Bienvenidos a la vida, y a estos análisis, todos los hijos del voodoo. Predicador va entrando en materia, y yo creo que deberíamos hacer lo mismo. Así que ni introducción ni nada. Vamos con el análisis del segundo capítulo de Predicador, de este tercer volumen. Si queréis entender como hemos llegado a este punto, podéis ver los análisis anteriores.
Yaya L’Angelle
Un joven Jesse actúa como comercial de su abuela. Pero Madame L’Angelle no es una bruja cualquiera, y faltar a un solo pago con ella implica mucho más que una simple paliza. Madame L’Angelle es una mujer con recursos y capacidades más allá de la comprensión humana ¿De qué le serviría una paliza? No, a la matriarca le gusta otro tipo de compensación si uno no paga sus deudas. Tienes que dar tu alma, literalmente. Nos comentan que Madame L’Angelle la usa para mantenerse joven, pero nosotros ya sabemos que todo, incluso el alma humana, tiene un precio. Y, en este caso, también un mercado muy competitivo.
Tanto el joven Jesse como la gallina han vuelto para la tercera temporada
Tres son multitud
La relación entre Jesse y Cassidy no ha mejorado con la vuelta a la vida de Tulip. Tanto es así, que Jesse le pide a Cassidy que se marche. Y el hecho de que el predicador no parezca tener ningunas ganas de reventar a balazos a la gente del Grial por matar a su novia tampoco va a facilitar las cosas entre ellos. De hecho, al contrario, Jesse parece más decidido a colaborar con ellos. Pero para poder colaborar de nuevo con el Grial y, de paso, recuperar su alma, Jesse debe convencer a la vieja bruja de que deshaga el conjuro que tiene sobre él, y le permita marcharse con Tulip.
Tulip está tratando de adaptarse a eso de haber estado muerta jugando con algunas armas que ha encontrado por allí, cuando encuentra algo mejor con lo que jugar: una compañera de juegos. Una vieja amiga que la llevó al purgatorio en una ocasión. Jesse se la encuentra jugando, y tras saber que han informado a Starr sobre la resurrección de Tulip, los dos trabajadores, la feliz pareja y Jody (el tío que mato al padre de Jessy), se encaminan al pantano a matar a los miembros del Grial.
Pues no molan poco estos dos
Por supuesto, esto no va a ocurrir. Jesse necesita que sigan con vida. Como Tulip lo ha visto, Jesse les explica que necesita su alma de vuelta para recuperar a Génesis, y con sus poderes de vuelta, matarán a cuantas personas quieran. Tulip pide consejo a Cassidy, y ambos se apuntan al barco de nuevo capitaneado por Jesse.
El Grial is back
Herr Starr ha vuelto, loado sea Dios. Y ha decidido hacer una pequeña campaña electoral a favor de Humperdoo (¡Cómo lo he extrañado!) al más puro estilo Starr. Esto vendría a ser con un buen puñado de tiros y alguna que otra patada en los huevos.
¡Oh si, nena!
Herr Starr se encuentra con Jesse, y como Jesse es muy idiota (lo sabemos desde la temporada pasada) y Klaus Starr muy listo, en seguida puede adivinar las intenciones del predicador, y tenderle una trampa. La trampa hace dudar a Tulip de la lealtad del predicador, y acabar por mandar al traste todo el plan de los tres amigos. Al predicador le va a resultar dificil recuperar su alma, y la confianza de su novia y su, hasta ahora, mejor amigo.
La opinión de Sofía
Predicador despega, amigos. Parecía, con el soso capítulo 1, que la serie se había estancado un poquito. Pero han mostrado algunas de sus cartas (no todas, claro, sabemos que a Predicador le gusta hacer virar sus tramas cerca de la mitad de la temporada), y me han gustado.
Las cosas se van a poner tensas
Es evidente que las relaciones personales de nuestro trío protagonista van a tomar rumbos muy interesantes esta temporada. Cada uno tiene sus propios demonios, que les van a llevar a tomar decisiones muy diferentes sobre puntos muy determinantes. Y, como no, está Herr Starr que ya nos ha desvelado que no es, ni mucho menos, el peor villano del Grial. Solo me falta volver a ver a Humperdoo para estar realmente contenta con la serie.
Si eso ocurrirá o no, lo sabremos pronto. Hasta entonces… sed felices.
Ya tenemos en nuestras manos el primer número de la nueva serie del vengador acorazado, esta vez bajo el título Tony Stark, Iron Man. Desde el mismo encabezado se deja claro que el único y genuino Tony Stark vuelve a vestirse la armadura, se acabó la era del Doctor Doom o del misterio sobre quien llevaba el traje y donde estaba Stark.
Este comic, es un número de presentación de manual. El guionista se vale de uno de los trucos más viejos del oficio para presentar la nueva situación en la que quiere enmarcar la historia. Nos presentan un nuevo personaje que va a entrar a trabajar en la empresa que ha levantado Tony (Stark Unlimited), y a través de los ojos de este (Andy Bhang, un veterano experto en robótica) vamos conociendo el nuevo entorno en el que va a trascurrir la historia y cómo es y cómo funciona la nueva compañía.
Andy Bhang, experto en robótica y nuevo miembro de Stark Unlimited
El problema es que todo suena a muy visto ya que estamos ante una nueva empresa de Tony Stark, una firma que nos recuerda muy mucho a las Industrias Parker que Slott usó en Spider-man. Vemos como Stark usa su compañía como la utilizaba Peter Parker, es decir, valiéndose de ella como un instrumento para hacer más fácil su labor como superhéroe, usando el talento de sus empleados y sus inventos para poder luchar contra sus enemigos (en este primer número un Fin Fang Foom controlado por un misterioso villano). Por otro lado, a pesar de esa falta de originalidad al menos el cómic es divertido y ameno.
Los trabajadores de la nueva empresa de Tony Stark
Es cierto que este ámbito empresarial le queda mucho mejor a Iron Man que a Spider-man. Industrias Stark siempre ha sido parte inherente de la historia del personaje, pero como ya he dicho, no deja de sonar a conocido (sobre todo por el uso de varias armaduras según la situación, algo que ya habíamos visto en la colección del Trepamuros con sus múltiples trajes multifunción). Habrá que ver como lo maneja Slott y si puede llegar a ofrecernos algo diferente.
Además de una nueva empresa tenemos la presentación de los que van a ser los personajes secundarios que acompañaran a Tony en esta nueva etapa. El guionista prefiere dejar de lado los que Bendis venía utilizando en la colección anterior (adiós Mary Jane, adiós mama de Toni, adiós Inteligencias Artificiales) y centrarse en secundarios clásicos y conocidos por los fans más veteranos como Bethany Cabe o James Rhodes y en la incorporación a la compañía de la robótica Yocasta, con un rol muy divertido.
En la batalla contra Fin Fang Foom vemos cómo va a funcionar, a partir de ahora, Iron Man ayudado por los miembros de su empresa, tanto es así que es el nuevo miembro de la misma, Andy Bhang, el que da con la tecla para poder derrotar al monstruo.
Un vistazo a la infancia de de Tony Stark
También se nos presenta un misterio que parece que va a ser uno de los hilos argumentales de la trama. Alguien está hackeando Stark Unlimited, robando información y patentes de la misma y eso es algo que Tony y su jefa de seguridad (Bethany Cabe) no pueden permitir, así que la investigación de estos ataques informáticos será uno de los ejes de la colección. El caso es que al final del número vemos al misterioso villano detrás del hackeo y del ataque de Fin Fang Foom y aunque de nuevo es alguien conocido por los aficionados más veteranos tampoco es que sea una revelación o un enemigo que en principio llame la atención demasiado.
El italiano Valerio Schiti es el encargado de la parte artística y la verdad es que me ha sorprendido gratamente. Hasta ahora se había encargado de diversos números de Guardianes de la Galaxia o Ms. Marvel y aunque su nivel siempre me había parecido bueno en este cómic es mucho mejor de lo que nos tenía acostumbrado.
Una de las mútiples portadas alternativas del cómic
El nivel de detalle en los fondos y de las creaciones tecnológicas es muy bueno y las escenas de acción son espectaculares y bien narradas. Aunque donde más resalta es en las partes más calmadas, en los diálogos entre los personajes, haciendo que las expresiones de sus caras (y hasta sus posturas corporales) resulten creíbles a la vez que divertidas.
En conclusión, estamos ante un correcto número de presentación, pero Slott va a tener que mejorar y ofrecernos bastante más para poder llegar a la altura de lo que se supone que quiere lograr Marvel en la nueva cabecera de uno de sus personajes estrella.
Hola nuevamente querid@s internautas. Como sabréis, hace poco más de una semana se estrenó la segunda temporada de Luke Cage. Precisamente días antes del estreno, ya se publicó uno de mis artículos donde hablaba sobre lo que podríamos esperar en esta serie. Incluso comentaba que había algunas cosas que me gustaría ver mejor trabajadas que en la soporífera y mediocre temporada 1 del personaje. Pues bien, una vez que he podido ver los 6 primeros episodios de los 13 que trae esta nueva temporada, os comparto aquí mi análisis.
También os dejo el enlace a ese artículo que comentaba, del cual responderé a algunas cuestiones que planteaba con anterioridad:
Hasta ahora la mayoría de las personas con las que he hablado que vieran la primera temporada del personaje, coinciden en lo mismo: empezó con muy buen aspecto, pero pronto dio el patinazo. Hubo algunos capítulos donde lo único que salvaba yo era la música, ya que otra cosa no, pero en Luke Cage hay música de mucho nivel, tanto en una temporada como en otra. Pero bueno, como decía antes, éramos unos cuantos los que habíamos terminado viendo la temporada 1 deseando que acabara ese sufrimiento.
Como la serie crossover de Los Defensores estaba orientada a otras cuestiones y más centrada en la acción que otra cosa, el papel de Luke Cage ahí no evolucionaba demasiado. Llegada su segunda temporada, puedo deciros que, sin que su serie siga siendo de demasiada calidad, sí que mejora bastante respecto a la temporada 1. Aquí ya no hay necesidad de presentar el barrio de Harlem ni su comunidad, porque eso ya se hizo tiempo atrás. Aquí todo arranca con Luke Cage y su popularidad, ya que al final de la primera temporada terminaba siendo muy conocido públicamente.
Pues eso, en esta nueva temporada vemos a Luke Cage asumiendo (y hasta disfrutando) su nuevo rol de héroe de Harlem. Se venden camisetas con su nombre, hay una aplicación para móviles a través de la cual todo el mundo puede saber por qué parte del barrio está, y hasta… ¡hay una droga que lleva su nombre! Y eso mismo es uno de los puntos de arranque para Luke, que intenta sacar esa droga de las calles para hacerlas más limpias y seguras. Pero cada vez que acaba con un punto de distribución aparecen otros tantos nuevos. Un poco como las cabezas de Hydra.
Piraña, tienes mucho peligro con esa sonrisa
Al tiempo que Luke sigue con esta labor de protector de Harlem, y también con la de novio de la enfermera Claire, Misty Knight se adapta a su nueva vida, una vez que perdió el brazo derecho en el capítulo final de Los Defensores. Tras reincorporarse a la policía y notar que ya nadie la mira igual por faltarle un brazo, Misty empieza a sopesar muchas cosas sobre ella misma, entre ellas el camino que realmente quiere seguir en la vida. Para echarle una ayudita, y a modo de intervención especial en uno de los episodios, veremos a Colleen Wing, la cual le dará algunos consejos. Y como veréis, industrias Rand tendrá un papel más que importante en un nuevo cambio físico en el cuerpo de Misty.
Por la parte de los antagonistas, Mariah y Shades siguen intentando ser los dueños de Harlem, pero con la perspectiva de meterse en negocios legales que les permitan tener un porvenir más legal que el del tráfico de armas. Ambos personajes, que mantienen una peculiar relación sentimental, seguirán usando el club de Mariah como cuartel general. Sin embargo, para ellos el mayor quebradero de cabeza ya no será Luke Cage, sino Bushmaster, un jamaicano con poderes que ha vuelto para recuperar Harlem, barrio que considera suyo por herencia familiar. Bushmaster tendrá por finalidad acabar con Mariah, ya que las familias de ambos tienen sus rencillas desde décadas atrás, y al mismo tiempo querrá acabar con Luke Cage, para así dominar sin oposición Harlem.
¿Merece la pena esta segunda temporada? Por ahora SÍ. Espero que no metan la pata como ya hicieron en la primera temporada. Por ahora en estos 6 primeros capítulos hay cierta sensación de relleno, pero no de una forma tan descarada como en la otra temporada. Bushmaster me parece mucho mejor trabajado que los anteriores enemigos de Luke, y no sólo es fuerte, sino que además está bastante loco y no se echa atrás si ha de mancharse las manos de sangre.
¿Comprobamos si eres irrompible?
Por otra parte, los personajes secundarios tienen bastante más peso aquí que en la otra temporada. Misty es casi tan protagonista como Luke, y Bushmaster, Mariah y Shades también tienen bastante protagonismo. Se agradecen las apariciones de personajes como Foggy Nelson, el mejor amigo de Matt Murdock (ejem Daredevil) para ayudar a Luke en un asunto legal, y aparecen personajes muy jugosos como el broker Piraña, un tipo siempre sonriente y que al final hace honor a ese mote cada vez que cuenta cosas de su vida. También aparecen la hija de Mariah, una doctora que ha abierto una botica de productos naturales, y que tiene cosas que aportar a la trama, o el padre de Luke, que también tiene cosas que aportar.
Por último, el capítulo 6 termina con una intensa pelea entre Luke y Bushmaster, y es un más que digno broche para la mitad de temporada. Cuando vea los otros 7 capítulos volveré a compartiros mis impresiones. A los que estáis viendo la serie… ¿qué os está pareciendo? ¿mejor o peor que la primera temporada? Un saludo y hasta la próxima.
Con motivo del estreno de Ant-Man and The Wasp (2018) ahora está uno escribiendo por todos sitios posts de Los Vengadores pequeñitos. Ya en mi blog escribí el post Antes de Ant-Man and The Wasp (2018). Conoce más de los personajes que inspiraron al Hombre Hormiga y a la Avispa cinematográficos, así que aquí quiero hacer algo diferente. Voy a hablarte del equipo creativo que empezó a hacer interesantes a Los Vengadores insecto originales (Janet Van Dyne y Hank Pym). Hablo de Roy Thomas y John Buscema. La Avispa y Hank Pym, entonces Goliat y luego Chaqueta Amarilla, eran dos de los personajes favoritos de Thomas por lo que estarán presentes en el grueso de su etapa, sometiéndolos a múltiples cambios.
¡Un momento Adrián! Me dirás. ¿Chaqueta Amarilla no era el villano de Ant-Man (2015)? Paciencia, todo será explicado. ¡Vamos allá!
Unos comienzos algo flojos
De los miembros fundadores de Los VengadoresStanLee, JackKirby y Don Heck terminarían concentrando su atención en Iron Man y Thor. Parecían no saber muy bien que hacer con la Avispa y el Hombre Hormiga/Hombre Gigante. En palabras de De Salazar:
Las mentes de Lee y Kirby están más enfocadas hacia el resto de sus creaciones, así que las historias del Hombre Hormiga carecen de la frescura y la innovación de sus colegas enmascarados.
[…]
Mientras que las series de Thor […] y Iron Man […] evolucionan favorablemente con nuevos personajes y argumentos, los episodios del Hombre Gigante y La Avispa languidecerán hasta su extinción en TTA 69«.
Eduardo De Salazar
Así que se puede afirmar que los comienzos de nuestros diminutos personajes fueron algo flojos. Lo que hizo que desaparecieran del título que los había visto nacer, Tales to Astonish, para convertirse en miembros fijos de Los Vengadores.
La Avispa y Goliat se convertirán en parte fundamental de Los Vengadores
Al clausurar las historias del Hombre Gigante y la Avispa en Tales to Astonish, Stan Lee opta por reintegrarlos a las páginas de Los Vengadores. Si las personalidades de Hank y Jan apenas habían sido desarrolladas en su colección, ahora se convertirán en parte fundamental de AV y evolucionarán junto con la serie. Lo primero que hace Lee […] es revelar la identidad secreta de ambos héroes al mundo. Lo segundo, cambiar el nombre de guerra de Pym, de Hombre Gigante al más melodramático de Goliath (AV 28). También añade un componente trágico al personaje al dejarlo atrapado en tamaño gigante durante varios números«.
Eduardo De Salazar
Lee y Heck trajeron de regreso a Hank Pym, pronto Goliat, y a la Avispa a Los Vengadores y, por lo que dice De Salazar, queda claro que fueron circunstancias editoriales las que motivaron su regreso. Lee no trataría demasiado a la Avispa pero si a Goliat. Aprovechando su tendencia al dramatismo hizo que Pym tuviera problemas con sus poderes de crecimiento, haciendo que quedará atrapado en una altura de tres metros. Se buscaba así que el personaje resultara más atractivo a los lectores. Posteriormente se explicaría que el que Hank tuviera más problemas de salud que Jan al exponerse a las Partículas Pym se debía a que el cuerpo de esta había sabido adaptarse mejor a las mismas desde el principio.
La Avispa y Chaqueta Amarilla de Thomas y Buscema: Hechos el uno para el otro
Una vez convertido en guionista oficial de la colección, será Thomas quien cure a Goliat sus problemas de cambio de tamaño. Provisionalmente en The Avengers #35 (66) –su primer cómic de Los vengadores, con argumento de Lee– y de forma definitiva en The Avengers #51 (68).
Entre los dos números anteriores The Avengers #46 (67) Thomas consigue que Goliat combine sus poderes de Hombre Gigante con los que había tenido como Hombre Hormiga, de los que Lee se había olvidado. Asimismo, en este cómic, la Avispa alcanza la mayoría de edad con lo que ya puede acceder a una multimillonaria herencia que, si bien no le hará dejar su carácter bromista y frívolo, si le permitirá no depender de ningún hombre. Esa nueva situación descoloca a un serio Hank Pym, que, de la noche a la mañana, tenía que acostumbrarse a una nueva Janet, más sofisticada e independiente.
Thomas no se detendrá ahí y hará que Pym adopte su identidad más interesante y carismática: Chaqueta Amarilla. Chaqueta Amarilla se presenta en The Avengers #59 (68) como un misterioso e insolente personaje que se atribuye el mérito de haber matado a Goliat. Una muerte en sentido metafórico. Un accidente de laboratorio -unido a su tensa relación con La Avispa y la creación del robot Ultron, cuyo primer acto fue de rebeldía hacia su creador- alteró las facultades mentales de Hank y le hizo adquirir la identidad de Chaqueta Amarilla. Con dicha identidad Pym buscaba parecerse más a La Avispa, tanto en carácter, más jovial, como en apariencia.
Ahora si que estaban hechos el uno para el otro. Y puede que por esa química entre ambos, sólo Janet se diera cuenta del engaño, siguiéndole el juego hasta conseguir que él mismo se descubra durante un incidente que tendrá lugar el día en que ambos deciden casarse y formar el primer matrimonio de Los Vengadores. Así Thomas nos va mostrando una mujer que nos es tan frívola como aparenta sino muy perceptiva e inteligente, aunque siga cayendo en los clichés de la época.
Algunas notas más de Chaqueta Amarilla
No hay que olvidarse de que el mérito del genial diseño de Chaqueta Amarilla es de John Buscema. Lo que no debe ser algo sorprendente, dada la predilección del maestro por diseñar uniformes basados en animales.
Por todo lo mencionado, esta encarnación de Pym es la mejor que ha tenido el personaje. Una pena que guionistas posteriores no supieran sacarle partido he hicieran que el personaje volviera, poco a poco, a sus orígenes para después revolcarlo en la más absoluta mediocridad. Las palabras de Pedro Monje son muy ilustrativas a este respecto:
[…] de los vengadores fundacionales el más importante para el grupo siempre ha sido Hank Pym. Junto con Ojo de Halcón, Pym es el pilar absoluto de los setenta números de Roy Thomas. Líder espiritual y táctico del grupo, con carisma y siempre dispuesto a repartir unas buenas tundas al malo de turno […] Hank Pym encarna como nadie el exponente que marca la línea del drama y dramatismo propio de Marvel, costumbrista y decostumbrista y de finales llenos de personajes que nunca ganan realmente. En este caso […] debido a un fallido experimento químico, y bajo una personalidad desinhibida, atrevida y picaresca de sí mismo, Pym adopta poderes y traje nuevo con el nombre de Chaqueta Amarilla, identidad […] clave para entender al personaje, lejos de la visión de Doctor Who moderno y macroinventor en busca de la redención eterna que intentan vendernos actualmente. […]
Pedro Monje
Algunas notas más de La Avispa: Conflicto entre libertad y confort
Con respecto a La Avispa considero interesante el análisis que hace de este personaje Elisa G.Mccausland, el cual hace que uno se pregunte el por qué alguien que lo tiene todo puede sentirse atraída por personajes como Chaqueta Amarilla. Razón por lo que he decidido compartir su reflexión en este post.
Pocos Personajes reflejan tan certeramente el conflicto entre el deseo de libertad y la tentación del confort de una pareja. Janet Van Dyne es la mujer que todo lo quiere. Cómoda en su asignación de género, la que la legitima en todo lo que tiene que ver con el aspecto y sus estrategias, La Avispa ha sabido hacerse un hueco en el grupo al que ella […] dio nombre. Ya sea como líder de Los Vengadores […] o como diseñadora de los disfraces de sus compañeros, esta mujer blanca, con estudios y de buena familia, ha desempeñado sus funciones de líder cómoda en el cargo. No obstante, los guionistas la han arrojado, una y otra vez, a los brazos de un primer novio con complejo de inferioridad, problemas mentales que justifican sus agresiones y que, desde luego, afirma amarla hasta el mismísimo tuétano.
Elisa G.Mccausland
En su obra Vamps andTramps, Camile Plagia habla de una atractiva maleabilidad presente en un cierto tipo de chica de clase media americana que le lleva a terminar con novios abusivos o figuras autoritarias masculinas que les llaman tesoro. G.Mccausland recoge la expresión atractiva maleabilidad para referirse a La Avispa:
Janet Van Dyne tiene un poco de esa atractiva maleabilidad que utiliza como estrategia de seducción, pero también intenta ir más allá de lo que se espera. Sabemos de ella que no quiere tener hijos pues […] quiere vivir el papel superheróico como uno más, sin ataduras. Sin embargo, y fiel a su programación, busca en el sexo contrario el apoyo, la confianza, el permiso. Es masoquista y narcisista, una perfecta candidata para formular un <<No soy feminista, pero …>>.
Elisa G.Mccausland
Espero que te haya gustado. Si es así, comenta y comparte. ¡Muchas Gracias!
Nos leemos en otros posts de Las cosas que nos hacen felices.
El héroe más pequeño de Marvel ha vuelto, pero esta vez en solitario en una cinta que conecta mucho más con Civil War que con la obra grande para este 2018 de Marvel, Infinity War. De hecho, su estreno posterior a este gran crossover no ha hecho sino dejar a esta Ant-Man y la Avispa en un segundo plano, haciendo que el dúo de Paul Rudd y Evangeline Lilly sea entretenido sí, pero olvidable.
Con el estreno de Ant-Man allá por 2015, un servidor no le tenía mucho interés. Me parecía un héroe soso, falto de gancho y con una historia prescindible. Sí, esto último no lo niego, pero aquella película jugó con ser un producto totalmente diferente a lo que habíamos visto, y sorprendentemente me gustó. Con esa cinta Marvel ofreció una película de corte más bajo, nada de grandes momentos épicos ni villanos ultramalvados que querían destruir/dominar el mundo. Peyton Reed, bajo guion de Edgar Wright, trajo una cinta llena de momentos muy simpáticos, una trama de policías y ladrones y un par de personajes carismáticos. A Ant-Man y la Avispa esto le juega una mala pasada, ha perdido el factor sorpresa.
Comparándola con una cinta, Ant-Man y la Avispa sigue la misma línea de Deadpool 2. Ambos personajes se parecen únicamente en el blanco de los ojos, pero sus primeras cintas se alejaban tanto de lo conocido, y por ello gustaron tanto, que sus secuelas ofrecen lo mismo y en mayor cantidad. La película potencia aún más las virguerías que Scott Lang y Hope van Dyne pueden hacer con su peculiar habilidad, otorgando escenas de acción muy interesantes de ver aunque discretas y siempre teniendo en cuenta el perfil bajo de la cinta.
Y es que si de algo puede sacar pecho esta secuela desde su sencillez es de contar con personajes tan carismáticos como Scott y Hope, pero Marvel vuelve a fallar en lo mismo: el villano. Esta semana en una entrevista para el medio io9 el director Peyton Redd se excusaba de lo poco interesante que fue su primer villano, Chaqueta Amarilla, afirmando que este fue lo único que quedó del primer guion de 2008, donde el villano solo copiaba al héroe, pero con ceño fruncido y malas ideas. ¿Fantasma está a la altura? Para nada, ni sus motivaciones ni lo que hace en pantalla salvan la película de no caer en el mismo problema. Problema que es solucionado dejándola tan en segundo plano que ni estorba ni es muy relevante. Aunque siendo la causante de todo en la película, que menos que no fuera olvidable.
Está claro que a Reed y a su legión de guionistas, 5 en total salidos de Spider-Man: Homecoming y Jumanji: Bienvenidos a la jungla, les interesa ofrecer un producto entretenido, con toques de humor y ligero. Porque es eso, una película mucho más sencilla, en términos de historia, que su predecesora en taquilla, Infinity War. De hecho, no sigue una línea fija sino que se tiene la sensación de haber ido improvisando sobre la marcha. Las situaciones de la película suceden todas por casualidad y de cara al final te planteas lo poco relevante que ha sido todo esto. De hecho, la ausencia del personaje de Paul Rudd, como siempre en su línea, en la obra cumbre de Marvel hizo que a muchos les surgiera una duda, ¿dónde está si no es peleando? Pues aquí, sin hacer nada del otro mundo y su mayor conexión con el gran crossover de este mismo año queda relegado a una escena postcréditos.
Sin embargo, una de las cosas que queríamos ver en esta secuela es la tan esperada Avispa. Reed coloca a Scott Lang en un papel secundario, en algunos casos como el desahogo cómico, y da un mayor protagonismo al personaje de Evangeline Lilly y la búsqueda de su madre. Y es que hilando con el carácter cómico y sencillo de la cinta, toda ella gira en torno a la importancia de la familia. La hoja de doble filo que supone para Scott sorprender a su familia de verdad con su cambio a mejor sin dejar a su familia adoptiva, Hak Pym y su hija Hope; la búsqueda de Janet por parte de su marido y su hija; la subtrama de Fantasma… Esto la separa completamente de Infinity War siendo una obra mucho más cercana y familiar, la más Disney que ha ofrecido Marvel.
Así pues, ¿qué queda de Ant-Man y la Avispa? Una cinta entretenida y sin muchos alardes. El humor sigue en su línea y la película funciona gracias a él y al carisma de sus personajes. Reed no cuenta con el toque de los Russo en cuanto a la acción y nos ofrece, lamentablemente, pocos momentos de Ant-Man y la Avispa trabajando codo con codo, pero muchos más simpáticones jugando con el tamaño de sus personajes . Una película sencilla y que a muchos supondrá un bajón de calidad, que no de cantidad, en relación con Infinity War. Y es que quizá, y solo quizá, Ant-Man y la Avispa podrían haber sido más interesantes allí que en solitario.
Se acabó lo que se daba. Bueno, nos falta un número, un pequeño epílogo para que la etapa de Dan Slotten Amazing Spider-man llegue a su fin. Ha sido un largo camino, diez años de aventuras y de polémicas, de decisiones arriesgadas y sagas que se han ido encadenado una detrás de otra sin dar un respiro al lector.
En el número 800 de la principal cabecera arácnida presenta, a lo largo de sus 80 páginas, el final de la última gran historia de Slott, Caer con estilo, en la que Peter Parker se enfrenta de manera definitiva (o todo lo definitivo que puede ser algo en los cómics) a su gran némesis, Norman Osborn.
La gran novedad de este enfrentamiento está en que Osborn, se ha fusionado con el simbionte de Matanza, el que antiguamente portaba CletusKasady. Recordemos que Norman había sido curado de la locura que sufría por la Fórmula Duende gracias a unos nanobots con los Peter le había inoculado. Pero en su afán por conseguir nuevas formas de volver a ser poderoso y acceder al genio que le daba la locura del Duende, Osborn no duda en unirse al peligroso simbionte, el cual expulsa de su cuerpo los nanobots dando como resultado un nuevo ser, un Duende Rojo que no tiene ninguna de las debilidades asociadas ni a los duendes ni a los simbiontes.
El Duende Rojo contra Spider-man
Como no podía ser de otra manera este enfrentamiento es brutal, sobre todo por qué su nuevo enemigo ha logrado descubrir la identidad secreta de Spider-man y en su locura no se conforma con acabar con Peter, quiere hacerle sufrir y para eso planea acabar con todos sus seres queridos. Y además en el camino recuperar su antiguo imperio empresarial. Una jugada redonda para Osborn.
Así las cosas a Peter no le ha quedado otra que recurrir a todos sus aliados, personajes que Slott ha ido desarrollando oco a poco en la colección como el antiguo supervillano Clash, otros clásicos como Veneno y algunos de más reciente creación como Seda o Miles Morales o Anti-Veneno (Flash Thompson).
Ser amigo de Spider-man te deja hecho polvo
Además de todos estos también hace acto de presencia en la saga J.J. Jameson (con un papel bastante importarte y decisivo), el gran amor de Spiderman, la inigualable Mary Jane y la eterna tíaMay.
Este número busca poner un broche final a las aventuras no solo de Peter Paker, sino de todos los personajes que Slott ha manejado en su etapa, queriendo cerrar todas las tramas abiertas para dejar el campo abierto a su sucesor al frente de la colección del Trepamuros.
Al final, como no podía ser de otra manera, el enfrentamiento final es entre los dos antagonistas principales. La gran batalla definitiva entre Parker y Osborn es brutal, con momentos espectaculares y sangrientos. Pero Spider-man demuestra que para vencer a su gran enemigo no le hace falta nada más que ser el mismo, el Peter Parker que todos queremos y amamos. Y Slott nos deja claro el sentido de heroísmo del personaje con una última acción que lleva a cabo una vez vencido Osborn que remarca la personalidad del protagonista de la historia.
El Duende Rojo en todo esplendor
A pesar de todo el guionista no puede evitar dejar un pequeño cabo suelto, que ya veremos si sus sucesores tienen a bien utilizar y como no… la muerte de un personaje importante, algo que parece ser norma en el mundo de comic para subrayar la importancia de una historia.
Este número especial tiene 80 páginas así que son varios los dibujantes que se encargan de la parte gráfica del comic. Y este equipo artístico es todo un all-star, con varios de los colaboradores que ha tenido Slott a lo largo de su dilatada etapa en la colección: Nick Bradshaw, Humberto Ramos, Giuseppe Camuncoli, Stuart Immonen, Cam Smith y Marcos Martín.
Todos son artistas de sobra conocidos, así que los lectores ya saben que esperar de su trabajo, al que le gusten le encantarán y al que no… pues no queda otra que aguantarse. Aunque me gustaría destacar el trabajo de Immonen, un ilustrador espectacular que además tiene la ocasión de lucirse al máximo ya que su parte de la historia es la batalla definitiva entre el Parker y Osborn.
Se acabó de hablar del rol de vieja escuela, ya hay sobradas pruebas de que ese género ignorando durante 15 años ha vuelto para dejar unas cuentas joyas y que lo de antes sentó precedentes pero que lo nuevo está genial. Pillars of Eternity II: Deadfire ha sabido beber de los clásicos, de su primera entrega y poner al día todo para hacer una obra maestra.
La sombra de Baldur’s Gate es alargada, ya lo comentaba mi compañero en el análisis de Kingdom Come Deliverance, y no es para menos teniendo en cuenta que casi todos los juegos del género rolero han sido comparados con ese título. En parte era por la campaña de márketing planeada: “somos el heredero espiritual de Baldur’s Gate” dijeron los de Never Winter Nights, Dragon Age y tantos más. Y no. Nada estaba a la altura y el género se fue dejando poco a poco. Claro que nos llegaron joyas como Mass Effect entre medias (y el genial Divinity: Original Sin), pero esa sensación perderte en un mundo de espada y brujería, de querer explorar viejas mazmorras y descubrir nuevas tierras, de preocuparte por las inquietudes de los personajes… eso pocos lo logran. Entonces llegó Pillars of Eternity 1 que era correcto, sin una historia especialmente buena, pero con las mismas mecánicas y el mismo estilo, y gustó muchísimo. Pero para la segunda parte han contado con casi 6 millones de dólares de crowdfounding, por lo que podían hacer algo realmente grande y lo han logrado.
¡Un mapa enorme que explorar!
Pillars of Eternity II nos lleva al archipiélago de la Llama Extinguida, donde tendremos que lidiar con una gran amenaza de nivel divino (la misión principal) y miles de misiones secundarias mientras vamos explorando y conociendo a nuestros compañeros. Ahora no tenemos una fortaleza que gestionar sino un barco y una tripulación, o sea un castillo ambulante. Pero no todo es quedarse en tu navío y recorrer islas, hay ciudades, mazmorras, bosques… todo tipo de ambientes entre los que nos gusta perdernos. De hecho, es todo más grande y mejor que en el uno. ¿Os acordáis de esos quince pisos inferiores debajo de nuestra fortaleza? Ahora tenemos una mega ciudad con partes distinguidas y por su puesto galerías y submundos… Y es que sí, tenemos pequeños pueblos pero la capital es la típica de libro de fantasía, como Athkatla en el Baldur’s Gate 2. Y además con mucho contexto de piratas, que siempre aumenta la sensación de aventuras (algo que, de nuevo, también hicieron en el BG2). Es decir tenemos un contexto perfecto para sumergirnos.
¿Pero tenemos los acompañantes adecuados para esta aventura? Contamos con tres personajes de la primera parte, los que más gustaron. Si los llevabas en tu grupo te gustará reencontrarte con ellos porque están realmente trabajados en esta segunda entrega, pero también hay nuevos compañeros. Sólo hay ocho opciones, previsiblemente más en las expansiones, pero tiene buenas historias y, además, se puede configurar qué clase van a ser. Es decir, si te gusta cierto personaje puedes moldear parcialmente qué será. Si originalmente es paladín te añadirán la posibilidad de que se incline por ser guerrero o multiclase mezclando las dos, así no tienes que descartar a nadie. Comparado con la quince compañeros que proponía el Baldur’s Gate parece poco pero recordemos que muchos de esos compañeros los elegías por la clase que eran, aunque también por alineamiento. En cualquier caso, si no te gusta nada de eso, te puedes montar tu grupo como en IceWind Dale y a correr. Lo que no ha gustado a este respecto, es que las opciones de exportar nuestra partida del Pillars of Eternity I son limitadas: sólo puedes exportar las decisiones y lo que hiciste con tus compañeros, nada de objetos. Puedes modificar tu nombre y personaje, que eso está bien, pero da penar perder el equipo.
Nuevas ciudades que conocer
Musicalmente la banda sonora cumple sin más, aunque el tema principal resultará muy emotivo con el tiempo, cuando lo escuchemos y recordemos nuestras aventuras. Por otra parte gráficamente es una gran mejora con respecto a lo anterior. Realmente se disfruta, tanto los personajes y equipos como los efectos y, sobre todo, los hechizos y las explosiones. Las luces están muy bien logradas y colaboran a meterte en ese contexto mágico.
En definitiva, estamos ante un clásico del género. Obviamente no ha sido nada rompedor sino que ha cumplido con las expectativas y ha mejorado lo anterior, pero es lo que los aficionados buscaban. Si tras Pillars of Eternity 2, Original Sin 2 y el que viene de Pathfinder no te crees que el rol de la vieja escuela no es tan viejo sino actual, no sé qué más tiene que ofrecerte el mercado de los videojuegos para convencerte.
Estoy un mes más con vosotros, ya en verano, con nuestras recomendaciones para julio. Espero que las lecturas que mis compañeros y yo recomendamos os hagan disfrutar y olvidar el calor de este mes. Cualquier cosa, ya sabéis, en comentarios. ¡Muchas Gracias y un abrazo!
1) 100% Marvel HC. Doctor Muerte: Origen. Panini. 27,95 euros. Interesante recopilación de material centrado en el villano más importante y carismático del Universo Marvel, el Doctor Muerte. Especialmente la serie limitada Books of Doom de Ed Brubaker y Pablo Raimondi. En ella se muestra una muy buena puesta al día de quién y que significa ser Muerte desde sus comienzos. Así que si te gusta este villano, pero te aterra sumergirte en toneladas de episodios de los 4 Fantásticos, este tomo te lo pone fácil.
2) Lupin III 1. Panini. 13,95 euros. Como ya hiciera con Capitán Harlock o Black Jack me veo en la obligación de recomendar los mangas que ha servido de inspiración a grandes éxitos del anime, de los que todos hemos disfrutado y lo que nos queda. Tal es el caso de Lupin III, el ladrón de guante blanco más famoso y simpático de la animación japonesa, cuyo manga fue creado por Kazuhiko Kato, con el alias de Monkey Punch, inspirándose en las novelas de Maurice Leblanc sobre el abuelo de nuestro protagonista, el primer Lupin. A los clásicos siempre hay que darles una oportunidad.
3) The Beatles: Yellow Submarine. Panini. 30,00 euros. Si te gustan los Beatles y disfrutaste como yo con esa maravilla de peli del mismo nombre, adaptada por Bill Morrison en este tebeo, sencillamente no puedes perdértelo. Todo lo relacionado con los Beatles es algo que uno debe probar, con independencia de preferencias musicales o cinematográficas.
3) MAZINGUER Z: La Enciclopedia, 15,00 euros, y MAZINGUER Z: La Enciclopedia vol.2, 16,95 euros. Dolmen Editorial. Dolmen vuelve a tener disponible uno de los análisis más minuciosos del Mecha más popular de la cultura japonesa. En dos volúmenes J.Aurelio Sanz te cuenta absolutamente todo lo que quieras saber relacionado con Mazinguer Z. ¿No los tienes todavía?
Alberto Lloria
1) Rumble. El color de la oscuridad. Astiberri. 16,00 euros. Con una estética que a muchos podrá recordar a Hellboy -sobre todo porque cuenta con James Harren, dibujante de AIDP- nos trasladan a un mundo donde la fantasía y el horror están a la orden del día. Mucho se habla ahora de lo poco que se avanza, de que ya no hay ideas nuevas, pero con cómics así parece que da igual innovar si puedes refinar la fórmula.
2) Death Follows. Medusa Comics. 14,95 euros. Es cierto que no le hago ascos a historias de terror/gore en viñetas. Es cierto que tienen su aquel y cuando hay autores y dibujantes que de verdad quieren trascender con sus historias, da igual las cantidades de aberraciones en sus páginas, que instantáneamente acaban en mi librería. Este Death Follows recuerda mucho a Harrow County pues cuenta con el guionista de esta serie, Cullen Bunn. Una aventura, si podemos llamarla así, donde un hombre será perseguido por la muerte y donde las dosis de terror y violencia están más que aseguradas.
3) Descender. Tomo 5. La rebelión de los robots. Astiberri. 15,00 euros. Quizá ha sido el efecto de Detroit Become Human, el vidoejuego de androides de PS4, por lo que llegué hace unas semanas al primer tomo de Descender. Esta historia guionizada por Jeff Lemire y dibujada por Dustin Nguyen –aparentemente dos desconocidos pero que han colaborado con Scott Snyder y en la serie de Black Hammer- no redescubre la muy usada historia del alzamiento de los robots contra el hombre. Quizá, como pasa con Rumble, lo bueno no es si trasciende sino si lo hace bien con lo que tiene. Amén del fantástico dibujo de Nguyen, algo muy alejado de lo que estamos acostumbrados.
4) Más allá del jardín. Norma Editorial. 16,5 euros. Aún le tengo que dar una segunda oportunidad a Más allá del jardín (Over the garden wall en inglés), pero sin duda su buen rollo y su trasfondo sin duda son merecedores de esta segunda oportunidad. Este primer tomo de la serie animada, guionizado por el creador de la misma, Pat McHale, nos ofrece más historias de los hermanos Wirt y Greg, las cuales no se incluyeron en la serie final. Sin duda, un tomo indispensable para el fan de esta ficción estadounidense.
Mario Losada
1) Los mundos de Thorgal. Loba 7: Nidhogg. Norma editorial. 15,00 euros. Último número de este spin-off de una de las mejores colecciones europeas de todos los tiempos. La serpiente Nidhogg puede ayudar a Loba en su empeño pero parece que no está dispuesta a nada y quiere entorpecer la guerra. Después de Loba aún tendremos los spin-off de Kriss de Valnor y la juventud de Thorgal.
2) La guerra del Infinito. Colección Jim Starlin 9. Panini. 19,95 euros. Después del Guantelete del Infinito, la Guerra del Infinito es la mejor saga espacial Marvel de los años 90. Con Jim Starlin a la cabeza nos encontramos a casi todo el universo de La casa de las Ideas contra Magus, la parte maligna de Warlock. Hay que hacer mención a Thanos, que se alió con los héroes para acabar con la maldición del infinito.
3) Maximum Gantz 1. Panini. 15,00 euros. Por fin, en edición de lujo tenemos el primero de 18 tomos que completarán la colección de Gantz. Panini edita la edición Maximun, tal y como hicieron con Berserk y Bleach. Una maravillosa historia de acción y ciencia ficción que no te puedes quitar de la cabeza. Hiroya Oku demuestra todo su talento en esta obra.
Sofía Ricarte
1) Las Aventuras del Capitán Torrezno. La Última Curda. Panini. Precio: 23,75 euros. El Capitán Torrezno es la serie más conocida de Santiago Valenzuela (Premio Nacional del Cómic 2011). Capitán Torrezno, de borracho de bar de barrio de manual a héroe del micromundo en guerra. Que no os engañe el título, que de humor patrio costumbrista esto tiene poco. Un parroquiano más que cayó en un pequeño mundo creado por un funcionario en sus ratos libres, en el sótano de su comunidad de vecinos. Torrezno es el héroe a su pesar más heroico de todos los tiempos. Más os vale conocerlo.
2) Maximum Bleach 1. Panini. 14,25 euros. Bleach es uno de los mangas y animes más conocidos del mundo. En Bleach, el adolescente Ichigo acaba por accidente metido de lleno en el mundo de los shinigamis, y se ve obligado a defender a los buenos y a machacar a los malos. Panini ha seguido con su línea de ediciones Maximum y nos presenta Bleach. Obligatorio para todos, es uno de los mejores mangas para iniciarse en el mundillo, o al menos lo fue para mí.
3) OGN. Thanos: Los Hermanos del Infinito. Panini. Precio: 12,30 euros. Jim Starlin y Alan Davis recuperan a Eros, el hermano del Titán Loco, y a Kang el conquistador, que se unen al Thanos para afrontar una gran amenaza. Estos tres personajes, tan distintos y enigmáticos, se van a enfrentar a algo que, por sorprendente que parezca, es superior a todos ellos.
Jose Carlos García
1) Marvel Gold. Doctor Extraño 2. Panini. 44,95 euros. Sí, sé que es un precio desorbitado para gastarse en un solo cómic, pero no es menos cierto que son casi 650 páginas de material del Doctor Extraño. Para bien o para mal, ya desde sus inicios este personaje marvelita se destacó de todos los demás, siendo la punta de lanza de los personajes de la editorial en el mundo de la magia y las artes místicas. Si a ello le sumamos que las historias del Doctor Extraño son muy visuales y no dejan indiferente a nadie, tenemos una buena oportunidad de hacernos con muchas historias.
2) Los Campbell 5. Las tres maldiciones. Dibbuks. 14 euros. Aunque más de uno se tire de los pelos porque recomiende una serie por el quinto volumen, el motivo es porque hacía mucho tiempo que algunos esperábamos la salida editorial del que será el colofón de esta saga de piratas. Fantásticamente ilustrados y escritos por José Luis Munuera, las historias de la familia Campbell son muy entretenidas y frescas, y altamente recomendables para todo lector de los cómics de aventuras, le gusten o no los piratas.
Lo que queda claro es que Netflix está apostando fuerte por la ciencia ficción. Tau es otro ejemplo más de una película light dentro del género y que se resuelve con destreza. No voy a decir, porque no puedo, que Tau es una obra maestra o incluso una buena película, pero tampoco puedo decir que sea mala. Creo que Tau se queda entre dos aguas en varios aspectos. El primero es claro: la calidad de la cinta que solo se queda en correcto, un aprobado. El segundo es que se queda a medio camino entre un principio de Saw y el desarrollo de Cube. Tau ni lo intenta. Tau es una cinta donde busca entretener sin meterse en segundas lecturas.
¿Qué es Tau?
Tau es una inteligencia artificial que guarda una casa sin saber nada del exterior, y que aprende sobre la marcha asemejándose al ser humano. Tau ni es malo ni es bueno, sólo obedece a su creador que para él es dios, y por tanto ni se cuestiona sus órdenes.
Alex es un ingeniero informático que deja en pañales a Steve Jobs. Se dedica a secuestrar a personas por las que nadie va a preguntar. Así no se expone demasiado y puede hacer con ellas experimentos para desarrollar la AI, Inteligencia Artificial de la que él es el máximo experto en el mundo. Pero una chica, Julia cambia el rumbo de los experimentos al escapar del laboratorio y llegar a la casa donde Tau rige todo el sistema. Al sádico ingeniero no le queda otra que aceptar a la chica como prisionera dentro de su propia casa al tener el labo destruido, y porque tiene que completar el estudio de su sinapsis.
La película trata de como la chica tiene que convencer a Tau que la libere antes que acabe el experimento del profesor chiflado. Una inquietante cuenta atrás y una lucha por la supervivencia donde veremos evolucionar a la protagonista, a Tau y en menor medida al ingeniero.
La cinta tiene un punto a su favor, que podría ser un hándicap en otro tipo de cinta, la duración. Tau dura escasamente 93 minutos o lo que es lo mismo, sin los títulos de crédito una hora y media. Como la película es interesante, pero como dije al principio no profundiza, no se hace corta porque dura lo que tiene que durar. Si el metraje se hubiera extendido un poco más es posible que hubiera aburrido bastante. Lo que si que puedo afirmar es que en ninguno momento baja el interés por la trama. Al menos Tau me tuvo enganchado en todo momento.
La estética de la película es también correcta. Todo se desarrolla en el interior de un inmueble, que se supone que es avanzado y futurista pero sigue sin arriesgar en nada de tecnología. Esta claro que no han querido pecar de quedarse desfasada antes de tiempo. Para mi esto es un ejemplo más de lo que la cinta quiere transmitir: entretenimiento para todos los públicos.
Lo peor es que es previsible. Desde el final hasta la evolución de los actores sobre todo de la Inteligencia Artificial. Pero aún siendo previsible en una película que no arriesga en nada, ni en Inteligencia Artificial, ni en un futuro próximo, ni en el sadismo del creador, la historia engancha, tiene algo que te lleva hasta el desenlace. Estamos ante una producción bien llevada, con buen montaje y buen diseño, con un guión correcto y unas actuaciones que cumplen, sin más. La película no se basa en explicar como se desarrolla una máquina, sino en su evolución por su interacción con Julia. Tau es una máquina pero consigue ser un ser humano mejor que Alex, su creador, un personaje sin sentimientos ni emociones. Sin duda una película muy digna que se ve bien en casa, en el televisor, pero que quizás si hubiese estado en el cine, pagando una entrada la estaría juzgando de otra manera, con más severidad.
Netflix está intentando de todas las maneras posibles hacer cine de calidad e incluso con temas algo arriesgados, pero a la hora de la verdad aún le falta profundizar, hacer guiones más adultos, más maduros en vez de para todos los públicos. Tau es un ejemplo de una buena idea, de un guión aceptable pero que se queda corto a la hora de ser algo más que una correcta película.
Este mes de junio, Panini Cómics publica el tomo 100% Marvel HC. Capa y Puñal: Sombras y luz. Dicho tomo está dedicado a uno de las parejas adolescentes más carismáticas de la Marvel de los ochenta, los misteriosos Capa y Puñal. En concreto recopila sus primeras apariciones en Peter Parker, The Spectacular Spider-Man, su serie limitada, Cloak And Dagger, y un relato sobre ellos publicado en la colección Marvel Fanfare, previo a su serie regular. Además de extras, con comentarios y dibujos de sus creadores.
Bill Mantlo, un guionista comprometido
Es difícil describir el estilo de Bill Mantlo. Puedo decirte lo que no era. No era un guionista superventas, de estos que con un puñado de trabajos ya saltan a la fama. No, Mantlo no era muy dado a las grandes revoluciones en el medio. Al menos no de forma inmediata. Por lo general era un guionista que, para apreciarlo, tenías que leerte las etapas de sus personajes. Era en el número a número cuando llegabas a apreciarlo y te dabas cuenta de que entendía bastante bien el medio en el que se movía.
Aparte de ajustarse a la forma de contar historias en viñetas, era un guionista comprometido. Siempre procuraba meter temas de calado social, adaptándolos a las peculiaridades del título en el que se movía. Obviamente no es lo mismo manejar a Rom o a los Micronautas que a Hulk o Spider-Man. Quiero decir que si se quiere hacer una crítica de lo que sea, a través de ellos, se ha de procurar que encaje en el contexto de cada uno. Esto puede parecer una obviedad pero ¿cuantos guionistas hay de una sola idea que la aplican tal cual vayan a la colección que vayan y traten al personaje que traten?Mantlo siempre sabía caracterizar muy bien a cada personaje que utilizaba y cada secundario o personaje invitado que salían en las colecciones que guionizaba.
En el caso de Spider-Man, su ubicación en New York lo hacía idóneo para que Mantlo hiciera crítica social. El que, además, fuera su personaje favorito, hacía más agradable la tarea. Así, a través de Spider-Man, toco temas espinosos como el uso de las armas o el consumo masivo de drogas. Dos lacras de la sociedad estadounidense que, por desgracia, siguen presentes en la misma. Pero en los ochenta, era particularmente preocupante el consumo de drogas por el abaratamiento de sustancias como la cocaína, que había favorecido su consumo por parte de todas las capas sociales.
Si ha esto último le sumamos otros dos temas de importancia capital, como la pobreza infantil y la fuga de adolescentes, ya tenemos el contexto en el que surgirán Capa y Puñal. Puñal, Tandy Bowen, era una chica rica de Cleveland, cansada de no conseguir la atención de su madre. Capa, Ty Jhonson, era un joven tartamudo de los guetos de Boston, que se vió envuelto, por accidente, en un jaleo con la policía. Ambos, sintiéndose ignorados y perseguidos en su entorno, deciden marcharse a New York. Allí caerán víctimas de las mafias de narcotráfico, que estaban experimentando una nueva droga con jóvenes fugados. Sólo Tandy y Ty sobrevivieron. El precio fue la adquisición de poderes, que los macarían de por vida. Ella la luz, él la oscuridad y ambos dependientes el uno del otro, lo que se ha interpretado como una metáfora de la dependencia a las drogas. Aunque yo prefiero verlo como una alusión a la condición del ser humano, tensión constante entre luz y oscuridad, entre lo mejor y lo peor, sin poder desprenderse de ninguna de las dos.
Se ha especulado que la razón de sus habilidades se debe a su condición de mutantes, pero eso nunca se ha terminado de aclarar. El que se les quiera considerar mutantes parece responder más a cuestiones de marketing que a las verdaderas intenciones de Mantlo.
El caso es que, después de su traumática experiencia, Capa y Puñal deciden emprender una cruzada contra todo lo relacionado con el mundo que los ha convertido en lo que son. Actúan como juez, jurado y verdugo tanto de los traficantes como de sus víctimas, sin distinción. Puñal los purifica con sus dagas plateadas y Capa les hace sentir el horror de la eterna oscuridad. Spider-Man, que sabe lo que es sentirse marginado en la adolescencia, comprende la situación de ambos y trata de llevarlos al buen camino. Al final, conseguirá que, al menos, no dañen en su venganza a los que, como ellos, son sólo víctimas de las drogas.
Ed Hannigan y Rick Leonardi, los dibujantes de Capa y Puñal
La rápida popularidad que fueron ganando Capa y Puñal hizo que un año después de su creación, en Peter Parker, The Spectacular Spider-Man #64 (82), se les diera una serie limitada. Mantlo siguió en los guiones pero el responsable de la plasmación en viñetas del duo, Ed Hannigan, no pudo participar en el proyecto. Al final sería Rick Leonardi el dibujante oficial de la misma. Da la casualidad que Leonardi ya había trabajo con Mantlo en una serie limitada de otra pareja del Universo Marvel con características opuestas pero complementarias, la Bruja Escarlata y la Visión.
Si Hannigan supo captar toda la sordida atmósfera que rodeaba a Capa y Puñal, así como plasmar la esencia de estos personajes, ideados por Mantlo, Leonardi le añadió unas innovadoras composiciones de página, que lograron un producto redondo. Producto que termino de perfilar a nuestros protagonistas, dándoles un espacio propio en el Universo Marvel. Lo que le valió, tanto a Mantlo como a Leonardi, el participar en otras publicaciones relacionadas con los personajes. Incluso llegaron a ser responsables de una serie abierta para Capa y Puñal.
Cierre
Un tomo muy completo, con material de calidad, dado el buen momento creativo en el que se encontraban los artistas implicados, que hará las delicias tanto de los seguidores de los cómics de los ochenta como de los que hayan conocido a Capa y Puñal a través de su actual serie de televisión, de la que el compañero Vinicio está llevando a cabo una serie de análisis. Sin olvidarnos de quien, simplemente, busca pasar un buen rato con una serie de cómics que siguen aguantando el paso del tiempo.
¿Aún no sabes que Batman se casa? Sí, es oficial. Bruce Wayne el soltero de oro de los cómics DC se casará con Selina Kyle más conocida como Catwoman.
La boda acontecerá en el número 50 americano de Batman que saldrá a la venta el 4 de julio de 2018, el día de la Independencia de Estados Unidos. En España este enlace tendrá lugar en el número 26 de la colección editada por ECC pero tendremos que esperar hasta diciembre. ¿Cómo cambiará la vida del mayor héroe de Gotham y quizás el más popular entre los millones de fans? ¿Le hará Catwoman feliz a Bruce Wayne? ¿Y Batman a Selina?
Todo empezó en la famosa saga Batman/Flash La chapa, donde Thomas Wayne (el padre de Bruce) le dice que sea feliz, que comparta su vida con una mujer. Realmente la conversión de un Batman solitario a otro más sociable ha tenido sentido a lo largo de este último año, y quizás la elección de Selina como su futura mujer ha sido la mejor decisión del escritor Tom King. Si no conoces a este autor ya es hora de que lo hagas puesto que estamos hablando de quizás el guionista más valorado de los últimos años. Y no nos olvidemos del dibujante español Mikel Janín, un autor de larga trayectoria en DC Comics.
A continuación os dejo el dossier de prensa de ECC Ediciones, que realmente merece la pena. Es un pdf de 12 página donde además de indicar los cómics importantes para leer de Batman en esta boda sin parangón nos hacen un breve resumen de los autores que van a cambiar para siempre la vida de Bruce Wayne.
Esta boda marcará un antes y un después en la vida del mayor héroe de los cómics: Batman. Veremos en unos años si esta boda ha sido una buena decisión editorial o por el contrario repercutirá negativamente en la calidad de las historias del mejor detective del mundo.
Te proponemos la mejor opción para conseguir los mejores diseños de flyers que inspiran. Muchas veces es complicado obtener el resultado que tenemos visualizado en la cabeza o estar a la altura de lo que nuestro proyecto exige, y por eso hemos optado por dar cobertura a esta propuesta que pone a vuestra disposición muchas posibilidades que os explicamos a continuación.
Imagina que tienes tu empresa, tu proyecto naciendo, y necesitas darle publicidad. No es una tarea sencilla y para ello muchas veces requerimos la ayuda de profesionales que nos orienten y nos cuenten las tendencias, nos den nuevos puntos de vista y nos orienten con sus conocimientos. Estamos hablando de diseño, de ese arte cada vez más necesario en absolutamente todos los campos profesionales. ¿Os acordáis de toda la expectación que se monta cuando sale a la luz el diseño del cartel de una película muy esperada? En internet corren ríos de tinta abalando o criticando el trabajo final, porque todos queremos ver una buena idea plasmada.
Disenos de flyers que inspiran 1
Diseñador freelance de flyers en Madrid
Para conseguir el mejor resultado es necesario contar con un diseñador gráfico Freelance y en este artículo os dejamos nuestra propuesta. Más que nada por la cantidad de ofertas que y posibilidades que nos ofrece. Encuadrar una imagen en Photoshop lo podemos hacer todo, hacer el concepto, dibujarlo, plasmarlo… eso es otra historia. Y luego saber que contamos con muchas opciones y formatos que se pueden adaptar mejor a nuestras necesidades.
Diseños de flyers que inspiran 2
Tenemos a nuestra disposición los típicos flyers grandes, extensos y que sirven para promocionar cualquier evento o empresa, pero también podemos recurrir a los clásicos Din rectangulares, más pequeños, asequibles y manejables. Por supuesto también contamos con la posibilidad de hacerlos cuadrados o desplegables en forma de dípticos o trípticos. Es cien por cien seguro que vas a encontrar lo que estás buscando. A todo esto, obviamente, hay que sumar unos precios competitivos, muy baratos, y medidas adaptables a las propuestas del cliente. Te recomendamos que visites la web que os hemos linkeado para que veas que genialidad y buenas ofertas pueden ir de la mano.
También tenemos que hablar de los plazos en los que nos movemos, ya que muchas veces tenemos el deseo de tener cuanto antes nuestra herramienta para comenzara a dar los primeros pasos del proyecto que estemos planeando. Pero eso no es un problema. La media de tiempo en la que nos movemos en esta ocasión es entre tres y cuatro días, aunque cambia según las características y posibilidades, pero desde luego estamos hablando de una gran eficiencia. Además hay otro factor a tener en cuenta: la experiencia. 1500 diseños que han sido plasmados en 15.000.000 impresiones. Así que en todo momento tratamos con alguien que sabe a la perfección como funciona este mundillo. Son una gran cantidad de empresas las que han contado con esta opción, especialmente de Madrid centro, donde se han promocionado una gran cantidad de negocios físicos.
Diseños de flyers que inspiran 3
Por último deciros que otro factor importante a tener en cuenta es la profesionalidad. De nada nos sirve tener al mejor diseñador si luego el trato no es bueno, pero podemos asegurar que en este caso está a la altura de lo que se ofrece. Por lo tanto tenemos el pack completo para obtener un bueno diseño para un flyer, un concepto plasmado que representa exactamente lo que nosotros queremos.
¿Qué tiene la Segunda Guerra Mundial que nos gusta tanto? Batallas aún más cruentas y salvajes que las de la Gran Guerra (aquí el top 10 de películas de la Primera Guerra Mundial), nazis que son como los villanos perfectos pero que existieron de verdad, el destino del mundo y de cómo se configuraría el futuro… en definitiva: cuando lo imposible ocurre y el ser humano llega a mostrarnos su lado más extremo en cuanto a maldad y, en contraposición, su lado más heroico en cuanto a bondad y valentía. Y eso es lo que trata de enseñarnos en el cine, así que aquí tenéis las mejores películas de la Segunda Guerra Mundial.
Para los interesados en el formato vídeo os hemos hecho un resumen de las 10 mejores películas de la Segunda Guerra Mundial.
Como hay tantas películas y poner un orden es muy difícil vamos a organizarnos en cuanto a cronología, es decir de las más antiguas a las más modernas. Y como siempre decimos, como es un ranking no va a llover a gusto de todos por lo que lo que esperamos vuestros comentarios con vuestras opiniones.
No sólo es un clásico del cine sino que fue rodada y estrenada durante la Segunda Guerra Mundial. Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Paul Henreid… un reparto a la altura de un guion inolvidable en el que se juntan en la ciudad marroquí de Casablanca decenas de personas que huyen de los nazis. La Gestapo y las autoridades colaboracionistas francesas buscan a Lazslo, un líder de la resistencia checa que deposita sus esperanzas en Rick, el dueño de Rick’s Café y antiguo amante de su mujer (tuvieron un affaire en París). Memorable Sam tocando el piano y la frase “tócala, Sam” (nunca se dice “tócala otra vez, Sam»), inmortal los parroquianos cantando la Marsellesa y, sobre todo, el “siempre nos quedará París”.
Alec Guinnes ya era una estrella antes de ser Obi Wan, y es que en 1957 participó en una producción que sigue gozando de gran reconocimiento a día de hoy. Un grupo de prisioneros británicos son obligados a construir un puente bajo las órdenes de los japoneses. Sus condiciones infrahumanas no les quitarán el valor de oponerse a toda orden que viole la Convención de Ginebra. Gran película aunque lo más recordado puede ser la melodía del silbido que entonan los soldados al ir a trabajar. (Y, como curiosidad, deciros que esta película inspiró una pantalla del mítico videojuego Commandos 2)
Gregory Peck interpreta al líder de un comando que debe inutilizar las defensas de Navarone, una isla Griega clave para que las tropas aliadas puedan avanzar por el mediterráneo. Infiltración, contactos con la resistencia local, misiones de sigilo y un gran peligro. Esta película resultó impresionante por sus efectos especiales pero también por la tensión y sacrificio que implica una misión de este calibre.
¿Quién no recuerda a Steve McQueen saltando alambradas en su Triump Boneville? Esta película es un clásico indiscutible de la Segunda Guerra Mundial y cuenta cómo hasta setenta y seis presos británicos y estadounidenses se organizaron para fugarse de un campo de prisioneros nazi cavando tres túneles. Llevar a cabo semejante plan descabellado, como suele ser en estos casos, gana en intensidad al saber que detrás hay una historia real.
Un comandante excelente en lo militar pero nefasto en la disciplina es propuesto para una misión clave: asaltar una fortaleza nazi. Para ello deberá entrenar a un grupo de presidiarios que se ganarán el perdón si cumplen los objetivos. Parece un guion típico pero esta película es capaz de unir humor, acción y tensión magistralmente, siendo la máxima inspiración de Tarantino para su Malditos Bastardos. Grandes actores de la época estaban involucrados en este film (Lee Marvin, Charles Bronson, John Cassavetes, Ernest Borgnine, George Kennedy…) que resulta magníficamente entretenido. Se podría decir que The Monument Mens, del 2014, con un montón de caras famosas, era la idea actualizada de esto pero con el objetivo de intentar salvar obras de arte, no obstante se queda a medio camino.
El ataque a Pearl Harbor contando desde una producción japonesa y estadounidense (de hecho, el rodaje lo empezó Akira Kurosawa, pero lo continuó Fleitscher). Unos efectos especiales deslumbrantes para la época y, sobre todo, la idea de que la película no iba a vender la idea de la “gloria estadounidense” sin más. Profunda, bélica e histórica en su máxima medida. Este “tigre, tigre, tigre” es un ejemplo de cine bien hecho.
Sean Connery pegando tiros en el contexto de la operación Market Garden de Normandía. ¿Hace falta más? Si te parece poco esta película tiene una gran cantidad de los actores más famosos del momento: Edward Fox, James Caan, Dirk Bogarde, Michael Caine, Robert Redford, Anthony Hopkins… casi nada. La trama gira en torno a la necesidad de controlar los puentes de la región francesa para que las tropas aliadas pudiesen avanzar. Fue uno de los éxitos de esa década.
¿El futbolista Pelé junto con Michael Caine y Sylvester Stallone en una buena película ambientada en la Segunda Guerra Mundial? Sí, eso ha pasado y el resultado es maravilloso. La trama, divertida, emocionante y con momentos de tensión, trata de un comandante de un campo de prisioneros que organiza un partido de fútbol entre la selección alemana y una selección de soldados enemigos a los que ha visto jugar en los patios de su prisión. Esta idea puede parecer peregrina pero no era extraño montar partidos entre soldados y reos, algo así como solteros contra casados. Recordemos el famoso Partido de la Muerte, en el que los ucranianos del equipo FC Start ganaron a soldados de la Wehrmarcht y fueron fusilados por ello. En cualquier caso es la película resulta muy entretenida y se sale de los tópicos bélicos y a veces encasillados de la Segunda Guerra Mundial.
Steven Spielberg y Segunda Guerra Mundial es un combo ganador, y con esta película comenzó esta relación perfecta. Christian Bale interpreta a un niño inglés de clase alta cuya vida se ve truncada tras la ocupación japonesa de Shanghai. Es separado de sus padres y confinado en un campo de concentración, lo que le obligará a madurar y a asumir los horrores del mundo. El papel del joven Bale fue tan bien interpretado que, años más tarde, cuando Zhang Yimou llamó a Spielberg en el 2010 para pedirle consejo sobre qué actor debería interpretar Las Flores de la Guerra, éste le recomendó al galés pese a no haber vuelto a trabajar con él en veinticinco años.
La animación puede ser tan didáctica, dramática e intensa como las películas con actores de carne y hueso. Esto es lo que demuestra esta belleza de la factoría japonesa Ghibli. Es una de las mejores películas de este ranking y una imprescindible para entender la vida de los japoneses durante los bombardeos. Los protagonistas, Seita y Setsuko son hijos de un oficial que durante un bombardeo, no consiguen llegar a tiempo al búnker donde su madre los espera. El paisaje desolador, el amor familiar y las reflexiones de los adultos y los niños son el motor de esta belleza bélica. Muy emocionante.
Va un director alemán, Joseph Vilsmaier, y dice que va a hacer una película sobre la Segunda Guerra Mundial. Y encima sobre la batalla de Stalingrado, la más sangrienta y dura de todo el conflicto. La curiosidad por ver cómo uno del país que llevó al desastre al mundo puede abordar este tema es máxima… y va y hace un clásico en el que no importa el bando sino entender los horrores de la guerra. Un grupo de soldados del Tercer Reich vuelven de permiso y conviven con la muerte y el brutal invierno durante la ofensiva a la ciudad rusa. Cruda, pero necesaria. Como curiosidad, en el 2013 hubo una versión rusa de este conflicto cuyo objetivo era el mismo: mostrar la brutalidad de la guerra pero desde el punto de vista del bando comunista.
De nuevo Spielberg se luce con una gran película tan intensa como dura y con Liam Nelson de protagonista. Sólo este director puede estar haciendo a la vez Jurassic Park y La Lista de Schindler, y que las dos sean una maravilla dentro de su género. La trama gira en torno al empresario alemán que, pese a tener una vida personal desastrosa, se gana la simpatía de los nazis para que le den permisos para gestionar una fábrica en la Polonia ocupada y así rescatar judíos del holocausto. Aunque los Oscars no es indicativo de calidad esta película tiene siete y se los merece todos.
¿Se puede hacer un humor en un drama sobre el holocausto? Roberto Beningni demostró que sí en esta dura y enternecedora película. La trama gira en torno a un padre de familia un tanto extravagante logra enamorar a una mujer y, pese a que son llevados a un campo de exterminio, hace lo imposible para convencer a su hijo de que todo es juego y no la macabra realidad. Trágica y emotiva, logró ser el mayor éxito del cine italiano hasta la fecha (si no tenemos en cuenta la época dorada de Fellini).
Sean Penn interpreta a un soldado que tiene que luchar en la Isla del Guadalcanal, en la batalla del Pacífico contra los japoneses. Terrence Malick, el director, nos ofreció un cine bélico profundo y lleno de reflexiones. Con batallas sí, acción y tiros como cabe esperar, pero con pausas que dan lugar al desarrollo filosófico de los implicados en la guerra. Para algunos pretenciosa, demasiado larga y lejos del cine de la Segunda Guerra Mundial que se espera, para otros necesaria y clásico antibelicista. Si queremos eliminar las reflexiones y recrearnos en los enfrentamientos en el pacífico podemos recurrir a Windtalkers, del 2002, donde los diálogos podrían eliminarse y simplemente dejar las escenas de tiros dirigidas por John Woo.
Para muchos la mejor película sobre la Segunda Guerra Mundial. Spielberg logró un éxito al relatar la misión de un grupo de soldados que deben rescatar a un soldado que ha perdido a cinco hermanos. Nada más comenzar el espectador se queda pasmado al verse inmerso en el desembarco de Normandía, la batalla más brutal y sangrienta rodada en el cine comercial hasta el momento. Esos veinte minutos hicieron olvidar a la genial aunque demasiado densa El día más largo a la hora de contar lo sucedido en las costas francesas en el año cuarenta y cuatro. Quizás el hecho de haber tenido tanto éxito y cinco Oscars hizo que muchos renegasen de ella pero ha sido una de las grandes influencias culturales con respecto a este periodo histórico. Incluso videojuegos como el Medal Of Honor o el Day Of Defeat, con millones de jugadores en todo el mundo, intentaron recrear esa escena. De hecho, el Call Of Duty lo va a volver a intentar. Históricamente, además, el desembarco representa el comienzo del fin del nazismo.
En la batalla de Stalingrado un francotirador ruso destaca convirtiéndose en la pesadilla del ejército alemán, que tiene que enviar a otro experimentado tirador para acabar con él. Mientras su duelo transcurre, la ciudad se desangra y él es elevado a la categoría de héroe gracias a un amigo encargado de la propaganda soviética. Un reparto de lujo (Jude Law, Joseph Fiennes, Rachel Weisz, Ed Harris…) en una producción europea que resulta intensa en las tomas bélicas y también en las pausas debido a los dramas personales. Además, también está basado en una historia real ya que el francotirador más mortífero de la Segunda Guerra Mundial luchó en la batalla de Stalingrado, siendo el propio Hitler el que mandase a alguien para acabar con él.
Puede resultar un pastiche amoroso para muchos, pero el principio es brutal y representa con espectacularidad el ataque japonés a Estados Unidos desencadenando así su participación en la guerra (es de Michael Bay, ¿qué podemos esperar?). Además, desde La Batalla de Inglaterra de 1969 o la mediocre Red Tails del 2012 no hay películas que aborden la temática de los aviadores en la Segunda Guerra Mundial, y Pearl Harbor puede ser un buen acercamiento. Como curiosidad, dicen, y ojalá que sea verdad el rumor, que los encargados de Hermanos de Sangre y The Pacific tienen pensado una serie sobre la RAF. En cualquier caso la historia trata de cómo dos amigos, en un triángulo amoroso con una enfermera, participan en luchas aéreas y bombardeos en islas niponas.
Roman Polanski y Adrien Brody en un intenso drama que cuenta la historia de un excelente pianista polaco que se ven inmerso en un periplo de persecuciones a los judíos y reclusiones en campos de trabajo y el gueto de Varsovia. Muy dura y muy intensa, con una potente trama de amor y un dato que nos hará valorar más esta película: el director no tuvo que inspirarse para recrear el Gueto de Varsovia, sólo tuvo que recordar. Polanski fue prisionero ahí de pequeño. Además, siendo consciente de que La lista de Schindler tiene la última palabra cinematográfica en este tema, narra la odisea del protagonista con una belleza para recrear la desolación.
Las últimas horas de Hitler tratadas acertadamente y dejando ver de qué se componía el Tercer Reich: un líder, que era un inteligente megalómano con ideas despiadadas y que se volvió loco; ciegos seguidores embelesados por sus ideas; sumisos que se escudaban en el deber patriótico; y algún rebelde que no quería permanecer ajeno a toda es locura. Todo ello expresado desde un Führer que ve cómo la guerra avanza irremediablemente hacia el corazón del imperio que ha levantado. No vemos a las tropas rusas pero fracaso tras fracaso estratégico las sentimos llegar. Su desesperación está interpretada magistralmente hasta el punto de haber servido para numerosas parodias y memes de toda índole en internet. No obstante, la productora, Constantin Film, pidió a youtube que retirase todos esos vídeos en los que Hitler se cabreaba por los motivos más absurdos, dejándonos sin el lado cómico de este excepcional film.
20. Cartas desde Iwo Jima (2006) y Banderas de Nuestros Padres (2006)
No se puede entender una película sin la otra, son una pareja dirigida por Clint Eastwood al mismo tiempo, y que cuentan la batalla de Iwo Jima en la que murieron 20.000 japoneses y 7.000 estadounidenses. ¿Y qué había en este islote? El honor, el famoso y elevado honor nipón. Era el primer territorio legítimamente del Emperador y que no había sido conquistado a otra nación: si se perdía era el comienzo de la derrota. La primera está rodada íntegramente en japonés y cuenta el punto de vista de este país, humanizando a los derrotados. Por su parte la segunda es el punto de vista estadounidense y cuenta también con un desembarco que ha sido comparado con un intento de imitar a Salvar al Soldado Ryan.
Nazis intentando matar a Hitler. Eso ya de por sí es interesante y más cuando descubrimos que la película es un relato exacto de los acontecimientos que llevaron a varios generales a planear un golpe de estado no sin antes matar a su líder. Dirigidos por el héroe nacional Stauffenberg (interpretado por Tom Cruise, que tiene un parecido más que razonable) los conjurados buscan finalizar la guerra de golpe eliminando la cabeza de la serpiente con una bomba y un ingenioso plan que, por cosas del azar, no pudo llevarse a cabo. La magia de esta película está en que, aun sabiendo que no consiguen su objetivo, logran crear tensión hasta el punto de desear que lo consigan.
Para muchos la mejor película de Tarantino. Para Tarantino la película con su mejor personaje: el general Hans Landa, interpretado por un magistral Christopher Waltz, que fue premiado con un Oscar por este papel. Si te gusta el director y te gusta el contexto histórico vas a amar esta película: largas conversaciones con profundas reflexiones y diálogos muy dementes, sangre, una francesa dispuesta a vengarse contra los nazis, un comando de sanguinarios aliados dirigidos por Brad Pitt y un plan para hacer caer a todos los máximos dirigentes del Reich. Ingeniosa, entretenida y muy vistosa.
Las batallas de tanques en la Segunda Guerra Mundial no se habían cubierto tan bien desde La Batalla de las Ardenas en 1965. La diferencia está en que ahora el cine bélico quiere enseñarte a qué se tiene que enfrentar un soldado y deja de mostrar la guerra como un simple enfrentamiento sino como una carnicería brutal, injusta y despiadada. Brad Pitt dirige una brigada a la que tiene que templar para la enfrentarse al horror, mostrándonos el agobio de permanecer en una caja de metal camino a Berlín mientras recibes tiros. Es una trama cruda y por eso antibelicista.
Alang Turing obtuvo su reconocimiento de héroe nacional muchos años después de que descifrase Enigma, la máquina de encriptación nazi que nadie podía entender. Salvó millones de vidas pero era homosexual, lo que le condenó para la sociedad del momento. La película, con un acertado Benedict Cumberbatch como protagonista, muestra el proceso de descubrir el misterio y lo más difícil: actuar como si no lo hubiesen descubierto, incluso cuando eso supone un coste en vidas humanas.
Esta película quedó definida en esta misma web como “lo más sangriento y gore que se ha proyectado en salas de cine comercial”. Y nos mantenemos. La trama cuenta como Desmond Doss, que se niega a empuñar armas y matar debido a sus firmes creencias religiosas, se alista en el ejército únicamente para salvar vidas. En infernal campo de batalla de Okinawa recorre el frente rescatando decenas de hombres, sean del bando que sean, y llevándolos a zona segura, donde se podrán recuperar. La brutalidad de la batalla, el sin descanso de las ofensivas, nos hace valorar aún más su hazaña que, increíblemente, está basada en hechos reales. Cada escena hace estallar las retinas del espectador dejándonos ver el lado más salvaje del ser humano al mismo tiempo que se defienden las ideas pacifistas del protagonista.
MENCIONES DE HONOR PORQUE HAN SALIDO DESPUÉS DE CUANDO SE ESCRIBIÓ EL ARTÍCULO
26. Dunkerque (2017)
Nolan repitió con una obra maestra del cine. (Aquí la crítica) Le gustan los montajes raros sí, pero eso da fuerza a una historia en la que se cuenta cómo los aliados tuvieron que rescatar a 300.000 soldados aislados en la ciudad francesa de Dunkerque. Ni se ven soldados alemanes pero se nota la presión. Impresionante. Y si quieres entender la gestión política del momento El instante más oscuro con un Gary Oldman impresionante interpretando a Churchill.
Bienvenidos, auténticos fieles, una temporada más a esta nuestra serie. Ha pasado casi un año desde que nos viéramos por última vez (un año corto, tampoco exageremos), y yo se que más de uno tiene ya la mandíbula destrozada de la tensión por la espera. Nos os hago esperar más, vamos con el análisis del primer capítulo de Predicador, temporada 3. Para saber de que va la serie, o conocerla un poco, aquí tenéis las anteriores temporadas.
Los L’Angelle
Que el papi de Jesse no era un tío del todo cuerdo ya lo sabíamos todos. A finales de la temporada pasada empezamos a tener sospechas también sobre su abuela. Pero cuando, en este inicio de capítulo, vemos a la vieja bruja (en el aspecto mas laboral de la expresión) esclavizar a su hija, y abrirla sin anestesia para conocer sus secretos… Diría que Jesse no ha tenido una familia excesivamente funcional.
Todo un angelito de ser humano
La vida del joven Jesse Custer va a ser un eje central, de nuevo, esta temporada.
El «problema» de Tulip
La temporada pasada dejamos a Tulip en un estado de salud poco amable, por decirlo de alguna manera. Así que a pesar de lo problemático de su familia, Jesse decide recurrir a su abuela para que le ayude con ese pequeño problema. Tras un sano intercambio de palabras entre Jesse y Cassidy, que nos hace sospechar que la relación entre ambos de está deteriorando, vemos a la anciana en cuestión. El trato parece simple, unas gotas de sangre por la vida de Tulip. ¡Ah! Y un montón de sus cosas favoritas para «traer su espíritu al mundo de los vivos»
Conversaciones cómodas
Mientras Cassidy le compra a Tulip sus cosas favoritas, Jesse charla un rato con el tío que mató a su padre. La reunión de Jesse se alarga un poco, entre matar a los miembros de un clan vooodo rival y pegarse con el tío que mató a su padre, por lo que Cass tiene tiempo de charlar un poco con la matriarca. Nada incómodo: un poco de comer chilis picantes, un poco de hablar de desamor, y un poco de insinuar que podría tener a Tulip si se lo pide.
Jesse lleva a su abuela todas las cosas necesarias para el conjuro, y se sienta al lado de Tulip, a esperar por su amor.
Esta es tu vida
El infierno es un lugar terrible, Eugene lo sabe de primera mano. Pero el purgatorio tampoco es un sitio en el que quisiéramos estar ninguno. Tulip O`Hare se ve obligada a revivir su vida. Y, chicos, os aseguro que la familia de Jesse es una familia feliz y conservadora comparada con los O’Hare. Pobre Tulip, creyó que podría ser una niña feliz con un bote de caramelos. Así que Tulip espera a la muerte en la misma habitación donde esperó a los servicios sociales cuando apenas tendría 10 años.
Tulip se encuentra con algo que no recuerda. Un tazón de cereales y una pila en ellos. No acaba de entender que está pasando. Pero Tulip jamás ha sido una chica tonta, y siempre encuentra la manera de volver a casa. Aunque puede que se encuentre a alguien por el camino. A Dios, por ejemplo. Y puede que tenga una pequeña misión para ella.
La vuelta a la vida
Con Tulip de vuelta al mundo de los vivos, Jesse tiene una última conversación nocturna con su yaya. Tienen un trato. Y, como ya sospechábamos, no es tan sencillo como parecía en un principio. Además, Madam L’Angelle no parece una de esas personas a las que puedas jugársela.
La opinión de Sofía
Como inicio de temporada, ha sido flojo de narices. Espero que esto remonte. Nos falta un malo a la altura, porque por mucho que sospechemos que Madam L’Angelle va a ser un peso pesado de la temporada, Herr Starr aún debería estar por ahí, con un trozo del alma de Jesse. También tenemos a Hitler de nuevo en la vida, y a Eugene fugitivo del infierno…
Han vuelto..
Era evidente que teníamos que resucitar a Tulip, pero ¿Necesitabamos un capítulo completo? Aún así, Predicador se ha caracterizado por sus crescendo y su aumento progresivo de calidad durante sus temporadas. Así que tengo mucha fe en esta temporada, donde vamos a ver mucha tensión entre Jesse y Csssidy, y un nuevo aspecto de Tulip, que va a tener que creer.
Lo veremos, en el próximo capítulo. Hasta entonces… sed felices.
