aventuras, colaborando en series como Juez Dredd, para el mercado británico y creando personajes propios como Clarke & Kubrick.
En la actualidad, sigue en activo y se encuentra realizando la trilogía de aventuras de Aloma, para cARTEm Cómics. Hasta el momento, se han publicado:
Aloma. El tesoro del temerario (Pinchad AQUÍ).
Aloma 2. La cabeza de del Papa. (Pinchad AQUÍ).
Reconocido con numerosos galardones, incluyendo el Gran Premio del Salón del Cómic de Barcelona en 1993, Alfonso Font permanece como una figura clave cuya obra mantiene una notable vigencia.
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Valoración final de El Prisionero de las Estrellas.
La nueva edición de El Prisionero de las Estrellas por parte de cARTEm Cómics es, sencillamente, una revelación y un ejercicio de justicia histórica. Es difícil exagerar la importancia de esta obra de Alfonso Font, que, incomprensiblemente, no había sido reeditada hasta ahora.
El cómic me ha cautivado profundamente. Es una obra maestra de la ciencia ficción distópica, un relato atemporal y opresivo que captura la esencia de la desesperación humana frente a la tiranía.
Pero si la historia es potente, la edición es espectacular. Font ha logrado un trabajo sobresaliente al presentar la obra por primera vez a color, respetando el trazo original y realzando la atmósfera sombría y calurosa del universo moribundo que creó. El color añade una capa de inmersión que enriquece la experiencia de lectura.
En definitiva, esta reedición es una cita obligada para cualquier aficionado al cómic de autor. Una joya redescubierta que demuestra la genialidad de Alfonso Font y la vigencia de un clásico que, por fin, recibe el tratamiento que merece. Imprescindible en cualquier biblioteca que se precie.
La edición de cARTEm Cómics es una oportunidad inmejorable para sumergirse en esta odisea distópica y reflexionar sobre un futuro que, en muchos aspectos, sigue siendo inquietantemente relevante.
Acercaos a El Prisionero de las Estrellas y por supuesto …
¡Sed Felices!

Se rumorea que Lobezno (Wolverine), interpretado por Hugh Jackman, tendrá un gran momento en Vengadores Doomsday

Aunque no se ha confirmado la aparición de Lobezno (Wolverine), interpretado por Hugh Jackman, en Vengadores Doomsday, un nuevo rumor sugiere que el héroe tendrá un momento en la película que podría hacer gritar a los fans. ¿Lobezno en Vengadores Doomsday?


¿Cómo se dice Wolverine (Logan) en los países de habla hispana? ¿Lobezno, Glotón, Guepardo, Carcayú?


 

Tras su retirada de Lobezno (Wolverine) en la película Logan en 2017, Hugh Jackman regresó triunfalmente en Deadpool & Lobezno. Hasta ahora, no se ha confirmado la aparición de los héroes en ninguna de las dos películas (Vengadores Doomsday o Secret Wars), pero ha habido información contradictoria sobre su participación.

Lobezno

Un informe de Forbes parecía confirmar sus papeles, pero todavía no hay información oficial sobre si realmente estarán presentes en estas dos películas. En cualquier caso, la mayoría de los expertos parecen estar de acuerdo en que, al menos, Hugh Jackman volverá como Lobezno (Wolverine) . Ahora, incluso ha surgido un nuevo rumor que insinúa un espectacular regreso del héroe. Si es cierto, estaríamos con un impacto similar al de las memorables escenas de Vengadores Endgame.

Alex Pérez, de The Cosmic Circus, respondió de forma críptica en X a un tuit de Discussing Film en el que se hablaba de que Hugh Jackman insinuaba su regreso como Lobezno. Pérez respondió con: «Algo no cuadra…».

A continuación, respondió a su propio tuit con: «Esto tendrá sentido dentro de un año, para tu información», aparentemente insinuando que se refería a Avengers: Doomsday, que se estrenará dentro de un año. Un fan respondió a la publicación, afirmando que el comentario de Pérez significaba que Lobezno (Wolverine) estaría «muerto», a lo que él respondió: «Au Contraire Mon Amie». Otro fan le pidió que diera más detalles. El informante lo hizo, insinuando que Logan tendría un momento en la película que provocaría una reacción de los fans que rivalizaría con las provocadas por las mencionadas Endgame y Spider-Man: No Way Home:

«Si tomas las reacciones más ruidosas del público de [Infinity War], Endgame, [No Way Home], Deadpool y Wolverine, y las pones juntas en un cine IMAX, probablemente sus gritos no alcancen el nivel de reacciones y gritos que podría provocar el momento al que me refiero».

Lobezno

Otro usuario sugirió que eso significaba que Lobezno (Wolverine) pasaría el testigo a otro personaje. Sin embargo, Pérez pareció insinuar que Logan tomaría a alguien bajo su protección:

«No. Él se lleva esa mierda, corre con ella y se lleva a alguien con él».

Es difícil imaginar qué momento protagonizado por Lobezno (Wolverine), interpretado por Hugh Jackman, podría provocar la misma respuesta entusiasta de los fans que Endgame o Now Way Home. Sin embargo, si fuera cierto, Doomsday se convertiría en una propuesta aún más emocionante. También es curioso el aparente indicio de Pérez de que el héroe no pasará el testigo a otra persona, sino que, al parecer, la tomará como aprendiz. X-23 es una parte importante de la historia del Lobezno (Wolverine) de Jackman, por lo que podría ser el personaje al que aparentemente se refiere el informante.

Un saludo y sed felices

El prólogo filtrado de La Odisea muestra una intensa batalla de Troya y un primer vistazo al cíclope

Recientemente se ha confirmado que el prólogo de seis minutos de La Odisea, de Christopher Nolan, se estrenará en los cines antes de Avatar: Fuego y ceniza, y las imágenes y el video ya se han filtrado en Internet.


Avatar: Fuego y Ceniza. Todas las primeras reacciones de la crítica internacional


 

El clip filtrado, que muestra la increíble banda sonora de Ludwig Göransson, se abre con el rey espartano Menelao, interpretado por Jon Bernthal, preguntando a Telémaco (Tom Holland) si «conoce la historia del caballo».

A continuación, vemos a Odiseo (Matt Damon) y a sus hombres escondidos en el legendario caballo de madera gigante mientras los soldados troyanos lo arrastran hacia la ciudad, atravesándolo con sus espadas para comprobar si hay griegos.

Cuando cae la noche, el legendario héroe lidera un ataque, derribando sigilosamente a los enemigos mientras los griegos intentan abrir la puerta principal, y la tensión aumenta hasta el comienzo de una batalla a gran escala.

El avance concluye con rápidos destellos de acción, y podemos ver al gigante cíclope conocido como Polifemo. La calidad del clip hace que, por desgracia, el monstruo quede en gran parte oculto, pero aún así es posible distinguir parte del diseño práctico de la criatura.

No compartiremos aquí el avance filtrado, pero no debería ser muy difícil de encontrar.

Nolan explicó su enfoque de los elementos más fantásticos de la historia durante una entrevista reciente con la revista Empire.

«Una de las cosas que tenía que resolver era cómo abordar los elementos mitológicos de una forma más realista. El gran avance creativo al pensar en los dioses fue que todo lo que ahora se explica mediante la ciencia antes se consideraba sobrenatural. Los rayos, los truenos, los terremotos, los volcanes… la gente veía literalmente a los dioses en todas partes; ni siquiera las pruebas de la existencia de los dioses, sino las acciones de los dioses. No quiero decir demasiado al respecto, más allá de indicar que sí, las pruebas de lo sobrenatural están por todas partes alrededor de estas personas. Es una parte muy importante de sus vidas. Y creo que es muy divertido aprovechar eso».

La Odisea

Un saludo y sed felices.

Adiós a Héctor Alterio, gloria del cine argentino y español

Este sábado 13 de diciembre nos dejó Héctor Alterio, sin duda uno de los insignes actores a ambos lados del Atlántico. Actuó en cinco títulos nominados al Oscar como mejor película en habla no inglesa (cuatro por Argentina y uno por España) y edificó una carrera jalonada de éxitos y galardones.

Corrían mediados de los setenta y se hallaba en España presentando el filme La Tregua (1974) en el Festival de San Sebastián, además de hallarse en el país con motivo del rodaje de Cría Cuervos (1975). Fue entonces cuando se enteró que su nombre figuraba en una lista negra de la Triple A (Alianza Anticomunista Argentina), organización terrorista de ultraderecha que manejaba como marioneta a la entonces presidenta constitucional María Estela Martínez (viuda de Perón), y ello le convenció de quedarse en España sin quizás saber que sería para siempre. Este sábado y con noventa y seis años, Héctor Alterio falleció en Madrid, dejando detrás de sí un impresionante legado cinematográfico.

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Madrid fue mi cárcel y mi salvación durante el exilio. Hoy es mi suerte, mi casa” manifestó hace un par de años con motivo de ser distinguido con el Premio de Honor por su trayectoria en el Festival de Cine de Alicante.

De orígenes familiares napolitanos, Héctor Benjamín Alterio Onorato, tal su nombre completo, había llegado al mundo con la primavera austral, un 21 de septiembre de 1929, en el funerario barrio de Chacarita, Buenos Aires (donde se halla uno de los dos cementerios más importantes de la ciudad) y apenas poco más de un mes antes de que el panorama global se viera violentamente sacudido por el cimbronazo del “crack” de Wall Street, con la consecuente depresión mundial que se extendería durante toda la década siguiente.

Y es que Alterio fue un poco hijo de todo eso y a ello sumó el exilio (confirmado al producirse en Argentina el golpe de estado de 1976), dando así lugar a un cóctel que definiría tanto su vida como su obra, caracterizada por interpretar con gran versatilidad a personajes que podían ser lo mismo sufridos, atormentados, ruines o decadentes, pero que en muchas ocasiones acababan celebrando la vida.

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Ostenta, de hecho, un récord que comparte con Ricardo Darín, que es haber actuado en cuatro películas argentinas nominadas al Oscar: La Tregua, Camila, La Historia Oficial (ganadora incluso de la preciada estatuilla) y El Hijo de la Novia, en la que ambos actores compartieron cartel como padre e hijo. Para ponerlo en claro, de los ocho filmes de esa nacionalidad que tuvieron nominación a mejor película de habla no inglesa, siete de ellos tuvieron a alguno de ambos involucrado como protagonista o incluso, como el caso antes mencionado, a los dos.

En su país, fue antes del exilio partícipe de las producciones clásicas más contestatarias y con rigor histórico, todo un registro de época durante los ’70: Argentino hasta la Muerte (1970) de Fernando Ayala, La Patagonia Rebelde (1974) de Héctor Olivera (ganadora del Oso de Plata en el Festival de Cine de Berlín) y Quebracho (1974) de Ricardo Wullicher. 

A las mismas debemos agregar tres colaboraciones con el gran Leopoldo Torre Nilsson: El Santo de la Espada (1969, donde interpretó a Simón Bolívar en la escena del memorable encuentro con el general San Martín) , La Maffia (1971, por la cual fue reconocido con el Cóndor de Plata como mejor actor de reparto) y, por último, Los Siete Locos (1972), basada en la inmortal novela de Roberto Arlt.

Ya en la madre patria, grandes directores españoles lo convocaron para sus producciones y a la ya mencionada Cría Cuervos, a las órdenes de Carlos Saura(aquí nuestro artículo con motivo de su fallecimiento en 2023), se agregó unos años después A un Dios Desconocido (1977) de Jaime Chavarri, que lo hizo entrar por la puerta grande en el cine nacional al ganar la Concha de Plata como Mejor Actor en el Festival de Cine de San Sebastián, a la que siguieron El Crimen de Cuenca (1979) de Pilar Miro y El Nido (1980) de Jaime Armiñan, película nominada al Oscar por España que, además, le valió el Premio al Mejor Actor por la Asociación de Cronistas de New York.

Ya en los noventa, dos filmes de Gonzalo Suárez: Don Juan en los Infiernos (1991) y El Detective y la Muerte (1994), lo cual no quitó que regresara cada tanto a su país, rodando así en la localidad de General Las Heras (muy cerca de donde vivo) y a las órdenes del canadiense André Mélançon , un filme tan simple como bello y quizás injustamente poco recordado: El Verano del Potro (1991).

Ello, además de cuatro películas para Marcelo Piñeyro que fueron éxitos de taquilla: Tango Feroz (1993), Caballos Salvajes (1995), Cenizas del Paraíso (1997) y Plata Quemada (2000). De ellas, Caballos Salvajes le valió uno de sus papeles más icónicos al dar vida a un anciano ex anarquista que perpetraba el robo de un banco para cobrarse una antigua deuda y, al hacerlo, secuestraba al cajero que acababa convirtiéndose en su cómplice. La frase “la p…, que vale la pena estar vivo”, por él pronunciada más de una vez durante el filme, se convirtió en una de las más emblemáticas del cine argentino.

También en televisión se lució a ambos lados del Atlántico: en España con Segunda Enseñanza (1986), Canguros (1984), El Barco (2012-13) y en Argentina con Alén, Luz de Luna (1996) y Tiempo Final (2001). Y a no olvidar por supuesto su trayectoria teatral (en definitiva su primer amor), habiendo actuado en más de cincuenta obras e incluso fundado en su país la compañía Nuevo Teatro que, nacida en 1950, se mantuvo activa hasta 1968.

En 2003 fue galardonado con el Goya de Honor por su trayectoria y su vasto palmáres incluye también premios Konex, Martín Fierro y Max, además de los que han sido mencionados a lo largo del artículo.

Este fin de semana nos dejó en definitiva un actor de la hostia y la luz que ha desparramado a lo largo de su tan extensa como rutilante carrera seguirá seguramente iluminando a quienes lo tendrán, con toda justicia, como ejemplo y referente.

Hasta siempre Héctor. Y gracias por tanto…

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Crítica de Jay Kelly (2025), tan amable que ni acaricia.

Había mucha expectación con el estreno de Jay Kelly, superproducción de Netflix dirigida directamente a festival y, con ello, a la temporada de premios. No ha sido así. Jay Kelly no suena para ninguna nominación y su estreno ha sido como el de cualquier otra película de Netflix: limitado en cines para, finalmente, aterrizar en la plataforma a principios de diciembre.

Jay Kelly se centra en una veterana estrella de acción del mismo nombre que, a raíz de un encuentro con un antiguo compañero suyo al que le robó el papel que le hizo famoso, comienza a reflexionar sobre las consecuencias de una vida  de estrellato. Su desconcertado equipo de agentes se verá obligados a seguirle hasta un homenaje que va a recibir en la Toscana.

¿Por qué todos esperábamos Jay Kelly? Uno de los motivos es su director Noah Baumbach, un autor que ha destacado por su capacidad para las historias que mezclan tanto drama como comedia. Suyas con Una historia de Brooklyn o Frances Ha. Pero fue con Historias de un matrimonio, drama con Scarlett Johansson y Adam Driver que fue todo un éxito, cuando su nombre se empezó con codear con los grandes de la industria. Actualmente aliado con Netflix (su siguiente película, Ruido de fondo, pasó sin pena ni gloria), estrena ahora Jay Kelly, con guión coescrito por él y la actriz Emily Mortimer, que también aparece en la película.

Pero el motivo principal es que Jay Kelly prometía ser el regreso triunfal de George Clooney, una de las grandes estrellas de las últimas décadas, aunque la mayor parte de su producción como actor se concentra en unos quince años, entre finales de los 90 y 2015.

Clooney, considerado un actor cuyo físico remitía a Cary Grant, compaginó magistralmente su labor como actor con la dirección y producción de películas tan notables como Buenas noches y buena suerte o la magnífica Los idus de marzo, una de las mejores películas de política de la historia del cine.

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Sin embargo, por lo que sea, Clooney lleva una década en la que apenas actúa y únicamente dirige películas de menor enjundia que las que rodó previamente (Cielo de medianoche, Remando como un solo hombre, El bar de las grandes esperanzas). Hasta que el año pasado coprotagonizó Wolfs junto a su amigo Brad Pitt y ahora regresa en un papel publicitado como el mejor de su carrera.

Y no estoy muy de acuerdo con lo publicitado. Primero, porque Clooney tiene muchísimas mejores películas. Empezamos: La saga Ocean, Syriana, Buenas noches y buena suerte, Michael Clayton, Up in the air, Los idus de marzo, Los descendientes o Money Monster.

Segundo, porque gran parte de la calidad de estas películas se basaban en una gran interpretación de su estrella, capaz de otorgar seriedad, comicidad o patetismo en función de lo que el guión requiriera. En el caso de Jay Kelly, es probable que su interpretación recuerde a la del Ryan Bingham que se dedica a volar de un lado a otro del país para despedir a gente en Up in the air. El papel de Clooney es bastante más amargo que en esta amable y condescendiente Jay Kelly.

Porque sí, la película es un retrato de la falsedad de la estrella, obligado a ser como los personajes que interpreta para el público hasta el punto de no saber muy bien quién es realmente. Algo que se sobre explica durante toda la película, como el hecho de que, por mucho que sea una de las personas más conocidas del mundo, sea una persona que se siente terriblemente sola.

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Así, a lo largo de Jay Kelly asistimos a un proceso de autoconocimiento del personaje desatado por la certeza de que todo su éxito se cimenta en “haberle robado” (lo hizo mejor en el casting) a uno de sus mejores amigos un papel. Y estos temas, la apariencia y la soledad, se repiten durante toda la película como un mantra amable. Si no fuera por sus actores, Jay Kelly parece el típico telefilm de domingo por la tarde.

Sorprende que, con la simpleza de su guión, Clooney esté tan bien acompañado: Laura Dern, Greta Gerwig, Patrick Wilson, Billy Crudup…y Adam Sandler, la otra piedra del proyecto y el mejor personaje de la película. El principal agente del artista, un hombre que ha sacrificado su vida familiar por el bienestar de una estrella que, cuando tiene a bien arrepentirse de toda una vida, tiene que hacerlo con todo su séquito a cuestas.

La química entre Clooney y Sandler es lo mejor de la película junto a un final muy emocionante que mejora pero no compensa la tibieza de lo visto durante toda la película. Como análisis de las flaquezas de una estrella hollywoodiense, Jay Kelly es una amable tragicomedia que, como mucho, acaricia y que solo llega a agarrarnos el corazón cuando se eleva en sus minutos finales.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!