Recordemos que hablamos de opinión personal, por lo que es posible que alguna saga me deje fuera del Top que para tí sea imprescindible o al revés, meta una saga que a ti no te diga nada. Si en el primer artículo hablaba de los mejores libros, de las mejores novelas, aquí hablaré en conjunto de las mejores sagas, por lo que este ranking será distinto al primero. En muchas ocasiones hay libros maravillosos con continuaciones bochornosas y en otras tenemos novelas dignas dentro de sagas para enmarcar.
Os recordamos que este artículo tiene formato vídeo así que si queréis ver las mejores sagas de ciencia ficción en youtube: ¡Dadle al play!
Si os ha gustado recordad que podéis suscribiros al canal. Ahora sí, como hice la primera vez vamos a dar el orden de menor a mayor. Espero que dejéis comentarios diciendo vuestra opinión.
La sombra del torturador La garra del conciliador La espada del lictor La ciudadela del autarca La Urth del sol nuevo
En un futuro muy lejano y distópico en el que las reglas que imperan recuerdan más al pasado que a un futuro prometedor las cosas cambian cuando un persona que ejerce el papel de torturador conoce a una enigmática mujer y empieza a darse cuenta que las cosas son diferentes cuando las ve desde otra perspectiva. Una gran saga en la que ningún libro destaca sobre los demás.
Una princesa de Marte Los dioses de Marte El señor de la guerra de Marte Thuvia, la doncella de Marte El ajedrez vivo de Marte El cerebro supremo de Marte El guerrero de Marte Espadas de Marte Los hombres sintéticos de Marte Llana de Gathol John Carter de Marte
Hablamos de space opera de principios del siglo XX. Estas novelas solo las recomiendo si realmente estás dispuesto a leer ciencia ficción clásica y sin un sentido riguroso de la ciencia. Novelas muy ligeras y muy absorbentes. La última novela se publico en los años 40.
El Pistolero La llegada de los tres Las Tierras Baldías Mago y Cristal Lobos del Calla Canción de Susannah La Torre Oscura
A caballo entre la fantasía, la Ciencia Ficción y la locura de salir en las propias novelas después de sufrir un atropello casi mortal, Stephen King se escapa de su género preferido para adentrarse en en las aventuras del pistolero y sus acompañantes en una saga delirante y muy entretenida.
PD. Existe una octava novela titulada El viento por la cerradura que se sitúa entre la cuarta y quinta novela pero no es imprescindible leer para entender la saga.
Yo, robot (todos los relatos) Bóvedas de acero El sol desnudo Los robots del amanecer Robots e Imperio
El ciclo de Fundación tiene tres partes: El ciclo de los Robots, el del Imperio galáctico y el de Fundación o ciclo de Trantor. La primera parte trata sobre los Robots hasta la novela en el que el ser humano tiene que abandonar la Tierra. Una saga fundamental para cualquier enamorado de la sci-fi. Todos los relatos cortos los podéis leer en el libro Yo, Robot.
6. La saga de la guía del autoestopista galáctico (Douglas Adams)
Guía del autoestopista galáctico El restaurante del fin del mundo La vida, el universo y todo lo demás Hasta luego, y gracias por el pescado Informe sobre la Tierra: fundamentalmente inofensiva
Una saga muy divertida en la que la calidad es muy alta. Quizás ningún libro es maravilloso, pero en conjunto es de notable además de ser una locura galáctica es un entretenimiento de tomo y lomo. Muy superior la novela a la película.
PD. La novela Y una cosa más… se publicó después de la muerte del autor y no es necesario leerla, además baja el nivel de esta epopeya galáctica. Con las cinco primeras novelas aquí reseñadas debería valer para pasar un rato alucinante.
El juego de Ender La voz de los muertos Ender el xenocida Hijos de la mente
El mi top personal El juego de Ender está en el Top 1. La voz de los muertos en el Top 20. Pero lamentablemente las dos últimas partes hacen bajar el listón varios puestos. Una lástima porque la saga es buena pero no brillante y algo irregular. Las dos primeras partes son maravillosas.
PD. Tiene una novela posterior que se sitúa entre la primera y la segunda parte llamada Ender en el exilio pero que no debería estar en el top puesto que es irrelevante para la historia como La saga de las sombras protagonizada por Bean y que transcurre paralela a la original.
4. La saga de Miles Vorkosigan (Lois McMaster Bujold)
En caída libre Fragmentos de honor Fragmentos de honor El aprendiz de guerrero El juego de los Vor Cetaganda Ethan of Athos Hermanos de armas Las fronteras del infinito Danza de espejos Recuerdos Komarr Una campaña civil Regalos de Feria de Invierno Inmunidad diplomática Criopolis
A veces me pierdo con las novelas de Lois McMaster Bujold. Son muchas y a veces de difícil orden de lectura, pero esta para mí es el correcto. Una saga excelente donde todas las novelas sin excepción son buenas y entretenidas. Creo que es la saga más longeva y de mejor calidad. Ninguna novela cojea.
3.- La saga de la Fundación (Ciclo de Trántor) (Isaac Asimov)
Preludio a la Fundación Hacia la Fundación Fundación Fundación e Imperio Segunda Fundación Los límites de la Fundación Fundación y Tierra
Bien. La saga Fundación es aclamada como una de las mejores de la Ciencia Ficción de todos los tiempos aunque para mí superada por las dos que veis a continuación. Asimov se sale con el final de su saga galáctica donde la humanidad ya ha perdido su referencia y donde se espera un gran declive del Imperio. Hablamos de pata negra. Como recordé antes hay otras dos sagas anteriores, la de los robots y la del Imperio Galáctico.
Dune Mesías de Dune Hijos de Dune Dios Emperador de Dune Herejes de Dune Casa Capitular de Dune Cazadores de Dune Gusanos de arena de Dune
Maravillosa saga. Recordemos varias cosas. Hay precuelas y trilogías anteriores, pero el núcleo central son estas ocho, donde todo empieza y acaba. Pero si quieres profundizar puedes comprar los demás libros. Cabe destacar que Frank Herbert murió después de Casa Capitular y las dos últimas novelas fueron escritas por su hijo y Kevin J. Anderson. Para mi la segunda mejor saga de la historia.
Hyperion La caída de Hyperion Endymion El Ascenso de Endymion
No puedo hablar más que maravillas de esta saga llamada Los Cantos de Hyperion. Cada libro es de sobresaliente. No os puedo decir más que los leáis todos seguidos. Es de los mejo que vais a leer nunca. Ya se que mucha gente ni los conoce. Muchos otros solo se quedaron en el primero o en el segundo, pero las cuatro novelas forman una misma historia de proporciones épicas.
¿Que saga sobra o cual falta? ¿Os gusta el orden en el ranking? Vuestra opinión es importante.
La serie de Berserk me está pareciendo maravillosa y la lectura en la edición Maximum (el doble de grosor y «en formato de lujo») es la que estamos siguiendo en la web. Lo mejor de todo esto (que podría ser un hándicap) es poder seguir la narrativa sin tener conocimiento anterior de la misma. He descubierto el manga gracias a la edición de Panini y ahora estoy esperando con cierta ansiedad la salida del siguiente tomo cada dos meses.
Este manga contiene los tomos 13 y 14 de la edición original.
Kentaro Miura, el creador de la serie es un maestro en la narrativa y en el desarrollo los personajes. Eso si, el tío es un poco lento. La primer aparición del manga data de 1988 y aún se sigue publicando con parones que duran años y que se hacen eternos para el fiel lector. El último tomo aparecido en Japón es el número 39 que sería el tomo 20 de maximum en la edición de lujo. El problema es que la serie no tiene visos de acabar y la paciencia tiene un límite. Nos reimos de George R. R. Martin con Juego de Tronos, pero con Bersek padecemos los retrasos de manera cruel.
En este tomo se acaba «literalmente» con toda la Banda del Halcón. Bueno, toda no ya que quedan Guts y Kasca, pero todos lo demás perecen en la ceremonia donde Griffith se convierte en Femto, el último integrante de la Mano de Dios. Una pena ver como mueren todos lo protagonistas de la serie excepto los mencionados anteriormente. Pero gracias a eso vemos de donde vienen todos esos seres demoníacos. Por cierto además de la mano de dios, que son 5 seres ultrapoderosos capaces de cambiar la realidad, por debajo de ellos están los Apóstoles, que son como demonios de alto rango que toman apariencia humana. Guts gracias a su habilidad y destreza en la lucha podrá combatir a estos seres malignos.
En este tomo me gustaría destacar la violación brutal y total de Femto sobre Kasca. El detalle es minucioso. Miura demuestra ser un extraordinario dibujante. Podría parecer una violación real, no apta para todos los públicos. Podemos ver además como el antiguo Griffith deja su semilla dentro de la pobre Kasca. En páginas posteriores nacerá de sus entrañas un ser demoníaco que pondrá en jaque a nuestros protagonistas. La violación es tan pasada de vueltas que deja a Kasca fuera de órbita, con un trauma tan grande que la retrae a un tiempo anterior, cuando era niña. Berserk no es un manga al uso, Berserk cuenta una historia y no es solo violencia por violencia, ni un manga juvenil. Por eso Berserk destaca sobre el resto.
La batalla contra los demonios es bastante fuerte, cruel, cruda, directa; y aunque Guts sobrevive acaba mutilado quedándose tuerto y manco. Pero no os preocupéis ya que Guts tendrá un brazo ortopédico y un ojo que no abre nunca pero que parece que no le afectará a la hora de combatir. Así son los elegidos, nada les desvía de su objetivo.
La aparición de Skull Knight nos demuestra que la mano de Dios y sus secuaces tienen enemigos y algunos muy poderosos como este esqueleto andante que salva a Guts de una muerte anunciada. Y además le dice que gracias a su marca vivirá en el Mundo Intersticial que es una especie de limbo donde puede ver y sentir a los demonios y sus espíritus al caer la noche. Una maldición tremenda para uno de los mejores guerreros de la humanidad.
Sin duda un nuevo tomo de Berserk aunque este muy especial ya que acaba la saga de la Edad Dorada y empieza la saga de la Condena, y por tanto se antoja imprescindible. Como dije anteriormente abarca los tomos 13 y 14 de la edición original. Ver como violan a Kasca, como se retrae a si misma a causa de las heridas psicológicas, contemplar la mutilación de nuestro protagonista Guts, ver como se rehace a si mismo, como vuelve a blandir esa espada enormemente ridícula… Creo que este tomo 7 de la edición Maximum lo tiene todo. Y eso sin olvidarnos del maravilloso dibujo de Kentaro Miura, un genio entre los mangakas con el hándicap de ser muy lento a la hora de acabar esta maravillosa historia.
Bienvenidos, renacidos de las tinieblas, una semana más a este rinconcito del universo. La semana pasada empezamos fuerte con dos episodios, pero vamos a bajar un poco el ritmo, por mucho que la serie no lo haga. Como siempre, os dejo el típico enlace con todos los episodios anteriores. Y ahora, vamos con el análisis del tercer capítulo de esta tercera temporada de Predicador. Y os aconsejo que tengáis preparada la birra porque, amigos, esto va a doler.
La maldición O’Hare
Así que tenemos a Tulip O’Hare buscando a sus amigos del Grial, desesperada por reparar el daño que causaron sus errores al desconfiar de Jesse. Pero, por supuesto, las cosas no van a salir bien para ella ¿Verdad? No, el Grial ya se ha marchado para cuando la furiosa Tulip llega a sus oficinas. Pero no todo viaje es en balde. Dios le hace una vistitilla, algo así como una parada en ruta, para darle las gracias por… Bueno, no sabemos muy bien por qué. El caso es que Dios estuvo desparecido toda la temporada pasada, jodiendo a Jesse y al resto, y ahora se lo encuentran en casa esquina, y parece ser un tocapelotas.
¡Salve, oh poderoso Tocapelotas!
Tulip ha decidido darle una buena paliza a Dios, pero la nueva y corderil actitud de Jesse la va a obligar a intentarlo antes con la vieja bruja, a pesar de que Jesse le pide varias veces que no lo haga. Por supuesto, esto no significa nada para O’Hare, que se cuela en la habitación de la vieja bruja, y descubre la gran cantidad de gente que tiene «secuestrada» con sus pañuelitos. Y como quiere saber como romper el pañuelito, le pregunta a T.C. Seduce al colgado y este le cuenta la triste verdad. El pañuelo no vale nada. Las deudas con la vieja bruja solo quedan saldadas cuando ella dice que así ha sido. Tulip no está satisfecha con esta información, y el miembro viril del colgado sufre las consecuencias.
Para ello, Tulip decide hacerle una visita a la competencia. Y descubre varias cosas curiosas. En primer lugar, el alma, como ya os dije, tiene un mercado, y parece que la competencia de la vieja bruja (Madame Boyd), ha sabido aprovecharlo. También descubre que Madame Boyd es lista y, como suele ocurrir con Tulip O’Hare, la conversación termina con un arma entre las dos damas. Tulip es uno de los mejores personajes de la serie. Su evolución no ha cambiado su caracter, pero si lo ha pulido, permitiéndonos ver a ratos a la Tulip de siempre, en continua confrontación con la mujer que realmente quiere ser. El camino a la rendición es largo, Tulip.
Un vampiro entre los ángeles
Cass está siendo cosido por su nuevo y colgado amigo. Mientras le extraen una bala de la clavícula sin anestesia, la drogaina le suelta un poco la lengua a Cassidy, y acaba alardeando de un montón de heridas que no tiene. Puede que el colgado lo esté, pero no es taaaaan tonto. Jesse intenta hacer las paces con su mejor amigo, y explicarle lo que les pasa a los vampiros en Angelville, pero el idiota irlandés no acaba de confiar en el Predicador (tiene motivos). Aún así, el padre solo quiere que Cass esté a salvo y, si quiere seguir con ellos, va a tener que curarse de sus heridas a la antigua… Con mucho dolor.
Pero ¿Quién no te va a querer a tí?
Por desgracia para todos, la desconfianza generada por Jesse ha calado hondo en Cassidy, que decide que va a irse de Angelville, si, pero no sin llevarse a Tulip con él. Y, por si no fuera suficiente con tener a uno de los tres miembros de esta banda atado a ella con un contrato de sangre, Cassidy va y le pide un favorcillo. Solo un sencillo conjuro de amor. Y mientras el negocia con la vieja, Jody sigue sin fiarse de él. Aunque es T.C el que lo encuentra sorbiendo la sangre de una gallina. Cassidy está un tanto descolocado de sus dos compañeros esta temporada, pero eso no le perjudica en absoluto. Con el humor que lleva por bandera, hemos podido ver nuevas dimensiones de un personaje tan complejo como consistente, que nos ha conquistado a todos. Si, he dicho a todos. A ti también.
El Padre del Voodoo
Jesse tiene que ir con Jody de chófer a buscar clientes para su abuela por todas las reuniones de adictos anónimos de la ciudad. Trata de apelar a la piedad de Jody para que le ayude a huir, mencionandole a su madre. Pero no parece funcionar. Así que decide hacer lo que dice su abuela… tampoco es que le quede más remedio. Pero empieza a tener varias preocupaciones, como su contrato con su abuela, las tumbas, y el hecho de que su mejor amigo el vampiro enamorado de su novia esté en conversaciones con abuela bruja voodoo.
Jesse, el pluriempleado
Aunque claro, al final, de lo que tiene que preocuparse realmente es de que los dos loquitos de su abuela quieran quemar vivo a Cassidy. Así que decide hacer las cosas de otro modo… Abriendo las tumbas, el mas retorcido y depravado club de la lucha que nunca nadie haya conocido.
La opinión de Sofía
Bien. Bien, bien, bien. Predicador ha vuelto para quedarse, con más marcha que nunca. Esto es lo que esperábamos de Jesse y los suyos. Movidas místicas muy tochas que nos dejan con el culo torcido al inicio de la temporada y que van aclarándose (aunque no mucho), conforme la misma avanza. Aunque sigo esperando a Hitler y a Eugene, que espero no tarden en aparecer; y he extrañado a Herr Starr en este capítulo, las tramas de Cassidy y Tulip me parecen magistrales. Jesse, como siempre, es la horma del zapato de ambos. ¿Por donde va a salir el Predicador esta temporada? No tengo la menor idea, pero de algo estoy segura… Va a doler.
¿No extrañáis a Adolf?
Más, y mejor, la semana que viene. Hasta entonces… sed felices.
Cada vez que un gran shonen acaba, refiriéndome con grande tanto a longitud como a ventas, parece que un nuevo sucesor aparece, como es el caso de Boku no Hero para Naruto o la misma Nanatsu no Taizai para, como suelen decir, Fairy Tail.
Antes de nada decir que de nueva la serie tiene poco, puesto que debutó en 2012, pero que en efecto creo que dentro de los shonen de gran éxito sería lo más parecido a Fairy Tail. Sin embargo, y no niego que ésto pueda deberse a que Nanatsu es demasiado joven aún, me gusta más que la primera, y me fastidian las odiosas e injustas comparaciones más allá del parecido que presentan como antecesor y predecesora.
Para empezar, si bien es cierto que ambas dos son series con el mismo género, una aventura fantástica llena de acción, ahí acaban los parecidos. Una es una serie sobre un gremio de magos al que puede entrar en principio cualquier persona, que recorren el mundo viviendo aventuras y desarrollando sus habilidades al máximo para ser los mejores. El caso de Nanatsu es más curioso, porque mas bien son personajes que por infortunios de la vida los problemas y aventuras llegan a ellos sin que puedan evitarlo o no hacerse responsables debido a que dichos problemas van ligados a un pasado oscuro con el que todos ellos parten y que están directamente relacionados con cada una de las tramas, sobre todo en el caso del misterioso Meliodas.
Y es que otra de las cosas en las que Nanatsu y Fairy Tail no se parecen en nada es en sus personajes. Tenemos a Natsu y a Meliodas, dos personas alegres y en principio despreocupadas, pero aquí es donde acaban las similitudes. Uno es un prometedor mago sediento de aventuras que sabes que tendrá un futuro brillante pero aún sin hacer, y el otro es una persona que ya ha recibido todos los halagos y méritos posibles, y que sin embargo ya quiere dejar todo ese mundo atrás, es una persona, en el fondo, atormentada. Y aunque generalmente me parece que los personajes de Nanatsu son más interesantes, creo que hay uno principal en la que sin embargo Fairy Tail es la ganadora, y es en el caso de Lucy y Elisabeth. La primera puede ser débil, dulce y que esté ahí un poco por rellenar, pero es que al igual que en caso de, ya que estamos, Sakura de Naruto, son personajes capaces. Luchan, se defienden y tienen un papel en cada conflicto, al contrario que la dulce e inútil Elisabeth, que lucha las veces contadas para intentar defender a su amado.
En cualquier caso, y aunque sea cierto, también lo es algo que puede parecer una tontería pero que a mucha gente le determina si ve una serie o no, y es que Nanatsu, aun con su molesto fanservice (que en el caso de Elisabeth es hasta abusivo), sigue quedándose atrás en comparación a lo intolerable y descarado que llegó a ser Fairy Tail, en la que Hiro Mashima parece que fue cambiando su dibujo hacia un estilo más elaborado en que lo importante era cómo se marcaban las vergüenzas de sus personajes femeninos. Y es que aunque el dibujo de Fairy Tail sea sin duda mejor en el sentido de más correcto y mejor dibujado, con un parecido a One Piece en más equilibrado y todo sea dicho, muchísima menos personalidad, Nanatsu tiene un sello personal y un carisma que puede recordar más a Akira Toriyama, con unos personajes de músculos exacerbados y de un trazo bastante sucio.
Con todo esto no quiero decir que Fairy Tail no me guste, porque de hecho le guardo muchísimo cariño y fue una serie que en su día me tuvo en velo día y noche aunque con su segunda mitad dejó mucho, muchísimo que desear, y se desinfló como un globo. Quizá sea algo que le termine pasando a Nanatsu no Taizai como le pasa a tantas series de tal longitud, y si lo hace esperemos que deje como legado algo que jamás ninguna serie, esta vez refiriéndonos al anime, ha conseguido hacer jamás, y es la increíble banda sonora de Fairy Tail, única, exquisita, diferente, conmovedora e icónica.
Así que en conclusión, aun con lo que se parecen las dos series, sobre todo refiriéndonos al ambiente que generan y la impresión que nos dan, y aunque sea cierto que yo tengo una preferencia personal, son series al final incomparables y únicas a su manera, que invito a cualquier persona a la que les gusten los shonen a disfrutar, sobre todo teniendo en cuenta que la segunda temporada de Nanatsu acaba de terminar.
Última parte de la Guía de Lectura de Los Vengadores. El 8 es mi número favorito, así que es más satisfactorio para mi que esta guía haya tenido ocho partes. Lo creas o no no fue intencionado sino una casualidad. Como no podía ser de otra forma, los autores escogidos para el título de este octavo post son los que medio hicieron algo decente con Los Vengadores durante los 90. Hablo del guionista Bob Harras, llamado Satán en algún que otro blog, y del dibujante Steve Epting, al que le han llamado de todo sin ser, ni de lejos, de los peores dibujantes de la Marvel de esta época.
Si bien, antes de analizar su etapa, te escribiré acerca de las etapas de transición de Fabian Nicieza y Larry Hama, así como de material extra que considero relevante mencionar. ¡Vamos al último asalto!
Fabian Nicieza había resuelto con mucho oficio la trama inconclusa que Byrne había dejado en Los Vengadores y se le dio la oportunidad de escribir un arco argumental para la misma. Algo que el guionista había querido hacer desde que entró en Marvel, dado que Los Vengadores era una de sus colecciones favoritas. Dicha saga se titulaba La línea Divisoria. La desarrolló a lo largo de seis números -The Avengers #319-#324 (90)- en los que Los Vengadores, debido a la ausencia del grupo británico Excalibur, tuvieron que rescatar a la tripulación de un submarino nuclear inglés, secuestrado en aguas rusas por una organización terrorista soviética, opuesta al espíritu aperturista de la todavía Unión Soviética. Las circunstancias harán que se les unan la versión soviética de Los Vengadores, elProtectorado del Pueblo, además de Alpha Flight y un ejército de Atlantis. El propósito de la historia era mostrar como diverentes personas, de todo tipo de nacionalidades, podían trabajar juntos por el bien común. Mensaje que era de agradecer, en un momento tan convulso, políticamente hablando, debido a las intenciones de la Unión Soviética de abrirse al mundo, poniendo fin a la Guerra Fría. La historia está dibujada de forma correcta tanto por Paul Ryan como por Richard Levins y, pese a estar bien contada, no aporta nada a la colección, más allá de que en The Avengers #319 se le considera miembro oficial a Mantarraya.
Aparte cada número tiene unas páginas de complemento, a modo de subtrama, que Mark Gruenwald y una multitud de dibujantes, no demasiado buenos, dedican al equipo de mantenimiento de Los Vengadores. Dicha subtrama se convertirá en la historia principal en The Avengers #325 (90). Número en el que se pondrá fin a la misma.
A diferencia de Nicieza, Larry Hama si parecía que iba a quedarse en Los Vengadores. No se limitó a contar varias historias -bastantes olvidables, por cierto- para que la colección continuara en el mercado sino que aportó algunas ideas y personajes. Para empezar, durante su etapa, se terminó la reconstrucción de La Mansión de Los Vengadores, con una apariencia más moderna, cuya inauguración tiene lugar en The Avengers #332 (91), último número que dibuje Paul Ryan para esta colección.
Además convierte a Los Vengadores en una unidad especial de las fuerzas de paz de la ONU, en The Avengers #329 (91). Un nuevo estatus que implica una nueva formación. Dicha formación incluye a la Viuda Negra, sin explicar cuándo ha vuelto al grupo. El resto de miembros serán Thor, El Capitán América, Sersi, Hulka, Visión y Quasar. Formación heredada de la etapa Byrne. La novedad será que este grupo tendrá siete reservas fijos. Cinco de ellos son ya conocidos: La Capitana Marvel, El Halcón, El Caballero Negro, Spider-Man y Hércules. Este último había regresado a nuestra realidad en The Mighty Thor #407 (89).
La sorpresa está en los dos reservas restantes, que son Nuevos Vengadores. Uno es el villano redimido de Spider-Man conocido como el Hombre de Arena, quien no permacerá mucho en el grupo. Dejando al mismo, tras un malentendido, en The Amazing Spider-Man #348 (91). Marcha que no se reflejará en la colección, donde, simplemente, dejará de aparecer de un número para otro. El otro nuevo vengador es Rabia. Podríamos decir que Rabia es el Luke Cage de Hama y Ryan. Por alguna inexplicable razón Marvel no les dejó unir a este último al grupo.
La etapa Bob Harras & Steve Epting: Algo de luz entre tanta oscuridad
Ni Byrne, ni Nicieza, ni Hama se quedaron en Los Vengadores el tiempo suficiente para establecer los cimientos de una nueva etapa. La situación del título reflejaba el momento en que se encontaba Marvel en ese momento. La empresa estaba experimentando un crecimiento y un aumento de ventas considerable. Esta situación se traducía en un incremento de los títulos, sobre todo de Mutantes y de Spider-Man. Estas eran las franquicias más rentables de Marvel y donde les era más beneficioso marcharse a los equipos creativos más comerciales.
La cosa estaba de tal forma que Marvel se estaba convirtiendo en una especie de bestia de tres cabezas: Una era Spider-Man, el llamado superhéroe no mutante, otra X-Men y la tercera cabeza sería el resto de títulos del Universo Marvel. En estos últimos también surgían nuevas cabeceras, que recuperaban títulos de los 70, pero la tendencia al conservadurismo del editor en jefe Tom DeFalco en muchas de las mismas y las jugosas ofertas de editoriales independientes, en las que los autores eran los dueños de sus creaciones, hacían poco atractiva esta parte de Marvel, que se estaba convirtiendo en algo residual. Los Vengadores se encontraban en este grupo.
Los lectores de los mismos expresaban en los correos, al editor de entonces, Ralph Macchio, su preocupación por la situación de la colección. Esta parecía no ir a ningún sitio y pedían a gritos un equipo creativo establece que contara algo con cierta continuidad en el tiempo. Macchio pensó entonces en el que había sido su ayudante, Bob Harras, el cual estaba haciendo un buen trabajo en la franquicia mutante. Harras acepta. Decir que, con el tiempo, la crítica no ha puesto muy bien la tarea editorial y en los guiones de Harras en los X Men. Pero es un hecho innegable que mantuvo a los Mutantes al pie del cañón.
Harras ya había realizado trabajos en Los Vengadores durante los ochenta. Estaba el Iron Man Annual #7 (84) y The Avengers #280 (87). En aquel había renovado a un viejo enemigo del grupo y en este había hecho un repaso de la historia de Los Vengadores a través de Jarvis, demostrando su conocimiento de la historia del grupo. Con respecto a Jarvis decir que Harras será de los pocos guionistas de la colección que le dará al mayordomo el protagonismo que se merece.
En la línea con el clasicismo imperante en la zona de superhéroes del Universo Marvel, se escogió a Steve Epting como dibujante. No era precisamente un dibujante estrella, pero lo suficientemente espectacular para dar al título la épica que se merecía. Aparte, las tintas del veterano Tom Palmer ayudaron a que fueran un dibujo atractivo.
Gran admirador de la forma de guionizar de autores como Englehart y Claremont, Harras elaboró una serie de tramas en torno a un equipo fijo de Vengadores, logrando un aceptable equilibrio entre grandes batallas, buena interacción entre personajes y aceptable caracterización de los mismos. El que la mayoría fueran secundarios sin colección, posibilitaba desarrollar tramas que no se pisaran con otros títulos y dar la sensación de que se estaba avanzando hacia algún sitio. Harras, por fin, estaba volviendo a hacer interesantes a Vengadores como el Caballero Negro, Sersi, Crystal, Hércules y la Visión. Así como a los villanos con los que se enfrentaban. Estos no se limitan a querer conquistar el mundo, sino que tenían un trasfondo, por lo general trágico, que los hacía tan carismáticos como los héroes.
Cómics Relevantes
The Avengers #334-339 (91):
La obsesión por coleccionar es la saga con la que Bob Harras y Steve Epting se estrenan como nuevo equipo creativo de Los Vengadores. Con la excepción de The Avengers #334 (91), que es dibujado por Andy Kubert. Por el nombre ya te puedes imaginar que la historia tiene que ver con el Coleccionista, personaje que Harras y Epting remodelan, haciéndolo peligroso no ya sólo por la diversidad de especies y armas a su disposición, sino también por su poder cósmico. Atrás queda al torpe primigenio, facilmente engañable o manipulable, cuando se apelaba a su pasión por coleccionar. Este Coleccionista es más astuto, despiadado y poderoso. Lo que se mostrará en cómo utiliza a una de las razas de su colección, la Cofradía, para lograr un propósito mayor, añadir a Los Vengadores a su colección, al precio que sea.
Maestre Thane Ector es el líder de esta Cofradía, la cual, antes de ser añadida al coleccionista, se consideraba una de las razas más sanguinarias de la galaxia. Una orgullosa raza que hizo de la guerra y la conquista su razón de ser. En realidad son parásitos, creados por Los Celestiales con materiales de desecho, para purgar a las razas que consideraran indignas. Ese es su secreto. Secreto que sólo su Maestre, así como su hermano, el Bufón, conocen. El caso es que el Coleccionista lo sabe también y, por ello, les dejará escapar de su colección para que infecten La Tierra y, así, el pueda incluir a los humanos supervivientes en su colección.
Ector se rebelará contra su función en el orden cósmico y, con la ayuda de Sersi y el Bufón, crea una especie de Unimente con los restos de su raza. De esta forma desbaratan el plan del Coleccionista. El precio es la muerte de toda la Cofradía. Pero Ector muere orgulloso, sabiendo que ha redimido a su pueblo en un último acto de heroísmo.
Dado que, en un primer momento, la nave de la Cofradía se estrella en La Luna, Harras aprovecha la ocasión para hacer que Los Vengadores renueven sus lazos con los Inhumanos, en su primera escaramuza contra la Cofradía. Luego, cuando la batalla se traslada a La Tierra, los InhumanosCrystal y Mandíbulas pedirán ingresar en el grupo (The Avengers #336). Además Harras aclara que la Viuda Negra ha dejado S.H.I.E.L.D. para unirse a Los Vengadores aunque no explica las razones.
La ausencia de Hulka y Thor del grupo, hace que Harras pase a Rabia y a Hércules a miembros activos. No se explica porqué Hulka pasa a la reserva. En el caso de Thor se debe a tramas relacionadas con su colección. El Caballero Negro también pasa al servicio activo para presta ayuda a Los Vengadores contra la Cofradía, como lo hacen otros Vengadores que no pertenecían a la formación de Hama, como IronMan, Pantera Negra, Bestia y el Doctor Pym. De todos ellos sólo el Caballero Negro permanecerá fijo en el grupo.
The Avengers #341-342 (91):
Las responsabilidades de Harras con los X-Men hizo que tuviera que tener equipos creativos en la reserva para cuando él no pudiera escribir Los Vengadores. Eso llevó a una situación parecida a la de Shooter. A saber, arcos argumentales de otros autores, metidos en medio de la etapa. La mayor parte de ellos son prescindibles, excepto esta saga. Dos números en los que Epting se mantiene en el dibujo pero es Nicieza el guionista.
Una historia contra el racismo, en la que se critica la brutalidad policial a ciudadanos afroamericanos. Situación que lleva a manifestaciones, tanto de partidarios como de detractores de la actuación policial. Los primeros reconstruirán al grupo xenófobo los Hijos de la Serpiente para cargar contra los segundos. Posteriormente se descubrirá que el villano conocido como el Aborrecedor es el responsable de este conflicto, sirviéndose de sus habilidades para inducir el odio entre las personas.
Carmelo Martínez, el chaval agredido, es amigo de Rabia, por lo que este se implicará a fondo en el caso. Un caso que, con la ayuda del grupo adolescente llamado Los Guerreros, Los Vengadores resolverán, frustrando así los planes del Aborrecedor para nutrirse de las emociones de la gente.
En el trascurso de la historia, Los Vengadores descubren que Rabia es menor de edad, por lo que no puede seguir formando parte del grupo. Se quedará en la reserva hasta alcanzar la mayoría de edad. Aunque eso no quiere decir que Nicieza no utilice al personaje. Lo unirá a Los Guerreros, colección que guionizaba de forma regular.
The Avengers #343 (92): Harras retoma sus tareas como guionista del grupo. Crystal, acompañada por su hija Luna, su criada Marilla y Mandíbulas, aparecen en La Mansión de Los Vengadores. Crystal se une oficialmente a grupo, junto a un nuevo Thor, el arquitecto Eric Masterson. Personaje secundario de la colección del dios del trueno, que ha ocupado su lugar, tras la desparición del original, castigado por Odín al haber matado a Loki. Además el Caballero Negro, con un carácter más abierto, presenta su nueva arma. Se trata de una espada láser. Un arma más sofisticada y manejable que su antigua espada maldita. Destacar también que, en este número, Harras pone en boca del Capitán América la necesidad de que Los Vengadores tengan algo más de estabilidad, a la vez que recuerda las bajas de Rabia y el Hombre de Arena. El número se cierra con una falsa llamada de auxilio de la Antorcha Humana desde La Torre de las 4 Libertades. Al llegar allí son emboscados por un hombre que se presenta como el difunto Espadachín.
The Avengers #344 (92): Tanto este Espadachín, como su acompañante, la enigmática Magdalene, demuestran ser unos formidables adversarios para Los Vengadores. Tras una breve escaramuza la misteriosa pareja huye, dejando más preguntas que respuestas. Huyen a una especie de refugio donde les espera su líder, un tal Proctor, quién parece tener algo contra Los Vengadores. Mientras tanto, nuestros héroes analizan viejas cintas de su Espadachín y llegan a la conclusión de que el Espadachín al que se han enfrentado no es un impostor ni un clon. El fallo de este número está en que ni se plantean que pueda ser un Espadachín de una realidad alternativa. Y más considerando la experiencia de nuestros protagonistas con Kang.
Operation Galactic Storm / Operación Tormenta Galáctica –Captain America #398 (92), Avengers West Coast #80 (92), Quasar #32 (92), Wonder Man #7 (92), The Avengers #345 (92), Iron Man #278 (92), Thor #445 (92), Captain America #399 (92), Avengers West Coast #81 (92), Quasar #33 (92), Wonder Man #8 (92), The Avengers #346 (92), Iron Man #279 (92), Thor #446 (92), Captain America #400 (92), Avengers West Coast #82 (92), Quasar #34 (92), Wonder Man #9 (92) y The Avengers #347 (92)-: Este es el gran crossover de esta etapa. Homenaje a La Guerra Kree-Skrull (Ojo de Halcón como Goliat, incluido) y con la Operación Tormenta del Desierto como telón de fondo histórico, Operación Tormenta Galáctica nos cuenta como Los Vengadores se ven envueltos en un fuego cruzado entre los Kree y los Shi’Ar ya que ambas razas están usando el Sol como fuente de energía para activar portales intergalácticos. Esto podría provocar que se convirtiera en una supernova que destruyera el Sistema Solar. Los Vengadores se dividirán en dos grupos, cada uno de los cuales se dirigirá a uno de los mencionados imperios, para tratar de convencerlos de que cesen sus hostilidades. Al final se revelará que la Inteligencia Suprema Kree es la responsable del conflicto, con la finalidad no sólo de retomar el poder sino de hacer que su raza salga del estacantamiento evolutivo en que se encuentra. Para lo cual no tendrá reparo en manipular los acontecimientos para lograr que una Nega-Bomba Shi’Ar estalle en la galaxia Kree y así mutar a los supervivientes con la radiación resultante de la explosión. Esta situación indignará a Los Vengadores y los dividirá en dos bandos: Uno, liderado por Iron Man, partidario de matar a la Inteligencia Suprema para hacer justicia a los muertos, otro, con el Capitán América al frente, será contrario a quitar una vida, en la convicción de que ellos no tienen ninguna legitimación para tomar esa decisión. Del grupo de Iron Man, será el Caballero Negro el que le de el golpe de gracia a la Inteligencia Suprema. Si bien no morirá realmente, esta aventura hará que muchos Vengadores se replanteen su forma de actuar ante enemigos tan despiadados. Lo que también tendría que haberse replanteado Macchio es su labor como editor, ya que se olvida de la Viuda Negra durante todo el evento, lo que refleja una coordinación entre títulos algo caótica.
The Avengers #348 (92): Por lo sucedido en Operación Tormenta Galácticael Capitán América abandona Los Vengadores para pensar, dejando a la Viuda Negra al mando. Al mismo tiempo, la Visión recibe la visita de Laura Lipton, pidiéndole que vaya a consolar a su suegro, el profesor Miles Lipton, el cual se está muriendo de cáncer. La razón de esta petición es que, en Avengers Spotlight#40 (91), el profesor Lipton implantó las pautas cerebrales de su difunto hijo, Alex Lipton, en la Visión. Ahora, al borde de la Muerte, le pide a la Visión que trate de exteriorizar la personalidad de su hijo para poder despedirse de él. Una aventura un tanto extraña pero emotiva, dibujada por Kirk Jarvinen, de la que se sirve Harras para ir recuperando las emociones de la Visión. Harras también retoma a su villano, Proctor. Este, junto con Magdalene, eliminan a Marisa Barrow, la versión de Magdalene en esta tierra, para evitarse problemas a raíz del parecido físico de ambas. Lo que refuerza la idea de que estos personajes son de una realidad alternativa.
The Avengers #349 (92): Epting vuelve a la colección en este número, centrado en Hércules. Celosos de los privilegios que le otroga Zeus a Hércules, al dejarle ir a La Tierra a su antojo, Hera y Ares hacen apuestan acerca de cuál de los dos consigue hacer más daño al semidios. El primer movimiento será de Ares, poseyendo el cuerpo de Thor cuando este, junto con Crystal y Hércules, visitaban el pabellón infantil del hospital White Plains. La idea es matar a Hércules utilizando el cuerpo de su amigo, para que su sufrimiento sea mayor. Hércules descubrirá la treta y, gracias a la ayuda de Crystal, consigue evitar su muerte y separar a Ares de Thor. Al finalizar la batalla Hércules entablará amistad con una de las enfermeras, Taylor Madison y los planes de Hera contra Hércules quedan en el aire. El plan de Ares está algo pillado por los pelos porque Mjolnir, el martillo de Thor, debería haber reconocido que la persona que lo esgrimía no era digno y haberse quedado fijo en el suelo. Tal es uno de los encantamientos de Odín sobre el mismo. Solo los dignos pueden empuñar Mjolnir.
The Avengers #350-351 (92): Los Saqueadores EstelaresRaza y Hepzibah son manipulados por el ex almirante kree Galen-Kor para que maten al Caballero Negro en venganza por haber asesinado a la Inteligencia Suprema. Binaria, la antigua Ms.Marvel y aliada de los Saqueadores, que está recuperándose en la Mansión de Los Vengadores, tras su colaboración en la Operación Tormenta Galáctica, media entre Vengadores y Saqueadores para evitar una desgracia. Epting sigue sin llevar muy bien el tema de los plazos de entrega por lo que el segundo número de esta historia es dibujado por Kevin West.
The Avengers #355-360 (92-93): Epting regresa y ahora parece que va a poder aguantar el tirón algunos números más. Se revela que el grupo que está reclutando Proctor, quien parece tener alguna relación con Sersi, recibe el nombre de Recoleptores. Se trata de Vengadores de líneas alternativas destruidas. Al mismo tiempo, en lo que respecta a nuestros héroes, se va formando un triángulo amoroso entre Sersi, Crystal y el Caballero Negro, a la vez que Hércules muestra su atracción por Taylor Madison, lo que parece complacer a Hera, lo cual no puede ser bueno. Y es que parece que la joven está sufriendo por alguna razón que aún se desconoce. ¿Será está la forma en que Hera busca hacer daño a Hércules, a través del corazón? Asimismo el Espadachín, que cada vez alberga más dudas sobre la honorabilidad de Proctor, termina siendo capturado por Los Vengadores. Será entonces cuando descubran que viene de una realidad alternativa. Para complicar las cosas, Sersi empieza a mostrar un comportamiento cada vez más alocado, matando en batalla, y la Visión es reemplazado por una Visión malvada, reclutada por Proctor para que se infiltre en Los Vengadores y mate al Espadachín. Esta será la excusa argumental de Harras para devolverle a la Visión una apariencia más parecida a la original.
The Avengers #361 (93): La situación de Sersi hace que la Viuda Negra tenga que reforzar la formación, motivo por el que pide al Capitán América que regrese. Lo hace a tiempo para descubrir, junto con el resto de sus compañeros, que la Eterna sufre una especie de demencia característica de algunos eternos. Los Eternos Arex, Duende e Ikaris se presentan en la mansión para llevársela. La cura sería por medio de la Unimente. Pero la falta de Eternos en la Tierra lo hace inviable. La única solución es la desintegración. Los Vengadores se oponen a esta media extrema y se comprometen a buscar una solución. Los Eternos aceptan y convierte al Caballero Negro en el Gann Josin de Sersi, es decir en una persona enlazada telepáticamente con ella.
The Avengers #362 (93): Gordon Purcell sustituye a Epting en este número. En él la falsa Visión es descubierta y derrotada.
The Avengers #363 (93): Epting regresa de nuevo, en un número donde Los Vengadores descubren y atacan la fortaleza de los Recoleptores en los Andes. Proctor, furioso con la falsa Visión, la mata. Además, revela a nuestros héroes la necesidad de matar también a Sersi, al considerarla responsable de la destrucción de muchas realidades alternativas. También confiesa ser el responsable del intento de asesinato del Espadachín, por amor a Magdalene. En la confusión resultante, destruye la fortaleza y manipula mentalmente al Caballero Negro para que lo mate.
The Avengers #364-#366 (93) + The Avengers Annual #22 (93):
Los Vengadores y Magdalene son rescatados de los Andes por Grito de Muerte. Una guerrera Shi’ar enviada por la emperatrizLilandra para protegerlos de posibles represalias de los Kree. La presencia de estos no se hará esperar en forma de centinelas, comandados por el almirante kreeGalen Kor. Este pretende destruir La Tierra, en venganza por las acciones de Los Vengadores en la Operación Tormenta Galáctica, con una pequeña nega-bomba. Ha sido el Coleccionista quien le ha proporcionado la bomba a Galen Kor a cambio de Los Vengadores, para su colección. Nuestros héroes, con sus aliados y una nueva incorporación (Henry Pym como Hombre Gigante de nuevo) consiguen frustrar sus planes. En esta historia el Capitán América se plantea que, tal vez, haga falta un tipo de vengador algo más contundente dada la ferocidad de sus enemigos.
Con esta trilogía se celebra el 30 aniversario de Los Vengadores. Motivo por el que el último número de la misma, The Avengers #366 (93), tiene más páginas, con una historia de complemento en torno a Masacre, el Caballero Negro y Espectro de Sangre, a cargo de Glenn Herdling y Mike Gustovich. En el transcurso de la historia Espectro de Sangre mata accidentalmente a Victoria Bentley, antigua aliada del Caballero Negro. Espectro de Sangre es, en realidad, Sean Dolan, antigo escudero del Caballero Negro, que se rindió a la maldición de la espada de ébano de este, en The Avengers Annual #22 (93), cortesía de los mencionados Herdling y Gustovich. De manera que hay que leer este especial antes que el complemento.
The Avengers #367 (93): Una especie de número de transición, entre la saga de los Kree y la próxima, Lazos de Sangre. Historia centrado en la Visión, en la que, como era previsible, Epting cede los lápices a otro dibujante, Jim Hall. La Visión se encuentra desconcertado ante su incapacidad de sentir emociones y decide hablar de ello con sus compañeros. En etapas posteriores se revelará que era él mismo el causante de su bloqueo emocional. En este cómic asistimos al momento en que Taylor Madison y Hércules se confiesan su amor. Aún así esta decide dejarlo por su condición de inmortal. El relato se cerrará con Luna, la hija de Crystal, siendo secuestrada por los Acólitos de Magneto.
Boodties / Lazos de Sangre –The Avengers #368 (93), X-Men Vol 2 #26 (93), Avengers West Coast #101 (93), The Uncanny X-Men #307 (93) y The Avengers #369 (93): En lo que a números de Vengadores se refiere, decir que nuestro amigo Epting, con la ayuda de Jan Duursema, vuelve en este evento, que sirve para seguir celebrando el 30 aniversario, no sólo de Los Vengadores sino de The X-Men, aprovechando el nexo de unión entre ambos, la familia de Magneto. El escenario será la isla de Genosha, en constante conflicto por los enfrentamientos entre los humanos y mutantes que la pueblan. La ONU le pide a S.H.I.E.L.D. que impida a Los Vengadores intervenir en el conflicto. Pero, cuando estos descubren que Luna ha sido secuestrada por Acólitos de Magneto, residentes en Genosha, deciden ir. La consecuencia será que la ONU retirará su apoyo a Los Vengadores, al considerar que han invadido una nación soberana. Estos harán causa común con los X-Men para parar a Éxodo, el proclamado sucesor espiritual de Magneto, que busca lograr la supremacía mutante a cualquier precio.
The Avengers #372-375 (94): Proctor regresa, con un nuevo grupo de Recoleptores, elaborando otro enrevesado plan que le permita terminar con Sersi. Se explica que el motivo de su odio hacia la Eterna está en que se enamoró de ella en su realidad pero ella le traicionó. Al resentimiento amoroso se le une el hecho de que Proctor, el Caballero Negro de su tiempo, también fue el Gann Josin de la Sersi de su mundo por lo que sabe de las cosencuencias destructivas de su locura. De ahí que se fijara como meta la muerte de todas las versiones alternativas de su amada, hasta llegar a la de la tierra principal, la nuestra. Su condición de Gann Josin le permitió acelerar la demencia senil de Sersi, haciendo así más dulce su venganza. Sus ansisas de revancha llevarán a una batalla de Los Vengadores contra Los Recoleptores, en la que Sersi matará a Proctor. Consciente de la gravedad de su locura, el Vigilante que Proctor había estado utilizando para acceder a los mundos de los que se nutría de sus Recoleptores, le ofrece a Sersi la posibilidad de acceder a otra realidad, donde no se verá afectada por su demencia. El Caballero Negro decide acompañarla. Finaliza así el gran arco argumental de Harras, dejando definitivamente Epting la colección en el último número del mismo, The Avengers #375. Pese a los vaivenes artísticos y editoriales Harras y Epting habían ofrecido un breve y estable período, con historias aceptables y buena caracterización de los personajes. Como se verá más adelante fueron, verdaderamente, algo de luz entre tanta oscuridad.
Extras
Avengers West Coast #63, #65-#101 + Avengers West Coast Annual #5 (90-93): Después de cerrar con dignidad la trama de la Bruja Escarlata Oscura, Roy y Dann Thomas se quedaron como guionistas oficiales de la colección. Por desgracia las historias no pasaron de ser correctas y sin relevancia más allá de los eventos relacionados con el título principal. Los dibujantes que colaboraron con los Thomas, Ryan y David Ross principalmente, hacen un trabajo decente pero tampoco destacable. Por el camino se produce la recuperación de la memoria y poderes de Wanda (Avengers West Coast #67), quien llegará a liderar el equipo (Avengers West Coast #98). Así como también la incorporación de tres nuevos vengadores. Se trata del Hombre Máquina, tras su participación en la olvidable saga Factor Terminus, el Rayo Viviente y la segunda Spider-Woman (Avengers West Coast #74). De estos sólo Spider-Woman obtendrá el favor de los lectores y permanecerá en el grupo hasta su disolución. Es más, los Thomas le dedicarán una serie limitada, Spider-Woman Vol 2 #1-#4 (93-94), en la que cerrarán las tramas del personaje. Se produce también la primera aparición de Alkhema o Juguete Bélico (Avengers West Coast #90), una nueva esposa para Ultron, con las pautas cerebrales de Pájaro Burlón porque ….. ¡bueno estaba ahí la heroína! Por último, Jim Rhodes regresa, como Máquina de Guerra, en Avengers West Coast #94.
Citizen Kang/Ciudadano Kang –Captain AmericaAnnual #11 (92), Thor Annual #17 (92), Fantastic Four Annual #25 (92) y The Avengers Annual #21 (92)- + Avengers: The Terminatrix Objective #1-#4 (93): Con este proyecto, cuyo título es un homenaje a la película Ciudadano Kane (1941) de Orson Welles,Roy Thomas y Mark Gruenwald trataron de arreglar la continuidad de Kang, hecha un caos tras los despropósitos de Simonson. Los dibujantes de este evento, Larry Alexander, Geof Isherwood y Herb Trimpe, son bastante malos y olvidables. Como lo es la trama, que sólo responde a relanzar al villano y redefinir su entorno, explicando, entre otras cosas, quién era la Nébula de Simonson. Se trataba de la Princesa Ravonna, curada por el Gran Maestro y deseosa de vengarse de Kang por haber preferido obtener poder para matar a Los Vengadores en vez de para curarla a ella. En su conjunto la saga es sosa. Como sosa es su secuela, la serie limitada Avengers: The Terminatrix Objective, en donde Gruenwald y Gustovich trataron de llevar adelante, sin demasiado éxito, los argumentos planteados en Ciudadano Kang.
Avengers West Coast #102 (94): La falta de interés y de calidad en Avengers West Coast hace que Dan Abnett, Andy Lanning y David Ross la cierren, de forma muy chapucera, en su número 102. La idea es hacerlo deprisa para que los mencionados Abnett y Lanning lanzen su nuevo título, Fuerza de Choque. Un grupo integrado por la mayor parte de los últimos integrantes de Los Vengadores Costa Oeste. La colección queda bajo el paraguas de Iron Man, muy popular entonces por su serie de animación. Así se aseguraban tener más juguetes que sacar. La idea de Iron Man era tener un equipo que resolviera las crisis antes de que sucedieran, combinando su tecnología con el poder del Caos de la Bruja Escarlata. Aún así la serie no aguantó demasiado. Tampoco es que ayudaran nefastos dibujantes como Tom Tenney, Dave Taylor o Jim Calafiore.
Avengers: Unplugged #1-#6 (95-96): Una especie de Avengers Spotlight pero centrado más en las vengadoras de la formación oficial que en los reservistas. Serie de horrendos dibujos e intrascendentes historias, con la excepción de Avengers: Unplugged #4, en el que se produce la boda de los villanos Titania y Hombre Absorbente.
The Last Avengers Story / La última historia de Los Vengadores #1-#2 (95): Antes de que se pusieran de moda los The End, Peter David y Ariel Olivetti nos muestran una especie de realidad distópica en la que unos envejecidos y cansados Dr.Pym y Avispa reunirán a una nueva generación para librar la última batalla contra algunos de los peores enemigos del grupo. En una época de absoluta devaluación del heroísmo Los Vengadores volverán a hacer honor a su nombre. Junto con el grueso de la etapa Harras y Epting, esto es de lo mejorcito que se hizo de Vengadores en los noventa.
La última edición de este material en España
La mayor parte de este material sólo ha sido editado en su totalidad una vez, por Planeta. Aunque, en la actualidad, Panini se está acercando:
Marvel Héroes. Los Vengadores: Lazos de sangre (The Avengers 367-377 y Annual 23, X-Men 26, Avengers West Coast 101, The Uncanny X-Men 307, Black Knight: Exodus, The Avengers Terminatrix Objective 1-4 y Avengers Strikefile).
Marvel Graphic Novels: Los Vengadores – La última historia de Los Vengadores (The Last Avengers Story 1 y 2 USA). Recomendado.
Cierre: ¡Eso es todo!
Las responsabilidades de Harras harían que tampoco se quedara mucho más que Epting, dejando poco a poco sus tramas a otros equipos creativos mediocres que fueron incapaces de hacer nada aceptable con ellas, callendo la colección en sagas y eventos irrelevantes, reptitivos y absurdos. Lo que también estaban cayendo eran las ventas, motivo por lo que los entonces dueños de Marvel, que poca idea tenían de cómics, decidieron entregar las riendas de colecciones como Los Vengadores a los autores que habían logrado ventas astronómicas en Spider-Man y X-Force. Hablo de los fundadores de Image, los que habían dejado Marvel, a principios de los 90, cansados de que la editorial no les dejara retener la propiedad intelectual de sus creaciones. En el caso de Los Vengadores, se le pidió al estudio de Rob Liefeld, ¡madre mía!, que los relanzara dentro del proyecto Heroes Reborn. Así, tras el cierre de la colección, en The Avengers #402 (96), salió a la venta un nuevo volumen en el que todo empezaba desde cero. La cosa no funcionó y no se tardaría en relanzar de nuevo la colección, con un tercer volumen, más cercano a la historia de Los Vengadores, con un aire de revival. Pero eso será tema de otros posts.
Eso es todo. Aquí se acaban mis megaposts sobre esta guía del primer volumen de Los Vengadores. Espero que hayas disfrutado tanto leyéndolo como yo escribiéndolo. Las quejas de por qué no he comentado las magníficasPrimer Signo, Caída de I.M.A., Ultraforce & Vengadores o Encrucijada en comentarios. ¡Muchas Gracias y un saludo!
100% Marvel HC. Los Vengadores: Primer Signo (Captain America 449, Thor 496, Iron Man 326 y The Avengers 396). Evitar a toda costa, aunque esté editado por Panini.
Es muy probable que Rick y Morty haya protagonizado el empujón final que necesitaba la animación para ser considerada ficción de calidad y alejarse de la concepción de entretenimiento insustancial para niños. Los Simpson y Padre de Familia fueron capaces de poner el género en boca de todos, pero no dejaban de ser historias autoconclusivas, sin mucho más desarrollo que el de un par de episodios y de manera puntual. Eso no desmerece su capacidad transgresora ni sus, en ocasiones, críticos mensajes, pero el gran público seguía sin estar acostumbrado a ver la animación como un medio capaz de contar una historia e implicarte en ella como cualquier otro producto televisivo.
Pero con el paso de los años, el paradigma se ha ido transformando de manera paulatina y cada vez salen propuestas más arriesgadas que reivindican el potencial narrativo del género. Uno de los proyectos más recientes ha sido Final Space, una serie resultona y divertida que se ha visto perjudicada por las similitudes con productos ya establecidos, a pesar de que su conexión sea más bien distante…
Conoce a Gary Godspeed
Gary Godspeed se halla cumpliendo condena recluido en una nave, sentenciado a un largo periodo de exilio por graves crímenes cometidos en el pasado. Pero lejos de ser malvado o un buenazo con mala suerte, Gary simplemente está loco. Tiene unos férreos valores y tampoco es que se pueda decir que sea mal tipo, pero no termina de guiarse por las convenciones de la sociedad en cuanto a lo que se percibe como lícito o no. Y es precisamente su impulsividad y nula capacidad de represión, lo que mantiene a Final Space en movimiento y consigue dar paso a toda una serie de situaciones disparatadas.
Por supuesto que su locura no es algo siniestro ni nada cercano a la psicopatía, pero es un individuo roto e incompleto, con problemas pasados y profundamente solo, pero que ha encontrado en su comportamiento una vía de escape. Gracias a su carisma y locura cercana, la serie respira tras unos precipitados primeros capítulos y tiene un solido vehículo con el que mover el argumento.
Simple pero eficiente
Final Space, no brilla por su complejidad ni su capacidad reflexiva. Al tener una ambientación similar a la de otros productos ya ampliamente consolidados y reconocidos como Rick y Morty o Futurama, muchos pueden empezar la serie con una predisposición errónea, mezclando los elementos futuristas con profundas y complejas reflexiones acerca de la condición humana y los oscuros deparares de la humanidad. Pero lo que busca Final Space es entretener. Tanto sus personajes como la historia, están diseñados de tal modo que fomenten la fluidez, siguiendo arquetipos clásicos del género pero modificados lo justo como para que no resulten excesivamente clichés.
La serie está estructurada de una manera adictiva y funcional. Los capítulos son introducidos con un pequeño flashforward muy breve que intriga e incita la especulación, implicando así al espectador y haciendo mayor su predisposición a estar atento durante el episodio. Y eso le hace un gran favor a la serie, pues gracias a su duración y ser capaz de crear esta intriga, facilita que la audiencia pueda empatizar con sus personajes y pasar por alto algunos de los problemas que tiene a nivel argumental. Quizás sea por la influencia de uno de los totems actuales en lo que a series de animación se refiere como lo es Rick y Morty, pero Final Space pretende llevar un ritmo demasiado frenético, sobretodo en los primeros compases de su historia. No es que haya nada malo en eso, pero en ocasiones la serie confunde el ritmo frenético con precipitar la historia. La cadencia de las escenas y la de los acontecimientos a nivel argumental, son dos conceptos muy distintos y un producto puede tener un tempo más alocado en las escenas por su estilo, pero que no haya afectado a su imagen global ni adelante su trama en exceso. Y esto es lo que le ocurre a Final Space, le cuesta separar el ritmo gamberro inherente a su tonalidad de la progresión natural de los acontecimientos.
¿Por qué ver Final Space?
Respuesta rápida: entretiene. Quizás pueda parecer algo obvio, pero son muchas las ocasiones en las que nos encadenamos a una película o serie porque alguno de sus conceptos nos parece interesantes, obviando que ese producto en cuestión pueda ser tedioso en conjunto. Y Final Space entretiene como pocos. A pesar de tener alguna fisura en su presentación y no explicar del todo algunos conceptos, la serie fluye muy bien. No tiene un humor especialmente inteligente ni abruma exponiendo el nihilismo que supone nuestra existencia, pero es honesta y carismática.
Una propuesta interesante que se ha visto demasiado condicionada por las similitudes con productos similares en apariencia, pero que alberga toda una lista características distintivas e incluso frescas que la hacen original. Un entretenimiento ameno y divertido que seguro sorprenderá a más de uno.
Bienvenid@s amantes del décimo arte a nuestro particular noticiario semanal sobre el mundo de los videojuegos. Estamos en puro verano, el calor no perdona y tampoco lo hace la sequía estival de noticias que nos está haciendo tirarnos de los pelos, pero no desesperéis porque en agosto tendremos una nueva explosión gracias a la Gamescom de Alemania que acude al rescate para darnos un baño de jugosas novedades.
Mientras tanto la vida sigue y en el artículo de hoy os traemos un par de noticias relacionadas con Bethesda Softworks, una sobre el futurible Starfield y otra sobre Fallout 76, Sony y el crossplay, además del nuevo personaje anunciado para Soul Calibur VI. ¿Preparados?
Todd Howard, nuestro querido mandamás de Bethesda Game Studios ha tenido una semana ajetreada, ya que Fallout 76 esta siendo uno de los títulos más cacareados de estas fechas. Pero no todo es Fallout y inevitablemente han caído preguntas sobre Starfield, la nueva propiedad intelectual del estudio que nos llevará al espacio exterior y, contra todo pronóstico, sus declaraciones han abierto el debate sobre si Starfield podría aparecer también en consolas de esta generación como título puente entre PS4, PS5, XBOX ONE y XBOX NEXT.
Pero ¿de dónde viene esta información? Pues de Eurogamer, que tras el pasado E3 le hizo una entrevista a Howard en la que hacía las siguientes declaraciones:
“Los sistemas en los que saldrá -y cuales son los requerimientos d hardaware- son cosas que todavía están por determinar. Estamos tirando de la cuerda; pensando muy, muy a largo plazo y creando algo que pueda manejar hardware de nueva generación. Eso es lo que estamos construyendo, ese es nuestro objetivo, pero eso no significa que no pueda existir en sistemas actuales también.”
Ahí queda eso.
BETHESDA ACUSA A SONY DE NO PERMITIR CROSSPLAY EN FALLOUT 76
Y seguimos con los creadores de Fallout porque esta semana han metido baza en uno de los temas más controvertidos de los últimos meses. Sony se ha llevado más de un palo en los últimos tiempos debido a su aparentemente inmovible actitud sobre el crossplay ¿y que es eso? Pues la capacidad de jugar a juegos online con los jugadores de otras plataformas, por ejemplo, usuarios de PS4 jugando con usuarios de XBOX o PC en los mismos servidores.
Juegos como Fortnite o Rocket League han intentado poner en marcha este tipo de iniciativas desde el principio de la generación, pero ha sido Sony, aludiendo a las razones más variopintas (desde problemas con los hackers hasta que ellos necesitan controlar su ecosistema…por los niños) los que las han vetado una y otra vez, generando el descontento de los usuarios y una fama funesta respecto al asunto.
Todo el asunto ha llegado hace poco a los medios con fuerza debido a Fortnite, y es que los usuarios de PS4 no podían acceder a su cuenta en la versión de Switch, debido a la cabezonería de Sony, y para poner la guinda en el pastel esta semana Todd Howard ha anunciado en una entrevista con GameStar que, aunque ellos quieren crossplay para el nuevo Fallout 76, Sony “no está ayudando tanto como cabría esperar”.
No es la primera vez que Sony le agua la fiesta a Bethesda, también les pusieron innumerables trabas para poder sacar mods en consola para Skyrim y Fallout 4 y la verdad es que la inmovilidad del gigante nipón en estos tiempos está colmando la paciencia de muchos, especialmente porque temas como el del crossplay se reducen -literalmente- a ‘pulsar un botón’, y si no que se lo digan a los creadores de Fortnite que activaron el crossplay ‘sin querer’ hace poco durante unas horas, para que os hagáis idea de la facilidad del asunto.
En fin, esperemos que Sony reconsidere su política, que algún exempleado ha calificado en redes sociales como ‘puramente en aras de lo económico’ y deje a los usuarios jugar tranquilos, después de todo ¿no es su lema para vosotros, los jugadores?
TALIM VUELVE A SOUL CALIBUR, Y TENEMOS TRÁILER
Otro de los personajes más queridos de la saga de las almas y espadas ha sido anunciado esta semana, Talim, la chica vinculada al viento y con dos hojas tipo ‘tonfa’ ha hecho su debut con un diseño algo diferente al habitual, a diferencia de otros personajes como Ivy o Taki cuyos aspectos eran casi calcados los clásicos de Soul Calibur.
Talim debutó en SCII y también fue parte de la tercera entrega, pero a pesar de tener un largo número de fans se había quedado fuera del elenco de las últimas iteraciones de la saga, así que su rumoreada (y ahora confirmada) presencia se ha convertido en una agradable sorpresa para muchos fans.
Y hasta aquí la Fase Extra de esta semana, ya sabéis que siempre nos hace ilusión que comentéis y compartáis, así que si os ha gustado ya sabéis. Nos leemos dentro de siete días, esperemos que con noticias algo más jugosas, y hasta entonces y como siempre, sed muy felices.
La miniserie de seis números a cargo de Brian Michael Bendis y de la extraordinaria plantilla de artistas que han sido asignados a este proyecto está llegando a su fin. A estas alturas, no parece que vaya a revolucionar para siempre al Hombre de Acero, pero se trata de una lectura más que entretenida que, en este quinto número, nos ha dado momentos para el recuerdo. Sin más dilación, exploremos la penúltima entrega de la miniserie Man of Steel, con lo bueno… y, por supuesto, con lo malo.
Aunque en mi anterior reseña me quejaba de lo deslucidas que quedaban las escenas de acción, es cierto que la lucha parece extenderse número tras número, con pequeños parones para respirar pero sin detenerse jamás. En este caso, hemos tenido algunos momentos memorables en los que el nuevo antagonista de Superman ha demostrado su valía. Rogol Zaar no es ese personaje tan fascinante que nos vendían desde DC, pero es una adición interesante a los mitos de Superman que no me importaría volver en un futuro. Aunque no sabemos qué nos depara el sexto número, el final de este cómic nos anticipa una lucha no ya por los supervivientes de Krypton, sino por el propio planeta Tierra. La última splash page es una de las más impactantes de este tebeo.
No es de extrañar, viniendo de la mano del artista Adam Hughes. Este dibujante, conocido no solo por sus cómics sino también por sus ilustraciones pin-up, demuestra con creces por qué es uno de los grandes del medio: sin llegar al nivel de Kevin Maguire, tanto las escenas de acción como aquellos momentos más dramáticos aparecen reflejados con una calidad impresionante. Este ilustrador nos recuerda que sabe narrar con el lenguaje del medio, y que incluso un Superman vulnerable y derrotado debe parecer Superman.
No puedo abandonar este apartado sin recordar un detalle bastante positivo por parte de Bendis: a pesar de lo apresurada que fue la destrucción de Kandor, se ha acordado de ella. En la splash page inicial, vemos la perspectiva de la ciudad embotellada mientras el alienígena provoca su destrucción. Se trata de una imagen muy eficaz, con el ojo vigilante de Rogol Zaar observando a los aterrados kandorianos que, por cierto, están vestidos con una ropa que recuerda al Krypton pre-crisis. Es un gesto que se agradece, pero que resulta insuficiente por lo que supone esta ciudad para la historia de Superman. Ojalá Bendis tenga algún plan para ella o dedique tiempo a tratar las consecuencias de su desaparición.
La marcha de Jon (SPOILERS)
No parece haberse completado el flashback, pero ya conocemos las razones por las que Superboy abandona a sus padres para marcharse con su abuelo Jor-El, más conocido en tiempos recientes como Mr. Oz, y resultan… bastante decepcionantes. Este kryptoniano ha decidido adiestrar a su nieto y pedirle que le acompañe en su viaje por el espacio, como ya se sugería en las etapa anterior de Dan Jurgens. El problema no es la decisión de Jon en sí, sino lo poco reflexiva que parece.
Sabemos que se trata de un niño, y que siente cierta simpatía ante la trágica figura de su abuelo, pero también hay que recordar que este villano intentó purgar a los humanos del planeta Tierra en la última saga donde apareció, y que Superboy no se ha criado en una sociedad kryptoniana sino terrícola. Por eso, quizás habría sido mejor dedicarle más tiempo a este extraño encuentro familiar. Teniendo en cuenta que todavía no sabemos por qué Lois Lane no está con Clark en el presente, es bastante probable que Bendis vuelva a revisitar este hecho del pasado reciente.
Por último, hay que tener en cuenta que, en una de las historias de la etapa anterior, un Batman del futuro aparecía para asesinar al hijo de Superman, por la amenaza que este suponía para la Tierra. Jor-El podría ser el desencadenante del lado oscuro de Jon, que quizás no sea definitivo pero seguramente podrá aprovecharse para hacer evolucionar al personaje.
Conclusión
Aunque las escenas familiares y el flashback resultan decepcionantes, se trata de un penúltimo número bastante sólido que sienta las bases para el final de una aventura bastante entretenida. Todavía tenemos que leer el final de la misma para opinar, pero el buen guión y el bello dibujo dejan un buen sabor de boca tras esta lectura.
Muchas veces tenemos la sensación de ya haberlo sentido todo en la ficción. Los comentarios de «esto ya lo he visto» y «esta serie es igual que la otra», avasallan nuestros tímpanos hasta en la más monótona de las circunstancias. Y es algo inevitable, puesto que el número de productos y ficciones al que nos vemos sometidos cada vez es mayor. Pero precisamente por este fenómeno, cuando hay una serie capaz de emocionarnos y hacernos sentir parte de su historia, recordamos lo maravilloso que puede llegar a ser el mundo de la narrativa y de la ficción. Pero quizás no sería esta la mejor comparativa para lo que nos atañe hoy…
Curb Your Enthusiasm no enternece ni conmueve. Lejos de ser una de las consideradas tear-jerker, la serie te pega y te maltrata, te hace chillar y maldecir como si fueras el loco de la casa sin pedirte permiso ni perdón. Curb Your Enthusiasm es una comedia incomoda a la par que revolucionaria, que te hace sentir como nunca, pero no las cosas que querrías…
El poder de lo incómodo
A lo largo de la historia, son muchas las reformulaciones que han sufrido los géneros con tal de mantenerse frescos y originales de cara al público, desde hibridaciones hasta las mismas puestas en escena. Pero lo que hizo Curb Your Enthusiasm, quizás fue, a priori, uno de los movimientos más arriesgados y contraproducentes que cabía concebir a finales de los 90. Gran parte de las comedias ya no de la época, sino de la historia, se sustentaban en crear un ambiente agradable para el espectador a través de sus entrañables personajes. Lo que hizo Larry David fue coger estas premisas y quitarlas completamente de su serie, haciendo de la incomodidad su columna vertebral y sustento de la mayor parte de su humor.
Pero esta apuesta salió bien, pues al estar las situaciones movidas por la improvisación y en un entorno de suma cotidianidad, la serie se convirtió en un fenómeno sincero y brutal, capaz de demostrar que a partir de la incomodidad más exacerbada y el realismo más obtuso, es posible hacer atractivo y adictivo algo que va en contra de la lógica del deleite y el relax. Un poderío más que sorprendente capaz de hacer reír hasta la saciedad o arañar las paredes hasta quedarse sin uñas.
Larry David: la caricatura de la sociedad
La mayor parte de las situaciones a la que nos expone la serie, derivan directamente de las experiencias de su creador Larry David, que interpretando a una versión exagerada y desagradable de si mismo, proyecta una mezcolanza autobiográfica y ficticia que alberga la justa medida de realismo y disparate. Un conjunto sólido que fomenta el desagrado y que se ve aderezado con el mismo personaje de Larry David. Si bien ya hemos comentado antes lo peligroso que es sustentar toda una serie en un sentimiento que la gente tiende a evitar como es la incomodidad, ¿cómo será el personaje encargado de llevar todo ese peso a sus espaldas? Larry es el protagonista inevitable de esta formulación: bocazas, metepatas, de clase alta, muchas veces increíblemente egoísta, corto de miras, con desprecio a la mayoría de los sin sentidos comúnmente aceptados que conforman nuestra sociedad y que no se detendrá ante nada por satisfacer sus minúsculos malestares, aunque eso suponga ponerse al mundo en contra.
Pero precisamente el que albergue todas estas cualidades, es lo que le hace un vehículo idóneo para mover el espasmódico argumento de la serie. Por muy misógino o racista que pueda parecer en determinados contextos, Larry David es la encarnación de los grandes dilemas de la sociedad actual. Con el pretexto de ser un bocazas tiquismiquis, la serie trata toda una serie de temas tabú y nos insta de manera sutil a una reflexión sobre toda una retahíla de elementos que pueblan nuestras costumbres, tanto a nivel social como personal, que nunca nos hemos parado mirar con el debido detenimiento.
Nihilismo trascendental, la camuflada muerte de la banalidad
Quizás uno de los elementos que más desapercibidos pasen de la serie, sea su misma estructura y funcionamiento. En un inicio, parece que no hay progresión alguna y que se organiza a a partir de toda una ristra de capítulos autoconclusivos sin progresiones ni arcos de personaje. Pero Curb Your Enthusiasm no funciona así. Lejos de limitarse a un formato de sketches sin conexión alguna, podríamos decir que Larry David patenta la continuidad discontinua, dándole una progresión a determinados acontecimientos no siempre de manera inmediata. La continuidad aquí es un arma narrativa más y no obedece a las normas clásicas, sino que muta y se amolda a cada situación, apareciendo solamente en determinadas circunstancias fortaleciendo momentos dramáticos y sorprendiendo al espectador.
Y es que si hay una regla que se cumple a raja tabla es la de acción/reacción, nunca hay nada gratuito, tanto a nivel del mismo capítulo como con el paso de las temporadas. Gran parte de los acontecimientos que se presentan en Curb Your Enthusiasm, podrían catalogarse como banales o intrascendentes, pero todo termina volviendo habiendo adquirido una nueva significación, que normalmente contribuye al despropósito y desgracia de Larry.
¿Por qué ver Curb Your Enthusiasm?
Con Curb Your Enthusiasm, Larry David creó un nuevo tipo de comedia. No pretendo desmerecer el fantástico trabajo que hizo con Seinfeld, pero todos los temas que allí se implantaron los terminó de ampliar y desarrollar con esta serie. En cierto modo es como una continuación. Y Curb Your Enthusiasm terminó creando escuela, impulsando la salida de toda una serie de productos considerados como estandartes de la comedia contemporánea como Louie o Master of None.
Pero, dejando méritos y galardones a parte, si por algo vale la pena ver la serie es porque es una de las caricaturas más hilarantes y reales que podemos encontrar de la sociedad. Si Larry David consiguió algo con esta serie es poner una lupa sobre el ser humano y su comportamiento, encarnando nuestros defectos más embarazosos y sacando a la luz nuestras facetas más tóxicas. Una serie que mostró una manera desagradable y desternillaste de hacer las cosas, que rompió con muchas convenciones de género y nos abrió una puerta a martillazos para poder vernos desde otro ángulo.
Bienvenidos una semana más a un nuevo y caluroso domingo, y con ello un nuevo capítulo de esta sección: Lo mejor de la semana. Estos 7 días han sido más agitados que los de la semana pasada, pero nada de noticias relevantes de serie y una muy triste para los fans del mundo de los superhéroes, la muerte de Steve Ditko.
ADIÓS AL IVA
Hace 6 años en España sufrimos un aumento del IVA (impuesto sobre el valor añadido) cultural. Esto se vio reflejado en subidas masivas del precio de los cines, llegando a oscilar los 9.50 euros en muchos casos, y en otros tantos productos culturales. Esta semana, 6 años después, el Gobierno español ha decidido reducir el IVA al cine del 21% al 10%, donde nos situábamos hace 6 años, y con ello la bajada de los precios. ¿De verdad?
En teoría, y aunque nos alejamos un poco de lo que es esta sección, la bajada de los precios se produce a nivel nacional, pero cada una de las empresas de cine reducirá el precio como crea conveniente debido al aumento de precio en sus respectivos establecimientos. Así pues, la reducción será de en torno a 0.66 euros, una nimiedad, sí. Algo es algo.
A MI NO ME MIRÉIS, EL BIGOTE NO ES COSA MÍA
Está claro que vivimos en la época de quejarse. Desde hace muchos años, y gracias sobre todo a Internet, hemos vivido una situación de queja continua. Todos defienden ideales cada cual más absurdo y eso se ha visto reflejado en el cine. Para gustos colores, pero una cosa es que te disguste una cosa y otra muy diferente iniciar campañas de desprestigio, odio, violencia… Esta semana nos hemos topado de nuevo con esos que tienen la piel muy fina, y lo peor es que son los cabreados con el «desprestigio» sufrido por Snyder en Justice League.
Estamos ante el inminente estreno de Misión Imposible: Fallout y para quiénes no los sepáis, esta película es causante de uno de los momentos más absurdos en la historia del cine: el bigote de Henry Cavill. ¿Cómo puede ser causante? Sencillo. El actor trabajó en sus escenas de Superman en Liga de la Justicia y al acabar, firmó un contrato con Paramount Pictures para salir en la nueva cinta de Tom Cruise. Este contrato obligaba al actor a lucir una prominente barba y un bigote generoso. El problema vino cuando desde Warner se decició retomar la cinta de los superhéroes para rodar más escenas, cosa que Cavill hizo. El bigote de Cavill no supondría ningún problema en 2018, época en la que hemos tenido obras audiovisuales que han despuntado en sus efectos especiales, pero se ve que el único que quedaría ese día de rodaje era un becario e hizo «la chapuza».
Así pues, y después del resumen que os he hecho, esta semana varios fans de DC descontentos han decidido pedir explicaciones por toda la red para encontrar algún culpable del lío del bigote. A muchos de ellos el propio Christopher McQuarrie, director de la Misión Imposible: Fallout, les ha respondido que ellos no son los culpables. Pero, ¿por qué tanto lío? Pues, según unos enteradillos, la propia Warner habría ofrecido diversas soluciones a Paramount para solucionar el lío del bigote. Una de ellas incluía una compensación monetaria.
SCARLETT EN EL PUNTO DE MIRA, OTRA VEZ
Scarlett Johansson es una de esas actrices que sin ser malas, se ha enfrascado en un personaje, en este caso Natasha Romanoff. Sí, ha tenido algunos papeles fuera de Marvel y a uno me quiero remitir: Ghost in the Shell. En este caso la actriz estadounidense estuvo en el punto de mira por interpretar a la Major, un androide hiper desarrollado que trabaja como agente del orden en una Japón futurista, y esta semana ha vuelto a estar en el ojo de la tormenta.
¿El causante? La firma de un contrato en una cinta en la que interpretará a Dante “Tex” Gill, quién fue un famoso transexual de la década de los 70 propietario de varios centros de masaje por todo EE.UU. La polémica ha surgido en torno a la actriz por elegir papeles que según esta gente «no deberían ser para ella» y muchos echan la mirada a su personaje en la adaptación del anime. Sin embargo, es de muchos sabido que Motoko Kusanagi, personaje de la película, el anime y el manga, tiene de asiático el nombre. Una de las cosas de los manga y anime es que sus personajes tienen muchos más rasgos físicos occidentales que nipones y es por ello por lo que su papel en Ghost in the Shell no es más extraño que cualquier otro. Otra cosa es la calidad del filme.
MISA NO COMPRENDER
Esto no es algo que nos haga felices, pero sin duda es un nuevo momento de reivindicar el momento por el que está pasando la saga galáctica de Disney, anteriormente de Lucasfilm. La historia de Ahmed Best es tan poco conocida que sin duda pone los pelos de punta, pero de nuevo deja entrever que los denominados «fans» de Star Wars no saben discernir entre realidad y ficción. Ahmed es la persona que se encontró tras el personaje de Jar Jar Binks en la segunda trilogía de Star Wars. El personaje, conocido y odiado por muchos, era el desahogo cómico que George Lucas decidió introducir en La amenaza fantasma, pero que por el odio generado decidió colocarlo en un papel muy secundario para alegrar a los fans. Sin embargo, ese papel secundario casi destruye la vida de Ahmed.
En sus redes sociales, el antiguo actor ha compartido su experiencia hace 20 años con ese personaje, uno que casi le llevó a la muerte:
«Hace 20 años el próximo año me enfrenté a una explosión a los medios que todavía afecta mi carrera hoy. Este era el lugar donde casi termino mi vida. Todavía es difícil hablar de eso. Sobreviví y ahora este pequeño hombre es mi regalo por la supervivencia. ¿Esta sería una buena historia para contar? Déjame saber”.
Con esta foto, el actor compartió este texto que a muchos debería hacer reflexionar. Star Wars no es más que un producto como otros cientos de miles que se producen cada década. Es algo para sacar dinero, no lo hacen para vosotros. Dicho esto, no significa que hacerlo por dinero implique no amar esta saga, al contrario. Star Wars puede considerarse la saga que mejor ha evolucionado en la historia del cine. Con 40 años a sus espaldas, pasamos de cintas hechas por explorar lo que en sus orígenes era la idea de unos cuantos amigos, a un amor por lo visual, su universo expandido, sus personajes y sus relaciones entre ellos, las historias que se pueden contar de ahí… Sin embargo, parece que situaciones como las de Ahmed se tienen que repetir, si no estos «fans» no se quedarán a gusto.
¿ALIEN A TELEVISIÓN?
Continuamos con otra noticia no tan graciosa como curiosa y es que esta semana hemos sabido que la franquicia Alien podría dar el salto, de una manera u otra, al mundo de la televisión. Esto, sin duda, es un rumor como la copa de un pino, pero no sería nada raro teniendo en cuenta la situación de la franquicia hoy día.
El rumor sale a la luz por parte de Omega Underground, un medio estadounidense que de sus contactos ha oído que desde FOX se están planteando dar el salto a la televisión. Sin embargo, esto no despeja muchas dudas pues el acuerdo de la compra de FOX lo tiene en su terreno Disney, con lo que franquicias como Alien o Avatar estarían en la casa del ratón para dentro de un año. Esto, sin duda, no da mucha veracidad a esta noticia a no ser que FOX mantenga algún acuerdo como el de Sony-Disney en franquicias de tanto renombre como Alien para trabajar codo con codo.
RETORNO A LO CLÁSICO
X-Men: Dark Phoenix es la última baza de la saga mutante para contentar a un público decepcionado con ella. Con su retraso, al igual que el de su hermana Nuevos Mutantes, el estudio (y según algunas fuentes, con ayuda de Disney) está intentando mejorar su apuesta pues tras los pases previos la recepción fue algo fría.
Esta semana hemos conocido, por medio de una filtración y con algunas posibilidades de que no sea oficial debido a los reshoots, los trajes que los mutantes llevarán en la película y que sin duda suponen un retorno a lo clásico:
Pero, ¿qué pasaría si Dark Phoenix no llega a ver la luz?FOX ha actualizado sus estrenos futuros y no aparece por ningún lado esta cinta, pero sí Nuevos Mutantes. Tampoco es para alarmarse pues esto podría indicar que el acuerdo de Disney-Fox podría haber llevado a los mutantes mucho más cerca de la casa del ratón.
DE RESHOOT EN RESHOOT Y TIRO PORQUE ME TOCA
Otra cinta que ha sufrido los tan comentados y ya típicos re-rodajes es The Predator. El retorno del depredador espacial al cine supone una apuesta arriesgada sobre todo tras el estreno hace unos años de Predatos con Adrien Brody. Es por ello por lo que FOX ha decidido llevar de nuevo a los actores al set de rodaje para finiquitar algunos aspectos de la cinta de cara a su estreno el próximo septiembre.
El portal AvP Galaxy ha recopilado algunas noticias sobre qué englobarán estos reshoots y la mayoría se centran en escenas de acción, con lo que los grandes nombres de la película podrían no haber estado tan envueltos como otras cintas.
ADIÓS, DITKO
Acabamos con una noticia que sin duda no hará felices a ninguno, la muerte de Steve Ditko a los 90 años. El co-creador de Spider-Man o Doctor Strange ha sido encontrado muerto ayer en su apartamento. Según varios medios, el artista no murió ayer, sino que lo hizo hace aproximadamente dos días. Una pena que una de las mentes más brillantes de Marvel y que tanto han influido en la cultura popular fuera encontrado muerto solo y dos días después. Descansa en paz Steve, ahora eres leyenda.
¿Te has quedado con ganas de más después de ver la secuela Ant-Man y La Avispa? ¿ Te gustaría conocer más sobre los personajes y su mundo comiquero? Pues aquí hemos preparado este artículo con curiosidades, anécdotas y material para conocer más sobre nuestro hombre hormiga.
El Ant-Man original es Hank Pym, un bioquímico creador de las partículas Pym que le dan el poder a Ant-Man de cambiar su tamaño e hizo su aparición en Tales to Astonish #27(1962). Scott Lang, el protagonista de las adaptaciones cinematográficas que hemos visto es el segundo Ant-Man y su origen es similar al de las películas, aunque en los cómics su hija Cassie Lang padece de una enfermad y debido a esto entra a robar en casa de Hank Pym, para conseguir dinero para la cura de su hija. Hizo su aparición en Avengers #181 como Scott Lang y como Ant-Man en el cómic Marvel Premier #47 (1979). Por otro lado tenemos al tercer Ant-Man, Eric O´Grady que era un antiguo agente de S.H.I.E.L.D. que robó el traje en la sede de S.H.I.E.L.D, un personaje que tenía poco de heroico, por lo que fue criticado. Hizo su primera aparición en Irredeemable Ant-Man #1, en el año 2006.
A pesar de ser el original, Hank Pym ha cambiado de nombre superheróico en varias ocasiones, ha sido Giant-Man, Chaqueta amarilla, Goliath e incluso Avispa en los años 2009-2010 cuando Janet fallece (aunque su esposa Janet ha sido la que ha tenido mayor peso en este personaje).
Poderes y habilidades
Aunque las habilidades y poderes de los tres Ant-Man sufren algunos cambios y modificaciones, hablaré básicamente de sus poderes comunes. Henry Pym es el creador de las Partículas Pym, que permite que la masa se desvíe o se adquiera en una dimensión alterna, cambiando no solo su propio tamaño sino el de otros seres u objetos. Gracias a estas partículas que encontramos en el traje de Ant-man, construido de un tejido elástico sintético compuesto de moléculas inestables que se adaptan a los tamaños de su poseedor, Ant-Man puede cambiar su tamaño hasta llegar aniveles subatómicos (como hemos visto a Scott Lang). Además, aunque reduzca su tamaño, continua teniendo la misma fuerza que su tamaño original, aunque cuando logra alcanzar grandes tamaños, incluso llegando a la altura de un rascacielos, gana una fuerza y resistencia sobrehumana acorde con el gigante que es.
Además, el traje de Ant-Man incorpora un casco cibernético que le permite comunicarse telepáticamente con los insectos, logrando la ayuda de estos e incluso usándolos de montura.
¿En cuantos equipos han estado?
Hank Pym y La Avispa son miembros originales de Los Vengadores en los cómics, pero además han estado en Los Defensores, Los Defensores Secretos y Los Illuminati. Scott Lang ha estado en Los 4 Fantásticos y la Fundación Futuro, una asociación de super héroes fundada por Reed Richards con las mentes más brillantes de cada generación. Por otro lado, Eric ha formado parte de S.H.I.E.L.D. y los Thunderbolts.
La caída de Henry Pym
La primera idea que se tuvo en la película de Ant-Man era tener como protagonista a Henry Pym en lugar de Scott Lang, pero el legado poco ético de Henry Pym rechazó esta idea.
Henry Pym es una de las grandes mentes del universo Marvel, pero también uno de los personas con un pasado más turbio entre los super héroes. Henry a pesar de su mente y de ser un miembro original de Los Vengadores, siempre ha tenido complejo de inferioridad respecto a sus demás compañeros: Thor, Capitán América, e Iron Man. Las meteduras de pata del Doctor Pym son innumerables. En una ocasión, Henry golpeó a un enemigo innecesariamente cuando este se había rendido, por lo que Capitán América suspendió sus servicios en Los Vengadores. Esto provocó la furia de Henry, que construyó un robot llamado Salvación-1 para atacar a sus antiguos compañeros. Pero sin duda uno de sus episodios más lamentables fue el maltrato físico y psicológico que hizo sufrir a su esposa Janet, un hecho que provocó que se divorciaran. Fue una de las pocas veces que un cómic ha reflejado la violencia de un super héroe a su pareja en Marvel, por lo que en los años 80 fue algo que causó impacto entre los lectores, provocando que el Ant-Man original cambiara para siempre ni fuera perdonado por sus fans ni por sus compañeros.
El escritor de esta historia, Jim Shooter, dijo que su dibujante Bob Hall malinterpretó sus indicaciones, ya que él solo pretendía que Pym golpeara accidentalmente a Janet al señalarla con desdén, pero este hecho cambió el Universo Marvel de uno de sus personajes más emblemáticos.
Creador de Ultron
Ultrón es uno de los villanos más poderosos al que se han enfrentado Los Vengadores. Mientras que en el UCM fue creado por Iron Man y Bruce Banner, el Ultron de los cómics fue creado por el Doctor Pym mientras este experimentaba con la robótica de alta inteligencia. Ultron se volvió sensible y se rebeló, hipnotizando a Henry Pym para hacerle olvida la existencia del robot. Ultron se fue mejorando a sí mismo hasta convertirse en Ultron-5, liderando la segunda generación de Los amos del mal y luchando contra su creador y Los Vengadores.
Hope Pym villana
En los cómics, Hope Pym, la segunda Avispa e hija de Henry Pym y Janet Van Dyne es originalmente una villana de nombre Reina Roja quien junto a su hermano gemelo Big Man (Henry Pym Jr.) y una vez fallecidos sus padres, atacan a Los Vengadores con su propio equipo de super heróes llamado Revengers debido a la idea de que la nueva formación de estos no eran dignos del legado de su padre. Como podemos ver en las películas su personaje es totalmente diferente.
El resto de villanos
Entre el elenco de villanos de Ant-Man podemos encontrar gente tan hortera como Livin Eraser (Goma viviente), un enemigo que sí…borra a sus contrincantes; Escarabajo Mutante, creo que no hace falta decir mucho; EggHead, un hombre con cabeza de huevo; Torbellino, un villano cuyo nombre no engaña; Voice, quien tiene el poder de manipular a la gente con su voz. Entre las agrupaciones hemos visto a nuestro hombre hormiga luchar contra Los Maestros del mal.
Cassie Lang en Los jóvenes vengadores
En la secuela de Ant-Man estrenada recientemente, hemos visto que la hija de Scott Lang tiene gran protagonismo y un gran peso en el personaje. Los rumores dicen que se abre el camino a una adaptación de Los Jóvenes Vengadores. Cuando Cassandra es una adolescente forma parte del equipo original de Los Jóvenes vengadores, teniendo la misma capacidad de cambiar su tamaño que su padre, pero esta puede hacerlo sin necesidad de traje al haber sido expuesta a las partículas Pym durante un largo tiempo, aunque posee un casco como el de su padre que le permite comunicarse con miles de insectos.
Se sabe que una versión mayor de la que hemos visto en Ant-Man y La Avispa será interpretada por Emma Fuhrmann en Los Vengadores 4, por lo que parece que este será un personaje importante en el UCM.
Teaser y publicidad tamaño hormiga
¿Qué se puede esperar sobre la publicidad de adaptación cinematográfica de Ant-Man? Pues mínimo que sea minúscula, pero no en el sentido que estás pensando, sino en su tamaño real. Todos nos sorprendimos al ver el teaser a tamaño hormiga que lanzó Marvel ,pero no solo su teaser, sino que encontramos carteles y publicitarios de un tamaño mucho más reducido del que estamos acostumbrados.
Steve Ditko, artista de cómics y cocreador con Stan Lee de personajes legendarios como Spiderman y Doctor Strange, ha muerto. Tenía 90 años.
El Departamento de Policía de Nueva York confirmó que fue encontrado muerto en su apartamento en Manhattan el 29 de junio. Su muerte solo salió a la luz el viernes 6 de junio
Nacido en 1927 en Johnstown, Pensilvania, Ditko empezó su amor a los cómics a través de las tiras en los periódicos a temprana edad y descubrió su amor por los superhéroes al leer los primeros cómics de Batman, así como Spirit de Will Eisner. Después de graduarse en 1945, Ditko se alistó en el ejército, donde consiguió su primer trabajo en la industria del cómic dibujando historietas para periódicos del ejército.
Después de su licenciatura, Ditko estudió con el artista de Batman, Jerry Robinson en 1950 en la ciudad de Nueva York. A través de la tutela de Robinson, Ditko conoció al entonces editor en jefe y futuro CEO de Marvel Comics, Stan Lee. Se uniría al equipo inicial de artistas, incluido el maestro de arte del cómic Jack Kirby, en las primeras aventuras de Marvel.
Ditko jugó un papel decisivo en la creación de Spiderman, concibiendo los atributos distintivos del personaje, como su traje, los lanzaredes y el esquema de color rojo y azul después de que Lee no estuviera satisfecho con los diseños originales de Kirby. El personaje debutó en Amazing Fantasy 15 en 1962, y demostró ser tan popular que, en 1963, Marvel lanzó Amazing Spideman, la primera serie independiente del personaje con Ditko y Lee a la cabeza. Hasta la fecha, Spiderman es uno de los superhéroes más populares de la historia, ya que generó más de 360 millones de ventas de cómics desde su debut.
Doctor Strange debutó en 1963, pero Ditko se separó de Marvel a mediados de los 60 después de problemas con Lee. Entre los otros cómics que creó están la Chica Ardilla, Mr. A, Capitán Atom y Question.
Después de una breve temporada con Charlton Comics, Ditko se mudó al competidor de Marvel, DC Comics en 1968, donde creó a Creeper, un villano de Batman menor que ha hecho varias apariciones en el Universo DC.
Ditko fue yendo a diferentes editoriales durante el resto de su carrera como artista, a veces haciendo trabajos como autor independiente, incluso llegó a regresar a Marvel para trabajar en algunas series antes de pasar a otras aventuras.
Ditko mantuvo una vida personal privada, negándose a realizar entrevistas o hacer apariciones públicas. En cambio, fue celoso de su vida y de su trabajo.
Entre sus legiones de admiradores en el cómic, el mundo del cine y la televisión estaba el autor Neil Gaiman, que localizó al artista del cómic en su oficina de Nueva York en el documental «En busca de Steve Ditko«. Gaiman tuiteó: «Sé que soy una persona diferente porque estaba él en el mundo «.
Con el paso de los años, la ficción televisiva ha ido ganando relevancia hasta llegar al punto en el que nos encontramos hoy en día, donde ya es considerada como un producto de gran calidad, siendo incluso equiparada al cine. Dejando de lado los grandes problemas que suscitan estas comparaciones entre dos formatos sumamente distintos, sí que es cierto que cada vez son más los grandes nombres de la industria cinematográfica que deciden dar el paso a la pequeña pantalla, ya sea por necesidades narrativas, curiosidad o simplemente por el gran público que estas suelen traer.
Pero no siempre ha sido así, la televisión tuvo que luchar mucho en el pasado por reivindicarse como un medio narrativo competente y alejarse de las influencias de otros formatos más allá del cine, como el teatro o la radio. Hoy pretendo mostraros los inicios del cambio del paradigma en la concepción de la ficción televisiva, mediante las cinco primeras incursiones en las series por parte de grandes directores de cine y hablar un poco sobre el contenido de las mismas.
1.- Alfred Hitchcock: Alfred Hitchcock presenta (1955)
Estamos en los años 50 y pese al rápido auge en su popularidad, la televisión se sigue viendo como un entretenimiento insulso. Pero a pesar de ello, fue una de las décadas con mayor crecimiento para el formato: en el 51, I love Lucy fue la primera serie en ser grabada de la historia, abriendo todo un abanico de posibilidades narrativas al alejarse de la emisión en directo; en el 53, Paddy Chayefsky confeccionó Marty, que se convirtió en la primera serie en ser adaptada a la gran pantalla, abriendo los ojos así a las posibilidades de la ficción televisiva; y en 1955, Alfred Hitchcock inició su antología Alfred Hitchcock presenta, que terminó ya no solo remodelando la concepción del cine hacia las series, sino también la de la audiencia.
Hitchcock gozaba ya de cierto renombre en la época, ya que había hecho grandes películas como La ventana indiscreta y La soga. El hecho de que alguien de su categoría irrumpiese semanalmente en los televisores, mostrando un lado más cercano y cómico, causó gran revuelo en la industria y en la población, propulsándolo al éxito. El director ejercía principalmente de productor, supervisando los actores, directores y decidiendo los relatos que se debían emitir; pero eso no le impidió dirigir algunos, siendo 17 el total de capítulos de los que se encargó. Pero si de algo le sirvió la serie, fue para descubrir a dos individuos:Vera Miles (Psicosis y Falso culpable) y John L. Russell, director de fotografía de prácticamente todos los episodios y que trajo a Psicosis más adelante.
La serie planteaba capítulos autoconclusivos, sin ningún nexo en común más allá del leitmotiv de suspense marca de la casa. A Hitchcock al principio no le entusiasmaba especialmente la televisión -la consumía por los concursos y poco más- y tendía más a ver su auge como una amenaza para el cine, como era habitual en la época. Pero su agente le terminó convenciendo de las posibilidades del medio y el director terminó moviendo la idea que tenía de antología radiofónica a la televisión en lo que, con el tiempo, demostró ser una fructífera decisión.
Y es que Alfred Hitchcock presentamarcó un antes y un después en la historia de la televisión.Trajo a nombres conocidos de la gran pantalla a la pequeña, fomentando la interacción entre ambos mundos; motivó a otros grandes autores a apostar por el medio y por las antologías -como Rod Serling y su famosa La zona desconocida-; y, quizás uno de los aspectos más relevantes, contribuyó a cultivar contactos y creatividad, convirtiéndose en el entrañable y misterioso icono cultural que conocemos hoy en día.
2.- Ingmar Bergman: Secretos de un matrimonio (1973)
A pesar de no ser su primer trabajo en televisión, me he visto prácticamente obligado a seleccionar Secretos de un matrimonio para hablar del director en la industria, por motivos más que obvios. No pudiendo gozar del título de primer gran director en apostar por las series, Bergman sí que puede presumir de ser uno de los más prolíficos e implicados en su desarrollo. Cuando la televisión llegó a su país, él ya venía de ganar la Palma de Oro en Cannes y gozaba de cierto prestigio internacional, pero el director veía en el medio algo especial: la convergencia entre teatro y cine. Y fue así como en 1957 se encargó de trasladar a la pantalla una obra de teatro, siendo este el primero de muchos trabajos que realizó el sueco para televisión, tanto adaptaciones como productos íntegramente suyos.
Pero fue a finales de los 60 cuando empezó a generar un contenido más refinado para televisión, consiguiendo grandes series como El rito en el 69 o Reservatet en el 70. Esto se debió a una mayor interacción entre Bergman y la televisión sueca, estando esta última decidida a potenciar manuscritos de prestigio para la European Brodcast Union, organización que estaba impulsando la puesta en común de los guiones para así hacer adaptaciones más fácilmente y exportar la ficción del país. Esta mayor exportabilidad y posibilidad de llegar a más gente se demostró eficaz con la adaptación en la BBC de Reservatet, serie que sirvió a Bergman como preludio para así poder confeccionar en 1973 Secretos de un matrimonio.
La serie, escrita y dirigida íntegramente por él, aborda la desintegración de un matrimonio, asignando cada fase de esta a un capítulo. Bergman consiguió exprimir en esta serie el formato televisivo, utilizándolo para profundizar paulatinamente en los personajes y desarrollar su arco con el paso de los capítulos -concepto que nos puede parecer ahora habitual, pero que no empezó a utilizarse hasta 1963 con la llegada de la serie El fugitivo-. La serie está filmada de un modo angustiante y claustrofóbico, rodada con primeros planos muy cerrados y con un estilo austero y naturalista. La tensión era tal, que el director ponía al final de los capítulos imágenes del tranquilo entorno natural en el que se desarrollaban los hechos para relajar a la audiencia, que sentía invadir la privacidad de la pareja.
Secretos de un matrimonio tuvo un gran éxito tanto a nivel nacional como internacional, llegando a ganar diversos premios entre los que se encuentra un Globo de Oro. Bergman desarrolló también más adelante una secuela llamada Saraband, pero el director destacará por la asiduidad de colaboraciones con el medio y por cómo ayudó a elevar la imagen de la ficción televisiva. Bueno, por eso y por ser el responsable del aumento de divorcios en Suecia y otros países nórdicos…
3.- Steven Spielberg: Amazing Stories (1985)
Muchos años han pasado ya desde los inicios en directo de la ficción televisiva: gracias a la era de las antologías que desató Alfred Hitchcock presenta se pudo apreciar el potencial narrativo del formato y lo catapultó al siguiente paso que propició El fugitivo, aportando un arco argumental de desarrollo en la misma estructura serial. Pero precisamente por el desarrollo de dramas e incluso comedias de continuidad, la llegada de la antología Amazing Stories -la serie creada por Steven Spielberg- no parecía un movimiento inteligente. Pero el nombre del ya consagrado director, era garantía suficiente para la NBC, que firmó dos temporadas con Spielberg sin si quiera haber producido el piloto -recordemos que ya había dirigido películas como Tiburón, Indiana Jones o E.T.-. Tal era el poder de su nombre, que impulsó un leve resurgimiento de las antologías antes incluso del estreno de la serie y dio pie a que la CBS reviviese La zona desconocida y HBO sacase The Ray Bradbury Theatre.
El caché de la serie no solo se limitaba a Spielberg. El director, a parte deescribir gran parte de los episodios y dirigir unos cuantos, no puso el resto de capítulos en manos cualquiera: directores como Clint Eastwood, Martin Scorsese, Burt Reynolds o Robert Zemeckis dejaron su huella por la serie; y actores como Mark Hamill, Danny DeVito o Christopher Lloyd también hicieron acto de presencia. Y todo esto aderezado con bandas sonoras compuestas también por algunos de los mejores como John Williams o Danny Elfman.
Pero a pesar de los grandes nombres, los numerosos Emmys y la aclamación por parte de la crítica; la serie no fue renovada por su escasa audiencia. En última instancia, la gente no terminó de conectar con el espíritu de la antología y prefirió volver a las series más continuistas que tener que sumergirse cada semana en una historia nueva.
4.- Robert Zemeckis: Tales from the crypt (1989)
Otra fue la suerte que tuvo la antología de su amigo Robert Zemeckis cuando se embarcó en el alocado proyecto que terminó siendo Tales from the crypt. Debido a que la serie fue de HBO -cadena por cable en aquel entonces- no se vio condicionada por el habitual departamento de revisión de contenidos en la época, por lo que pudo dar rienda suelta a auténticas salvajadas.Tales from the crypt estaba basada en unos cómics publicados por EC comics en la década de los 50, por los que los creadores sentían especial devoción.
El Guardián de la Cripta introducía los episodios con juegos de palabras y chistes malos
Grandes nombres fueron los que pasaron por la serie cada semana para participar en el siguiente grotesco relato de terror, tantos o incluso más que los de Amazing Stories (actores como Daniel Craig, Steve Buscemi, Ewan McGregor, Benicio del Toro, Demi Moore…). Con el paso de los años, Tales from the cryptse convirtió en la serie más longeva de las estrenadas por HBO en la época, teniendo un total de 7 temporadas y un total de 93 episodios que se extienden desde 1989 hasta 1996.
Pero si por algo pasó a la historia fue por su irreverencia. La serie mostró por primera vez de manera evidente el potencial que albergaba la televisión por cable, permitiéndoles mostrar una violencia inusitada hasta el momento e impensable en las cadenas tradicionales, remarcando la tendencia de que las series que se creaban en HBO iban dedicadas a un público adulto, a diferencia de las predominantes series familiares a lo largo de la historia de la televisión.
5.- David Lynch: Twin Peaks (1990)
Es muy posible que de los 5 productos que comento en este artículo, este sea el más difícil de sintetizar. Twin Peakssupuso un antes y un después en el mundo televisivo, no por ser una excentricidad característica de David Lynch, sino por la reformulación del formato que puso sobre la mesa y por cómo expandió las expectativas del público ante una serie. Estamos en los años 90 y un estrafalario David Lynch decide apostar por la pequeña pantalla tras venir de dos nominaciones a los Oscar y de impresionar a la industria cinematográfica con Terciopelo Azul. Siendo conscientes de su particular estilo, la idea de una serie hecha por alguien de esta índole se antojaba cuanto menos curiosa, más aún si tenemos en cuenta que Mark Frost (co-creador junto a Lynch) era ya un consolidado guionista de programación habitual en la televisión, de calidad pero costumbrista (Canción triste de Hill Street por ejemplo).
Twin Peaks puso encima de la mesa un whodunnit clásico, pero la serie pasó rápidamente de ser un thriller policiaco habitual a un campo de exploración narrativo para un Lynch obsesionado por explorar el folklore de la América rural. La gente no tardó mucho en pasar de preguntarse «¿Quién mató a Laura Palmer?» a «¿Qué pasa en Twin Peaks?» y es que ese thriller es tan solo el pretexto para sumergirnos en la cara oculta del pueblo, un universo distinto con personajes enrarecidos pero a la vez incómodos y reales. La serie exigía al público un compromiso al que no estaban acostumbrados con simbolismos y elementos paranormales que le añadían capas de complejidad a un producto apreciable a distintos niveles. Y quizás lo más sorprendente de todo, es que se convirtió en todo un fenómeno tras su primera temporada, siendo tema de discusión habitual entre miles de estadounidenses, teniendo la nada menospreciable audiencia de 34’6 millones de espectadores en su episodio piloto.
Pero al final, su popularidad decayó. Entre que el público no estaba acostumbrado a un visionado tan disciplinado -la mayoría consumía la televisión de manera casual-, la ausencia de Lynch en gran parte de la segunda temporada por estar trabajando en Corazón salvaje y su subsecuente bajada de calidad; terminó por impacientar a la ABC, que precipitó la solución del misterio de Laura Palmer, siendo algo que el mismo Lynch afirmaba no querer desvelar todavía puesto que no era la línea de la serie.
Aunque la de Twin Peaks es una historia con final feliz, pocas series se pueden permitir el lujo de volver tras un hiato de 25 años, y gracias a eso tuvimos este 2017 una de las mejores experiencias de la televisión con lo que quizás, sea lo más Lynch visto hasta el momento.
Para ir terminando…
Gracias a estos productos, hemos podido ver posteriormente a Scorsese dirigir su propia serie, a Spielberg producir mucho contenido en el medio que le vio nacer, a la fantástica The Knick de Steven Soderbergh o incluso a los Coen anunciar su western televisivo.
Perdonad la extensión, pero he creído necesario hacer hincapié en el contexto histórico y concepción de estos productos, pues son historia de la televisión y, en mayor o menor medida, han influenciado y cambiado el medio del que hoy en día tanto disfrutamos. Hay muchas más que han tenido impacto y han seguido moldeando el formato, pero estas en concreto contribuyeron a generar un cambio de paradigma en la concepción y visión de las series, derribando muros de escepticismo con la industria cinematográfica y mostrando el formato por lo que realmente es: una manera distinta de contar historias.
Me confieso culpable: no soy un apasionado de los coches. Me gustan pero no con pasión. No compro revistas de coches ni sigo el mundo del motor de forma asidua. Si también es tu caso, este post es para ti; si eres un fanático del automovilismo, no voy a descubrirte nada nuevo y te pido perdón por los errores que pueda cometer. En esta ocasión nos fijamos en otra serie original de Amazon Prime, con la particularidad de que no es una serie de ficción sino un show, un programa sobre amistad, gamberradas, viajes y si, también sobre coches. Bienvenidos a The Grand Tour, cuyo primer episodio es, con todo merecimiento, el más pirateado de la historia por delante de Juego de Tronos.
Top Gear es uno de los programas más veteranos de la BBC y debe ser considerado el germen de The Grand Tour ya que este último prácticamente calca su formato. El programa se estructura en una serie de reportajes sobre coches, protagonizados en su gran mayoría por el trío de presentadores del programa: Jeremy Clarkson, Richard Hammond y James May, antiguos presentadores también del mencionado Top Gear.
En cada episodio, Clarkson, Hammond y May presentan el programa en una gran carpa que va cambiando de ciudad en ciudad, de Las Vegas a Johannesbug, de Inglaterra a Finlandia, cubriendo los cinco continentes y haciendo honor al Grand Tour del título. Alrededor de una mesa, los protagonistas / presentadores comentan temas de actualidad, hablan de coches y dan paso a los reportajes. Dicho así no parece gran cosa pero hay que añadir que, ya de paso, se meten con los tópicos de cada país que visitan, los coches que pilotan van del Aston Martin Vulcan a un Porsche o un Lamborghini y que los reportajes son auténticas gamberradas donde los coches a veces (solo a veces) son lo de menos. Y todo esto con un estilo totalmente desmadrado, sin pelos en la lengua y donde lo políticamente correcto brilla por su ausencia, un estilo marca de la casa que ya generó polémica en su antiguo show y que, unido a la mala hostia que destila, le costó a Clarkson su puesto en la BBC tras más 10 años al frente del programa. Tras su despido por agresión a un productor, Hammond y May se despidieron en solidaridad con su compañero, ficharon por Amazony todos salimos ganando. Bueno, todos no porque Amazonpaga una pequeña fortuna por cada episodio y es dudoso que les salga rentable.
Viajes, coches, amistad y mucha testosterona
No voy a entrar en detalles acerca de los coches que vemos en el show porque ya he dicho anteriormente que no soy ningún experto. Resultaría ridículo hablar de sus prestaciones, caballos de potencia, acabados, etc sin tener ni idea de lo que hablo. Lo que si os puedo decir es que son coches que ni vosotros ni yo vamos a conducir en nuestra vida, ya no hablemos de pensar en comprar uno. Son coches deportivos, de alta gama y para ricos que los puedan mantener. Eso no quita que no podamos disfrutar con las pequeñas carreras que Clarkson, Hammond y May organizan con ellos. Además, el programa presenta un estilo visual impecable. Añadid a los impresionantes paisajes por donde circulan los protagonistas y ya tenemos un buen show con el que pasar el rato.
He escrito un par de veces protagonistas y lo he hecho con toda la intención. Hay momentos en que Clarkson y sus compinches deben recordarnos y recordarse a si mismos que estamos en un show de coches porque es tanto su carisma que centran gran parte del programa en ellos, en sus relaciones, en sus bromas, en su amistad. The Grand Tour es, sobretodo, una celebración de la amistad y de la vida, un programa que invita a relajarse, a reír, a disfrutar de las cosas. Es verdad también que, sin ser machista, destila testosterona por un tubo. ¡Y ya era hora! Eso de meter floreros para que a muchos se les caiga la baba puede estar bien si retransmites el mundial de fútbol y te llamas Manu Carreño pero este es un programa que no se esconde y que llama a las cosas por su nombre. Quien quiera ver mujeres guapas que se compre el Playboyy quien quiera ser políticamente correcto que se vaya a un congreso de Podemos.
Como hay veces en que sobran las palabras, os dejo un par de vídeos para que podáis valorar la opción de engancharos al programa. A destacar el del coche hecho con huesos de Jeremy Clarkson, cuando los tres amigos deciden intentar hacer un coche cuyo chasis sea ecológico y sostenible, llegando a la lógica conclusión de que hablar de ecología y sostenibilidad cuando hablas de coches de altas prestaciones, que consumen litros y litros de gasolina cada pocos quilómetros es una auténtica chorrada. Igualmente, destacar el Hundir la flota entre Hammond y May hecho con coches. Una auténtica locura. Disfrutad pues con un gran programa que no tiene mayor pretensión que entretener y ponernos los dientes largos. Un saludo, sed felices.
Además convierte a Los Vengadores en una unidad especial de las fuerzas de paz de la ONU, en The Avengers #329 (91). Un nuevo estatus que implica una nueva formación. Dicha formación incluye a la Viuda Negra, sin explicar cuándo ha vuelto al grupo. El resto de miembros serán Thor, El Capitán América, Sersi, Hulka, Visión y Quasar. Formación heredada de la etapa Byrne. La novedad será que este grupo tendrá siete reservas fijos. Cinco de ellos son ya conocidos: La Capitana Marvel, El Halcón, El Caballero Negro, Spider-Man y Hércules. Este último había regresado a nuestra realidad en The Mighty Thor #407 (89).
