Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Servitud integral. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
Si un tebeo viene inflado por el marketing corporativo pero luego es pura pirotecnia vacía, os lo digo sin anestesia. Pero cuando cae en mis manos un auténtico transatlántico del noveno arte, una de esas obras monumentales que justifican por sí solas nuestra pasión por el papel, las viñetas y la edición de lujo, hay que quitarse el sombrero, ponerse de pie y aplaudir hasta que nos duelan las palmas.
Y eso es, ni más ni menos, lo que me ha pasado con la reciente edición integral de Servitud.
Nuestros amigos de Norma Editorial sacaron a las librerías este volumen mastodóntico recopilando la saga completa. Un tomo que pesa lo suyo en las manos, sí, pero que pesa todavía más en términos de ambición narrativa, arte deslumbrante y pura épica medieval. Obra del guionista Fabrice David y del portentoso dibujante Éric Bourgier, estamos hablando de una de las cumbres absolutas del cómic francobelga del siglo XXI.
Un worldbuilding colosal que no trata al lector como a un idiota
A ver, pongámonos en situación. Mucha gente en los foros y en la industria tira de la comparación fácil y dice que Servitud es «el Juego de Tronos del cómic europeo». Y aunque entiendo el gancho comercial para vender ejemplares, me parece quedarse muy en la superficie. Servitud es mucho más compleja, densa y personal.
La premisa nos sitúa en un universo donde hace milenios existían cinco Potencias primigenias que crearon y moldearon a la humanidad a su antojo, los Dragones, los Gigantes, los Ángeles, las Sirenas y las Hadas. Con el paso de los siglos y la progresiva retirada de estas criaturas legendarias, los seres humanos creen haber alcanzado por fin el dominio absoluto sobre su propio destino. Pero, ¡ay, almas de cántaro!, la libertad es una ilusión muy frágil. Lo que en realidad se está cociendo en la sombra es una aterradora partida de ajedrez donde los reinos humanos, divididos por intrigas palaciegas, guerras civiles y rencores religiosos, no son más que peones en un tablero manejado por fuerzas ancestrales.
Lo que hace que el guion de Fabrice David sea una auténtica delicia es que no te lleva de la mano. Aquí no hay textos explicativos perezosos para masticarte la historia, el universo se despliega de forma orgánica a través de las alianzas políticas, la geopolítica de sus reinos (con los señores de Arcania o las tribus de los Drekkars) y los apéndices documentales que salpican la obra en forma de mapas, escudos y textos históricos. Es una lectura exigente que requiere toda tu atención, pero la recompensa narrativa que te devuelve a cambio es sencillamente colosal.
El apartado gráfico de Éric Bourgier. Un espectáculo de la naturaleza
Si el trabajo de documentación e ingeniería narrativa de David es para quitarse el sombrero, lo que hace Éric Bourgier al lápiz y al color es, directamente, para enmarcarlo en un museo. No exagero ni un ápice.
El dibujo de Bourgier posee una fuerza, una textura y un nivel de detalle que roza la obsesión. Cada armadura tiene peso, cada pliegue de las telas transmite suciedad y desgaste, y el diseño de producción de las fortalezas, los entornos naturales o la anatomía de los guerreros te obliga a detenerte minutos enteros en cada viñeta. Su manejo de la paleta de colores descoloridos, ocres y grises consigue sumergirte en una atmósfera medieval asfixiante, terrenal y profundamente realista, incluso cuando entra de lleno la magia y lo fantástico.
Y cuando llegan las escenas de batalla, amigo mío, agárrate al sillón. Las cargas de caballería, los choques de escudos en mitad del barro y el caos táctico del combate están narrados con un dinamismo y un rigor técnico que poquísimos artistas en el panorama europeo son capaces de igualar. Es cine dibujado con mayúsculas.
Veredicto: Una compra obligada para los amantes del buen cómic
Al final, Servitud es la prueba irrefutable de que el cómic de fantasía épica no necesita recurrir a los clichés sobados del género para triunfar. Es una obra oscura, madura, donde la política y la mitología se entrelazan de forma magistral y donde cada página respira la pasión y el sudor de dos autores en la cúspide de su talento.
Si queréis una lectura que os atrape durante horas, que os haga volar la cabeza visualmente y que os deje esa sensación tan maravillosa de haber devorado una historia inolvidable, no le deis más vueltas. Servitud es, desde ya, una de las grandes lecturas del año en nuestro país.
UNA SAGA DE FANTASÍA ÉPICA A LA ALTURA DE JUEGO DE TRONOS
Hace miles de años las potencias crearon a los seres humanos, a los que acompañaron desde entonces bajo formas diversas: Dragones, Gigantes, Ángeles, Sirenas y Hadas. Pero sus disputas internas casi acabaron con ellos, salvo los pocos que se ocultaron o los que mezclaron su sangre con la de los mortales. Han pasado milenios desde entonces, y ahora, por fin, la hora de la humanidad parece haber llegado.
Con este volumen integral recopilamos completa la majestuosa saga de fantasía épica escrita por Fabrice David y espectacularmente dibujada por Eric Bourgier.
Las adaptaciones de videojuegos atraviesan uno de sus momentos más activos y Netflix quiere aprovechar el impulso. La plataforma ha anunciado nuevos proyectos junto a SEGA y Blizzard Entertainment que amplían una estrategia que ya ha dado series como Cyberpunk: Edgerunners, Arcane, o Devil May Cry.
La nueva apuesta destaca por su variedad: Netflix prepara animación para públicos diferentes, películas de acción real y nuevas historias ambientadas en universos que millones de jugadores ya conocen. Y en uno de los casos, incluso, ha decidido apostar por un videojuego que todavía no ha llegado al mercado.
SEGA lleva tres franquicias a Netflix
Una de las principales novedades llega de la mano de SEGA con tres proyectos muy diferentes: una nueva serie animada de Sonic y dos películas de acción real basadas en Crazy Taxi y Stranger Than Heaven.
La nueva serie de Sonic estará dirigida al público preescolar y será independiente de Sonic Prime, que ya cuenta con tres temporadas en Netflix. Carlos Stevens ejercerá como director y Toru Nakahara participará como productor ejecutivo por parte de SEGA.
La compañía describe la producción como una aventura cargada de humor y con una dimensión emocional pensada para espectadores jóvenes. Por ahora no se han anunciado la fecha de estreno, el reparto de voces ni el estudio responsable de la animación.
Más llamativa resulta la adaptación de Crazy Taxi. El videojuego nació en los recreativos en 1999 y convirtió una premisa sencilla como llevar pasajeros a toda velocidad antes de que se agote el tiempo en una experiencia marcada por el caos y el humor.
La película contará con guion de Dan Gregor y Doug Mand, mientras que Neal H. Moritz, Toby Ascher y Toru Nakahara participarán en la producción. Todavía no se conocen el reparto, la historia concreta ni la fecha de estreno.
El tercer proyecto de SEGA es probablemente el más peculiar. Netflix prepara una película de acción real basada en Stranger Than Heaven, el nuevo videojuego de RGG Studio, responsables de la saga Like a Dragon.
La historia estará ambientada en el Japón de comienzos del siglo XX y seguirá a un extranjero que parte desde la pobreza hasta convertirse en una figura poderosa dentro de la yakuza y, posteriormente, en un magnate del entretenimiento.
El caso de Stranger Than Heaven destaca además por el momento elegido para la adaptación: Netflix ha anunciado la película antes del lanzamiento del propio videojuego.
Diablo prepara su salto a la animación
La otra gran colaboración anunciada corresponde a Blizzard Entertainment, que trabaja junto a Netflix en una serie animada ambientada en el universo de Diablo.
La producción contará una historia original dentro de la mitología de la franquicia, en lugar de adaptar directamente uno de los videojuegos. Esto permitirá explorar el universo de fantasía oscura de Diablo desde una perspectiva diferente, pero manteniendo elementos reconocibles para los jugadores.
Por ahora, el proyecto apenas ha comenzado a tomar forma públicamente. No se han anunciado el estudio de animación, el director, el reparto de voces, el número de episodios ni la fecha de estreno.
Netflix también mantiene en desarrollo la serie animada de Magic: The Gathering, un proyecto que cambió completamente de rumbo en 2024 después de descartar la versión inicial vinculada a los hermanos Russo. La nueva adaptación está liderada por el showrunner Terry Matalas (Star Trek: Picard) y el director supervisor Patrick Osborne, con los guiones de su primera temporada ya redactados.
La historia del videojuego estará centrada inicialmente en Chandra Nalaar, una de las Planeswalkers más conocidas del universo de Magic. La animación correrá a cargo de Digic Pictures y permitirá explorar algunos de los numerosos mundos que forman el universo del juego.
Netflix quiere ampliar su catálogo alrededor de los videojuegos
Estos anuncios se suman a una estrategia que Netflix lleva años desarrollando alrededor de las grandes franquicias del videojuego. La plataforma ya ha adaptado universos como The Witcher, Tomb Raider, Cyberpunk y Splinter Cell, y ahora incorpora nuevos proyectos de SEGA, Blizzard y Magic: The Gathering.
La principal novedad está en la variedad de propuestas. El catálogo combina series de animación para distintos públicos con películas de acción real y nuevas historias ambientadas en universos conocidos. Además, algunos proyectos parten de videojuegos consolidados, mientras que otros, como Stranger Than Heaven, llegan antes incluso de que el juego esté disponible.
Una apuesta por los videojuegos todavía por demostrar
Todavía es pronto para saber qué recorrido tendrán estos proyectos. Muchos se encuentran en fases iniciales de desarrollo y algunos ni siquiera cuentan con una fecha de estreno, por lo que habrá que esperar para comprobar hasta dónde puede llegar esta nueva oleada de adaptaciones.
Lo que sí parece claro es que los videojuegos ocupan un espacio cada vez mayor dentro de la estrategia audiovisual de Netflix. Con SEGA y Blizzard, la plataforma amplía su apuesta hacia nuevos formatos, públicos y universos, reforzando una tendencia que parece lejos de haber llegado a su límite.
Ya sabéis perfectamente cómo nos gusta diseccionar las cosas por aquí, sin filtros corporativos, sin postureos y yendo directos al grano cuando las grandes productoras intentan tocar los iconos sagrados del cine, como ocurre con Crystal Lake, la serie precuela de Viernes 13.
Echando un vistazo en las últimas horas a los portales norteamericanos que tanto frecuentamos me he topado con una de esas noticias que remueven las tripas de cualquier fan del género. Se trata de las jugosas declaraciones y el nuevo material gráfico que ha soltado Peacock de cara al estreno en octubre de Crystal Lake, la serie precuela que pretende expandir el universo de Viernes 13.
El gran titular que ha revolucionado a los foros de medio mundo es el confirmado por el showrunner de la serie, Brad Caleb Kane que ha dicho que Jason Voorhees se pondrá «una máscara» en esta primera temporada, pero no parece que vaya a ser la de hockey.
Claro, el primer instinto de cualquier aficionado al género es llevarse las manos a la cabeza pensando que van a pisotear la continuidad clásica. Pero tranquilos, almas de cántaro, que hay que leer la letra pequeña. Como bien recordarán los cinéfilos que no tengan memoria de pez, la legendaria máscara de hockey con la que asociamos automáticamente a Jasonno hizo su aparición estelar hasta Viernes 13 Parte III, mientras que en la mítica secuela (Parte II) el muchacho iba cubierto con un humilde saco de patatas con un agujero para un ojo.
Linda Cardellini is Mother (Voorhees). The ‘Crystal Lake’ star talks about her biggest horror role to date, paying homage to Betsy Palmer’s ‘Friday the 13th’ character, and what’s next after her Emmy win. https://t.co/vZmuQi9OQ7
El propio Kane ha querido matizarlo para que nadie se lleve a engaño:
«Hay una máscara. Puede ser una máscara diferente a la que están acostumbrados los fans, pero no será una máscara que los fans no hayan visto antes. Mostramos la historia de origen de la máscara y por qué está ahí específicamente, y todo encaja».
Es decir, que los tiros van muy orientados a explorar esa etapa transitoria, más terrenal y cruda, intentando dale profundidad psicológica a un joven Jason interpretado por el joven actor Callum Vinson, que lidiará con el trauma del acoso y las deformidades físicas antes de convertirse en la máquina de picar carne que todos conocemos. ¿Lo conseguirán en la serie?
Mother has arrived. 🔪
Linda Cardellini takes on her biggest horror role yet as Pam Voorhees in ‘Crystal Lake,’ the ‘Friday the 13th’ prequel series about the mother of future machete-wielding serial killer Jason.
The Emmy-winning actress goes deep on tackling the scary movie icon for EW’s latest digital cover: https://t.co/iOv42EATVF
Terror de los setenta, terror de los ochenta, ríos de sangre y Pamela Voorhees al mando
La propuesta de esta serie en formato precuela, que contará con la presencia estelar de Linda Cardellini enfundándose el delantal de la inolvidable Pamela Voorhees (la madre de Jason), parece querer huir del simple festival de vísceras prefabricado por ordenador para apostar por algo más turbio. En palabras de sus responsables, nos encontramos ante un thriller psicológico de tintes paranoicos muy propio de los años setenta, donde la tensión ambiental y los traumas colectivos pesarán tanto como las muertes.
Eso sí, que nadie se asuste pensando que nos van a dar una sesión de terapia familiar aburrida, pues ya se ha confirmado que los efectos prácticos analógicos mandan y que las dosis de sangre y muertes ingeniosas van a correr a raudales por los bosques de Crystal Lake.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos las novedades de Panini Cómics previstas para este mes de octubre. Como viene siendo habitual, la cantidad de títulos que nos presentan es tan abrumador, que tenemos que seleccionar bien qué vamos a llevarnos a casa.
Panini Cómics – Octubre de 2026
Debo decir que no soy fiel comprador de series mensuales y tampoco soy muy seguidor de la actualidad de las series Marvel y DC. Por el contrario, soy un lector de cómic más bien clásico y por eso voy a seleccionar algunos títulos que casan con mis subjetivos gustos personales.
1.- The Sandman. Biblioteca Vertigo 1. Preludios y Nocturnos.
En 1916, en la pequeña localidad inglesa de Wych Cross, el ocultista Roderick Burgess convoca un ritual con un objetivo ambicioso: Invocar y someter a La Muerte.
Sin embargo, el hechizo no sale como esperaba y, en lugar de a la parca, captura a Sueño, uno de los Eternos. Este error desencadena los eventos de Preludios y nocturnos, el primer arco de The Sandman, la obra que definió el sello Vertigo y consolidó a Neil Gaiman como uno de los autores más influyentes del cómic fantástico.
Más allá de la trama de Burgess y el encarcelamiento de Morfeo, el volumen introduce elementos que se convertirán en señas de identidad de la serie: La presencia de Lucifer, la aparición de la Muerte y un tono que mezcla fantasía oscura, mitología propia y reinterpretaciones de arquetipos universales.
Es una lectura recomendable tanto para aficionados al cómic de autor como para lectores que busquen una fantasía adulta, con ambición literaria y una puesta en escena que ha marcado generaciones.
Larry Hama toma el timón guionístico de Lobezno en una etapa que se convirtió en referencia para el personaje, acompañado en los dibujos por Marc Silvestri, una de las grandes estrellas de la Patrulla-X de los 90.
Este tercer volumen de la colección Marvel Gold arranca en Madripur, donde Logan investiga una nueva y destructiva droga, y no tarda en derivar hacia episodios más oscuros: Unas vacaciones en el Yukón se tornan mortíferas tras el encuentro con el Cazador en la Oscuridad, y un ataque de Dama Mortal lleva a Logan y a su amigo Puck hasta el pasado, a luchar contra los fascistas en la Guerra Civil Española.
De vuelta al presente, la trama incorpora a Los Cosechadores y a su peor cíborg: Albert, un doble mecánico de Lobezno, junto a la explosiva niña robótica Elsie-Dee.
Y hasta aquí nuestras recomendaciones de Panini Cómics, previstas para este mes de octubre. Justo un poco más abajo, os dejamos el catálogo completo de novedades previstas para este mes.
Echadlo un ojo, disfrutadlo, tened cuidado con la lluvia y sobre todo …
El tabaco es malo para la salud, esta película también, os puede parecer una frase un tanto exagerada, pero, si habéis visto la película de Rod Lauri (Candidata al poder, 2000, o La última fortaleza, 2001) quizás lo entendáis mejor.
Que nos cuenta Lucky Strike
Lucky Strike pasa durante la brutal Batalla de las Ardenas en la Segunda Guerra Mundial, y sigue al capitán John Castle (Scott Eastwood) en su aventura por sobrevivir al hecho de ser el único que ha sobrevivido a una misión. Gravemente herido y enfrentándose a temperaturas gélidas, tiene que emprender una travesía de más de 30 km hasta el punto aliado más cercano. Su única herramienta y compañera es una radio con la que se comunica con el mando militar. Deberá utilizar todo su ingenio, habilidades adquiridas durante su entrenamiento y coraje para hacer frente a sus enemigos.
De qué nos suena la Batalla de las Árdenas
Aparte de ser uno de los episodios más sangrientos de la Segunda Guerra Mundial, la Batalla de las Árdenas ha sido adaptado ya anteriormente a la gran (y pequeña) pantalla en más de una ocasión con suerte dispar.
Hermanos de Sangre (Band Of Brothers – 2001). Sin duda alguna estamos ante una (si no la mejor) serie bélica jamás realizada. En sus episodios 6 y 7 (de títulos «Bastogne» y «The Breaking Point») tratan de manera magistral ese evento de manera directa y cruda.
Otros ejemplos ya en formato película que se acercan a su manera, unas mejor y otras peor, a lo que allí ocurrió serían La Batalla de las Ardenas (1965) con un cast excepcional (Henry Fonda, Robert Shaw entre otros) pero muy criticada por los historiadores por su poca verisimilitud con los hechos. Más éxito entre los críticos tuvo Fuego en la nieve (Battleground – 1949) una película que se rodó unos pocos años después de la propia batalla, la cual ganó dos premios Oscar.
Otros ejemplos más serían el tratamiento que en la película Patton (1970) se le da al evento en cuestión, sumado a joyas ocultas como En línea de fuego (A Midnight Clear – 1992) con Ethan Hawke, Saints & Soldiers (2003) , con un presupuesto bajo pero bien ejecutada, o la mirada crítica con lo militar de Attack!! (1956) de Robert Aldrich interpretada por Jack Palance. Hay varios ejemplos como podéis ver de producciones que tratan de aportar algo a los eventos allí ocurridos.
Que nos ha parecido esta Lucky Strike
Pues os tengo que ser sincero. Un despropósito. Yo ya entiendo que no le podemos pedir a esta producción de 10 millones de presupuesto que sea Salvar al soldado Ryan, ni que tenga la elocuencia de Patton. Pero es que miras los episodios que os he nombrado arriba de la mini serie Hermanos de sangre y le da mil patadas en todos los apartados. Los aspectos que no funcionan en esta producción son muchos y variados, en cambio, los elementos positivos son mucho más sencillos de encontrar. Por que son muy pocos.
Aspectos que son un lastre para la película
Comencemos por el aspecto que a mi parecer lastra más la película. El nulo carisma del protagonista. Supongo que allende de los mares, Scott Eastwood tendrá un caché, no muy alto (teniendo en cuenta el presupuesto global del film), para interpretar este tipo de producciones. Puedo empatizar con él, dado que entiendo que fácil no debe ser, el tener de padre a un icono del cine como Clint Eastwood.
En general no sabría decir si la máxima de, «el talento de los padres muchas veces no se transmite a los hijos«, tendría la excepción en el caso de Kirk Douglas y su hijo Michael, donde tanto el padre Kirk, como el hijo han sido destacados en la faceta actoral. Tengo claro que el caso de Scott Eastwood, no estaría en la misma categoría.
Si una cosa tiene que destacar en una película bélica que va sobre un militar que se queda detrás de las líneas enemigas, mal herido (aunque se da cuenta de ello luego de andar con normalidad sin cojera durante unas escenas, menudo guion de pena) que está solo, sin casi recursos, es que el protagonista te transmita todo por lo que pasa en los 103 minutos que dura el film.
Pues lo siento, en ningún momento vemos al capitán Castle (el personaje de Eastwood) transmitir esas penurias por las que va pasando de manera mínimamente convincente. Solo una vez tienes el atisbo de que eso va a pasar (cuando sale fuera de la cabaña donde ha visto morir a unos granjeros) pero es momentáneo, vuelve enseguida al rostro inexpresivo de todo el metraje. Falsa alarma.
El guion que es otro desastre morrocotudo, tampoco le ayuda a hacer que sus acciones sean creíbles, sino más bien, lo que hacen es que levantes la ceja para intentar creer que el cliché sobado y visto hasta la saciedad, va a colarte. El escrito ideado por el propio director Rod Laurie y Marc Frydman (con solo tres trabajos como guionista) tiene decisiones muy discutibles, las cuales no son para nada creíbles en pantalla.
¿Ejemplo de ello? la escena en la que Castle se esconde en un sótano de una granja, deja morir a una mujer a manos de tropas de las SS (escena que recuerda al inicio de Malditos Bastardos), y luego de dejar que muera, sale del sótano para acabar con el enemigo. ¿En serio, John? En serio que no sabías que iba a pasar cuando el mando de las fuerzas de las SS apunta a la cabeza primero a la hija y luego a la mujer? John, despierta tus neuronas!!
Aparte de esta escena hay otras en las que los guionistas hacen que el capitán Castle tome decisiones estúpidas, se haga el muerto en una escena donde lo más lógico era tenderle una trampa al enemigo, (compuesto ese «enemigo» por un coche donde van cuatro soldados) usa las granadas ni que sea, no?. Podríamos seguir con más ejemplos pero no es necesario, hay películas en las que vale la pena invertir tiempo que cuesta buscar información y construir la review pero este no es uno de esos casos.
Comparando presupuestos parecidos
Para acabar y sin ser el detalle más importante para criticar Lucky Strike, tenemos los presupuestos, y sobre todo el jugo que le sacas a ese dinero, y en su comparación tenemos otro tema para ponernos las manos en la cabeza. Un episodio de Band of Brothers (elegid el que queráis) cuesta unos 12,5 M de dólares. Esta Lucky Strike costó 10 M , y cuidado con esto, la última versión de Sin novedad en el frente de Edward Berger, tuvo una inversión de 20M.
O sea que por el doble de lo que ha costado la película que nos atañe hoy, tienes un film que acabó ganando 4 estatuillas en los premios Oscar en 2023. Nada más diré. Creo que eso lo resume todo.
En Resumen
Los aspectos importantes y que determinan si Lucky Strike es o no una buena película están en el lado negativo de nuestra crítica. Destacables en ese lado son las actuaciones, sobre todo la de su protagonista, Scott Eastwood el cual carece de una mínima brizna de carisma, y eso se nota mucho, el guion es cojo como nuestro protagonista, lleno de agujeros, de situaciones estúpidamente resueltas (que me decís del soldado cerca del final que apesta a nazi desde lejos) o para terminar, el presupuesto extremadamente recortado para lo que necesita una producción de este género aspecto que lastra en demasía las espectativas.
En la parte positiva dejaremos la ambientación de los exteriores en el rodaje, alguna escena con flashbacks y todo lo que tenga que ver con la parte del vestuario. Poca cosa más.
Os dejamos un artículo sobre 25 películas imprescindibles sobre la Segunda Guerra Mundial, AQUÍ.
¿Os gustó el tráiler de Sed de sangre? Ojito con la nueva película dirigida por Marc Webb (el mismo de The Amazing Spider-Man) que promete acción, misterio y, ¿un ramalazo sobrenatural de lo más bizarro?. Y es que el tráiler ha conseguido que medio internet se haga la misma pregunta con cara de incredulidad. ¿Qué demonios es el personaje de Johnny Depp? ¿Un hombre lobo, un vampiro o simplemente un tipo con resaca a lo bestia?
Entre yates de lujo, miradas turbias y un acento imposible
Para situarnos en el mapa, la premisa sobre el papel de Sed de Sangre suena a thriller criminal clásico de sobremesa, pero con un presupuesto bastante apañado. La historia nos sitúa a bordo de un yate privado donde una camarera (interpretada por Madelyn Cline) se cruza con un pasajero misterioso y solitario al que da vida Johnny Depp (en su reencuentro cinematográfico con Penélope Cruz, que aquí se mete en la piel de una peligrosa figura criminal llamada Cara Lazaro). Hasta ahí, todo más o menos dentro de los cánones de una intriga criminal en alta mar.
El problema (o la bendita gracia del asunto) es que el avance lanzado por Lionsgate no deja de arrojar migas de pan sobre algo mucho más oscuro y antinatural. Hay miradas con ojos de extrañísimo brillo bajo la luz de la luna llena, gruñidos de ultratumba, hachazos, pistolas, referencias directas a «historias de fantasmas» y un Johnny Depp entregado al caos absoluto con un look desmejorado, una media barba y un acento medio irlandés indescifrable que ya está generando memes y debates encendidos en los foros.
Hacia el final del tráiler, la cosa se desborda por completo cuando el personaje de Depp destroza a un grupo de tipos y suelta una frase lapidaria: «Esto se acaba, cuando yo lo diga»
¿Giro fantástico o maniobra publicitaria?
Lo divertido de este tipo de campañas es ver cómo los estudios juegan al despiste. ¿Estamos ante un thriller de acción realista donde el bueno de Johnny interpreta simplemente a un mercenario o criminal con un trauma muy jodido y delirios nocturnos, o los tiros van realmente hacia el terror sobrenatural con licántropes o criaturas de la noche?
Conviene recordar que Depp parece haberle cogido gustillo al tono macabro, ya que también lo veremos próximamente enfundándose el camisón de Ebenezer Scrooge en la particular adaptación gótica de Cuento de Navidad de Charles Dickens dirigida por Ti West. Sea como fuere, Sed de sangre (cuyo estreno en salas se apunta para la primavera de 2027) ha conseguido exactamente lo que buscaba: que hablemos de ella.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos las novedades de Yermo Ediciones, previstas para este mes de octubre. Si bien la editorial capitaneada por Carles Muñoz Miralles, siempre nos presenta calidad y variedad, este mes de octubre la fantasía reina sobre el resto de géneros. Afortunadamente para los aficionados al género de fantasía (entre los que me incluyo).
Novedades Yermo Ediciones de octubre de 2026
Sabemos que a Carles le encantan las historias ambientadas en el Londres victoriano, pero en mi caso … Es en los reinos de la fantasía donde podéis encontrarme. Y por eso, voy a seleccionar los títulos que más me llaman la atención, de entre todas las novedades de Yermo Ediciones, previstas para este mes:
1.- Elric.Volumen 6.
Continúan las andanzas del atormentado emperador albino por los Reinos Jóvenes, donde sigue acompañado por su inseparable Moonglum.
Mientras ambos avanzan sin rumbo, el hechicero Theleb K’aarna trama hacerse con el Anillo de los Reyes y destruir definitivamente a Elric, arrebatándole tanto el favor del dios Arioch como su inseparable espada Portadora de Tormentas. (me gusta utilizar la traducción de la Stormbringer, puesto que en la edición clásica de Tebeos S.A. utilizaban la denominación de Portadora de Tormentas).
Julien Blondel y Jean-Luc Cano firman el guion de esta nueva entrega, ilustrada por Valentin Sécher, que profundiza en el destino trágico del personaje y en su eterna lucha entre el caos, la fatalidad y el deseo de libertad.
Tras morir, Heinrich espera encontrar la paz en el más allá, pero despierta en Resurrección, un mundo oscuro donde el tiempo transcurre al revés.
Convertido en vampiro y posteriormente nombrado caballero bajo el nombre de Réquiem, se verá arrastrado a una guerra cósmica entre dioses extraños y enfrentados, un conflicto de proporciones inimaginables en el que quizá desempeñe un papel decisivo.
Pat Mills y Olivier Ledroit construyen así una epopeya de fantasía oscura, tan fascinante como perturbadora, repleta de violencia, imaginación y criaturas monstruosas.
Y hasta aquí las recomendaciones de Yermo Ediciones, previstas para este mes. No obstante, recordad que estas recomendaciones son siempre parciales e injustas, basada únicamente en mis gustos personales.
Por este motivo, justo un poco más abajo, os dejamos el pdf completo con todo el catálogo de novedades de Yermo Ediciones, previstas para este mes.
Echadlo un ojo, disfrutadlo, no olvidéis de refrescaros mucho y por supuesto …
Continuamos analizando la segunda temporada de Outlander: Sangre de mi Sangre, en esta oportunidad con su tercer episodio titulado Los Conejos no nadan. Creada por Matthew Roberts y basada en los personajes creados por la escritora Diana Gabaldon, la serie de Starz puede ser vista en España por Movistar+ y en Latinoamérica por Disney+.
Hola otra vez, forasteros y viajeros del tiempo. De nuevo aquí para analizar otro capítulo de Outlander: Sangre de mi Sangre, hoy el tercero de esta segunda temporada. Habíamos especulado con que esta entrega pudiera quizás traernos la revuelta jacobita ya devenida en batalla o bien el reencuentro entre Henry y Julia; ambas cosas siguen sin embargo en suspenso y, de hecho, no hemos tenido noticias de Henry en un episodio que ha transcurrido básicamente en los dos castillos y, en menor medida, en el campamento de combate.
Pero dejémonos de prólogo y pasemos a ver qué ha ocurrido, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos de Outlander: Sangre de mi Sangre y aquí los de su ya concluida serie madre Outlander.
Visita Inesperada
Comenzamos con los preparativos para la batalla, que muestran a los Mackenzie y los Fraser marchando juntos hacia la misma. En Leoch, mientras tanto, Maura está fastidiosa: se queja de los murciélagos y de que al lugar le falta refinamiento. Discute con Ellen y hay chicanas cruzadas al especular qué obra de Shakespeare calzaría mejor a la trama que están viviendo: si La Fierecilla Domada, como dice Maura, o Macbeth, como le replica Ellen.
Colum, a su vez, sigue resentido con esta última por su plantón matrimonial y haber, según él, tradicionado al clan. La cosa se pone álgida y en un momento Ellen se retira, justo antes de que el ujier del castillo anuncie la llegada de James MacKinney (Ryan Fletcher), de quien nada sabíamos desde que en la primera temporada perdiera la competencia por el liderazgo.
Colum se muestra sorprendido de que no se halle en el campo de batalla, pero está claro que el recién llegado no viene con buenas intenciones cuando lo hace con una compañía de seis hombres y uno de ellos acuchilla fría y gratuitamente al ujier ante la atónita mirada de los presentes. Un consternado Colum le recrimina si así cumple su juramento de lealtad, a lo que MacKinney responde que ha venido a tomar posesión de lo que es suyo, es decir el castillo…
Ellen, oculta, ve con horror toda la escena mientras un flashback nos lleva a los tiempos de infancia en que jugaba al escondite con sus hermanos y siempre la terminaban encontrando, lo que su padre Jacobo el Rojo adjudicaba a que hacía lo que ellos esperaban al ocultarse en los lugares donde ellos presumirían más fácilmente que se encontraba.
Haciendo analogía con un zorro, le decía que el mismo nunca buscaría un conejo en un lago porque los conejos no nadan, forma de graficarle que debe siempre hacer lo que sus perseguidores menos esperan. Ello, además de enseñarle a usar el arco…
Noticia Inesperada
En Leathers, Lord Lovat requiere en sus aposentos a Julia y esta dice estar en su período menstrual, pero Davina le recuerda que ya es la segunda vez que echa mano de esa excusa en el mismo mes. No tiene, por lo tanto, más remedio que ir a su habitación y encontrarse con la desagradable vista de Seema (Lauren McQueen) practicando al viejo sexo oral. Julia amaga irse, pero este la conmina a quedarse para observar y aprender cómo satisfacer debidamente a un hombre.
Terminado, por suerte en off, el momento trío, Seema está bañando a Julia y surge por casualidad el tema de Henry, con quien la criada confiesa haber tenido una relación de meses cuando él creía que su esposa había muerto.
La noticia deja, desde luego, estupefacta a Julia, que en privado pide luego a Lovat que envíe de regreso a Seema con los Grant argumentando que su presencia hace que no pueda sacarse de la cabeza los malos momentos que le tocó vivir con estos últimos. Él ni siquiera lo considera: dice que ella está allí como parte de un trato y hasta ahora la muchacha lo viene dejando muy conforme, de lo cual ya hemos tomado sobrado conocimiento.
Seema, a hurtadillas, escucha todo y, con pesar, se lo comenta luego a Julia. Esta vuelve a esgrimir la excusa de su trauma con los Grant, pero la criada le dice que jamás hará nada en su contra y sí en cambio lo mejor para cuidar a ella y a su bebé. Julia termina aceptando, no se sabe si por convicción o porque no le queda otra…
Conspiración de Mujeres
En Leoch, MacKinney intenta sin éxito captar a quienes servían a los Mackenzie, pero tanto Ned como la señora Fitzgibbons se niegan a hacerlo y esta última recibe incluso un cobarde golpe en el estómago. Al preguntársele por qué no está con los jacobitas, MacKinney se mofa diciendo que estos marchan hacia una trampa y una derrota segura, pues Lovat juega en realidad para la Corona…
Presume, por otra parte, de que ahora el castillo es suyo, pero al ser anoticiado por Colum del acuerdo con Ellen y serle el mismo confirmado por Ned, quiere ya mismo que le traigan la escritura y a ella para que firme la entrega. Colum, sin embargo, manifiesta no saber por dónde anda su hermana, que siempre ha sido muy especial e independiente.
MacKinney golpea a Colum y asegura que sus hombres encontrarán a Ellen y se terminará casando con ella. Desde el piso, Colum le dice que hay alguien que no lo permitirá y vendrá al castillo para matarlo apenas intente ponerle un dedo encima.
Con respecto a las mujeres, MacKinney dispone su encierro, pero cuando uno de sus hombres las está llevando, es ensartado por una flecha disparada por Ellen, que así consigue liberar a todas y ocultarse con ellas en la capilla. Busca convencerlas de que pueden por su cuenta liberar juntas el castillo al contar a su favor con el elemento sorpresa de que los usurpadores no esperan nada de su parte. Encuentra adhesión en el resto, pero Maura parece renuente…
Conejos que nadan
A todo esto, MacKinney ha enviado a sus esbirros a recorrer el castillo en procura de dar caza a Ellen, pero la cosa termina al revés. Uno es encerrado por Ellen tras una cancela y entregado a los perros en escena que remite a Juego de Tronos, pero no quiero decir mucho por si no han visto la serie: en todo caso es el noveno episodio de la sexta temporada (aquí nuestro análisis). Otros dos la persiguen hasta el campanario y son muertos por ella tras provocar una desbandada de murciélagos haciendo tañer las campanas.
Usando a Janet Mackenzie como señuelo, el resto son atraídos a la capilla, pero el grupo de mujeres les arroja encima un cortinado y dan cuenta de ellos a cuchilladas. Lamentablemente, la jugada no sale gratis: Janet es fatalmente herida y muere en brazos de Ellen, quien le confiesa a su hermana que siempre la ha admirado y, antes de que expire definitivamente, la pone al tanto de que está embarazada y llamára al bebé Janet en caso de ser niña. Como sabemos que será..
La escena termina de convencer a Maura, quien dice que la cosa ha llegado demasiado lejos y prefiere arriesgarse con los MacKinney antes que morir junto a ellas. No se entiende por qué Ellen la deja ir tan libremente más allá del dolor por su reciente pérdida, pero la cuestión es que cuando Maura llega al salón del castillo sorprendiendo a MacKinney, no se rinde sin embargo sumisamente como cabía esperar, sino que le enrostra su apellido y amenaza con la furia de los Grant si no la libera.
En ese momento, aparece Ellen arco en mano junto al resto de las mujeres y MacKinney toma a Maura como rehén poniéndole un cuchillo al cuello. Es, por cierto, el peor rehén que podía elegir, pues a Ellen poco le importa la suerte de su cuñada después de que manifestara antes querer traicionarla. Pero Colum aprovecha la distracción para enterrar un cuchillo en la espalda de MacKinney, que suelta a Maura y recibe el flechazo fatal de Ellen que, antes de que muera, le dice que los conejos sí nadan…
Maura le pregunta si verdaderamente iba a dispararle y Ellen dice que sí, pero Ned la pone a esta última al tanto de que su cuñada no la traicionó, sino que le plantó cara a MacKinney. Ellen parece perdonarla, pero no tanto a Colum, a quien echa en cara haber mandado matar a Brian. Hay, sin embargo, una cuestión más urgente que cualquier pelea interna y es lo que llegó a decir MacKinney acerca de que Dougal y Brian van hacia una trampa: deben ponerles sobre aviso lo antes posible…
En efecto, en el campamento y luego de algunas escaramuzas, vemos que Lovat ha tomado la decisión de dividir la fuerza en dos columnas, lo cual no gusta ni un poco a Brian, que se lo recrimina sin resultado alguno. Por otra parte, su padre se muestra de un inusual buen humor que le sorprende tanto a él como a Murtagh: tanta y tan súbita amabilidad no parece presagiar nada bueno…
En Leoch, entretanto, lo último que vemos antes de los créditos finales es a Ellen y Grace partir al raudo galope a fin de llegar a tiempo para advertir a Brian de la infame traición de Lovat…
Balance del Episodio
La ausencia de los mayoría de los hombres en Leoch ha servido de excusa para que pudiéramos ver una entrega de empoderamiento femenino al tener las mujeres que recuperar el castillo, así como también para presentarnos a Ellen en un nuevo y flamante rol de líder, pues ya no le basta con su habilidad para gestionar acuerdos, sino que ahora es también mujer de armas tomar y casi princesa amazona.
Ojo, no me convence mucho en ese rol y antes de que se apuren a calificarme de lo que no soy, aclaro que no lo digo porque sea mujer sino porque no hemos conocido en el personaje una evolución que llevase tan claramente a ello…
De pronto la vemos lucir extraordinarias habilidades con arcos, cuchillos o espadas, pero no es que la serie nos hubiese previamente mostrado señales claras de que las tenía. Además, a Harriet Slater, que como actriz es bastante limitada, no termina de calzarle el traje de heroína de acción: no es Linda Hamilton, Sigourney Weaver, Kate Beckinsale ni Charlize Theron (nombres que cito para que no me tilden de machista).
Pero la súbita explosión de Ellen no es lo único que no vimos venir: también me sorprendió el súbito papel paternal y comprensivo de Jacobo el Rojo en los flashbacks. Verle animar a la pequeña Ellen a no ser predecible ni dejarse atrapar por los varones haciendo lo que, como mujer, esperan de ella, se contradice en buena medida con el perfil que le conociéramos al personaje en la primera temporada, cuando, por el contrario, la menospreciaba justamente por serlo. De cualquier forma, me gustó lo del conejo como analogía de los estereotipos…
James MacKinney también salió de la nada. Su reaparición, desde ya, sirvió para llevar tensión a Leoch y queda claro que aprovechó que los hombres estaban ausentes para tomar por la fuerza lo que creía corresponderle, pero no lo habíamos visto más desde la primera temporada y hubiera sido bueno que nos prepararan algo más para reencontrarlo.
Algo similar ocurre con la muerte de Janet, de la cual no se puede negar que fue un momento emotivo, pero lo hubiera sido mucho más de haber conocido al personaje en mayor medida de lo que en capítulos previos hemos hecho. Las muertes cobran especial significado cuando tenemos un vínculo empático con quien muere y, lamentablemente, no es lo que aquí ha ocurrido. Conmovedor, de todas formas, el guiño de Ellen al decir que llamará Janet a su hija, referencia directa a la hermana mayor de Jamie.
Mas allá de todo eso, hay que decir que la trama de Leoch tuvo una buena dosis de suspenso que la hizo entretenida, aun cuando hayamos tenido que suspender un poco nuestra incredulidad ante el comportamiento algo idiota de los hombres de MacKinney o lo inverosímil de que no encuentren más fácil a Ellen en un castillo que no debe ser tan grande.
La de Leathers ocupó menos minutos, pero introdujo un nuevo elemento de tensión al enterarse Julia de la relación que Henry tuvo con Seema. En lo personal, había supuesto que lo haría antes, pero ese detalle del pasado de Henry terminó prácticamente olvidado en la primera temporada y estaba obvio que iba a reaparecer en algún momento.
Habrá que ver cómo sigue la cosa y, sobre todo, qué ocurrirá cuando llegue Henry, pues la noticia pone una piedra de conflicto en la relación de la pareja, aunque ya sabemos que es bastante común que los personajes del mundo Outlander busquen consuelo en amantes cuando sus esposos o esposas no dan señales de vida. Y que a la larga todo se perdona…
La batalla, en tanto, sigue esperando, aunque ya hemos tenido algunas pequeñas escaramuzas. Intriga, eso sí, saber si Ellen y Grace llegarán a tiempo para advertir de la traición de Lovat. Habida cuenta de que sabemos el resultado final, cabe la posibilidad de que no lo hagan, pues de lo contrario, estarían cambiando la historia. Más posible, creo, es que lleguen a salvar la vida de Brian y quizás también la de Dougal (Ellen se lo prometió a Maura), pero no a alterar el rumbo general de los acontecimientos.
En fin, una vez más un episodio entretenido, más allá de algunas incongruencias con la primera temporada o de que algunas cosas parezcan salir casi de la nada sin haber tenido el desarrollo previo que merecían.
Y un detalle: la canción de tono tradicional que acompaña los créditos finales está compuesta por Bear McCreary e interpretada por un ensamble vocal femenino a cargo de cuatro actrices de la serie, entre ellas la propia Harriet Slater. A mí me encantó, así que se las dejo abajo y les invito para analizar el próximo episodio.
Christopher Nolan: La arquitectura del suspense. Criticas, elogios y cine.
A primera vista, unir los nombres de Alfred Hitchcock y Christopher Nolan podría parecer un ejercicio de anacronismo cinematográfico; el primero es el indiscutible arquitecto del cine clásico de Hollywood, mientras que el segundo es el gran renovador del blockbuster de autor del siglo XXI. Sin embargo, más allá de las distancias generacionales y los saltos tecnológicos, ambos directores comparten una obsesión idéntica: el control absoluto sobre la mente del espectador.
Mientras Hitchcock perfeccionó el arte del suspense tradicional manipulando la información visual y la culpa moral de sus personajes, Nolan ha expandido esa misma tensión hacia una dimensión estructural, fragmentando el tiempo y el espacio para convertir la trama en un rompecabezas psicológico.
Este análisis se propone explorar cómo Nolan hereda, subvierte y moderniza los pilares fundamentales del cine de Hitchcock —desde el uso de protagonistas masculinos obsesivos y alienados hasta la transformación del misterio en un laberinto formal—, demostrando que detrás de la espectacularidad de la ciencia ficción contemporánea late el mismo pulso implacable del maestro del suspenso.
El director de cine Alfred Hicthcock
Sin embargo, ¿Por qué despierta tantas criticas y elogios Nolan? Vamos a hacer un análisis del cine del autor, viendo los mecanismos argumentales y estiíisticos a través de los puntos fuertes y debiles que le son señalados.
Los críticos del director Christopher Nolan suelen coincidir en sus elogios hacia su ambición visual y técnica, pero también señalan de forma recurrente una serie de debilidades en su cine. A continuación se detallan las principales críticas que se le hacen a sus películas:
Frialdad emocional y personajes planos: Muchos críticos argumentan que sus películas funcionan como mecanismos de relojería perfectos, pero carecen de corazón. Se le acusa de priorizar los conceptos intelectuales por sobre el desarrollo emocional.
Personajes masculinos obsesivos: Sus protagonistas suelen responder al mismo arquetipo de hombres atormentados, distantes y obsesionados con su trabajo o una pérdida.
El «síndrome de la esposa muerta»: Es una crítica muy común. En películas como Memento, Origen, The Prestige o Interstellar, el motor del protagonista es la muerte o ausencia de su esposa, utilizando a esta más como un recurso de guion (torpe) que como un personaje real con profundidad.
Problemas con el diseño de sonido y mezcla que puede llegar a producir diálogos ininteligibles: Desde la saga de Batman (con la voz de Bane) y de forma muy acusada en Tenet, Nolan ha recibido duras críticas por su mezcla de sonido. A menudo, la música de Hans Zimmer o Ludwig Göransson y los efectos ambientales (explosiones, motores) entierran las líneas de diálogo, haciendo que sea difícil entender lo que dicen los personajes. Nolan defiende esto como una decisión artística para priorizar la experiencia visceral.
Paradójicamente, aunque sus tramas son complejas, los críticos señalan que sus personajes pasan demasiado tiempo explicando las reglas del universo cinematográfico al espectador (como en Origen o Tenet), en lugar de permitir que la historia fluya de forma natural. Quizá este problema explicativo es más acusado en Tenet, donde la explicación se desarrolla a nivel técnico sobre los viajes temporales pero solo se entenderá el fin argumental en apenas unas líneas de diálogo en la escena final.
Complejidad artificial: Algunos especialistas consideran que Nolan disfraza tramas relativamente sencillas con estructuras no lineales (rompecabezas temporales) para que parezcan más profundas o intelectuales de lo que realmente son.
Aunque es un maestro de las grandes secuencias de escala épica (como el acoplamiento en Interstellar o la explosión en Oppenheimer), se le critica que las escenas de combate cuerpo a cuerpo o persecuciones mundanas a veces están peor rodadas, con un montaje fragmentado que hace perder la continuidad espacial (un defecto muy comentado en la trilogía de El caballero oscuro)
Estas criticas no son 100% negativas. Hay muchas que pueden ser presentadas como aciertos. Pero sirven para ver los mecanismos de construir cine que utiliza Nolan. Veremos ahora sus criticas más positivas.
Los cinéfilos elogian de su trabajo:
Sus defensores destacan que, en una época dominada por franquicias y secuelas predecibles, Nolan arriesga con ideas originales y conceptos filosóficos complejos (el tiempo, la memoria, la física cuántica, los sueños) para el gran público.
Posee estructuras narrativas innovadoras. Se alaba su maestría para jugar con el tiempo y la estructura de forma no lineal (como el montaje invertido de Memento, las líneas temporales paralelas de Dunkerque o las capas de sueños de Origen) sin perder el control de la historia.
Defensa del cine analógico y artesanía técnica. Nolan es un firme defensor de rodar todo lo posible frente a la cámara. Su uso mínimo de pantallas verdes y su preferencia por construir sets reales (como el pasillo giratorio de Origen o los aviones reales de Dunkerque, asi como los recursos tecnicos en La Odisea) aportan un realismo táctico y una espectacularidad que el cine digital rara vez consigue.
Pionero del formato IMAX: Se le reconoce haber revolucionado la industria al ser el primer director en rodar películas comerciales con cámaras IMAX de 70 mm, maximizando así la escala, la nitidez y la experiencia inmersiva en las salas de cine. Hecho también criticado, ya que se interpreta como elitista, ya que esta tecnología es accesible a unos pocos a día de hoy.
Los críticos destacan que Nolan logra extraer interpretaciones icónicas de su reparto. El ejemplo más evidente es el Joker de Heath Ledger, pero también las actuaciones de Cillian Murphy en Oppenheimer, Matthew McConaughey en Interstellar o Christian Bale en la trilogía de Batman.
Sus defensores alaban su capacidad para mantener una tensión constante y una atmósfera de seriedad y urgencia que eleva el material, haciendo que películas de superhéroes se sientan como thrillers criminales de prestigio.
El «Salvador de las salas de cine». Pocos directores actuales logran que películas originales de tres horas sobre física teórica (Oppenheimer) recauden casi 1.000 millones de dólares. Sus defensores argumentan que Nolan es de los pocos cineastas capaces de movilizar al público masivo a los cines basándose únicamente en su nombre, algo hoy reservado a pocos directores como Quentin Tarantino.
Como podemos, ver no todo lo que se dice de Nolan son verdades absolutas, pero sirve para entender su forma de crear. Eso es quizá lo más importante de este análisis: ver cómo crea uno de los directores más importantes del cine. A Alfred Hitchcok, en su época, se le concebía como un director menor, de simples divertimentos y sin embargo hoy, gracias a Godard y Truffaut entre otros, es reconocido por su dirección pero también por su complejidad argumental, con digresiones psicológicas geniales como las del filosofo Zizek.
Nolan, en cambio, sí goza del reconocimiento actual, quizá no por sus tramas sino por su capacidad técnica total. Pero con el tiempo sus películas alcanzarán dicho estatus completo. Porque nos gusten sus mecanismos o no, es innegable que es uno de los grandes renovadores del cine y sus películas guardan, aunque el impresionante desarrollo técnico los devore, guiones potentes.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros las novedades de Norma Editorial y Editorial Astronave previstas para este mes de octubre. Como siempre, la editorial barcelonesa nos presenta un abanico muy amplio en base a géneros. Todo ello de grandísima calidad.
Novedades Norma Editorial y Astronave de octubre de 2026
Una vez más, vamos a seleccionar los títulos que más nos llaman la atención de entre todos los títulos que va a publicar Norma Editorial y Astronave, en este mes de octubre.
1.- Azúcar Negro.
Azúcar negro, con guion de Virginie Ollagnier, dibujo de Ricard Efa y basada en la novela de Miguel Bonnefoy, narra la historia de la familia Bracamonte a lo largo de tres generaciones. La saga comienza en el Caribe venezolano, a finales del siglo XIX, y se extiende hasta el crac bursátil de 1929, siguiendo el ascenso, las ambiciones y las contradicciones de una dinastía dedicada a la fabricación de ron.
Esta adaptación en formato de cómic destaca por trasladar a las viñetas la riqueza narrativa de la novela original, con un apartado gráfico que potencia el exotismo del escenario y la intensidad de las relaciones entre sus personajes. Una lectura recomendable para quienes disfrutan de las grandes sagas familiares, los relatos de inspiración histórica y el realismo mágico.
2.- La serpiente en el jardín: Ed Grey y la última batalla por Inglaterra.
La serpiente en el jardín: Ed Grey y la última batalla por Inglaterra, con guion de Mike Mignola, dibujo de Ben Stenbeck y color de Dave Stewart, presenta una nueva aventura ambientada en el Universo de Hellboy. En un mundo situado más allá del fin de los tiempos, Ed Grey, el último cazador de brujas, recibe la llamada de Alice, reina del último reino de la Tierra.
Inglaterra se encuentra amenazada por Morgana Le Fay y por el poderoso campeón que ha elegido para librar la batalla definitiva. Grey deberá asumir plenamente el papel de defensor que le ha sido destinado si quiere ofrecer a la humanidad una mínima posibilidad de supervivencia.
Sin embargo, Morgana también tiene sus propios planes para su campeón, lo que convierte el enfrentamiento en algo mucho más complejo que una simple lucha entre el bien y el mal.
Nanbanjin, de Cyril Pedrosa y Taiyō Matsumoto, se desarrolla en el Japón del siglo XVI, una época convulsa marcada por los conflictos y la llegada de viajeros procedentes de tierras lejanas. Tras naufragar, Fernando, un soldado portugués de gran corpulencia, aparece en una pequeña isla japonesa, donde su presencia despierta la curiosidad y la desconfianza de sus habitantes.
Entre ellos se encuentra Shōbei, un anciano pescador que vive afectado por la desaparición de su hijo en el mar. Aunque los separan el idioma, la cultura y sus respectivas experiencias, el encuentro entre ambos dará lugar a una relación inesperada.
Poco a poco, el portugués y el pescador descubrirán que comparten una profunda soledad y que pueden ofrecerse mutuamente la compañía y el apoyo que necesitan.
Pero la calma de la isla se verá alterada por la violencia, obligándolos a enfrentarse a sus miedos y a tomar decisiones que cambiarán sus vidas.
Nanbanjin es, ante todo, una historia de amistad, pérdida y redención, construida a partir del vínculo entre dos hombres de mundos distintos que encuentran una forma de entenderse más allá de las palabras.
Y hasta aquí la selección de títulos de Norma Editorial previstos para este mes de octubre. No obstante, justo un poco más abajo, os dejo el pdf completo con todo el catálogo de novedades para este mes.
Bienvenido un mes más a vuestra sección preferida. Como todos los meses, os dejamos dos cómics recomendados por crítico que salen a la venta este mes en España. Espero que os puedan sacar alguna duda y podamos guiarlos con alguna joya. También os recuerdo que es nuestra opinión personal y puede no coincidir con la vuestra. Allá vamos con La lista de la compra del mes de septiembre de 2026.
Juanjo Avilés
1. Hyde Street 1. Planeta. 24 euros. Geoff Johns es siempre una garantía a la hora de valorar un cómic. El guionista norteamericano es todo un maestro en el género de los superhéroes y lo ha demostrado tanto en sus trabajos en Marvel y DC como creando su propio universo: “Los Sin nombre”. Pero también se atreve con el terror presentado en Hyde Street su propia antología de relatos terroríficos al más puro estilo Creepshow. Y si encima lo hace acompañado de dibujantes tan interesantes como Ivan Reis, Danny Miki, Brad Anderson o Francis Portela poco más se puede añadir para recomendar este tomo que recoge los siete primeros números de la serie.
2. Cadáveres exquisitos 3. Norma. 25 euros. Con la publicación de este tercer tomo se cierra la primera temporada de una de las series más divertidas e interesantes que podemos leer en la actualidad. James Tynion IV ha logrado crear una historia con personalidad propia en la que el terror, la acción mas cafre y la sátira política y social se dan la mano y merece mucho la pena hacerse con este tomo para ver como finiquita este primer arco ya que el guionista ya ha anunciado que la serie se va a estructurar como una serie de televisión, con varias temporadas que yo por mi parte pienso leer en cuando salgan a la venta.
Mario Losada
Marvel Gold. Lobezno 3. Sangre y garras. Panini. 47,95 euros. Ojo que estamos ante una maravilla de los cómics de superhéroes de principios de los 90. Tras dos primeros tomos de Lobezno, que no están mal, pero que tampoco eran para tirar cohetes, llegó Larry Hama y revolucionó la serie de Lobezno hasta llevarle a los altares. Y además en este tomo cuenta con los dibujos de Marc Silvestri. Os aseguro que este tomo, y los siguientes son espectaculares, y no hace falta haber leído los anteriores. Y además este tomo tiene tres novelas gráficas, incluida una dibujada por el maestro Alan Davis. Un tomo imprescindible.
2. Réquiem: Caballero vampiro 1. Yermo ediciones. 42 euros. Menuda maravilla ha sacado Yermo al mercado. Este primer tomo contiene los 4 primeros números franceses y son impresionantes a nivel narrativo y de dibujo. Espectacular. Sólo ved la portada, si os gusta ese dibujo tan detallista os lo tenéis que leer, no os queda otra. Si por el contrario este estilo no os engancha, entonces huid insensatos. Todo está acorde guion y dibujo y nada queda al azar. Pat Mills creador de Slaine para los más devotos o de Marshall Law aquí da rienda suelta a la imaginación, pero sobre todo destaco la maestría de Olivier Ledroit, con un dibujo para sacarse el sombrero.
DAve Solis
Flesh. Integral. Dolmen Editorial. 31,90€. Una de las series clásicas del cómic británico, plantea un futuro tan distópico como provocador: En el siglo XXIII, la mayoría de los animales se han extinguido y la humanidad sobrevive alimentándose exclusivamente de productos sintéticos.Sin embargo, el deseo de volver a comer carne auténtica impulsa a la Corporación Trans-Time a utilizar los viajes temporales para enviar a sus rangers hasta la prehistoria. Entre ellos se encuentra el vaquero Earl Reagan, encargado de capturar dinosaurios y trasladarlos al futuro para abastecer el mercado de carne. El problema es que estas presas prehistóricas no están dispuestas a convertirse fácilmente en alimento y la misión pronto se transforma en una lucha brutal por la supervivencia. La serie combina ciencia ficción, western, acción y crítica social con un sentido de la aventura desbordante y una imaginación visual muy característica.
2. El viento en las arenas. Nuevo Nueve Editores. 40€. Nueva aventura gráfica de Michel Plessix (tristemente fallecido demasiado joven) que continúa la magnífica adaptación de El viento en los sauces, el clásico de Kenneth Grahame. Los habitantes del Bosque Salvaje viven tranquilos hasta que Sapo es presa de un nuevo y desquiciado deseo de viajar. Arrastra a sus amigos Rata y Topo en un navío rumbo a África, donde deberán adaptarse a un entorno desconocido. Allí hacen amigos como el joven Samir y el guía fumador de kif, Ali. Sapo incluso se hace famoso en la medina gracias a su talento para contar historias en el mercado. La trama da un giro cuando ayudan a una anciana mendiga atacada por dos matones, quien les revela que en su pueblo natal, en medio del desierto, yace un tesoro insondable. Esta noticia no deja indiferente al avaro Barón Renacuajo, quien rápidamente encuentra un dromedario para adentrarse en el desierto en busca del tesoro.
Carlos Trujillo
FML 1.Astiberri. 29,00 €. Fuego, de Kelly Sue DeConnick y David López, mezcla adolescencia, música, misterio, humor y fantasía con una buena dosis de actitud punk. El volumen recopila los ocho números de la serie y nos presenta una historia en la que madres, hijos, secretos del pasado y un asesinato terminan cruzándose de una manera tan divertida como caótica. El dibujo de David López es puro dinamismo: expresivo, colorido y con una personalidad enorme. DeConnick, por su parte, construye personajes llenos de vida y una historia que sabe moverse con naturalidad entre el humor, el drama y la emoción. El resultado tiene una voz rebelde, descarada y muy personal. La serie fue nominada al Premio Eisner 2026 a mejor serie regular, y no cuesta entender por qué: es una lectura fresca, gamberra y diferente, de esas que entran como un buen riff de guitarra. Rock, misterio, familia y un poquito de caos. ¿Qué más se puede pedir?
2. NO/ONE. Norma. 39,50 €. Cuenta con los guionistas Kyle Higgins y Brian Buccellato, el dibujo de Geraldo Borges y Antonio Fuso y el color de Mark Englert, una auténtica pléyade de autores que se unen para ofrecernos una aventura llena de misterio, acción y sorpresas. Nos sumerge en un thriller oscuro donde misterio, corrupción, política y justicieros se mezclan en una historia construida a base de preguntas. Higgins y Buccellato convierten la identidad de NO/ONE en el eje de un misterio que juega constantemente con lo que sabemos y lo que creemos saber. El dibujo de Geraldo Borges, junto al trabajo de Antonio Fuso, aporta un tono dinámico y cinematográfico, mientras que los colores sombríos de Mark Englert terminan de envolver la historia en una atmósfera de auténtica novela negra. Porque NO/ONE quizá no sea un héroe, ni un símbolo, ni siquiera una única persona. Quizá sea la máscara que aparece cuando nadie parece dispuesto a hacer justicia.
Esto es todo por nuestra parte. Para que puedas seguir llenando tu estantería, consulta la lista de la compra de meses anteriores y las novedades de cómics y mangas.
Ya sabéis perfectamente de qué pie cojeamos por aquí, nos encantan las pelis, las series, los comics, nos pirra el rol y, joder, si nos ponen delante un buen librojuego de esos que te obligan a tomar decisiones peliagudas con un lápiz en la mano y el sudor en la frente, caemos rendidos antes de que nos den los buenos días, y más cuando tienes que tirar dados. Choose Grimm es lo último de Celaeno Books.
Olvídate de Disney, Vuelven los hermanos Grimm en su estado más salvaje y macabro
Si creíais que conocíais los cuentos clásicos gracias a las versiones edulcoradas, azucaradas y llenas de numeritos musicales de la factoría del ratón, quitáos esa idea de la cabeza ipso facto. Los creadores de aquella maravilla llamada Choose Cthulhu (los tíos de Celaeno Books) vuelven a la carga con una colección de librojuegos que rescata la esencia original, tenebrosa y sin anestesia de los cuentos de los hermanos Grimm.
Porque no nos engañemos: las versiones originales que recopilaron Jacob y Wilhelm Grimm no eran precisamente relatos para que los niños durmieran plácidamente antes de ir a la escuela. Estaban repletas de traiciones, finales trágicos, bosques oscuros donde te pasaban cosas horribles, brujas caníbales y decisiones morales donde elegir el camino equivocado significaba, literalmente, acabar convertido en el almuerzo de un ogro o maldito por los siglos de los siglos.
Tú eres el protagonista… y tus malas decisiones se pagan caras
Lo bonito del formato de librojuego que tan bien domina esta gente es que aquí el espectador pasivo desaparece por completo. En Choose Grimm, el destino de los personajes está en nuestras torpes manos. ¿Qué te metes por el sendero equivocado del bosque porque crees que es un atajo? Pues giro de página, sección 45, y a apechugar con las consecuencias (que probablemente impliquen perder una extremidad o caer en las garras de una maldición gitana). Y nos olvidemos que tenemos que crear hoja de personaje con ciertas habilidades que tambien dependen del azar, como tirar dados.
Este tipo de campañas en Verkami son las que de verdad merecen la pena apoyar. Ver cómo editoriales independientes apuestan por material físico de calidad, mimado al milímetro para los coleccionistas, con unas ilustraciones que quitan el hipo y ese formato coleccionable que da gusto ver alineado en las estanterías, es algo que los frikis de toda la vida debemos celebrar y financiar sin pensárnoslo dos veces.
Celaeno Books nos ha hecho muy feliz en los últimos años. Tienen el récord de recaudación de crowdfunding en libros y rol en Verkami. Os dejo aquí los últimos proyectos que hemos comentado en la web.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros las novedades de Dolmen Editorial, previstas para este mes de octubre. Este mes, la editorial mallorquina nos trae una de las series más aclamadas por el público español. Un integral que muchos veníamos reclamando para la Línea Albión: Flesh. Emblemática serie de 2000 AD.
Novedades Dolmen Editorial. Octubre de 2026.
Otro mes más, las novedades de Dolmen Editorial vienen pisando muy fuerte. Por eso tenemos que seleccionar las novedades que más nos llaman la atención. Todo ello desde un punto de visto subjetivo y parcial. No lo dudemos.
1.-Príncipe Valiente Integral: 1950-1957
Príncipe Valiente Integral: 1950-1957, de Harold R. Foster, reúne una nueva etapa de una de las grandes obras maestras del cómic clásico. Ambientada en el legendario mundo del Rey Arturo, la serie combina aventura, épica, historia y un dibujo de extraordinaria riqueza visual, manteniendo como ejes valores universales como el honor, la justicia, la amistad y el amor.
En este volumen, el Príncipe Valiente y la Reina Aleta amplían su familia con el nacimiento de las gemelas Karen y Valeta. Esta nueva situación obliga al protagonista a compaginar sus responsabilidades como comandante y emisario del Rey Arturo con su vida familiar, mientras se prepara para afrontar futuras aventuras lejos de Camelot.
La edición de Dolmen Editorial ofrece un cuidado volumen integral en tapa dura, de gran formato y 360 páginas, ideal tanto para los seguidores de Foster como para quienes quieran descubrir uno de los clásicos imprescindibles de la historia del cómic.
Flesh, una de las series clásicas del cómic británico, plantea un futuro tan distópico como provocador: En el siglo XXIII, la mayoría de los animales se han extinguido y la humanidad sobrevive alimentándose exclusivamente de productos sintéticos.
Sin embargo, el deseo de volver a comer carne auténtica impulsa a la Corporación Trans-Time a utilizar los viajes temporales para enviar a sus rangers hasta la prehistoria.
Entre ellos se encuentra el vaquero Earl Reagan, encargado de capturar dinosaurios y trasladarlos al futuro para abastecer el mercado de carne. El problema es que estas presas prehistóricas no están dispuestas a convertirse fácilmente en alimento y la misión pronto se transforma en una lucha brutal por la supervivencia
La serie combina ciencia ficción, western, acción y crítica social con un sentido de la aventura desbordante y una imaginación visual muy característica.
Este volumen recupera uno de los grandes clásicos de 2000 AD, creado por Pat Mills y dibujado por autores como Massimo Belardinelli, Ramón Sola y James McKay. Su edición integral permite redescubrir una obra salvaje, irreverente y llena de dinosaurios, que conserva toda la fuerza de los cómics británicos de los años setenta.
Publicado originalmente en el primer número de la revista, aparecido en febrero de 1977, Flesh resulta especialmente recomendable para los lectores interesados en la ciencia ficción más radical, la aventura pulp y las propuestas que mezclan entretenimiento con una mirada crítica sobre el consumo y la explotación de la naturaleza.
Y hasta aquí la selección de novedades del mes de octubre de Dolmen Editorial. Justo un poco más abajo, os dejamos el pdf completo con todo el catálogo de publicaciones, previstas para este mes. No olvidéis echar un detenido vistazo a los packs promocionales que presentan este mes,
Se ha estrenado en Netflix la miniserie El Problema Final que, basada en la novela homónima de Arturo Pérez-Reverte, cuenta a lo largo de sus cuatro episodios un enigma policial en el que José Coronado se pone en la piel de un actor que ha interpretado reiteradas veces a Sherlock Holmes y al cual le toca en la vida real resolver una misteriosa serie de crímenes como si fuera su propio personaje. La dirección corre a cargo de Félix Viscarret y el guión es de Alberto Macías, Carlos Molinero y Marisol Ferré.
Con cuatro décadas de producción literaria en su haber, Arturo Pérez-Reverte es uno de los autores más exitosos de la literatura española actual y también de los más adaptados, pues de sus más de treinta novelas, al menos una docena han sido llevadas a la pantalla. Sabiendo del inminente estreno en Netflix de El Problema Final, me embebí hace un par de meses en la lectura de la novela a fin de tener una visión más acabada.
Ya hablaremos de las diferencias con el libro, que no son pocas, pero la historia que se cuenta en la miniserie está ambientada en los cincuenta y tiene como personaje central a Benjamin Basil (José Coronado), un actor de cine en decadencia que ha conocido mejores días interpretando al legendario detective Sherlock Holmes en adaptaciones españolas muy clase B.
Este se halla viajando a bordo de un crucero turístico en cercanías de Mallorca cuando la inminencia de una peligrosa tormenta obliga al capitán a hacer parada en una pequeña isla ficticia llamada Santa Agueda (como el castillo que se halla en Menorca) y dejar de manera provisoria a los pasajeros en el único hotel que hay allí hasta que las condiciones permitan regresar por ellos.
El grupo queda pues aislado (literal) en un lugar donde ni siquiera hay energía eléctrica por la noche ya que el generador se apaga y además están incomunicados porque la tormenta ha inutilizado el aparato de radio del hotel. La señora Ausländer (Maribel Verdú), propietaria del mismo, busca no obstante tranquilizar a sus circunstanciales huéspedes diciéndoles que ya está trabajando en ello Gerard (Daniel Holguín), quien oficia en el lugar como técnico, barman y pianista.
El variopinto grupo incluye a un productor cinematográfico apellidado Fonseca (Gonzalo de Castro) y su joven pareja Vicky (Cristina Kovani), sexy actriz con aires de diva que presume de que Clark Gable le ha «tirado los tejos«.
También hay un matrimonio alemán de apellido Klemmer (Michael Stobbe y Yaiza Guimaré), así como una turista inglesa llamada Elisa (Paloma Bloyd) que viaja junto a su amiga española Adela (María Valverde) y, por último, al catalán Francisco Foxá (Martiño Rivas), novelista policial que escribe bajo seudónimo anglosajón y traba relación con Basil apenas conocerle.
Es un escenario propicio para el crimen, desde luego, y la trama se dispara cuando la mucama Catalina (Almudena Salort) encuentra yaciendo sin vida en el piso a Elisa con media cuerda al cuello y la otra mitad pendiendo de una viga, sin señales de que la habitación haya sido abierta desde afuera. Seruya (Pepón Nieto), médico del hotel, dictamina suicidio, pero hay muchas dudas y más aún cuando la cuerda desaparece.
Nadie conoce a la muerta salvo Adela que, de todas formas, solo es su amiga desde hace un par de meses cuando, viniendo ambas de fallidas experiencias matrimoniales, se encontraron por casualidad en París. No habiendo comunicación con la policía, Foxá convence a Basil de ponerse el traje de investigador y sacar a relucir el personaje que tantas veces interpretó en cine. Pero su entrada al caso hace que el asesino comience a tomar el asunto como un juego y los crímenes, obviamente, se seguirán repitiendo…
Diferencias con la Novela
Lo primero que se advierte en esta adaptación es una mayor “españolización”. Para empezar, el libro transcurre en cercanías de Corfú (Grecia) y no de Mallorca, del mismo modo que el personaje principal es inglés en lugar de español, siendo Basil su apellido y no su nombre, en claro homenaje a Basil Rathbone, uno de los más icónicos intérpretes de Sherlock Holmes en pantalla. Trocarlo en apellido es un poco artificioso, pero supongo que apunta a sacarse de encima el problema del acento.
También los pasajeros del barco han sido españolizados, y si bien los esposos Klemmer siguen siendo alemanes, en la novela el productor cinematográfico es italiano y la diva que lo acompaña albanesa. Y en el caso de Elisa, la primera víctima, se respetó su nacionalidad inglesa, pero no la de su amiga, que en el libro también lo es.
Sé que pueden parecer cambios superfluos o hasta banales, pero el carácter multinacional de los varados en la isla es lo que en la novela brinda a los crímenes un especial marco cosmopolita que permite incluso jugar con los preconceptos y esterereotipos sobre las nacionalidades: entre huéspedes y personal, el hotel es prácticamente un mostrario de la Europa de posguerra.
Pero allí no termina el asunto, sino que también la trama detectivesca se ve afectada por el cambio de nacionalides, pues en un caso específico, que no diré cuál es, hace que incluso pierda algo de sentido cierto detalle en la resolución final. Insisto: me llamo a silencio para no hacer spoiler…
La incomunicación de la isla, por otra parte, no se debe en la novela a que el aparato de radio esté dañado como aquí ocurre (por el contrario, se mantiene siempre funcionando), sino a que las malas condiciones meteorológicas no cambian y la policía está imposibilitada de llegar, lo cual tiene más verosimilitud que un barco dejando abandonados a sus pasajeros y olvidando después ir a buscarlos. En la miniserie ni vimos la tormenta…
Pero, por encima de todo, una de las cuestiones que más extraño del libro es el mayor protagonismo que allí asume Foxá, convirtiéndose en una especie de Watson que tiene con Basil una interacción permanente y mucho más rica, dando ello lugar a jugosos diálogos que constituyen claramente lo mejor de la novela por encima de la trama criminal.
Foxá es en la misma un personaje completo y casi tan importante como Basil, siendo especialmente importante su profesión de escritor de novelas pulp de bolsillo, algo que aquí no aparece tan claro, y parece más un turista con aires de dandy que otra cosa.
Por otra parte, y de algún modo relacionado a lo anterior, extraño también de la novela su parte de metaficción, la cual la convierte en mucho más que una mera historia de detectives, permitiéndose incluso homenajear o parodiar al género.
Ausente ello, la adaptación se convierte en un relato policial como tantos y puede parecer un intento por emular las clásicas historias de Agatha Christie como La Ratonera o Diez Negritos, e incluso con claras influencias estéticas de Puñales por la Espalda, filme también disponible en Netflix que ha tenido un par de secuelas y del cual pueden leer aquí nuestra crítica (la paleta de colores e incluso el póster remiten mucho).
Balance de la Miniserie
El Problema Final es un correcto thriller de misterio que permite disfrutar de una adecuada recreación de época, una buena fotografía y sólidas actuaciones, especialmente por parte de José Coronado, de quien su larga trayectoria y dos premios Goya a cuestas hacen innecesaria cualquier presentación. Y siempre es un gusto, asimismo, reencontrarnos con esa otra gloria del cine español que es Maribel Verdú, aunque más no sea encarnando a un personaje secundario.
En cuanto a Martiño Rivas, que ha tenido sin duda trabajos mejores, no termina de encajar como Foxá pero, como he dicho antes, tampoco es que el guion le permita desarrollar demasiado el personaje al volverlo insulso y despojarlo de todo lo que lo hace interesante en la novela.
Muy logradas y divertidas las escenas que abren cada capítulo y que muestran supuestos fragmentos de las películas de Basil en las que, como buen cine B, tanto él como los demás lucen hilarantemente sobreactuados. Es uno de los pocos ejercicios de metaficción que la serie se permite y quizás no hubieran venido mal uno o dos episodios más para que los usase con mayor frecuencia.
De todos modos, y como siempre digo, no se puede juzgar ni evaluar la serie que uno tiene en la cabeza o que a uno le hubiera gustado ver, sino la que en definitiva es. Y la realidad es que, para quien guste de los enigmas policiales del tipo whodunit con pequeños grupos de personas en situación de aislamiento, es una buena oportunidad de pasar un momento ameno y entretenido, pero no mucho más que eso y me queda, tras leer la novela, la sensación de que podría haberlo sido…
