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Novedades y estrenos en Netflix, julio 2023

[sg_popup id=»474931″ event=»inherit»][/sg_popup]Jo, que calor. Ya llegó julio y también las novedades de Netflix, a ver si nos ayudan a pasar el verano. Vamos al lío con lo más destacado.

Películas destacadas

Bird Box Barcelona, se estrena el 14 de julio y es un spin off, ampliación o lo que sea de Bird Box (A ciegas) pero esta vez ambientada en Barcelona y con Mario Casas de protagonista.

John Boyega, Teyonah Parris y Jamie Foxx protagonizan El clon de Tyrone, película que igual está bien o igual no. Se estrena el 21 de julio.

Otras películas que se estrenan este mes son:

  • Gold Brick, (estreno 6 de julio), una francesa de ladrones.
  • Unos suegros de armas tomar (estreno el 7 de julio), donde quien más destaca es Pierce Brosnan.

  • Paradise (estreno el 27 de julio), película alemana de ciencia ficción.
  • Prodigiosa: Las aventuras de Ladybug: La película (estreno el 28 de julio). ¿Hay que explicar de qué va? Cualquiera que tenga hijos habrá visto la serie, copia indisimulada de Spider-Man a la frances.

Series destacadas

Destacamos dos series. La primera es la primera parte de la segunda temporada de El abogado del Lincoln, serie que no está mal pero que podría estar mucho mejor.

Por otro lado la despedida de Henry Cavill de The Witcher tras ser puteado por DC. Se estrena ala segunda parte de la tercera temporada el 27 de julio.

El resto de series queda como sigue:

  • De vuelta a los 15 – Temporada 2 (5 de julio), de una chica que viaja a su pasado.
  • La supervivencia de una chica con curvas – Temporada 1 (13 de julio), una romanticona.
  • Las Super-4 – Temporada 1 (20 de julio), serie infantil de animación.
  • Dulces magnolias – Temporada 3 (20 de julio), conmovedora y emotiva historia de tres amigas en un pueblecito idílico americano
  • Un cuento perfecto – Miniserie (28 de julio), española romanticona.
  • D.P.: El cazadesertores – Temporada 2 (28 de julio), una coreana de un tipo que caza desertores.
  • Capitán Fall – Parte 1 (28 de julio), la versión en animación para adultos de Vacaciones en el mar
  • Bastard!! – Temporada 2 (31 de julio), un anime algo subido de tono.

Y fin, que hace mucho calor y es mejor ir a la playa. Estrenan más cosas, como un documenatl de WHAM! y un reality pero ya si eso os veis el video. Un saludo, sed felices.

Crítica de Indiana Jones y el dial del destino, la aventura más crepuscular, la última aventura

Antes de empezar que vaya por delante una cosa: ir al cine a ver la última película de Harrison Ford como Indiana Jones debería ser obligado para todos los que aman el cine y especialmente para los que crecimos en los 80. No debería importar si es una buena o mala película ni otras estupideces que he leído en redes sociales. Es la despedida de un actor icónico de un personaje mítico. O al revés.
En todo caso, Indiana Jones y el dial del destino es una de las películas del año, una gran película que debería convertirse en el blockbuster (clásico) del año como lo fue Top Gun: Maverick el año anterior.. Ahora sí, al lío. Intentaremos evitar spoilers.

El héroe crepuscular

Estamos en 1969 e Indiana Jones está viejo, cascado y cansado. Su hijo ha muerto, Marion le ha pedido el divorcio y encima se jubila. El pasado no importa, tan solo el presente en el que el hombre acaba de llegar a la Luna. Sin embargo, el destino le tiene reservada una última aventura en la que intervendrá su ahijada Helena Shaw y un científico nazi que busca cambiar la historia.
Indiana Jones y el dial del destino pone el foco en el paso del tiempo, inevitable para todos y también para Indiana Jones, que ve cómo su mundo ha desaparecido y no acaba de adaptarse. Y aún así poca cosa cambia en relación a sus anteriores aventuras. Su nueva película mantiene el aroma a cine clásico que destilaban las anteriores entregas, un tipo de cine muy alejado del de acción más moderno.
indiana jones
La primera parte de la película, con ese Harrison Ford rejuvenecido (y que luce bastante bien) en el prólogo, más la escena del desfile, es vibrante y recuerda a lo mejor de la saga, aunque admitamos que James Mangold no es Steven Spielberg.  Es un buen director, un artesano al estilo de Ron Howard pero Spielberg abre más la cámara y Mangold abusa un pelín de los primeros planos. En todo caso, Spielberg es mucho mejor y pocos hay que estén a su altura.
Tras su primera parte, Indiana Jones y el dial del destino mantiene el ritmo en la escena de persecución en Tanger (de las mejores que hemos visto en la gran pantalla), introduce una escena submarina y de ahí encadena set piece tras set piece hasta llegar a su brillante y emotivo final.

Ford y compañía

«No me apetece ver a un yayó de 80 años corriendo aventuras imposibles». Algo así me dijo Carlos Maria Porras y al final acabó picando. Y la verdad es que Ford está que se sale. Por mucho que les pese a algunos, este último Indiana Jones es la evolución natural del que vimos en Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal. Más viejo, más cansado y resignado, así como dispuesto a terminar de una vez por todas.
A su altura están los villanos, encabezados por Mads Mikkelsen, un nazi de los de toda la vida pero sin resultar exagerado, acompañado de Boyd Holbrock y un armario ropero. Lo de los nazis cansa un poco pero Mikkelsen resulta ser uno más cerebral, más frio y menos fanático, lo que da más miedo.
Mads Mikelsen
Mención aparte para Phoebe Waller-Bridge. Personalmente (y es una manía mía porque evidentemente no la conozco de nada) me cae fatal pero hay que reconocer que es una gran actriz y su personaje resulta más actual, bordeando el filo entre el anti-héroe y el villano, con motivaciones más prosaicas y menos heroicas de lo que estamos acostumbrados a ver. En Indiana Jones y el dial del destino y como no podía ser de otra forma, la relación amorosa entre el héroe y la chica brilla por su ausencia. Eso beneficia a la película.
Antonio Banderas pasa por allí.
indiana jones dial destino

Hasta siempre, Indi

Hasta aquí hemos llegado. Cada uno ha vivido la saga de Indiana Jones a su manera, muy en función del momento en que vio su primera película sobre el arqueólogo del látigo. Para mí, la mejor siempre será En busca del arca perdida, porque la vi en el cine en su momento; para Carlos María Porras será Indiana Jones y la última cruzada, la primera que vio en el cine.
Indiana Jones ha sido, es y será un personaje que ha trascendido la gran pantalla, un ícono de la cultura popular e Indiana Jones y el dial del destino es la mejor despedida que podía tener el personaje. Su escena final (que no revelaremos; de nada) es emotiva y sacará una lagrimita a más de uno. Disfrutad de su última aventura. Un saludo, sed felices.

Análisis de The Walking Dead: Dead City. Temporada 1. Episodio 2

Continuamos analizando The Walking Dead: Dead City, serie que, creada por Eli Jorné y emitida por AMC+, es el cuarto spin-off nacido de la serie principal The Walking Dead. Hoy nos toca el segundo episodio y su título es “¿Quién está allí?

Bienvenidos nuevamente a la New York postapocalíptica. Nos toca hoy analizar el segundo episodio de The Walking Dead: Dead City que, como ya sabemos, sigue a Maggie y Negan, personajes plenamente identificables para los fans de la franquicia y con un antagonismo fuertemente marcado por sucesos de la serie principal.

La nueva entrega nos permite cubrir algunas lagunas del pasado y conocer algo más a los grupos que, como tribus, pueblan la “gran manzana”. Pasemos ya al análisis, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer en nuestra web los análisis de esta y las otras series de la franquicia.

Análisis de The Walking Dead.

Análisis de Fear the Walking Dead.

Análisis de The Walking Dead: World Beyond.

Análisis de Tales of the Walking Dead.

Análisis de The Walking Dead: Dead City.

La Historia del Croata

Una mujer con aspecto de pordiosera y hablando en una lengua extraña se ha quedado con la mochila de Maggie. Ello motiva una persecución por escaleras y azotea hasta que la ven cruzar de un edificio a otro a través de una tirolesa que, por lo que vamos viendo, son bastante habituales en esta New York postapocalíptica.

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Contrariamente a lo esperado, les hace seña de que la sigan y es eso lo que Negan y Maggie hacen mientras los caminantes se les vienen encima y otros acechan abajo. A Maggie le cuesta llegar al otro lado, pero aun así no acepta la ayuda de Negan y lo termina haciendo por cuenta propia.

La mujer, a la que Negan llama Paloma, pero de quien luego sabrán que se llama Esther (Eleanor Reissa), solo quiere intercambiar cosas. Les lleva con su gente, pero la recepción no es buena y hay paranoia. Tommaso (Jonathan Highinbotham) y Amaia (Karina Ortiz) son una pareja armada y bastante mal llevada, aunque para alivio de Maggie y Negan, no responden al Croata sino que forman parte de una comunidad diferente cuyo líder es un sujeto llamado Luther (Michael Anthony).

Desconfían de los recién llegados por sospechar que son parte de los burazi, de quienes ninguno de ambos tiene la menor idea y nosotros tampoco. En una muy mala mentira, Maggie cuenta que naufragaron mientras viajaban a Canadá pero, desde luego, no les creen y acaban encerrándolos en “un baño de mala muerte”.

Allí, Negan saca a relucir el pasado y cuenta a Maggie su verdadera relación con el Croata que, tal como suponíamos, viene de antes de que se cruzase con el grupo de Rick. Al parecer, era alguien que la había pasado verdaderamente mal y fue acogido por Negan en los Salvadores al punto de convertirse en su torturador oficial…

Sin embargo, no parecía tener límites y aunque a primera vista no veamos por qué eso iba a molestar justamente a Negan, entendemos todo en cuanto nos cuenta que el Croata no tuvo empacho alguno en torturar a una niña. Ya sabemos sobradamente que ese es el talón de Aquiles de Negan: con los niños no… Y la cosa terminó mal: intentó matarlo, pero el disparo “solo” le arrancó una oreja…

Van Gogh

De pronto todo se alborota y el lugar es copado por los burazi que, al parecer, responden al Croata. Tommaso y Amaia acusan a Maggie y Negan de haberlos atraído y vuelven con lo de que están con ellos, pero Negan da sobradas pruebas de que no: primero al apoyar una hoja sobre el cuello de Tomasso para luego retirarla y después al tomar como rehén a uno de los burazi y, tras destrozar tres cristales con su rostro, abrirlo al medio para arrojar sobre sus compañeros una lluvia de sangre y vísceras previa al cuerpo completo o lo que queda de él.

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La escena es vista por Maggie y está claro que le trae recuerdos. El propio Negan se muestra descolocado al comprobar que le está viendo, pues queda evidente que el monstruo dentro suyo (ese que él dice ya no ser) reaparece en cuanto tiene oportunidad.

La comunidad de Luther ha perdido su lugar, pero están a salvo o al menos la gran mayoría, pues la pobre Esther no la llevó tan bien: lástima, porque no nos caía mal. Maggie les cuenta finalmente la verdad acerca de su hijo secuestrado por el Croata o, como ellos le llaman, “Van Gogh”. Demuestran empatía, aunque le pronostican que no va a poder llegar a él…

Hilltop

Por otra parte, el episodio lleva otras dos subtramas. Vemos, por un lado, a Ginny incorporarse a la comunidad de Hilltop, en la cual se trabaja la tierra y hasta tienen una escuela. Lo de incorporarse es solo una forma de decir porque se nota que no está a gusto y extraña a Negan: una vez más, aflora la particular relación entre este y los niños…

La cuestión es que Ginny termina tomando una moto para escapar. ¿Irá a buscarlo a él tal vez? Digamos que, de acuerdo a lo que hemos visto, la va a tener muy difícil para llegar a New York y moverse una vez allí.

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Por otra parte, un flashback nos muestra lo que no habíamos visto: los tiempos en que Maggie convivía en Hilltop con su hijo Hershel antes de que fuera secuestrado por el Croata. Y notamos que, al igual que Ginny, el muchacho no parecía sentirse muy a gusto allí: le vemos retraído, depresivo y desinteresado en los entrenamientos de supervivencia.

Trampa

La otra subtrama tiene que ver con Pearlie Armstrong, a quien habíamos dejado inconsciente en el piso y salvándose por muy poco de que Maggie acabara cón él a culatazos. Alcanza a despertar a tiempo para no ser devorado por zombies y vemos que tiene la dirección de un tal Joel Armstrong. Damos por descontado que es un familiar, aunque no se nos dice nada al respecto. ¿Hermano tal vez? Sea como sea y una vez en su domicilio, encuentra que se ha quitado la vida…

Devastado, deja el lugar, pero una trampa en los callejones lo levanta en vilo. Mientras los caminantes intentan en vano alcanzarle, llega un grupo de los llamados burazi y, despejándose el camino, le acaban bajando al suelo. Vemos entonces que quien los lidera es El Croata, que busca calmar a Armstrong diciéndole que está seguro con ellos. ¿Será cierto?…

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Balance del Episodio

Les comentaba en el análisis anterior sobre ciertas reminiscencias de manga en la serie. Pues las persecuciones y los cruces entre azoteas me hicieron acordar bastante a Tenku Shinpan (Invasión de Altura), del cual pueden leer en esta web tanto mi análisis como el del anime correspondiente a cargo de mi compañero Juanjo. Y los escapes a través de tirolesas me trajeron recuerdos de The Promised Neverland.

Hemos visto una entrega de tono algo más pausado que la anterior, pero eso tiene que ver con que después de una entrada sin anestesia, estamos empezando a conocer el pasado de algunos personajes, así como qué ocurrió entre el final de la serie principal y el comienzo de esta.

Era de prever que la historia de Negan y el Croata fuera anterior a los sucesos relacionados con el grupo de Rick, pues no había noticias del segundo en aquel momento. Pero el diálogo del baño resulta no solo revelador en ese aspecto sino que además vuelve a mostrar que Negan tiene un punto débil y son los niños.

Recordemos, de hecho, la relación especial que tenía con Carl y lo mucho que le afectó enterarse de su muerte. Después mantuvo un vínculo muy fuerte con Judith y, de acuerdo a lo que vimos en esta serie, también con Ginny, de cuya protección se hizo cargo y recién sintió tranquilidad cuando Maggie le garantizó que estaría segura en Hilltop. Atendiendo a eso: ¿perderá Maggie un as de espadas si la niña, ya escapada, llega a aparecerse en la New York zombie?

La dualidad de Negan termina siendo explicativa de su conflicto con el Croata y le da sentido. Interesante también cuando dice no ser ni haber sido nunca un monstruo salvo cuando había que representar una escena para sus seguidores. Y otra vez hay coherencia porque de ser así se entiende que destripe a uno de los burazi para ganarse la confianza del grupo de Luther.

Y la mirada de Maggie en ese momento es una devolución casi en espejo de la que le dirigiera él en la entrega anterior cuando estuvo a nada de acabar con Armstrong. Si algo deja claro este episodio es que Negan sigue siendo Negan

Y ya que hablamos de Maggie, el flashback con su hijo, aunque breve, nos permite conocer algo más de la relación que sostenían y el perfil de personalidad de Hershel. Faltan aún determinar las circunstancias en que este acabó raptado por el Croata, pero supongo que lo iremos sabiendo en próximas entregas.

Y ya que hablamos del Croata seguimos, más allá de lo contado por Negan, sin conocerle en demasía, pues apenas le hemos visto en la última escena. A lo que voy: aún no logramos determinar hasta qué punto se propone respetar la palabra dada a Armstrong de que está seguro con ellos. Ya sabemos que si de algo no sabe es de límites…

Y ya que hablamos de Armstrong, hemos llegado a entrever algo de un posible pasado familiar que todavía se nos presenta misterioso, pero al parecer traumático y doloroso.

En definitiva, hemos tenido otra gran entrega, que mantiene el tono oscuro y urbano de la anterior y profundiza algo más en la particular “fauna” neoyorquina, con grupos que controlan determinadas áreas y luchan por el poder sobre la ciudad. Pero lo fundamental es que, a pesar del ámbito y clima diferentes, las tramas no pierden coherencia con los hechos que hemos visto en la serie principal. Ojalá siga así…

Hasta la próxima y sean felices…

 

Análisis de Star Trek: Strange New Worlds. Temporada 2. Episodio 2

La segunda temporada de Star Trek: Strange New Worlds nos trae un segundo episodio que es tanto drama judicial como homenaje a la franquicia a la vez que aguda y emotiva reflexión sobre los prejuicios y los límites de la legalidad. La serie, creada por Akiva Goldsman, Alex Kurtzman y Jenny Lumet, se emite para España por Skyshowtime y para Latinoamérica por Paramount+.

Bienvenidos otra vez, trekkies y no tan trekkies, a analizar un nuevo episodio de Star Trek: Strange New Worlds, la serie que tanto nos gusta y a la que los fans de la franquicia han convertido en una de sus favoritas. Desbrozamos hoy la segunda entrega de esta segunda temporada: el título es Ad Astra per Aspera y, como veíamos venir, es un episodio de estrado, algo no extraño ni nuevo en el mundo trekkie…

Alcanza con recordar La Colección de Fieras (serie original, 11×01 y 12×01) en que el sometido a juicio era justamente Christopher Pike, personaje principal de la serie que nos ocupa. O Consejo de Guerra (misma serie, 1×20 ), en que era Kirk quien se sentaba al banquillo. O El Criterio de un Hombre (TNG, 2×9), en que Picard se esforzaba por demostrar que Data era humano y tenía iguales derechos que cualquier persona. O Juicio (STE, 2×19), en que un tribunal klingon acusaba a Archer de conspirar contra el imperio. También varios episodios de DS9 y escenas de juicio en algunas películas.

La que hoy analizamos es una entrega con mucho de reflexión, buenos diálogos y emoción que nos permite ahondar en el pasado de Una y su relación con la tripulación de la Enterprise, a la vez que traernos una invitada de lujo como Yetide Badaki (American Gods, This is Us).

Entremos pues de lleno al análisis advirtiendo que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA y recordando que pueden leer aquí nuestros análisis previos.

Abogada se busca

A pesar de que Pike tenga en esta entrega bastante más presencia que en la anterior, la trama no gira en torno a él, sino a Una Chin-Riley, que hasta el momento no había tenido un episodio especialmente dedicado a ella como otros miembros de la tripulación.

Un flashback inicial la muestra de niña con una herida en la pierna e imposibilitada su familia de llevarla a un hospital por el peligro de que descubrieran sus modificaciones. Esa necesidad de vivir a escondidas será central en el episodio…

Vueltos al presente y tal como ella misma anticipara en la entrega anterior, la fiscalía le ofrece un acuerdo para salir lo más indemne posible de la acusación que recae sobre ella y que consiste en que se declare culpable de haber ocultado sus modificaciones genéticas para que puedan darle una salida honrosa de la flota y permitirle vivir en adelante como cualquier ciudadano.

A la fiscal la conocemos bien: es la capitana Batel (Melanie Scrofano), quien procediera a su arresto sobre el final de la primera temporada y que viene sosteniendo una relación de “amigos con derechos”con Pike.

Aun a riesgo de purgar una larga condena, Una rechaza la propuesta: la ve más que nada como un intento de la flota por salvar su propio prestigio ocultando el error cometido al admitirla y permitir su ascenso.

A todo esto, Pike se ha dirigido a un mundo de la nebulosa Vauterra y, munido de mascarilla por lo irrespirable de la atmósfera (los locales se han adaptado) está a la búsqueda de la persona idónea para ayudar a Una: la abogada Neera Ketoul (Yetide Badaki), también ilyriana y amiga de infancia de ella.

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Al principio no parece interesada y se advierte algún resquemor del pasado, pero Pike logra convencerla con que el caso podría darle renombre (parece venir de varios reveses judiciales) y ayudar a crear conciencia sobre casos de discriminación similares.

En Proceso

El juicio tiene lugar en San Francisco, donde sabemos que tiene sede el mando de la flota. El rechazo del acuerdo judicial por parte de Una hace que el pedido de la fiscalía sea duro: salida sin honores de la flota más veinte años de cárcel.

El reencuentro entre ella y Neera es emotivo pero tenso: la abogada suena resentida con que su amiga de infancia haya renunciado a lo que es para vivir oculta y pretender ser una más en la flota. No obstante, está decidida a defenderla a rajatabla.

La’an cree que los datos que han incriminado a Una salieron de las bitácoras personales de la Enterprise, cuyo acceso está por norma vedado. Viendo allí un posible tecnicismo legal para anular el proceso, pide a Uhura que le permita acceder, pero la flamante alférez, con las debidas disculpas, lamenta no poder hacerlo sin autorización expresa de la flota. Ya veremos que la presunción de La’an es correcta, aunque en forma diferente a la que cabría imaginar…

Spock, por su parte, intenta abordar en los comedores al vicealmirante Pasalk (Graeme Somerville), vulcano que opera como fiscal principal en la causa. Muy divertida la escena en que, imaginando el diálogo a lo lejos, Ortegas pone palabras en boca de ambos de modo obviamente formal y acartonado. M´Benga repone que los vulcanos son poco expresivos pero se manifiestan de manera corporal y percibe tensión entre ambos. Poco después, las palabras de Spock lo confirman al decir que de todos los colegas de su padre, Pasalk es quien mejor consigue sacarle lo peor de sí.

En cuanto a Batel, habla en privado con Pike y le advierte que la causa podría también traerle consecuencias si se descubre que sabía de las modificaciones de Una. No quiere, por lo tanto, comprometerlo llamando a declarar, pero no puede responder por Pasalk y ya veremos que tiene razón…

Robert April es uno de los primeros interpelados en el juicio. Admite haber promovido el ascenso de Una, pero dice no haber estado al tanto de sus modificaciones genéticas, las cuales están prohibidas en prevención de que se repitan genocidios como los de las Guerras Eugenésicas. Preguntado acerca de si hubiera actuado igual con ella en caso de haberlo sabido, su respuesta es no…

En hábil jugada, Neera saca a relucir casos en los cuales April pasó por encima de las normas y particularmente de la Primera Directiva. Logra alterarlo y por momentos él remite a Jack Nicholson en Algunos Hombres Buenos. La fiscalía y el tribunal cierran el interrogatorio argumentando que no es él quien está siendo juzgado, pero Neera ha ganado un as al demostrar que las normas parecen ser a veces flexibles, al menos para los capitanes…

Los distintos tripulantes de la Enterprise pasan uno tras otro por el estrado para responder sobre el desempeño de Una dentro de la nave y si sabían de sus modificaciones. Todos coinciden en enfatizar su eficiencia y lealtad, siendo Spock quien tiene las alocuciones más destacadas: primero, al refrendar al tribunal que la flota se castiga a sí misma si condena a una de sus mejores oficiales, lo cual es ilógico; segundo, cuando en uno de esos dejes de ironía que en él sorprenden dice que lo único que ella le ocultó fue su gusto por los musicales de Gilbert y Sullivan.

La Ley como Faro

Interpelada finalmente la acusada, Neera la hace sacar a relucir su pasado y así es cómo nos enteramos de las persecuciones que tanto ella como su familia y en general los ilyrianos han sufrido por siglos. En un acto de mea culpa que es a la vez confesión a su amiga de infancia, Una dice estar arrepentida de haber, en su momento, dejado a los suyos para infiltrarse entre los no ilyrianos.

En cuanto a por qué decidió unirse a la flota, manifiesta que la misma le fascinó por su capacidad de incluir a gente de diferentes etnias e incluso alienígenas (la cámara recorre los rostros de Spock, M´Benga y Ortegas), así como a lo inspirador de su eslogan previo a la Federación: “Ad Astra per Aspera” (A las Estrellas por el Camino más Difícil). Según dice, sintió que si tantas personas difererentes podían trabajar juntas, ella tenía allí un lugar y remata con que “la flota no es perfecta, pero aspira a serlo… y puede serlo”. Por último, confiesa haber sido ella misma quien reveló su bitácora personal por no soportar ya vivir en el engaño.

Le toca el turno de preguntar a Pasalk, quien destaca irónicamente la emotividad del testimonio, pero como buen vulcano (o malo según se lo vea) afirma que las emociones son irrelevantes para la causa y la cuestión está en los hechos. Contraatacando, pregunta a Una desde cuándo sabía Pike sobre sus modificaciones y ella, bajo juramento y a su pesar, admite que desde hace cuatro meses (primera referencia que tenemos sobre el tiempo transcurrido desde el inicio de la serie).

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Los rostros de la tripulación revelan pesar e incluso el de Batel, pues el juicio ha ido hacia dónde no quería y su compañero está aprovechando la situación para denunciar una conspiración más que un fraude. Pasalk habla incluso de corte marcial para Pike e insiste en que lo que importa es la ley, más allá de que la defensa haya intentado llevar el caso hacia la emoción.

Neera juega entonces una carta inesperada e, invocando precisamente la ley, saca a relucir el código de la flota, según el cual no solo se debe otorgar asilo a quien se acerque por sufrir persecuciones de índole política, racial o religiosa, sino que además los capitanes deben ser cautos y reservados al respecto: el tecnicismo legal justo como para pedir la absolución de Una y de Pike sin entrar en contradicción con los principios jurídicos.

En un discurso por demás sentido (brillante Badaki), reivindica a quienes, como Una, han sufrido discriminación desde su mismo nacimiento y remarca que la ley no debe ser vista como letra muerta, sino como faro o guía para los ideales: pide al tribunal, por lo tanto, que actúe en consecuencia…

De Vuelta

La cosa termina bien. La jueza que lee la sentencia destaca la necesidad de mantener las leyes sobre modificaciones genéticas en virtud de prevenir y no repetir experiencias del pasado, pero admite que cada caso debe ser analizado en particular, declarando a Una (y por extensión a Pike) inocente de todos los cargos. En un gran acierto del guion (ya diré por qué), deja incluso abierta la posibilidad de que las leyes sean revisadas en un futuro.

En la Enterprise tiene lugar la emotiva despedida entre Una y Neera, quien destaca que si bien las leyes siguen siendo injustas para los ilyrianos, lo ocurrido sirve como “un comienzo”. Al momento de transportarse, recibe un cerrado aplauso de parte de la tripulación…

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Con los ojos al borde de las lágrimas, Pike estrecha en un sentido abrazo a Una. “Qué bueno tenerte de regreso, Número Uno”, dice. “Es bueno estar de vuelta, capitán”, cierra ella…

Balance del Episodio

Está claro que la serie sigue manteniendo su nivel y aunque la entrega anterior me gustó y tuvo sus momentos altos, esta ha sido más sólida. Las historias de estrado no siempre funcionan bien: pueden dar lugar a bodoques insufribles o a verdaderas joyas como en la historia del cine lo han sido La Herencia del Viento o 12 Hombres sin Piedad, cuyo director, casualidad o no, es padre de una de las creadoras y productoras de esta serie.

El secreto para que funcionen está en que no se trate solo de seguir el proceso para saber si el acusado es culpable o inocente sino de mover a la reflexión a quien está viendo y eso es precisamente lo que ha ocurrido en este episodio, cuya lectura puede incluso trascender el contexto específico de la serie y hacerse extensivo a la sociedad en que vivimos.

Ad Astra per Aspera ha sido, en ese sentido, una reflexión sobre el racismo y la segregación en cualquiera de sus formas, como también acerca de si legal y justo son necesariamente sinónimos. Y la alusión al carácter inclusivo de la flota ha sido un gran homenaje a la esencia misma de la franquicia desde sus inicios, pues Gene Roddenberry se las vio duras en los sesenta para imponer, como quería, una tripulación multirracial que representara a la humanidad y no a los Estados Unidos saliendo hacia el universo. Star Trek fue una serie inclusiva cuando la palabra no era moda

Por otra parte y de acuerdo al veredicto final, las leyes siguen en vigencia y es bueno para la franquicia que así sea porque de ser derogadas se entraría en contradicción con el canon posterior de series y películas: DS9, posiblemente, la más afectada. Pero no: el canon sigue intacto y lo interesante es destacar lo que se hizo en lugar de lo que no se hizo. Ese “comienzo” del que habla Neera…

Por cierto, la actriz nigeriana-americana Yetide Badaki nos ha entregado una gran actuación y un personaje al que sería bueno volver a ver: ojalá futuros episodios lo permitan, quizás en defensa de algún otro miembro de la tripulación. Un dicho de zonas rurales argentinas recomienda que siempre hay que “correr a alguien para el lado que dispara”, lo cual, traducido, sería rebatir a alguien con sus mismos argumentos y eso es precisamente lo que ha hecho Neera al arrojarles el código encima a fiscalía y tribunal.

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Y el detalle de que fuera la propia Una quien revelara sus modificaciones le da un giro inesperado al proceso judicial a la vez que permite a ella revisar su pasado y, en acto de redención, hacer las paces con su amiga.

Desde ya que ha sido un episodio con poco espacio en cualquier sentido: por los ámbitos reducidos y porque no hemos visto a la Enterprise en viaje. Pero viene a demostrar una vez más que si Star Trek: Strange New Worlds ha logrado posicionarse entre los fans de la franquicia es no solo por el encanto nostálgico y rescate de la esencia, sino también por saber proponer en cada episodio algo nuevo y distinto del anterior. En concreto, una gran entrega

Hasta la próxima y sean felices. Larga vida y prosperidad…

Análisis de Invasión secreta. Capítulo 2.

En un mundo que aún arrastra las secuelas del chasquido de Thanos, una facción rebelde de los Skrulls se está infiltrando entre los humanos para acelerar su autodestrucción. Solo Nick Furia (Samuel L. Jackson), puede detenerlos. Bienvenidos a Invasión Secreta.

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A partir de aquí, SPOILERS del segundo episodio de Invasión Secreta.

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En una decisión de guion tan sorprendente como cuestionable, los autores de Invasión secreta han dejado todo el contexto para este segundo episodio. Tampoco es que la serie tenga una trama compleja, pero el ver moverse a los personajes de un lado a otro sin entender sus motivaciones hacía que perdiéramos el interés muy rápido. Este segundo capítulo viene a corregir dicho error.

El episodio 2 de Invasión Secreta, comienza con un flashback a 1995, el año en el que transcurre Capitana Marvel. Nick Furia y Carol Danvers (se sigue echando en falta a este personaje por su importancia argumental) se comprometen a encontrar un lugar para los refugiados skrull. Dos años después, Talos ha convocado a los “pocos” skrulls que quedaban para llegar a un pacto con Nick Furia. Si ellos le ayudan a defender la Tierra, él buscara ese lugar de refugio.

Es en este momento cuando Furia conoce a un joven Gravik, un chico que ha escapado con determinación de la matanza de su familia y que, años después, se convertirá en su enemigo al ver que Furia no ha cumplido su parte del trato. Aunque también es cierto que los skrull, hasta donde sabemos, tampoco han tenido nada que ver con la defensa de la Tierra en ninguna de las películas anteriores, por lo que desconocemos cuál ha sido su cometido en dicha defensa o si, directamente, se trata de una incoherencia argumental.

Tras la muerte de María Hill y la acusación de los rusos a los estadounidenses de haber atentado en su país, Furia es rescatado por Talos. En una conversación saliendo de Moscú, Furia averigua que Talos le engañó y que no trajo a unos pocos skrulls, sino que hay un millón de ellos infiltrados en la Tierra. La cosa se pone interesante porque así es difícil confiar en el que prójimo.

Furia intenta buscar un aliado en su viejo colega Vengador Rhodes, el antiguo Máquina de Guerra. Pero este tampoco está por la labor y, de hecho, accede a reunirse con él para informarle de que está despedido por su forma de actuar.

Así, un Furia viejo y cansado pierde todos sus apoyos. Encima, tampoco quiere la ayuda de los Vengadores con la simple excusa argumental de “esta es mi guerra”. Pues muy bien, que siga muriendo gente solo porque un espía casi jubilado quiere volver al redil. Haber inventado otra excusa, como la sospecha de que muchos de los héroes escondan a skrulls disfrazados.

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Mientras tanto, averiguamos que los principales líderes mundiales son Skrulls infiltrados, la mayoría de los cuales deciden apoyar la teoría de Gravik para acelerar la autodestrucción del ser humano.

Por lo que la hija de Talos pudo observar, parece que Gravik quiere crear una especie de ejército de super skrulls, utilizando tanto virus Extremis (el de Iron Man 3) como restos del Cull Obsidian (el secuaz más grandote de Thanos en Infinity War).

Finalmente, un Gravik que va por delante consigue rescatar de las garras de los rusos a uno de sus hombres, secuestrado por ellos tras el atentado. Desgraciadamente ellos, la espía rusa da buena muestra de su determinación y obtiene la información que quiere. Su piso franco es desmantelado y Gravik decide ejecutar a su hombre.

El capítulo 2 de Invasión Secreta acaba con la aparición de la mujer de Nick Furia, personaje totalmente desaparecido en el Universo Cinematográfico de Marvel y al que le ponemos por fin rostro en Invasión Secreta.

Este segundo episodio mejora algo lo visto en el primero al aportar más contexto y, así, entender mejor a los personajes de la serie. La intriga se maneja con ritmo, aunque el guion es mejorable (los argumentos del Nick Furia de esta serie son impropios del manipulador que utilizó la muerte de uno de sus hombres para unir a los Vengadores).

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Dune: Parte 2. Nuevo y épico tráiler del evento del año

Hace solamente tres meses tuvimos el primer tráiler de Dune: Parte 2. Pues les tuvo que dejar con ganas de enseñar más porque Warner aquí con este segundo tráiler ha ido a por todas.

Dune: Parte 2

La Parte 2 nos lleva al viaje de Paul Atreides (Timothée Chalamet) para buscar venganza contra el Emperador, tras perder a su padre y su hogar.

El emperador (Christopher Walken) traicionó a la familia Atreides y ordenó la muerte del padre de Paul, el duque Leto (Oscar Isaac). Tras la traición, Paul huyó junto a su madre (Rebecca Ferguson) al hogar de los misteriosos fremen en las peligrosas arenas del desierto.


EN CF: CRÍTICA DE DUNE, DE DENIS VILLENEUVE. EL PELICULÓN QUE SÍ O SÍ HAY QUE VER EN EL CINE


Al espectacular elenco de la primera se suman ahora otros nombres como Florence Pugh, Austin Butler, Léa Seydoux, Christopher Walken (el Emperador Shaddam IV) y Tim Blake Nelson.

Denis Villeneuve va a por todas en esta Dune: Parte 2. Y a ver con que nos sorprende Hans Zimmer en esta ansiada cinta. El tráiler ha superado las expectativas. La espera hasta el estreno, fijado para el 3 de noviembre, se va a hacer larga.

Un saludo y sed felices.

La saga de Indiana Jones: Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal, la aventura más injustamente denostada

Y llegamos a la última película, por ahora, de la saga de Indiana Jones. A la espera de Indiana Jones y el dial del destino, toca afrontar la que para muchos es la peor película de la franquicia, aquella en la que parece ser que cometieron el pecado de meter extraterrestres. Al lío.

Nevada, 1957

Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal se sitúa en 1957 y huye de los nazis y los chismes religiosos, lo que ya es un punto a favor. El paso del tiempo se hace evidente para el doctor Jones pero muy especialmente para su interprete, Harrison Ford, así que ya no es posible tanta lucha, cabriola y ejercicios gimnásticos imposibles como el de pasar por debajo de un camión en marcha.

Con total acierto, la película opta por ser un retrato de la época en la que se ubica, iniciando la cinta con una carrera de coches de esas que casi le cuestan la vida a George Lucas y que él mismo se encargó de homenajear en American Graffiti.

De ahí a la mítica Area 51, que resulta que es donde se guardó el arca de la alianza en la primera película, introduciendo el accidente de Roswell y situando la obsesión por el comunismo en primer plano. Los rusos, con Cate Blanchett a la cabeza, son los malos de la función. La paranoía se ha instalado y Jim Broadbent no reconoce a su país. Más o menos como ahora. El miedo al poder nuclear también está presente, con Indiana Jones quedando pequeño frente al hongo atómico.

Indiana Jones

Sin que nos lo den todo mascado, se insinúan las aventuras de Indiana Jones durante la Segunda Guerra Mundial, su rango de coronel, su pasado como agente doble,… Es el regreso a la imaginación y al misterio que nos hurtaron en Indiana Jones y la última cruzada, donde nos lo dieron todo mascado y nos explicaron todo lo que no hacía falta.

El retrato generacional continua con Mutt Williams, el también denostado Shia Labeouf, quien seguramente se limitó a hacer lo que le dijo Spielberg y lo hizo bastante bien. Su primera aparición ya marca que estamos ante un imitador de Marlon Brando, un joven de finales de los 50 que se pasa media película peinándose. «No hace falta que te enfades continuamente para hacer ver que eres duro», le dice su progenitor. A destacar el casual enfrentamiento entre capullos y engominados en la cafetería.

Indiana Jones 4

¡Esto es intolerable!

El tiempo no pasa en balde y quien más acusa el paso del tiempo es el Doctor Henry Indiana Jones Jr. Su padre murió, Marcus Brody murió y ya va llegando a una edad donde la vida empieza a quitarte cosas, como le dice Charles Stanfort (Jim Broadbent). A lo largo de la película, Indiana Jones va transformándose poco a poco en padre, reflejando las actitudes y las expresiones de su propio progenitor en todo lo que concierne a Matt.

Quizás lo que sentó realmente mal a una parte de los espectadores no fueron los extraterrestres sino no poder asumir que todos nos hacemos viejos, incluido Indiana Jones y Marion Ravenwood, y que las cosas cambian. Aun recuerdo cuando un amigo me comentó que se le había caído un mito al verla en pantalla pero de eso iba la película, de envejecer.

Menos set pieces

Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal tiene unas escenas de acción menos espectaculares que las películas anteriores y desde luego no han quedado para siempre en el imaginario colectivo. Todo el mundo recuerda la piedra que persigue a Indiana Jones, la huida en vagoneta por las minas o la persecución en el tren del circo del joven Indi.

Sin embargo nadie recuerda o menciona la escena en el Area 51 como no sea para mentar a la madre del guionista David Koepp por lo de la nevera, así como tampoco se recuerda la persecución en moto o la escena del cementerio en Peru. Y la verdad es que si uno las vuelve a ver las escenas palidecen frente a la espectacularidad de las anteriores pero lucen muchísimo mejor.

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Eso es así porque Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal es la primera y única película de la saga fotografiada por Janusz Kaminski, un hombre que marcó un antes y un después en la filmografía de Steven Spielberg tras La lista de Schindler. En la escena del cementerio es donde se luce especialmente, consiguiendo una iluminación realmente brillante.

No me extiendo más. Supongo que no habré convencido a casi nadie pero me reafirmo: Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal es una gran película, un retrato de un héroe envejecido que ve como su mundo va quedando atrás pero que finalmente se reconcilia con su pasado. No necesitábamos más.

Lo de cabrearse por los extraterrestres no tiene ningún sentido y más si tenemos en cuenta que estuvieron ahí desde el minuto uno en que decidieron poner en marcha la película. Si no hubiesen sido extraterrestres habrían sido otra cosa y el personal se hubiese cabreado bien igual. Y ojo que para Indiana Jones y la última cruzada barajaron que se enfrentase a un fantasma en un castillo de Escocia, con lo que mejor no nos quejemos tanto y disfrutemos más.

Con esto llegamos al final de la saga, un repaso que ha pretendido ser un homenaje y una crítica al mismo tiempo. No era cuestión tampoco de contarlo todo, que casi todo el mundo ha visto las aventuras de Indiana Jones. Nos leemos en el siguiente post, en el capítulo final, con Indiana Jones y el dial del destino. Un saludo, sed felices.

El legendario autor Brandon Sanderson, califica de «bastante mediocre» la serie Los anillos del poder de Prime Video

Brandon Sanderson, el aclamado autor alabado por su cautivadora narrativa, ha compartido su perspectiva sobre la serie de Amazon Prime video, El Señor de los Anillos: Los Anillos del Poder. Lo ha compartido en la web americana Fandomwire. La serie es una saga eterna, que anima a innumerables lectores y espectadores a través de su fascinante universo y su profunda narrativa. Un mundo mágico emerge en esta epopeya atemporal de J.R.R. Tolkien, que mezcla aventuras, amistades y un conflicto constante entre el bien y el mal.

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Recordemos que sólo por los derechos cinematográficos Amazon pagó 250 millones de dólares y parece que lo pagó sin despeinarse. Lamentablemente las críticas se hicieron llegar tras su estreno en 2022 y hoy en día gran parte de la audiencia sigue dividida.

Brandon Sanderson dijo que:

«Por los episodios anteriores de los que he hablado, es de esperar que no me guste tanto como a vosotros. Mi opinión final fue «meh». Me pareció bastante mediocre».

Y sobre todo hace hincapié en el tratamiento de los Pelosos. En su opinión, estaban mal tratados y no se representaban como él esperaba, lo que afectó a su impresión general de la serie. Además, explicó:

«Para mí, lo más importante son los pelosos. Los pelosos, en mi opinión, fueron totalmente chapuceros. Y mi sensación al respecto es que puedo sentir lo que deberían haber estado haciendo y, al menos en un borrador, probablemente estaban haciendo, que es el lado más desenfadado de esto».

No le gustó nada según sus declaraciones.

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La opinión de Sanderson suscitó debates entre los aficionados y los expertos del sector, ya que su reputación de creador de mundos inmersivos en obras como las sagas de Nacidos de la bruma o El archivo de las tormentas, da peso a su crítica.

Además de los 250 millones que costó comprar los derechos de la obra como ya dije antes, según los informes, Amazon gastó aproximadamente 465 millones de dólares, lo que la convierte en la serie de televisión más cara de todos los tiempos.

¿A vosotros os gustó la serie o como a Brandon Sanderson os pareció mediocre?

Un saludo y sed felices.

‘El Roadie’ de Tim Seeley y Fran Galán | Rock, Satanismo y Robert Johnson

Roadie: Del inglés. Persona encargada de transportar y montar el equipo de un grupo musical en gira.

Nuestro Roadie se llama Joe y es el protagonista de este nuevo cómic de Norma editorial guionizado por Tim Seeley y dibujado por Fran Galán. Una historia que va a mezclar Rock con satanismo… básicamente lo que muchos puritanos pensaban cuando comenzó este género musical y que muchos grupos han adoptado en su iconografía.

Más de treinta y cinco años después de su apogeo, un antiguo roadie de bandas de heavy metal debe recorrer de nuevo las carreteras secundarias de Estados Unidos para volver a hacer una faceta menos conocida de su trabajo… los exorcismos. Pero esta vez, no está salvando groupies y bajistas borrachos. Esta vez, su misión es salvar a su hija.

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Obviamente, Joe no es un roadie normal y tiene ciertas habilidades que le han sido de ayuda en el pasado, tanto a él como a los grupos con los que ha trabajado: Exorcizar a los demonios que voluntaria o involuntariamente invocaban con sus canciones.

Ahora, treinta y cinco años después, de forma muy personal debe volver a ese camino, ya que debe salvar a su hija de un pérfido destino.

Con esta premisa arranca la historia de Tim Seeley en la que no van a faltar referencias a la música y al mundo de los pactos con el diablo. Una trama que es un caldo de cultivo para el macarrismo y las salidas de tono que tan bien sientan a todo lo que hay alrededor de los tours de los grupos musicales.

La trama tendrá varios giros argumentales que van conseguir que la recta final del tomo sea muy disfrutable y sorprendente para los lectores. Aunque es cierto que ha decidido caminar por la línea de la corrección y pese a que hay un par de ocasiones en las que la rebasa, se ha quedado muy floja para lo que cabía esperar de esta premisa.

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AQUÍ OS DEJO EL RESTO DE RESEÑAS DE CÓMICS DE NUESTRA WEB


Le ha faltado el puntito ‘Garth Ennis’ para que la historia hubiese quedado mucho más redonda y más acorde a lo que se estaba planteando. Ha sido una lectura descafeinada.

Entiendo que proponer un comic para adultos acota el mercado, pero hay historias que lo merecen mucho y ‘El Roadie’ es una de esas.

Aun así nos encontramos con un cómic que me ha divertido y que ha jugado muy bien con la leyenda de Robert Johnson y su supuesto trato con el diablo para convertirse en el mejor guitarrista de blues. Eso le ha dado una mayor profundidad y esa pátina de credibilidad a la historia.

Las referencias musicales van a ser una constante en ‘El Roadie’ y es de agradecer, ya que aportan un plus a este cómic.

El apartado visual encaja como solo de guitarra en una canción heavy metal y Fran Galán entiende de lo que va la historia y lo que necesita para hacerla subir escalones. Muy buen trabajo del dibujante de ‘Goya, lo sublime terrible’.

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Conclusión

‘El Roadie’ tiene un tono muy bien conseguido por parte de Tim Seeley aunque es cierto que me ha parecido que no ha querido pisar a fondo para ser más políticamente incorrecto. Aun así es una obra divertida que coge el mito del satanismo y el heavy metal y lo plasma en un cómic que tiene gran parte de lo que se espera.

El guionista ha sabido darle bastantes capas a una historia que podía haber parecido muy simple y poco atractiva más allá de jugar con el mito mencionado en el párrafo anterior.

Todo esto junto al dibujo de Fran Galán hacen a ‘El Roadie’ un cómic interesante, una lectura amena contenida en un único tomo.

Aquí os dejo la web de Norma editorial donde encontrar ‘El Roadie’ y su portada española:

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Un saludo y nos vemos en la autopista al infierno, mis metaleros lectores.

Tráiler de ‘Retribution’ (2023): Liam Neeson protagoniza este remake de una película española

‘Retribution’ protagonizada por Liam Neeson estrena su primer tráiler. Este filme de Lionsgate dirigido por Nimród Antal llegará a los cines el 25 de agosto. Que tiene esta cita de especial, más allá de tener al actor irlandés en esos papeles que tanto suele interpretar últimamente, pues que es un remake de una cinta española de 2015.

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Antal se ha lanzado a versionar la cinta de Dani de la Torre llamada ‘El desconocido’ que cuenta con un elenco impresionante encabezado por Luis Tosar, Javier Gutierrez y Goya Toledo entre otros.

De qué trata esta ‘Retribution’, pues nos cuenta la historia de Matt Turner, que viaja junto a sus hijos cuando una misteriosa llamada le informa que hay una bomba en su vehículo y que estallará si alguien sale de él o si no hace lo que se le ordene. Creo que a muchos se nos vendrá a la cabeza ‘Speed’ de Keanu Reeves al ver este tráiler.

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Esta premisa, suponemos que llevará a una sucesión de persecuciones por toda la ciudad. El guion de Chris Salmanpour y Andrew Baldwin y será coprotagonizada por Matthew Modine, Noma Dumezweni, Jack Champion, Lilly Aspell y Embeth Davidtz. Andrew Rona, Alex Heineman, Jaume Collet-Serra y Juan Sola son los productores del proyecto.

Este será el regreso de Neeson a los papeles de acción tras su protagonismo en ‘Marlowe’ de Neil Jordan que tan fría dejó a la crítica.

Aquí os dejamos el tráiler de ‘Retribution’ y el de ‘El desconocido’, por cierto, esta ultima se encuentra en Disney+ y Amazon Prime vídeo actualmente:

Un saludo y sed felices.

Se confirma el reinicio de Spawn para 2025

Buenas noticias para los aficionados a Spawn, el personaje demoníaco creado por Todd McFarlane. En 2015 se anunció un reinicio de su personaje, que tiene una (fallida) película en 1997. Su desarrollo contaba con el propio McFarlane en labores de producción pero, en 2022, el proyecto se paralizó. Hasta quedó en duda la participación de Jamie Foxx como protagonista.

Nuestra critica de la Spawn de 1997

Sin embargo, mientras presentaba la nueva entrega de la saga Insidious, el productor y maestro del cine de terror Jason Blum, director de Blumhouse, ha anunciado que la producción de Spawn ha vuelto a iniciarse, aunque el guión todavía está en fase de finalizar. Su predicción es que la película se estrenará en 2025.

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Eso sí, Todd McFarlane se ha retirado del proyecto, por lo que imaginamos que la nueva visión de Spawn no estará acorde a lo que él mismo había creado. Siendo de Blumhouse, esperamos una producción de terror con calificación R, para mayores de 18 años, ¿Ganas de verla?

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Análisis de Riverdale. Temporada 7. Episodio 12

Nuevo episodio de Riverdale y por lo tanto nuevo análisis: duodécimo de esta temporada final y su título es Después de la Caída. La serie, creada por Roberto Aguirre-Sacasa, es emitida por The CW y para España por Movistar+.

Hola otra vez, riverdaleros.  Tras dos semanas sin Riverdale y mientras continuamos la cuenta regresiva para la despedida, tenemos hoy entre manos el episodio 12 de esta séptima temporada o, si lo prefieren, capítulo 129 del listado general. Una entrega excesivamente fragmentada en cuanto a sus subtramas que, por cierto, se resuelven de manera apresurada y simplista. Y que además ha agregado una nueva combinación a las ya conocidas “Varchie”, “Vughead”, “Barchie” y “Bughead”…

Pero pasemos mejor al análisis, advirtiendo como siempre que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA y recordando que pueden leer aquí nuestros análisis previos.

El Nuevo Capitán

Finalmente, nadie ha muerto tras el accidente en auto. No es que nos alegremos tanto por Julian que, de todas formas, permanece en coma, pero sí por Reggie, que se ha convertido en el héroe de la noche de Halloween por auxiliar y salvar la vida a los cuatro jóvenes que iban con él en el vehículo que cayó al río Sweetwater.

No todos lo entienden así: Clifford Blossom le ve como el origen de todos los problemas desde su llegada y de poco sirve que Frank le insista en que era su hijo Julian quien conducía el auto. Lo quiere fuera del equipo, pero no se puede pensar en excluirlo de frente al match contra los Stallions de Stonewall, por lo que debe conformarse con que no sea capitán, responsabilidad que acaba recayendo en un sorprendido Archie, quede repente pareciera tener los astros a favor porque además, en el colegio y para su incredulidad, la señorita Thornton le felicita por el poema que ha escrito.

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Pero se siente incómodo con la capitanía: considera que Reggie es, con justo merecimiento, el más indicado y así se lo manifiesta a su tío que, si bien lo entiende y está de acuerdo, lamenta no poder hacer nada por no ser decisión suya sino de Clifford. Y los Blossom son los patrocinadores del equipo…

Enterada Cheryl de que su hermano ha sido reemplazado mientras se debate en el hospital entre la vida y la muerte, va hecha una furia a ver a su padre para dejarle en claro que no piensa mover una sola pompa con las Vixens. Frío como el hielo, Clifford le replica que sí lo hará e incluso la amenaza con que puede pasarle algo aun peor que a su hermano: encanto de padre…

El Secreto de Dilton

El accidente de los Bulldogs no fue lo único ocurrido en Riverdale durante la noche de Halloween. Recordemos que Ethel mató en defensa propia al lechero y ha quedado demostrado que no mentía con respecto a su existencia. Para el sheriff Keller se trataba de un simple vagabundo, pero ni Jughead ni Ethel están de acuerdo porque carece de sentido que un vagabundo asesinara a los padres de Ethel y a Rayberry para luego intentarlo con la propia Ethel: no parece aleatorio…

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Keller pretende que ella vuelva con las Hermanas de la Misericordia, pero la pareja se opone tajantemente por los maltratos que allí ha recibido. Finalmente y para sorpresa de Jughead, se decide que vuelva con los Cooper, donde ya había estado. Ha sido decisión conjunta entre Mary (que reaparece por fin sin demasiada explicación de su ausencia durante tantos episodios) y Alice, quien está extrañamente feliz de tener a Ethel en casa y hasta pareciera usarla como reemplazo de Betty, a quien, recordemos, ha pasado a negar como hija.

Ello hace que Betty, resentida, se mude al cine con Veronica. Una fiesta en la que invitan a Kevin y Clay acaba en charla acerca del más dotado del colegio y, para sorpresa de las chicas, los muchachos coinciden en Dilton Doiley, justamente el más loser y menos fornido, quien no entenderá nada cuando ellas, durante la presentación de Archie como capitán, le sonrían sin quitarle los ojos de encima.

Lechero por Cartero

Ethel es reincorporada al colegio y aunque admiten que tenía razón con lo del lechero, Werthers insiste en culpar a los cómics: el asesino, afirma, imitó lo que vio y leyó. En la editorial, Fieldstone está complacido de tenerla también de vuelta al punto de encargarle una nueva historia con guion de Jughead, pero, de manera sorpresiva, ella quiere escribir una secuela de la cuestionada historia del lechero y, todavía más sorprendente, Jughead la secunda.

Fieldstone no está de acuerdo y por mucho que le insistan sobre libertad de expresión y demás, interpreta que, después de lo ocurrido, los ojos están sobre la editorial y ese tema está vedado.

Sin embargo, Jughead encuentra después a Ethel dibujando al lechero y le recuerda lo hablado. Ella, que está extraña, dice estar harta de que todo el mundo crea saber qué vio y entender lo que vivió. Finalmente, la solución es reinventar un poco la historia reemplazando lechero por cartero y con un título bien sugerente: “El Cartero siempre viene Dos Veces” (clara referencia a la novela de James Cain titulada “El Cartero siempre llama Dos Veces” y a sus homónimas adaptaciones a cine).

Si bien el cambio es apenas una sutileza, Fieldstone queda encantado y, recogiendo un poco el mensaje de Jughead, cambia su postura y entiende ahora que la función de la editorial es remover avisperos más que calmar aguas…

“Vetty”

La flamante convivencia entre Betty y Veronica permite que se pongan al día con sus historias familiares. La primera no puede creer que su madre la haya rechazado y la segunda la consuela con que sus padres han hecho lo mismo al echarla del Pembrooke.

Y la cosa se empieza a poner lésbica. Betty ve como relación ideal la que sostienen Kevin y Clay por no estar contaminada de expectativas socialmente aceptadas con respecto al otro sexo. Veronica le confiesa que ha besado a una chica y Betty quiere probar… con ella. Están a punto de unir sus labios cuando (clásico recurso de folletín), la escena es interrumpida porque alguien entra y resulta ser Mary, que está allí para comprobar si es verdad que Alice ha expulsado a su hija y, habiéndolo constatado, va de inmediato a hablar con ella…

Su perorata recriminatoria sobre la relación madre-hija da resultado y Betty es readmitida en su casa que, obviamente, deberá ahora compartir con Ethel. Veronica también ha recuperado las llaves del Pembrooke ya que, al parecer, Mary se ha comunicado también con Hermione para echarle en cara lo mismo que a Alice.

Pero algo ha quedado pendiente entre las ellas, para quienes la separación no ha caído en el mejor momento. Se llaman por teléfono y Betty le admite a Veronica… que la ama. Vaya, esto sí que es fanservice: ¿se viene “Vetty”?

Ultimátum

El duelo con los Stallions se acerca y estos, en una bravuconada, se llegan hasta el colegio para robarse a Peppy, la estatua del bulldog que tienen como “mascota”.

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En cuanto a Julian, ha salido del coma para alegría de Cheryl, quien además y oyendo a hurtadillas, se entera que su padre planea dejar a Reggie fuera del equipo después del partido. Corre a contárselo a Archie y este al resto de los Bulldogs, que van en grupo a la mansión Thornhill para dar un ultimátum a Clifford: si saca a Reggie, todos se irán. Y no solo eso: Archie exige además que Reggie sea el capitán…

Acorralado, Clifford debe ceder y el match finalmente se produce con victoria de los Bulldogs y gran desempeño de Reggie. Tanto él como Archie están felices y el pelirrojo, incluso, le obsequia en emotivo gesto la insignia de capitán de su padre. Reggie, por su parte, le anima con lo de escribir poesía. Tal como dice Jughead en off, han pasado a ser prácticamente hermanos, pero ninguno de los dos imagina la tormenta que se avecina “como la cólera de Dios...”

Balance del Episodio

Entrega correcta pero poco conducente y con subtramas que se han cerrado muy rápido, siendo el partido la principal: demasiado prólogo para que se resuelva en segundos. Algo parecido con los problemas entre madres e hijas, que son resueltos con un simple reto de Mary y ni hablar de la flamante relación entre Betty y Veronica, gestada abruptamente y sin indicios previos. O el súbito y no explicado cambio de postura de Fieldstone con respecto a qué cómics publicar.

riverdaleladiesdaily — RIVERDALE (2017 - 2023) Season 7, Episode 12...

Pareciera, por otra parte, que las tramas se movieran de manera demasiado aislada y eso es contraproducente en un episodio que se pretende más o menos autoconclusivo. La historia de Archie y Reggie transcurre por un canal diferente a la de Betty y Veronica o la trama policial en torno a los asesinatos que, directamente, pareciera de otra serie. Jughead ni siquiera da la impresión de estar enterado del accidente o del partido de baloncesto.

Hace acordar un poco a la fragmentación de la quinta temporada, pero allí estaba justificada porque los personajes habían separado destinos. Esperemos que en los ocho episodios que nos quedan acaben uniendo las subtramas y que ello ocurra antes de que salgan del particular universo en que ahora se hallan y que me gusta tanto: la estética sigue siendo espectacular y esta entrega se ha lucido particularmente en vestuario, peinados y maquillaje de Alice y Mary, que lucen como dos clásicas y creíbles amas de casa de los cincuenta.

En cuanto a Ethel, sigue siendo un misterio. Daría la impresión de que el perfil psicótico que le conociéramos en la otra línea temporal está pugnando por aparecer o no se entiende su obsesión por regodearse en los asesinatos ocurridos. Creo que oculta algo y la historia del lechero aún no está contada del todo…

Por último, un detalle: cuando Cheryl escucha a su padre hablar sobre desplazar del equipo a Reggie, le oye también mencionar que su reemplazo será KO Kelly, personaje nacido en el fugaz spin-off Katy Keene y que ha tenido también un breve paso por Riverdale. La novedad es que aquí no es boxeador sino jugador de baloncesto, pero entonces no se entiende el apodo KO (Knock Out)…

En fin, me ha parecido uno de los episodios más flojos de una temporada que en general me viene gustando. Esperemos que para la próxima entrega repunten y, sobre todo, vayan uniendo lo que aparece fragmentado. Mientras tanto, nos queda la intriga acerca de hacia dónde marcha esa incipiente relación entre Betty y Veronica, así como también y muy especialmente de qué habla Jughead con lo de la tormenta que se avecina

Por cierto y si sirve de pista, el próximo episodio se titula The Crucible, exactamente como la famosa obra de Arthur Miller que en español solemos conocer como Las Brujas de Salem. ¿Qué tanto tendrá que ver? Ya lo veremos…

Hasta entonces y sean felices…

La saga de Indiana Jones: Indiana Jones y la última cruzada, la aventura más familiar

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En nuestro repaso a la saga de Indiana Jones con eso de que se estrena una nueva aventura, nos detenemos en Indiana Jones y la última cruzada. La tercera película de Indiana Jones llegó en 1989, cinco años después de Indiana Jones y el templo maldito y supuso un giro radical en el personaje. Vamos al lío.

«Me gusta más ‘La calavera de cristal’ que la de Sean Connery. No me gusta la de Sean Connery. No me gusta esa para nada. Es tan aburrido. ¡Es aburrido! Y no es un personaje interesante. El chiste se cuenta solo. Es como ¡Alto! O Mi madre dispara».

Quentin Tarantino

No me llames junior

¿Quién soy yo para llevarle la contraria a Tarantino? Eso sí, se ha pasado un pelín. Indiana Jones y la última cruzada no es aburrida pero sí es cierto que el chiste se cuenta solo. La razón de ser de la cinta no es otra que juntar a Indiana Jones / Harrison Ford con su declarado referente, James Bond / Sean Connery y a partir de aquí meter un macguffin que lo justifique.

En esta ocasión el macguffin en cuestión es la búsqueda del Santo Grial, que también buscan los nazis. Frente a lo diferente que fue Indiana Jones y el templo maldito, Lucas y Spielberg recurren a lo ya visto, quizás porque la película anterior no recaudó lo suficiente en taquilla y la crítica le dio algunos palos.

Ese intento de enmendar lo que no tenían por qué (una de las cosas más patéticas del cine es un cineasta pidiendo perdón a la audiencia porque a esta no le ha gustado su película), frente a la oscuridad de la segunda película, aquí se opta por el humor y esta vez si, esta vez se pasan de frenada.

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El mayor problema de Indiana Jones y la última cruzada es que no supieron dosificar ese humor, llegando a convertir a los personajes de Denholm Elliot y John Rhys-Davies en una parodia. Sorprendentemente, el personaje más interesante de la cinta y quizás de la saga entera por las múltiples aristas que presenta, por intuirse algo más complejo que las partenaires anteriores del protagonista, es la doctora Elsa Schneider, encarnada por Allison Doody.

Elsa Schneider es una mezcla entre las mujeres anteriores de la saga y Rene Belloq, el antagonista de En busca del arca perdida, un bello reverso oscuro de Indiana Jones. Lamentablemente, se quedan a medias; no profundizan en ella lo suficiente y acaba siendo devorada por los chistes.

Allison Doody

También se empeñaron en romper el misterio en torno al personaje. Indiana Jones y la última cruzada es un poco Indiana Jones Begins, explicando el origen de su nombre, su fobia a las serpientes, el sombrero, su afición por el látigo e incluso la cicatriz en la barbilla que ya venía de serie con Harrison Ford. ¿Había alguna necesidad? Indiana Jones funcionaba mejor cuando desconocíamos su pasado, cuando pensábamos que unos padres tuvieron la osadía de llamar Indiana a su churumbel.

Deux es Jones

En Indiana Jones y la última cruzada hay un abuso del deux ex machina que en las anteriores películas no habíamos visto (o por lo menos nos pasó más desapercibido). Se evidencia en escenas como la del castillo, cuando, oh casualidad, encuentran un pasaje secreto en la chimenea que les salva de morir quemados; o cuando Indi está enganchado al tanque y del rebote de una bala se salva de morir aplastado.

Más de uno dirá que me estoy pasando. Hombre, igual sí. Indiana Jones y la última cruzada no es mala ni mucho menos, pero sí la más floja (por el momento) de la saga de Indiana Jones. La más Disney, podríamos decir. Aun así tiene sus momentos. La relación entre Ford – Connery, verlos a los dos en pantalla, es impagable. El sueño húmedo de muchos fans hecho realidad (Lucas y Spielberg los primeros).

También tiene sus buenas escenas de acción pero palidecen un poco en comparación con las de las películas anteriores. Quizás la mejor sea la de prólogo, con el malogrado River Phoenix encarnando a Junior, del que se decía que heredaría el personaje. También la de las catacumbas y la persecución en Venecia, donde Spielberg mantiene el pulso.

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Por contra, la escena final, con el cruzado casi inmortal, adolece de falta de ritmo y resulta como esos misterios que pierden la gracia una vez los conoces. Cansa y aburre un poco tras el primer visionado, cosa que no sucede con las escenas de En busca del arca perdida e Indiana Jones y el templo maldito (la de la persecución en la mina y la escena del puente siguen siendo impresionantes).

En resumen, aunque en su momento fue casi un acontecimiento (lo de Ford y Connery juntos, auténticos mitos de Hollywood, aún no lo han superado), con el paso de los años Indiana Jones y la última cruzada va perdiendo puntos en cada visionado. Nos leemos en el próximo post, que si este le habrá escocido a alguno no quiero ni pensar cuando lean el siguiente. Un saludo, sed felices.

¿Boicot a ‘The Flash’? ¿Puede Warner Discovery acabar con DC en el cine para siempre?

‘The Flash’ ha sido un fracaso, no andemos con paños calientes. Su recaudación a día de hoy es de 212 millones de dólares y eso, amigos lectores, se encuentra muy alejado de lo que el estudio esperaba. También es cierto que no se merecía este rendimiento en taquilla, ya que la película es un producto entretenido, divertido y con un Michael Keaton brutal.

Es muy difícil de entender después de las buenas críticas iniciales recibidas por el filme de Andy Muschietti que la audiencia haya sido tan baja.  Mi compañero y amigo Carlos ya habló largo y tendido de varios motivos para los resultados de ‘The Flash’ en su artículo ‘DC llega tarde a la fiesta’, pero yo me quiero poner hoy el traje de conspiranoico para dar otro punto de vista del que siempre huye mi compañero: Conspiraciones.

The Flash

Quienes estamos muy cercanos a todos los tejemanejes del séptimo arte aun recordamos cuando se llamó al boicot a todo lo que James Gunn estaba por construir para así restaurar el ‘Snyderverso’. Y no es la primera vez que ocurre algo similar, ya que tras el recibimiento tan polarizado de ‘Los Ultimos Jedi’ y como se incendiaron las redes sociales con esa película ¿Quién pagó los platos rotos? Han Solo: Una historia de Star Wars. ¿Lo merecía? Pues, al igual que ‘The Flash’, no. También es cierto que la cinta de Ron Howard se vio envuelta en muchos problemas y retrasos, pero acabó siendo un buen producto que no merecía el maltrato que recibió.

En más de una ocasión hemos hablado de lo necesario que es el papel de James Gunn y lo entendible que es su reinicio para partir de unos pilares fuertes para todo lo que está por llegar de DC en el cine. Hay un sector que ve al director de ‘Guardianes de la Galaxia’ como el enemigo número uno al que hay de derribar y enterrar (cinematográficamente hablando) para demostrar que ellos tenían razón y que Warner no.

Los fans somos muy celosos con las cosas que amamos y eso nos puede llevar a hacer daño a quienes pensamos que han venido a cambiarlas, aunque hasta ese momento la taquilla y la crítica nos haya demostrado que el rumbo que estaba tomando DC no era el correcto.

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La anterior directiva de Warner no tenía nada claro y estaba lanzando proyectos sin sentido y cancelando otros al poco de anunciarlos. El frenazo y la limpieza que se ha realizado con la llegada de David Zaslav eran necesarios para reorganizar todo y eso muchos fans no lo entienden.

Si la mala taquilla de ‘The Flash’ afecta también a ‘Blue Beetle’ y a ‘Aquaman y el reino perdido’ podríamos estar ante una debacle que nos haga perder a todos. ¿Acaso creemos que después de esas pérdidas millonarias Warner podrá invertir más en DC Studios? Como he indicado, muchos piensan que boicoteando a James Gunn volverá la antigua directiva que tan malos momentos nos ha dado, pero no piensan en otro escenario más plausible: El final de DC en el cine para siempre.

El dinero es finito y eso es algo que todos debemos saber, si un producto no rinde, pues se acaba finiquitando y así se termina con las pérdidas y esa opción creo que estará encima de la mesa de David Zaslav este verano tras los estrenos mencionados.

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‘Superman Legacy’ puede ser la última cinta que veamos de DC en el cine si su recaudación se queda a la altura de ‘The Flash’ o ‘Black Adam’, ya que esos son números inasumibles para los costes de este genero cinematográfico. No habrá ‘Snydervero’, ‘Gunnverso’, ni futuro.

Warner Discovery cerrará DC Studios y los fans nos quedaremos sin ver a nuestros personajes favoritos en la gran pantalla por mucho tiempo o directamente nunca. Entonces será cuando tendremos los hashtags #restoreDCStudios y similares pero será demasiado tarde ya que las arcas de la compañía de Zaslav estarán vacías por culpa de la baja asistencia del público a los cines.

Tengamos algo claro, Warner Discovery no es nuestro padre para malcriarnos y darnos todo lo que pedimos únicamente por que nos quiere. El estudio es una empresa que necesita beneficios para continuar, si con nuestros actos pierde dinero, pues cierra el grifo y nos deja sin nuestros juguetes, ya que realmente son SUS juguetes. Así de simple.

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Si los fans nos dedicamos a torpedear sus estrenos, ellos dejaran de estrenar películas y todos saldremos perdiendo, creo que eso es algo que siempre hay que tener presente. Es cierto que el público tiene poder, pero un gran poder conlleva una gran responsabilidad y eso muchas veces se nos olvida.

Hasta aquí mis divagaciones sobre otro punto de vista sobre el fracaso de ‘The Flash’ en el cine, dejadme en comentarios que pensáis sobre el futuro de DC Studios y si e veis mucho recorrido.

Ojalá ‘The Flash’ hubiese tenido un mejor paso por cines, se lo merecía.

Un saludo y sed felices.