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Situación de personajes secundarios antes de Vengadores 4. ¿Importan a alguien?

Si no has visto Vengadores Infinity War no leas este artículo porque te vas a comer un spoiler. ¿Queda claro que no puedes leer si no has visto la película?. Empecemos.

Después del chasquido de dedos de Thanos en Infinity War la mitad de la población del Universo ha muerto. Qué la gente no se piense que hablamos de la Tierra o de nuestra galaxia. Hablamos de que el 50% de todos los seres vivos del universo han pasado a otra vida.

Hace tiempo Los directores de esta magnífica epopeya galáctica hablaron sobre algunos personajes secundarios, personajes de los que no sabemos si importan a alguien (la tía May si) pero que como curiosidad creo que es noticiable. Además según la respuesta de los directores, los hermanos Russo algunas conclusiones las podemos sacar como posibles spoilers o nos pueden dar pistas sobre algo.

Jane Foster (Natalie Portman)

jane foster

Estado: Demasiados spoilers

Comentarios de los directores: «Cuando decimos spoiler, queremos decir potencial spoiler», aclaró Anthony Russo después de que estaba un poco sorprendido de que no pudieran hacer ningún comentario sobre Jane.

Opinión: Natalie Portman no ha sido parte de la UCM desde Thor el mundo oscuro en 2013. Sin embargo, Portman ha dicho que estaría dispuesta a regresar al universo Marvel, así que tal vez una reunión de Thor-Jane sea pronto.

Actor Loki (Matt Damon)

matt damon

Estado: Está muerto.

Comentarios de los directores: «No sobrevivió», dijo Joe Russo.

Opinión: Matt Deadman.

Betty Ross (Liv Tyler)

betty ross

Estado: Ella también está muerta.

Comentarios de los directores: «Se fue», dijo Joe Russo.

Opinión: Betty Ross fue vista por última vez en El Increíble Hulk (2008), pero se rumoreaba que ella podría aparecer en Infinity War. Eso no sucedió, y probablemente no haya mucha esperanza para un cameo en Vengadores 4. Betty es es pasado.

Korg y Miek (Taika Waititi)

korg

Estado: Demasiados spoilers.

Comentarios de los directores: «Spoiler», dijo Joe Russo.

Opinión: Kevin Feige, director de Marvel Studios, dijo que hay grandes planes para estos frikis tan simpáticos cuya primera aparición data de Thor Ragnarok, Korg y Miek. Sabemos que la mitad de los pasajeros en la nave Asgardiana escapó de Thanos, por lo que parece que estos dos seres estarán presentes en más películas.

Shuri (Letitia Wright)

shuri

Estado: Desconocido.

Comentarios de los directores: «Spoiler», dijo Joe Russo.

Opinión: En las entrevistas, los hermanos Russo han mencionado a Shuri como un posible reemplazo de Black Panther, por lo que no tiene sentido por qué no solo dirían que esté viva. Pero si, todo apunta a que sigue viva.

Lady Sif (Jaimie Alexander)

lady sif

Estado: Muerta y remuerta.

Comentarios de los directores: «Se fue», dijo Joe Russo.

Opinión: Jaimie Alexander no estuvo en Thor Ragnarok debido a las obligaciones que tenía de rodaje con la película Blindspot. Los Russo confirmaron que no estará en Vengadores 4, por lo cual murió en el chasquido de dedos y se duda que vuelva a aparecer más.

Ned (Jacob Batalon)

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Estado: Demasiados spoilers.

Comentarios de los directores: «Spoiler», dijo Joe Russo.

Opinión: Ned debería estar bien. Si Peter Parker no regresa, tiene toda una secuela de Spiderman para ser el verdadero protagonista ya que se ha confirmado la nueva película de Spiderman.

Tía May (Marisa Tomei)

tia may

Estado: La tía May está bien.

Comentarios de los directores: «Está a salvo», dijo Anthony Russo.

Opinión: Es casi seguro que no jugará un papel importante, o lo mismo ni sale en Vengadores 4. Pero al menos podemos dormir bien sabiendo que no ha sido reducida a polvo y cenizas. La tía May más sexy de la historia sigue viva y coleando.

Nakia (Lupita Nyong’o)

nakia

Estado: Desconocido, pero probablemente seguirá viva porque #WakandaForever.

Comentarios de los directores: Cuando se les preguntó por qué no apareció en Infinity War, Joe dijo: «Nakia estaba en una misión». Anthony agregó: «Sí, una encubierta».

Opinión: No sabemos con certeza qué pasó con Nakia, pero los directores dijeron que ella está en misiones secretas, así que vamos a aceptar eso y esperar lo mejor.

 

No se hasta donde estos personajes interesan al personal. Muchos son secundarios y otros menores, pero siempre hay un grupo de fieles que querrán a todos los personajes Marvel por muy poco que aparezcan. Yo soy uno de esos fieles que además hago este artículo en español.

Un saludo y sed felices

Análisis de Better Call Saul. Temporada 4. Capítulo 3

Algo Hermoso es el nombre de este tercer episodio, algo hermoso como va avanzando la temporada. Revisemos que nos brindó este capítulo de la temporada pero antes os dejamos con análisis de los capítulos anteriores:

Análisis de Better Call Saul

Adiós Arturo

Better Call Saul Season

En el episodio 2 dejamos a Gus tomando el control sobre Nacho y asesinando a su compañero Arturo. Este episodio se inicia con el plan de los hombres de Gus Fring para cubrir el asesinato de Arturo y hacerlo parecer un ataque por parte de otros enemigos. Destrozan el coche, le disparan, suben el cadáver de Arturo al asiento del conductor y Nacho es herido a propósito y bajo su voluntad. Tras una llamada de Los Primos, llegan a la escena. Evalúan el desastre y por sus expresiones no parecen entender qué sucedió realmente. Encuentran a Nacho muy malherido y lo llevan al Dr. Caldera, el veterinario que suele visitar Mike por su conexión con los empleadores ilegales. Allí es curado bajo la mirada de los primos. Cuando se recupere veremos cómo enfrentará esta condición como empleado de Gus.

Entiendo que los carteles no suelen usar a la policía para nada por razones obvias, pero la forma en que plantaron la escena del atentado donde supuestamente muere Arturo, fue hecho sin medir las posibilidades de una investigación. Dejaron muchos cabos sueltos, como las marcas de los neumáticos, las marcas cuando el coche sufre el colapso, los vidrios rotos que sobran, un cadáver al borde de la descomposición, casquillos cerca del coche. Unas personas que deben mantener un perfil bajo y que no pueden andar con vacilaciones como Los Primos, no pueden determinar con claridad qué sucedió, aunque parecían dudosos. No les quedó más remedio que incendiar la escena para evitar consecuencias.

 

There’s antimony, arsenic, aluminum, selenium…

Better Call Saul Season 4 403 Giancarlo Esposito David Costabile

Better Call Saul no deja de sorprendernos con la incorporación de personajes conocidos. En esta ocasión tuvimos la oportunidad de ver a Gale Boetticher, el químico que fue contratado por Fring como asistente de Walter cuándo Jesse Pinkman tuvo su crisis y abandonó el laboratorio. Esta vez Gale fue contactado para evaluar unas muestras, no nos muestran de qué, pero es evidente qué sustancia es. Las muestras no son muy puras y son basura según Gale y le sugiere a Gus que lo contrató porque es capaz de elaborar una muestra mejor. De momento Gus no está interesado pero sabemos que será una opción en el futuro.

Les dejo este bonus de la canción que Gale estaba cantando cuando Gus llego a visitarlo.

Viajero Feliz

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Jimmy compró una imitación del Niño Bávaro llamada Viajero Feliz. Su plan es contratar a Mike para que haga el trabajo sucio de entrar a las oficinas de Neff e intercambiar la figura. Jimmy define su plan como algo hermoso, tal como el nombre del episodio. Como predije en el análisis anterior, Mike no aceptó el plan de Jimmy de robar el Niño Bávaro. Mike dijo que ese trabajo no era para él… y que tampoco era para Jimmy. Aquí Mike está entrando en razón y profundizó más sobre la personalidad de Jimmy, quizás le quería decir: 

deja de ser tan sinvergüenza y dedicate hacer algo que no sea estafar a la gente…

pero solo se límitó a tomar su desayuno y que los asuntos de Jimmy fluyan a su manera. Jimmy ya conoce al Dr. Caldera y visita su consultorio, se contactó con él para contratar a otra persona que podría ayudarle (al salir del consultorio se encuentra frente a frente con uno de Los Primos).

El plan no salió del todo como querían, pues el dueño de Neff se estaba quedando a pasar la noche en su oficina, aparentemente por una pelea con su esposa por un regalo de una absurda y costosa aspiradora. Después de todo cuando Jimmy le dijo que era un imbécil pues tenía razón. El punto es que esto provocó una embarazosa situación para el hombre que contrató Jimmy, hasta que tuvo que idear un plan para lograr sacarlo de las oficinas. El Niño Bávaro está en manos de Jimmy y esperamos que tenga suerte al venderlo.

¿Qué pasa con Kim?

Better Call Saul Season 4 403 Kim Wexler Rhea Seehorn Bob Odenkirk Jimmy McGill Saul

Es un poco complicado determinar las emociones de Kim en este episodio. Mantiene una reunión en Mesa Verde. Kevin le pide que vea unas maquetas de las próximas sucursales de Mesa Verde pero a Kim algo no le gusta y el ambiente se torna azulado. Según mi hipótesis, Kim se siente sobrecargada, abrir más sucursales implicaría más trabajo para ella.  En casa, cuando Jimmy lee la carta que le dejó Chuck, Kim sensibilizó, a diferencia de Jimmy que no parece emocionarse lo más mínimo. En realidad no estoy muy clara al respecto.

Veremos que sucede en el próximo episodio y que otros personajes nos tiene preparados. Hasta la próxima.

Jerome Flynn (Bronn) en la Heroes Comic-Con de Madrid. Horarios de sesión de firmas y fotos

Queda menos para la Heroes Comic-Con de Madrid, un  evento que este año comienza el próximo 21 de septiembre y durará hasta el 23. Tres días de cómics, firmas, fotos y, sobre todo, ¡diversión!

Ya mi compañero Alberto hizo un exhaustivo repaso de todo lo que acontecerá en la Heroes Comic-Con de Madrid. Si queréis saber quienes están confirmados solo tenéis que ir al artículo de mi compañero que os dejo a continuación:

Todos los detalles de la Heroes Comic-Con Madrid 2018

heroes comic con madrid 2017 1 1

Antes de empezar con las últimas novedades os recordamos que somos Media Partner de la Heroes Comic-Con del Madrid, así como lo fuimos la pasada edición que se celebró en Valencia. Con esto no podréis perderos nuestra cobertura del evento así como un descuento de 20%, válido hasta el 31 de agosto, que podréis encontrar en el banner que encontraréis en nuestra web.

Se confirma ahora la presencia de uno de los actores protagonistas de Juego de Tronos, Jerome Flynn (el mercenario Bronn, otro de los personajazos de la serie que nos ha dejado grandes momentos en la misma). Bronn comenzaba la serie como hombre al servicio de Tyrion Lannister para posteriormente pasar al cuidado de su hermano, Jaime Lannister. Flynn ha aparecido además en la serie Ripper Street y en Black Mirror.

bronn

Flynn nos acompañará en Heroes Comic Con el sábado y el domingo. Cada día, ofrecerá una sesión de fotos (de 1 hora), una sesión de firmas y un Q&A en el escenario principal (de 45 minutos).

 

Sesión de firmas

Sábado

Pendiente de confirmación

Domingo

Pendiente de confirmación

Fotos sesión 1 12:15-13:15 14:45-15:45

La web de Heroes Comic-Con se va actualizando a cada momento que se confirma las sesiones de firmas y fotos. Paul Wesley, protagonista de la exitosa serie Crónicas Vampíricas, ya tiene confirmado las horas de las sesiones de fotos:

Sábado Domingo
Sesión de firmas Pendiente de confirmación Pendiente de confirmación
Fotos sesión 1 14:45-15:45 11:00-12:00
Fotos sesión 2 16:00-17:00 13:30-14:30
Meet & Greet 13:30 – 14:00 12:30 – 13:00
los actores de cronicas vampiricas despiden a la serie en las redes sociales
Cartel promocional de Crónicas Vampíricas

Jacob Elordi es otro de los que tenemos información detallada. Recientemente ha llamado la atención por interpretar a la encantadora estrella de fútbol Noah Flynn en la exitosa producción de Netflix Mi Primer Beso. Desde su estreno, la película se ha convertido en la más vista de Netflix. Recientemente ha finalizado la antología de horror The Mortuary Collection previsto para finales de este año.

jacob elordi
Jacob Elordi

Jacob acaba de terminar el drama piloto de Sam Levinson Euphoria para HBO, basado en la serie israelí. Protagoniza junto a Zendaya, Storm Reid y Maude Apatow una historia de drogas, sexo, identidad, trauma, redes sociales, amor y amistad.

Viernes Sábado Domingo
Sesión de firmas Pendiente de confirmación Pendiente de confirmación Pendiente de confirmación
Fotos sesión 1 14.00 – 15.00 11.00 – 12.00 12:15 – 13:15
Fotos sesión 2 17.30 – 18.30 13.30 – 14.30 16:15 – 17:15
Meet & Greet 15:15 – 15:45 15:15 – 15:45 14:30 – 15:30

 

Allí nos veremos. Recordad que las entradas están ya a la venta y tenemos descuento en el banner de la web. Conforme vayan habiendo novedades de la Heroes Comic-Con os iremos informando. Un saludo y sed felices.

 

Angels of death, donde la historia lo es todo

Buenas queridos lectores, y permitidme meter el pie por primera vez en una sección completamente nueva para mí, una a la que soy aficionada pero que sin embargo no domino tanto como querría, y esta es la de los videojuegos, en la que hoy hablaré de un RPG que me ha cautivado con su historia: Angels of death.

En japonés Satsuriku no tenshi, este producto ha gozado de gran éxito consiguiendo una adaptación a manga y otra a anime, cuyo principio ya comenté en «Primeras impresiones temporada de verano anime 2018». Que un videojuego goce de tal éxito no es lo común, y supongo que a muchos les habrá surgido la duda de porqué éste sí. La respuesta es clara: la historia que narra, que además de morbo tiene interés.

Todo comienza cuando nuestra protagonista Rachel despierta sin recordar nada en un lugar extraño, oscuro, y en el que no hay un alma en pena salvo ella. Lo único que puede encontrar son extraños mensajes escritos que insinúan que es una presa que se adentrará en el resto de plantas del edificio para ser castigada por sus pecados. En un principio está asustada, pero tras recordar algo pierde todas sus ganas de vivir y pide a Zach, el asesino de la primera planta, que la asesine, a lo que él responde que sólo lo hará si le consigue sacar del edificio con vida.

zach cosasfelices

La relación que se forjará entre estos dos protagonistas a lo largo del juego, a pesar de que en el fondo sea algo siniestro y enfermizo, será de una intensidad y profundidad tal que al final ambos personajes consiguen entrar en otro plano de la realidad, en aquel que te hace entenderlos y seguir jugando y jugando para conocer más de su pasado, su presente y finalmente su futuro, en el que siempre dudas de si esa promesa, más fuerte que el acero por los principios de ambos, llegará a llevarse a cabo.

No deja de ser curioso el fondo religioso del juego, tanto en forma de crítica como de Oda, enfocado de manera principal en un tema tan universal como esencial: la redención que nuestros protagonistas buscarán de distintas formas, debo decir que todas ellas enfermizas. Esta búsqueda de la redención se hará de forma que como buen RPG el jugador sea partícipe del rumbo que la historia tomará, aunque no todo es de color de rosa, porque la verdad es que esto en concreto se hace de manera muy pobre. No hay ninguna ruta alternativa aparte del final oficial, y ni siquiera se te permite salir un poco de la historia principal, a pesar de que esta sea brillante. Los gráficos son rudimentarios, como cualquier juego RPG Maker indie, y los sonidos e imágenes de los cuadros de diálogo son pobres y repetitivos. La jugabilidad es muy simple, aunque el diseño esté bastante decente y acompañe perfectamente al ambiente y espíritu de la historia, de forma que se podría resumir en diálogos muy extensos contando la historia, algunos puzles y pequeños minijuegos consistentes en huir y que son muy fáciles. Además, el juego no se encuentra en español, pero el nivel de inglés que exigen es bastante asequible.

rachel cosasfelices

Pero una cosa no quita la otra, y repito que este es un juego en el que mas bien ves una película un poco interactiva. Cada capítulo (4 en total) tiene una duración aproximada de 2,5 h cada uno, y los consumes ávido por saber cómo terminará la historia de nuestros fantásticamente desarrollados protagonistas, cosa que sin embargo no podemos decir del resto de personajes del juego.

Aquí en este párrafo me limito a vender el resto de adaptaciones de la historia, hasta ahora todas fieles  (aunque para tener la experiencia completa recomiendo al 100% jugar al videojuego). El juego cuenta con un manga bastante entrado en la historia, al que no creo que le queden muchos capítulos y que desarrollan un poco más al resto de personajes, y además manga que puedes encontrar en español. El anime está en este mismo momento en antena, contará con doce capítulos que abarcarán todos los acontecimientos de la narración y es lo que a mí me animó a probar el juego, así que lo recomiendo.

satsuriku no tenshi cosasfelices

¿Puede confiar Rachel en Zach, un asesino en serie? ¿Cuál es el oscuro pasado de Rachel? ¿Es realmente una pecadora que merece morir? ¿Quién está detrás de todo el edificio? ¿Cómo es Zach? ¿Cumplirán su promesa? Con mucha insistencia, te insto a que le des una oportunidad  este juego.

Un saludo y sed felices.

Las cosas que nos hacen temblar: demonios en el cine

Bienvenidos una vez más a este tétrico rincón de Las cosas que nos hacen felices. En esta ocasión toca hablar de un tema recurrente en las películas de terror: los demonios y todo lo relacionado con ellos. Tema recurrente que se ha intentado mostrar de diversas maneras, siempre intentando innovar o intentando vender al espectador situaciones en las que intervienen de maneras cada vez más rebuscadas para conseguir asombrarlo. Ouijas, exorcismos, apariciones inesperadas, sin ellas parece que una buena película de sustos está vacía. Pero no todos los demonios son utilizados como mera excusa para aterrar al espectador y poco más, algunos son utilizados como eje principal de la trama y son recordados más allá de las fronteras del celuloide, algunos reales y otros inventados, pero vinculados por siempre al título del filme. En este artículo repasaré aquellos nombres que me parecen dignos de recordar, ya sea por la historia que tienen detrás -ficticia o «real»- o por el hueco que se aseguraron en la cultura popular.

Antes de empezar podéis pasaros –si queréis– por artículos anteriores:

Las cosas que nos hacen temblar

Tras esta breve introducción al artículo, empezamos:

Pazuzu

El demonio Pazuzu haciendo de las suyas dentro del cuerpo de la pobre Regan MacNeil

El Pazuzu mitológico es bastante diferente al descrito en la primera entrega de El exorcista (1973) al que hacen referencia simplemente como el demonio, ni su aspecto físico -debo recordar que una de las características de los demonios es su capacidad de adoptar varias formas-, ni su origen es el mismo. Es una fusión obligatoria para que la película se desarrolle tal y como la tenían pensada, Satanás y Pazuzu pasan a ser el mismo ente maligno y gustan de poseer criaturas indefensas para cometer diversas atrocidades -aunque, a la postre, la mayor perjudicada es la forzada anfitriona-.

En la mitología sumeria, Pazuzu, es considerado el rey de los demonios del viento, por lo que traía consigo todo tipo de calamidades: plagas -de langostas, usuales sobre todo durante las temporadas lluviosas-, delirios, fiebres y las tormentas que podían provocar verdaderos desastres. Como podréis deducir, no era un rey nada benévolo y sus huestes debían de ser apaciguadas o evitadas mediante conjuros que los mantenía alejados de los débiles mortales. Pero no hay mal que por bien no venga, su representación podía ser utilizada para evitar a un mal aún mayor, su esposa Dammu, un demonio femenino que tenía la fea costumbre de alimentarse de parturientas y bebés recién nacidos.

Yo, el que conjura a los demonios y expulsa la maldad, (donde) yo entro, Dolor y Quebranto no son bienvenidos y (son) rechazados

Como podemos ver, no era un ser maniqueo, tenía diversas funcionalidades según el enfoque: podía ser bueno para algunos y malo para otros. Por supuesto, su rostro más vil y maligno lo podemos observar haciendo de las suyas dentro del cuerpo de una pobre niña de 13 años. Como ya he dicho anteriormente, el éxito cosechado por el excelente filme –aquí la podéis ver ocupando una posición privilegiada dentro de mi top de mejores películas de terror de la historia- llevó a Pazuzu a seguir insistiendo, como una especie de villano de cómic, esta vez sí, maniqueo, en seguir haciendo de las suyas ya sea repitiendo con la pobre Regan o fastidiando una y otra vez al padre Karras. Eso sí, las secuelas no le llegan ni a la suela del zapato a la primera -y la serie no está mal, pero ni punto de comparación-, así que si os las perdéis, tampoco pasa nada.

Bagul o Boghuul

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Este es Bagul, aunque podría ser perfectamente Mick Thomson del grupo Slipknot

Aún recuerdo la primera vez que vi Sinister (2012) y lo satisfactoria que resultó ser la experiencia, una propuesta de terror original dentro de lo que cabe y con un planteamiento que engancha hasta su resolución, no siempre podemos disfrutar de eso en el cine de terror actual –efecto que no pudieron conseguir en su mediocre secuela-. Uno de los elementos que más llamaba la atención del filme, era su antagonista: un demonio con pintas de metalero que gustaba de robar niños. Una especie de hombre del saco dispuesto a todo para conseguir su oscuro propósito, incluso de producir cintas de corte snuff en formato Super-8.

Este demonio tiene un origen ficticio, no hay indicios de que existiera ningún Bagul en el panteón mesopotámico, pero en cambio ahí está -para alivio del asustadizo lector-. Pero a pesar de que no existiera ningún Bagul, la película plantea su existencia de una manera que te hará dudar, obligándote a buscar su nombre en Google para asegurarte de que no aparecerá esa noche vigilándote en el pasillo. Sin duda uno de los mayores atractivos de su segunda parte, que si no hubiera sido por la curiosidad provocada por el personaje, hubiera quedado aún más en el olvido.

Lamia

En esta ocasión nos vamos a centrar en la Lamia que nos muestra Sam Raimi en su notable filme de 2012, Arrástrame al infierno, puesto que su origen grecolatino dista bastante del enfoque dado por el director de origen estadounidense. La Lamia que nos muestra Raimi es un demonio invocado gracias a una maldición gitana, pronunciada por aquellos pertenecientes a esta etnia que buscan castigar un ultraje. Una vez invocado, este demonio perseguirá al maldito por tres días hasta que finalmente lo lleve consigo al infierno. Un final ideal para una maldición de esta categoría. Pero no sería un demonio de la factoría Raimi sin una buena dosis de violencia, sarcasmo y perversión, por lo que, cada vez que aparece el susodicho, la diversión está asegurada.

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Los sujetos poseídos por la Lamia guardan un inquietante parecido con los Deadites -en la imagen- mostrados por Raimi en la franquicia Evil Dead

Una vuelta a los orígenes del director y una muestra de que su tipo de cine de terror sin sus monstruos y sus excentricidades no sería el mismo. Y, por supuesto, la Lamia entraría dentro de esa lista de monstruos. Un estupendo divertimento.

Baal

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El rito, uno de los filmes que utiliza a Baal como antagonista

Mayormente conocido como Belcebú, este príncipe del infierno ha gustado de aparecer en la gran pantalla y ha aparecido en diversas ocasiones de las que destacaré dos: El rito (2011) y El exorcismo de Emily Rose (2005). Su origen lo podemos encontrar  en el Asia Menor, adorado por unos, repudiado por otros; Baal para los cananeos, Belcebú para los hebreos. Etimológicamente encontramos que Belcebú -Ba’al Zvuv- viene a significar en hebreo, «Señor de las Moscas«, utilizado por los mismos de forma despectiva pues los templos en los que se adoraba Baal estaban infectados de moscas ávidas por consumir la carne putrefacta de las especies sacrificadas. Más tarde en el tiempo, más concretamente en el siglo XVII, el gran exorcista Michaelis Sebastien lo colocaría entre los tres demonios más poderosos del inframundo -lo que significa que pasaría a formar parte del poderoso triunvirato formado junto a Lucifer y Astaroth-. Lo encontramos en la Biblia, lo encontramos en el folclore medieval y es estudiado por los demonólogos, pero también forma parte de la cultura cinéfila gracias a algunos directores y guionistas interesados por su figura.

En El rito (2011) un poderoso Baal persigue a un joven seminarista (Colin O’Donoghue) en plena crisis espiritual, esta crisis espiritual servirá como trampolín al poderoso demonio que lo acosará sin descanso hasta que este se encuentre con fuerzas suficientes como para expulsarlo. La película no es que termine de funcionar y a ratos se hace pesada, pero la presencia de Belcebú en ella me ha motivado a colocarla como ejemplo. Aceptable entretenimiento.

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Del filme de Scott Derrickson ya hablé en su momento -lo podéis ver aquí– , pero hay un detalle del mismo que no comenté, lo que me ha motivado a rescatarla para este también. La pobre Emily es prisionera de los demonios, de lo entes malignos que la utilizan como un instrumento para sus fines. Seis de ellos resurgidos para dar un mensaje a través de la frágil protagonista: los demonios están aquí y quieren que la humanidad jamás los vuelva a olvidar. Belcebú es uno de ellos y como vemos al final de la cinta; su intención es capitanear al resto para mostrar al mundo a quien debe adorar. Un buen filme, con un final un tanto propagandístico.

Conclusión

Me dejo muchos demonios en el tintero, ya sea por que son intrascendentes -aparecen en pocos filmes y la mayoría de ellos carecen de calidad- o por que su presencia justifica un artículo propio -como Lucifer, en el que quizás incidiré en futuras entregas-. Lo que si sabemos es que las películas de terror gusta de lo demoníaco, de buscar aquella tecla que permita provocar miedo en el espectador y una de ellas abre las puertas del mismísimo infierno, trayendo consigo a toda la galería que lo completa.

Ya sabéis, comprobad que no haya ningún ente habitando debajo de vuestra cama, que vuestros armarios solo contengan ropa y, por favor, sed buenos y no juguéis a la ouija. Hasta la próxima, que seáis muy felices.

The Sandman Universe. El regreso de un mito o la explotación de una gran historia

The Sandman vuelve a las estanterías para celebrar los 30 años de su creación con la creación del sello The Sandman Universe que se estrena con un especial que lleva el nombre de dicho sello. Y además de la mano de Neil Gaiman, su creador. Visto así estamos ante una muy buena noticia, ya que la historia de Sueño es una de las grandes obras de la historia del comic. Pero como ocurre en muchas ocasiones la cosa tiene trampa…

The Sandman Universe #1 es un one-shot en el que Gaiman ejerce de supervisor de la historia, eligiendo y dirigiendo a una serie de escritores y artistas que van a dar continuidad a su creación a través del citado sello editorial en el que se publicarán cuatro colecciones nuevas.

Esto nos suena. DC Comis tiene varias obras que son reeditadas una y otra vez, que son sinónimo de éxito de ventas como lo fueron de crítica cuando se publicaron y hay dos de ellas que sobresalen sobre las demás. Una es Watchmen y la otra es Sandman.

En ambos casos la editorial ha decido dar continuidad a sus historias. Watchmen volvió con varias series limitadas en las que grandes autores de la casa se dedicaron a contarnos el pasado de los protagonistas y ahora mismo, con Doomsday Clock, se está publicando una especie de continuación de la historia.

Pero Alan Moore, creador de Watchmen no ha querido saber nada del asunto (de hecho se ha manifestado en contra siempre que ha podido) mientras que Neil Gaiman nunca se ha opuesto a ello. Es más, hace cinco años escribió The Sandman: Overture, donde conocimos un poco más de la historia de Morfeo. Y en ese afán de volver a contar más historias sobre este  complejo universo tenemos la obra que nos ocupa: The Sandman Universe #1. No en vano el propio Gaiman manifestó que se sentía culpable por haber creado tantos buenos juguetes sin haber vuelto a jugar con ellos, así que estaba feliz de ofrecérselos a otros escritores fantásticos para ver lo que podían hacer con ellos.

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Algo no va bien en el reino de Sueño

En ambos casos hay un puro interés económico por parte de la editorial. Es una empresa y quieren ganar cuanto más dinero mejor, faltaría más. Pero muchos aficionados están muy molestos ya que creen que las grandes obras que tienen un final cerrado se deberían dejar así, cerradas y autocontenidas para disfrutar de su lectura una y otra vez sin añadir nada más.

Yo pienso que no hay que ser tan estricto. Watchmen y The Sandmand siempre van a estar disponibles para que los lectores disfruten de ellas como deseen. Los que no quieran saber nada de sus continuaciones (o precuelas) pueden pasar olímpicamente de ellas, nadie les obliga a leerlas. Y el resto del público puede echarles un vistazo y decidir si quieres saber más o no.

En cuanto a The Sandman Universe #1 señalar que estamos ante un comic que no es sino la presentación de varias series que a partir del mes que viene explorarán diversos aspectos del universo creado por Neil Gaiman.

El hilo conductor de la historia es el siguiente. Hay algo que está mal en el Dominio del Sueño (The Dreaming) tal y como ya habíamos visto al final de Dark Metal, evento donde el nuevo monarca del reino ayudaba a los héroes DC a imponerse a Barbatos. ¿Y dónde está Sueño? No se sabe nada de él desde su participación en dicha historia.

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Sandman en Dark Metal

Hay que decir que es una delicia volver a encontrarse con los diversos habitantes de The Dreaming, Lucien (el regente del reino en ausencia de su señor), Merv, Caín y Abel y Matthew el cuervo, el personaje más importante de esta historia ya que es el encargado de partir en busca del desaparecido Sueño. Y es a través de esa búsqueda como se nos presentan las cuatro series que DC nos ofrecerá a partir del mes que viene.

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Volvemos a encontrarnos con los secundarios de The Sandman

Así pues es un poco complicado reseñar este comic ya que cada una de las cuatro historias está contada por un equipo creativo diferente y son bastantes distintas entre sí. Los guionistas Dan Watters, Kat Howard, Nalo Hopkinson y Simon Spurrier nos presentan sus personajes y sus tramas de manera muy elegante, con preguntas y situaciones que hacen que queramos saber más. En este sentido The Sandman Universe #1 es todo un éxito.

Primero Simon Spurrier junto a Bilquis Evely a los lápices, nos presentan a un nuevo personaje que habita el Dominio del Sueño. Se llama Dora y sus motivaciones y habilidades son un misterio que tendremos que descubrir en la serie The Dreaming, donde parece que veremos lo que está mal en este reino y donde Dora se apoyará en Lucien, Merv o Matthew el cuervo.

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Dora será la protagonista de The Dreaming

Luego Kat Howard y Tom Fowler nos muestran la nueva versión de Tim Hunter, un joven que está destinado aunque él no lo sepa a convertirse en el mago más poderoso del universo. Books of Magic es el título de su serie, heredando el nombre clásico de la colección de este personaje que yo conocíamos anteriormente.

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El nuevo Tim Hunter

Después Nalo Hopkinson y Domonike Stanton nos presenta a cuatro chicas que son personajes totalmente nuevos, los más alejados del universo Sandman clásico y que estarán envueltas en una historia sobre la mitología Vudú. Para saber más de ellas habrá que leer The House of Whispers.

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Las protagonistas de The House of Whispers

Y por último Dan Watters con los dibujos de los hermanos Fiumara nos enseña que ha sido de Lucifer, personaje clásico de Vertigo que en su nueva colección partirá en busca de la madre de su hijo y buscará romper las cadenas que lo atan su historia clásica.

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Así luce el nuevo Lucifer

Al final toda esta presentación de nuevas historias hace que The Sandman Universe#1 se quede un poco corto, es un aperitivo de lo que está por venir. La historia que hilvana toda la trama y  los cuatro fragmentos que sirven de prólogo a las nuevas colecciones están bastante bien contadas, con un estilo de dibujo que sin ser comercial se amolda bastante bien a lo que nos quiere mostrar. Es evidente que no está a la altura del Sandman de Neil Gaiman, pero al menos se deja leer bastante bien y nos deja con ganas más (que en el fondo es lo que se pretendía). Y lo que es más importante, plantea una serie de incógnitas y nos muestra (muy brevemente) donde esta Daniel, el nuevo Sueño, personaje del que prácticamente no se ha contado nada. Así que ya sabéis… si queréis saber más tocara pasar por caja.

Reseña de El Universo DC de Mike Mignola, el dibujante sobrenatural por excelencia

A la hora de valorar un tomo como este, hay que tomar una serie de consideraciones. Este no es un recopilatorio de un guionista, cuya trayectoria suele trazarse en base a unos puntos argumentales en común. Tampoco es un tomo centrado en un personaje en concreto, como fue el recopilatorio del origen del Doctor Muerte, donde los guionistas buscan la coherencia argumental del personaje. Este es un tomo que concentra toda la etapa de Mike Mignola, dibujante conocido por su creación Hellboy, en DC Comics.

El Universo DC de Mike Mignola es un tomo bastante interesante por lo variado de su participación en aquella etapa.

MINISERIE THE PHANTOM STRANGER (1987)

Guión: Paul Kupperberg

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Tras su etapa en Marvel, Mignola debutó en DC con la miniserie que relanzó a The Phantom Stranger, personaje perteneciente al mundo místico de DC, compuesto por figuras como John Constantine, La cosa del Pantano, Spectre, Zatanna…

La miniserie cuenta como Phantom Stranger tiene que salvar al mundo de tres amenazas perpetradas por Eclipso, incluso cuando Los Dioses del Orden deciden quitarle sus poderes porque el fin del mundo es bueno para el equilibrio del universo.

Es una historia interesante, sobre todo para los fans de lo sobrenatural, en el que el dibujo de Mignola es, todavía, muy diferente al que luego veremos en Hellboy, aunque sí destaca su interés a la hora de diseñar a los diferentes demonios a los que se enfrenta Phantom Stranger.

EL MUNDO DE KRYPTON (1987-1988)

Guión: John Byrne

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Mucho más interesante me ha parecido esta miniserie, una vuelta al pasado a cargo de John Byrne, el principal responsable del relanzamiento de Superman tras las Crisis en Tierras Infinitas. En esta ocasión, Byrne nos cuenta la historia que originó la destrucción de Krypton, remontándose a un antepasado de Superman, Van-L, embarcado en una historia de pura ciencia ficción, con clones de por medio.

Una miniserie muy recomendable (aunque demasiado corta) donde comenzamos a ver el arte de Mignola a la hora de diseñar a la flamante Krypton y al destruido planeta tras miles de años de guerra.

ACTION COMICS 600, REGRESO A KRYPTON Y LA MALDICIÓN DE BANSHEE(1988)

Guión: John Byrne

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Tres historias de Superman en los que, al igual que en El mundo de Krypton, se muestra la buena sintonía entre Byrne y Mignola.

La primera historia es una rara avis en la colección editorial de Superman. Man-Bat, villano secundario de Batman, encuentra a un Superman delirante en una cueva y consigue calmarle. Lo dicho, una historia aparentemente impropia del personaje pero que se ve beneficiada del dibujo de Mignola, que comienza a mostrar sus preferencias por lo oscuro y sobrenatural, y por el conocimiento de Byrne del personaje.

Regreso a Krypton es la continuación inmediata del mencionado Action Comics 600. Tras su encuentro con Man-Bat, Superman viaja a Krypton junto con Hawkman y Hawkwoman. Una vez allí, Superman elucubra acerca de qué hubiera pasado si toda la población kryptoniana hubiera sobrevivido. Es un what if que refleja que lo más importante del superhéroe kryptoniano es, precisamente, su lado humano, su humildad pese a ser el ser más poderoso de la Tierra.

Por último, la maldición de Banshee es otra historia de tintes sobrenaturales en las que Superman viaja a Escocia para conocer los orígenes de Silver Banshee. Una buena muestra de que las fuerzas místicas y sobrenaturales no cuajan bien con El hombre de acero.

BATMAN: LUZ DE GAS (1989)

Guión: Bryan Augustyn

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Sin duda alguna, la joya de la corona de este tomo. Uno de los grandes elsewords de la historia de Batman y que tendrá su merecido lugar en nuestra guía definitiva de Batman, aún por completar.

Luz de Gas nos sitúa en una Gotham a finales del siglo XIX. Una ciudad que comienza a verse acosada por un asesino con métodos muy parecidos a Jack el Destripador. Una brillante reformulación en la que el estilo cada vez más definido de Mignola viene que ni pintado.

HISTORIAS DEL DIOS PELUDO (1989)

Guión: Neil Gaiman

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Extraño y lisérgico número dedicado a los personajes vegetales del universo de La cosa del Pantano. Un número que viene a dar más preguntas que a contestar respuestas y en el que destaca el magnífico color y el diseño de Mignola de los diferentes seres que campan por nuestro planeta desde hace eones.

BATMAN: SANTUARIO (1993)

Guión: Dan Rasper y Mike Mignola

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Este es un número que bien podría haber estado protagonizado por Hellboy (el agente demoníaco saldría a la luz en 1994). Pero qué le vamos a hacer, Batman casa como nadie con historias de tinte sobrenatural. En este número, persiguiendo a un profanador de tumbas, Batman tiene un conflicto más mental que físico con un enviado de la Muerte, un ser inmortal que busca ocupar el cuerpo del hombre murciélago para perpetuar su existencia.

IRONWOLF: LAS LLAMAS DE LA REVOLUCIÓN (1992)

Guión: Howard Chaykin y John Francis Moore.

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Rescatando a un personaje creado por el propio Chaykin en los años 70, Ironwolf es una curiosa historia que merecía una revisión. En un universo steampunk y con detalles del siglo XVIII en el que el ser humano ha efectuado una colonización sin control de otros planetas, el capitán Ironwolf es un aristócrata que abandona a su familia para liderar una revolución contra las élites. Una vez más, magníficos diseños de Mignola, que muestra también su habilidad para reflejar cualquier emoción en los rostros comiqueros con, tan solo, un par de pinceladas.

LA FÁBRICA DE GAS (2003)

Guión: Mike Mignola y Troy Nixey

Dibujo: Troy Nixey

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Dentro de la antología Black and White, en el que numerosos autores que no han trabajado en aventuras de El caballero oscuro dan su visión del personaje en blanco y negro, Mignola escribió una historia (una vez más) onírica en la que Batman se ve sumergido en una de sus pesadillas fruto del Gas del Miedo del Espantapájaros.

SI UN HOMBRE FUERA BARRO (2005)

Guión: Steve Purcell

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Un contrastado Mignola es el magnífico dibujante de esta historia que explora los orígenes del villano Clayface. Todo ello con un estilo muy de la Edad de plata que aporta frescura a una historia de un solo número.

El deporte, los valores, y la influencia de Rocky Balboa a través del cine

Saludos estimad@s internautas. Cuando vemos una película, sea del género que sea, siempre podemos sacar muchas y diferentes lecturas, del tipo que sean, tanto en el momento de estar viendo dicha película, como después. Y ya no sólo se trata de que una persona distinta saque sus lecturas, totalmente diferentes a las nuestras a pesar de haber visto la misma película, sino que incluso nosotros mismos con el paso del tiempo podemos cambiar las reflexiones que hicimos en su día. El cine tiene distintas finalidades, sobra decirlo, ya que muchas veces busca trascender y hacer reflexionar al espectador, otras busca impactarlo, otras divertirlo, y así con un montón de objetivos diferentes. Sin embargo, no todas las historias que vemos nos terminan dejando una huella profunda. Y hoy me apetecía hablaros de una saga de películas que, si bien tiene una calidad variable en función de qué entrega de la saga hablemos, es indudable que a más de uno le habrá marcado como a mí.

Rocky 1
Si no te gusta mi cara es lo que hay.

¿Qué tiene de especial la figura ficticia de Rocky Balboa? A priori nada, pues ya en Rocky, la primera de la saga, se veía que no era más que un boxeador fracasado que subsistía con combates de poca monta y trabajando como matón de un mafioso. Rocky era un tipo sin demasiado cerebro y sin apenas suerte en la vida. No obstante, y como se iría desgranando a lo largo de sus películas, era una persona de gran corazón, que no sólo plantaría cara a distintas adversidades que le irían aconteciendo, sino que además demostraría que no siempre es mejor la persona más talentosa, inteligente o fuerte en algo, sino aquella que jamás se da por vencida aunque todo esté en su contra. Era uno de los valores que, a través del deporte y del personaje, se nos transmitía a los espectadores. Rocky Balboa era como personaje el equivalente a una de las frases motivadoras más importantes que nos inculcan a lo largo de nuestra vida: «Caer está permitido, levantarse es obligatorio».

Y es un mensaje del que haría gala la saga de Rocky, de la cual hay 6 películas hasta la fecha, más otras 2 (una se estrenará en pocos meses) en las que Rocky también aparece pero su papel de antaño lo hereda Adonis Creed, hijo de Apollo Creed, el hijo de uno de sus grandes amigos. Y ojo, no hay que olvidar que estas películas están encuadradas en el mundo del boxeo y el deporte, pero todas y cada una tiene su historia humana detrás, en muchos casos de superación ante las dificultades y adversidades que la vida nos pone para afrontar.

Rocky 3
¡Vamos chicos, ya queda poco!

Por eso entiendo y respeto que hay personas que al final, tras ver todas estas películas, terminan quedándose con las partes de entrenamiento y sus canciones, así como con los combates. Sin duda son partes memorables que gusta ver, pero sin que olvidemos las lecciones morales que también nos llegan con el boxeo y la vida como medios de transmisión. En Rocky Balboa (la 6ª de la saga), Rocky, ya en una edad bastante avanzada, aceptaba combatir con el boxeador más famoso del momento, a pesar de ser varias décadas más joven que él. Y en una de las conversaciones entre ambos el día antes del combate, Rocky le preguntaba a su rival si tenía miedo, a lo que él respondía que nunca lo tiene. Poco después, Rocky hablaba con su hijo, y le comentaba que él sí tenía miedo, porque eso hace que te esfuerces más cuando llegan los momentos de la verdad. Y ojo, se puede tener o no miedo ante situaciones futuras, eso ya va en la persona, pero es innegable que cuando algo nos asusta, intentamos afrontarlo con el doble de esfuerzo que quienes lo encaran de forma distinta.

Al final, y como decía al inicio de este artículo, cada película deja una huella diferente en la persona, para bien o para mal. No todas dejan un aprendizaje y unas lecciones dignas de recordar, pero en mi opinión, y sin entrar a valorar la calidad de esta saga cinematográfica (que me encanta, pero tampoco será del gusto de tod@s), hay que recordarla por todas las lecciones que nos deja. Sí, es absurdo que un boxeador cuya principal virtud es encajar golpes termine subiendo al ring una y otra vez, a pesar de poner su salud en juego, pero es una película, y hay que recordar las cosas que nos intenta enseñar.

Se pueden tener ilusiones, oportunidades de hacer grandes proezas en la vida que no siempre se nos ofrecen, pero nada es sencillo, nada que realmente valga la pena es sencillo, y en nuestro camino por alcanzar esos sueños, no hay que tener miedo de caerse, de ser superado por las dificultades, porque todos nos caemos, y de nosotros mismos depende levantarnos. ¿Y tú, vas a quedarte tumbado en la lona o vas a ponerte en pie nuevamente cada vez que andes mal?

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¿Son los simbolismos y metáforas pedantería en el cine?

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En el, por suerte, amplio espectro del que gozamos en la industria cinematográfica, siempre han habido debates acerca de las historias y temas que se contaban. Pero quizás uno de los más longevos y que todavía persiste –juntamente con el de los límites de lo que se debe o no mostrar en pantalla– sea la eterna disputa entre el cine de autor o experimental y el cine comercial o blockbuster. Con el paso de los años, sus posicionamientos particulares no han hecho más que distanciarse, encasillando todavía más sus respectivos argumentarios y propagando el rechazo sistemático a productos contrarios. En este artículo, trataré de centrarme en las diferencias que representa un determinado tipo de cine de autor con respecto al cine comercial y responder a la pregunta ¿Son las metáforas y simbolismos pedantería en el cine? 

Introducción a los films simbólicos o narrativa Lynch

Podríamos definir la narrativa clásica o comercial como aquella que nos expone una historia de manera directa, con una pregunta clara a resolver en el clímax y personajes notablemente marcados. Los conflictos de estas películas suelen ser externos y sus resoluciones acostumbran a depender de acciones físicas y de ir superando paulatinamente los obstáculos hasta conseguirlo. Pero cuando nos sumergimos en otras regiones cinematográficas menos comerciales (lo cual no siempre quiere decir de mayor calidad), estas normas cambian: los conflictos pueden ser internos, la historia puede presentarse en varias temporalidades que no siguen orden cronológico alguno, la trama puede estar narrada con el uso de metáforas y simbolismos que entrañen un acto de descodificación28382id 109 w1600

Por supuesto, el grado de todos estos recursos siempre está al servicio de los creadores y se termina utilizando en pos de satisfacer lo máximo posible su objetivo aunque cada autor lo exprese a su manera: Lars Von Trier entremezcla un ritmo pausado y lento con abstracciones angustiantes e impactantes para transmitir al máximo la desolación en Anticristo; David Lynch, uno de sus mayores abanderados, goza de una especial puesta en escena y textura gracias a su bagaje como pintor y hasta ha terminado creando un imaginario propio, redefiniendo determinados sucesos y objetos, atribuyéndoles una nueva significación cautivadora; recientemente Darren Aronofsky tuvo a todo el mundo preguntándose cuál sería la auténtica interpretación tras los desagradables y al mismo tiempo cercanos acontecimientos en Mother!big startfilmru1378315

Cualquier buena película que se precie tiene alguna clase de simbología tras ella. Esta puede ser más o menos compleja y tener una mayor o menor presencia, pero a la hora de construir una historia, el enfatizar una determinada progresión o emoción que aporte una capa más al film, siempre es enriquecedor.

Virtudes y defectos de la narrativa metafórica

Uno de los principales problemas que acarrea el salirse de la línea narrativa más “convencional”, es ser tildado de pedante o pretencioso, ser encasillado como alguien que rizó demasiado el rizo en busca de efímeras controversias. Muchas veces, lo que se produce en estos casos es una elección: mayor inteligibilidad o mayor capacidad emocional. A la hora de hacer de estas películas, se sacrifica la fácil comprensión intrínseca en la narrativa clásica, en pos de alcanzar otro nivel de contundencial y transmitir más. La historia en sí, deja de ser el elemento principal y pasa a ser subliminal, un recurso más que sirve como hilo conductor del imaginario presentado en la película. En este tipo de productos, el espectador experimenta un cambio de paradigma, pues su implicación constante e interacción con lo que se muestra, es más relevante. Esto no quiere decir que solo unos cuántos elegidos con un coeficiente intelectual astronómico sean los únicos capaces de entenderlas, pero sí que se requiere otra clase de relación con la película en cuestión.

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Precisamente por esta falta de ortodoxia en la manera de contar, se les suele otorgar a estos productos un mayor peso al apartado técnico, puesto que la evocación y la capacidad emotiva termina pasando hasta casi un primer plano. Es por eso por lo que Cabeza Borradora tiene más ruidos agobiantes que diálogos o Anomalisa se realizó con stop-motion y no con personas; porque comunican a través de las emociones.

¿Es pedantería?

Muchas veces, ante lo nuevo o diferente, tendemos a bloquearnos en una sensación de rechazo automática que no nos deja ver más allá de su coraza y nos encallamos en una posición que no siempre hemos cuestionado. Por supuesto no creo que sea un estilo que pueda gustar a todo el mundo, pero jamás ha habido algo que lo sea. Si los simbolismos y metáforas son pedantería, dependerá única y exclusivamente de si cumplen su propósito y de la predisposición que tengamos hacia ellas.

La riqueza y la variedad de opciones, siempre es señal de la salud del medio. Por supuesto que uno siempre busca algo en cada momento y no tiene porqué tener una predisposición innata para todo, pero si queremos que el cine siga siendo una buena forma artística, debemos estar abiertos a todas sus formulaciones y apreciar la diversidad en su oferta. Al final del día, independientemente de sus virtudes técnicas o narrativas, solo nosotros decidimos si nos gusta algo, por lo que librarse de los prejuicios y las condenas prematuras no puede hacer otra cosa que ayudarnos a disfrutar más y a descubrir.gordon cole

Reseña de The Authority de Warren Ellis y Bryan Hitch. El espejo en el que se mirarán los superhéroes del Siglo XXI

Introducción: La razón de este post

En agosto de 2016, ECC Cómics publicó en un tomo los 12 primeros números de The Authority. Warren Ellis y Bryan Hitch comenzaban así una cabecera que se convertiría en el espejo en el que se mirarán los superhéroes del Siglo XXI.

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Es un hecho que cuando se habla de cómics de superhéroes hay dos obras que siempre acaban mencionándose. se trata de Dark Knight y Watchmen. Se nos llena la boca hablando de las excelencias de las mismas y de cómo revolucionaron la visión del superhéroe, desde finales de los 80 hasta la actualidad.

   Yo comparto esa idea. Con lo que discrepo es con el período de tiempo que supuestamente abarca dicha visón de los superhéroes. Es indiscutible la calidad de dichos cómics, así  como que, para bien y para mal, fueron determinantes en la visión del superhéroes desde mediados de los 80  hasta los 90

   Desde mi punto de vista, a finales de la década de los 90, el cómic que va a marcar una nueva pauta a seguir para los superhéroes del S.XXI es The Authority. Una colección creada por los autores ingleses Warren Ellis y Bryan Hich. Si bien es cierto que esta es una opinión compartida por muchos “blogueros” y, me atrevería a decir, que por la “crítica especializada”, siempre hay alguien en algún Salón del Cómic o en algún debate en blogs y/o foros de Internet que se queda en Dark Knight y Watchmen. De ahí mi reflexión a este respecto, la cual expondré al final, una vez haya buceado por los orígenes de The Authority.

Empecemos por el principio: Personaje e ideas para The Authority

Empecemos por el principio. The Authority es un cómic que surge de las cenizas de otro llamado Stormwatch. Stormwatch es un título creado por Jim Lee para el, ahora desaparecido, sello Wildstorm de Image Comics (luego vendido a DC Comics). Fue durante los años 90, como parte de su universo de superhéroes particular. Lee se limitó a crear los conceptos y diseños de personajes, participar en los argumentos de los 8 primeros números y dibujar las portadas de los tres primeros, dejando luego el cómic en manos de otros autores.  

StormWatch era una organización de vigilancia e intervención a nivel mundial, financiada por la ONU. Su base era un satélite que orbitaba alrededor de La Tierra vigilando todo el planeta, contaba con alta tecnología y centenares de miembros de todo el mundo, que estaban constantemente vigilando el planeta en busca de posibles amenazas. Una vez detectaban alguna, enviaban a solucionarla al equipo de campo StormWatch, formado por metahumanos de diversas nacionalidades. Todo el proceso está bajo la supervisión y dirección del WeatherMan. El WeatherMan era el alto mando de la organización, responsable último de todo lo relacionado con StormWatch.  

Pese a esta interesante premisa, la colección fue dando tumbos varios años,  con escaso o nulo interés a nivel argumental, hasta que, a mediados de 1996, cayó en manos del guionista Warren Ellis. Con el fin de hacer la serie más interesante, Ellis introduce nuevos personajes en la colección y un nuevo enfoque. Dicho enfoque consistía en poner más énfasis en los personajes, dedicando números enteros a profundizar en ellos. En total, Ellis escribió 25 números de la colección, con dibujos de Tom Raney, Bryan Hitch, Michael Ryan, Óscar Jimenez  y el mencionado Lee.

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Ellis fue introduciendo personaje e ideas que luego utilizaría en The Authority. Hablo de personajes como Jenny Sparks, Jack Hawksmoor y Switf. También creó a un grupo de metahumanos que quieren «cambiar el mundo«, claro precedente de The Authority, entre cuyos miembros se encuentran los personajes The Doctor y Engineer. Ellis crearía unos sucesores de estos últimos, que heredarían sus poderes y nombres para The Authority. También sería responsable de la pareja Apolo/Midnighter. Por último, crea el concepto de «la sangría«, que sirve para explicar la existencia de dimensiones paralelas, con el que se jugará repetidamente en The Authority.

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En el crossover WildC.A.T.s/Aliens, dibujado por Chris Sprouse y escrito por Ellis, los Aliens masacraran a buena parte de los miembros de StormWatch, destruyendo la propia estación en el proceso. Este drástico giro argumental sirve para dar punto final al antiguo grupo y hacer, a continuación, a The Authority

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Valoración final y cierre: Modelo para los superhéroes del S.XXI

En mi humilde opinión el que The Authority sea el modelo para los superhéroes del S.XXI se debe a que Ellis muestra un superhéroe idealista pero no ingenuo. Desde Watchmen se tendía a ver a los superhéroes desde una dimensión más oscura y psicótica. Cualquier superhéroe que no fuera así, es decir cínico, oscuro o interesado, lo que se dio por llamar realista (si es que puede hablarse de realismo en cómics donde aparecen seres que desafían las leyes más elementales de la física), no era creíble y, por tanto, motivo de burla. Parecía que ya no había sitio para superhéroes de grandes ideales. A finales del milenio, Authority cambia eso.

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Los superhéroes de The Authority son conscientes del mundo en el que viven pero no por eso abandonan sus ideales de hacer del mundo un lugar mejor. Tienen el poder y la convicción para cambiar cosas sin tener que pisotear a la humanidad en el proceso. De hecho, con sus acciones, lo que pretenden es remover conciencias y servir de inspiración. Ni se corrompen ni pretenden conquistar el mundo.

El problema que le veo a este planteamiento es que el guionista que continuo el trabajo de Ellis, Mark Millar, lo radicalizó. No digo que no planteara cuestiones interesantes, que lo hizo, pero también puso a los personajes en unas situaciones algo extremas, que desdibujó la idea original. Hasta el punto de que Joe Kelly llevó a cabo una dura crítica a The Authority en Action Comics #775 (2001). Puedes leer más al respecto en mi post Superman Vs. The Elite (2012). Conoce el cómic que inspiró la película “Superman contra La Élite”. También puedes leer una valoración del compañero Máximo, sobre la etapa de Millar, en El cómic de la semana: The Authority Volumen 2.

No quiero cerrar estar valoración sin dedicar unas líneas al espectacular, a la par que detallista, dibujo de Hitch. Ellis no podía haber encontrado un dibujante mejor para plasmar toda la épica que estas historias requerían. Dejo el listón muy alto. Hasta el punto de que ninguno de los dibujantes posteriores estuvo a la altura. Su estilo condicionaría una forma de dibujar tebeos, llamemos realista, que daba la impresión de estar viendo una gran producción cinematográfica.

Puedes leer más sobre esta etapa de The Authority en esos enlaces: Reseña de Authority, por Warren Ellis y Bryan Hitch y Clásicos modernos del cómic: The Authority vol.1. Se trata de posts realizados por el compañero Miguel y por un antiguo colaborador de esta casa respectivamente.

Por mi parte esto es todo. Si te ha gustado, ya sabes, ¡comenta y comparte! ¡Muchas Gracias!

Las 10 mejores películas de ciencia ficción de todos los tiempos

Antes de nada me gustaría aclarar que este es un top personal y que puede variar según gustos. Podría haber llamado a este Top: «Las 10 mejores películas de ciencia ficción MODERNAS» pero la inclusión de 2001: Una Odisea del espacio me hizo descartar esa idea original. Realmente siento no haber puesto películas clásicas en blanco y negro y haberme centrado en las de color, pero espero que al menos tengáis un gusto similar al mio.

Otro dato que he querido transmitir a la hora de realizar este top es la repercusión de las obras para películas posteriores. Quizás analizando fríamente podamos sacar cintas de autor más originales, más profundas pero de menor repercusión para las siguientes generaciones. Recordad que primero tenéis el formato vídeo y luego el artículo desarrollado. No obstante, si te gusta el vídeo, no olvides suscribirte a nuestro canal de youtube. 

Sin más dilación pasamos al TOP 10.

10- Regreso al futuro (1985)

El adolescente Marty McFly es amigo de Doc, un científico al que todos toman por loco. Cuando Doc crea una máquina para viajar en el tiempo, un error fortuito hace que Marty llegue a 1955, año en el que sus futuros padres aún no se habían conocido. Después de impedir su primer encuentro, deberá conseguir que se conozcan y se casen; de lo contrario, su existencia no sería posible.

Peliculón comercial típico de los 80 pero bajo el paraguas del director Robert Zemeckis y el productor Steven Spielberg que le confiere automáticamente el sello de clásico moderno. Tuvo dos secuelas que gran factura pero inferiores a esta cinta de 1985. La canción The power of love de Huey Lewis & The News todavía hoy en día es escuchada en radios y anuncios de televisión.

9- Avatar (2009)

Año 2154. Jake Sully (Sam Worthington), un ex-marine condenado a vivir en una silla de ruedas, sigue siendo, a pesar de ello, un auténtico guerrero. Precisamente por ello ha sido designado para ir a Pandora, donde algunas empresas están extrayendo un mineral extraño que podría resolver la crisis energética de la Tierra. Para contrarrestar la toxicidad de la atmósfera de Pandora, se ha creado el programa Avatar, gracias al cual los seres humanos mantienen sus conciencias unidas a un avatar: un cuerpo biológico controlado de forma remota que puede sobrevivir en el aire letal. Esos cuerpos han sido creados con ADN humano, mezclado con ADN de los nativos de Pandora, los Na’vi. Convertido en avatar, Jake puede caminar otra vez. Su misión consiste en infiltrarse entre los Na’vi, que se han convertido en el mayor obstáculo para la extracción del mineral. Pero cuando Neytiri, una bella Na’vi (Zoe Saldana), salva la vida de Jake, todo cambia: Jake, tras superar ciertas pruebas, es admitido en su clan. Mientras tanto, los hombres esperan los resultados de la misión de Jake.

La película más taquillera de todos los tiempos dirigida por James Cameron que nos narra una historia muy manida pero con tintes futuristas donde la humanidad es la villana y la raza extraterreste la victima. Aún con un guión que es un retazo de varios clásicos, la historia funciona perfectamente.

8- Mad Max: Furia en la carretera (2015)

Perseguido por su turbulento pasado, Mad Max cree que la mejor forma de sobrevivir es ir solo por el mundo. Sin embargo, se ve arrastrado a formar parte de un grupo que huye a través del desierto en un War Rig conducido por una Emperatriz de élite: Furiosa. Escapan de una Ciudadela tiranizada por Immortan Joe, a quien han arrebatado algo irreemplazable. Enfurecido, el Señor de la Guerra moviliza a todas sus bandas y persigue implacablemente a los rebeldes en una «guerra de la carretera» de altas revoluciones… Cuarta entrega de la saga post-apocalíptica que resucita la trilogía que a principios de los ochenta protagonizó Mel Gibson.

Maravillosa película, impactante. Un clásico instantáneo, una película de culto desde su proyección en Cannes. Solo la mente de George Miller puedo hacer una película semejante. Quizás la mejor película de acción del siglo.

7- Parque Jurásico (1993)

El multimillonario John Hammond consigue hacer realidad su sueño de clonar dinosaurios del Jurásico y crear con ellos un parque temático en una isla remota. Antes de abrirlo al público, invita a una pareja de eminentes científicos y a un matemático para que comprueben la viabilidad del proyecto. Pero las medidas de seguridad del parque no prevén el instinto de supervivencia de la madre naturaleza ni la codicia humana.

https://www.youtube.com/watch?v=dPwvOBT9zNI

La película que cambió los efectos especiales. La película que hizo soñar a una generación con los dinosaurios. Steven Spielberg cambió el rumbo del cine en los 90 con la primer parte de Parque Jurásico.

6- Terminator II: El juicio final (1991)

Sarah Connor, la madre soltera del rebelde John Connor, está ingresada en un psiquiátrico. Algunos años antes, un viajero del tiempo le había revelado que su hijo sería el salvador de la humanidad en un futuro dominado por las máquinas. Se convirtió entonces en una especie de guerrera y educó a su hijo John en tácticas de supervivencia. Esta es la razón por la que está recluida en un manicomio. Cuando un nuevo androide mejorado, un T-1000, llega del futuro para asesinar a John, un viejo modelo T-800 será enviado para protegerle.

Otro clásico de todos los tiempos. Si la primera parte ya fue maravillosa con los viajes en el tiempo, en esta secuela se nos presenta al villano de la primera como el ángel de la guardia de la humanidad. Un tremendo Arnold Schwarzenegger bajo las órdenes de James Cameron en una cinta apocalíptica.

5- Aliens el regreso (1986)

Alien es un organismo perfecto, una máquina de matar cuya superioridad física sólo puede competir con su agresividad. La oficial Ripley y la tripulación de la nave “Nostromo” se habían enfrentado, en el pasado, a esa monstruosa criatura. Y sólo Ripley sobrevivió a la masacre. Después de vagar por el espacio durante varios años, Ripley fue rescatada. Durante ese tiempo, el planeta de Alien ha sido colonizado. Pero, de repente, se pierde la comunicación con la colonia y, para investigar los motivos, se envía una expedición de marines espaciales, capitaneados por Ripley. Allí les esperan miles de espeluznantes criaturas. Alien se ha reproducido y esta vez la lucha es por la supervivencia de la Humanidad.

Si la primera entrega es una obra maestra del terror en el espacio, esta secuela es una obra maestra de acción en el espacio. James Cameron, otra vez, da un toque de magia en esta saga con los xenomorfos como verdaderos protagonistas.

4- Alien el octavo pasajero (1979)

De regreso a la Tierra, la nave de carga Nostromo interrumpe su viaje y despierta a sus siete tripulantes. El ordenador central, MADRE, ha detectado la misteriosa transmisión de una forma de vida desconocida, procedente de un planeta cercano aparentemente deshabitado. La nave se dirige entonces al extraño planeta para investigar el origen de la comunicación.

Ridley Scott se convirtió en esta cinta en una especie de visionario de su época. Alien es una joya en su género y nos hizo ver a los extraterrestes con más temor que admiración. En el espacio nadie puede oír tus gritos.

3- Matrix (1999)

Thomas Anderson es un brillante programador de una respetable compañía de software. Pero fuera del trabajo es Neo, un hacker que un día recibe una misteriosa visita…

Los hermanos Wachowski, ahora las hermanas tras su cambio de sexo, crearon a finales del siglo XX una película que rompía todos los moldes de la ciencia ficción contemporánea. Matrix fue una revolución en todos los ámbitos, incluido el técnico y el del cyberpunk.

2- 2001: una odisea del espacio (1968)

La película de ciencia-ficción por excelencia de la historia del cine narra los diversos periodos de la historia de la humanidad, no sólo del pasado, sino también del futuro. Hace millones de años, antes de la aparición del «homo sapiens», unos primates descubren un monolito que los conduce a un estadio de inteligencia superior. Millones de años después, otro monolito, enterrado en una luna, despierta el interés de los científicos. Por último, durante una misión de la NASA, HAL 9000, una máquina dotada de inteligencia artificial, se encarga de controlar todos los sistemas de una nave espacial tripulada.

La evolución de la humanidad desde el mono hasta el ser cósmico es debido a una inteligencia extraterrestre superior que ha puesto un centinela, un monolito que les avisa de las diferentes etapas del hombre. Magnífica obra de Stanley Kubrick basada en un relato corto de Arthur C. Clarke.

1- Blade runner (1982)

A principios del siglo XXI, la poderosa Tyrell Corporation creó, gracias a los avances de la ingeniería genética, un robot llamado Nexus 6, un ser virtualmente idéntico al hombre pero superior a él en fuerza y agilidad, al que se dio el nombre de Replicante. Estos robots trabajaban como esclavos en las colonias exteriores de la Tierra. Después de la sangrienta rebelión de un equipo de Nexus-6, los Replicantes fueron desterrados de la Tierra. Brigadas especiales de policía, los Blade Runners, tenían órdenes de matar a todos los que no hubieran acatado la condena. Pero a esto no se le llamaba ejecución, se le llamaba «retiro». Tras un grave incidente, el ex Blade Runner Rick Deckard es llamado de nuevo al servicio para encontrar y «retirar» a unos replicantes rebeldes.

Para mí la mejor película de todos los tiempos. Blade Runner fue estrenada en 1982 y fracasó en crítica y público porque estaba muy adelantada a su tiempo. No la entendían. Con el paso de los años se fue redescubriendo hasta convertirse película de culto y una de las más aclamadas de los últimos tiempos.

Un saludo y sed felices.

Análisis de Heridas Abiertas. Temporada 1. Capítulo 7

Bienvenidos una semana más al “encantador” pueblecito de Wind Gap. Para todos aquellos que no hayáis visto Enamorarse, séptimo y penúltimo capítulo de Heridas Abiertas, aquí tenéis los análisis de todos los episodios. Para que hayan podido verlo, vamos al análisis.

MUNCHAUSEN POR PODERES

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 Básicamente, el séptimo capítulo de Heridas Abiertas contiene una importante revelación y una impactante secuencia. Vayamos por partes.

Resulta que Camille, nuestra querida chica rebelde con la imagen femenina estándar que se ganó el desprecio de Win Gap, está vida gracias a ese carácter. A esas negativas constantes a los cuidados de su madre. Como bien descubre Willis en sus visitas a una enfermera que cuidó de la difunta Marianne, hay muchas sospechas acerca del papel de Adora en la muerte de su hija querida. Su actuación con los cuidados de Amma despejan toda duda. Adora sufre el rarísimo y grave síndrome de Munchausen por poderes, enfermedad con la que, desgraciadamente, he tenido contacto en mi práctica clínica.

El paciente con síndrome de Munchausen por poderes envenena, medica e incluso lesiona a una persona a su cargo (generalmente un hijo) para poder asumir el rol de cuidador. Hay muchísimas causas detrás de esta actitud. En el caso de Adora, parece que la necesidad de ser vista como esa madre atenta, cuidadora servicial, vestida de forma impoluta, amiga de la élite del pueblo y líder de Wind Gap puede ser la causa. Lógicamente, tener un cuidador con síndrome de Munchausen por poderes implica tener enfermedades de muy difícil tratamiento (por lo pronto, el cuidador no quiere que mejores) e, incluso, la muerte, como le ocurrió a Marianne.

A diferencia de Camille, que siempre se reveló a los cuidados de su madre, Amma toma una actitud bien distinta: la ambivalencia entre ser la hija dócil y la peligrosa adolescente fuera de los muros de la casa familiar. La escena en la que se niega débilmente a tomarse la mediación es desasosegante. Adora le deja clara su decepción: ya no la necesita a ella ni a sus cuidados, luego no necesita nada de lo que sus padres le han dado. Al final del episodio, parece que la vida de Amma pende de un hilo.

¿Y cuál es la actitud de los más allegados? La de Alan está clara. Es un hombre dominado por su mujer, un cómplice que acude a la música clásica con casos para silenciar las voces que le dicen que Adora está envenenando a su hija. Es muy llamativo que la canción que esté escuchando sea Down in the Willow Garden, una balada que habla sobre un hombre que envenena y mata a su amante para después afrontar las consecuencias de su muerte. Está claro que Alan se siente culpable, ya sea por dejar hacer a Adora o por otra cosa que desconocemos. No olvidemos que su actitud sumisa bien puede esconder a un asesino que actúa por impulsos.

Por otra parte, tenemos al pueblo. El pueblo cuyo sheriff parece tener una relación más allá de la amistad con Adora. Vickery no hace caso a las insinuaciones de Willis. Jackie ahogó sus sospechas en alcohol e ironía. Nadie impidió que Adora incinerara a su hija para impedir una autopsia que la hubiera inculpado.

No sabemos qué ocurrirá en el último capítulo, pero parece claro que Camille sospecha que Adora es la misteriosa mujer de blanco que asaltaba a las niñas. A mí, personalmente, no me cuadra mucho. Adora no tiene el perfil del asesino que mata con ese salvajismo. Pero tendrá que pagar por lo de Marianne, de eso seguro.

LAS HERIDAS DE CAMILLE

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Pocas veces hemos visto a Camille abrirse (literal y metafóricamente) en canal como con John, el sufrido hermano de Natalie.

Nuestra protagonista lo localiza en un bar a las afueras de Wind Gap, donde el joven espera que le arresten al saberse abandonado por todos, incluida su novia Ashley, más pendiente de alcanzar la fama que de ayudar a su pareja.

En ese momento, lo que podría ser una oportunidad para conocer el testimonio de John de lo vivido en Wind Gap se convierte en una nueva confesión silenciosa de Camille a través de sus heridas. A diferencia del romance más impostado con Willis, donde Camille no puede mostrarse tal y como es, John comprende su dolor y tienen relaciones que huelen más a comunión que a pasión entre ambos.

Lógico que Willis se lo tome tan mal cuando los pillen al detener a John. También es entendible, aunque demasiado duro, que le diga que es una persona que ha justificado la basura que es su vida en los traumas de su infancia. Es algo muy típico en los trastornos de personalidad: la justificación de su propia inestabilidad en otros. Por eso es difícil de comprender que Camille haya actuado de esa forma por John. Pero, atendiendo a su personalidad, es coherente. Porque Camille jamás se ha sentido tan deseada tal y como es, tan comprendida que con John. En ese aspecto, es loable el intento de Heridas Abiertas de reflejar el estigma de los trastornos de personalidad, enfermedades mentales que no suponen tantos ingresos como otras patologías más graves pero que provocan verdaderos conflictos emocionales en los que lo sufren.

Un saludo y hasta la semana que viene!

Sed felices!

Todos los detalles de la Heroes Comic-Con Madrid 2018

Un mes justo queda para la Heroes Comic-Con de Madrid, uno de los eventos del último cuatrimestre del año más espectaculares que se celebran en el territorio nacional. Con solo dos años a sus espaldas, la Heroes Comic-Con nos ha abierto al extranjero con decenas de artistas del mundo del cómic, así como otros muchos del mundo de la televisión y los videojuegos, invitados a pasar los 3 días que dura el evento. Evento que este año comienza el próximo 21 de septiembre y durará hasta el 23. 3 días de cómics, firmas, fotos y, sobre todo, ¡diversión!

Antes de empezar queríamos recordaros que somos Media Partner de la Heroes Comic-Con del Madrid, así como lo fuimos la pasada edición que la empresa desarrolló en Valencia. Con esto no podréis perderos nuestra cobertura del evento así como un descuento de 20%, válido hasta el 31 de agosto, que podréis encontrar en el banner que encontraréis en nuestra web. ¿Hay ganas?

Invitados de cine y televisión

La Heroes Comic-Con es un evento enfocado al fan. Allí todos nos sentimos integrados y hay un lugar para cada uno de nosotros. Este año la empresa ha conseguido mover hilos, hilos que no han cesado y que pueden traernos a otros grandes artistas de cara al evento, y nos han traído 4 estrellas de talla internacional:

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Jacob Elordi. No es el único actor de Netflix que la Heroes Comic-Con ha conseguido llevar al evento. Jacob es conocido por interpretar a Noah Flynn en la producción de Netfllix ‘Mi primer beso‘ (The Kissing Booth). Su carrera ha crecido ahora que ha firmado para aparecer en The Mortuary Collection, una serie antológica de terror que llegará a finales de este mismo año, así como compartir plantel con Zendaya, la actual Mary Jane Watson en el Universo Cinematográfico de Marvel.

Elordi tendrá dos sesiones de fotos a medio día y por la tarde los tres días que dura el evento. Además contará con Meet & Greet los tres días y, aunque no se ha confirmado aún la sesión de firmas, qué más queremos. Podéis consultar los cambios y comprar las entradas en este enlace a la web de la Heroes Comic-Con.

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Kevin McNally. «Arrasa con lo que veas. Y generoso no seas». Como podríamos olvidarnos de Gibbs, el eterno amigo y en ocasiones, una pena, segundón de Jack Sparrow. Sin embargo Kevin McNally no nació con Piratas del Caribe, sino que su debut en la gran pantralla se encuentra en James Bond: la espía que me mató, con tan solo 21 años. Desde entonces lo hemos podido ver como Gibbs en la saga de Piratas del Caribe, en Legend compartiendo reparto con Tom Hardy, en el regreso de Jack Bauer en 2014 con 24: Vive otro díaEl enigma del cuervoValkiria, o incluso dando voz a Robert Faulkner en el videojuego Assassin’s Creed 3.

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Paul Wesley. Y aquí tenemos al terror de las nenas, más si cabe cuando interpretas a un vampiro en Crónicas Vampíricas. Dando vida a Stefan Salvatore, Wesley consiguió hacerse un nombre en Hollywood, llegando a dirigir y producir la misma serie que le contrató. Desde entonces su carrera no ha parado y ha firmado, como Elordi, para un papel en Netflix en la serie Medal of Honor (solo comparte con el videojuego el nombre), producida por Robert Zemeckis.

Wesley ofrecerá sesiones fotos y Meet & Greet el sábado 22 y domingo 23. Aunque aún no sabemos si también tendrá sesión de firmas, podéis consultar los detalles que vayan saliendo en la web de la Heroes Comic-Con.

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Carolina Ravassa. Quizá sea la menos conocida, por lo menos físicamente, pues la carrera de Carolina Ravassa no es para nada pobre. Blizzard contactó con ella para dar vida a Sombra, uno de los 28 héroes jugables a día de hoy, por nada más y nada menos que su arte bailando. Y es que Ravassa, aparte de tener una buena voz, baila como nadie el shuffle, de ahí que tuviera su papel en la cinta de 2010 Step Up. Sin embargo, sus papeles van más allá de esos dos pues ha trabajado bajo el mando de Rockstar en GTA V y Max Payne 3 y lo hará bajo el de Avalanche Studios con Just Cause 4.

Invitados del mundo del cómic

Sin embargo, del cine y la televisión no solo vivimos los fans y no se puede decir que la Heroes Comic-Con deje de lado a los fans comiqueros y no haga honor a su nombre, pues tenemos muchos y muy buenos invitados a este evento:

Katii O’Brien. Esta joven de Boston puede que no sea muy conocida, pero actualmente se encuentra trabajando de editoria en Dark Horse, ni más ni menos, y seguramente hayamos leído algo donde ella ha estado pues ha trabajado con Marvel en Amazing Spider-Man, Vengadores vs X-Men, Venom, Daredevil y Capitán América. Además de trabajar junto a Mile Mignola en AIDP: The Devil You Know, Hellboy y la AIDP., y Witchfinder.

Rafael Scavone. Scavone no ha trabajado en Marvel, pero lo ha hecho en DC Comics con Wonder Woman y Btaman, además de encontrarse actualmente bajo la batuta de Mark Millar escribiendo Hit-Girl para Image Comics.

Paul Renaud. Otro quizá poco conocido, pero del cual hemos leído sin saberlo. Renaud trabajó dibujando con Rick Remender en Red Sonja: The Vacant Shell, pero también en Warlord of Mars: Dejah Thoris, Red Sonja, Flash Gordon, Mass Effect, Star Wars, Iron Man, Ojo de Halcón y Pájaro Burlón, Secret Warriors, Pantera Negra, Danger Girl y el Ejército de las Tinieblas, Irredeemable, Dragones y Mazmorras, Blue Beetle, Escuadrón Suicida, Superman & Wonder Woman, Uncanny Avengers, Capitán America: Steve Rogers, y otras muchas portadas alternativas.

Don McGregor. Uno de los veteranos del lugar. McGregor lleva trabajando desde 1969 y lo ha hecho escribiendo Luke Cage: Powerman y Morbius the living Vampire. Pasados los 80 trabajó junto a Marvel en Panther’s Quest, donde introdujo al rey de wakanda en el Apartheid de Sudáfrica.

Phil Noto. Un hombre con mundo pues no solo se ha dedicado al mundo del cómic sino que Noto ha trabajado en clásicos desde el primer minuto de la casa del ratón. Trabajó como animador en El Rey León, Pocahontas, el Jorobado de Notre-Dame, Mulan, y Lilo y Stitch. Con el nuevo milenio, Noto ha trabajado en Marvel con Los Vengadores, la serie de X-23, Uncanny X-Force, y en los cómics de Star Wars en Star Wars: Chewbacca, Star Wars: Poe Dameron como dibujante. Actualmente lo podremos encontrar en Daredevil y en las librerías pues se ha encargado de las novelas de Star Wars que funcionan como prólogo a El despertar de la fuerza.

Salva Espín. Entre los autores nacionales, este ya nos suena más, ¿verdad? Espín no ha parado en su corta carrera pues nada más acabar la carrera en la Politécnica de Valencia, emigró a Marvel en 2008 donde ha trabajado dibujando en El Increíble Hulk, Spiderman, Lobezno, Capitán América o La Patrulla X, pero su obra más reconocible es Deadpool, quien nos ofreció un cómic ambientado en su Murcia natal. Además, es el creador, ya que ha tenido la posibilidad de conocer al héroe, de Evil-Deadpool.

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El Torres. Otro autor nacional que lleva mucho en esto. Desde su trabajo como editor al final de los 90 en Megamultimedia, eyectó a publicar en Image Comics e IDW Publishing. 3 de sus obras más conocidas son ‘The Veil’, la serie ‘Nancy in Hell’ y ‘The Suicide Forest’, que le valió el Premio Haxtur, el reconocimiento de la crítica y, lamentablemente, la película que Hollywood llevó al cine sobre su cómic sin él ver ni un euro. Sin embargo, no ha parado y publica en Estados Unidos bajo el sello Amigo Comics y a nivel nacional se ha encargado de la adaptación a cómic de la serie El Ministerio del Tiempo.

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Pere Pérez. Otro joven dibujante que ha buscado y conseguido su éxito en DC y Marvel, donde ha dibujado la serie Batgirl, Batman: Return of Bruce Wayne, Superman #690, Action Comics Annual #12, Superman Secret Files. De ahí fichó a Valiant, donde se le ha conocido su mérito trabajando en Archer & Armstrong, series por las que recibió los Premios Harvey y Eisner.

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Estos son solo algunos de los invitados a la Heroes Comic-Con 2018. No os vamos a decir todos, se perdería la magia, ¿verdad?

¿Qué hacer en la Heroes Comic-Con 2018?

Aparte de invertir vuestro tiempo en visitar a cada uno de los artistas y actores invitados que ya os he adelantado, la Heroes Comic-Con contará con decenas de expositores donde podréis acercaros a comprar o a echar un ojo. Expositores de canales de TV como SyFy o Calle 13, de editoriales como Norma, ECC, Astiberri o Dolmen Editorial, o las escuelas de Arte ESDIP y Linterna Producciones, dedicadas al cine, videojuegos, cómic y arte digital.

Además de eso tendréis la posibilidad de ver las exposiciones del artista Javier Arrés, una exposición dedicada a los artistas españoles que se encuentran o han trabajado en Marvel, así como una dedicada a la mitología surrealista de Lázaro Tótem.

Esto no es todo pues aunque la Heroes Comic-Con aún tiene mucho que anunciar de aquí a un mes, podréis pasároslo bien en los concursos de cosplay, las salas de conferencia, las zonas de juegos de mesa y videojuegos, la zona de artistas… 3 días que no os tenéis que perder.

Si queréis saber más de los eventos, la Heroes Comic-Con irá ampliando información en su sección de programa y horarios de todos los eventos.

Allí nos veremos. Recordad que las entradas están ya a la venta.

Muhammad Ali, de Sybile Titeux y Amazing Ameziane: el espíritu de una época

Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez.

El cómic del que vamos a hablar trata de Muhammad Ali, está dibujado por el dibujante Amazing Améziane y está escrito por la autora Sybille Titeux. A España nos ha llegado el tomo con la historia íntegra gracias a la editorial Flow Press Media.

Se han hecho muchísimas obras sobre el boxeador, tanto en cine como en libros como en cómic. Carlos Porras hizo un excepcional escrito sobre las muchas apariciones de Muhammad Ali en los medios, desde su serie de dibujos animados pasando por los cómics en los que se pega con Superman o el fantástico documental «Cuando éramos reyes«. Todo este aluvión de obras respecto al boxeador siempre tiene detrás la misma pregunta: ¿de dónde viene esta fascinación que supera en mucho la de casi todos los demás deportistas del siglo XX?

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El cómic del que hablamos quizás es uno de los mejores intentos de responder a esa pregunta. La película protagonizada por Will Smith se centraba demasiado en una época del boxeador y se centraba demasiado en él. El documental Cuando éramos reyes es de nuevo otra parte fragmentada de la historia, muy bien narrada y explicada, pero fragmentada. Es posible que para entender la adoración por Muhammad Ali y la fiebre por hacer cosas sobre él haya que pasar por varios libros, películas o documentales.

El cómic empieza con el nacimiento del protagonista, pero enseguida alejan el foco. No es sólo que Cassius Clay naciera en una familia determinada, con un color de piel: nació en una época y un país determinado. El cómic trata en todo momento que entendamos cual era el contexto en que nace y crece, nos habla de las leyes raciales, de la impunidad de las agresiones contra los negros en su época y en cómo toda esa realidad terrible se manifestaba a través de la música, como la terrorífica y bellísima Strange Fruit de Billie Holiday, ilustrada en el cómic con una también terrorífica y bellísima página.

Su época y su entorno se van intercalando con la vida del protagonista, cambiando la forma de la disposición de las viñetas en función de qué estamos viendo. Hay composiciones de viñetas rectangulares y ordenadas en las páginas dedicadas a los combates, páginas con viñetas en forma de televisión para hacernos llegar opiniones que se daban desde ese medio, páginas con viñetas que parecen hojas de un bloc para contarnos la técnica de pelea del protagonista. Algunas escenas en la que se nos cuentan escenas románticas o que tienen más implicación emocional tienen todo un margen de la página con texto escrito y luego viñetas mudas a la derecha. En resumen, cada enfoque y casi cada momento tiene su manera particular de presentarse en forma de viñetas, intenta transmitir cosas diferentes a través del lenguaje del cómic. Es un trabajo fantástico del dibujante, que consigue transmitir la diferencia entre estar en un combate, estar hablando con un amigo y estar presenciando hechos históricos del país en que vives.

El dibujo recuerda por muchos momentos al de Neal Adams en el cómic de Muhammad Ali contra Superman. Parece que el dibujante creció con las influencias de Sergio Leone y Frank Miller, cosa que puede también comprenderse al ver sus composiciones de página, como hemos comentado más arriba. Hay un intento de realismo pero sin salirse en ningún momento de una atmósfera visual que va en la línea de la época. Y al final el cómic trata de responder a la pregunta. Intercalando hechos políticos, culturales, la propia vida y obra del protagonista o de sus amigos y adversarios. El trabajo de contextualizarlo es maravilloso, y es que nadie es entendible totalmente sin entender la época en que ha vivido.

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Como era de esperar, el cómic toma partido por el Muhammad Ali político, por su lucha contra el racismo de su época. Pero no esconde nada. No le convierte, como más de una vez pasa al hablar del personaje, en un santo de una causa noble. Al fin y al cabo, hablamos de un deportista de élite. Hay mucha confusión históricamente con este tipo de gente, muy alejada en tantas cosas de los que somos del montón. Por abreviar: no hablamos de un trabajador normal en un puesto de trabajo normal, con sus ansiedades e inseguridades, que cuando acaba su trabajo nadie reconoce por la calle y hace vida normal. Hablamos de gente que gana barbaridades por ser excepcionales y generar muchísimo dinero. Lo generan ganando. Se puede ganar de vez en cuando, pero ganar sistemáticamente es casi imposible. Cuando se hace es por muchas coincidencias en cuanto a físico, suerte y mentalidad. Aguantar mentalmente la presión de estar ahí está al alcance de poquísimas personas: la dureza mental necesaria para derrumbarte es casi un milagro. No es que tu jefe te regañe: es que se ríen de ti por la calle, por la televisión, por todos los lados. Es fácil acabar paranoico, adicto a drogas y arruinado.

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Todos los Michael Jordan, Cristiano Ronaldo, Eddy Merckx o Muhammad Ali tienen un patrón psicológico común: tienen el ego del tamaño de Australia. No saben perder. Les obsesiona ganar y nunca se sacian, nunca se cansan. Se creen los mejores, pero nunca les vale con lo que han ganado. En condiciones normales hablaríamos de gente con serios problemas psicológicos, pero esa ansiedad sin fin por ganar les lleva a adaptarse al sistema, ser los mejores o acabar terriblemente mal. En el caso de Muhammad Ali, se nos muestran también sus miserias, inevitables en todo el mundo pero que destacan más en este tipo de personas: sus momentos vergonzosamente machistas o su afiliación a la Nación del Islam, un grupo supremacista musulmán con ideas descaradamente racistas.

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No se nos ocultan en el cómic estos episodios. Cualquiera que lo lea podrá leer extensamente qué pensaba la Nación del Islam y hacerse una idea de lo sospechosamente parecidos a una mafia que podían ser en relación al campeón. Se insiste en las campañas de acoso y de insultos a las que sometía a sus rivales. Formaba, dicen, parte de su estrategia psicológica: alguien enfadado no piensa racionalmente y eso hace que pelee peor. En parte tenía razón, pero los shows de insultos a sus adversarios hacían a demasiada gente pensar que era un payaso, un prepotente, un niñato, alguien que arruinaba la seriedad del boxeo y al que ojalá le molieran a palos. Todo esto son cosas que se han podido leer sobre otros como Michel Jordan o Cristiano Ronaldo. Y se leerán sobre el siguiente de este perfil.

Y es que la fama les ha venido por ganar, no por ser humildes o insoportablemente arrogantes. En el cómic la arrogancia es el escudo del protagonista: le ayuda a enfrentarse a boxeadores que todo el mundo dice que están en mejor forma, que todo el mundo piensa que van a matar a Ali (hasta el punto que su propio equipo prepara vuelos chárter para ir a hospitales urgentemente). Ali empieza en el cómic siendo un chico introvertido, a pesar de todo lo que vemos después, y es posible que lo siguiera siendo. Freddie Mercury, al que todo el mundo tiene por una locaza, tenía miedo de que le vieran los dientes al sonreír y no lo hacía mucho hasta que tuvo su bigotazo: hay una clase de introvertido que en cuanto sale a un escenario se transforma y es el centro de la fiesta. El reservado Peter Parker se transforma en el parlanchín Spiderman cuando se siente el protagonista. Ali era de este tipo.

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Ni que decir tiene que el cómic incide mucho en todo lo político. Puede que Ali estuviese obsesionado con la Nación del Islam y sus más que cuestionables enseñanzas, pero a lo que se enfrentaba era terrible: una época de abierta discriminación, de impunidad en las agresiones y de justificación intelectual de toda esa barbarie. Su amigo, Malcom X, tiene suficiente espacio hablando de esto en el cómic como para que sea comprensible, así como su posterior evolución a posiciones no tan violentas y más cercanas a Martin Luther King, que entendió que la solución no era hacer un gueto basado en su identidad(como pretendía la Nación del Islam) sino precisamente que los negros se integraran de verdad en el país. Que fueran considerados realmente seres humanos, que formaran plenamente parte de la comunidad. Vía que fue la que terminó prosperando y que fue al final la más eficaz.

El odio que despertaba por sus bravatas inunda todo el cómic. Cómo ese odio le alimentaba está reflejado en el cómic. La crueldad al tratar a más de un adversario como un tonto útil de los blancos está perfectamente plasmada sin ninguna dulcificación. Pidió perdón muchos años después por alguno de los casos más sonados, pero esos actos de crueldad hay que entenderlos desde la extrema dureza mental necesaria para enfrentarse a excepcionales boxeadores y al peso de una enorme parte de la sociedad de la época quería verle morir en el ring.

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Como en todo, es discutible que él, Cristiano Ronaldo o Jordan sean los mejores deportistas de todos los tiempos en sus especialidades. El cómic en el caso de Ali se posiciona: fue deportivamente gigantesco pero lo que le llevó a otro nivel que no alcanzó por ejemplo otro estupendo boxeador como Joe Frazier fue el estar en sintonía con el espíritu de su época. Ali fue el mejor de su época boxeando pero la narración expone que encarnó muchas de las contradicciones y esperanzas de una generación. Fue un símbolo de pelea victoriosa (no siempre inmaculada precisamente) contra algo profundamente injusto.

La introducción del cómic nos hace un paralelismo entre su forma de boxear y la propia lucha por los derechos civiles: al principio Ali era rápido, esquivaba los golpes, huía constantemente para ganar. Pero conforme avanzaron los disturbios en Estados Unidos, la confrontación y la violencia Ali cambió: pasó a aprender a encajar los golpes, a aguantar, a resistir hasta que el rival se cansara.

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En resumen, es un relato nada complaciente de una época y un personaje contradictorios, pero necesarios. Uno en el que no van a faltar múltiples puntos de vista que apuntan desde muchos lados a lo mismo. Muhammad Ali genera fascinación incluso décadas después por lo cinematográfica que fue su vida, por cómo personificaba, como hemos dicho, el espíritu cambiante de una época decisiva del país más poderoso del mundo. Con sus contradicciones y miserias. Con toda su grandeza.

Sed felices.