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Las series que nos hacen felices: Capitán Planeta y los Planetarios

José Carlos García
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Las series que nos hacen felices: Capitán Planeta y los Planetarios

Bienvenidas/os nuevamente a esta sección. En mis últimos artículos analicé las series de Oliver y Benji y Boston Legal, y hoy cambiamos radicalmente de tercio, porque, pese a ser una serie de dibujos, yo soy de los que piensa que Capitán Planeta y los Planetarios era mucho más que eso.

Es decir, por poner la comparativa con mi último análisis de una serie de dibujos, Oliver y Benji también trataba de fomentar una serie de valores personales a través del deporte. Pero en este caso, las andanzas del Capitán Planeta y los Planetarios venían a transmitirnos un mensaje de tinte ecológico, a través de consejos y moralejas. A su manera en el tema ecológico comparte similitud con otra de las series de las que hablé en el pasado, SeaQuest. Pero claro, cada una es como la noche y el día.

Vaya por delante que yo vi Capitán Planeta y los Planetarios en mi infancia, y tengo un recuerdo bastante vago de la serie, exceptuando los personajes y la finalidad ecologista. Pero precisamente por haberla visto de pequeño y no recordarla mucho, es por lo que he querido volver a leer toda la información posible sobre la misma ya de adulto, para que posteriormente todas las personas que me lean sepan de qué va esta serie si nunca la vieron, o refresquen su memoria si tienen alguna laguna como yo.

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¡Salvemos el planeta!

Pues bien, Capitán Planeta y los Planetarios llegó al mundo en 1990 y terminó en 1996, dejando un legado de 112 episodios, que no está nada mal. ¿De qué iba esta serie? Gaia, el espíritu de la Tierra, crea cinco anillos con distintos poderes para cinco adolescentes de todas las partes del mundo, con el fin de que la ayuden en su cruzada de proteger el planeta.  Dichos anillos irán a parar a Kwane de África, que tiene el poder de la tierra, Wheeler de América del Norte, que tiene el poder del fuego, Linka de Europa del Este, que tendrá el poder del viento, Gi de Asia que recibe el poder el del agua, y Ma-Ti de América del Sur, quien recibe el poder del corazón. Cuando los cinco poderes de estos chicos y chicas se combinan a la vez, hacen aparecer al mayor superhéroe de la tierra, el Capitán Planeta.

Pues bien, tal como decía anteriormente, y con la sinopsis que os acabo de compartir, queda claro el tinte ecologista que tenía esta serie de dibujos. Y me parece un más que digno vehículo para transmitir estos mensajes a un público que no está sino empezando a vivir y necesita crecer sabiendo la importancia que tiene cuidar en el planeta que vivimos. A fin de cuentas, ya no sólo se trata de cuidar el planeta para nuestro ciclo de vida, sino también para el de generaciones venideras. Y eso mismo hacía de ésta una serie distinta a muchas otras televisadas en los mismos años.

Es cierto que, a diferencia de otras series de dibujos, su trascendencia no fue tan relevante. Es decir, excepto una serie secuela no se explotó mucho más este universo del Capitán Planeta. Yo llegué a tener algunas figuras de juguete de la serie, y conozco más de una persona que vio también esta serie en su infancia, pero al margen de eso, creo que a día de hoy sigue siendo una gran desconocida para el público. No sé si finalmente llegará a hacerse película de acción real del personaje, porque Leonardo DiCaprio lleva un tiempo intentando sacar adelante el proyecto con su productora, pero sin que de momento haya nada definitivo.

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¡Fiesta ecológica!

Es cierto que por el interés de DiCaprio en los temas ecológicos esta es una serie que le vendría como anillo al dedo si finalmente sale adelante el proyecto, pero como estas cosas suelen quedar muchas veces en agua de borrajas, lo mejor es recordar a la gente que hace un tiempo hubo una serie muy concienciada con los temas ecológicos y medio ambientales, y que, por el carácter agresivo del ser humano con el mundo en el que vive, no quedará desfasada nunca. Puede que parezca antigua en cuanto a algún que otro tema elegido para sus tramas, pero en su mayor parte pase el tiempo que pase, seguirá habiendo personas que dañen el planeta, y siempre se necesitarán héroes para evitar eso. 

Hasta aquí mi aportación de hoy. ¿Y vosotras/os, alguna vez habéis visto esta serie? ¿Qué recordáis de ella? 

Crítica de Blackwood (Down a dark hall). Película a medio cocer

Alberto Lloria
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Crítica de Blackwood (Down a dark hall). Película a medio cocer

Blackwood es de esas películas con equipo patrio que deciden buscar suerte en el extranjero. No es menos meritorio pues todos sabemos que el cine español aún tiene que buscar su sitio en el mundo y Rodrigo Cortés sabe mucho de irse al exterior para sacar adelante sus obras. Esta es la quinta película que el orensano realiza y la cuarta que está producida tanto en España como en Estados Unidos, pero sin lugar a dudas es la peor de su corta filmografía.

No soy muy asiduo al cine de Cortés, pero sí que me he topado con un par de cintas suyas, Enterrado y Luces Rojas, en el que el realizador patrio se ha sabido mover con soltura. Nada del otro mundo, pero suficientes para engancharte hora y media. Sin embargo, su última apuesta, Blackwood, es una cinta a medio cocer que solo atrae por contar con Uma Thurman a la cabeza del reparto.

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El principal problema de Blackwood, o Down a dark hall fuera de nuestras fronteras., es su montaje. Me ha sorprendido saber que el propio Cortés, aparte de hacer las veces de director y guionista, se encarga de montar él mismo sus películas. Supongo que para qué dejar el trabajo a otro si lo sabes hacer tú. No recuerdo ahora mismo si Enterrado o Luces Rojas fallaba en su montaje, pero Blackwood es un popurrí de escenas sin sentido intentando llevar adelante una historio poco menos que interesante. La cinta abre con un flashback y un flashforward, un vistazo al pasado y al futuro de la historia que no deja nada en claro. Una vaga técnica de intriga sobre el futuro de los personajes que falla en su propósito. Más allá, la película se retrasa media hora en arrancar para luego caer en el más absoluto tedio hacia un final sacado de, como no podía ser de otro modo, una novela juvenil. Su hora y media de metraje se puede resumir en 30 minutos, media hora donde sucede todo lo interesante y , a pesar de ello, no se nos cuenta una historia atractiva. Porque, ¿de qué va Blackwood? Si has visto Luces Rojas sabrás que a Cortés le interesan mucho los temas paranormales y mágicos. Blackwood es un popurrí de temas en una historia que mezcla X-Men con El Exorcista y El sexto sentido sobre niñas con «poderes», fantasmas y un tipo raro con maquillaje barato que da sustos por donde va.

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Por ello, el reparto encabezado por Uma Thurman no sabe llevar a cuestas una película que se presagia mala desde el comienzo. Durante todo el metraje tengo la sensación que ni ella ni el resto del reparto sabían a lo que se metían. Muchos, incluida la propia Thurman, están apagados y absortos a todo lo que la historia nos intenta contar. Es el ejemplo perfecto de «actores interpretando un papel» pues ninguno consigue meterse en la película y ofrecer una actuación interesante y que nos haga acercarmos un poquito a su propuesta. Y lo siento por AnnaSophia Robb, pero la culpa es en gran parte tuya. Si la cabeza visible, en este caso Uma Thurman, no despega, que menos que tener una protagonista atrayente. Lejos de eso tenemos el personaje más soso de toda la película.

Blackwood se mueve en las arenas movedizas de las películas de terror. No he visto muchos anuncios de ella en la televisión ni en Internet, y por lo que he leído en Estados Unidos se ha estrenado en plataformas de vídeo en streaming mientras que en España lo ha hecho en pocos cines, pero lo que sí he podido observar es que la vendían como una cinta de terror (amén del «homenaje» al póster de El orfanato de Belén Rueda). Blackwood, aviso a navegantes, no es una cinta de terror. Cortés, en pequeñísimos momentos, consigue ofrecer algo de tensión con esos planos a lugares recónditos de la mansión Blackwood esperando a que algo se mueva o los contados jumpscares, pero con tan sosa puesta en escena no hay mucho donde rascar.

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Blackwood es un quiero y no puedo. Una película a la que le quedaban meses en el horno para poder haber sido mínimamente disfrutable y es de esas que, volviendo al tópico, podrían haber encajado con un formato televisivo. Es verdad, la historia de las cinco chicas en el castillo Blackwood podría habernos ofrecido una mini serie de 10 episodios interesante. Además, os aseguro que el presupuesto no descendería, la película se mueve entre la serie B con efectos muy mal llevados. En definituiva, Blackwood es un «a evitar» con letras grandes.

Reseña Basura: Megalodón

Sofia Ricarte
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Reseña Basura: Megalodón

Bienvenidos, buceadores de las fosas más lodosas y profundas de los océanos del mundo del cine. Hoy vengo muy emocionada, porque os traigo la MEJOR PELÍCULA QUE HA PASADO POR ESTA SECCIÓN. En mayúsculas, si. Y es que los tiburones han vuelto, así como esta sección, que había acabado momentáneamente abandonada. No me voy a enrollar mucho, hoy os traigo la reseña basura de Megalodon, película que disfruté en pantalla grande y acompañada. Si, a estas alturas de la vida, aún hay gente que se atreve a acompañarme al cine. Reseñas Basura anteriores: en este típico enlace. Ojo a los spoilers, ¿Eh?

https://www.youtube.com/watch?v=1UfMLZ-t7y0

La historia jamás contada contada

Nos encontramos en una instalación de investigación científica con propósito desconocido, y un montón de estructuras submarinas de cristal. En ella nos presentan a un equipo chachi molón de científicos de titulación indeterminada, tan profesionales como dicharacheros, que se preparan para una importante misión: atravesar una termoclina que suponen que se encuentra al fondo de las Fosa de las Marianas, bajo la cual encontrarán (o esperan) todo un nuevo ecosistema. Aunque os he dejado la definición de termoclina que da la wikipedia, recomiendo no leerla, u olvidarla momentáneamente si la sabíais, en pos de un mayor disfrute. Al atravesar esta infranqueable barrera térmica, algo oscuro y enorme atrapa a la tripulación, y quedan atrapados en el fondo.

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Me pareció haber visto a un lindo tiburoncito

¿Quien llega a rescatarles? Jason Statham. El bueno de Jason es rescatador de submarinos, un trabajo al que me habría dedicado antes de haber sabido que existía. Jason está retirado tras dejar morir a dos compañeros en un incidente que lo marcó como «el rescatador loquito».  Tras el rescate, se abre en la termoclina una especie de puente de calor, que permite al monstruoso tiburón acceder a los mares del mundo.

¿Quién es quién en Megalodón?

Tenemos a Jason Statham, interpretando a Jonas Taylor, un héroe atormentado por su pasado, pero poseedor de La Verdad, que se sacrifica por aquello en lo que cree, y que sale sin camiseta más veces de las que son necesarias. Lo más maravilloso del personaje es ver a Statham intentando esconder que pasa de los 50 años, mientras resolla y resopla en escenas grabadas con cámara rápida para que parezca que es lo más. Todas sus escenas son obras de artes envueltas en camisetas o licras demasiado pequeñas.

También está Li Bingbing como Suyin, la hija del jefe científico de la estación. Suyin tiene un hija, y es muy lista o muy tonta, depende el momento de la película. Suyin no tiene un personalidad muy definida, pero no es importante, porque su principal función en la película es preocuparse por su hija, y ser el objeto pasivo del amor de Jason Statham.

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¡Nada, Jason, nada!

El último personaje reseñable es el de Rainn Wilson, que se ha quedado sin pasta después de The Office, y que interpreta al acaudalado y malicioso dueño de la estación científica, Jack Morris, un tío que durante el 90% de la película se comporta como un tolai con más pasta y humor que inteligencia, y que en los últimos cinco minutos decide que, en realidad, a él le va mas ser el malo de última hora, que muere dos minutos más tarde.

También hay otros, como los jefes de la estación o la hija de Suyin, pero el secundario más importante es Masi Oka, que muere a los veinte segundos de empezar la película, de forma tan adorable que el resto de secundarios pasan a ser purria carnaza de Megalodón hambriento.

¿Por qué Megalodon es casi mejor que Megatiburón?

Ojito, porque entramos en aguas pantanosas. Los más ancianos del lugar sabréis que, pese a mi amor por la saga Sharknado, y por el cine Z de cualquier monstruo mutado, mi gran debilidad es la saga Megatiburón Vs Cosas. Así que, ¿De verdad me ha gustado más Megalodón que esta serie? No, pero por poco.

En primer lugar, he disfrutado del tono de la película. A pesar de haber costado 178 millones de dólares (177,9 millones más de lo que costó Megatiburón contra Crocosaurio), la película no se toma demasiado en serio a sí misma. Incluso ha variado muchas de las cosas del libro en el que se basa (os lo juro, esto se basa en una novela) solo para que relajar el tono de la película. El presupuesto ha estado, en su mayor parte, dedicado al gran caché de parte del reparto, y al CGI. El guión es solo una excusa. Para mí, esto es un acierto, y el tono es muy similar a mis favoritas de The Assylum.

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La pequeña e indispensable niña

El CGI es genial, el tiburón está muy bien hecho, y no decepciona en las distancias cortas. Aunque sigue siendo divertido ver como el Megalodón varía de tamaño en función de las escenas. Si en la escena final vemos al Megalodón atacado por tiburones blancos que parecen pulguitas a su lado, en otras lo vemos abrir la boca para tragarse a alguno de los protagonistas, y no podemos diferenciarlo de una ballenita cualquiera. Con esta declaración, creo que el director trata de explicarnos que el Megalodón es solo el miedo que le tenemos cada uno, y por eso cada uno le ve de una manera. Arte.

En segundo lugar, y esto en importante, saben a que público va dirigida. Al público como yo. Y por eso les importa bastante poco que el guión tenga más agujeros que el gruyer, y no tienen miedo a usar los enormes recursos técnicos de los que disponen para darnos lo que queremos: vistas impresionantes del monstruo, trepidantes escenas que no llevan a ningún sitio y, lo mejor, dos megalodones.

La Opinión de Sofía

He disfrutado de esta película como una enana. Podéis preguntar, porque en esta santa casa hay quien ha estado conmigo, y os asegurará que así fue. Cumple con todas las características del género, pero con efectos especiales ultra molones. Pero, seamos sinceros, ¿Es más eficiente que Megatiburón?

Megatiburón Vs Crocosaurio tuvo un presupuesto, como he dicho antes, de 10000o$, y una recaudación de 500543$. Con 178 millones de dólares de presupuesto, la recaudación hasta la fecha de esta película es de 314,2 millones. La segunda película de la saga ganó 400543 dólares, que pueden parece poco si los comparamos con los 136,2 millones que ha ganado la producción chino americana de Statham. Pero mientras que la recaudación de Megatiburón supone 5 veces la inversión, la de Megalodon no supone ni el doble. 

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Pobrecito, el solo busca amor

Y ¿Que conclusión extraemos de esto? Lo inevitable: que el público aún no está preparado para el verdadero arte. Mientras películas como Megalodón allanan el terreno al cine cutre a las grandes salas, yo seguiré destripando para vosotros todo lo que esté a mi alcance en esta, mi humilde sección. Y lo haré pronto, hasta entonces… sed felices.

Reseña de Iron Man: Hipervelocidad. Una sensación de velocidad por Adam Warrren y Brian Denham

Adrián De La Fuente Lucena
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Reseña de Iron Man: Hipervelocidad. Una sensación de velocidad por Adam Warrren y Brian Denham

Introducción

Como lector de Iron Man tengo que admitir que cada vez que alguien me pregunta qué puede leer del vengador dorado, que sea fiel al personaje y no se alargue demasiado, lo primero que me suele venir a la mente es la serie limitada Iron Man: Hypervelocity, escrita y dibujada por Adam Warren. Iron Man: Hipervelocidad fue publicada por Panini en Julio de 2008.

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Todo lo que hace interesante a Iron Man

Los seis cómics de Iron Man: Hipervelocidad, en los que Tony Stark se ve envuelto en batallas con una sociedad mecánica rebelde y un ejército de asesinos encapuchados mientras prueba una nueva armadura, recoge, en mi opinión, todo lo que hace o debería hacer interesante a Iron Man:

  • En primer lugar, multitud de ideas para conducir la historia y darle una atmósfera futurista que configura un mundo fascinante. Algunas de ellas más realistas -sobre alta tecnología, armamento, física e informática, pero con un giro que las hace futuristas y espectaculares- y otras directamente surrealistas, de ciencia ficción. Todo ello, con un cierto toque cyberpunk. Así, por ejemplo, Warren nos deja algunas lecciones de física (la fórmula de la energía cinética, efecto doppler…) para dotar de mayor verosimilitud a los diálogos, asimismo se adentra en inteligencia artificial, mundos virtuales, virus con consciencia… Tenemos a Tony Stark creando su propio Service Pack, Tony Stark 2.0. Esta nueva versión se encuentra dentro de su armadura. La versión en carne y hueso es, por tanto, Tony Stark 1.0. En líneas generales, todo cuanto Iron Man: Hypervelocity contiene –héroes, villanos, localizaciones, poderes– está empapado de visionarias ocurrencias. Además hay algunas pinceladas de reflexión sobre la condición humana,  contadas de forma ágil y divertida, por lo que se integran a la perfección con el resto sin cansar al lector.
  • En segundo lugar, la historia nos presenta un Tony magnífico, como persona y como héroe. Estamos ante un personaje polifacético (playboy, empresario, ingeniero, filántropo, héroe) pero llevado a su extremo más accesible y  entretenido. Como persona es divertido, inteligente, astuto, creativo… Cualidades que le permiten,  como héroe, hacer un uso original de las posibilidades y capacidades de su armadura. Los villanos también están a la altura, representando dos formas de hacer frente a Iron Man. Uno es la fuerza bruta militar. Otro es un virus informático que hace de enemigo manipulador y sagaz.

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La sensación de velocidad

A lo anteriormente mencionado, habría que añadir otro elemento característico de este tebeo, que aquí se plasma a la perfección y es seña de identidad del personaje, cuando se maneja bien. Hablo de la sensación de velocidad. Se trata de una historia eléctrica, cinética (palabra que aparece mas de una vez en la miniserie) y terriblemente acelerada. Un cómic de acción pura. Además, la historia está narrada en tiempo real, lo que hace que esa sensación de velocidad aumente. El entintador y portadista, Brian Denham, en la búsqueda de esa energía cinética, hace que en algunas viñetas el trazo sea sucio, lleno de líneas, para crear esa sensación de velocidad.

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Valoración final: Una apuesta segura

Da la casualidad que algunos de los temas que apasionan a Warren, la acción, la tecnología de vanguardia y las bellas mujeres, son también elementos propios de las aventuras de Iron Man, por lo que se podía aventurar que elegir a este autor para un proyecto del cabeza de lata era una apuesta segura que vaticinaba un buen cómic. La verdad es que no defrauda.

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Nos encontramos con un cómic en el que el ritmo de la historia es el idóneo para lo que se está contando. Es rápido y lleno de energía. Se inicia de una forma ágil y directa, con una fantástica sorpresa que sirve de premisa, su desarrollo está lleno de elementos interesantes y el desenlace es frenético, con aún más sorpresas y un final a la altura. Si ha todo esto le sumamos que el tratamiento del personaje es impecable, tenemos una de las mejores historias de Iron Man. Una bofetada a los que dicen que este personaje es soso en las viñetas y, por tanto, solo digno de disfrutarse en la gran pantalla.

No se ha reeditado, como pasa con casi todo lo de Iron Man en España, porque este personaje no gusta demasiado en nuestro país, así que tal vez sea algo complicado hacerse con él, lo que hará aún más satisfactoria su lectura. Todavía no he conocido a nadie que, tras haberlo leído, no le haya gustado.

Nos leemos en otros posts de Las cosas que nos hacen felices.

 

 

Fase Extra: Battlefield V nos muestra su Battle Royale, El puño de la Estrella del Norte llega a occidente, Spider-Man a toda máquina y Bethesda quiere Crossplay.

Álvaro Pache
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Fase Extra: Battlefield V nos muestra su Battle Royale, El puño de la Estrella del Norte llega a occidente, Spider-Man a toda máquina y Bethesda quiere Crossplay.

Bienvenidos amigos y amigas una semana más a Fase Extra, nuestra sección sobre noticias del mundo de los videojuegos. Estamos en pleno verano, y vaya si se nota, pero el calor no detiene las noticias y estamos a un paso de la Gamescom alemana, que comenzará el próximo día 21 en Colonia y para cuya ceremonia de inauguración ya se han avanzado anuncios de Ubisfot, THQ, Square- Enix y a saber cuántas más editoras.

Así que sí, el evento del verano en materia de videojuegos se acerca y la semana que viene vendremos cargados, pero mientras tanto veamos lo que nos han dejado estos últimos días.

PINCHA AQUÍ PARA LEER ENTRADAS ANTERIORES DE FASE EXTRA.

SPIDER-MAN NOS ENSEÑA UN (?) TRÁILER DE LANZAMIENTO UN MES ANTES DE SU SALIDA 

https://www.youtube.com/watch?v=bOqD-GhGqu8

Uno de los juegos más esperados del año para los poseedores de PS4 es el nuevo Spider-Man de Insomniac Games. Si seguís esta sección, o noticias del mundillo en general, no hace falta que os diga que las expectativas se salen de órbita y que, faltando menos de un mes para su lanzamiento, la campaña publicitaria está que no para.

Y tanto será así que esta semana hemos tenido ya un ‘tráiler de lanzamiento de gameplay’ que, a decir verdad, gameplay lo que es gameplay no enseña mucho pero si que nos trae algunas imágenes nuevas que no habíamos visto hasta el momento.

EL PUÑO DE LA ESTRELLA DEL NORTE NOS MUESTRA SUS GENIALES MECÁNICAS DE COMBATE

Otro de los esperados por un servidor que nos ha dejado material nuevo esta semana has sido el juego de los creadores de Yakuza basado en el manga del Puño de la Estrella del Norte de Tetsuo Hara y Buronson, nombre que a los más talluditos le sonará a gloria.

El juego, que será una ‘reinterpretación’ de la historia original, condensando todos sus momentos épicos, nos llevará a la ciudad de Eden donde nuestro protagonista, Kenshiro, maestro del are asesino del Hokuto Shinken, busca a su amada Yuria. La jugabilidad será parecida a la de la aclamada y ahora muy candente saga Yakuza y el juego saldrá por nuestras tierras el año que viene tanto en japonés como en la lengua de Shakespeare.

YA ESTÁ AQUÍ EL TRÁILER DE BATTLEFIELD V PARA GAMESCOM- CON MODO BATTLE ROYALE INCLUÍDO

EA y DICE han mostrado un nuevo tráiler de Battlefield V en conmemoración de la inminente Gamescom. El nuevo tráiler, que nos lleva desde las calles de Rotterdam hasta las llanuras del norte de África, cuenta con el esperado impresionante aspecto gráfico y nos deja ver muy de soslayo algo del planeado modo Battle Royale en el que una pared de fuego se irá cerrado en torno a los jugadores.

El juego pinta bien, pero habrá que ver que tal rinde en su lanzamiento ya que esta semana hemos tenido noticias sobre reservas bajas que unos achacan a la controversia sobre las mujeres en el juego que tuvimos hace un tiempo y que los más sensatos atribuyen a su lanzamiento programado entre el próximo Call of Duty y el mastodóntico Red Dead Redemption 2.

BETHESDA PRESIONA A SONY CON EL TEMA DEL CROSSPLAY

El juego de cartas basado en la saga de The Elder Scrolls se acerca cada día más a su nebulosa fecha de lanzamiento en consolas (durante este año, así en general) y la polémica se ha alzado una vez más esta semana cuando Pete Hines de Bethesda Softworks ha revelado durante una entrevista con Eurogamer que considera absolutamente necesario que el título cuente con crossplay en todas sus plataformas.

El problema es que, como todos sabemos, Sony no ha estado muy cooperativa esta generación con el tema, alegando desde que quieren poder controlar la ‘calidad de la experiencia’ de todos sus productos hasta que lo hacen por ‘proteger a los niños’, algo cuya implicación no sentó nada bien ni a Microsoft ni a Nintendo (obviamente). De hecho, ha sido la propia Sony la que se ha negado a permitir el crossplay en el próximo Fallout 76 así que veremos qué ocurrirá con Elder Scrolls Legends que según Hines necesita el crossplay como elemento crucial.

¿Y por qué? Pues porque el juego se basa en coleccionar cartas y si los jugadores quieren jugarlo en otra plataforma, sin crossplay tendrían que empezar de cero, algo impensable que afectaría seriamente a su rendimiento en el ecosistema videojueguil. En fin, sigue presionando Bethesda, desde esta sección estamos contigo. No sabemos cuando Sony decidirá ceder, pero como la cosa siga así es dudoso que mucho, si no quiere que el tema se convierta en una mancha perpetua en su reputación.

GONE HOME LLEGARÁ A SWITCH MUY PRONTO

Gone Home unos de los indies favoritos de todos los tiempos tanto para critica como para público llegará a Nintendo Switch a finales de agosto. El juego desarrollado por The Fullbright Company salió para PC hace cinco años y creo una gran polémica que encendió el debate sobre si los ‘simuladores de andar’ como este mismo juego, Journey, o Lo que queda de Edith Finch son, bueno, juegos. Obviamente lo son y el hecho de que los tres mencionados hayan sido un éxito total refuerza la idea.

El juego nos pone en la piel de Katie, una chica que vuelve a casa tras una temporada fuera y se encuentra con un hogar vacío, tendremos que investigar la razón de la ausencia de nuestros familiares y en especial la de su hermana Samantha. En principio el juego no contará con ningún contenido especial para Switch pero como siempre, la portabilidad es de agradecer.

Y hasta aquí la Fase Extra de hoy, espero que os haya gustado y sabed que aprecio vuestro interés, especialmente en estos momentos estivales. La semana que viene todo sobre la Gamescom, hasta entonces y como siempre, sed muy felices.

 

Lo mejor de la semana en cine y TV: el despido de James Gunn, la película acción real de Padre de Familia, Uncharted: The Movie, Tarantino resucita a Bruce Lee y Tom Cruise como Linterna Verde

Alberto Lloria
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Lo mejor de la semana en cine y TV: el despido de James Gunn, la película acción real de Padre de Familia, Uncharted: The Movie, Tarantino resucita a Bruce Lee y Tom Cruise como Linterna Verde

Bienvenidos una semana más a Lo mejor de la semana, sección donde destacamos las noticias más interesantes de estos 7 días y os las traemos fresquísimas, que con el calor que hace viene bien. ¡Empezamos!

HOLLYWOOD A VECES NO SÉ A LO QUE JUEGA

Esta película no es la única que uno ve y piensa lo del título, pero no sé a quien puede entrarle en la cabeza una cinta de acción real de Padre de Familia. Así es amigos, Fox, quizá en un arrebato ahora que Disney se lleva sus licencias, ha decidido dar luz verde a una cinta de acción real de Padre de Familia. Según su creador, Seth MacFarlane, seguirá los pasos de Ted, dirigida por el mismo hombre, y usará CGI e imagen real para crear al personaje de Brian, entre otros.

Además, una cinta de la que se pedía secuela desde hace años y que tiene más lógica que la de más arriba, el estudio ha confirmado que la secuela de la cinta de Los Simpson, estrenada en 2007, está en proceso aunque quizá en una fase temprana de desarrollo.

MARVEL DA LA PATADA DEFINITIVAMENTE A GUNN

james gunn despedido

El rifirrafe entre Disney y James Gunn, a quien recordemos el estudio echó debido a unas publicaciones en Twitter de hace 5 años donde el director hacía bromas sobre temas espinosos, ha acabado por mantener a Gunn fuera de juego y el estudio con su guion.

Mucho se ha hablado y discutido sobre si James Gunn es de algún modo culpable y por ello debería ser expulsado de las filas de la casa del ratón, y hasta el equipo de Guardianes de la Galaxia ha salido en defensa del director, pero lo cierto es que Disney es conocida por no dar su brazo a torcer, a pesar de sus prácticas cuestionables. Así pues en una fuente cercana a Kevin Feige, el jefazo de Marvel Studios, se asegura que este no tuvo nada que ver en esta decisión y que solo compete a los mandamases del estudio. A pesar de ello, se sabe que Feige intentó presionar con tal de que el director fuera contratado, pero sin éxito.

Ahora queda por ver si el reparto, sobre todo Dave Bautista muy descontento con esta decisión, pondrá sus contratos en la mesa con un ultimatum, el peor de los destinos para la casa de las ideas en el cine.

INTERNET INTERNET, NO DEJARÁS LAS POLÉMICAS A UN LADO, ¿VERDAD?

Lo cierto es que estas polémicas casi siempre van dirigidas al mundo del cine de superhéroes o al de sagas con fans tan acérrimos como Star Wars. La última persona que se ha visto inmersa en una polémica es Ruby Rose, de quien conocíamos que iba a ser la Batwoman que prepara The CW para una futura serie.

Estas críticas, agarraos que vienen curvas, iban dirigidas a que Ruby Rose no era lesbiana y, por tanto, no podía interpretar a Batwoman. Esta excusa es absurda, más si cabe cuando es de sobra conocido que la actriz es homosexual. De hecho, ella mismo aseguró después de esta polémica que salió del armario con 12 años y que le parece gracioso que haya tenido que enfrentarse a «no es lesbiana» cuando siempre ha lidiado con «es demasiado gay».

A raíz de esto la actriz ha decidido cerrar su cuenta de Twitter, algo que lamentablemente no es nuevo y que suele ser recurrente entre actrices que se dedican a estos mundos que antes he hablado como Daisy Ridley, Kelly Marie Tran, Millie Bobby Brown o Ariel Winter.

UNCHARTED: THE MOVIE

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Mucho se ha hablado sobre si la cinta de Uncharted, con un Nathan Drake joven interpretado por Tom Holland (catapultado a este papel por Marvel) era una buena idea. Lo cierto es que en lo personal lo veo una idea cogida con pinzas y quizá me viene a que el peor título de la saga es el tercero, el que nos enseñó a ese Drake joven, y que siempre he concebido a Drake en su adultez.

Sin embargo, el director Shwan Levy, que ha trabajado en Noche en el museo y Stranger Things, asegura que la cinta de Uncharted será su próximo proyecto junto a Tom Holland:

«Tenemos un guión muy bueno y a nuestra estrella, Tom Holland. Ahora, simplemente queda ajustar el horario y el reparto adicional. Pero diría que, ahora mismo, este parece ser el horizonte más cercano».

EL JEFE MAESTRO DE NUEVO EN TELEVISIÓN

El mundo de Halo no es la primera vez que salta al séptimo arte. Halo 4: Forward Unto Dawn, Halo Legends y Halo: Nightfall, son las producciones que el mundo del jefe maestro ha tenido en el cine, pero esta nueva apuesta es, si cabe, más interesante. La nueva serie del videojuego será producida por el estudio de televisión de Steven Spielberg y llegará el próximo año.

Así pues Showtime confirma que a comienzos de 2019 tendremos la nueva producción junto con Amblin Television y que contará con 10 episodios dirigidos por Rupert Wyatt, a quien conocemos como director de El origen del planeta de los simios, y que además conectará con el videojuego directamente. Se espera que en España se estrene en Movistar+.

¿LOS «MAESTROS DEL TERROR» ACTUAL DETRÁS DEL BUENO DE FREDDY?

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Pesadilla en Elm Street ha visto mejores años. Desde su intento de reboot en 2010 con una cinta pésima, el bueno de Freddy Krueger está más muerto que vivo. Sin embargo y seguramente por el hype que está despertando el retorno de personajes como el Predator o Michael Myers, Blumhouse parece querer resucitar Pesadilla en Elm Street.

Los padres del terror moderno, del que muchos estamos hartos, se han hecho con los derechos para llevar a cabo Spawn y no cierran la puerta a intentar hacer lo mismo con Krueger y sus pesadillas mortales.

SUPERGIRL AL CINE CON DIRECTORA

DC se ha adelantado a Marvel al llevar a una superheroína a la gran pantalla. No es la primera vez que lo han hecho, ahí están la Supergirl de los 90 y la Catwoman de los 2000, además Marvel ha llevado a cabo series con ellas como protagonistas, pero Supergirl es la nueva cinta de DC que quiere llegar a la gran pantalla con una directora en el equipo técnico.

Así pues, según informa Deadline, Warner estaría buscando una mujer para dirigir a la kriptoniana. Así se uniría a Patty Jenkins, Ava DuVernay y Cathy Yan, quienes ya están trabajando para el estudio.

HAY CASTLE ROCK PARA RATO

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La nueva serie basada en una obra de Stephen King ha sido un éxito. Castle Rock ha enamorado a los fans y aquí la estamos siguiendo con ganas, y por ello tendrá una segunda temporada.

Variety confirma que la nueva serie de J.J. Abrams tendrá una segunda temporada y según ha justificado Craig Erwich, vicepresidente de Hulu, «La reacción de la audiencia ha sido sobrecogedora y parece que esta es una de las series más populares del verano».

KNIGHTFALL EN LA FUERZA

La nueva temporada de Knightfall, el drama semi histórico de HBO que tanto decepcionó en la temporada pasada de series, ha sido renovada para una segunda temporada. Supongo que el interés en esta segunda parte no era el suficiente con lo que el estudio ha decidido mover hilos para contratar a Mark Hamill.

Así es, Mark Hamill, el legendario Luke, llegará a la ficción de HBO como un templario retirado llamado Talus, quien ha estado preso en Tierra Santa la última década.

TARANTINO HA ENCONTRADO A SU BRUCE LEE

La nueva cinta de Tarantino, Once upon a time in Hollywood, cuenta con uno de los repartos más espectaculares que hemos visto en años. Es una esperadísima propuesta del director de Kill Bill que hablará, aunque no haya querido aceptarlo, sobre Charles Manson y la muerte de Sharon Tate.

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De hecho, es el personaje de Tate el que ha llevado a Tarantino a buscar a Burce Lee en Mike Moh. El actor y artista marcial ha fichado por esta película para interpretar a Lee, de quien se conoce era íntimo amigo de Tate y a quien Polanski, marido de ella, acusó de su muerte.

¿TOM CRUISE COMO LINTERNA VERDE?

Acabamos con la noticia más random de la semana y tiene que ver con un superhéroe en la vida real: Tom Cruise. El cincuentón más en forma de Hollywood es el modelo que Warner está buscando para su próximo Linterna Verde. Esto no quiere decir nada pues los modelos son para actores con un perfil similar, pero un reporte de marzo de este año parece que solo un modelo no era.

Según Comic Book el actor había sido llamado por Warner para interpretar a Hal Jordan en la próxima película del superhéroe, pero el actor estadounidense habría rechazado el papel debido a que el primer borrador del guion incluía la muerte de su personaje. Un giro raro en el guion que sin duda no es nada interesante para un universo cinematográfico, pero que sin duda podría explicarse debido a la edad del actor. Quizá Hal Jordan sería el protagonista en esta cinta y falleciera para dejar el legado a otro linterna más joven y que siga con el universo cinematográfico. Así pues, Warner tendría a una estrella de la talla de Cruise para vender la película.

Sea como sea, los chicos de Boss Logic nos han deleitado con un edit de cómo sería el actor si se enfundara en las mallas:

 

El cómic de la semana: Novela Gráfica Marvel. La Imposible Patrulla-X: Dios ama, el Hombre mata

Mario Losada
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El cómic de la semana: Novela Gráfica Marvel. La Imposible Patrulla-X: Dios ama, el Hombre mata

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a El cómic de la semana. Hoy reseñamos la Novela Gráfica Marvel. La Imposible Patrulla-X: Dios ama, el Hombre mata.

Enlace a los anteriores artículos de El cómic de la semana

Bueno, este cómic, esta novela gráfica que ahora edita Panini por enésima vez ya tiene sus añitos. Su primera publicación data en Estados Unidos de 1982 e incluso vemos que allí ha tenido nuevas ediciones en 1994, 2003, 2007 y 2011. Estamos ante una obra imperecedera. Creo que da lo mismo que te gusten los mutantes, los superhéroes o los cómics de los 80. Da lo mismo. Mientras te guste el 9º Arte te gustará esta maravillosa historia. Evidentemente no es lo mismo tenerlo en su época que ahora, mucho ha llovido, pero os aseguro que me lo he vuelto a reeler para hacer el artículo y lo he disfrutado como un enano. Si, como un mocoso. Y que feliz he sido. Hablamos de que en esta época, un escritor como Chris Claremont, que era bueno pero no era Alan Moore dio con la tecla y nos hizo disfrutar durante 17 añazos de la mejor colección de cómics de superhéroes de todos los tiempos. Algo que nunca (y si, digo nunca) se podrá repetir y que el mismo intentó recrear varias veces después y no lo consiguió. ¿Porqué? Vaya usted a saber. Supongo que esas cosas pasan una vez en la vida.

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Diferentes versiones con el paso de los años de la Edición americana

Lo interesante e importante es que hablamos de una Novela Gráfica (se supone que en la época era una especie de «historia definitiva» o más bien «definitoria» de un personaje o un grupo) de principios de los 80 de una colección de superhéroes. No hablamos de Watchmen o de otras series limitadas posteriores donde el autor tenía carta libre para hacer una deconstrucción del mito del superhombre. Aquí hablamos (o escribimos) de una serie main-stream para Marvel, Uncanny X-Men o la Imposible Patrulla-X si nos lees desde España. Pero aquí Claremont era innovador, diferente. Si actualmente la historia te puede parecer buena, compleja pero ya manida es justo al revés. Esta historia que trata sobre la desigualdad, el racismo, la intolerancia y como te puedes sentir excluido de la sociedad, fue escrita y publicada antes que casi cualquier otra que hayas leído en los últimos 30 años. Al fin y al cabo hablamos de un cómic de 1982. Haz cálculos tú mismo.

Supongo que ahora, con estos datos te estarás diciendo que como ese señor con barba era capaz de estar un paso por delante siempre en todo lo que escribía. Pues la verdad es que no lo sabe ni el propio Claremont. Y la novela gráfica es un ejemplo de lo que era la serie mensual que tuvimos el privilegio de leerla durante más de una década y media. No en vano el microcosmos mutante vendía más que todo Marvel y DC juntos. ¿Éramos todos gilipollas o es que la Patrulla-X era la hostia en verso y el resto de series como los Vengadores nos importaba una mierda?

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Una página original de Brent Anderson de la novela gráfica.

Pero no sólo hablamos de una buena historia adelantada a su tiempo. Hablamos de un tratamiento de los personajes brutal, donde todos tienen su propia voz y protagonismo. Donde todos son héroes por un día sin necesidad de pelear constantemente contra amenazas cósmicas o más bien cómicas en muchos casos. Aquí todo podía pasar… y pasaba. Y además, como se puede leer en esta novela gráfica el «malo», Magneto podía ser incluso más «bueno» que los protagonistas, sólo que su punto de vista estaba en el otro extremo del prisma. Magneto tenía la misma razón que Xavier, la misma, pero nuestra educación nos hace estar en el lado de los alumnos del instituto, pero no por ello podemos olvidar el otro punto de vista. ¡Qué personajes más humanos y más complejos fue moldeando Claremont! Y cuando la mujer estaba aún menos valorada en la sociedad que el varón, el escritor creó personajes femeninos fuertes, con carácter, con personalidad, con determinación. Claremont estaba tocado por una varita, eso esta claro. Y esta Novela gráfica es un claro ejemplo de todo esto que he estado diciendo. No merece la pena leer, merece la pena conservar y estudiar como una obra como estos X-Men ha influido tanto en otros medios (reconocido por los autores) como en la ciencia ficción moderna, empezando por Matrix, o en el inicio de la Edad Dorada de las series como en Perdidos como serie coral, serie río, enigmática, llena de misterios y flash-backs. Pero bueno, no quiero hacer de abuelo cebolleta. Sólo pido que lo leáis y disfrutéis.

Y con todo esto os dejo ser felices y comer perdices. No olvidéis que los 80 jamás volverán pero podéis conservar un poquito de su esencia con esta Novela gráfica de La Imposible Patrulla-X: Dios ama, el Hombre mata. A continuación os dejo el enlace a Panini Cómics y la portada en España.

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Un saludo y sed felices.

Dragon´s Crown Pro (PS4): sólo rocanrol y está bien así

Raúl Sánchez
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Dragon´s Crown Pro (PS4): sólo rocanrol y está bien así

Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez.

En el gran show que se ha convertido el sector de los videojuegos puede verse de todo. Discusiones eternas y apasionantes (bostezo) sobre si el creador de Kingdom Come Deliverance pertenece a algún grupo político secreto que pretende destruir la vida tal y como la conocemos. Millones de escritos para hablar de las reacciones idiotas de dos o tres garrulos ante un vídeo de presentación de un videojuego en el que dos mujeres se besan (cosa que ya había pasado antes en la primera parte de ese juego). También páginas y páginas discutiendo si una mujer que se dedica a analizar videojuegos desde una óptica feminista es digna de pertenecer a nuestro gran club de gente superinteresante que queremos llamar de aquella forma tan respetable: «gamers». Hemos conseguido, en definitiva, llenar foros, Twitter, Facebook, páginas de prensa especializada y demás con prácticamente cualquier polémica política y de guerra cultural realizada en relación a los videojuegos. Al fin hablamos de todas las implicaciones morales/políticas/sexuales de los videojuegos y pasamos de hablar de si son divertidos o están bien. Al fin todo es política y dialéctica amigo-enemigo. Mira, esas horas de jugar que nos ahorramos.

En nuestro inútil intento de creer que quizás quede aún gente que juegue para divertirse sin tomar notas cada 5 minutos de todos los pecados morales cometidos por los creadores de un videojuego hemos realizado este escrito. Si existís manifestaos, Pueblo.

Por que, claro, hablamos de Dragon´s Crown, que ya ha salido en Playstation3, Vita y Playstation 4 (esta última es de la que hablaremos). Es decir, exactamente lo que debería ser un videojuego y la vida. Diversión sin pretensiones. Mata-mata sin complicaciones. Alcohol, alcohol, alcohol, hemos venido a emborracharnos, el resultado nos da igual. Todo ello. Muchas de las mejores cosas de la vida son así.

Dragon´s Crown es, otra vez, el intento de un montón de gente loca (en concreto de Atlus y Vanillaware) de ponernos en otro Golden Axe/Final Fight/Double Dragon a darnos de tortazos con todos los monstruos ambientados en Dungeons & Dragons (sin citarlo) habidos y por haber. Esta formula ya se aplicó con enorme éxito en dos de los mejores arcades de siempre: Dungeons & Dragons: Tower of Doom (1993) y Dungeons & Dragons: Shadow over Mystara (1996). Los dos con sus licencias oficiales, sus graficazos, su arte gráfico lleno de mimo y cariño,  con sus maravillosos bestiarios sacados de los juegos de rol de papel y dados, siendo dificilísimos y fantásticos de jugar.

Nos quedamos seguramente sin más cosas por el estilo debido a que mediados/finales de los noventa es, precisamente, el momento de la explosión de la consola destinada a marcar una época: la primera Playstation. Las recreativas irían poco a poco desapareciendo y siendo totalmente sustituidas por las consolas.

A pesar de todo, las dos dimensiones han aguantado mucho mejor el tiempo que las tres dimensiones. Esto daría para escribir largo y tendido, pero es fácil entender que aún hay gente jugando al Street Fighter 2 (incluso se sacan versiones nuevas cada dos por tres: hace poco salió una nueva) pero dudo mucho que haya demasiada gente jugando al Tekken 2. Pero muchos juegos en dos dimensiones pueden retomarse con remodelado gráfico y ser fantásticos a día de hoy. Al fin y al cabo, como no había mucha capacidad para contar enrevesadas historias los juegos se centraban en intentar ser divertidos. Aunque no hubiera casi nada detrás.

Dragon´s Crown forma parte de esta tradición. Es una partida de rol clásico, pero enfocado en la acción, los saltos, el moverse, echar «magias», escoger la habilidad, salir corriendo, saquear todo tesoro posible, comprar mejores armas, aprender nuevas habilidades y, claro, enfrentarte a jefes de final de fase. ¿La historia? Una excusa totalmente típica, tópica y olvidable. A quién le importa. Eres el típico héroe/saqueador (entre varios a elegir) que va de mazmorra en mazmorra arramblando con todo.

Lo primero que habrá que decir es que entra por los ojos. Entra de maravilla. George Kamitani, el creador del arte gráfico, ha hecho una pequeña obra de arte. Personajes enormes, pequeños, gigantescos, sacados de todo el bestiario de Dungeons & Dragons, incluso un homenaje descarado a Los Caballeros de la Mesa Cuadrada de los Monty Python (aquí en el juego, aquí en la película). Al Contemplador, monstruo muy clásico de Dungeons & Dragons, aquí le llaman «Mirón» (en inglés pasa de ser «beholder» a «gazer«). No solo es un desparrame con a saber cuantos monstruos, rangos, velocidades y poderes diferentes: está el espectáculo de los escenarios. Torres de mago en las que vamos subiendo, bosques, cavernas, asedios a castillos, navegando y luchando contra monstruos gigantes marinos, subidos a alfombras voladoras mientras esquivamos lava, en criptas de muertos vivientes, visitando gigantescos túmulos, etcétera. La variedad en fondo y forma de las mazmorras es enorme, los diseños cuidadísimos, aunque podemos acusarles de ser tirando a pajilleros en cuanto el personaje que aparece en pantalla es femenino (bueno, y quitando el «tirando a»). Qué vamos a decir de la hechicera: entendedme. No desentona artísticamente del entorno, pero es lo que es.

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Sí, sí.

Al final el juego se maneja con una facilidad pasmosa, el control responde de mil maravillas y casi desde el principio vamos haciendo barbaries con nuestro personaje. Hay que decir que, en la mejor tradición del rol, podemos ir en grupo de hasta 4 personajes. Puedes jugar en línea con otros tres o incorporar a bots que te da el juego (bueno, que pagas con moneda que ganas saqueando, pero son baratos) para completar el grupo. Yo me lo he pasado sólo con bots y os digo que en general funcionan bien. Un poco tolais en tragarse trampas que tienen delante y un poco sobrados echando magias/habilidades fuertes demasiado pronto, pero cumplen más o menos. El juego no sólo es bonito de ver y fácil de jugar: funciona estupendamente incluso cuando hay un sin dios de personajes en pantalla. Eso sí, debido a cómo es el juego empezaremos a ver fogonazos, brillos, explosiones, gente dando vueltas, tormentas de nieve, todo a la vez, fruto de los personajes y monstruos usando habilidades. Ahí la cosa puede volverse confusa con toda explosión y efecto luminoso, las cosas como son. Creo que es el único punto flaco en lo jugable. Todo lo demás es de diez.

Subir niveles, vender armas, comprar armas o hechizos, aceptar misiones y saquear más mazmorras. El juego nos deja elegir al poco de entrar en cada mazmorra entre dos rutas: la fácil y la difícil, con sus respectivos jefes. Éstos tienen varios patrones para enfrentarse a ellos: los hay ágiles y letales, invencibles hasta que hagamos determinada cosa, lentos y que dan mamporros muy fuertes, que usan hechizos, que anulan nuestros hechizos, que ocupan casi toda la pantalla y diminutos. Pasárselo una vez implica pasarse todas las mazmorras por la ruta difícil…y luego pegarse con un dragón que ocupa toda la pantalla. Tras vencer, debes hacerlo dos veces más (cada vez subiendo el nivel de todo una barbaridad) para acabar realmente el juego. Sí, amigos, entonces si quieres pasártelo de verdad hay que jugar mazmorras para subir nivel. ¡GRINDEO! Qué esperábais: es un juego de rol hechos por japoneses. Les suele encantar eso. También se puede pasar y decidir pasarte la primera vuelta con todos los héroes, cada uno de los cuales cambia mucho, muchísimo tu forma de jugar. No sólo tienen habilidades o puntuaciones diferentes, sus mecánicas de jugar cambian. Hay diferencias cualitativas entre ellos.

Hay que decir que cada mazmorra se pasa en apenas unos minutos: es vergonzosamente rápido. También que se sube de nivel con mucha facilidad. También que casi siempre encontramos objetos mejores. El diseño, vaya, está pensando para que siempre juegues otra mazmorra más, para que te hagas otra misión, para que saquees otra vez esa mazmorra. «Otra más, otra más», como un zombi, gozando haciendo salvajadas a los monstruos. Es divertido el hecho en sí de ponerte a ello. Venga, que me queda media hora para irme, vamos a echar una. Sí, es ese tipo de juego. Y en Playstation 4 el juego llega hasta las 4k, para quien goce sexualmente de esas cosas. Traducido al castellano. Con banda sonora remasterizada. En realidad creemos que son estas tres últimas cosas las que incorpora respecto a sus versiones de Playstation 3 y Vita.

Por resumirlo, decir que como recordaban los Rolling Stones el juego es sólo rocanrol pero está bien que sea así.

Sed felices.

John Adams, soberbio retrato de uno de los Padres fundadores de los EEUU

Fernando Vílchez
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John Adams, soberbio retrato de uno de los Padres fundadores de los EEUU

Aunque el panorama televisivo estadounidense se haya diversificado en los últimos años (Netflix, Amazon, Movistar+…) hubo un tiempo en el que la reina indiscutible era la HBO. Antes de Juego de Tronos y del boom seriéfilo en todo el mundo, HBO ya producía series de calidad como The Wire, Deadwood o Los Soprano. Hoy no es el turno de hablar de ellas, si no de una miniserie no tan conocida en España pese a ser la más galardonada en la historia de los Emmy, con 13 premios y 4 Globos de Oro. Preparémonos para viajar a los comienzos de Estados Unidos de la mano de John Adams.

Si nos fijamos en los archiconocidos rostros de los billetes de dólar americanos, encontraremos a George Washington, Thomas Jefferson, Alexander Hamilton y Benjamin Franklin. Pues bien, todos ellos aparecen en la serie…pero ninguno es el protagonista.

Pero entonces, ¿Quién es John Adams?

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Adams fue abogado defensor de los soldados ingleses en el juicio por la matanza de Boston de 1770. Representó a Massachussets en la Convención de Filadelfia. Fue el responsable del nombramiento de George Washington como general del ejército revolucionario. Convenció a Jefferson para redactar la Declaración de Independencia de 1776. Embajador en Francia, Países Bajos y Gran Bretaña. Por si fuera poco, fue el primer vicepresidente de los Estados Unidos y el segundo presidente del país, además de ser el primer presidente con un hijo presidente, John Quincy Adams.

Toda esta inmensa trayectoria política es la que veremos a lo largo de los siete capítulos que componen John Adams, pero no es lo esencial de la serie. Si su título es, sencillamente, John Adams, es porque abarca todas las esferas de la vida del personaje: los cincuenta primeros años de vida de Estados Unidos, su pensamiento político, sus amistades y, sobre todo, su familia, liderada por Abigail Adams, su esposa.

Para esta tarea, los productores de la serie (entre los que se encuentra Tom Hanks) decidieron entregar la dirección íntegra de la miniserie a Tom Hooper, que posteriormente dirigiría El discurso del rey, Los miserables y La chica danesa. Todo un acierto, teniendo en cuenta la habilidad del director con los primeros planos con zoom contrapicado y el manejo de interiores, muy apropiados para el tono que se le quiso dar a este biopic.

Por lo tanto, John Adams es un retrato magnífico de un político. En este caso, uno de los más importantes de la historia de Estados Unidos, pese a su carácter poco carismático, estricto y arrogante.

UN RETRATO DE VARIAS CAPAS

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En primer lugar, los convulsos primeros años de los Estados Unidos. En este sentido, la serie comienza con la épica revolución, cuyo clímax se encuentra en esa obra de arte que es el segundo episodio, el centrado en la Declaración de Independencia. Sin embargo, los trascendentales debates entre hombres tan importantes como Jefferson, Franklin, Sam Adams o John Adams van dejando paso al fango de la diplomacia, a las complicadas relaciones internacionales y a la inevitable separación de los Padres de la Nación en partidos. Esto queda muy bien reflejado en los altibajos que Adams sufre en sus relaciones con Washington, Franklin y, sobre todo, Jefferson, su más cercano amigo.

Y esa es uno de los grandes aciertos de John Adams. Adaptando el bestseller ganador del Pulitzer de David McCoullough, la serie muestra a los grandes Popes de la historia de Estados Unidos con sus virtudes y sus defectos. Washington con su nobleza y sus favoritismos. Jefferson con su idealismo extremo. Franklin con su capacidad para la diplomacia y su libertinaje. Los tres están magníficamente interpretados por David Morse, Stephen Dillane (Stannis Baratheon en Juego de tronos) y Tom Wilkinson.

En segundo lugar, tenemos la relación familiar de Adams con su mujer Abigail y sus hijos. Ellos son el núcleo de la serie en todo momento. Con ellos se refleja la gran dependencia que Adams tenía con su mujer y lo estricto que era con sus hijos, de destinos desiguales que no revelaré. Es cierto que John Quincy acabó siendo presidente, pero otros no tuvieron tanta suerte. Lógicamente, se trata de una serie que retrata una época en la que el papel de la mujer estaba al cuidado del hogar y esta lo asume con resignación, pero eso no impedía que Abigail fue la mayor consejera de su esposo y la principal valedora de su marido como vicepresidente. Creo que es el mejor papel de Laura Linney en toda su carrera.

Por último, tenemos el continuo conflicto interno de John Adams. Como ser humano narcisista que es, esconde una intolerancia al fracaso que alcanza su nivel más alto durante su labor como diplomático en Francia y Países Bajos. Su compromiso con la ley es incuestionable, hasta el punto de romper amistades. Es un ser, en definitiva, humano, y como tal tiene sus luces y sus sombras. Como defecto argumental, al principio no queda muy clara la ambivalencia de Adams con la revolución. Unas veces no está de acuerdo con la violencia para con los británicos y otras aboga por la guerra. Esto no impide que la interpretación de Paul Giamatti sea magnífica y merecedora de los premios que ganó.

En definitiva, John Adams es una serie muy recomendable. No solo para los fans de las historias de época o de los que tengan curiosidad por los inicios del país más poderoso de la Tierra. También es una serie que, con sorprendente actualidad, retrata la vida de un político históricamente honesto y coherente con sus ideas tanto en la esfera pública como en la privada. No os la perdáis.

Reseña de Los más divertidos del mundo

Máximo Simancas
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Reseña de Los más divertidos del mundo

Hoy en día ya resulta redundante decir que el cómic es un entretenimiento apto para adultos que busquen una lectura de calidad. Desde que autores como Moore, Eisner o Crumb mostraron las posibilidades narrativas que ofrecía este medio, hemos disfrutado de obras occidentales y orientales no aptas para todos los públicos, ya sea por su brutalidad o por su complejidad. En el cómic de superhéroes suele ser por lo primero: muchas veces, editores y guionistas han creado productos pretendidamente adultos sin más aliciente que la violencia, tratando de imitar el éxito de obras muy superiores como Sandman o Watchmen. En ocasiones, las editoriales de cómics parecen avergonzarse de su pasado más infantil, cuando lo cierto es que atrajeron a muchos jóvenes que, al crecer, disfrutarían de obras de mayor calado. Los más divertidos del mundo, publicado por ECC en su línea de cómics de DC, si bien parodia este pasado, lo celebra al mismo tiempo.

Esta obra está protagonizada por los duendes Mr. Mxyzptlk y Bat-Mito, dos enemigos de Superman y Batman respectivamente, que destruirán por accidente la realidad mientras se enzarzan en una pelea que para ellos es un juego, y que recorrerán el Multiverso en una divertida oleada de destrucción. El guionista es Evan Dorkin que, con la ayuda de una impresionante plantilla de dibujantes, se aleja de sus trabajos más independientes y demuestra conocer a fondo el pasado de DC.

¿Quiénes son estos personajes?

Los protagonistas de este tebeo son dos villanos clásicos de la editorial que, por su carácter de alivio cómico, no han tenido una gran relevancia en historias más actuales. El más longevo de ellos, Mr. Mxyzptlk, surgió en los años 40 como un enemigo de Superman, y fue creado por el padre del personaje Jerry Siegel. Se trata de un duende de la Quinta Dimensión, con una personalidad juguetona y con unos poderes mágicos que lo acercan peligrosamente a la omnipotencia. Se trataba más de una molestia que de un villano peligroso, pero el Hombre de Acero debía encontrar una forma de hacerle decir su nombre al revés para devolverlo a su mundo. Es con diferencia el personaje más popular de los dos, ya que ha aparecido en adaptaciones como Supergirl y ha sido tratado por autores como John Byrne, Alan Moore o Grant Morrison.

bat mito mr. mxyzptlk las cosas que nos hacen felices

Bat-Mito, por su parte, es un duende obsesionado con el Caballero Oscuro, al que idolatra. Creyendo que le ayuda a prepararse en su cruzada contra el crimen, este travieso bufón se dedica a ponerle las cosas más difíciles al héroe, ayudando a otros villanos o creando molestias para el pobre Bruce Wayne. No tiene la conveniente debilidad de su rival, por lo que solo vuelve a su dimensión cuando le apetece. Aunque no ha aparecido tanto como Mr. Mxyzptlk en los cómics más modernos, autores como Alan Grant han utilizado al personaje de manera brillante. Grant Morrison, durante su ya clásica etapa, sugeriría que este duende es una alucinación dentro de la cabeza del propio Batman.

Un viaje lleno de nostalgia

La acción transcurre en Tierra-1, donde se sitúan los cómics publicados por la compañía antes de Crisis en Tierras Infinitas. En concreto, los Superman y Batman que aparecen parecen pertenecer a la Edad de Plata, es decir, a las historietas aparecidas durante los años sesenta. Por accidente, los dos duendes matan a los superhéroes y a sus ayudantes y secundarios, en una escala de violencia que termina destruyendo este mundo. Ya desde el principio, este tebeo muestra sus altas dosis de mala leche al burlarse de la inocencia de esta época: de los miles de sidekicks que tienen los protagonistas, de conceptos que hoy nos parecen algo desfasados como la Legión de Supermascotas… pero esto es solo el principio.

legion de supermascotas las cosas que nos hacen felices

Después de este impactante comienzo, los dos seres comenzarán a recorrer el Multiverso DC, desde realidades como la Tierra-2 de los años 40 hasta el mundo más inocente todavía del Capitán Marvel. Destrozando todo a su paso, los protagonistas irán criticando las distintas incoherencias de cada mundo, en un ejercicio de autocrítica por parte de la editorial. Sería muy sencillo parodiar únicamente el pasado, pero Dorkin va más allá y nos muestra algunos elementos de la DC más reciente y que el lector deberá descubrir por sí mismo. El guionista critica a estos tebeos modernos con más virulencia, si cabe, que a los clásicos: al fin y al cabo, muchas veces están menos cuidados que sus predecesores cuando debería ser al contrario.

Pero este repaso por la historia de DC no estaría completo sin la colaboración de dibujantes como Mike Allred, Stuart Immonen, Alex Ross… y un largo etcétera. Muchos han sido importantes para la historia de la editorial, y otros son sencillamente grandes artistas. En cualquier caso, el cómic sabe qué dibujante puede reflejar el DC más clásico y cuál es el mejor para imitar el estilo característico de Jack Kirby, por poner dos ejemplos. En definitiva, Los más divertidos del mundo cuenta con un apartado gráfico sobresaliente.

Conclusión

¿Se trata de un tebeo que te vaya a cambiar la vida? No, pero se trata de una lectura entretenida y ligera sin más pretensiones que la de entretener. Y vaya si lo hace: si eres fan de la editorial DC, este cómic es una auténtica delicia en la que, a través del arte de distintos maestros y con un guionista más que solvente, se critica pero se alaba el pasado de la editorial. Se nota que Evan Dorkin le tenía cariño a esas viejas historietas.

Análisis de Heridas Abiertas. Temporada 1. Capítulo 6.

Fernando Vílchez
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Análisis de Heridas Abiertas. Temporada 1. Capítulo 6.

Bienvenidos una semana más al “encantador” pueblecito de Wind Gap. Para todos aquellos que todavía no hayan visto Virgen, sexto capítulo de Heridas Abiertas, aquí tenéis todos los análisis de los episodios anteriores. Para los que lo hayan visto, vamos al análisis.

LA INVESTIGACIÓN AVANZA

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Sorprendente, pero es así. Es fácil olvidar que Heridas Abiertas es la historia de una investigación. Pero tampoco nos emocionemos. Ese gran avance se concentra en los últimos minutos del capítulo.

Esencialmente, Virgen se centra en la reunión de Camille con su antiguo grupo de animadoras y, posteriormente, con Amma y sus amigas. A su vez, Richard Willis continúa con la investigación de forma paralela.

En lo que respecta a la investigación, los empleados de Adora encuentran la bicicleta de Natalie hundida en un pozo lleno de heces de los cerdos del matadero que dirige la madre de Camille. No puede haber nada agradable en esta serie. Por otro lado, un testigo afirma que fue John, el hermano de Anne, el que tiró la bicicleta a ese estanque apetecible.

Lógicamente, ningún espectador en su sano juicio piensa que John sea el culpable. Como casi todos los hombres de la serie, es mediocre, simple y sin una maldad aparente. Acostumbrados en Wind Gap a las relaciones sexuales forzadas como medio para ser popular (véase los encuentros entre deportistas y animadoras en el bosque), un chaval “demasiado” sensible siempre es sospechoso.

Pero ojo, que no está libre de toda sospecha. Camille presencia una conversación con tantos dobles sentidos como posibles significados entre Amma y John. ¿Están ligando? ¿O la está amenazando?

DESCUBRIENDO A AMMA

Conforme avanzan los capítulos, la magnética personalidad de Alora se ha ido relegando a escenas puntuales a la vez que crecía el protagonismo de Amma, esa niña buena que esconde a una peligrosa adolescente con una preocupante ambivalencia emocional.

La noche de fiesta de Camille y Amma viene a retratar el todavía nocivo pensamiento adolescente femenino. El buscar atraer a los chicos a toda costa, incluso dejándoles que hagan lo que quieran con ellas, la toma de alcohol y drogas como medio para llamar la atención… Al final, todo se reduce a una búsqueda de popularidad. Ya lo dice Ashley, la novia de John: el asesino (se sigue dando por hecho que se trata de un hombre) solo busca popularidad. Porque en Wind Gap, la única forma de ser conocido es ser popular o estar muerto.

CHERRY

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Aunque Virgen es el título en español, el original es Cherry, mucho más acertado. La cereza es una metáfora acerca de la virginidad y, además, es un velado insulto que Adora le dedica a una adolescente Camille: una linda cereza regordeta.

También es una referencia a la cacareada pérdida de virginidad como medio para alcanzar la mencionada popularidad. Y sí, es la primera de las muchas heridas que se autoinflige Camille. Lo hace en la ingle, donde nadie pueda verla, hasta el punto de que, cuando sangra, sus amigas pensaba que tenía la menstruación.

La reunión con sus antiguas amigas viene a reflejar en que se convierten las chicas que contemplamos en la fiesta de Amma. Mujeres que se definen como feministas porque hacen lo que creen que es mejor para ellas pero que critican cuando una de ellas trabaja y “descuida” a los hijos. Mujeres que se emborrachan una vez por semana y lloran viendo una película romántica. Mujeres que le dicen a la cara a Camille que no es una mujer porque no ha tenido un hijo, porque no ha cumplido su función religiosa ni biológica.

Camille, desde luego, está muy lejos de esa imagen de mujer que ofrecen sus amigas. Ni siquiera la advertencia de Alan, su padrastro, impide que ella se vaya. Extraño que no se quiera marchar a un motel. Si bien al principio de la serie se hacía daño para paliar su dolor, parece que Camille ha encontrado un sustituto de esas heridas: el desdén de su madre y el ambiente nocivo de su casa bien sirve para acercarse a esa autodestrucción que tanto ansía. Curioso el comentario de Alan acerca de la abuela de Camille, una mujer que hacía daño continuamente a Adora porque le aportaba placer. Según Alan, Camille es exactamente igual a ella. Queda por saber si Camille conseguirá superar sus demonios. Ah, y quién es el asesino de niñas.

Un saludo y sed felices! Hasta la semana que viene!

Análisis de Better Call Saul. Temporada 4. Capítulo 2

Adriana Sabina Villamizar
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Análisis de Better Call Saul. Temporada 4. Capítulo 2

Bienvenidos al análisis del capítulo 2 de la temporada 4 de Better Call Saul. Un capítulo con avances en algunos personajes y cada vez más familiarizado con Breaking Bad. Un capítulo donde se aprovechó cada minuto para enfocar la atención en todos los personajes sin perder el hilo en las tramas en ningún momento.

Análisis de Better Call Saul. Temporada 4. Capítulo 1

El Niño Bávaro

Better Call Saul Season

Jimmy no cambia, ni cambiará, y como sujeto más bien empeorará. Su supuesta búsqueda de trabajo parece ser una estrategia para cazar tesoros. Su extraña reacción ante la oferta de la tienda de fotocopiadoras Neff nos dejó tan desconcertados como al señor Neff y su compañero. Quizás en próximos episodios lo veremos con empleo pero será una tapadera. Casi al final del episodio, Jimmy sale de la casa de Kim para tomar aire y, además, hacer una llamada. Jimmy parece considerar a Mike como ayudante en el robo de la figura del Niño Bávaro de porcelana que vio en las oficinas de Neff (valorado en más de 8000 dólares). Así que le deja un mensaje de voz a Mike. Mike ya tiene suficiente con Lydia, Gus y Nacho como para aceptar el trabajo que le propondrá Jimmy, un negocio que para Mike no será tan grande, pues está lidiando con una cantidad de dinero que no hallaba como lavarlo hasta solucionarlo con Madrigal Electromotive. De todas formas debe existir algún trato entre estos dos para que se dé lugar un suceso que aporte  en el desarrollo de Saúl Goodman.

La herencia

Kim se presentó en las oficinas de HHM. Su ira hacia Howard ha ido en aumento. Luego de la muerte de Chuck, Howard se hizo cargo del papeleo. Rebecca, la ex-esposa de Chuck fue por su  parte, pero a Jimmy, por supuesto, le dejaron las migajas, como los restos de pertenencias que se salvaron del incendio. Y es que a pesar de que Jimmy no es una joya de persona, el hecho de recibir migajas es injusto y desconsiderado. Siempre Howard y Chuck se justificaron con que Jimmy no era un autentico abogado y que, cuando ejercía lo hacía de manera inmoral. Quizás por esto Jimmy no se molestó en asistir a reclamar su parte porque sabía lo que le esperaba. Kim con más huevos que cualquiera se le plantó a Howard y le dijo sus verdades. Siempre dejaron a Jimmy a un lado y no lo consideraban merecedor de algo mejor. Lo que me da bronca es que Kim lucha por Jimmy y él por su lado solo le preocupa seguir viviendo su vida de conseguir las cosas fácil como por ejemplo, este plan del Niño Bávaro que va hacer con Mike. Pero no podemos juzgarlo porque sus actos son característicos de aquel hombre que todos estamos esperando por su evolución.

Son 6 no 5…

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Los hombres de Salamanca siguen firmes ante el negocio con excepción de Nacho. Él lleva una vida de doble cara ante dos hombres muy delicados como son Gus y Héctor (ahora solo las personas que le son fieles a Héctor, cómo Los Primos por ejemplo). Nacho ha tenido que lidiar con esto hasta que Gus ataca a su compañero hasta llevarlo a la muerte. Esto provoca el trato de Gus de que Nacho le pertenezca a su bando. Gus está dispuesto a sacar el negocio de los Salamanca de su camino. 
También vemos en este episodio al médico de Gus, Barry Goodman, que también vimos en Breaking Bad. Realiza sus labores para Gus de forma discreta y en esta ocasión le tocó evaluar el estado real de Héctor Salamanca para llevarle los pronósticos a Gus. Nada contento con el resultado, Gus busca la forma de que Héctor sea tratado con otros especialistas «menos capacitados» o quizás comprados por Gus para causarle más daño a Héctor (o de quiénes él desee acabar).
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Por los momentos las esperanzas para Don Héctor recaen en Los Primos, que son personas de pocas palabras, a quienes una dulce doctora les sugirió hablarle a Don Héctor para que su cerebro dañado se active. Imaginarnos a este monto de tipos rudos hablarles a Don Héctor como se fuera un tío cariñoso merecedor de tanta atención resulta hasta gracioso.

¡¡Mike wins!!

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Como había comentado en el análisis anterior, Lydia no estaría contenta con las acciones de Mike. La estrategia de Mike es justificar su falso salario con su presencia en las sucursales de Madrigal Electromotive para evitar algún problema legal más adelante. Lydia lo discute con Gus pero él está de acuerdo con Mike, así que necesita solo un carnet de identificación.
La temporada parece avanzar rápido, las expectativas son altas. Nos vemos en el próximo análisis.

Reseña Marvel Now! Deluxe. Los Vengadores de Jonathan Hickman 1: Todo muere. ¡Estos no son Los Vengadores!

Adrián De La Fuente Lucena
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Reseña Marvel Now! Deluxe. Los Vengadores de Jonathan Hickman 1: Todo muere. ¡Estos no son Los Vengadores!

Introducción

Estaba pensando en hacer una valoración de la etapa completa de Jonathan Hickman (Pax Romana, Guerreros Secretos, Cuatro Fantásticos/Fundación Futuro, SHIELD) en Los Vengadores. Pero hubiera sido demasiado larga y pesada. Viendo que el pasado abril de 2018 Panini publicó el tomo Marvel Now! Deluxe. Los Vengadores de Jonathan Hickman 1: Todo muere, el primero de toda su etapa, he preferido hacer una opinión general del mismo, a modo de muestra de lo que es este proyecto en su conjunto. Quinto relanzamiento de Los Vengadores tras Liefeld, Busiek y Bendis.

Personajes en situaciones que no encajan y en una trama muy larga

Parecía que la cosa prometía. Siempre he sido muy friki de Los Vengadores y quería creer que, dada la fama de este autor,  no iba a haber más refritos de historias pasadas con personajes involucionando y cómics soporíferos con diálogos interminables que, en ocasiones, ofendían la inteligencia y demostraban un conocimiento nulo de la idiosincrasia de los personajes.

El primer arco argumental de Hickman parecía devolvernos a Los Héroes más poderosos de La Tierra, subiendo las apuestas al enfrentar a Los Vengadores a rivales dignos de ellos, a escala mundial. Mundial y cósmica. Al darse cuenta de que el creciente poder de sus adversarios no les permite funcionar bien con un núcleo reducido de miembros, Los Vengadores deciden jugar fuerte con un grupo compuesto por dieciocho héroes que iban a ir apareciendo conforme al tipo de aventura. Esto recuerda a lo que Roger Stern intentó hacer en los 80 con el grupo pero no pudo por diversas cuestiones que podéis leer en mi Guía de lectura de Los Vengadores. El caso es que Hickman si iba a poder hacerlo y en una colección quincenal, lo que daba pie a la posibilidad de multitud de historias con una gran variedad de personajes.

los vengadores de hickman cosas felices

Pero conforme iba leyendo me daba cuenta de que eso no era así. Los diálogos de Hickman son repetitivos, vacíos y no caracterizan bien a los personajes. Por no hablar de la trama que no avanza nada y pone a los personajes en situaciones en las que no encajan. Tal es el caso de Lobezno y el Halcón, que participaron en una misión en el espacio, o de Shang-Chi usando armas porque sí, porque mola, porque se las ha fabricado Stark y es guay. Luego están las personalidades ultimates y peliculeras de personajes como Iron Man o el Capitán América, impuestas en Marvel por razones comerciales. Estos dos personajes, que son los dos pilares de la etapa Hickman, terminarán llegando a las manos, como en Civil War, en lugar de hacer lo que hacen Los Vengadores, salvar vidas.

No me olvido de los números auto conclusivos que Hickman dedica a nuevos vengadores como Hyperión; la Capitana Universo o Smasher. Números horribles porque Hickman no entra a definirlos sino que se pierde en diálogos incomprensibles como en el caso de la Capitana Universo e Hyperión, o juega a que todo encaje porque sí con Smasher.

Otros como la Capitana Marvel; Ojo de Halcón; Spiderwoman; Spiderman; Hulk; Mancha Solar; Bala de Cañón y Manifold (Eden Fesi) no los trata nada en los números contenidos en este tomo. Estamos de acuerdo que los cinco primeros tienen colección pero habrá que hacer que interactúen con los demás, ¿no Hickman? sino ¿para qué los sacas? ¿Y qué hay de los tres últimos que no tienen colección y tampoco se está contando nada de ellos? Al final se publicará un tercer título de Vengadores para centrarse en cada uno de ellos. Algo innecesario, que sólo responde a sacar más dinero a los lectores.

Así que tenemos una trama confusa y larga, involucrando a una multitud de personajes, que suelen salir para hacer poco o nada. Por supuesto, todo se explica al final de su etapa. Pero es lo de siempre. Demasiados números para una historia que, para colmo, no se cierra en Vengadores sino en las Secret Wars de Hickman.

En el apartado gráfico contamos con dibujantes como Jerome Opeña; Adam Kubert o Dustin Weaver. Pese a la calidad de los artistas mencionados opino que el dibujo se resiente. Lo cual es comprensible dado el volumen de personajes que se manejan y al hecho de que la colección haya pasado de mensual a quincenal. Circunstancias que, probablemente, han impedido la presencia de un dibujante fijo que dé estabilidad gráfica a la colección. De todas maneras se echa de menos la presencia de un Byrne o un Pérez que mensualmente, a finales de los 70, eran capaces de dibujar cómics de esta colección con una gran calidad, con muchos personajes implicados.

La colección hermana: Los Illuminati

La colección hermana, Los Nuevos Vengadores, también guionizada por Hickman, cuenta con un competente Steve Epting a los lápices. Al menos en lo que respecta a seis primeros números contenidos en este tomo. Estos  Nuevos Vengadores se basan en una premisa de Bendis con la que nunca he estado de acuerdo, los Illuminati. No he estado de acuerdo por los personajes elegidos para formar este grupo secreto. Los objetivos de dicho grupo no casa con ellos, salvo forzando la continuidad. Para mi no sale nada bueno de esta colección. Sobre todo tras ver el patético tratamiento que Hickman hace de personajes como la Pantera Negra, el Dr. Extraño o Namor.

Hickman intenta generar situaciones con dilemas éticos de fondo pero se equivoca de personajes. No me trago que personas tan sumamente inteligentes y de principios como son los que protagonizan esta colección no puedan solucionar los problemas de otra forma que no sea oscura, siniestra, rastrera. Por la puerta de atrás. ¡Es que eso mola y es muy realista! ¡Es que el mundo es así! Precisamente porque el mundo es así, esos personajes, como arquetipos, deberían mostrar que las cosas deberían poder hacerse de otra manera. Llamadme ingenuo pero yo entiendo a los héroes de otra forma. Y que nadie se crea que me voy al otro lado, al lado ñoño. Mi término medio son Los Vengadores de Al Ewing.

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Conclusión: Valoración final

Por todo lo dicho, Los Vengadores de Hickman, para mi, no son Los Vengadores. Veo cómics, en apariencia sofisticados, pero con una forma de narrar en plan película o serie de televisión. Es decir lentos, muy lentos, con números que apenas cuentan nada y con una sola trama, que se arrastra hasta decir basta. Si de verdad quieres leer cómics de Vengadores contemporáneos, con argumentos medianamente bien construidos, con épica y buena caracterización de sus personajes, te recomendaría echar un vistazo al material de Ewing sobre los mismos.

¡Un saludo y se feliz! ¡Muchas Gracias por leer!

Análisis de Castle Rock. Temporada 1. Capítulo 3

Antiguo Colaborador
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Análisis de Castle Rock. Temporada 1. Capítulo 3

Después de una parada obligada para que nuestros acompañantes pudieran vaciar sus cargadas vejigas, continuamos nuestro particular tour por Castle Rock. En el anterior capítulo ya se percataron nuestros expectantes visitantes de cuan fácil es encontrar secretos entre los habitantes de la ilustre ciudad norteamericana, pues en ella nada es lo que parece. Y si Henry ya se había olvidado de lo que dejaba atrás, estos capítulos siguientes van a seguir haciéndole recordar lo difícil que es escapar de su pasado, sobre todo si te has criado en una ciudad tan particular como la que nos atañe. Vuelvan a coger asiento, abróchense sus cinturones, que retomamos la visita.

Puedes encontrar los anteriores análisis aquí:

Análisis de Castle Rock

Local Color

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Molly Strand, la gran protagonista de este capítulo

Antes de adentrarnos más en Castle Rock he de alabar el gran trabajo realizado por Melanie Lynskey a la hora de interpretar a la compleja y enigmática Molly Strand, y este tercer capítulo nos confirma que estamos ante uno de los personajes más interesantes de la serie. Porque eso ha resultado ser este Local Color, un vehículo idóneo para colocar a Molly en la primera posición de la lista de personajes interesantes de nuestra querida Castle Rock.

Al comienzo de este capítulo volvemos a conducir nuestro particular DeLorean  para viajar de nuevo hasta 1991. El año de los misterios. En él vuelven a sorprendernos con otra revelación, una que creíamos que tardaríamos bastante más en descubrir, y esta no es otra que la verdadera identidad del asesino del padre adoptivo de Henry. Resulta que la asesina no es otra que una jovencísima Molly Strand que, impulsada por una extraña fuerza, decide privar de oxígeno a un lesionado Matthew. Inesperado e intrigante a partes iguales. ¿Por qué lo hizo? ¿Por qué no lo confesó? ¿Su enfermedad se agravó entonces? Una sorprendente respuesta que nos lleva a conocer nuevas incógnitas. Aunque no me extrañaría que lo hubiera hecho para proteger a su querido vecino, puede ser, al fin y al cabo, que el señor Deaver no fuera trigo limpio. Veremos.

En el presente, volvemos a ver a Jackie Torrance en escena. Resulta que la chica del apellido famoso trabaja o colabora con Molly y la está ayudando con los preparativos. Molly quiere que su aparición en la televisión local le sirva para impulsar sus negocios, por lo que espera tener unos productivos y vistosos minutos de exposición televisiva. Los tendrá, de eso no queda ni la menor duda. Una vez que Jackie parte a realizar unos recados de cara al decisivo día, aparece Henry decidido a tener un reencuentro con su amiga de la infancia. Vemos como la presencia de Henry aturde a Molly que intenta ocultar la extraña conexión que tiene con nuestro protagonista.  De vuelta al pasado se nos muestra como la relación entre estos dos era más profunda de lo que parecía a priori, pues una Molly adolescente ofrece a Henry tener una charla privada en su cuarto. En una escena muy próxima a la obra de King -el sexo y la adolescencia son dos elementos recurrentes en su obra-, Molly decide contarle que siente una extraña conexión con él: puede sentir lo que él siente, como si el chico fuera una especie de muñeco vudú. Esto se nos muestra como algo real más adelante cuando veamos que ella es capaz de sentir el frío que siente Henry y puede escuchar lo que él escucha. Otro personaje con poderes sobrenaturales que se nos presenta y, conociendo el universo King, seguro que no es el último.

Los espectadores no son los únicos con derecho a sorprenderse

Volvemos a Shawshank -ya la echábamos de menos- para ver como el lacónico chico se prepara su particular almuerzo en la cafetería de la penitenciaría. A su manera, claro está. Pero algo lo distrae de sus labores culinarias: una foto del antiguo alcaide. Tras ver la foto, el chico se pone nervioso y es calmado por un inquietado Zalewski que, preocupado por el futuro del chico, decide seguir contactando con Henry para pasarle toda la información que tiene acerca de las acciones realizadas por Lacy en el sótano de la penitenciaría. Nuestro abogado, necesitado de pistas, acepta la información de buena gana.

Más tarde, Molly se da cuenta de que el regreso de Henry es más difícil de llevar sin sus pastillas y empieza a buscar desesperadamente a su camello de confianza para que se las proporcione. Lamentablemente para ella, el camello adolescente se ha quedado sin existencias, pero conoce una forma de que Molly consiga su «medicación». La respuesta, y el material, lo tiene un tal Derek. Por lo que, Molly, se dispone a ir hasta la dirección, sin dejar de ser atormentada por los fantasmas de su pasado. Al llegar al lúgubre lugar, se encuentra con una pintoresca escena: un grupo de niños con mascaras de papel maché -bastante inquietantes- observan un improvisado juicio liderado por el tal Derek. Estos niños resultan ser los hijos de los prisioneros encerrados en Shawshank. Como hemos podido comprobar, en Castle Rock, todo está conectado. Derek dirige una pantomima, sigue el juego a unos niños que creen liderar su particular tribunal de justicia y con la excusa de ajusticiar a Molly acaba vendiéndole lo que ella estaba buscando. Pero, para aumentar la racha de mala suerte, aparece la policía, evita el intercambio y detienen a Molly. Aunque, por suerte para ella, Henry está dispuesto a sacarla del apuro para que pueda acudir con puntualidad a su cita con la cadena de televisión.

Sin drogas, sin ánimos y aturdida por la invasiva presencia de Henry, Molly decide que puede lidiar con el segmento televisivo, pero todo le molesta; las voces, las luces y hasta la presencia del mismo presentador. La escena que se nos presenta pasa de lo torpe a lo incomodo cuando Molly decide dar rienda suelta a esa conexión que siente con Henry denunciando el estado en el que se encuentra el chico encerrado injustamente en Shawshank. Un sorprendido Henry no entiende como Molly tiene tanta información sobre su cliente, pero lo que no sabe es que todo lo que haga puede ser percibido por ella al instante. Pero, aún así, el abogado sabe perfectamente las ventajas que conlleva que el caso de su cliente salga a la luz, la nueva alcaide hará todo lo posible para que la mierda generada no le salpique. Y efectivamente, Henry consigue una entrevista con su cliente. Pero no sale todo lo bien que él quisiera, el chico parece desorientado, apenas atiende a lo que le dice Henry y balbucea preguntas extrañas que no hacen más que confundir a su abogado. ¿Ya empezó? ¿El qué empezó? ¿Puedes escucharlo? ¿El qué debe de escuchar? La sensación de Henry es de estar cada vez más lejos de la verdad.

El capítulo termina con un momento de suspense al más puro estilo King. Molly sigue escuchando voces y notando extrañas presencias a su alrededor. Tras entrar en su casa, vemos como sigue habiendo rastros del allanamiento y Molly se teme lo peor. Cuchillo en mano decide investigar lo que ocurre en su casa. Tras unos segundos de suspense vemos como el fantasma vendado del reverendo recuerda, con su presencia, el terrible crimen cometido por la chica en su adolescencia.

Conclusiones

Otro buen capítulo que nos ha servido para conocer mejor a los personajes, destacando por encima de todos a Molly -como ya dije anteriormente, con una genial Melanie Lynskey- que resulta ser todo un descubrimiento. Seguimos con varias incógnitas por resolver, por lo que os espero en la próxima entrega para que las podamos resolver juntos. Que seáis muy felices.

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