Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a El cómic de la semana. Hoy reseñamos Los caballeros oscuros de acero. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
Los caballeros oscuros de acero, la nueva serie de Tom Taylor
Vuelve Tom Taylor, vuelve el espectáculo. El guionista australiano ha regresado a hacer una nueva serie de las que nos gustan a todos, un ElseWorlds donde todo lo que no puede pasar en las publicaciones de superhéroes convencionales, pasan aquí.
¿Un ElseWorlds? Esto es básicamente un What if…? de los superhéroes DC con historias en diferentes épocas y lugares a los habituales. Como está fuera de continuidad, puede pasar cualquier cosa, y el desarrollo de los personajes a los que todos conocemos por las viñetas o por las series o el cine, tienen que tomar decisiones que convergen en resultados distintos a los de su universo original. Pero lo más importante es que esos personajes, aún siendo de ficción, se les sigue tratando con tal respeto que siguen teniendo una personalidad afín a la creada desde hace años, como si fueran seres reales.
Los caballeros oscuros de acero son un claro ejemplo de una nueva historia alejada del mundanal ruido, alejada del universo DC. Tom Taylor vuelve a demostrar que es un gran guionista, como en la serie Nightwing que está arrasando. Tom Taylor además nos enseña que en esto de crear mundos alternativos, es el mejor. Y no lo digo yo, lo dicen sus obras, porque este autor ya arrasó con Injustice o con DCsos y sus numerosas secuelas.
Pues el mismo camino llevan Los caballeros oscuros de acero, puesto que su fama sigue creciendo en Estados Unidos de tal manera que ya ha salido una nueva serie que está siendo aclamada por la crítica. Esta serie se titula Dark Knights of Steel: Allwinter con las presentaciones de otros grandes héroes (o villanos) como Deathstroke o Aquaman.
Los caballeros oscuros de acero se desarrolla en una hipotética Edad Media donde aterrizan, directos desde Krypton, Jor-El y su mujer Lara. Una vez en la Tierra (y siglos atrás, no nos olvidemos de este detalle) empiezan a educar a su hijo Kar-El. Pero además de todas estas premisas, la más importante es que los personajes siguen siendo ellos mismos. Y allí, en esa época y tierra distintas, los recién llegados de Krypton empiezan a cruzarse con los otros alter-egos de los grandes héroes, como por ejemplo Batman o Wonder Woman. Y aunque sean representaciones en la Edad Media, y aunque en verdad sean otros personajes (y no los reales), la personalidad que realmente les dota Taylor es muy similar a la que tienen en el Universo convencional que todos conocemos.
Realmente es relativamente fácil inventarse un mundo alternativo y meter de soslayo los grandes héroes de la Tierra. Pero lo que luego es difícil es que encajen todas las piezas. Y a eso me refiero porque es difícil que el argumento tenga ritmo, carga narrativa, los héroes encajen en la misma y además se cohesionen entre ellos sin perder su esencia. Y todo ello en una serie limitada de 12 números, y un especial que nos sirve para agrandar el mundo en el que estamos situados.
En este tipo de historias, Tom Taylor vuelve a demostrar que es el mejor guionista sin discusión. Y no quería acabar este artículo sin nombrar a Yasmine Putri, el dibujante, el cual no conocía y me ha parecido fantástico. Intentaré estar atento a próximas publicaciones suyas.
Una nave espacial ha llegado a la Tierra… De ella, salen Jor-El y Lara, los únicos supervivientes del malogrado planeta Krypton. En un mundo medieval muy distinto del que conocemos, la pareja educa a su hijo Kal en el Reino de El. No obstante, la magia los hace vulnerables, ¿y qué pasará cuando empiecen a surgir los problemas? Tom Taylor, guionista de Injustice y DCsos, nos trae esta versión alternativa del Universo DC que sume a nuestros héroes favoritos en una trama propia de la fantasía heroica protagonizada por el joven príncipe Kal-El y Bruce, uno de los caballeros más valiosos del reino. Una obra única que dibuja Yasmine Putri con la colaboración de Bengal y Nathan Gooden.
Bienvenidos, distinguidos y elegantes asiduos a esta Maison, a una nueva crítica en este desfile de engendros que suele ser mi opinión. Y es que hoy os traigo una serie que, sorpresa para todos, sí que me ha gustado. Más que eso, es una serie que me ha enganchado. Hacía tiempo que una serie no lo hacía, no me dejaba con ganas de seguir viendo capítulo tras capítulo. Y es curioso, porque no hay misterio en Balenciaga, pero tampoco te deja parar. Así que si estáis deseosos de ver todo el desfile de opiniones en la Maison Tiranachos, al lío. Ojo, que te destripo la serie y la vida de este hombre.
La entrevista que nunca ocurrió
Y es que la serie está estructurada como un gran flashback a través del recurso narrativo de la entrevista. Una supuesta entrevista que Cristóbal Balenciaga nunca concedió. El modisto era extremadamente celoso de su vida privada y hay muy pocos documentos que avalen lo que ocurría tras las puertas de su casa. Pero a través de esta entrevista podemos ir conociendo una parte de su vida y obra, la parte importante. Y es que la serie no oculta, pero tampoco indaga en la vida más personal del couturier. Empieza cuando se instala en París, y termina cuando decide cerrar la empresa. Toda la serie gira en torno a la moda, tal y como Balenciaga la entendía.
El control es esencial en el desarrollo de la serie
Balenciaga se nos presenta como un hombre tranquilo, contenido y en control. Y así se desarrolla la serie. No existen giros dramáticos, ni grandes misterios, ni tragedias desmedidas. La serie lo toma todo con la calma con que lo tomaba Balenciaga. Las pérdidas se asumen y se convierten en una experiencia más de las que alimentar el genio. Los riesgos económicos se ponen en perspectiva, con pragmatismo y sobriedad. Los cambios de épocas y regímenes políticos no son importantes. Y cuando lo son, cuando afectan tanto que ya no hay cabida para lo que importa, para la moda, se echa el cierre y se asume.
El costurero por encima del Hombre
Y es que lo que cuenta la serie, por encima de todo, es la historia de un hombre que redefinió la moda. Cocó Channel tuvo una frase que definía a la perfección a Cristóbal Balenciaga: «Él es el auténtico couturier, mientras que el resto somos simples diseñadores». Para Balenciaga, la alta costura era, sobre todo, costura. Era un hombre que necesitaba controlar cada centímetro del proceso, como necesitaba controlar gran parte de su vida. Balenciaga cosía, ajustaba cada puntada al cuerpo de cada clienta y controlaba su producción. De la misma manera, impedía de forma impecable que se filtrase nada de información sobre su persona a un mundo que cada vez entendía menos.
El autor, la obra y nada más
Creo que hay una escena brillante que, sin dramas ni histrionismos, define la carrera y la persona de Balenciaga, en un momento en que ve en la Iglesia a una mujer llevando su abrigo, y la persigue para explicarle que está mal planchado. Por supuesto, ella no sabe quién es y lo manda al carajo. Esta escena define perfectamente la esencia del diseñador, que la serie ha sabido plasmar a la perfección: control y elegancia.
Así vamos viendo cómo tramas empresariales, conflictos internos, cuestiones políticas y choques del propio mundo de la alta costura parisina se van entramando de forma sobria, sutil y elegante, como la moda del propio Balenciaga.
Dar vida al tejido
Y es que, como el propio Cristóbal, la serie busca ser tan neutra como es posible. Y presenta al personaje en todas sus dimensiones (humana, profesional, política, emocional..) sin juzgarlo en absoluto. Y en este punto, hay que destacar sin lugar a dudas el imponente papel de Alberto San Juan, que ha sabido entender por completo a un personaje del que apenas se tiene información y darle vida de una forma a mi entender soberbia.
El reparto está, sin duda, a la altura de la serie
Acompañan estupendamente en la vida de Balenciaga, Thomas Coumans como Wladzio y Adam Quintero como Ramón Esparza. Los dos únicos hombres con quienes se relacionó a Balenciaga (aunque se deja entrever cierta fascinación con Givenchy, un personaje que es de los pocos que me han dejado más fría). En general, el reparto es magnífico y muy bien elegido. Mención especial a la Cocó Chanel de Anouk Grinberg, amiga y enemiga; rival y animadora… Fascinante.
Lo difícil de navegar entre aguas
Es complejo, muy complejo, presentar un punto de vista totalmente neutral. La serie busca, como ya he dicho, no juzgar a la persona desde la distancia de la historia. Pero eso supone también que a veces sea excesivamente blanda en temas que deberían haber tenido algo más de empuje. El problema de esto es, a mi entender, la falta de riesgos que se asumen en lugares donde son necesarios.
Hay tramas, como el posicionamiento político de Balenciaga durante la ocupación alemana o sus últimos momentos ante los acontecimientos de mayo del 68, que quedan demasiado descafeinados. No juzgar no implica no mostrar y es evidente que Balenciaga tomó ciertas decisiones que le ponían, guste más o menos a nadie, él incluido, en un claro lado del espectro. No era necesario juzgar, sino arriesgar. Y ese punto de riesgo y conflicto me ha faltado ligeramente.
La Opinión de Sofía
Fascinante. Con sus momentos tibios incluidos, la serie es absolutamente fascinante, y te deja con el culo pegado a la silla, con ganas de más. La figura de Balenciaga fascina por su calma, por su impasibilidad ante el constante cambio de la historia y de las circunstancias. El retrato de un hombre con visión, pero que trabajó hasta la extenuación, anteponiéndose a sí mismo.
Otra cuestión que me ha encantado ha sido el uso de los distintos idiomas, sin doblar. Los personajes hablan indistintamente en castellano, francés y euskera de forma orgánica. Esto le da a la obra varias capas de intención y permite que nos sintamos como espectadores secreto de una vida privada.
Al final, Cristóbal tuvo que dar la espalda a París
La serie tiene factura digna del nombre que lleva. Sin ser, por el tipo de historia que presenta, visualmente espectacular, es exquisita y cada plano está cuidado al detalle. Imposible no esperar cada segundo a ver el siguiente vestido, el siguiente gesto, a tratar de vislumbrar entre puntadas qué le pasa por la cabeza al genio que ha quedado a la historia. Para mí, sin duda, una de las series necesarias de este 2024.
La próxima, os prometo una ración de bilis y quejas, que es a lo que venís por aquí. Hasta entonces… sed felices.
Nanni Moretti regresa con su nueva película «El sol del futuro», donde presenta una historia de autoficción en la que se pone a sí mismo en el centro para retratar la labor de un director de cine. La película tuvo una gran acogida por parte de la crítica en su estreno en el Festival de Cannes de 2023, siendo selección oficial de este mismo, y ha conseguido recientemente ser distribuida en varios países, por lo cual hoy nos tomamos el tiempo de hablar de la cinta para quienes apenas la descubren con su estreno.
La historia nos presenta a Giovanni (Nanni Moretti ), un director de cine italiano que está rodando su nueva película en Roma. La trama muestra a Giovanni lidiando con los problemas matrimoniales que tiene con su esposa y productora Paola (Margherita Buy), así como con los que surgen durante el rodaje. Además, la película dentro de la película misma sigue la historia de un circo húngaro que llega a Italia en 1956, justo antes de que estalle una revolución en su país contra la URSS, lo que pone en una encrucijada al periódico local, dirigido por el Partido Comunista Italiano.
La inspiración de un artista
La película es una sátira, en muchos momentos bastante incómoda, que busca reflejar el ego de un director de cine y su obsesión por la perfección de su propia visión. Tiene una clara influencia del cine europeo, haciendo referencia a directores como Jacques Demy,Krzysztof Kieslowski o Federico Fellini. No es casualidad, ya que el filme contrapone la visión artística con los intereses comerciales de la industria.
No obstante, la película no busca ensalzar ni despreciar ninguna de las posturas: si bien muestra cómo en la industria del cine importa cada vez más lo rentable que una película pueda ser por encima del valor artístico, también pone en evidencia el ego y la obsesión de algunos artistas, que a menudo imponen su visión sin tener en cuenta si beneficia o no al filme y desechando incluso aportaciones valiosas de los demás.
La película también aborda cómo la visión de un director puede repercutir en su vida personal. Trata temas como la obsesión y el modo en que esta lleva a las personas a descuidar otras áreas de su vida, como el matrimonio o la familia. Utiliza recursos ingeniosos para mostrar estos problemas, como una escena en la que Giovanni observa a una pareja joven discutiendo y en su mente elige la mejor manera de resolver la pelea, en contraste con su propia incapacidad para resolver los problemas en su matrimonio.
Los ideales y su cambio a través del tiempo
Los ideales son una parte fundamental en el desarrollo de la historia, ya que Giovanni es un purista del cine que cree firmemente que todo debe tener un propósito artístico y seguir una misma línea, dejando de lado la historia o los cambios en la industria. Giovanni se enfrenta a varios dilemas, como vender su película a Netflix, aunque no les importe lo que su historia tenga que decir, o si debe escuchar a una de sus actrices, que propone un método de trabajo diferente. Esto le lleva a cuestionarse si su vida tiene la misma relevancia en un mundo que ya no valora labores como la suya.
Lo absurdo de los problemas
La cinta hace uso de la sátira no solo con fines de comedia sino para demostrar la absurdez de ciertos temas ; a lo largo de la película, Nanni Moretti toma ciertas acciones arriesgadas como romper el ritmo de la misma para meter números de canto de los personajes sin motivo aparente, pero escenas como estas demuestran lo absurdos que son los problemas en la vida y más aún seguir a las personas que los ocasionan, aunque demostrando que en temas como películas, música o arte es fácil perderse en la locura de los demás.
El sol del futuro (también conocida como Lo mejor está por venir en Latinoamérica) es una película que puede no ser del gusto de todos, ya que se aleja de las historias más convencionales del cine. Su trama, en apariencia simple, puede ahuyentar a algunos espectadores, pero dentro de esa simplicidad se esconde una valiosa reflexión sobre el cine y su estado actual. La película nos invita a pensar sobre la pérdida de esencia en las películas y, sobre todo, lo peligrosa que puede llegar a ser la obsesión de un artista por compartir su visión con el mundo.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos las novedades de Nuevo Nueve Editores, previstas para este mes de septiembre.
Novedades Nuevo Nueve Editores de septiembre de 2024
El equipo de Nuevo Nueve, se ha tomado un pequeño descanso en el mes de agosto y este mes de septiembre han vuelto con mucha, pero que mucha fuerza.
Y de entre todas sus novedades previstas para este mes, nosotros recomendamos …
The Midnight Order
«Johnson y Sheridan, dos miembros de la Orden de Medianoche, tienen la misión de localizar por todo el planeta a las brujas demasiado poderosas, aquellas que son un peligro para el mundo y para ellas mismas.
Cada vez que las capturan ocurre lo mismo: invariablemente les cortan las manos para secar la fuente de sus poderes. Mientras Sheridan cuestiona la legitimidad de sus acciones dentro de la Orden, Johnson se enfrenta a un cruel dilema: la próxima bruja superpoderosa a la que hay que dar caza es su propia hermana.
Entre una lealtad inquebrantable a la Orden y un replanteamiento de los objetivos de la milenaria organización, las aventuras de las protagonistas las llevarán a un inevitable enfrentamiento».
Esta nueva obra de Mathieu Bablet, saldrá a la venta en librerías el próximo 16 de septiembre. No obstante, lo tenéis disponible para reserva en la web de Nuevo Nueve, pinchando aquí.
No obstante, justo un poco más abajo, os dejamos el pdf completo con las novedades de Nuevo Nueve Editores, previstas para este mes de septiembre.
Los Goonies tendrá una secuela. Por medio de una exclusiva del medio de The Sun, Warner Bros. ha dado luz verde a la segunda partede los Goonies, y está intentando contar con el retorno de sus protagonistas: Sean Astin, Josh Brolin, Corey Feldman, Jeff Cohen, Kerri Green, Ke Huy Quan y Martha Plimpton. Lamentablemente ya no podremos disfrutar con los siguientes actores ya fallecidos: John Matuszak, Anne Ramsey, Mary Ellen Trainor, Keith Walker y Lupe Ontiveros.
Según la fuente de The Sun hay algunas cosas a tener en cuenta, y dejo literalmente lo que ha dicho:
Hace tiempo que se habla del reboot de Los Goonies, pero por fin se le ha dado luz verde para seguir adelante.
El plan es empezar a desarrollar las ideas para la continuación el próximo verano, con una posible fecha de estreno en 2026 o 2027.
LA PELÍCULA original es tan importante culturalmente que Warner Bros sabe que tiene que hacerlo bien.
Es probable que vuelvan las grandes estrellas, pero las posibilidades de la secuela son infinitas.
El equipo que va a empezar a trabajar en el proyecto está entusiasmado.
Aún es pronto, pero el mercado de las aventuras para jóvenes está en auge, así que quieren aprovecharlo.
Los Goonies tienen ya 39 años y la idea de poder llevar la magia de la película a un público totalmente nuevo tiene al equipo muy entusiasmado
Parece claro que las secuelas o precuelas siguen vigentes en Hollywood. Un ejemplo claro es la película Beetlejuice Beetlejuice de la cual ya hemos dejado crítica en la web, por no decir nada del último panel de Disney, donde casi todos sus próximos estrenos (incluye Marvel) son secuelas.
Ahora a esperar más novedades como fecha final de estreno o saber el elenco definitivo de actores, incluido Josh Brolin, el que fuera Thanos en el Universo Marvel y el más cotizado de los actores de la primera película.
Era una comidilla, pero ahora ya es oficial, Todd Phillips, realizador de Joker: Folie à Deux y Lady Gaga, que interpreta a Harley Quinn han desvelado que Joaquin Phoenix realizó continuas reescrituras del guion mientras rodaban la película.
Ha sido en Variety donde Philips lo ha reconocido:
Phillips confirmó la historia de Gaga y le dijo a la publicación: “Mi argumento sobre Joaquin es que él es el túnel al final de la luz. Piensas, ‘Está bien, esta escena funciona, vamos a filmarla’. Y Joaquín dice, ‘No, no, no, tengamos una reunión rápida al respecto’, y han pasado tres horas y lo estás reescribiendo en una servilleta. Lo bueno de Lady Gaga es que realmente se las arregla sola, tanto fuera de cámara cuando estamos en el tráiler destrozando cosas (algo que probablemente aprendió la noche anterior), pero también delante de la cámara. No fue una hazaña pequeña”.
Esto, que como lo comentan puede parecer una genialidad del actor, se acerca más al comportamiento errático y de divo que lleva practicando desde que hiciese Joker. Desde entonces el actor no parece salir de ese papel autoimpuesto y la ha liado desde aquella película en no pocas producciones, como la fallida y aburrida Napoleón, donde el propio Ridley Scott reconoció que Phoenix metió mano en el rodaje o la más reciente Carol y Lejos del cielo, en la que era productor y protagonista. Aquí fue más allá y abandonó el rodaje a cinco días de comenzar a filmar, suponiendo unas durísimas pérdidas económicas para la productora.
Todd Haynes, realizador de la misma, admitió que fue el propio actor quien recomendó ir más allá en la película con una calificación de NC-17 [solo para adultos] en la que Phoenix interpretaría a un personaje homosexual con una fuerte carga erótica del filme.
No hay todavía una versión oficial, pero al parecer se especula que Phoenix acabó amedrentándose de lo lejos que habían llegado escribiendo el papel.
Es por ello que Joaquin Phoenix desde su posición privilegiada de actor tome las riendas en la (re)escritura de guion no es sinónimo de éxito ni de que la película mejore, después de los ejemplos expuestos. De momento en el Festival de Venecia, la película ha sido tildada de «vacía», «aburrida» e «insufrible», pese a los 11 minutos de ovación que tuvo en la sala.
Nosotros saldremos de duda muy pronto, el próximo 4 de octubre.
Ya está disponible en cines Bitelchús Bitelchús (2024), la nueva película de Tim Burton que recupera casi cuarenta años después de Bitelchús(1988) al mítico personaje interpretado por Michael Keaton, conservando su espíritu y marcada estética sin caer en el constante fan service. Una secuela tardía pero divertidísima que repunta la carrera de su director.
Tráiler de Bitelchús Bitelchús (2024) de Tim Burton
Tras una inesperada tragedia familiar, tres generaciones de la familia Deetz regresan a Winter River. La vida de Lydia (Winona Ryder), todavía atormentada por Bitelchús (Michael Keaton), da un vuelco cuando su rebelde hija adolescente, Astrid (Jenna Ortega), descubre la misteriosa maqueta de la ciudad en el desván y el portal al Más Allá se abre accidentalmente. Con los problemas que se avecinan en ambos reinos, es sólo cuestión de tiempo que alguien diga el nombre de Bitelchús tres veces y el travieso demonio regrese para desatar su propio caos.
Póster de Bitelchús Bitelchús (2024) de Tim Burton
Un divertimento refrescante
Al conocer la noticia de una segunda parte de Bitelchús (2024) tan repentina y tardía, teniendo en cuenta además el panorama cinematográfico actual copado por las franquicias comerciales, las alarmas del desastre saltaron. Era fácil caer en el guiño constante a su predecesora o no conseguir el ingenio cómico suficiente para despuntar. No obstante, Burton y su maravilloso equipo de guionistas (Alfred Gough, Seth Grahame-Smith y Miles Millar) logran una película hilarante en todos sus aspectos, que puede contemplar incluso hacerle frente a la original, aunque las comparaciones son odiosas y, realmente, esta secuela no existiría sin la de 1988.
BitelchúsBitelchús, ofrece todo lo que puede esperarse de ella. Recupera el espíritu grotesco pero jocoso (tan Burton) de la primera, con un Keaton entregadísimo en su papel y un imaginario a nivel conceptual de personajes y universo «no muerto» y artístico impresionante, muestra de que la creatividad del equipo de Burton no parece tener fin.
La película fusiona todas estas virtudes en un producto tremendamente divertido para todas las edades —aunque hay algunas líneas algo subidas de tono— que disfrutarán más los fans de la original por sus recurrentes pero comedidas conexiones, pero también los nuevos espectadores por sus ocurrencias y solvencia narrativa.
Es impresionante el ingenio en cada una de las decisiones de guion, tanto para construir la línea de continuidad con la anterior película como en otras acciones aisladas. Aunque el destino de los personajes de Alec Baldwin y Geena Davis no es demasiado certero, el de Charles Deetz (padre de la familia Deetz) da comienzo en cierta forma a los sucesos de Bitelchús Bitelchús y brilla por la forma tan inteligente en que la narración se adapta a la particular circunstancia de no contar con el actor (Jeffrey Jones) para la película.
Así mismo, cada uno de los múltiples personajes tiene una función y un desarrollo coherente—dentro del tono de una alocada narrativa que no tiene mucho sentido de por sí—, haciendo de la historia una narración más poliédrica. Pienso en el detective/actor frustrado al que da vida un Willem Dafoe como siempre soberbio (habría que analizar la carrera del estadounidense y valorarla como una de las mejores y más versátiles del momento) o Jeremy (Arthut Conti) y su inesperada faceta oculta.
Estos personajes tan distintos entre sí, se van relacionando a lo largo de la película en un ambiente generalmente acelerado entre persecuciones y maniobras in extremis para llegar a un sitio o salvar a alguien de la muerte —una mecánica que dinamiza bastante el ritmo de la narración—, hasta que el mundo se detiene unos instantes en una iglesia para dar pie al insuperable clímax en forma de número musical nupcial de Bitelchús Bitelchús.
Conclusión
Bitelchús Bitelchús es una secuela tremendamente tardía que sorprende por su frescura y capacidad de divertir por encima de lo esperado sin necesidad de rendirse constantemente al fan service. Un Michael Keaton tan entregado como en la de los ochenta hace gala de su enorme talento, apareciendo las veces justas (igual que en la anterior) con los gags precisos para provocar la carcajada.
Si la carrera de Burton parecía caer en picado su nueva película viene a salvarla, en reputación y en taquilla (una recaudación global de 145 millones de dólares en su primer fin de semana que supera con creces el presupuesto del filme). Una cinta sin pretensiones intelectuales (como algunos quieren achacarle), en el buen sentido, que viene a dar un golpe sobre la mesa a favor de las secuelas y el cine de entretenimiento. ¡Ojalá que Burton cierre trilogía!
Nuevos rumores del Universo Cinematográfico Marvel que tocan todos los palos. Algunos se harán realidad, otros lo mismo no, y otros a medias. Todo esto es gracias a Alex Pérez deCosmic Circus. Allá vamos.
Y ojo que todo lo que decimos aquí son potencialmente SPOILERS, porque aquí hay muchas cosas que luego se plasmarán en la gran pantalla. Avisados estáis.
Y a la primera película que hacemos referencia gracias a Alex Pérez, es la de Vengadores Doomsday, dónde se pregunta como pasamos de un villano tipo Kang a otro como es el Doctor Doom tras el despido de Jonathan Majors. La clave está en un tal Rabum Alal.
En los cómics, en la etapa de Jonathan Hickman que unía a todas las facciones de los Vengadores, se reveló que un misterioso ser llamado Rabum Alal era realmente el Doctor Muerte, aunque ahora tendré que llamarle Doctor Doom. Pues bien, este Rabum Alal era el líder de los Cisnes Negros y sus incursiones en nuestro plano parecía que era con un propósito, destruir el Multiverso. Pero más tarde se descubrió que estaba intentando salvarlo de los Todopoderosos.
Veremos si el rumbo de este Doctor Doom es similar al de los cómics, o por el contrario deriva por otros derroteros.
¿Loki? ¿Qué es de Loki, el dios de las mentiras? Se espera que tenga un papel residual y su intervención no dure más allá de Vengadores Secret Wars. Malas noticias para todos sus fans.
¿Algo sobre la cuarta película de Spider-man? Spider-man 4 (a falta de título), los rumores dicen que tendrá una mezcla de elementos callejeros y de multiversos. Dentro de los elementos callejeros tendríamos Sindicatos del crimen como «Maggia» o «Cabeza Martillo» un villano clásico de los cómics. Pero no queda claro si se presentaran en Spider-man 4 o en otras películas.
Respecto al hechizo del Doctor Extraño al final de No Way Home haciendo que todo el mundo olvidara a Peter Parker como Spider-man, al final sería roto y todo debería volver a la normalidad. Ah, y la posibilidad de que Spider-man entrara en contacto con Venom, cosa que parecía muy difícil, va ganando enteros.
¿Qué papel se espera de los Thunderbolts en el nuevo proyecto Marvel? Serán aliados o enemigos. Alex Perez dice que serán los próximos Nuevos Vengadores.
Para ir acabando nos dicen que hay planes para introducir al grupo canadiense Alpha Flight en el Universo Cinematográfico Marvel. Pero sinceramente, este rumor está cogido con pinzas. Pero es que se quiere hacer un reinicio de los X-Men, y Alpha Flight sería el punto de entrada perfecto a los mutantes.
Sobre el universo cósmico Alex Perez comenta que se está tratando en los despachos de Marvel, sagas espaciales tipo Ola de Aniquilación o la introducción del Imperio Shi’ar. Y si, parece que la quinta entrega de Thor está en desarrollo.
¿Os gustan estos rumores del Universo Cinematográfico Marvel sacados de la web Cosmic Circus? Déjanos tus comentarios.
Apple TV+ es una plataforma que no tiene miedo a ofrecer series que se salen de la norma y ofrecer historias originales y que no tendrían cabida en ningún otro sitio. Podemos hablar por ejemplo de las magnificas Separacióno Sugaro incluir una de sus últimas novedades: Sunny. Estamos ante una serie de diez capítulos de unos 35 minutos de duración que adapta el libro homónimo de Colin O’Sullivan y que ofrece una curiosa mezcla entre ciencia ficción, humor, drama y thriller, todo ambientado en un Japón del futuro próximo donde la tecnología robótica se ha integrado en la vida cotidiana.
Sunny, el robot protagonista, tiene un diseño fantástico
Este batiburrillo de géneros puede parecer exagerado, pero si vemos quienes están detrás de la serie a lo mejor extraña un poco menos. La productora de Sunny es A24, famosa por películas como Ex Machina, Midsommar, la reciente Civil War o la exitosa Todo a la vez en todas partes (Oscar a la mejor película). A24 lleva un tiempo queriendo replicar su éxito en el cine en el mundo de las series con productos como Irma Vep, Ramy o Euphoria, buenas historias, pero a las que faltan las dosis de “locura” de las películas que hemos citado. Así que aquí tenemos Sunny, una serie que tiene todos los ingredientes que hacen grande a A24 y que ha encontrado el lugar idóneo para su visionado en la plataforma de la manzana.
La sinopsis que nos ofrece Apple TV+ de esta serie es la siguiente:Sunny está protagonizada por Rashida Jones en el papel de Suzie, una mujer norteamericana que vive en Kioto (Japón) cuya vida se ve trastocada cuando su marido y su hijo desaparecen en un misterioso accidente de avión. Como «consuelo», le entregan a Sunny, uno de los nuevos robots domésticos fabricados por la empresa de electrónica de su marido. Aunque al principio a Suzie le molestan los intentos de Sunny por llenar el vacío de su vida, poco a poco entablan una inesperada amistad. Juntos, descubren la verdad de lo que le ocurrió a la familia de Suzie y se ven envueltos de manera peligrosa en un mundo que Suzie no sabía que existía.
Suzie, devastada por la muerte de su marido y de su hijo
Desde el principio queda muy claro que estamos ante una serie “especial”, con una secuencia de apertura espectacular donde un robot con pinta de “angelito” se dedica a matar a gente como si fuera un asesino en serie salpicando la pantalla de sangre. Y pronto empiezan a aparecer los misterios. Suzie odia los robots, por eso no deja de molestarle que todo el mundo insista en que su marido Masa (Hidetoshi Nishijima) diseñaba robots, cuando a ella siempre le había dicho que se dedicaba a fabricar frigoríficos.
A todo ello se suma el repentino interés que despierta Suzie en todo el mundo a pesar de ser claramente una persona antisocial con serias dificultades para relacionarse con el mundo. Pronto veremos como la yakuza parece estar implicada de alguna manera en la muerte de Masa y quiere algo de Sunny, ante lo cual Suzie empieza a albergar esperanzas de que su marido y su hijo puedan estar vivos de alguna manera.
La villana de la función, miembro de la yakuza
La serie navega así entre varios géneros, desde la ciencia ficción con la desconfianza que despierta la inteligencia artificial pasando por el drama que se genera en la perdida de los seres queridos y lo difícil que resulta la aceptación de su muerte hasta llegar al thriller, cuando Suzie y los aliados que va encontrando por el camino decidan investigar que hay realmente detrás de la muerte de Masa y su hijo. Y todo condimentado con un curioso sentido del humor que en muchas ocasiones más que sacar la sonrisa del espectador lo acaba descolocando un poco.
El eje de la serie va a ser la relación entre Suzie y Sunny. Como si estuviéramos ante buddy-movie, la mujer y el robot empiezan con mal pie ya que Suzie desconfía instintivamente de las máquinas. Pero poco a poco Sunny se irá ganando su confianza demostrando ser un apoyo constante y la clave para descubrir que es lo que está pasando. Esta relación permite a los responsables de la producción ahondar en un tema que tiene mucha importancia en la serie. Y no es otro que la soledad, esa soledad a la que Suzie parece estar condenada y que vemos subrayada porque nuestra protagonista no sabe hablar japones y necesita siempre ir con un dispositivo que le sirve de interprete. Tal vez la solución para esta soledad crónica pueda ser una máquina…
Una extraña pareja
Uno de los aspectos a subrayar de esta serie es que tiene una peculiar manera de contar su historia. Hay constantes saltos temporales que a nos llevan a conocer el pasado de sus protagonistas descolocando a veces al espectador. Sensación que se agiganta en algunos episodios como el noveno, en el que directamente nos sumergimos en la mente robótica de Sunny para, a través de un peculiar concurso japonés, conocer su pasado. No dudo que estas escenas tengan un gran creatividad y originalidad, pero hay que hacer un gran esfuerzo para saber lo que estamos viendo. Un problema que se ve agravado por un ritmo algo irregular en el que en algunos episodios no pasa prácticamente nada de interés para que luego tengamos otros en los que parece que la información desborda la pantalla, aunque luego queden bastante interrogantes sin contestar.
Otro elemento a destacar es su cuidado diseño de producción, que crea un futuro cercano, familiar y extraño, con una paleta de colores y una estética que sirven de contrapunto perfecto para la peculiar narrativa de la serie. Los robots, en particular, tienen un aspecto retrofuturista que parece sacado de las películas de los años 60, con ese aspecto a la vez tosco y encantador, totalmente necesario para que podamos empatizar con Sunny.
Mixxy será un gran apoyo para Suzie
En cuanto al papel de los actores, la actuación de Rashida Jones dando vida a Suzie tiene parte buenas y parte mala. En la buena está que nos creemos siempre el conflicto interior de la protagonista, navegando entre el dolor de perdida y la incredulidad por la situación en la que se ve metida. Lo malo es que al final el personaje acaba haciéndose un poco cargante y no ayuda precisamente que Rashida Jones siempre tenga la misma cara mezcla de estreñimiento, tristeza y borrachera. Los secundarios si que rallan a un nivel notable, sobre todo Judy Ongg, como Noriko, suegra de Suzie, que aporta el necesario alivio cómico, y la música Annie The Clumsy que en su debut actoral encarna a Mixxy, una camarera que se acaba haciendo amiga de Suzie dando frescura y dinamismo a la historia.
Por último, señalar que, aunque en el último episodio parezca que la serie va a quedar cerrada y bien cerrada, hay un giro final (que se veía venir, todo sea dicho) que deja todo abierto y cuya solución dependerá de que haya o no segunda temporada.
En resumen, Sunny es una arriesgada propuesta que mezcla muchos géneros para ofrecer una historia de misterio interesante con una ambientación fresca y divertida que no dejará indiferente a nadie. La manera en que está contada la historia hace que estemos ante una serie para paladares exigentes, lejos de buscar ser una producción de consumo rápido. Es una pena que ciertos problemas de ritmo y algunas decisiones narrativas alejen a Sunny del olimpo de las grandes series, pero aún así, merece la pena dar una oportunidad a la historia de Suzie y Sunny y dejarse llevar por su universo colorido y triste y alegre a la vez.
La primera parte de Dune se estrenó en medio de la pandemia saliendo a la vez en cine y en HBOMax (ahora solo Max) en Estados Unidos. Y en Europa se pudo ver en la plataforma de streaming a los pocos meses. Y Dune parte 1 no llegó a ser un fracaso porque en HBOMax tuvo una acogida enorme, tan grande que muy pronto se dio luz verde a la segunda parte. Y ahora el director Denis Villeneuve ha confirmado que la adaptación de la novela El Mesías de Dune tendrá su adaptación al cine.
Y es que Dune parte 2superó los 700 millones de recaudación a nivel mundial, un gran éxito de taquilla, como no, pero aún así se quedó lejos de los 1000 millones que muchos expertos auguraron. Por eso había una incertidumbre entre los fans de la saga que quería que se adaptara a la gran pantalla la segunda novela, la más corta de todas por cierto, titulada El Mesías de Dune.
Y aunque no hay confirmación oficial desde Warner, el estudio que financia las películas, el director Denis Villeneuve ha compartido en medio de una entrevista para Variety que el guion de El Mesías de Dune está «en marcha». Esto cerraría la trilogía que querría llevar al cine Villeneuve, y que culminaría con el destino de Paul Atreides… por el momento.
Villeneuve dijo lo siguiente en una entrevista a Empire:
«Si volvemos, tiene que ser real, tiene que ser relevante» «Si alguna vez hago Dune Messiah, [será] porque va a ser mejor que la segunda parte. Si no, no la hago».
El director hizo algunos cambios en las películas respecto al libro. Uno de ellos es el tratamiento de Chani interpretado por Zendaya, haciendo de ella un personaje fuerte y más independiente de Paul respecto a las novelas.
En los libros de Frank Herbert, Chani se empareja con Paul Atreides, y se mantiene fiel a Stilgar y a su enamorado en todo momento. Incluso cuando Paul se convierte en el Mahdi y se convierte en el líder religioso de su pueblo. Sin embargo en las películas de Villeneuve, Chani ve los peligros de seguir ciegamente a un líder religioso que finalmente inicia una Guerra Santa por toda la galaxia.
Pero no es sólo eso, en las películas la gota que colma el vaso para Chani es cuando Paul se proclama emperador, y se ofrece en matrimonio a la princesa Irulan, para sellar una alianza que le convierte en el siguiente regente. Esa maniobra totalmente política por parte de Paul finaliza en las películas con una Chani alejándose de su pueblo, al menos temporalmente.
¿Cómo se manejará este nuevo giro de Chani en El Mesías de Dune? Esperamos verlo más pronto que tarde
Continuamos analizando Ciudad de Dios: La Lucha Sigue (para América Latina Ciudad de Dios: La Lucha no Para), serie de HBO que, disponible en Max y creada por Andrea Barata Ribeiro y Fernando Meirelles, se ambienta dos décadas después de los acontecimientos de cierre de la película Ciudad de Dios (2002). Hoy desbrozamos el tercer episodio…
Hola otra vez. Aquí estamos para analizar un nuevo episodio de Ciudad de Dios: La Lucha Sigue (para Latinoamérica Ciudad de Dios: la lucha no para) después de una semana que nos ha dado la grata noticia de que la serie ha sido renovada por HBO para una segunda temporada. En parte es sorpresa, ya que había sido inicialmente anunciada como miniserie, pero se ve que las cifras de audiencia acompañan y ello ha animado a la cadena a redoblar la apuesta. Bienvenido sea…
Un tercer episodio que nos ha traído alguna revelación sobre los años intermedios de Buscapé tras los sucesos de la película original (aquí retro-análisis), así como la primera de las muertes verdaderamente importantes en lo que a personajes de la serie se refiere. Pero basta de prólogo y pasemos a ver pues qué nos ha dejado esta entrega, no sin antes dejar de advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.
Fantasmas
Tras una introducción en off en la que Buscapé habla de las calmas que preceden a las tempestades, vemos que las cosas se han puesto realmente complicadas en Ciudad de Dios y que el bando de Curió está sacando clara ventaja sobre el de Bradock gracias a PQD, que se mueve a sus anchas disparando desde su motocicleta mientras algunos lo ven como un ninja y otros como un fantasma.
Curió quiere a Ocimar vivo y a tal fin envía a capturarlo a un grupo del cual obviamente forma parte PQD. Quien se lo termina cruzando, sin embargo, es ZeroOnze (Rafael Losso), quien queda congelado al ver a su lado a una niña que sostiene contra su pecho un ejemplar de la Sagrada Biblia.
Ese instante de vacilación permite a Ocimar echar a correr, pero no llega a ningún lado porque es muerto desde atrás por los disparos de Geninho, al que poco importa que su padre le quisiera vivo.
Terriblemente angustiado, ZeroOnze pone después a PDQ al tanto de que ya alguna vez participó de un operativo para matar a Ocimar sin saber que en su auto viajaban también su esposa e hija, que terminaron muriendo. Ocimar sobrevivió y quedó en coma durante algún tiempo, pero al volver en sí perdió por completo su fe y se abocó al crimen, mientras que ZeroOnce no pudo jamás borrar de su cabeza la imagen de la niña muerta que le miraba desde el interior del auto.
El Dolor del Pasado
Después de que su actuación en el cumpleaños de la hija de Curió les diera algo de crédito, Leka y su trío han conseguido fechas de shows, pero el inescrupuloso productor que las contrata les deja en claro que no pueden faltar a un evento cada vez que en las calles haya un “simple” tiroteo.
Siguen destapándose conflictos del pasado entre hija y padre. No son solo las fotografías sino también que, según ella, Buscapé embarazó a su madre y después se esfumó para reaparecer tras su muerte y simplemente dejarla a ella al cuidado de su abuela. No tenemos aún la versión de él, pero luce como conflicto familiar serio…
Además, Leka le sigue enrostrando la foto del chelista muerto y con cada palabra retuerce su conciencia al contarle cómo se llamaba o que soñaba con tocar en Europa, además de hacerse la pregunta de cómo se habrá sentido su madre al verle muriendo en primera plana. Evidentemente, sabe herir donde duele…
El Dolor de las Víctimas
Ligia ha comenzado con sus investigaciones y en una iglesia barrial recoge testimonios de la gente que ha sufrido violencia o pérdidas familiares por las bandas o los escuadrones de la muerte que, sin embargo, gozan de apoyo popular y simpatía del poder político: tal, por ejemplo, el caso de Reginaldo que, jugando a dos puntas, mantiene fuertes vínculos con Touro (nada muy distinto de lo que en su pasado de policía hiciera con Ze Pequenho). Cada palabra de las víctimas es desgarradora y cala hondo en Ligia y en Buscapé, quien está a cargo de las fotos.
Momento de tensión se produce cuando al salir ella se cruza con Touro, que toma su bolso con el material de la entrevista cuya existencia, desde luego, desconoce. Solo es una broma y se lo acaba devolviendo, pero al ver a Buscapé junto a Ligia se queda pensando de dónde lo conoce…
Juegos de Estrategia
Hay problemas entre PQD y Geninho, pues el hijo de Curió acribilla incluso a quienes se entregan: “¿Somos acaso la policía para llevarnos a los que se rinden?”, pregunta a modo de justificación. Del otro lado, Jerusa recrimina a Bradock no haber matado a ninguno de ambos cuando tuvo la oportunidad y él dice no querer involucrar a Berenice, lo cual a ella molesta. Va por lo tanto a verla y le conmina a que PQD se pase de su lado deslizando una sutil amenaza: “las cosas se pondrán feas, Berenice”.
En el cuartel de Curió, hay clima de celebración y rueda de comentarios que hace acordar a los raterillos en la película. ZeroOnze es objeto de burla por su pasividad durante los tiroteos y socarronamente lo llaman ZeroZero, ya que no realizó ni un solo disparo. PQD, que sabe de su trauma, les insta a dejar de molestarlo…
Berenice, en tanto, va a ver a este último para pedirle que salga de ese mundo: seguramente tiene bien presente lo que en su momento ocurriera con Mané Galinha. PQD la consuela con que todo terminará pronto y entonces ella, para convencerlo, le cuenta de la visita de Bradock e incluso magnifica el tono de la amenaza que dejó.
Jerusa, en tanto, hace averiguaciones sobre PQD, pero todo lo que obtiene es que no se puede negociar con él y es imposible de sobornar. Cambiando de estrategia, pregunta entonces quién estaba a cargo antes de que él llegara y uno de los matones de su novio le da el nombre de ZeroOnce, así que va a verlo…
Emboscada
Al regresar ZeroOnze a su casa, se encuentra con la inquietante sorpresa de ver a su bebé en brazos de Jerusa. Ella le llama la atención sobre la precariedad en que vive a pesar de que Curió manifieste tenerle en alta estima y así, entre golpes bajos y amenazas, Jerusa consigue que ZeroOnze le dé la información que necesita: Curió está a punto de ir a casa de su pareja e hija para mostrarles las fotos tomadas en la fiesta por Buscapé, situación ideal para tenderle una emboscada…
En efecto, al llegar Curió al domicilio de su hija junto a sus matones, comienza a arreciar la balacera y en un momento se mira a los ojos con Bradock, justo antes de que este le liquide.
Y así, mientras PQD agoniza en el piso y Curió yace sin vida sobre sus fotos familiares, el rostro de Bradock se vela con sombras de culpa…
Balance del Episodio
Hemos visto un episodio fuerte e intenso que, entre otras cosas, arrojó algo de luz sobre los años de Buscapé que no vimos, esos que transcurrieron entre los sucesos de la película y los de la serie. Cuando ya empezábamos a preguntarnos quién sería la madre de Leka o qué habría hecho él de su vida en el “mientras tanto” (más allá de trabajar en el periódico), su personaje adquiere matices que lo hacen más gris de lo que creíamos, pues digamos que si las acusaciones de su hija son ciertas, Buscapé no ha sido un modelo de padre.
Falta saber, claro, si las cosas son tan así como ella dice o hay algo más de contexto que aún no conocemos. Y si bien el silencio de él otorga, también podría reflejar que carga en su interior algo que no quiere revivir o contar: ya lo sabremos cuando dé su propia versión, cosa que aún no ha hecho…
Y si hablamos de grises, hemos tenido un gran trabajo de Fernando Losso interpretando a un ZeroOnze atormentado por los fantasmas del pasado y, sobre todo, un magistral duelo entre Bradock y Curió, cuya muerte se convierte en la primera de un personaje importante en la serie. Ya estaba temiendo con lo de Ocimar que cayéramos nuevamente en matar a personajes de los que supiéramos poco (una pena porque justamente ese era uno que pintaba interesante), pero la emboscada del final marca un punto de quiebre al cargarse a alguien que ya conocíamos bien y con el cual hasta habíamos llegado a desarrollar una cierta empatía a la par que rechazo.
Un gran acierto de la serie el que nos haga difícil tomar partido: tanto Bradock como Curió mostraron una ambigüedad interesante que remite a filmes de Michael Mann o a la saga El Padrino. La emboscada a Curió con trampa familiar de por medio, de hecho, remite bastante a la que sufre Sonny Corleone.
Para villanos de tiempo completo y pleno derecho tenemos de momento a los políticos, pero también a Geninho o Jerusa, que está cada vez más Lady Macbeth y demuestra igual habilidad que pocos escrúpulos en manejar situaciones y ponerlas a favor. Ojalá en algún momento nos revelen más sobre su pasado y creo entender que así será considerando que la serie ya ha demostrado que sabe tomarse sus tiempos…
En fin, la cosa sigue bien y hemos visto otro gran capítulo. Quizás tuvo más referencias a la película original que el anterior, pero estuvieron bien dosificadas y en su justo contexto para que la nostalgia no devore la trama principal.
A ver qué nos trae el próximo, con el cual ya ingresaremos en la segunda mitad de temporada. Hasta entonces y sean felices…
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os queremos hablar de Los Hombres Lobo, una nueva adaptación del famoso juego que, en breve, nos traerá Netflix.
Los Hombres Lobo
Los Hombres Lobo de Castronegro es un juego ambientado en un pequeño pueblo amenazado por la presencia de hombres lobo.
Sus reglas de juego son bastante sencillas. A cada jugador se le asigna un rol en secreto, estos roles representan varios tipos de personajes: hombre lobo o aldeano del pueblo, entre los aldeanos podemos encontrarnos con personajes especiales como el sheriff, el cazador, la bruja, la niña, el adivino, etc.
También hay un jugador que se encargará de moderar y controlar el desarrollo de la partida.
El juego transforma las pacíficas noches de un pueblo ficticio, en un escenario de misterio y suspense, donde los lobos acechan.
Los hombres lobo de Castronegro, ha cautivado a jugadores de todo el mundo con su dinámica de deducción y engaño.
El juego se encuentra disponible. Si lo deseáis, podéis pinchar aquí para acceder a la web de Amazon y comprarlo.
Pero lo que nos ocupa en este momento no es el juego de mesa …
La dirección del largometraje ha corrido a cargo del director de cine François Uzan, que realizó una importantísima y fundamental labor en la serie Lupin, también realizada por la plataforma Netflix.
He de hacer un inciso para indicaros que en nuestra (vuestra) web tenemos crítica de la serie Lupin:
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros las impresionantes novedades de Norma Editorial, previstas para este mes de septiembre.
Novedades de Norma Editorial de septiembre de 2024
De entre todo el inmenso catálogo de novedades de este mes, que nos ofrece la editorial barcelonesa, vamos a comentar las que más nos llaman la atención.
1.- Fafhrd y el Ratonero Gris de Fritz Leiber
«Desde su primera aparición en 1939, Fafhrd y el Ratonero Gris, de Fritz Leiber, se cuentan entre los más queridos personajes de la fantasía.
Sus aventuras en la imaginativa tierra de Nehwon han influido sobre la obra de algunos de los mejores escritores de la fantasía moderna como Michael Moorcock o Terry Pratchett.
En este volumen encontrarás recopiladas las adaptaciones al cómic de sus historias, realizadas en 1991 por Howard Chaykin (Black Kiss) y un joven artista llamado Mike Mignola, que poco tiempo después crearía a Hellboy.
Además, esta nueva edición incluye unas primeras adaptaciones de los años 70, de la mano del mismo Chaykin así como Dennis O’Neil, Walter Simonson y Jim Starlin».
Pinchad aquí para acceder a la web de Norma Editorial y obtener más información sobre este grandioso cómic.
2.- Thorgal Saga 2: Wendigo.
«De regreso de sus aventuras en el país Qâ, Thorgal y su familia naufragan en las costas de una brumosa región norteamericana habitada por dos poblaciones nativas divididas por sus costumbres y sus dioses.
Para salvar la vida de Aaricia, Thorgal se verá obligado a vencer a una monstruosa criatura de origen incierto: el Wendigo.
El guionista Fred Duval (No sueltes mi mano) y el dibujante Corentin Rouge (Río) plasman su visión personal de Thorgal en una historia inédita, pero muy respetuosa con el canon del vikingo de las estrellas ideado por Jean Van Hamme y Grzegorz Rosinski».
Saldrá a la venta el próximo 20 de septiembre. Más información en la web de Norma Editorial pinchando aquí.
Luego de los tres episodios subidos de un tirón la semana anterior, continuamos analizando la segunda temporada de El Señor de los Anillos: Los Anillos de Poder con un cuarto que viene con muchas referencias al universo tolkieniano, incluyendo un personaje al que hasta ahora jamás habíamos visto en pantalla. Recordemos que la serie, creada por Patrick McKay y J.D.Payne, puede ser vista en Prime Video.
Hola otra vez. Bienvenidos nuevamente hobbits, elfos, humanos y por qué no algún orco para analizar lo que nos ha dejado el cuarto episodio de la segunda temporada de El Señor de los Anillos: Los Anillos de Poder, cuyo título es El Antiguo. Una entrega sin noticias de Khazad-Dûm (lamentablemente) ni de Númenor (afortunadamente), pero que ha estado repleta de referencias y nos ha traído desde el universo Tolkien a los Ents y a los Tumularios, así como a uno de los personajes que los fans más extrañaron en previas adaptaciones a la pantalla: me refiero, desde luego, a Tom Bombadil, interpretado por Rory Kinnear.
Pero vayamos entonces a ver qué nos ha dejado el capítulo, no sin antes dejar de advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.
La Quebrada de los Túmulos
Como era de prever tras la partida de Galadriel y Elrond, la compañía (¿de qué otro modo podríamos llamarla?) no está exenta de problemas. A los conflictos de liderazgo (recordemos el despecho que Gil-Galad hiciera a Galadriel al poner al mando a Elrond) hay que agregar un puente roto que les obliga a un largo desvío por las colinas de Tyrn Gorthad o, lo que es lo mismo, por la Quebrada de los Túmulos, paraje harto conocido para los lectores de Tolkien.
Galadriel, influenciada por el anillo, no quiere ir por allí, pero Elrond no está dispuesto a resignar su lugar en las decisiones del grupo ni mucho menos a “escuchar” a un objeto (baratija como él lo llama) que considera obra de Sauron. Terminan entonces yendo por el sur y, como era de esperar, ella tiene razón, pues si con algo relacionamos a la Quebrada de los Túmulos es justamente con los Tumularios, los no muertos que toman forma en huesos y armaduras de un linaje real extinguido (¿ya lo estaba para esa época?).
En efecto, al atravesar el bosque en la noche son atacados por escalofriantes y cadavéricos espectros cuyos ojos se encienden en la oscuridad y, por mucho daño que se les haga, siempre se reconstituyen a si mismos. Cuando se percatan de que el secreto está en destruirles con sus propias armas, logran dar cuenta de ellos, aunque al costo de una baja y un Elrond lleno de culpas por haber desoído a Galadriel.
En Casa de Tom Bombadil
El Extraño sigue buscando desesperadamente a Nori y Poppy pero, sin rastro de ellas, termina cayendo en la casa de un sujeto muy particular pero fácilmente reconocible para todo lector de Tolkien aun cuando todavía no le hubiéramos visto en pantalla. Tanto su estilo alegre, como su atuendo y la canción que entona nos confirman que se trata de Tom Bombadil aun antes de que diga su nombre…
Conectado de manera especial con la naturaleza, vive en un oasis solitariamente fértil en medio del desierto y rodeado de cabras, abejas y, por supuesto, árboles, uno de los cuales engulle al Extraño como aquel que en el primer tomo de la trilogía hiciera lo propio con los hobbits: no es el mismo desde ya, pero la referencia es fácilmente reconocible. Tom logra calmar al árbol y sacar de su interior al Extraño, tras lo cual, hospitalario como sabemos que es, le brinda aseo y comida.
En algún momento, pareciera hablar con una mujer (¿Baya de Oro tal vez?), pero cuando el Extraño le pregunta al respecto, dice que no hay allí ninguna. Consultado acerca de si todo lo que está allí es suyo, responde que las cosas no son de nadie, sino que se poseen a sí mismas, una perfecta síntesis de su armonía y comunión con el entorno natural.
El mismo razonamiento lo aplica a la vara de mago que lleva el Extraño y que, según dice, sabrá usar a su debido momento cuando aprenda a ser uno con la misma, pues está en su destino enfrentarse al Mago Oscuro y a Sauron. Cada vez se hace más difícil pensar que el Extraño no sea Gandalf…
La Tierra Prometida
El Mago Oscuro (Ciaran Hinds) está decepcionado con los suyos por no haber capturado aún al Istar, así que les encomienda una nueva misión: encontrar a las dos muchachas que viajaban con él para usarlas de cebo. Pero, claro, nadie sabe por dónde andarán después de la tormenta de polvo y, a decir verdad, ellas tampoco, pues Nori y Poppy no reconocen el lugar al que han ido a parar y solo falta que alguna diga “Toto, me parece que esto no es Kansas”.
Para su sorpresa, se encuentran con otro mediano, pero de diferente tribu y cuyo nombre es Merimac (Gavi Singh Chera). Les lleva con los suyos, quienes se identifican como los Fuertes (Stoors), según Tolkien una de las tres razas de hobbits y la que más se parece a los hombres. La líder Gundabel (Tanya Moodie), sin embargo, no ve con beneplácito la llegada de las niñas y hasta les hace atar, pero a pesar de ello tampoco las delata cuando los esbirros del Mago Oscuro pasan preguntando por ellas.
Una vez que se han ido, Gundabel va en busca de las muchachas para conminarlas a largarse, pero el rostro se le transforma cuando Nori le habla de los Pelosos y de su líder Sadoc Madriguera, apellido en el que reconoce a un descendiente de Rorimar Madriguera, quien, según cuenta, partió con un grupo hace ya mucho tiempo en busca de una supuesta tierra prometida.
De este modo, vamos armando el árbol genealógico de los hobbits, pues así como Sadoc es descendiente de Rorimar, los Pelosos pueden serlo de los Fuertes y la tierra prometida ser algún día La Comarca.
Los Ents
En el sur, mientras tanto, se presume a Theo capturado por salvajes, aunque nos llama la atención que al momento de su captura este mirara hacia arriba mientras se dejaba oír un susurro de hojas… En cuanto a Estrid y por más que haya intentado quitarse del cuello la marca de Adar, es descubierta en su engaño por Arondir, quien, tras esposarla, la conmina a llevarle con los probables captores de Theo.
Nos preguntábamos en el ánalisis anterior si ella habría sido enviada por Adar o tendría en cambio un pasado al cual no quería volver: pronto sabemos que es más bien lo segundo. En el bosque, Arondir e Isildur van a parar a una ciénaga y es Estrid quien, como puede, busca rescatarlos con una rama. Pero lo que emerge del lodo es una enorme y horrenda criatura que está a punto de devorarla de no ser por la oportuna intervención de Arondir e Isildur que, con sus espadas, se abren paso desde el vientre de la bestia.
Estrid pareciera haberse ganado un voto de confianza, pero Arondir prefiere que sea Isildur quien decida sobre ella y, como es de prever, este la libera y se genera un momento de atracción mutua, pero en un descuido ella le birla la espada y le deja claro que no quiere volver con los suyos: “No existe el perdón para gente como yo”, manifiesta…
Volvemos a escuchar susurros de hojas y en medio de la noche hacen presencia otros grandes conocidos nuestros: los Ents, uno de los cuales golpea a Estrid y la arroja a lo lejos. Se les ve enfurecidos porque dicen que hay un ejército talando y destruyendo árboles (es decir a sus semejantes), ante lo que Arondir ofrece formar una alianza para que no puedan seguir haciéndolo.
Calmándolos de ese modo y ganando un nuevo e impensado aliado, los elfos consiguen que los Ents liberen a Theo que, en efecto, había sido capturado por ellos como parte de su furia generalizada contra los humanos. Estrid vuelve en sí tras el golpe recibido y otra vez parece que va a haber algo con Isildur, pero cuando están a punto de chocar sus labios, irrumpe un grupo de búsqueda y entre ellos un tal Hagen (Gabriel Akuwudike) que, como no podía ser de otra forma, es la pareja de Estrid…
El Retorno de la Guerrera
No lejos de allí y tal como dijera el Ent, hay un ejército de orcos que avanza en la noche derribando árboles a su paso. Oteando desde lo lejos, los elfos se sorprenden de verles al mando de Adar y se estarán aliados con Sauron o en guerra con él. “Todos estamos en guerra” sentencia Galadriel…
En ese momento silban flechas cerca de ellos y es una partida de orcos que se ha desprendido del resto para dar caza a un caballo: una de las mismas hiere a Vorohil (Charlie Rix) y le deja agonizante, pero Galadriel, ante la azorada mirada del resto, logra curarlo con el anillo que, acto seguido, entrega a Elrond a pesar de su resistencia y, reasumiendo voz de mando, envía al grupo de regreso a Lindon mientras sale a enfrentar a los orcos en soledad para mantenerles entretenidos.
Haciendo gala de espada, arco y destreza acrobática, Galadriel vuelve a tener uno de esos momentos Red Sonja que le conociéramos en la primera temporada, pero aunque logra dar cuenta de unos cuantos orcos, acaba capturada y no solo eso, sino también reconocida por Adar…
El resto, entretanto, emprende el regreso a Lindon. Camnir (Calam Lynch) se admira de que Galadriel se haya sacrificado por ellos, pero para Elrond “lo hizo por el anillo”…
Balance del Episodio
Siempre sostengo que la nostalgia y la autorreferencia tienen un límite y es no repetir arcos ya transitados. Para decirlo claro: me encantó ver por fin al bueno de Tom Bombadil que, por cierto, está recreado con mucho carisma por Rory Kinnear, primer actor que haya dado vida al personaje en pantalla. Y lo mismo los Ents, pero en ambos casos hemos caído en situaciones similares a las que, según los libros, envolverán en el futuro a los personajes implicados.
Ya teníamos del primer tomo de la trilogía la imagen de Tom liberando a alguien del interior de un árbol, así como de los Ents formando alianzas para enfrentar a sus enemigos: es poco imaginativo volver a recorrer el mismo camino. Incluso algunas frases de dichos personajes son un calco, lo cual puede ser un guiño genial siempre y cuando no se las convierta en el diálogo mismo: hay momentos en que con Tom ocurre exactamente eso y se desvirtúa entonces la posibilidad de escribir nuevas e interesantes líneas por fuera de las que ya brillantemente nos dejara Tolkien.
También a Gandalf se le han tomado frases prestadas y ni siquiera son puestas en boca del Extraño, que todavía sigue sin saber quién es y nosotros tampoco más allá de lo que ya para esta altura podamos inferir con creces. Cuando Arondir dice que “hay cosas sin nombre en las profundidades de este mundo” está parafraseando al icónico mago antes de enfrentarse con el Balrog y lo mismo cuando Galadriel les espeta “¡Volved a las sombras!” a los orcos. Desde ya que siempre es emocionante reconocer esas referencias, pero deberían ser los adornos del guion en lugar de la sustancia, como por momentos sucede.
Y a propósito de los elfos, el grupo expedicionario (más allá de su homogeneidad étnica) remite claramente a la Compañía del primer tomo, pero a diferencia de lo que ocurría allí o en su adaptación fílmica, no terminamos de conocer en profundidad a ninguno de sus integrantes con las excepciones de Galadriel y Elrond, lo cual deviene en que nos termine dando lo mismo si uno de ellos acaba o no muerto con una flecha en el vientre. Y el desvío que las circunstancias imponen a su viaje nos hace acordar demasiado al de Frodo y los suyos cuando, para atravesar las montañas, se ven obligados a desviarse por Moria.
Más interesante estuvo lo de los Tumularios, aunque con algunas pegas. En primer lugar, ya sabíamos con qué podían encontrarse en la Quebrada de los Túmulos y me pregunto si no hubiera sido preferible guardar suspenso con la localización. En segundo lugar, porque a diferencia de Bombadil o de los Ents, no me termina de encajar que los reyes no muertos pudieran ya estar allí antes de la Tercera Edad: si se me ha pasado algo entre tanto Tolkien, agradecería que se me recordase en los comentarios…
Fuera de ello, la escena estuvo muy lograda y fue bastante terrorífica, además de no repetir, al menos hasta aquí, el arco que aparece en el tercer tomo de la trilogía. Si en episodios próximos ocurre que los elfos regresan a la quebrada para buscar a los Tumularios y hacerles algún ofrecimiento a cambio de una alianza, tendré que desdecirme: ojalá que no.
Por lo pronto y siguiendo con las alianzas, hay probables indicios de una en puerta entre Galadriel y Aran ahora que se han encontrado (o reencontrado), como también de un triángulo amoroso entre Isildur, Estrid y el recién aparecido Hagen o de una incipiente atracción mutua entre Poppy y Merimac: ya veremos a qué conduce todo eso…
Como hemos dicho, no hemos tenido noticias de los enanos, lo cual es siempre una pena porque la suya ha sido la mejor subtrama de la primera temporada y de lo que llevamos de esta, como también la que más se sabe despegar de Tolkien con diálogos y cruces interesantes entre personajes creíbles que no están diciendo todo el tiempo frases que suenen para la posteridad o repitan las de los libros.
Por lo que nos muestra el adelanto, no obstante, en la próxima entrega volveremos (afortunadamente) a Khazad-Dûm, lo mismo que (desafortundamente) a Númenor, un arco que se ha quedado huérfano de todo y prácticamente sin relación con nada.
Lo que sí hemos tenido dentro de lo poco sustancioso del capítulo y se agradece son algunos buenos momentos épicos, asignatura con la cual la temporada venía en falta. El mencionado enfrentamiento con los Ents ha sido uno de ellos y lo mismo el de Galadriel con los orcos, más allá de que la elfa siga dándonos algo de gracia cuando la va de badass. Lo mismo la escena de la ciénaga, en la cual se atrevieron a presentarnos una criatura creíble y verdaderamente aterradora que me hizo olvidar el mal trago que me dejara el águila de la semana pasada.
A todo esto y aunque parezca mentira, ya hemos pasado la primera mitad de la temporada debido a que Prime Video decidiera subir los tres episodios de un tirón la semana pasada. Ello hace suponer que deberíamos entrar a partir del próximo en etapa de mayores definiciones que, esperemos, sean algo nuevo y sin tanto pánico al fanservice.
A ver si lo hacen, porque hasta aquí estamos viendo una temporada con gran producción, emotivos guiños y sólidas actuaciones (bueno, algunas), pero todavía sin una historia que se sienta propia de la serie y, como tal, agregue algo al universo Tolkien más que reciclarlo o servirlo en copa nueva. Hacer una precuela no es volver a contar lo mismo pero ubicándolo temporalmente antes: productores, showrunners y guionistas deberían ver Black Sails para saber que no hay por qué caer en eso…
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