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X-Men’97, innecesario chute de nostalgia noventera

Disney+ ha estrenado la esperadísima X-Men’97, continuación de la serie de animación que engancho a muchos a los superhéroes. Y lo hace justo donde terminó aquella, con la muerte de Charles Xavier (o no) y con los X-Men enfrentándose a una humanidad que les teme y les odia, aunque ellos han jurado protegerla. Vamos con los dos primeros episodios de X-Men’97.

A mi, mis X-Men

En el primer episodio, los X-Men deben rescatar a Roberto DaCosta (Mancha Solar) de las garras de una organización fanática de humanos que cuenta con tecnología centinela. Se supone que tras ellos se halla Bolivar Trask, creador de los Centinelas (robots gigantes cazadores de mutantes). Intentando hallar su paradero, Cíclope y Tormenta se plantan en la cárcel para interrogar a Henry Girich, el asesino de Xavier.

Jean Grey, ayudada por Cerebro (ordenador detector de mutantes) localiza a Trask en el desierto del Sáhara (qué puñetas hace allí no nos lo cuentan) intentando activar el Molde Maestro, el Centinela definitivo. Tras una batalla (no muy complicada, la verdad) los X-Men derrotan al Molde y a Trask y regresan a la mansión para encontrarse con una sorpresa: el testamento de Xavier nombra Magneto su heredero y le deja la mansión, los millones y los X-Men.

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Comienza la liberación mutante

Tras la llegada de Magneto, Cíclope y Jean Grey (que está embarazada) se replantean su decisión de irse, a pesar de que son conscientes que los X-Men no es precisamente el mejor lugar para criar un hijo.

Mientras, Magneto intenta demostrar que ha cambiado (pese a que siempre tiene esa cara de malo) salvando a cuantos más humanos mejor pero eso no es suficiente y debe afrontar un juicio por sus crímenes pasados. Es entonces cuando sufren el ataque de los fanáticos que vimos en el episodio anterior y esta vez van equipados con una tecnología capaz de eliminar los poderes mutantes.

Tormenta recibe un disparo destinado a Magneto y pierde sus poderes y con ello su conexión con la naturaleza. Magneto logra superar sus ansias de venganza y deja con vida a quienes intentaron matarle. De vuelta a la mansión, Tormenta abandona el grupo y el puerta les espera una nueva sorpresa: otra Jean Grey.

x-men

Nada nuevo bajo el sol

X-Men’97 es justo lo que prometía: una continuación de la serie de los 90, con un mejor acabado pero prácticamente con la misma estética. A nivel argumental, la serie no aporta nada nuevo, limitándose a reciclar (o más bien a fusilar) las tramas desarrolladas por Chris Claremont en los años 80 y principios de los 90. Quien no las conozca seguramente las disfrutará como las disfrutamos otros en su momento.

Y es que ahí están los Centinelas, el Juicio de Magneto, la pérdida de los poderes de Tormenta (que llegó a su conclusión en «Muerte viva», episodio dibujado por Barry Windsor-Smith que fue un hito en su momento) e incluso ese clon de Jean Grey que se sacó de la manga Claremont cuando se vio obligado a matarla.

Muerte viva

Pero si ya lo conoces, pues bueno, pues vale, lo mismo que en los cómics pero peor, que una cosa es el arte gráfico de dibujantes como Windsor-Smith o John Romita Jr. (quien, si no voy mal, diseño ese uniforme espantoso con la M en el pecho que lleva Magneto en la serie) y otra esa animación made in años 90.

Magneto

Contentando al personal

X-Men’97 no tiene otra razón de ser que contentar a los nostálgicos que crecieron con esta serie en los años 90. Si no, no se entiende que hayan optado por esa opción retro cuando, en pleno 2024, tenemos buenos ejemplos de lo que se puede hacer hoy en día en animación. Sin salir de Marvel, tenemos What If…, mucho más moderna y con argumentos que gustarán más o menos pero que en ocasiones son incluso mejores que las historias en que se basan. Aquí ya sabemos lo que pasará porque ya nos lo han contado.

Así que no queda otra que preguntarnos: de verdad, ¿era necesario?. Yo creo que no pero la nostalgia vende mucho. Es una opción que hoy en día está de moda pero si no la manejas con cuidado te puede estallar en la cara. Hay que saber dominarla y un ejemplo es  Cazafantasmas: más allá, película que sin ser nada del otro mundo sabía conjugar nostalgia y modernidad y dejaba a todo el mundo contento.

En X-Men’97 han optado por anclarse en el pasado, a nivel estético y argumental y eso no es para mi y creo que tampoco para quien no conozca la serie original, que va a encontrarse con tramas ya empezadas y con personajes que igual no saben de dónde vienen o a dónde van. De momento sólo llevamos dos episodios pero el tono es el que es. Esperemos que la cosa mejore. Un saludo, sed felices.

Crítica de Nos vemos en otra vida (2024), brutal aproximación al 11-M.

No es fácil hablar del 11-M. El mayor atentado terrorista en la historia de España y el segundo en Europa. 192 muertos y miles de personas con secuelas físicas y psicológicas. Además, la cercanía con las elecciones motivó el debate acerca de la autoría del atentado que aún pervive en forma de grieta social y política que todavía alimenta muchos enfrentamientos tanto en la esfera pública como en la privada. Si el 11-S unió, el 11-M dividió.  En 2024, veinte años después del suceso, se estrena Nos vemos en otra vida, adaptación del libro de Manuel Gabois en el que el periodista entrevistaba al condenado Gabriel Vega, conocido como Baby.

Nos vemos en otra vida es una serie de Disney Plus centrada en la figura del mencionado Gabriel Vega, el primer condenado por los atentados del 11-M, un chico de 16 años acusado de transportar parte de los explosivos usados en el atentado desde Avilés a Madrid. Tras salir del centro de menores e intentar llevar una vida alejada de los focos, fue encontrado por Manuel Gabois, periodista que quiso conocer las motivaciones detrás de su participación en el atentado.

La serie es una apuesta personal de los hermanos Sánchez Cabezudo, Jorge y Alberto. Ambos son los autores de uno de los mejores thrillers españoles del siglo XXI, la magistral La noche de los girasoles. Sin embargo, su aportación más reconocida fue Crematorio, serie española con José Sancho generalmente alabada como la mejor de la historia de nuestro país.

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Llegué a Nos vemos en otra vida a través de las alabanzas críticas de distintas webs especializadas. Esto puede llevar a engaño, dándonos a entender que es la serie definitiva sobre el 11-M. Nada más lejos de la realidad. No es esta una crónica histórica ni política sobre el atentado y sus consecuencias. Nos vemos en otra vida cuenta una trama muy limitada, centrándose en un pobre desgraciado inmerso en una infancia y adolescencia marcadas por la pobreza y la falta de futuro que acaba colaborando en un atentado terrorista y convirtiéndose en un apestado para la sociedad española.

Colocarnos en el punto de vista de uno de los colaboradores de los terroristas es delicado. Habría sido fácil caer en el maniqueísmo, pero los hermanos Sánchez Cabezudo no solo respetan a las víctimas, sino que realizan una profunda radiografía de la España de principios de siglo XXI y, sobre todo, de cómo la pobreza es el caldo de cultivo perfecto para sumergir a una persona en un oscuro camino de implicación sin medir las consecuencias.

Esto se consigue a través de dos hallazgos magistrales. Por un lado, un acertadísimo casting en el que destacan actores desconocidos, muchos de ellos captados en la mismísima Avilés donde se desarrollan los hechos. Incluso participan algunas de las víctimas en el capítulo del macrojuicio por el atentado. De todos ellos, el más conocido es Pol López, un desquiciado mentor que acaba convirtiéndose en el peor padre posible de nuestro protagonista. Su papel me recuerda al del James Cagney de Ángeles con caras sucias, un gángster que acaba aprovechándose de menores de edad. Solo que el personaje de López no tiene ninguna redención posible. Desde ya, uno de los personajes televisivos del año.

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El segundo y más interesante es el ritmo de la historia. En su primera parte, Nos vemos en otra vida nos recuerda al Martin Scorsese de Uno de los nuestros o Casino. Gran música, voz en off y todo tipo de maniobras estéticas destinadas a contagiarnos el frenesí de cómo un menor sin futuro adquiere dinero y respeto a través de la ilegalidad. No parece haber otra solución, tanto por la personalidad del chico como por la nula posibilidad de ayuda social. En este punto, es fácil ponernos en la piel del protagonista, hasta el extremo de colocarnos de su lado en las múltiples escenas de suspense en las que parece que será detenido.

Posteriormente, la cámara se aleja y el ritmo se enlentece.  El atentado ha ocurrido y las consecuencias son bien patentes. Pocas producciones han reflejado mejor el contraste entre la euforia de llevar a cabo una acción sin pensar en las consecuencias y la devastación de enfrentarte a ellas.

La cámara no juzga (lo que es difícil en una serie de estas características). Nos vemos en otra vida no pretende tachar a Baby de malvado, sino de cómo, en unas circunstancias sociales determinadas, un individuo puede ejercer su libertad y acabar perdiéndola tras haber sido, entre otros, responsable de casi 200 muertos.

En definitiva, Nos vemos en otra vida no es solo la mejor serie de lo que llevamos de 2024, sino la mejor serie que estos ojos han visto en la historia de nuestro país. Es una sencilla historia enmarcada en el acontecimiento histórico más importante del siglo XXI español que nos ayuda a comprender el impacto del atentado en toda su sencillez. Y, de paso, una aguda reflexión sobre cómo los problemas sociales son el perfecto caldo de cultivo para ser utilizados en actos cuyas consecuencias son imprevisibles.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Tráiler e imágenes del videojuego Marvel 1943: Rise of Hydra

Hace un año y medio ya me hice eco de que el Capitán América y Pantera Negra eran protagonistas de un videojuego: Marvel 1943: Rise of Hydra. Y por fin tenemos tráiler:

El juego está desarrollado por Skydance Media, estudio en donde está a cargo la guionista de Uncharted, Amy Hennig.

En el juego controlaremos a cuatro personajes: Capitán América, Azzuri como Pantera Negra, abuelo de T´Challa; también al soldado estadounidense Gabriel Jones y Nanali de Wakanda.

En el video se puede ver que Capitán América será muy contundente en el combate haciendo lógicamente hincapié en el uso del escudo. Por su parte Pantera Negra destaca por su agilidad y el sigilo.

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¿Qué nos cuenta Marvel Rise of Hydra?

Ambientado en la Segunda Guerra Mundial, El Capitán América y Azzuri, la Pantera Negra de la década de 1940, deberán superar sus diferencias y formar una alianza junto a Gabriel Jones de los Comandos Aulladores y Nanali, una espía de Wakanda,  para enfrentarse a la poderosa y secreta organización Hydra.

De momento el tráiler es puramente cinematográfico, pero no tenemos nada en el video de gameplay real.

Lo que sí sabemos es que el juego llegará en algún momento del 2025.

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Un saludo y sed felices.

Análisis de Invincible (Invencible). Temporada 2. Capítulos 5 y 6

¡’Invincible (Invencible)’ ha vuelto a Amazon Prime! Tras cuatro meses de parón, que han sido muy largos, la segunda parte de la segunda temporada ha empezado ya y una cosa hay que tener claro: No ha soltado el acelerador.

El quinto episodio marca un retorno triunfal a la esencia de Invincible, combinando escenas de acción intensa y sangrienta con el crecimiento de los personajes que hacen tan especial esta obra del señor Kirkman. Esto promete.

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El capítulo cinco retoma la acción justo donde terminó el anterior, con Mark gravemente herido en medio de las ruinas de Thraxa, devastada por los Viltrumitas.  De aquí va a nacer una trama que apunta a ser bastante interesante, ya que la emperatriz le pide a nuestro protagonista que se lleve a su hermano a la tierra ya que la corta esperanza de vida de esta raza dejará al bebé solo. Decisión que va a hacer que Debbie se encuentre ante un dilema moral difícil de sobrellevar: Tener en casa al hijo que ha tenido tu marido con otra mujer.

Invencible es una serie en la que las emociones y las situaciones dramáticas tienen un gran protagonismo y eso la hace ser una producción de éxito. Es por ello que, pese a la acción y hemoglobina constantes, la ficción se detiene en momentos como el dolor de Donald al descubrir que pasó con él tras unos capítulos en los que sabíamos que algo no iba bien.

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Si debemos hablar de algo que sea el grueso de estos dos primeros episodios es el retorno de los Sequids y de lo que ello va a significar para el devenir de la temporada. Ya no solo por todo lo que ocurre en el enfrentamiento que hay en la nave marciana, sino por la que tiene lugar en la tierra.

Como he mencionado, esta serie se basa mucho en el crecimiento de los personajes y creo que el que mejor escrito está es Rex Splode y eso se demuestra en la visita para reclutar a Atom Eve, quien aún lidia con su fracaso en Chicago.

Es curioso como la serie nos engaña, dándole mayor prioridad al combate contra la amenaza marciana y resulta que todo lo importante para el futuro de la serie ocurre en la tierra con Rex, Dupli-Kate y Rae. Muy bien construida la acción y la emotividad en esa parte del capítulo. Invencible sigue estando en muy buena forma.

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Esto va a ser un reinicio para este personaje y para que no sea un mero ‘capullo’, chulo y prepotente, además habrá que ver como sobrelleva la pérdida de Kate, Inmortal creo que no lo va a llevar demasiado bien.

Debo alabar la forma en la que se está llevando la relación de Amber y Mark, muy orgánica y bien narrada, por el contrario creo que ha sido un error que el cuidado de Oliver recaiga en alguien que no sea Debbie, ya que esto podía haber sido su reconciliación con Omni-man y un nuevo punto de partida para ella.

También es digna de mención como la relación entre Rudy y Amanda está siendo llevada. Va a ser complicada y con muchos altibajos que espero sigan siendo escritos con esa calidad.

Las novelas de Nolan (Onmi-man) nos pueden llevar a lugares lejanos que pueden dar a la serie una vuelta de tuerca que haga crecer a los personajes, pero que no va acabar bien para la relación de Mark y Amber.

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Conclusión

‘Incincible’ (Invencible) ha vuelto por todo lo alto y sin miedo, creciendo en emotividad y sin pausa para el futuro enfrentamiento contra los viltrumitas.

Todo se está conjurando para esa gran batalla, la llegada de Allen, con fuerzas renovadas, el descubrimiento de la procedencia de su benefactor y un equipo de héroes que están creciendo para ser los que merece el planeta tierra.

Tengo que poner un gran punto negativo a este arranque: Que ha tardado demasiado, que han sido unos meses muy largos y un paró innecesario que ha podido hacer más daño que bien a la serie.

Aquí os dejo el resto de Análisis de ‘Invincible’ (Invencible) y el spin-off de Atom Eve de Amazon.

Un saludo y sed felices.

Alien Romulus. Teaser Tráiler en español

Alien Romulus expande la saga de Alien, y esta vez parece que puede ser que dé con la tecla, o al menos que no desentone con todo lo acontecido.

Ya sabemos que la franquicia tiene grandes clásicos y grandes momentos del cine, pero también varias decepciones, lo cual ha llevado a la frustración a innumerables fans. Pero desde la Fox han prometido que no, es que esta vez va en serio y serán fieles al espíritu de las grandes películas de la saga. Alien Romulus parece que puede ser una buena película, que, como está el tema, ya sería todo un triunfo.

Alien Romulus

El estreno solo en cines se espera para el 15 de agosto de 2024. Esta vez cuenta con el director y guionista uruguayo Fede Álvarez, que sobre todo está especializado en cine de terror, por lo que parece que Alien Romulus irá más por esos derroteros que por la acción propiamente dicha. Fede Álvarez, ya nos ha traído el reboot de Posesión infernal o No respires; y ahora dirigirá Alien Romulus, todo un éxito para este cineasta de 46 años.

Y no nos olvidemos que el productor, será Ridley Scott, que todavía sigue en forma en la franquicia.

Os dejo con el teaser tráiler en español.

Alien: Romulus está protagonizada por Cailee Spaeny (“Priscilla”), David Jonsson (“Matar es fácil”), Archie Renaux (“Sombra y hueso”), Isabela Merced (“The Last of Us”), Spike Fearn (“Aftersun”), Aileen Wu. Fede Álvarez (“Posesión infernal [Evil Dead]”, “No respires”) dirige a partir de un guion que escribió con su colaborador habitual Rodo Sayagues (“No respires 2”) basado en personajes creados por Dan O’Bannon y Ronald Shusett. “Alien: Romulus” está producida por Ridley Scott (“Napoleón”), que dirigió la película original de “Alien” y produjo y dirigió las series de la saga tituladas “Prometheus” y “Alien: Covenant”, Michael Pruss (“El estrangulador de Boston”) y Walter Hill (“Alien”), con Fede Álvarez, Elizabeth Cantillon (“Los ángeles de Charlie”), Brent O’Connor (“Bullet Train”) y Tom Moran (“Imparable”) como productores ejecutivos.

Un saludo y sed felices.

Crónica del día 5 del Festival Sombra de Madrid: Mars Express, Animalia, Os reviento y ¡coloquio con Richard Stanley!

El Festival de Cine Fantástico Europeo Sombra de Madrid, nuevo brazo del Sombra de Murcia dirigido por Javier García Caballero, llegaba a su final el pasado domingo 17 con una magnífica programación de cierre.

Esta es mi última crónica del festival y en ella repaso un día completo en las salas del MK2 Cine Paz, en el que pude asistir a sus cuatro proyecciones: Mars Express (2023), Animalia (2023), Hardware, programado para matar (1990) y Os reviento (2023). Un final intenso, con preestrenos y coloquios memorables.

Por cierto, mandamos la enhorabuena a Sombra Madrid, que ha confirmado su segunda edición para 2025. ¡Sombra vive!

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Mars Express (2023) de Jérémie Périn

Aline Ruby es una testaruda detective privada, y su compañero Carlos Rivera lleva muerto
cinco años, pero se ha ‘reencarnado’ en el cuerpo de un robot. Ambos se encuentran en una carrera contrarreloj hacia Marte.

Otra de las sorpresas del festival es esta película futurista de animación francesa. El sci-fi aflora y deja el puro terror a un lado, que se presenta más bien de fondo −como en casi toda la ciencia ficción−, sugiriendo las complejidades humanas en un futuro ultra tecnológico. Pese a ser un policial de ciencia ficción al uso, tiene propuestas narrativas muy potentes y un rompedor e inesperado final. Me recuerda un poco a la serie de animación japonesa Cowboy Bebop (1998-1999) por su similar argumento detectivesco −que hace la película de Périn algo confusa por momentos− y por el escenario futuro en que se ubica.

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Animalia (2023) de Sofia Alaoui

Itto, una joven de origen humilde en Marruecos, se ha adaptado a la opulencia de la
familia de su esposo, con quien vive. Mientras esperaba disfrutar de un día de tranquilidad sin la presencia de su familia política, eventos sobrenaturales sumen al país en un estado de emergencia.

La propuesta es interesantísima: el terror por la vía de un existencialismo fantástico de potente mirada política. La burbuja de una protagonista absorta en los privilegios de su elevada clase social, se destruye propiciando un camino de comprensión de la realidad y empatía por su entorno que marca la notable evolución del personaje. La directora plantea su metáfora mediante la representación de lo sobrenatural: Itto (protagonista) se introduce −accidentalmente− en un mundo desconocido para ella que es incapaz de comprender y, a su vez, extremadamente hostil.

Alaoui desnuda la jerarquía social para extraer su esencia en un ejercicio único en que, sin embargo, no he logrado entrar en ningún momento. Reconozco el talento pero no me fascina. Aún así, entiendo Animalia como un experimento notable que merece ser visto.

La directora franco-marroquí Sofia Alaoui presentó la película y charló en un coloquio posterior sobre ella.

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Sofia Alaoui con Juan Pérez y José Arce en el photocall de Sombra Madrid

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Sofia Alaoui en coloquio tras la proyección de Animalia (2023)

Hardware, programado para matar (1990) de Richard Stanley

Estamos en el futuro de La Tierra, en un mundo devastado en el que sobreviven unos
cuantos aventureros que inician una búsqueda de chatarra que pueda ser comercializada. Hasta el refugio de un pequeño comerciante llega un extraño portando un misterioso cargamento; se trata de una cabeza metálica de lo que parece fue un viejo robot.

La ópera prima de Richard Stanley es tan extravagante como su persona. Una cinta de bajo presupuesto que toma referencias de algunos hitos de los ochenta como Robocop (1987), Terminator (1984) o Alien, el octavo pasajero (1979). Tiene una trama sencilla y práctica, pues a pesar de plantear una distopía global, se desarrolla en un único espacio −el piso de un edificio−, limitando mucho sus márgenes. No creo que recuerde mucho de esta película con el tiempo más allá de la violencia del robot y determinados momentos de desfase casi onírico, ya que sacrifica su argumento en pos de la acción en sí misma.

Tras la proyección de su película, Richard Stanley ofreció un breve coloquio moderado por Óscar Martín sobre algunas cuestiones interesantes de Hardware y su carrera en general.

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Richard Stanley y Óscar Martín en coloquio tras la proyección de Hardware, programado para matar (1990)

Os reviento (2023) de Kike Narcea

Gabriel es un exboxeador que vive en una aldea retirada de la ciudad junto a su padre y a
su perro, Pepe. Todo el mundo le conoce con el apodo de Tarado, que se ganó en sus tiempos como púgil y, aunque todavía podría boxear, prefiere llevar una vida tranquila lejos de todo lo que le llevó a pasar unos años en prisión.

Se planteaba como uno de los eventos más emblemáticos del festival, en parte por cerrar su programación, y así fue. La película de Narcea y su equipo batió tres récords: el de más hostias en pantalla, el de más risas en el público y el de la sala más llena de todo Sombra Madrid.

Os reviento es una película divertidísima de acción y comedia, con un ritmo trepidante, que hace gala de un maravilloso reparto de secundarios −Lone Fleming, Antonio Mayans, Raúl Jiménez, Javier Botet…− y con un Mario Mayo que es el Jason Statham español, pero con un poco más de salero y un poco menos de cultura −¡el personaje!−. Muy recomendable para todo el que quiera ¡hostias y risas a partes iguales!

El equipo de Os reviento presentó la película y llevó merchandising, además de palés para hacer la experiencia aún más inmersiva.

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Kike Narcea, Mario Mayo, Antonio Mayans y Jesús Loniego entre otros miembros del equipo, presentando Os reviento (2023)

Aquí termina mi última crónica del Festival Sombra de Madrid, y por ende mi repaso de esta primera edición. El balance general es más que positivo y es que, a pesar de ser su toma de contacto en Madrid, Sombra ha logrado una excelente ejecución y una programación —con coloquios de profesionales nacionales e internacionales de renombre— plagada de joyas, tanto homenajes retrospectivos como preestrenos. Salgo de sus salas muy agradecido y deseando que llegue ¡Sombra Madrid 2025!

Muchas gracias por leerme e id al cine. ¡Larga vida al Sombra!

Análisis de Shogun. Temporada 1. Episodio 4: Las 8 vallas

Bienvenidos a un nuevo análisis de Shogun, la serie que lo peta en Disney+. Hemos llegado al cuarto episodio, con mayor protagonismo de John Blackthorne y Toda Mariko y una escena salvaje, salvaje, salvaje. Os dejo con el enlace a los episodios anteriores y vamos al lío.

Las 8 vallas

El episodio se inicia con la llegada de Yoshii Toranaga a Anjiro, donde empezamos la serie. Allí nos reencontramos con Kashigi Omi (Hiroto Kanai), el sobrino de Kashigi Yabushige (Tadanobu Asano). Este último se ha dado cuenta de que está jodido. Los Cinco Regentes (bueno, los cuatro que quedan) lo van a tomar como un traidor, un aliado de Toranaga y se va a pasar el episodio maquinando para darle la vuelta a la situación.

Otro personaje que toma mayor protagonismo en este episodio es Kiku Usami Fuji (Yuka Kouri Moeka Hoshi) , la viuda cuyo marido se hizo el seppuku en el primer episodio junto con su hijo. Kiku Fuji será ahora la consorte de Blackthorne, recién nombrado hatamoto. Como tal, necesita una consorte, una casa y unas sirvientas, cosa que a Blackthorne no acaba de hacerle mucha gracia, la verdad. Sin embargo, entre él y Kiku Fuji se irá estableciendo una relación de respeto mutuo.

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Y es que Blackthorne está colado por Mariko, y ella por él. Se veía venir desde el minuto uno de la serie. Bueno, quizás no tanto, pero según avanzaba la trama, se notaba la creciente atracción entre ambos. En este episodio comparten un par de escenas donde van trabando cada vez mayor amistad, hasta llegar a la escena en la que Blackthorne se acuesta.. ¿con quién?

Confieso que en un primer momento pensé que era Mariko quien entra en la habitación y hace el amor con él pero posteriormente volvía a ver la escena y no queda nada claro. Se parece, si pero su rostro está casi todo el tiempo en sombras. El diálogo posterior ayuda a la confusión ya que Blackthorne parece creer que era Mariko pero ella habla de una cortesana, como si la cosa no fuese con ella.

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Entre medias, Blackthorne se ha visto obligado a enseñar a Yabushige y al hijo de Toranaga el uso de los cañones de su navío. En la novela y serie de televisión originales, instruye al ejército japonés sobre cómo usar rifles. Pero los rifles habían estado en Japón durante 50 años antes de que se desarrollara la historia y parece ser que los cañones portugueses en ese momento eran mucho más pequeños y menos precisos.

Blackthorne los deja impresionados hasta el punto de que, cuando llega el segundo de Ishido, Yabushige le invita a quedarse hasta el día siguiente para ver cuán poderosos son los cañones del inglés. La cosa acaba en tragedia por culpa del orgullo del hijo de Toranaga, dando lugar a la escena más bestia en lo que llevamos de serie, con los samurais de Ishido triturados por los cañones. Es la guerra, declara Mariko.
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Sama

A su llegada a Anjiro y camino de su casa, Mariko y Blackthorne se encuentran con Uejirou, un jardinero. El inglés se refiere a él con el término «sama» y Mariko le dice que no es apropiado referirse a él con ese término.

Y es que «sama» es una versión más respetuosa y formal de «san», un sufijo honorífico usado después de un nombre como muestra respeto hacia un igual en edad, grado escolar o estatus. Lo que está claro es que el jardinero se halla en otra escala social diferente a la de Mariko y, por extensión, a Blackthorne.

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Natto

Sorprende lo rápido que John Blackthorne se ha acostumbrado a comer con palillos. Bueno, me sorprende a mí que soy un negado y en cada restaurante japonés que piso acabo por pedir unos cubiertos. El caso es que Blackthorne se empeña en comer natto. ¿Y qué es eso?

Pues por lo leído, natto es una comida tradicional japonesa hecha con soja fermentada, lo que hace que aparezca una bacteria que forma una especia de baba viscosa con un olor muy fuerte. De ahí que Blackthorne afirme que sabe a queso apestoso. Es más, por lo visto, es asqueroso.

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Valoración del episodio

El episodio de esta semana nos ha llevado de vuelta a Ajiro y nos ha dejado sin Yoshii Toranaga, o lo que es lo mismo, sin Hiroyuki Sanada, verdadero motor de la serie (aparte de productor ejecutivo). Por contra, ha dado mayor protagonismo a Blackthorne y Mariko, profundizando en la relación entre ellos, con escenas como la que comparte en ese yacuzzi improvisado; o cuando Mariko le da una lección de arquitectura japonesa, señalando que sus casas están diseñadas para reconstruirse rápidamente tras un terremoto.

Se han dejado de lado las intrigas palaciegas de Osaka pero no por eso ha faltado tensión, como cuando Nebara Yozen, segundo de Lord Ishido, se encara con Yabushige y pone en cuestión su lealtad. Lo que no sabía es que quedarse a pasar la noche, al día siguiente le iba a costar la vida.

Shogun sigue afianzándose en Disney+, con buenas críticas y datos de audiencia (o eso dicen en la plataforma) y todo a pesar de que sus creadores ya han declarado que no habrá segunda parte. No es de extrañar porque la serie es muy compleja y su producción es sobresaliente. Se nota que esto no les ha llevado dos días. Es más, la post-producción ha llevado un par de años, por lo que cuentan. Para una segunda parte ya tendrían que haberse puesto manos a la obra.

No nos queda otra que disfrutar de los episodios que nos quedan. Nos leemos en el próximo análisis. こんにちは、幸せになってください。

Wonka, recuperando la magia de Roald Dahl con un Timothée Chalamet inmenso

Wonka ha llegado a HBO. Cada vez se estrecha más la distancia entre los estrenos en salas y los estrenos en las plataformas de streaming. Ya que no hemos llegado a tiempo a pasar por taquilla, hemos visto la película de Paul King en casa y ha resultado ser una sorpresa, una cinta que recupera el espíritu de Roald Dahl y donde se demuestra que Timothée Chalamet es un actorazo.

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Willy Wonka (Timothée Chalamet) llega a la ciudad (una ciudad cualquiera) dispuesto a abrir su propia tienda de chocolate en las prestigiosas Galerías Gourmet. Sus bombones y chocolatinas son exquisitos, una auténtica delicia pero eso no basta cuando te enfrentas al Cártel del Chocolate, un grupo de magnates que tiene a la policía bajo su control y que controla las reservas de chocolate en una cámara subterránea bajo la Catedral, con un obispo corrupto (Rowan Atkinson haciendo de cura, y van ya…) y 500 monjes adictos al chocolate guardándolas.

Sin un soberano en sus bolsillos, Willy Wonka acaba en la pensión de la señora Scrubbit (Olivia Colman pasándoselo bomba). En realidad es una trampa mortal y acaba trabajando en la lavandería, con una deuda que no podrá pagar en la vida.

Sin embargo, Willy Wonka no se rinde. Se define a si mismo como un mago inventor chocolatero y no está dispuesto a dejar de cumplir su sueño. Le prometió a su difunta madre que abriría esa tienda en las Galerías Gourmet y eso hará, con la ayuda de sus compañeros lavanderos.

Aunque antes tendrá que luchar con un misterioso hombrecillo verde de pelo naranja, un Oompa Loompa que clama venganza por haber robado las vainas de chocolate de su isla, interpretado por con la jeta de Hugh Grant cobrando el cheque; a ver, Hugh, ¿por qué has renegado tanto de esta película? Te recordamos que has basado tu carrera en interpretar diferentes versiones del mismo personaje, ese bobo romanticón enamoradizo que encarnas como nadie, así que no te las des ahora de actor del método.

Mary Poppins chocolatera

No se aprecia en el tráiler y por eso lo advertimos. Wonka es un musical, así que aquellos que no disfruten con los musicales (que los hay; también los hay que no les gusta el queso y las croquetas, ellos se lo pierden) mejor que no vean la película. Las canciones corren a cargo de Neil Hannon, Simon Farnaby y el propio Paul King, están muy bien integradas en la trama y algunas resultan memorables, como A World of Your Own.

Eso hace que Wonka siga la estela de Mary Poppins, con un personaje casi mágico, cargado de optimismo, buenas intenciones y canciones, con la imaginación por bandera y sin necesidad de dar demasiadas explicaciones sobre su origen.

En ese sentido, si alguien esperaba una historia de origen que remitiese a las anteriores encarnaciones de Gene Wilder o Johnny Depp, que se de por defraudado. Incluso hay la incoherencia entre los progenitores de Wonka. ¿Padre dentista acojonante con los rasgos de Christopher Lee o madre chocolatera encarnada por Sally Hawkins?

Ese desmarcarse del universo burtoniano es quizás el mayor acierto de la película. El Willy Wonka de Timothée Chalamet es mucho más optimista y vital y sobre todo mucho más sociable que el de Depp.

Paul King recicla la estética de Tim Burton pero mucho menos abigarrada. Y es que hay que reconocer ya de una vez que Burton acaba por cansar, que su mejor película es Big Fish y que lleva años viviendo de rentas. Si más allá de compartir personaje, Wonka se hubiese acercado a Charlie y la fábrica de chocolate, se hubiese pegado un sonoro batacazo en taquilla. Por suerte no ha sido así.

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Chalamet, por siempre Wonka

Era difícil enfrentarse al recuerdo de Johnny Depp pero si alguien podía hacerlo era Timothée Chalamet. Cuando desfila por un alfombra, su estilismo nos lleva a arrugar la nariz pero cuando actúa es un pedazo de actor. Este año lo ha vuelto a demostrar en Dune, pasando de duquesito a futuro dictador pero es aquí donde demuestra que no hay papel que se le resista. No se sostendría tanto Wonka si no fuese por su interpretación. El tipo lo tiene todo: es guapo, saber actuar y encima canta y baila. Adolescentes del mundo, ¿qué más queréis en vuestras vidas? Yo por lo menos me lo apunto de yerno.

Chalamet y su Willy Wonka se integran perfectamente en el espíritu de Roald Dahl que impregna toda la película, ese realismo mágico norte-americano para niños y adultos, con magia por todos lados y con un cierto toque de crítica social. No en vano Wonka se enfrenta al status quo establecido para cumplir su sueño, enfrentándose a malvados empresarios sin escrúpulos y a pobres miserables sin conciencia de clase que tan sólo aspiran a ser como sus opresores.

En resumen, Wonka es una maravillosa sorpresa. Una cinta que logra desprenderse del recuerdo de las cintas que la precedieron, consiguiendo entidad propia y logrando ir más allá. Seguro que estamos ante un futuro clásico navideño que no nos cansaremos de ver. Un saludo, sed felices.

Nuevo tráiler de ‘Furiosa’ | Anya Taylor-Joy más espectacular que nunca

¡El nuevo tráiler de “Furiosa” ya está aquí!, y es todo un espectáculo visual a la altura del espíritu indomable del personaje que le da nombre! La anticipada precuela de ‘Mad Max: Fury Road’ de George Miller, nos invita a un viaje deslumbrante a través de la juventud de Furiosa, interpretada por la portentosa Anya Taylor-Joy. Junto a ella, Chris Hemsworth encarna al carismático villano Warlord Dementus y Lachy Hulme da vida a Immortal Joe.

FuriosaWarner Bros. Pictures nos ha sorprendido con este segundo tráiler antes del estreno esta primavera, y cada fotograma está lleno de fuerza, emoción y parece ser una digna heredera de la saga de Mad Max.El tráiler nos presenta el emocionante viaje de una joven Furiosa, desde su hogar hasta las vastas extensiones del Yermo. Nos ofrece un vistazo conmovedor a su relación con su madre y el transformador corte de pelo, un símbolo de su evolución y fuerza.

La saga de George Miller es un icono de la cultura pop y con el tiempo ha sabido reinventarse siendo fuel a sus principios y eso hace que el viaje de Furiosa prometa ser una experiencia cinematográfica inolvidable, manteniendo el legado de “Mad Max” con una nueva y emocionante historia.

Aquí os dejo el tráiler de ‘Furiosa’ para que los disfrutéis:

Un saludo sed felices.

Tráiler en español de Star Wars: The Acolyte. Estreno el 4 de junio

Pues ya tenemos nueva serie de Star Wars. Se trata de The Acolyte y parece que va a estar bien cargada de acción, emoción y suspense.

La serie se centra en los últimos días de la República Galáctica y creo que puede dar mucho juego. Espero que esta vez la franquicia esté a la altura y nos brinde a todos un pedazo de serie de esas que todos amamos del universo de Star Wars.

Como protagonista tenemos al Maestro Jedi Sol, que investigará el asesinato de varios Jedi, lo que le llevará a enfrentarse a una poderosa guerrera llamada Mae. Poco más podemos añadir sin destriparte el tráiler en español que te lo ofrecemos a continuación, pero sólo podemos añadir que tiene muy buena pinta.

Al Maestro Sol lo acompañan la Maestra Jedi Indara y mental y el Maestro Jedi Kelnacca, un hábil wookiee.

Star Wars: The Acolyte está protagonizada por Amandla Stenberg, Lee Jung-jae, Manny Jacinto, Dafne Keen, Charlie Barnett, Jodie Turner-Smith, Rebecca Henderson, Dean-Charles Chapman, Joonas Suotamo y Carrie-Anne Moss.

La serie se estrena el martes 4 de junio en Disney+.

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Un saludo y sed felices.

Crónica de los días 3 y 4 del Festival Sombra de Madrid: La sorpresa del festival, homenaje a clásicos del género y Jaume Balagueró

El Festival de Cine Fantástico Europeo Sombra de Madrid, nuevo brazo del Sombra de Murcia en su XIII edición dirigido por Javier García Caballero, continuaba con su programación el viernes 15 y abría el apetito a los platos fuertes del fin de semana.

Retrospectivas, preestrenos y coloquios en las distintas sedes del festival, que he podido cubrir en su mayoría, a excepción de la sesión matinal del viernes en la Facultad de Ciencias de la Información (UCM) y del encuentro —y proyección de su película Frontiére[s]— con el director francés Xavier Gens, por solapamiento de pases. No obstante, en esta crónica repasamos nada más y nada menos que: Días sin luz (1995), Los sin nombre (1999), Color Out of Space (2019), UFO Sweden (2022), La Sombra del Tiburón (2024), El retorno del hombre lobo (1980) y No profanar el sueño de los muertos (1974).

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Días sin luz (1995) de Jaume Balagueró

Un joven narra en voz en off los truculentos compases de su vida infantil, desde el día sin luz en que fue concebido, hasta su adopción a manos de una pareja sadomasoquista.

Tras su extrañísimo cortometraje iniciático Alicia (1994), Balagueró continúa en su segundo corto con esta atmósfera perturbadora y de pesadilla en que, a diferencia del anterior, implementa una narración más elaborada y terrorífica con una construcción estética a destacar. El realizador catalán presentaba en la Sala Berlanga Días sin luz como preludio de su primer largometraje Los sin nombre (1999).

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Los sin nombre (1999) de Jaume Balagueró

Años después del asesinato de su hija, Claudia (Emma Vilarasau) recibe una llamada de socorro de la niña por lo que, con ayuda de un periodista experto en temas de ocultación (Karra Elejalde), se embarca en una investigación que toma unos terroríficos derroteros y apunta hacia una sociedad secreta de personas que rechazan sus nombres…

Jaume Balagueró se dio a conocer al mundo −en términos cinematográficos− con Los sin nombre, su primer largometraje tras Alicia (1994) y Días sin luz (1995). Cuenta con un reparto sensacional (Karra Elejalde, Tristán Ulloa, Ema Vilarasau…) y adapta la novela homónima de Ramsay Campbell. Es una película de tono noir, de investigación policial ligada al terror, que descubre sus cartas poco a poco para alcanzar un sorprendente clímax final.

Es de admirar la existencia de una película tan «americana» en nuestra cinematografía noventera y más de un director primerizo. Sin embargo, la cinta no me ha entusiasmado, la siento continuamente impostada. La música no encaja con la imagen, el juego de montaje paralelo desarticula la narración por momentos y ni siquiera encuentro verosímiles las interpretaciones. No por ello deja de ser entretenida, ambiciosa −en un buen sentido− y de una atmósfera continuamente inquietante. Lo mejor de la película: Carlos Lasarte en la escena del interrogatorio.

Jaume Balagueró presentó Días sin luz Los sin nombre en la Sala Berlanga (esa misma se proyectaron Días sin luz y Alicia en la Facultad de Ciencias de la Información y el director charló largo y tendido con el público asistente).

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Jaume Balagueró presentando Los sin nombre (1999)

Color Out of Space (2019) de Richard Stanley

Un meteorito cae en las proximidades de la granja Gardner, librando un organismo alienígena que destruye poco a poco a la tranquila familia en una pesadilla de color y muerte.

El emblemático Richard Stanley, conocido sobre todo por la curiosa historia de su expulsión del rodaje de La isla del Dr. Moreau −que terminó dirigiendo John Frankenheimer−, recogida en el documental Lost Soul: El viaje maldito de Richard Stanley a la isla del Dr. Moreau (2014); estrenó esta película después de casi treinta años sin dirigir un largometraje.

En Color Out of Space −versión de relato de H.P. Lovecraft− el terror es grotesco y adopta una evolución progresiva: una bajada a los infiernos de la locura, el gore y una mutación corporal que, si recuerda a la «Nueva carne» de Cronenberg, se acerca más a Aniquilación (2018) de Alex Garland; en que la comedia también tiene presencia, como no podía ser de otra manera siendo Nicolas Cage protagonista. El color es fundamental y fruto de una excelsa postproducción de VFX −realizada en Madrid por el equipo de User T38− pues tiene una importancia narrativa e inherentemente estética y pone la guinda a una película que sería insípida sin su presencia. Una joya a rescatar.

Tuvimos la suerte de contar con la presencia del mismísimo Richard Stanley para presentar su película, además de al equipo de VFX User T38 en coloquio tras su proyección.

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Richard Stanley presentando Color Out of Space (2019)

UFO Sweden (2022) de Victor Danell

Una joven rebelde piensa que su padre no está muerto, sino que ha sido abducido por ovnis, por lo que pone en marcha una investigación con ayuda de la asociación UFO Sweden para esclarecer su paradero.

UFO Sweden es, ante todo, una película tremendamente disfrutable, pero no esperéis ver alienígenas y ovnis continuamente, porque no los hay. El terror nunca se explicita, y la cinta toma unos derroteros más interesados por la investigación humorística y las relaciones de los personajes que por los extraterrestres en sí, en una aproximación muy cercana a la esencia de la serie Stranger Things (2016-actualidad). No todas las elecciones narrativas son acertadas y las intervenciones de algunos personajes resultan inverosímiles, pero aún así sorprende por su capacidad de entretener y hacer reír sin ser el no va más de la originalidad.

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La Sombra del Tiburón (2024) de Gonzalo López-Gallego

Alma está agotada. Cada día se levanta con la desagradable sensación de que algo
extraño sucede mientras duerme. Desesperada, coloca una cámara de vídeo en su habitación.

Enorme sorpresa con una película que difumina espacio, tiempo y personajes, abrazando un terror experimental que imprime sus potentes imágenes en la retina y combate la injusticia del mundo. Alterna su técnica constantemente variando angulaciones, movimientos y encuadres y el surrealismo más onírico, el terror persecutorio y una tensión más realista −la escena del coche es de las más angustiantes pero reales, en forma y fondo, de la película− construyendo un relato en torno a la figura de la mujer y su naturaleza como víctima, que después invierte para urdir una vil venganza.

Es sublime en forma pero no descuida el fondo y sus intérpretes están soberbios, tanto Denis Gómez como, sobre todo, Alba Galocha. Mi película favorita del Festival Sombra, que espero pueda verse en cines este año porque merece realmente la pena.

El director Gonzalo López-Gallego, los actores protagonistas Alba Galocha y Denis Gómez y el compositor musical Remate, presentaron la película y dialogaron en un coloquio tras su proyección, arrojando luz sobre algunas interesantes cuestiones de su producción.

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Gonzalo López-Gallego, Alba Galocha, Denis Gómez y Remate en coloquio tras la proyección de La Sombra del Tiburón (2024)

El retorno del hombre lobo (1980) de Paul Naschy

Tres jóvenes estudiantes alemanas, tras un accidentado viaje, llegan a los Cárpatos y
descubren la tumba de la Bathory, cuya leyenda sangrienta ha permanecido a través de los siglos. Una de ellas, tras una macabra ceremonia, la devuelve a la vida.

Paul Naschy dirige el regreso a la pantalla de su mítico hombre lobo Waldemar Daninsky (La marca del hombre loboLa bestia y la espada mágica…), en un remake encubierto de La noche de Walpurgis (1971) de León Klimovsky. Es un magnífico gótico made in Spainadscrito al fantaterror más lascivo, que reúne grandes secundarios del género como Silvia Aguilar o Narciso Ibáñez Menta y que, pese a la denostación generalizada de esta clase de cine, verla en pantalla grande −una copia magnífica− permite identificar algunos encuadres memorables y una fotografía que eleva el conjunto. Que jamás caiga en el olvido el cine de Jacinto Molina.

Sergio Molina (hijo de Paul Naschy) y el director José Luis Alemán (La herencia Valdemar), presentaron la película y recogieron el premio Nocturna en conmemoración y agradecimiento a la labor del homónimo festival que ambos organizaban.

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Sergio Molina y José Luis Alemán presentando El retorno del hombre lobo (1981) y recogiendo el Premio Nocturna

No profanar el sueño de los muertos (1974) de Jorge Grau

Los cadáveres de una morgue inglesa próxima a una abadía de Manchester vuelven
a la vida a causa de un experimento del gobierno que utiliza ultrasonidos para combatir la
contaminación.

Pese a las repetidas carcajadas a lo largo de la proyección, que no he terminado de entender en la mayoría de ocasiones, creo que la obra de Jorge Grau es una de las mejores películas de zombies de la historia y curiosamente una rara avis en su filmografía (su incursión en el terror se limitaba hasta el momento por la anterior Ceremonia sangrienta).

Encuentro en esta película −amén de algunos toques de comedia como la escena final− una gran seriedad y cuidado en la narración y su construcción, llegando a ser realmente terrorífica (pienso en el encierro en el cementerio o en la secuencia final del hospital). La decisión escenográfica campestre hace única y hermosa la cinta, además de dotarla de una profundidad manifiesta, y es que, No profanar el sueño de los muertos, además de una película de zombies, es en el fondo un alegato fatalista sobre la deriva de nuestro mundo en relación con el auge de la contaminación y destrucción medioambiental.

Carlos Grau −hijo de Jorge Grau y director de cine (Neru Neru, Crímenes ejemplares de Max Aub)− presentó la película de su padre comentando algunas cuestiones sobre el contexto de su producción. Además, el director David García Sariñena anunció el inminente estreno de su documental homenaje sobre José Lifante, tristemente fallecido hace apenas dos meses, que encabeza el reparto zombie de la película.no profanar cosas felices 1

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Carlos Grau presentando No profanar el sueño de los muertos (1974)

Y hasta aquí la segunda de mis tres crónicas del Festival Sombra Madrid sobre los días 15 y 16. A lo largo de la semana publicaré el último repaso de este magnífico festival, que recogerá la programación al completo del domingo 17: Mars Express  (2023), Animalia (2023) con presencia de su directora Sofia Alaoui, Hardware, programado para matar (1990) con coloquio de Richard Stanley y el cierre del festival Os reviento (2023) con presentación del equipo (director, actores y productores).

Muchas gracias por leerme, id al cine y ¡larga vida al Sombra Madrid!

Reseña de The Gentleman: señores de la mafia. Una divertida incursión en el mundo de las series de los gánsteres de Guy Ritchie

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Ya podemos disfrutar en Netflix de The Gentleman: señores de la mafia, serie creada por Guy Ritchie y basada en su propia película del mismo título en la que se encarga de la dirección de buena parte de los episodios y ejerce además de showrunner.

Si en la cinta de 2019 teníamos a grandes estrellas como Matthew McConaughey, Charlie Hunnam y Hugh Grant de protagonistas, en la serie esta labor recae sobre unos menos conocidos pero muy eficaces Theo James y Kaya Scodelario dando vida a Eddie Horniman y a Susie Glass, los grandes protagonistas de la historia, sin olvidar a Vinnie Jones, un habitual en el cine de Ritchie, que tiene un jugoso papel secundario que le queda que ni pintado.

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Eddie Horniman y Susie Glass

Hay que dejar claro que esta serie no es continuación ni precuela de la película. Simplemente Guy Ritchie nos cuenta una historia ambientada en el mismo sórdido mundo de la delincuencia londinense en la que como ya pasaba en la cinta, la aristocracia de rancio abolengo inglesa se ve mezclada con unos criminales que en principio ni conoce ni entiende, pero cuyo mundo no tiene más remedido que abrazar.

La historia nos presenta a Eddie Horniman, un soldado de las fuerzas de paz de la ONU que tiene que dejar su puesto cuando su padre, el Duque de Halstead fallece. Aunque tiene un hermano mayor que se supone heredará el título, el ducado y todas sus propiedades y problemas acaba recayendo en él ya que el citado hermano mayor, Freddy Horniman (Daniel Ings) es un pieza de cuidado y el fallecido duque decide con buen criterio que su título pase a manos del hermano menor ante el cabreo del bueno de Freddy.

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Freddy Horniman

El problema viene cuando Eddie descubre que su padre estaba asociado con la familia Glass, delincuentes dedicados al narcotráfico de hachís, siendo la hija pequeña de la familia, Susie, quien lleva el negocio ya que su padre Bobby Glass (Ray Winstone) está en la cárcel.

Desde que descubre esa insana relación el máximo empeño de Eddie será desligar a su familia de los negocios turbios de los Glass, aunque para ello se verá primero obligado a colaborar con Susie buscando una solución a sus problemas comunes. Estos incluyen el ataque de una organización internacional traficante de crack comandada por Stanley Johnston (interpretado por el siempre genial Giancarlo Esposito) y las locuras y negocios turbios que Freddy tiene pendientes y cuyos problemas solo se van a poder solucionar con la ayuda de los Glass.

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Stanley Johnston

Menos mal que el nuevo Duque de Halstead demuestra tener una inesperada facilidad para moverse en los bajos fondos, teniendo además una química estupenda con Susie Glass y sin olvidar la ayuda del siempre fiel guardés de su finca, un Geoff Seacombe (Vinnie Jones) muy capaz y que oculta algunos secretos familiares que darán un poco de vidilla a la trama.

Guy Ritchie es conocido por su particular manera de retratar el universo de gánsteres que tanto le apasiona. Siempre es exagerado y grandilocuente, con unas espectaculares escenas de acción culminadas con abundantes dosis de sangre cuando es necesario, sin olvidar fuertes dosis de un humor negro que maneja como nadie. Todo condimentado con unos peculiares personajes, que van desde los muy inteligentes y capaces a auténticos bufones cuyas locuras dan vida a sus historias más allá de lo alambicado que son a veces sus tramas. Pues bien, todo esto es lo que nos vamos a encontrar en esta serie, en la que al tener ocho episodios (de entre 40 minutos y una hora), Ritchie puede profundizar un poco más en los personajes y desarrollar de manera más convincente la historia.

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Geoff Seacombe

Esto juega a veces a su favor y a veces en su contra. Es cierto que la trama está mejor desarrollada que en la película y que los personajes adquieren mayor profundidad y desarrollo, pero a veces el realizador se empeña en alargar demasiado las situaciones. Peca de sobrexplicar las cosas que van pasando y algunas ocurrencias son un poco repetitivas y además, el loco ritmo que siempre imprime a sus películas aquí se ve un diluido por la duración general de la serie.

A pesar de todo la serie funciona y es entretenida y divertida a partes iguales. Gran parte del mérito se lo lleva la pareja protagonista, unos Theo James y Kaya Scodelario que están espectaculares y que demuestran, como sus personajes, tener una química extraordinaria que hace que el espectador se mantenga pegado a la pantalla para ir viendo como van saliendo de los problemas que se les van amontonando poco a poco. Sin olvidar las ocurrencias de un Freddy que cada vez que aparece desata un caos tan imprevisible como divertido.

Y si te gusta el universo de Guy Ritchie tienes que saber que no falta ninguno de sus greatest hits. Desde los gitanos que son muy listos, hasta los boxeadores con mala suerte, pasando por los planes complicados y los personajes y situaciones alocadas y los criminales de buen corazón que no ocultan que hay otros delincuentes desalmados capaces de los peores horrores.

The Gentleman: señores de la mafia es en definitiva una serie entretenida que hará pasar un buen rato a los amantes de las historias de gánsteres, sobre todo si además son fans del cine de Guy Ritchie. Ni más ni menos.

Reseña de Arca, de Yermo Ediciones

Arca es una novela gráfica de Romain Benassaya y Joan Urgell que edita en España Yermo Ediciones. A priori Arca puede pasar desapercibido ante la avalancha de novedades que surgen mes a mes pero para eso estoy yo aquí, para que le echéis un vistazo a este cómic que a mí personalmente me ha conquistado. Os cuento a continuación que me ha parecido este viaje a años luz.

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La Tierra agoniza… una vez más

Lo se, la premisa no es lo más original del mundo. Hemos tenido obras y más obras con este argumento en cine y cómics como por ejemplo la reciente El fuego de David Rubín, Pandorum, Sunshine, Interstellar, Passengers, etc. Pero la verdad es que en Arca entramos rápido en el meollo ya que la obra va directa al grano y eso le sienta y le viene muy bien.

Arca III es una nave estelar que viaja con mil seiscientos pasajeros que serán habitantes de una nueva civilización en Zarpa del León. Pero los pasajeros comienzan a despertar del sueño criogénico y descubren que no han ido  a su destino…

Así vamos a ir descubriendo que es lo que ha pasado durante los años y años en los que han permanecido en ese sueño. Pronto comienzan a investigar donde están y no dan crédito con lo que descubren. Además dentro de la nave descubren que el jardín que es lo que nutre a la nave de oxígeno se ha desmadrado en su crecimiento cuando las criaturas creadas genéticamente para su control, conocidas como los jardineros, siguen al mando del mismo.

La cosa se complica por partida doble cuando los exploradores descubren que están fuera atrapados en un inmenso túnel laberíntico y por otra parte cuando los científicos descubren finalmente que los jardineros han evolucionado, adquiriendo conciencia propia y en consecuencia decidiendo formar una sociedad. A partir de aquí todo se complica y los protagonistas tendrán que elegir bandos y sobre todo si quedarse allí donde han aterrizado o seguir el curso a Zarpa del León. Como veis la historia es bastante sugerente, no os quiero contar más.

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Romain Benassaya y Joan Urgell

El guionista y escritor francés Romain Benassaya debuta en el mundo del cómic con esta obra, inicialmente publicada en francés por Les Humanoids Associés en enero de 2023. Por otro lado, el dibujante Joan Urgell cuenta con una carrera prolífica en el ámbito del BD. Este catalán, formado en la prestigiosa Escola Joso de Barcelona, ha dejado su huella tras trabajar en Disney y colaborar en proyectos como los dos volúmenes de «La XIe plaie» junto a Nicolas Tackian, la trilogía «Dead Life» con Jean-Charles Gaudin y la serie «Clivages» con Sylvain Runberg. Su estilo se adapta perfectamente al BD y al ambiente sci-fi, decadente y orgánico de Arca. Sus acuarelas son de una calidad excepcional.

Arca es una adaptación de una novela francesa, Pyramides , escrita por el mismo Benassaya. 

Consideraciones finales

Arca es una narrativa genuinamente cautivadora, entretenida y fascinante de disfrutar. Si eres aficionado a la ciencia ficción intricada, que construye mundos y explora conceptos complejos, definitivamente querrás sumergirte en Arca.

En el infinito del espacio, la nave estelar Arca III ha abandonado una Tierra agonizante para fundar una nueva civilización humana en la lejana Zarpa del León. A bordo viajan mil seiscientos pasajeros sumidos en un coma artificial. Entre ellos Johanna y Éric también han confiado su destino a esa gigantesca nave.
Cuando llega la hora de despertar del sueño criogénico, los pasajeros del Arca III descubren que no han llegado a su destino, sino a un lugar desconocido…

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28,00 

Guion: Romain Benassaya
Dibujo: Joan Urgell
Contiene: Arca
Edición: Cartoné
Tamaño: 216 X 300 MM
Páginas: 112

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Tráiler de Rebel Moon (Parte dos): La guerrera que deja marcas

Pues ya tenemos tráiler de Rebel Moon (Parte dos): La guerrera que deja marcas, la continuación de la bilogía space opera que ha realizado Zack Snyder para Netflix.

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«Con los guerreros supervivientes y los valientes habitantes de Veldt, Kora se prepara para luchar y sacrificarlo todo en defensa de la aldea que acogió a quienes perdieron su hogar a manos de Mundomadre. Ante la inminente batalla, los guerreros buscan los motivos para luchar en sus pasados. Mientras el gran poder del Reino trata de aplastar la incipiente rebelión, se forjan vínculos indestructibles, surgen nuevos héroes y nacen auténticas leyendas. De la mano de Zack Snyder, el director de ‘300’, ‘El hombre de acero’ y ‘Ejército de los muertos‘, llega ‘Rebel Moon’, un evento cinematográfico de dos partes que lleva décadas fraguándose».

La primera parte nos dejaba todo preparado para la guerra así que en esta parece que Snyder no nos dará ni un momento de respiro.


EN CF: REBEL MOON (PARTE 1): LA NIÑA DE FUEGO, ENTRE EL DESPROPÓSITO Y EL PLACER CULPABLE


Sofía Boutella como Kora, Ed Skrein como el malvado Atticus Noble, Charlie Hunnam como el piloto mercenario Kai, Anthony Hopkins como la voz de Jimmy, el último miembro de una raza de caballeros mecánicos, Jena Malone como Harmada, la alienígena humanoide con forma de araña, y Djimon Hounsou como Titus, el ex-general del Imperio líder de la lucha contra Mundomadre, retoman sus personajes en la secuela.

La película se estrena el próximo 19 de abril en Netflix. ¿Tenéis ganas?