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El cómic de la semana: La trilogía de Contrato con Dios de Will Eisner

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos La trilogía de Contrato con Dios de Will Eisner. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

La trilogía de Contrato con Dios de Will Eisner

Hay cómics que te entretienen. Hay cómics que te flipan. Y luego está la trilogía de Contrato con Dios de Will Eisner, que directamente te mira a los ojos y te dice: “mira, chaval, la vida es esto y no siempre es bonita”.

Y claro, vienes con la mentalidad de “me voy a leer un cómic tranquilito”, y lo que te llevas es una experiencia que te deja un poco tocado. Tampoco roto del todo, pero sí como cuando sales de ver una peli muy buena y necesitas diez minutos en silencio para recomponerte.

Norma ha recuperado ahora este mastodonte en un pack con los tres tomos con más de 550 páginas en blanco y negro que básicamente son historia viva del cómic.

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Esto no es un cómic. Es el momento en que todo cambió

Vamos a decirlo claro, aquí nació eso que hoy llamamos “novela gráfica”. Y no como etiqueta de marketing para que no te dé vergüenza leer cómics en el metro. No. Aquí nació de verdad.

En 1978, Eisner decidió contar historias adultas, con problemas reales, con personajes que no llevaban capa ni máscara. Y lo llamó novela gráfica porque quería que se tomara en serio.  Y claro, le salió esto.

Una obra que no va de salvar el mundo, sino de sobrevivir en él. Que no habla de héroes, sino de gente normal intentando no venirse abajo. Que no te da respuestas, pero te deja preguntas que te acompañan bastante rato.

Dropsie Avenue, el barrio donde pasa la vida (y todo lo demás)

Las tres partes que componen la trilogía son Contrato con Dios, Ansia de vivir y Avenida Dropsie y giran alrededor de un mismo escenario, un barrio ficticio del Bronx.

Y lo fascinante es que ese barrio se convierte en protagonista.

En la primera obra ves historias concretas, humanas, muchas veces duras. De hecho, la historia principal nace del dolor personal de Eisner tras la muerte de su hija, y eso se nota. No es impostado. No es drama barato. Es real.

En la segunda vuelves al mismo lugar, pero con otras vidas, otros conflictos, como si el barrio respirara por sí mismo.

Y en la tercera ya no hablamos de personas concretas, sino del propio barrio como entidad. Lo ves crecer, cambiar, degradarse, evolucionar, como si fuera un ser vivo con mala suerte.

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Lo incómodo. Aquí no hay escape

Esto es importante decirlo, porque alguien tiene que hacerlo, este cómic no es para todos los públicos ni para aquellos que buscan un final feliz.

Aquí no vienes a desconectar. Vienes a enfrentarte a temas como la fe, la frustración, la pobreza, el paso del tiempo o la injusticia. Cosas ligeritas, vamos.

Pero lo curioso es que, aun siendo duro, no es deprimente. Porque también hay humanidad, pequeños momentos de luz, gente intentando salir adelante como puede.

Es como la vida misma, pero sin filtros de Instagram.

Eisner dibujando como si estuviera contando secretos

El dibujo aquí no busca lucirse. No hay poses épicas ni splash pages para colgar en la pared. Lo que hay es narrativa pura.

Cada viñeta está pensada para contar algo. Para transmitir emoción. Para hacerte sentir incómodo o cercano, según toque. Y lo hace con una naturalidad insultante.

Porque parece fácil, hasta que te das cuenta de que no lo es en absoluto.

Un clásico que perdura (y eso es buena señal)

Que esto se siga leyendo hoy y siga funcionando dice mucho. Muchísimo.

Porque no depende de modas, ni de referencias pop, ni de giros locos de guion. Depende de algo mucho más complicado, entender a las personas.

Y ahí, Eisner juega en otra liga. Eisner tiene un don, por eso es un grande.

La conclusión es que esto hay que leerlo, aunque no te apetezca.

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Contrato con Dios y otras historias de los tenements

Eisner presenta cuatro historias sobre la vida en la avenida Dropsie, un barrio del Bronx, en Nueva York. La historia que da título a la obra fue la forma en la que el autor procesó la muerte de su hija Alice, de dieciséis años.

Ansia de vivir

Revisitamos el vecindario de la avenida Dropsie para conocer más historias cuotidianas de sus habitantes y, quizás, encontrarle sentido a la vida.

Avenida Dropsie

Un barrio, como una persona, crece, evoluciona, madura, e incluso muere. A través de las historias de sus habitantes, veremos los cambios que sufre la avenida Dropsie durante más de un siglo.

Os dejo el enlace a la editorial y debajo de estas líneas la portada de la edición española de Norma editorial.

La trilogía de Contrato con Dios de Will Eisner

Un saludo y sed felices

Series y Películas que se entrenan en Disney+ Mayo 2026

Como todos los meses, compartimos las novedades de Disney+, que este mayo nos trae como principales el episodio especial y único The Punisher: One Last Kill y la película Send Help, del maestro Sam Raimi.

Bienvenidos sean a un nuevo mes de novedades en Disney+, en este caso las del mes de mayo que, creo, nunca vinieron tan pobres en cantidad, pues lo que se dice estreno una vez más, no vienen muy cargadas, pero sí con algunos títulos de peso que ya pasamos a recorrer.

Entre las series, y como episodio especial único, se destaca sin duda The Punisher: One Last Kill, que retoma a uno de los antihéroes mas conocidos y más corrosivos de Marvel. Como no podía ser de otra manera, Frank Castle vuelve a ser interpretado por Jon Bernthal, quien ya le diera vida en las dos temporadas que tuviera la serie dedicada al personaje en Netflix, así como en la primera temporada de Daredevil: Born Again (de ambas pueden leer nuestros análisis pinchando en los respectivos links).

Reinaldo Marcus Green (director de El Método Williams) está a cargo de un proyecto del cual, recordemos, Bernthal había declinado en un momento participar, pero quedó al parecer convencido con el rumbo que se le dio al personaje en Daredevil: Born Again, según él más cercano al espíritu original. En esta oportunidad, Castle intentará llevar una vida tranquila en la cual dejar atrás todo sentimiento de venganza pero, como es de esperar, le será imposible.

Estreno el 13 de mayo.

 

Fuera de ello y siguiendo con series, lo único que puede ser llamado estreno (por lo menos para la plataforma) es RJ Decker, serie creada por Rob Doherty que fue puesta al aire por ABC en el mes de marzo y que está basada en la novela Doble Golpe (1987), de Carl Hiaasen. Con Scott Speedman en el papel principal, sigue justamente a R.J. Decker, un fotógrafo de prensa que ha ido a parar a prisión por una agresión cometida en estado de angustia emocional debido al asesinato de un amigo.

Salido de su reclusión, busca iniciar una nueva vida como investigador privado en el sur de Florida junto a su actual esposa, que es policía, y a su ex, que es periodista, además de una abogada adinerada con aires de femme fatale. Al encontrarse con un crimen para resolver que reviste características similares a aquel que le tocara tan de cerca, se verá obligado a meterse en el sombrío mundo de Tampa, tan turbio como los pantanos del lugar y lleno de revelaciones insospechadas.

Estreno en la plataforma el 6 de mayo.

 

Entre las películas se destaca especialmente Send Help (Enviad Ayuda), ya que viene con el detalle de estar dirigida nada menos que por el gran Sam Raimi y protagonizada por Rachel McAdams, quien interpreta a una estratega corporativa que, tras un accidente aéreo, queda varada en una isla deshabitada junto al director ejecutivo de su empresa, siendo los únicos sobrevivientes de la tragedia.

La historia de supervivencia en una isla desierta puede sonar a muchas veces vista (Náufrago, Perdidos, El Lago Azul, Seis Días y Siete Noches), pero estando Sam Raimi de por medio es de creer que tendrá algún giro especial y, en este caso particular, parece tener que ver más con la propia tensión entre los dos sobrevivientes que con peligro externo.

Estreno el 7 de mayo.

 

Siguiendo con las películas (bah, mejor dicho con la única que nos queda), llega a la plataforma Playa de Lobos, comedia negra de suspenso psicológico hispano-argentina que, con dirección del gallego Javier Veiga, fuera estrenada en los cines en diciembre de 2025.

Protagonizada por el español Dani Rovira (ganador del Premio Goya por Ocho Apellidos Vascos) y el argentino Guillermo Francella (protagonista de la serie El Encargado), ha cosechado buenas críticas en su paso por las salas y su historia parte del encuentro casual entre un trabajador de la playa y un turista que, poco a poco, se irá revelando justamente como no tan casual.

Estreno el 8 de mayo.

 

Bueno, y no hay más, les dije que era poco. Pero no podemos dejar de mencionar que además tenemos nuevas temporadas de series ya en curso, como las segundas de Rivales, Deli Boys o la documental Tucci en Italia, de National Geographic y conducida por el inmenso Stanley Tucci. También la segunda parte de la quinta de Colegio Abbott, la cuarta de El Encargado (aquí nuestros análisis) y, ya en el terreno de la animación, nuevos cortos de la adorable perrita australiana Bluey y nada menos que el episodio 800 de Los Simpson, que llega el 27 de mayo como parte de su ya estrenada temporada 37.

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Sin más, al listado…

 

SERIES

. El Encargado (temporada 4, 1 de mayo)

. RJ Decker (temporada 1, 6 de mayo)

. Tucci en Italia (tempora 2, 12 de mayo)

. The Punisher: One Last Kill (episodio especial único, 13 de mayo)

. Rivales (temporada 2, parte 1, 15 de mayo)

. Bluey (nuevos cortos, 20 de mayo)

. Colegio Abbott (temporada 5, parte 2, 27 de mayo

. Deli Boys (temporada 2, 28 de mayo)

PELÍCULAS

. Send Help (7 de mayo)

. Playa de Lobos (8 de mayo)

 

DOCUMENTALES

. Bienvenidos al Wrexham Football Club (temporada 5, 6 de mayo)

. Tucci en Italia (temporada 2, 12 de mayo)

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Y esto es todo por este mes. Esperando que hayan encontrado algo de su gusto e interés, nos volvemos a encontrar en junio.  Hasta entonces y sean felices…

Crítica de Buena suerte, Pásalo bien, No Mueras: IA y viajes en el tiempo

Hay películas que hacen pensar al espectador sacándolo de su zona de confort y Buena suerte, Pásalo bien, No Mueras es una de ellas. Una comedia disparatada con grandes ideas y un mensaje de reflexión seria sobre nuestra actualidad y el uso de la IA (algo parecido a lo que buscaba Sin Piedad, pero sin terminar de explotar su potencial).

Viajes en el tiempo

Algo bueno que tiene la ciencia ficción es que consigue trasladar problemas filosóficos y conflictos morales a nuestra actualidad, para avisarnos de que el comportamiento de la humanidad nos puede llevar a mundos futuros sombríos o apocalípticos. El subgénero de los viajes en el tiempo nos ofrece la oportunidad de descubrir qué hacemos mal para cambiar ese futuro tenebroso en el que se convierte el mundo.

Partiendo de esta premisa, Buena suerte, Pásalo bien, No Mueras es una versión irreverente, creativa e imaginativa que logra tener su propia personalidad (algo parecido a la hipnótica Donnie Darko). Sus virtudes la colocan, aun a pesar de sus fallos, como un referente de las películas de bucles temporales, ya que tiene la habilidad de ejecutar con maestría, ritmo y precisión una intrincada red de ideas sorprendentes y desmitificadoras sobre la IA. Su elaborada puesta en escena rebosa frescura e inteligencia, sacando al espectador de su letargo y obligándolo a pensar.

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Argumento y créditos

Su trama nos cuenta cómo un hombre, con una pinta curiosa, dice venir del futuro. En ese bar tiene que reclutar a un variopinto grupo de personas para salvar el mundo. Durante una noche, este grupo de improvisados héroes deberán derrotar a una amenazante inteligencia artificial que ha conquistado el planeta.

Buena suerte, Pásalo bien, No Mueras está protagonizada por Sam Rockwell, Haley Lu Richardson, Michael Peña, Zazie Beetz, Asim Chaudhry, Tom Taylor y Juno Temple. El director de la película es Gore Verbinski (el responsable de la primera trilogía de Piratas del Caribe). Su guionista es Matthew Robinson y Jim Whitaker es el encargado de la fotografía. El compositor de la banda sonora es Geoff Zanelli. Las productoras de la película son: 3 Arts Entertainment, Constantin Film y Blind Wink Productions.

La comedia como puerta de entrada a una reflexión más incómoda

Buena suerte, Pásalo bien, No Mueras supone el regreso de Gore Verbinski a un terreno en el que se maneja bien: la mezcla de una propuesta fantástica repleta de acción y humor. Hay que reconocer que tiene una marcada personalidad a la hora de rodar, gracias a una mirada visualmente ambiciosa. Aunque su tendencia a los excesos pirotécnicos lastra su acabado final.

La película nos plantea un relato en varias capas: desde una divertida aventura de ciencia ficción hasta una comedia salvaje que oscila entre lo surrealista y lo lúdico. Sin embargo, debajo de esas capas se encuentra un mensaje profundo que deja algunas inquietantes preguntas sobre nuestro futuro y el uso que hacemos de la tecnología.

Un futuro que nos consume y devora hasta convertirnos en espontáneos parásitos de la vida, que huyen de la realidad para abrazar la falacia de la virtualidad. Destaca especialmente la secuencia en la que los jóvenes del instituto destrozan una obra clásica como Ana Karenina mientras siguen mirando sus móviles. El pasado, la lectura y el pensamiento parecen extinguirse tras los cristales luminosos de un móvil. A continuación (en un claro homenaje a El Pueblo de los Malditos de John Carpenter), los jóvenes furiosos porque les interrumpen la señal del móvil, persiguen a los profesores en una manada carente de emociones humanas, mostrando inquietantes conductas psicópatas.

ciencia ficción

Un reparto sólido entregado al caos

En cuanto a los actores, Sam Rockwell sobresale con un personaje que se balancea entre el histrionismo y la locura, que consigue arrancarnos más de una sonrisa. Él se lo pasa genial y el público también. El resto del reparto es un conjunto de piezas sólidas que manejan con acierto los momentos de diversión, ofreciendo los recursos necesarios para obtener resultados satisfactorios.

Mención especial para Juno Temple, cuya trama relacionada con su hijo resulta realmente perturbadora (aunque con un gag genial sobre los anuncios), y para Haley Lu Richardson, quien desde esa mirada lánguida y afligida compone con sensibilidad, ese prisma de la soledad emocional de quienes se sienten diferentes por vivir desconectadas de las redes. Desconexión que se basa en una idea tan original como sugerente: la de tener alergia a la tecnología.

No todo funciona como un reloj. Tiene un ritmo irregular que afecta especialmente a los flashbacks, lo que provoca que la película se alargue en exceso. Su registro cómico, tendente a la exageración, hace que algunas reflexiones se pierdan entre incoherencias y chistes que debilitan su propuesta. Buena suerte, Pásalo bien, No Mueras se esfuerza en ofrecer un ritmo frenético igual que el que ofrecen las redes sociales, pero la dopamina se pierde entre algún discurso fuera de tono, un final caótico que crea confusión y un ritmo que se desinfla por su duración desmesurada.

Buena suerte, Pásalo bien, No Mueras

Conclusión

Una película construida para captar la atención del espectador, obligándole a pensar, reflexionar e implicarse en la historia para sacar conclusiones. Buena suerte, Pásalo bien, No Mueras logra diseñar un universo narrativo singular que varía entre lo extravagante y lo reflexivo. Un universo repleto de instantes de comedia que conviven con la acción y el entretenimiento, una mezcla que impulsa este extraño, sombrío y peligroso viaje para luchar contra las malévolas influencias de la inteligencia artificial. (Aquí puedes leer un interesante artículo sobre cómics, robots y tecnología)

Buena suerte, Pásalo bien, No Mueras es el divertido, apocalíptico y caótico enfrentamiento final entre la humanidad y la IA. Una guerra en la que está en juego algo más que la supervivencia: la capacidad de decidir nuestro propio destino. Una batalla que nace de la peligrosa tendencia a buscar la felicidad en lo virtual, que trasciende lo personal para convertirse en una lucha por preservar nuestra identidad frente al dominio del algoritmo.

En definitiva, Buena suerte, Pásalo bien, No Mueras se convierte en una incisiva, revoltosa y turbulenta advertencia sobre en qué puede convertirse la sociedad: seres sin personalidad sometidos al nuevo dios de la tecnología, al que le hemos entregado nuestra atención, nuestra vida social y, en última instancia, quiénes somos.

Estreno el 10 de abril de 2026 en salas de cine españolas. A continuación os dejamos con el tráiler:

 

Crítica de Depredador dominante (2026), una aventura (sin) más de Netflix.

Como esto es un no parar de novedades, Netflix estrenó el pasado viernes Depredador dominante, título un tanto flojo para el original Apex, la nueva película de Baltasar Kormákur con, ni más ni menos, que Charlize Theron y Taron Egerton como protagonistas.

Una mujer aficionada a la aventura se adentra en un parque natural de Australia acosada por la culpa de la muerte de su novio cuando escalaban una montaña en Noruega. Allí se verá perseguida por un asesino en serie.

Depredador dominante es una película de Baltasar Kormákur, director noruego especialista, en sus producciones norteamericanas, en tramas donde la naturaleza no es solo un personaje más, sino un enemigo demasiado poderoso para los protagonistas. Ocurre en Everest, con esa expedición de turistas que sale terriblemente mal, y en La bestia, con ese padre de familia enfrentado a un león que quiere acabar con sus hijos.

La trama no es la cima de originalidad. De hecho, no es la primera vez que vemos en pantalla grande como se enfrentan los seres humanos en una naturaleza hostil. Lo vimos en Colorado Jim, uno de los mejores westerns de los años 50, con un despiadado cazarrecompensas que está dispuesto a todo con tal de llevar, vivos o muertos, a unos bandidos como única forma de redimirse ante una mujer que le ha abandonado. Una travesía que realiza a través de unas montañas tan escarpadas como su corazón.

También lo vemos en Defensa, con un grupo de cazadores pijos asolado por unos lugareños que no desean forasteros en sus tierras. O en La presa, con un agente del FBI que persigue a un discípulo reconvertido en criminal. Y qué decir de Acorralado, el primer Rambo. O Río salvaje. O Máximo Riesgo, esa Jungla de cristal en la montaña con Sylvester Stallone.

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Depredador dominante reúne muchos de los tópicos de este tipo de cine en un lujoso serie B pese a las estrellas que la protagonizan.

Tenemos a una Charlize Theron cada vez más alejada de los papeles dramáticos de la primera década de los 2000. Recordemos que tiene un más que merecido Oscar por Monster. Tanto como que, en los últimos años, su carrera se encuentra en una tibia decadencia.

La contrapartida es el infravalorado Taron Egerton, protagonista de la saga Kingsman y que ha participado en películas tan notables como Eddie el Águila, Rocket Man o Tetris. Es carismático y tiene presencia, pero sus últimos estrenos siempre han ido directos a plataformas. Y, por mucho que se diga, un actor se encuentra en primera línea cinematográfica cuando sus películas se muestran en pantalla grande.

Ambos cumplen en un enfrentamiento que peca de previsible pese a ser entretenido. Depredador dominante se sitúa en un parque natural en lo más profundo de Australia. Las imágenes del paisaje son impresionantes, y minimizan el gran conflicto que tenemos entre manos.

La lucha se ve venir de lejos, convirtiéndose en una entretenida películas más sobre la cacería humana. Charlize Theron se muestra estoica, tanto que pueda llegar a no emocionar. Por el contrario, Egerton está excesivo como el asesino que le persigue. Como suele ocurrir en este tipo de historias, el villano marca la tensión y, con ello, la calidad de Depredador dominante.

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Al final, la historia tiene un giro interesante, pero la película peca de poco ambiciosa. En otras ocasiones, menos de dos horas de duración es algo beneficioso. En el caso de Depredador dominante, nos quedamos con muchas cuestiones en el aire, como los motivos del villano o el papel de los cazadores que aparecen en el parque.

En definitiva, Depredador dominante es una entretenida historia de supervivencia con unos protagonistas carismáticos que podría dar mucho más de sí, pero que se queda corta. Netflix se conforma con una trama encorsetada que deja demasiadas explicaciones sin respuesta y que cuenta con unos personajes superficiales que, sobre todo en el caso del villano, se beneficiarían de alguna que otra capa más.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

La serie de anime Kagurabachi tiene ya fecha oficial de estreno: abril de 2027

La próxima gran serie de anime Kagurabachi está cada vez más cerca, ya que se ha anunciado oficialmente que la serie para televisión, del Studio Cypic, se estrenará en abril de 2027.

Llevaban meses circulando rumores sobre una serie de anime de Kagurabachi, y la cuenta atrás de la semana pasada, que prometía un gran anuncio, no ha defraudado.

Hoy mismo se ha anunciado oficialmente que la serie de anime para televisión de Kagurabachi se estrenará oficialmente durante la primavera de 2027, el próximo mes de abril. Básicamente, nos queda un año de espera.

El cómic de la semana: Kagurabachi

Ahora que My Hero Academia, JJK y Demon Slayer han llegado a su fin, los aficionados al anime occidentales han estado revisando minuciosamente el Weekly Shonen Jump para identificar qué serie de manga se convertirá en el próximo gran éxito, y la opinión general es que Kagurabachi, de Takeru Hokazono, era la más indicada para tomar el relevo.

El manga se ha descrito habitualmente como John Wick con katanas cuando los fans de la serie intentan promocionarlo entre lectores curiosos.

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Junto con el anuncio del anime, se reveló que la serie cuenta actualmente con 4 millones de ejemplares en circulación en todo el mundo. Sin duda será interesante ver si esa cifra se dispara una vez que el anime comience a emitirse el año que viene.

A continuación puedes ver el vídeo teaser de presentación y la imagen promocional de la serie de anime Kagurabachi.

Un saludo y sed felices.

Nuevo póster de «Masters of the Universe» alucinante centrado en los héroes y villanos

Un nuevo póster de «Masters of the Universe» centra toda la atención en los héroes y villanos del reboot, pero sitúa a He-Man (Nicholas Galitzine) y Skeletor (Jared Leto) en primer plano, y están rodeados de varios rostros conocidos.

El He-Man de Nicholas Galitzine está flanqueado por Camila Mendes como Teela, Idris Elba como Man-at-Arms, Battle Cat, Kristen Wiig como Roboto, Morena Baccarin como la Hechicera y James Purefoy como el rey Randor.

Los juguetes de Masters of the Universe revelan las primeras imágenes de la película

Alrededor del Skeletor de Jared Leto se encuentran villanos emblemáticos de «Los Maestros del Universo», como Alison Brie en el papel de Evil-Lyn, Kojo Attah como Tri-Klops, Sam C. Wilson como Trap Jaw, Beast Man y Spikor. Al fondo, se alzan imponentes el Castillo Grayskull y la Montaña de la Serpiente.

Durante una entrevista reciente, el cineasta Travis Knight recordó no haber visto a Galitzine durante varias semanas durante la preproducción, y lo sorprendido que se quedó al ver su nuevo físico musculoso cuando finalmente se reencontraron.

«Estaba entrenando en el plató mientras hacíamos los preparativos. Y cuando lo volví a ver, pensé: «Joder»»

«No podía creer lo mucho que había cambiado. Había ganado muchísima masa muscular en tan poco tiempo. A veces miro fotos de cuando lo conocí y parece un tipo totalmente diferente».

Al explicar que, antes de conocerse, no estaba «muy al tanto del trabajo de Nick. Había visto algunas de sus cosas», Knight añadió que, desde el principio,

«supe casi inmediatamente al conocer a Nick que: «Oh, sí, este es el tipo» «Dios mío, este tipo es perfecto».

¡Por el poder de Grayskull! El espectacular primer tráiler de ‘Masters of the Universe’ (2026) ya está aquí.

Hay mucho revuelo positivo en torno al reboot, pero aún está por ver si eso se traducirá en críticas positivas por parte de los fans y la crítica. Amazon MGM Studios espera que esta película dé inicio a una nueva franquicia, por lo que todas las miradas estarán puestas en su rendimiento tanto a nivel de crítica como comercial.

Os dejo con el nuevo póster de «Masters of the Universe».

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Un saludo y sed felices

‘Rental Family’ (2025): Honne, Tatemae y Brendan Fraser

‘Rental Family’ (2025), bajo la dirección de Hikari, es una de esas películas que no pude ver en cine en su día y ahora que la he visto en Disney+, me doy cuenta de lo que me perdí. Una obra que nos habla, con una gran sensibilidad, de la desconexión emocional en el Japón actual. No se limita a ser un nos encontramos ante melodrama sobre la soledad; es una exploración de los límites entre la realidad y lo que mostramos a los demás, y de cómo el afecto, incluso cuando es ‘alquilado’, puede ser un grandísimo apoyo en un entorno de represión social.

El gran acierto de Hikari es contextualizar la industria de las ‘familias de alquiler’ no como una rareza, sino como un síntoma del Honne (los sentimientos reales) y el Tatemae (la fachada pública). En Japón, la armonía social a menudo depende de silenciar el yo interno, un país en el que visitar a un psicólogo está mal visto, pero emborracharse y contarle tus problemas a un extraño no lo está. La película retrata una sociedad donde la gente prefiere pagar por una conexión ficticia antes que arriesgarse a la vulnerabilidad de una real.

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En este escenario aterriza Phillip (Brendan Fraser), un actor estadounidense venido a menos cuya carrera y vida personal están en ruinas. Phillip es el contraste absoluto: posee esa expresibidad emocional que resulta casi escandalosa en Tokio. Donde otros ven un guion y una transacción, él ve seres humanos necesitados, lo que lo convierte en un ‘empleado’ tan eficiente como peligroso para el futuro de la empresa.

Uno de los puntos más agudos de la película es cómo esa profunda involucración del personaje de Fraser empieza a pasarle factura fuera y dentro del trabajo. Mientras él se sumerge en sus ‘trabajos’ hasta el punto de que la línea entre su vida y la ficción se borra, las personas cercanas de ‘Rental family’ lo llegan a juzgar con una mezcla de desconcierto y rechazo.

Para ellos, el trabajo en la agencia es una forma cínica de supervivencia, un ‘dinero fácil’. No entienden por qué Phillip antepone un evento escolar de una niña que no es suya, a su propio futuro. Estos choques ponen de manifiesto una verdad incómoda para los jaoponeses: la empatía desmedida de Phillip es vista como una debilidad o incluso como una patología por aquellos que han aprendido a vivir blindados.  Su entorno cercano lo critica por involucrarse demasiado, sin comprender que, para él, interpretar esos papeles es la única forma que ha encontrado de volver a sentirse vivo.

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EN CF: TODOS LAS PELÍCULAS QUE PUEDES ENCONTRAR RESEÑADOS EN NUESTRA WEB


La película se construye a través de momentos de gran ternura donde el contrato se rompe:

El vínculo con Mia: Phillip es contratado para ser el padre de una niña en una entrevista escolar, ya que para una madre soltera es casi imposible conseguir que acepten a su hija. Fraser transmite con una sola mirada la tragedia de saber que su afecto tiene fecha de caducidad, mientras que para la niña es un ancla vital. Además, el vinculo con Mia lo lleva a mirarse y darse cuenta lo que no tiene en su vida y lo que necesita.

La vida de Kikuo: Su relación con un actor anciano con demencia ha sido la mejor parte de esta cinta. Al fingir ser un periodista que quiere entrevistarlo, Phillip permite que el hombre recuerde lo que lo hizo grande. Lo mejor de esta historia es que se explora también la relación del personaje de Fraser con su propio padre. Es aquí donde la película defiende que una mentira piadosa puede ser más honesta que una verdad fría.

Y no me quiero olvidar de Brendan Fraser, que ha vuelto, tras su trabajo en ‘La ballena’ a demostrar que es un actor solvente y capaz de mostrar su lado más humano. Me alegro que lo tengamos de vuelta y en este tipo de roles.

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Conclusión

‘Rental Family’ es una carta de amor a la conexión humana sin filtros sin olvidar la crítica a la sociedad japonesa y su forma de enfocar las emociones. Hikari utiliza la frialdad estética de Tokio para resaltar el calor que emana de Phillip, un gigante de gran corazón que se niega a ser un simple figurante en las vidas que alquila.

La película nos recuerda que, aunque las culturas dicten normas tan estrictas sobre cómo y cuándo sentir, el dolor y la necesidad de sentirse querido son universales. Al final, el conflicto de Phillip con quienes lo rodean solo confirma su triunfo: en un mundo que prefiere el silencio y la distancia, su insistencia en involucrarse emocionalmente resulta ser un acto de rebeldía necesario.

¿Cuánto de lo que llamamos «vida real» es, en realidad, una actuación que no nos atrevemos a abandonar?

Aquí os dejo el tráiler de ‘Rental Family’:

Un saludo y sed felices.

Novedades de Nuevo Nueve Editores de mayo de 2026. Ricardo Esteban nos presenta un Integral de Los Campbell.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros las novedades de Nuevo Nueve Editores, previstas para este mes de mayo que está a punto de empezar. Ricardo Esteban nos presenta un catálogo (como es habitual) de muchísima calidad.

Novedades de Nuevo Nueve Editores mayo de 2026

Una vez más, el catálogo de Nuevo Nueve viene contenido y con unas publicaciones de una calidad sobresaliente. Pero por encima de las demás, destaca de sobremanera …

Los Campbell. Relato Completo.

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“Los Campbell. Relato completo” reúne en un solo volumen la gran saga pirata de José Luis Munuera, una aventura clásica que combina acción trepidante con humor y melancolía.

El álbum nos presenta a Campbell, un antiguo pirata que ha decidido colgar la espada y las pistolas para criar a sus hijas Icata y Génova en una isla aparentemente tranquila.

La paz se rompe cuando un amor del pasado aparece asesinada, un criminal reclama castigo y un tesoro perdido vuelve a marcar el rumbo de sus vidas.

Obligado a enfrentarse de nuevo a Inferno, su enemigo más íntimo y atormentado, Campbell se verá arrastrado a una odisea llena de duelos, intrigas y secretos familiares, donde la aventura de capa y espada convive con la nostalgia por un pasado del que es imposible huir.

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El arte de José Luis Munuera

Una propuesta ideal para lectores que disfrutan de la aventura clásica con sabor a BD franco-belga, salpicada de personajes carismáticos, diálogos ágiles y un tono familiar que no renuncia a ciertas sombras emocionales.

Lo tendremos disponible en nuestra librería habitual el próximo 11 de mayo. Pinchad AQUÍ para obtener más información desde la web de Nuevo Nueve Editores.

De todas formas, un poquito más abajo, os dejamos el pdf completo con todas las novedades de Nuevo Nueve, previstas para este mes. Echad un ojo, disfrutad y sobre todo …

¡Sed Felices!

Crítica de La momia de Lee Cronin (2026), perfecto ejemplo de gozarlo pasándolo mal.

Reconozco que, en un primer momento, no me planteaba ver esta película. La momia de Lee Cronin me sonaba a El exorcismo de Emily Rose y, como tal, a serie B terrorífica que no suele ser de mi interés. Luego me di cuenta de que esta película es una reformulación de La momia y que han tenido las narices de poner el nombre de su director en el título. Como si Cronin fuera tan conocido como Tarantino, Spielberg, Scorsese o Nolan.

Aún así, más allá de la curiosidad de su título, he de decir que, tras ver esta gran película, ya no solo voy a ver todo lo que se estrene de La momia, sino también las próximas películas de su director Lee Cronin.

El filme se centra en una familia desolada tras la desaparición de una de sus hijas cuando estaban afincadas en El Cairo. Ocho años después, la misma reaparece tras haber estado mucho tiempo dentro de un sarcófago.  La familia acogerá al miembro perdido y tendrá que lidiar tanto con sus propios sentimientos como con las extrañas conductas de su hija…

Es curioso el rumbo que están tomando alguno de los monstruos de la Universal. Mientras que Drácula y Frankenstein no paran de ser adaptados de forma más o menos literal (Nosferatu, Frankenstein de Guillermo del Toro, La novia), en 2020 se estrenó una reformulación de El hombre invisible, donde la ciencia ficción se convertía en una home invasion con una mujer aterrorizada por un acosador que no puede ser visto. Así, la película nos entregaba tanto un terror efectivo como una metáfora de la lacra de la violencia de género.

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La productora Blumhouse, detrás del éxito de aquella película, retoma otro mito del terror con La momia. Aquí no hay rastro del terror onírico de La momia clásica de 1932. Ni tampoco de las aventuras de Brendan Fraser a finales de los 90 o la de Tom Cruise en 2017.

Aquí la maldición egipcia es una excusa argumental para narrar una historia muchas veces vista: la de una familia atacada desde su propio núcleo con la posesión demoníaca de uno de sus miembros.

En este sentido, el guión de Cronin únicamente aporta un detalle argumental interesante sobre el duelo. El dolor por la desaparición de su hija es inenarrable y seguro que muchos padres habrán contemplado estas escenas con un nudo en la garganta. Pero, una vez inmersos en un dolor con el que convivirán el resto de sus vidas, ¿se está dispuesto a que el ser querido vuelva, aunque no sea la misma persona que desapareció? Queda claro que sus padres la siguen queriendo, pero, ¿Y si el que ella regrese supone la destrucción del resto de la familia?

Aún así, lo más interesante de La momia de Lee Cronin no es lo que cuenta, sino cómo lo cuenta. La película es el ejemplo perfecto de como el género de terror es único en una de las grandes paradojas del entretenimiento moderno: el cómo disfrutar una película pasándolo mal.

La película es una sucesión de escenas de terror in crescendo que, cuando llega la imagen desagradable, no aparta la cámara, sino que la mantiene un paso más, generando una sensación incómoda que llevaría a muchos a irse de las salas de cine…si no fuera por ciertos detalles humorísticos que nos hacen tomar distancia de lo que vemos.

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Sin destripar detalles del argumento, vemos la escena de un funeral en el que los huevos rellenos son salpicados de sangre y unas asistentes se los comen con gusto, alabando el sabor sin saber lo que contienen.

Tanto el terror como el humor o el gore se ven atravesados por el drama familiar al más puro estilo El exorcista, con una familia desconcertada por el ser en el que se ha convertido su hija. Y esto no funcionaría si no fuera por las excelentes interpretaciones de los padres, el irlandés Jack Reynor y la española Laia Costa, en su salto internacional tras ser la protagonista de Cinco lobitos.

En definitiva, La momia de Lee Cronin es una gran película de terror que coge la fórmula clásica de La momia para hablar del duelo y del desear que una persona regrese a toda costa a través de una historia que aúna el drama familiar, el terror clásico, el gore y unas pinceladas de humor. Si os gusta la extraña sensación de disfrutar pasándolo mal, no os la perdáis.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Análisis de Outlander. Temporada 8. Episodio 8

Ya faltan solo dos episodios para la conclusion de Outlander y analizamos su octavo capítulo titulado En el Bosque. Creada por Ronald D. Moore y basada en la exitosa saga de novelas de Diana Gabaldon, la serie de Starz es emitida para España por Movistar+ y para América Latina por Disney+.

Hola otra vez forasteros y viajeros del tiempo. Aquí una vez más para analizar un nuevo episodio de Outlander y vaya que falta poco para terminar este viaje comenzado hace casi doce años, lo cual confieso que me produce algo de nostalgia a pesar de haberlo pedido (y de que la serie misma lo pidiera a gritos desde la temporada pasada). En medio de los preparativos para la batalla de Kings Mountain, tenemos dos reconciliaciones (una bastante particular), un flashback que viene a cubrir un bache, una traición, un nuevo sacerdote y otra viajera del tiempo.

Hay bastante para contar en este octavo episodio de esta octava temporada, así que hagámoslo de una vez, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos de Outlander y aquí los de su precuela Outlander: Sangre de mi Sangre.

            Sueño de Libertad

Comenzamos con Jamie y Marsali junto a la tumba de Fergus. Con ojos llorosos, ella dice que va a considerar la oferta de Beauchamp, pero admite que le genera conflicto y no porque el conde St. Germain fuese un villano corrupto, sino porque hacerlo sería en algún punto traicionar la memoria de Fergus, quien siempre consideró a Jamie como su verdadero padre.

Visiblemente conmovido, el escocés le anima de todas formas a aceptar la herencia y le deja en claro que Fergus siempre será su hijo y no habrá título ni papel que cambie eso. Marsali dice que usará parte de ese dinero para reactivar la imprenta revolucionaria a pesar del riesgo que le implica, pues Fergus defendía la libertad y solo encuentra tal valor en la causa americana (faltó una bandera como fondo).

Cuando Jamie se marcha y ella se queda “hablando” con Fergus, le da (y nos da) la noticia que en realidad nos veíamos venir: está embarazada (por algo nos mostraron aquella escena íntima en el episodio anterior). Eso sí: el estado de su vientre revela algún salto temporal…

Ojo de Halcón

A todo esto, las armas pedidas han llegado a Fraser´s Ridge , aunque son algo anticuadas y Jamie lo lamenta porque sabe de los nuevos diseños que tiene Ferguson. Pero Brianna (otra de embarazo avanzado) va siempre un paso por delante y ya sabemos que es toda una especialista en meter la pata cuando de alterar la historia se trata, así que las mejora de acuerdo a criterios del siglo XIX que conoce bien por habérselos enseñado su “otro padre”.

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La efectividad de las armas queda confirmada al probarlas mientras Buck se encarga de entrenar a los milicianos ante la inminente batalla y le cuenta finalmente a Roger qué ocurrió con Rob Cameron. Resulta que, después de dejar a Geillis, decidió hacerle una visita al susodicho en 1980 (Buck ya es un experto viajero del tiempo) y lo encontró comprando una gema, señal inequívoca de que pensaba también viajar y no con buenas intenciones. Un breve flashback nos muestra que Cameron atacó con cuchillo a Buck, pero este fue más diestro y le terminó ensartando su propia arma.

Jamie elogia la puntería de Brianna y se sorprende al enterarse que Frank la apodaba “Ojo de Halcón” (deadeye), justamente lo que se lee en la dedicatoria del libro (en mi subtitulado aparecía literal y desacertadamente traducido como vigota, lo cual no aplica al contexto).

Ello redefine las cosas y, hablando luego Jamie con Claire (¿no sabía ella del apodo?), ambos concluyen en que quizás Randall no haya querido atormentarles sino simplemente advertirles. Si el libro está dedicado a Brianna, significa que solo quiere protegerla y, para ello, necesita a Jamie vivo. En otras palabras: siempre tuvo todo planeado y sabía que Claire acabaría volviendo al siglo XVIII y muy probablemente en compañía de Brianna. Ok, sí, suena a demasiado…

Como consecuencia, el relato en off de Frank regresa, pero no ya como una voz que atormenta permanentemente a Jamie, sino más bien como guía. Los esposos de Claire, separados entre sí por el tiempo y la muerte, están haciendo alianza…

Día de Pesca

En Savannah, Amaranthus está preocupada por la repentina desaparición de William, de la cual se culpa por haberle mentido sobre la supuesta muerte de Ben. John busca tranquilizarla con que lo más probable es que se haya ido a pensar al monte Josiah y su alejamiento no tenido que ver con ella sino con un encontronazo que con él tuvo. Obviamente, no da precisiones.

Pero William se ha ido a Fraser´s Ridge, donde es bien recibido e incluso invitado a cenar, aunque se advierte tensión con Jamie, a quien deja claro que ha ido en realidad a visitar a Brianna. De todas formas, se ve al joven emocionado de reencontrarse también con Fanny, Ian y Rachel.

Llegada la cena, Roger anuncia la aprobación de su solicitud para ser ordenado sacerdote, siendo ello motivo de brindis y felicitaciones. Jamie invita a William a pescar como en los antiguos tiempos, pero este se excusa con un compromiso previamente contraído con Brianna y Roger que, sin embargo, se encargan de “despejarle” el camino aduciendo que pueden postergar para más tarde: ya no hay excusas…

Mientras pescan, William le saca a Jamie el tema de su conflicto con John y le anoticia (o cree hacerlo) de que es un sodomita. Al darse cuenta de que este lo sabe, se reactivan sus sospechas de que había algo entre ambos, pero Jamie replica enérgico que la vida privada de John nada tiene que ver con el noble modo en que hacia él se comportó. De nada sirve: como ya es costumbre, William vuelve a sentirse engañado y se marcha dejando a Jamie con dos cañas de pescar…

Día de Caza

Mientras William ensilla su caballo para largarse, Claire se acerca y le dice que posiblemente ya no tenga otra posibilidad de hacer las paces con su padre: un golpe bajo y algo sucio porque, según dijera antes, ya no cree que Jamie esté condenado por los escritos de Frank. Sea como sea, funciona: William se arrepiente y propone a Jamie ir a cazar al bosque (lo repite varias veces) mientras llega Aaron Whitaker con varios afroamericanos para sumarse a la milicia debido a que las fuerzas de Richardson están arrasando poblaciones de libertos. Otra cosa que sabíamos que ocurriría…

En el bosque, Jamie da cuenta de un venado y ora junto al mismo en una especie de ritual más propio de los aborígenes de América del Norte que de un escocés del siglo XVIII, pero bueno, hay que ajustarse a los tiempos actuales y no estaría nada bien mostrarle como un despiadado asesino de criaturas inocentes.

William se disculpa con Jamie por su destrato de antes, aunque ello no le impide volver a la carga por haberle abandonado de pequeño y ni siquiera vuelto la vista atrás al marcharse. Con lágrimas en los ojos, Jamie explica que lo hizo para protegerlo, habida cuenta de que él era en aquel momento un jacobita buscado por la ley. Y si no volvió la vista atrás fue porque sabía que, de hacerlo, se terminaría arrepintiendo. Hay abrazo entre padre e hijo, con lo que tenemos otra reconciliación…

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Es Palabra de Dios…

Fanny está angustiada porque en el pueblo hay niños que han leído el panfleto con el artículo sobre su hermana: no alcanzo a entender cómo les llegó pues, que yo recuerde, Ian había enviado un único ejemplar a sus tíos y debería estar en poder de ellos. Sea como sea, la niña ha golpeado a alguno de ellos (no esta mal) y teme que Jane esté en el infierno por su doble condición de asesina y suicida, lo que implica violar dos pecados fundamentales para el cristianismo.

Rachel le aconseja hablar con Roger y este le dice que esas normas fueron introducidas por los hombres y no por Dios. Cuando Fanny le pregunta entonces si cree que su hermana esté en el cielo, no le da una respuesta certera pero le aconseja preguntárselo a Dios ella misma.

La niña se dirige pues al mojón de Jane y le pide que le envíe alguna señal. Junto al mismo, y para su asombro, encuentra una gema que la pincha en la mano antes de partirse y mostrar su interior de esmeralda, todo ello mientras los oídos a Fanny le zumban en escena que remite a Jeremiah. ¿Viajera del tiempo entonces?…

Outlander' Season 8 Episode 8 Recap: “In The Forest” | Decider

John, entretanto, recibe carta de Percy Beauchamp diciéndole que tiene noticias sobre “un conocido en común”, obvia referencia al capitán Richardson. Cuando asiste, sin embargo, se encuentra con que es una trampa y es precisamente golpeado en la cabeza y dejado inconsciente por este último. El rostro de Percy manifiesta culpa, pues obviamente ha sido parte…

Balance del Episodio

Estamos ya a solo dos entregas de dar por finalizada la serie y, a diferencia del ritmo vertiginoso que veníamos trayendo, se puede decir que este ha sido un capítulo más relajado y, si se quiere, de transición, lo cual no viene mal.

Ojo: no es que no se sigan cerrando subtramas a velocidad supersónica y la de Buck y Cameron (que hubiera merecido un capítulo completo) se lleva todos los premios. No se entiende qué pasó con Geillis (Buck solo dice que la abandonó al darse cuenta de sus intenciones) y Cameron era un villano con demasiado desarrollo para eliminarlo de modo tan simplista y poco imaginativo. Eso sí: cuidaron que atacara primero para no dejar mal parado a Buck, aunque no deja de ser extraño que un hombre de Dios como Roger agradezca luego a este el haberlo asesinado más allá de que con ello haya salvado a su familia.

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Y si hablamos de temor a dejar mal parados a personajes, Jamie no tiene competencia: en el siglo XVIII comprende cabalmente los derechos de mujeres, minorías sexuales e incluso animales. Vamos a conceder que Claire o incluso Brianna puedan haberlo moldeado, pero… ¿tanto? Es una pena porque algunos episodios atrás parecíamos estar volviendo a ver un Jamie más semejante al de las primeras temporadas, esperanza que se desvaneció muy rápidamente…

En cuanto a las tramas que aún no se cierran, discurren por caminos sumamente previsibles y con poco margen a la sorpresa. No nos vimos venir la muerte de Fergus en el episodio anterior, pero todo lo ocurrido en este ha estado más o menos dentro de lo esperable, como el embarazo de Marsali o el ofrecimiento de Aaron.

También estaba cantada la reconciliación entre Jamie y William, ya fuera en este capítulo o más adelante. Y si seguimos apostando, se me ocurre que ahora William cambiará de bando y combatirá con Jamie; hasta es probable que sea quien le termine salvando la vida contra los hechos descritos en el libro de Frank.

Por cierto, sorprende con qué facilidad Jamie y Claire cambiaron de opinión sobre este último con solo una dedicatoria y una dudosa cadena de relaciones causales a partir de la misma. Si Frank dedicó el libro a Brianna, ¿es necesariamente porque quiere que Jamie viva para protegerla? ¿No hubiera sido más fácil decírselo directamente en una carta en lugar de escribir un libro y esperar que el escocés lo recibiera, leyera e hiciera las inferencias correctas? Me sigue gustando más mi hipótesis de que simplemente se hubiera equivocado (allí fui yo quien se equivocó), pero no hubiera servido a los fines melodramáticos ni a la reconciliación metafísica.

Los posibles cambios en la historia no dan la impresión, por otra parte, de preocupar a nadie. Y cuando digo nadie, incluyo a los guionistas, pues no pareciera importar que el resultado de una batalla histórica se defina con armas que aún no existían. ¿Qué harán al concluir la misma? ¿Arrojarlas al mar para que nadie las encuentre? Ni siquiera se maneja el asunto con reserva, pues todos en la milicia vieron a Brianna hacer los cambios.

En cuanto a la subtrama de Fanny y sus inquietudes religiosas en torno al destino de su hermana, tuvo una fuerte carga emotiva y, otra vez, un gran desempeño de Florrie May Wilkinson, pero el giro del final convirtiéndola en viajera del tiempo pareciera no solo repetir algo ya visto con Jeremiah, sino además abrir un nuevo e innecesario camino a poco del final.

En definitiva, es digno de destacar que hayamos visto un episodio menos acelerado (al menos en sus tramas principales), pero ello no implica que se haya resuelto de modo satisfactorio, sino más bien lo contrario y, fuera de algunos buenos momentos emotivos y alguna buena actuación, ha incurrido en casi todos los defectos que vienen en estas últimas temporadas poblando la serie, especialmente los encadenamientos de casualidades o las situaciones resueltas de modo previsible.

A ver qué nos trae el próximo, que será por cierto será el penúltimo de la serie y ello no puede sino sonar fuerte. Y habrá que esperar más de lo habitual pues, como en casi todas las temporadas, volvemos a saltearnos una semana y llega el 8 de mayo.

Les espero para analizarlo y sean felices…

Crítica de Ruta de escape (2026), casi como Heat.

Mira que se han rodado películas de policías y ladrones, pero ninguna tiene la influencia reciente de Heat, la aclamada epopeya situada en Los Ángeles con un memorable duelo interpretativo entre Robert De Niro y Al Pacino. De hecho, el mejor que han tenido ambas leyendas. Desde aquel 1995, muchas películas han aspirado al trono de esta obra maestra, entre las que se encuentra Ruta de escape, reciente noir que, tras su paso por cines, se acaba de estrenar en Amazon Prime Video.

Crítica de El Irlandés, el último duelo interpretativo entre Robert De Niro y Al Pacino

Titulado originalmente como Crime 101, mucho mejor título que Ruta de escape, la película es una adaptación de uno de los relatos cortos de Don Winslow, el mejor autor de novela negra actual. Así es como se le define y, por lo poco que he leído de él, cumple con las expectativas. Es curioso que nadie se haya decidido a adaptar El poder del perro y sus secuelas, probablemente el thriller más ambicioso que se ha escrito sobre el mundo de la droga.

En el caso de Ruta de escape, se centra en un ladrón de guante blanco, un hombre solitario que intenta cometer sus delitos sin violencia. Su camino se cruzará con un policía que intenta detenerlo, un ladrón impulsivo que compite por los golpes del protagonista y una vendedora de seguros cuya insatisfacción en la empresa en la que trabaja servirá como catalizador para un nuevo atraco.

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Esta no es la primera película de atracos de Bart Layton, director y guionista que ya rodó American Animals, que no he visto. Ahora regresa con una película que suena a ya vista pero que despliega sus armas con eficacia, empezando por el músculo de su reparto.

Protagoniza Chris Hemsworth, que continúa construyendo una carrera en el cine comercial más consistente que la de Robert Downey Jr. o Chris Evans. Puede que no sea tan buen actor como ellos, pero sabe sacar partido de su presencia física en papeles de acción, como la saga Tyler Rake. Ahora interpreta a un ladrón que sigue los códigos ya vistos en el Robert De Niro de Heat o, anteriormente, en el Alain Delon de El silencio de un hombre. El protagonista no exhibe lujos, sino que vive solo y apenas mantiene relaciones sociales. De hecho, en lo personal es bastante torpe. Y cuesta mucho creérselo porque, bueno, es Chris Hemsworth. Aún así, cumple como protagonista de pocas palabras. Tanto que resulta más previsible que el resto de los interesantes secundarios de la película.

Tenemos a Mark Ruffalo, uno de los pocos actores de la plana mayor del Universo Cinematográfico de Marvel que ha construido una carrera más allá de su interpretación como Hulk. Su detective fracasado, abandonado físicamente y en trámites de divorcio es, paradójicamente, el único foco de luz de una película que no da respiro a sus personajes.

Como el de Halle Berry, actriz lamentablemente olvidada que tiene su Oscar por la brutal y olvidada Monster Ball. Un personaje, como el de Ruffalo, pisoteada por el sistema, solo que ella toma un camino distinto, y más ilegal, que el del detective.

Cerramos el círculo con Barry Keoghan, ese actor que, con tan solo un rostro, transmite mal rollo. Sus contadas apariciones desequilibran totalmente la película y lo convierten en el elemento imprevisible. Algo acorde al actor que será el nuevo Joker del Batman de Matt Reeves. De hecho, cada vez que lo vemos en pantalla la cámara se inestabiliza.

A estos cuatro actores le acompañan figuras como Jennifer Jason Leigh (Los odiosos ocho), Monica Barbaro o la leyenda Nick Nolte, que todavía muestra carácter a sus 85 años.

Como he dicho antes, los personajes más interesantes son, precisamente, los secundarios. Los que esgrimen las mejores frases made in Don Winslow. Ruta de escape no es solo una película de atracos sino que, como Heat, también convierte a Los Ángeles en un personaje más, con sus arterias de asfalto pobladas de vehículos como si de glóbulos rojos se trataran. Como curiosidad, es de las pocas películas que he visto que refleja el enorme problema que tiene la ciudad con los vagabundos.

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Así, la película aborda de fondo el problema social, la necesidad de ascender a base de dinero, no importa a quién dejar atrás y que, al final, siempre pierden los mismos.

En definitiva, Ruta de escape es una notable película de atracos que cuenta con un guión contundente deudor de la maestría del novelista Don Winslow; un gran reparto en el que los secundarios brillan más que un silencioso y previsible Chris Hemsworth; y una sutil crítica social en el vientre del país más poderoso de la Tierra.

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La estrella de «The Mandalorian», Gina Carano, insinúa el regreso de Cara Dune tras reunirse con ejecutivos de Lucasfilm

Antes del estreno de «The Mandalorian & Grogu» el próximo mes, Gina Carano ha confirmado que se reunió con el director creativo de Lucasfilm, Dave Filoni, y el director Jon Favreau tras llegar a un acuerdo legal con Disney.

Conocimos a Cara Dune, interpretada por Carano, en el «Capítulo 4: Santuario» de The Mandalorian. Esta nativa de Alderaan sirvió como soldado de choque para la Alianza Rebelde durante la Guerra Civil Galáctica. Tras la derrota del Imperio, abandonó la lucha (y la política de la Nueva República) para convertirse en mercenaria. Como aliada clave de Din Djarin y Grogu, Dune fue reclutada más tarde por Greef Karga en Nevarro, llegando a ser mariscal de la Nueva República.

Existían planes para una serie spin-off protagonizada por Carano titulada Rangers of the New Republic. Sin embargo, el personaje ha estado ausente desde que la actriz y exluchadora de MMA comparó la situación de los republicanos en EE. UU. con la de los judíos durante el Holocausto. También enfrentó críticas por publicaciones en redes sociales consideradas antitrans y antivacunas.

Gina Carano es despedida de The Mandalorian

No obstante, tras demandar por despido injustificado, llegó a un acuerdo con Disney el año pasado. Esto supuso una victoria inusual para la actriz después de que su carrera se estancara, relegándola a producciones de bajo presupuesto y películas de corte político producidas por medios como Breitbart News.

En aquel momento, Disney emitió un comunicado afirmando que esperaba «identificar oportunidades para colaborar» tras el acuerdo. ¿Podría esto incluir el regreso de Carano a una galaxia muy, muy lejana?

Gina Carano

Durante una entrevista reciente con Ariel Helwani, se le preguntó a Carano si creía que Hollywood volvería a darle la bienvenida. Aunque admitió no estar segura, señaló:

«Productores y directores en Hollywood se me acercaban para decirme: «Te trataron muy mal»».

Al parecer, Carano ha conversado con Dave Filoni, recientemente ascendido a Director Creativo (CCO) de Lucasfilm, y con Jon Favreau. Según la actriz, el encuentro ocurrió el verano pasado.

«Hablé con Dave Filoni y Jon Favreau; fue realmente encantador. Tras resolver la demanda, hicimos una videollamada por Zoom. Fue muy agradable»

«Dave Filoni ahora está a cargo y fue como si no hubiéramos perdido el ritmo. Jon Favreau fue muy divertido; entró en la llamada y dijo: «Bueno, ¿por dónde lo dejamos?». Hacía mucho tiempo que no hablábamos».

¿Significa esto que Carano tendrá una aparición sorpresa en The Mandalorian & Grogu? Es posible, aunque no seguro. Sin embargo, parece que la puerta para que Cara Dune regrese a Star Wars está, por primera vez en años, entreabierta.

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Tráiler de Spider-Noir. Quizás estemos ante lo mejor de Spider-Man del año

El 27 de mayo se estrena Spider-Noir y que quereis que os diga, me apetece mucho más que Spider-Man: Brand new day, ya después veremos.

La serie se verá en blanco y negro o en True-Hue Full color, aspecto similar al Technicolor, con colores muy saturados. La primera opción es la original y potencia el glamour y la sordidez de la época en la que está ambientada. La segunda opción es el no atreverse del todo con la primera opción. Yo la veré por supuesto en B/N.

La historia se ubica en los años treinta y nos presenta a Ben Reilly, detective fracasado y superhéroe retirado de la ciudad de New York que, en plena Gran Depresión, se ve obligado a volver al ruedo ante las presiones de su propio pasado.

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Spider-Noir es Ben Reilly, quien en los cómics era la célebre Araña Escarlata. Otros personajes que vemos en el tráiler son Silvermane (Brendan Gleeson), Cat Hardy (Li Jun Li), Sandman (Jack Huston), Megawatt (Andrew Lewis Caldwell) y Tombstone (Abraham Popoola). A Spider-Noir lo interpreta un Nicolas Cage en alza.

Tráiler en B/N

Tráiler en True-Hue Full color

Un saludo y sed felices.

Oficial. Austin Butler y Michael B. Jordan se unen para protagonizar el remake de «Miami Vice»

El remake de «Miami Vice» ya es oficial y traerá un gran poderío estelar a la vibrante ciudad de la costa este. Joseph Kosinski, el director de «Top Gun: Maverick» y «Tron: Legacy», ha recibido luz verde para dirigir el proyecto.

Además, Austin Butler y Michael B. Jordan ya están oficialmente confirmados para ponerse los trajes y las gafas de sol en los papeles de Sonny Crockett y Ricardo Tubbs.

A diferencia de la versión contemporánea de 2006 de Michael Mann, protagonizada por Colin Farrell y Jamie Foxx, Kosinski confirmó anteriormente que su película estará ambientada en los años 80, de ahí el título, Miami Vice 85.

Ya en noviembre, Kosinski insinuó que Butler y Jordan participarían en el proyecto, afirmando:

«Michael es alguien a quien admiro desde hace mucho tiempo, [y] siempre he querido trabajar con él. Austin, creo, está demostrando ser alguien a quien hay que seguir de cerca. Una vez más, realmente admiro sus decisiones. Si al final son esos dos, me sentiría muy afortunado».

remake de «Miami Vice»

Aunque las cosas pueden cambiar de aquí a que empiecen a rodar, parece bastante seguro afirmar que el director de Oblivion debería considerarse un hombre de suerte.

Y parece que la posibilidad de que se produzcan cambios ha aumentado, ya que, poco después de que se anunciara el proyecto, se ha sabido que el estreno de la nueva versión se ha retrasado de su fecha inicial, el 6 de agosto de 2027, al 19 de mayo de 2028. En un principio, estaba previsto que el rodaje comenzara este otoño.

Dan Gilroy (Nightcrawler) y Eric Warren Singer (Top Gun: Maverick) están coescribiendo el guion. Anteriormente se informó de que la película se inspirará en el episodio piloto de la serie de televisión original.

La serie original de Miami Vice seguía a dos detectives encubiertos, James «Sonny» Crockett (Don Johnson) y Ricardo «Rico» Tubbs (Philip Michael Thomas), que formaban pareja en la Brigada Antivicio del Departamento de Policía de Metro-Dade en Miami, Florida.

Un saludo y sed felices.