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Películas en las que «YO» hubiese palmado del tirón

Bienvenidos a otro de esos artículos en los que el SEO se volverá loco ya que no sabrá como hacer llegar esta parida a mis cinco o seis lectores ocasionales.

El tema es que yo divago en ocasiones viendo la película de turno, y cuando me refiero a la película de turno me refiero a esa en la que sucede una calamidad y para salir del embrollo tienes que trepar una cuerda o saltar un metro de distancia porque hay un boquetazo. Los personajes de la película salen del atolladero y es ahí, en ese momento, cuando yo divago y digo en voz alta, «¡ya está, ahí la hubiera palmado yo, en el minuto uno. Adiós a mi participación en la película!».

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No me veréis dar ese salto, no…

Acompáñame pues a otro de esos artículos que salen de mi divagante cabeza. Del que os trajo «El árbol genealógico definitivo: Encontramos lazos de consanguinidad entre Conan, Curro Jiménez y… ¿¿El Fary??», llega Películas en las que «Yo» la hubiese palmado del tirón.

Recientemente vi una película que me gustó mucho, Fall. Dos chavalas subían a una torre de comunicaciones abandonada, de 600 metros de altura. Solo os diré que de lo bien hecha que está la película hubo un par de secuencias en las que me mareé por el vértigo que me produjo la escena. Así que imaginarse si me veo allí arriba, el pellejazo lo pego en cuanto miro hacia abajo. Adiós película.

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Hace ya unos años, allá por el 2000, vi Náufrago, con Tom Hanks de protagonista. Menudo papelón hacía. Ahora eso sí, el gachó que mal lo pasaba, normal, al final se hacía amigo de una pelota de voleibol, imaginarse. El protagonista estuvo cuatro años perdido en la isla. El caso es que yo en dicha isla no hubiera durado más de cinco días antes de morir por inanición pero es que antes de esos cinco días habría muerto de mil cosas, como por ejemplo de aburrimiento. Me considero una persona carente de habilidades en general y de supervivencia en particular, por lo que lo de cazar o pescar no estaría entre mis aptitudes. Además hay una escena que me llamó mucho la atención que es cuando el prota se mete un cascamazo en la boca para quitarse una muela que le provocaba unos dolores insoportables. Yo hago eso y me parto toda la boca. En fin que en Náufrago yo no hubiera llegado a la primera noche.

 

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EN CF: DIEZ MUERTES MEMORABLES DEL CINE


 

127 horas es el título de una película de Danny Boyle, en la que un tío va de loco a hacer escalada a pelo. Y pega una hostia buena quedando encallado su brazo en una roca. No hay forma de sacarlo y así se lleva 127 horas con el brazo que no quiere salir, lo que viene a ser cinco días y 7 horas con el brazo ahí escuajaringao. Al final va el tío y para salir se deja medio brazo ahí. Si partimos de la base de que nunca me veréis hacer escalada es difícil que me viese en esa tesitura, pero imaginarse que mi brazo va a parar ahí. Ya os digo yo que ni 127 horas. No se me conoce tampoco por mi gallardía para tomar la decisión del chaval protagonista, así que de ahí o salgo entero o me sacan en horizontal.

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Una película española reciente. Solo. Un surfero que va por el acantilado en la zona más inaccesible de la isla de Fuerteventura, se trastabilla y va cuesta abajo y sin frenos hacia una muerte segura. El tío sobrevive al pellejazo pero en la caída se parte la cadera y apenas puede moverse, luego la marea sube y se lo lleva. El caso es que es difícil que a mi me veáis andar por el borde de un acantilado (no es una de esas habilidades de las que os hablaba) pero si lo hiciese y cayese, lo haría con mucho menos estilo que el protagonista de esta historia y os garantizo que la palmo ipsofacto. De hecho este hombre sobrevivió gracias a que pudo dirigir más o menos el hostiazo del acantilado a las rocas. El caso es que si yo sobreviviese al carajazo no lo haría a la comedura de coco de saber que de ahí no salgo, y sin embargo nuestro protagonista gracias a esa comedura de coco logra sobrevivir.

¿Y qué me decís de Viven? Aquella en la que un equipo de rugby uruguayo universitario se la pegaba a bordo de un avión en la cordillera de los Andes.

Allí les tocó sobrevivir a dos inclemencias, la del frío y la del hambre. Por mi corpulencia ya os digo que la primera la podría tolerar más o menos con cierta dignidad, pero llegados a la segunda inclemencia… ahora que florecen los ofendiditos omitiré comentario morboso pero no se si sería capaz de comerme el pitraco de mi colega. Yo es que soy de en su punto con maduración de 60 días.

En Titanic, el barco choca con un enorme iceberg y toca sálvese quien pueda. Ya os digo que yo la palmo «der tirón» en cualquiera de las situaciones que se dan desde entonces. Pero hay una escena clave que es cuando el barco erecciona con la punta hacia arriba y los que pueden se agarran en lo más alto ¿Para qué?, sino logras agarrarte bien el pellejazo es de aúpa, pues imaginarse quien la hubiera espichao ahí. Luego en la tabla, pues no se, me considero un caballero, pero jopeta, de ahí a sacrificarme… el caso es que esa tabla es muy chica para mí… la hubiera palmao igualmente.

Y paro. Ha quedado meridianamente claro que no soy la mejor compañía para quedarse tirado en el Serengueti.

C2bt

 

Un saludo y sed felices.

Crítica de Spider-Man: Lotus (2023). Un fan film demasiado ambicioso

Muy buenas. Hoy vengo con una crítica un tanto peculiar. Vengo hablaros de Spider-Man: Lotus. Y muchos diréis ¿Qué es eso? Pues es un fan film que ha dado mucho de que hablar para lo bueno y para lo malo y que finalmente se estrenó ayer en Youtube. Yo ya lo he visto y os traigo la correspondiente crítica.

Un gran poder conlleva una gran responsabilidad.

El lema que Tío Ben incrustó en el alma de Spider-Man deberían de habérselo aplicado los creadores de este fan film que ha estado rodeado de mucha polémica. Tanto el director Gavin J. Konop como el protagonista Warden Wayne, se vieron involucrados en acusaciones por comportamientos ofensivos y discriminatorios. Se filtraron mensajes ofensivos y conservadores, de carácter racista, por los que ambos tuvieron que salir a disculparse.

Además el equipo de efectos especiales abandonó el proyecto en mitad del mismo ya que al parecer no estaban de acuerdo en la dirección que estaba tomando la película.

Y ya para terminar, jaleo con Disney y Marvel. En una campaña  de IndieGoGo  se recaudó 112.000 dólares, quedando claro que el 100% va destinado a la película para no generar beneficios y evitar problemas así de derechos de autor.

Finalmente la película se ha estrenado en el canal de Youtube del realizador. Ahora toca ver si tanto ruido y expectación cumplen con las expectativas.

Spider-Man: Lotus

Adaptando La muerte de Gwen Stacy y Spiderman Azul.

Spider-Man: Lotus adapta de una manera un tanto libre La muerte de Gwen Stacy y Spiderman Azul. El fan film trata pues temas como la pérdida, el dolor, la soledad y la redención. Temas habituales en los cómics del trepamuros.

Comienza el fan film con un prólogo ciertamente prometedor donde vemos a Spiderman enfrentarse a una banda de malhechores liderados por Shocker. No es un gran despliegue de efectos pero la escena para ser un film amateur es bastante resultona, nada espectacular pero salvable, si acaso el diseño de Shcoker y del propio Spiderman podrían ser mejorables.

No obstante hay varios problemas en este fan film a mi parecer. Y es que se pasa de ambicioso. Han querido emular las grandes producciones adaptando un relato dramático cuando les ha faltado actores que sinceramente conmuevan. El casting no se si será profesional, pero me ha parecido ciertamente flojo y evidentemente son los que llevan el peso de la cinta. A Spiderman vamos a verlo muy pero que muy poco, ya os aviso.

Aquí los protagonistas son Gwen Stacy, Peter Parker, MJ y Harry Osborn. Y la verdad es que tiene conversaciones alargadas hasta la extenuación en ocasiones. Hay una escena en un coche protagonizada por MJ y Harry que es excesivamente larga. Habla sobre la pérdida y la culpa, temas muy recurrentes en la película por lo que llega a cansar. Igualmente la escena más importante a mi juicio del film, la de Spiderman con un niño enfermo se hace tediosa al alargarse más de 25 minutos, intercalados con flashbacks, eso sí.


EN CF: Los 10 villanos más ridículos de nuestro amigo y vecino Spiderman


No obstante he de reconocer que la película me ha entretenido al conocer y reconocer la historia, es una correcta adaptación que con mejores interpretaciones y con una mayor aparición de Spiderman en acción hubiese convertido la película en notable.

Por lo demás, estamos ante una buena producción y con un Spiderman que luce realmente bien cuando sale en escena.

Spider-Man: Lotus

Consideraciones finales.

Spider-Man: Lotus es un fan film realizado con mucho cariño pero sus expectativas están por encima del resultado final. A la película, que dura 105 minutos, le sobra metraje, ya que el peso de la misma no está en la acción sino en los actores y no son precisamente grandes actores por lo que el supuesto drama se diluye. Además a Spiderman lo vemos casi siempre impertérrito, muy pocas veces en acción. El filme está dotado de una correcta factura técnica contando con un presupuesto de 112 mil dólares.

Bien es cierto que no es espectacular en lo que se refiere a la acción y se echa en falta una coregografía más atractiva que la del Shocker. Os dejo un video abajo donde podéis ver que con mucha imaginación y optimizando los escasos recursos se pueden hacer cosas muy molonas.

@0omarzaki

Spider-Man Video Game in Real Life 🎮 #spiderman #videogame #gaming #comic #cosplay #marvel

♬ original sound – Omar Zaki

Desde luego Spider-Man: Lotus es un interesante fan film pero los hay mejores a poco que busquéis en Youtube.Os dejo con la película.

Un saludo y sed felices.

 

El cómic de la semana: Spawn La Cruzada

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”Hoy destacamos Spawn La Cruzada. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Spawn La Cruzada, la serie regular mola mucho para todos los fans de los 90.

Y aquí estamos otra vez con otro cómic de Spawn, que tantas broncas me he ganado. ¿Cómo puedo catalogar Spawn como un gran cómic para entrar en la sección más importante de cómics? ¿Cómo puedo poner a Spawn en «El cómic de la semana»?

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Creo que muchas personas no valoran en su justa medida la serie de Spawn. En primer lugar tengo que decir que Spawn es la serie «independiente», fuera de Marvel y DC más longeva de la historia del cómic en Estados Unidos. Un récord que parece difícil de igualar porque en enero de 2024 llegará a los 350 números, y además no para, sigue acumulando meses para seguir su periplo hasta el más allá. Cuando superó la grapa 300, ya sumó más cómics que Cerebus, pero es que ahora está a punto de llegar a los 350 ejemplares, y parece lejos de acabar. Tan lejos, que actualmente tiene varios spin-off en marcha y todos gozan de bastante buena salud en Estados Unidos como Spawn Rey, Spawn Scorched, o Spawn GunSlinger.

Además, Spawn ha sido una serie muy bien tratada desde el principio por su autor Todd McFarlane. Desde su creación en los años 90, el dibujante, y luego escritor americano, no faltó ningún mes a su cita con los lectores, y además fue tirando de autores de renombre para ir construyendo parte de su universo. Autores como Neil Gaiman, Alan Moore, Frank Miller… Y con el tiempo, en estos casi 350 números ha ido contratando diversos guionistas y dibujantes, todos acordes al estilo de composición del universo barroco de Spawn para que todo tuviera una continuidad similar.

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Y Spawn tiene unas composiciones de páginas y unas viñetas que a veces es un batiburrillo, pero que lo compensa con esos dibujos que nos sacan los ojos de las órbitas. Y bien es cierto que Spawn es un cómic de peleas, de super-héroes en leotardos, un cómic palomitero. Pero aquí sigue, al pie del cañón y vendiendo como en los viejos tiempos. Con cambios de rumbo y de timón cada dos por tres. Lo que McFarlane hace es ir guiando su obra con nuevos guionistas. Rory McConville empezó su periplo en el tomo anterior en el llamado Spawn Zonas muertas, en el número 327 concretamente, y no solo sigue en este tomo, sino que en Estados Unidos continúa su labor. Parece que este escritor llegará al mítico número 350. Esto es un ejemplo más de como McFarlane contrata a escritores para determinados ciclos, mientras él maneja por detrás un plan maestro que dura ya desde los años 90.

Y al dibujo sigue otro talento de sus últimos fichajes, Carlo Barberi, un autor muy espectacular que aquí encaja a la perfección.

Y tengo que decir que esta nueva etapa de Spawn, con el escritor McConville tiene muy buena pinta, pero muy buena. Eso de que por un agujero temporal venga Hellspawn con un aviso alarmante no es algo nuevo, no es original, pero abre mucho interés. Y vaya que lo abre, pero de manera descomunal. Espero que esta saga siga hasta el famoso 350 y podamos seguir gozando de esta gran serie.

Espero que ahora entendáis porque defiendo a capa y espada esta serie que nos lleva amenizando mes a mes desde hace más de 30 años. Se que estamos ante una colección de superhéroes muy convencional, sin muchas pretensiones y a veces muy repetitiva, pero de vez en cuando tenemos giros de guion como en este tomo de Spawn La Cruzada, que nos hace seguir creyendo en el maestro Todd McFarlane.

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Otra aventura oscura del antihéroe de McFarlane.

Mientras Spawn todavía está intentando lidiar con los sorprendentes efectos de haber abierto un agujero temporal, aparece un Hellspawn del pasado con un aviso alarmante… Recopila Spawn #329-333

Debajo de estas líneas os dejo la portada de la edición española de Planeta Cómic y el enlace a la editorial pinchando aquí.

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Un saludo y sed felices.

Patinazo de Gal Gadot. DC Studios desmiente el regreso de la actriz en el papel de Wonder Woman

Hace nueve días os traía la noticia de que Gal Gadot iba a seguir siendo Wonder Woman. Os dejo el enlace a la noticia pinchando aquí.

“Me encanta interpretar a Wonder Woman”, dijo Gal Gadot. “Es tan cercano y querido para mi corazón. Por lo que escuché de James y de Peter es que vamos a desarrollar una ‘Wonder Woman 3’ juntos».

Wonder Woman

En mi artículo os decía lo siguiente:[sg_popup id=»474931″ event=»inherit»][/sg_popup]

«¿Pero se ha tirado Gadot a una piscina sin agua? Es raro que Gal Gadot continúe y que no lo haga Henry Cavill. Además recordemos que James Gunn dio el avance de lo que sería el Capítulo 1 (Fase Uno en el UCM) y no había rastro de Wonder Woman».

Pues en Variety se informa que los nuevos directivos de DC Studios se han desvinculado de las palabras de Gadot, aduciendo al plan que ya está en marcha y del que ya os hablé en este artículo. En el caso de Wonder Woman se habló de Paradise Lost, serie que Safran describió como una «historia tipo «Juego de tronos» y que está ambientada en la isla de Themyscira antes del nacimiento de Wonder Woman. Por lo que no se entiende las declaraciones de la actriz.

Se confirma pues el patinazo de Gal Gadot. La actriz tiene hoy en Netflix el estreno de una cinta de acción Agente Stone, fue en la promoción de este filme donde se le fue la lengua, no sabemos con cual motivación. Lo que si es cierto que el DCU que conocíamos está agonizando con el reciente fracaso en taquilla de The Flash y con Blue Beetle (este 18 de agosto) y Aquaman and the Lost Kingdom (25 de diciembre, aunque ya hablamos de que seguramente se posponga por la huelga de guionistas) como películas que no presagian una buena taquilla. Tras el estreno de Aquaman, este DCU será historia y veremos que nos ofrecerá el DCU de James Gunn.

Un saludo y sed felices.

El jardín de bronce (2017-2023) Serie de HBO Max.

En el mes de julio, HBO Max estrenó la tercera y última temporada de su serie original El jardín de bronce. Fue en el año 2017 cuando se estrenó la primera temporada de esta serie argentina, que con sus 8 episodios, recibió muy buenas críticas tanto por parte de los espectadores como por parte de los medios especializados. Prueba de ello es la puntuación que la serie tiene en IMDb, con un 7.8

Las tres temporadas nos traen historias llenas de intriga y también con mucha humanidad, algo con lo que el espectador empatiza en los primeros minutos de cada temporada. Protagonizada por Joaquín Furriel en el papel del arquitecto Fabián Danubio, un hombre al que la vida le cambiará por completo cuando su hija pequeña desaparece con tan solo cinco años de edad.

A continuación, voy a dejaros un pequeño resumen de cada una de ellas. Aviso: si quieres ver la serie, lee solo la sinopsis de la 1 temporada y guárdate este artículo para continuar leyéndolo cuando la hayas acabado.

El jardín de bronce

El jardín de bronce. 1 Temporada.

La primera temporada de El jardín de bronce se basa en la novela superventas de Gustavo Malajovich. Con ella empezamos a conocer a Fabián y a su familia: su esposa Lila (Romina Paula) y su hija pequeña Moira.

La pareja parece estar atravesando una crisis, pero ambos tienen interés en solucionarlo con el fin de mantener esa bonita familia que han creado. Todos esos problemas se vuelven en insignificantes cuando su hija desaparece cuando iba a la fiesta de cumpleaños de una compañera de colegio mientras la acompañaba la niñera.

En ese momento aparecerá en escena la detective Blanco (Julieta Zylberberg), encargada de llevar el caso, aunque sin mucho éxito. Por ese motivo, Fabián recurrirá a la ayuda de un experto detective que se dedica a buscar personas: César Doberti (Luis Luque).

Personalmente, creo que el personaje de César, sin ser el protagonista de El jardín de bronce, es uno de los puntos fuertes por los que hay que ver esta serie. El detective se convierte en una figura con la que es imposible no encariñarse. Sin duda una parte fundamental para atrapar al espectador.

Eso junto con la historia de desesperación de un padre que busca a su hija, consigue ganarse al espectador con el que poco a poco se va creando un vínculo que hace que no puedas dejar de mirarla.

El jardín de bronce. 2 Temporada.

Después del éxito de la 1 temporada de El jardín de bronce, los productores se propusieron volver a repetirlo, pero esta vez no tenían novela en la que basarse, así que les tocó crear un guion lo suficientemente sólido como para que fuera capaz de explicarnos el motivo por el que Fabián ‘volvía a la carga‘.

No fue fácil conseguir eso, pero lo cierto es que no lo hicieron nada mal. Nos pusieron sobre la mesa un motivo bastante fuerte por el que este padre de familia se metía de lleno a buscar a un joven desaparecido, Martín Cosme, al que su desesperada madre buscaba sin descanso.

Lo cierto es que esta 2 temporada, estrenada a mitad del año 2019, de El jardín de bronce ya no tiene esa fuerza de la primera. También ha perdido la capacidad de sorprender con una historia nueva, ya que se vuelve a repetir el recurso de la búsqueda de un joven desaparecido. Y además, la historia no tiene la misma capacidad de conexión que la de la niña Moira.

Pero, tampoco es un completo desastre. La serie entretiene, y te sumerge en una historia llena de intriga que se mueve entre el pasado y el presente otorgándole una viveza que contrasta con la historia personal de Fabián que parece atascada en un punto del que no es capaz de salir.

El jardín de bronce. 3 Temporada.

Esta última temporada de El jardín de bronce, estrenada en julio del 2023, regresa con una nueva dosis de suspenso y emoción. La trama se sitúa dos años después de la resolución del caso Martín Cosme, y sigue la reconstrucción de la relación entre Fabián y Moira (Maite Lanata), quienes intentan encontrar la estabilidad emocional luego de los eventos traumáticos que los marcaron.

Sin embargo, la inesperada aparición de un medio hermano de Moira pondrá a prueba la reciente paz que han encontrado. Además de Joaquín Furriel y Maite Lanata, la serie cuenta con la participación de destacados actores como Juan Leyrado, Jazmín Stuart, Alejandro Awada, Luis Ziembrowski, Belén Chavanne, Rafael Federman y Sofia Palomino, entre otros.

Además de esa trama más personal y dramática, aunque también tiene intriga y hasta un toque macabro, tendremos la historia de otra desaparición, o más bien de un secuestro: la nieta de un importante empresario argentino.

Todo se complicará cuando la niña no aparezca después de pagar el rescate. Por ese motivo, la madre desesperada acudirá a Fabián para que le ayude a encontrarla. Una historia con la que de nuevo el espectador empatiza desde el primer episodio, y que nos llevará al pasado para descubrir secretos que ni el paso de los años será capaz de enterrar.

Saludos y sed felices.

Círculo cerrado (2023) Serie de HBO Max

HBO Max estrenó en el mes de julio Círculo cerrado, la nueva miniserie del director Steven Soderbergh, con guion de Ed Solomon. Son solo seis episodios con una historia intensa donde el secuestro de un joven hará que salgan a la luz secretos de un pasado turbulento que clama venganza en el presente.

Zazie Beetz da vida a la cabezona y problemática agente Mel Harmony. La detective se encargará de un caso que esconde mucho más de lo que en un principio aparenta. El nieto de un adinerado y famoso cocinero, Jeff McCusker (Dennis Quaid), ha sido secuestrado, y aunque los secuestradores han pedido un rescate, en realidad el destino del joven no es el de conseguir dinero a cambio de su vida.

Detrás de este secuestro se encuentra una mujer poderosa y vengativa que maneja los hilos de una peligrosa organización criminal, Savitri Mahabir (CCH Pounder). Sus creencias, un tanto excéntricas, serán las culpables del origen de esta trama donde las supersticiones serán también protagonistas de la historia.

Círculo cerrado. Como dice la canción: todo arde si se aplica la chispa adecuada…

Y ¿por qué digo esto? Os explico: en Círculo cerrado, la vida del matrimonio formado por Sam (Claire Danes) y Derek (Timothy Olyphant) parecía perfecta. Los dos, junto con su único hijo Jared (Ethan Stoddard) llevaban una vida tranquila y apacible dedicados a sus trabajos y estudios.

Sam, es la hija del famoso Jeff McCusker y trabaja en la empresa familiar convertida en la gallina de los huevos de oro. La familia vive en un lujoso piso en Nueva York, y todo parece que les va sobre ruedas. Pero, alguien está más que dispuesto a que todo eso cambie, y en ese momento empezarán a destaparse historias turbias del pasado de la pareja que amenazarán con acabar con esa estabilidad que tenían.

Círculo cerrado

En Círculo cerrado, Savitri será la encargada de prender esa chispa secuestrando al hijo de la pareja. Este hecho delictivo nos llevará por una historia que va más allá de conseguir dinero pidiendo un rescate.

Pero no solo Sam y Derek se van a ver envueltos en esta historia truculenta. Por la otra parte tendremos la historia de tres jóvenes que buscan una vida mejor. Tres jóvenes con sueños e ilusiones pero con la mala suerte de haber nacido en un país donde está prohibido tenerlos.

Xavier (Sheyi Cole) y Louis (Gerald Jones) van a tener la suerte de poder salir de su país de origen, Guyana en sudamérica, gracias a una oportunidad que les ha conseguido Natalia (Adia), hermana de Xavier, que está viviendo en Nueva York desde hace unos años. Lo que ninguno de ellos sabe es que el precio que van a tener que pagar por perseguir sus sueños es tan alto que les va a impedir ser libres.

Ambos jóvenes se verán inmersos en la complicada y peligrosa vida que supone formar parte de la mafia guyanesa, capitaneada por Savitri. Ellos serán los encargados de llevar a cabo el secuestro del joven Jared, y también de cumplir las extrañas órdenes dadas por la mujer.

Círculo cerrado

Su plan para escapar de la pobreza y labrarse un futuro ha fracasado, y ahora se encuentran inmersos en una situación que no quieren y de la que van a intentar escapar lo más indemnes posible.

Desde aquí, te recomiendo que le eches un ojo a esta serie y nos comentes que te ha parecido. Personalmente, me ha entretenido la miniserie, aunque no será de esas que vaya a recordar por mucho tiempo.

Para terminar, os cuento que Círculo cerrado está parcialmente basado en una película japonesa del año 1963 titulada El infierno del odio, de Akira Kurosawa.

Fue Ed Solomon el que le llevó la cinta al director, y le propuso crear entre ambos una historia donde la moralidad de hacer lo correcto se mezclara con la realidad de la mafia guyanesa y el pasado lleno de secretos turbios. Un cóctel explosivo que podría arrasar con todo.

Tráiler de Círculo cerrado.

Saludos y sed felices.

Avance editorial Tengu Ediciones segundo semestre de 2023

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos el avance editorial de Tengu Ediciones, previsto para el segundo semestre de 2023.

Antes que veamos este nuevo plan editorial, quiero comentaros quiénes son Tengu Ediciones.

Los amigos de Tengu Ediciones, son unos enamorados del noveno arte que han decido constituir una editorial que se preocupa por el entorno natural.

Tengu

«El nombre de nuestra editorial toma su nombre de los Tengus. Los Tengus son seres mitológicos de la cultura japonesa los cuales eran considerados deidades maestras del arte del combate y protectores de la montaña y bosques en donde vivían.

Con este espíritu nace Tengu Ediciones, con un afán de tutela, difusión y divulgación del noveno arte, así como una preocupación por nuestro entorno natural, que al igual que los Tengus deseamos proteger».

Tengu

Los amigos de Tengu Ediciones apuestan por un modelo de desarrollo sostenible. Utilizan procesos y materias primas sostenibles y ecológicos, que permiten no solo cuidar nuestro planeta sino mejorarlo, como, por ejemplo, el uso de papeles certificados FSC que gracias a ello se ha podido repoblar la gran mayoría de los bosques del norte de Europa.

Sus publicaciones se centrarán en el cómic europeo, americano y manga.

Simplemente por su planteamiento, se merecen tener éxito en su viaje. Y para ello, tendremos que acompañarles.

Tengu Ediciones. Avance editorial del segundo semestre de 2023

Tengu
Disponible desde el 13 de junio de 2023

Una vez hemos comentado quiénes son los amigos de Tengu Ediciones, me gustaría que echéis un ojo, no solamente al avance editorial del segundo semestre, sino también a su fondo editorial (aquí).

Abajo del todo, os dejamos el pdf completo con todo el plan editorial del segundo semestre del año.

Os aseguro que disponen de títulos muy, muy interesantes. Echad un ojo, disfrutad y …

¡Sed Felices!

 

Ya se ha estrenado la primera película de Kevin Spacey tras su absolución judicial. Tráiler y fecha de estreno de Control (2023)

Tras salir la noticia de la absolución judicial de Kevin Spacey por nueve cargos de agresión sexual, muchos son los que opinan que, independientemente del veredicto, su carrera como actor está acabada o, al menos, no va a volver a las producciones que antes solía protagonizar.[sg_popup id=»474931″ event=»inherit»][/sg_popup]

Sin embargo, algunos han contado con el actor mientras se encontraba (aún lo está) vetado por la industria. Es el caso de Gene Fallaize, director cuya carrera desconozco pero que contó con Spacey mientras preparaba su juicio en Londres para Control, su próxima película, de la cual se ha estrenado tráiler y fecha de estreno: el 15 de diciembre. Todo justo después del veredicto de inocencia.

Fallaize no ha contado con el físico de Spacey, sino con su voz, ya que interpreta a un misterioso individuo que controla el coche de la ministra de interior, quien vuelve de tener un encuentro extramatrimonial con el primer ministro inglés.

Aunque la película cuenta con actores prácticamente desconocidos, la presencia de Spacey probablemente haga que Control acapare más visionados. Al respecto de este asunto, el director ha defendido a capa y espada a Spacey, definiéndolo como un tipo muy tranquilo y que la justicia ha hablado a su favor.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Crítica de Shin Masked Rider (2023), del creador de Evangelion

Shin Masked Rider es el último proyecto de Hideaki Anno, que no solo marcó a más de una generación con su Neon Genesis Evangelion, sino que también ha estado detrás de dos reinterpretaciones de iconos japoneses de gran impacto cultural: Shin Godzilla, en la que el monstruo atómico se convertía en una alegoría del accidente de Fukushima, y Shin Ultraman, en la que firma un guion donde se presenta de nuevo a uno de los superhéroes japoneses por excelencia. Sí, uno de los héroes superpoderosos más populares del país del sol naciente junto a otros grandes como Astroboy, Sailor Moon, los Power Rangers originales… y Kamen Rider.

En esta ocasión traducido inexplicablemente como Masked Rider, este personaje fue creado a principios de los años setenta por el mangaka Shotaro Ishinomori, el creador de cómics más prolífico de la historia. Su serie tuvo tal éxito que ha contado con numerosas secuelas, spin-offs y reboots que siguen produciéndose a día de hoy. Pero, por supuesto, Hideaki Anno tenía que darle su propio toque a esta franquicia, y la mente detrás de uno de los animes más deprimentes de todos los tiempos no podía limitarse a actualizar las heroicas aventuras de Kamen Rider.

Shin Masked Rider: El origen

Takeshi ha perdido la memoria y no se reconoce dentro de un cuerpo con asombrosos poderes. Está confuso y solo un viejo científico podrá revelarle la verdad: su situación actual es culpa de la malvada organización SHOCKER, que ha creado a numerosos ciborgs con el objetivo de dominar el mundo. Este mismo colectivo intentará acabar con el doctor y su hija.

Shin Masked Rider

Tras la muerte del científico, Takeshi se convertirá en Masked Rider, un superhéroe que dará caza a los miembros más relevantes de la organización e intentará salvar al mundo de un plan bienintencionado que, sin embargo, podría suponer el final de la raza humana.

Los superhéroes del futuro deberían ser así

Shin Masked Rider es, en general, una buena puesta al día del personaje y, más importante aún, una película de superhéroes entretenida y con personalidad. Su creador no es ajeno a las historias de aventuras y sabe narrar con ritmo y garra, sin que en ningún momento resulte pesada. A lo largo de la cinta, con una estructura episódica poco habitual en los exponentes cinematográficos del género, Kamen Rider se va encontrando con versiones actualizadas de los enemigos originales del manga y la serie, en enfrentamientos únicos que serán su bautismo de fuego como héroe inexperto.

El filme tiene una identidad visual única y no le cuesta destacar frente a las adaptaciones en imagen real de superhéroes norteamericanos, que desde hace tiempo están cortadas por el mismo patrón. Aquí, gracias a una dirección y un montaje magistrales, el director consigue aunar las sensibilidades modernas con el tokusatsu más añejo, supliendo la falta de medios multimillonarios con recursos muy imaginativos y un gran diseño de personajes. Y, por supuesto, la cinta también se toma su tiempo en explorar las inseguridades de sus protagonistas, que por momentos parecen insignificantes frente a un enemigo inabarcable.

Esta reimaginación de Kamen Rider es una buena hoja de ruta para las películas de superhéroes que quieran alejarse del modelo estandarizado que impera en la actualidad, pero no está exenta de fallos graves que la ponen varios escalones por debajo de la intachable Shin Godzilla. En primer lugar, en su afán de homenajear a la serie original de los setenta, Hideaki Anno introduce a demasiados personajes y no todos acaban teniendo el protagonismo o interés que merecen. Asimismo, algunas situaciones (como la alianza de los protagonistas con la Policía) se dan con una rapidez pasmosa y poco creíble.

Shin Masked Rider

Pero el mayor pecado de la película sucede en su tercio final, cuando comprobamos que nos han colado un remake de Neon Genesis Evangelion: el plan del villano no solo es calcado al de los antagonistas de esta serie, sino que hasta los cadáveres se disuelven de un modo similar al del Tercer Impacto.

Esto no sería tan sangrante si Hideaki Anno no hubiera completado hace poco sus películas de Evangelion, lo que debería haber cerrado la saga. Comprendemos que un autor tenga unas obsesiones concretas, pero esta reiteración tan poco inspirada convierte a Shin Masked Rider en una nota a pie de página sin nada novedoso que decir.

Conclusión

Aunque la película tiene sus problemas, supera holgadamente a muchos largometrajes de superhéroes hechos por encargo, de manera mecánica. Esta cinta imperfecta ha surgido desde el corazón y las entrañas, por parte de un creador que ya no tiene que responder ante nadie, y hasta aquellos neófitos en el universo de Kamen Rider la podrán disfrutar de manera independiente. Se encuentra disponible en Amazon Prime Video, en japonés subtitulado.

Crítica ‘Sound of freedom’ (2023) | ¿Merece la pena ver esta controvertida visión de la trata de niños?

‘Sound of freedom’ de Angel Studios puede ser la cinta más polémica de este 2023, quizás debido a eso (o no) lleva recaudado 166 millones de dólares (solo en EE.UU) a la hora de escribir esta crítica.  Sean cuales sean las controversias alrededor del filme de Alejandro Gómez Monteverde, aquí solo voy a entrar a valorar su obra como propuesta cinematográfica.

Aquí os dejo el tráiler de ‘Sound of freedom’ antes de entrar en materia.

La sinopsis de esta película nos mete en la piel de Tim Ballard, que es un agente federal que abandona su trabajo para combatir el tráfico global de niños. Tras rescatar a un niño, se embarca en una arriesgada misión para liberar a su hermana y a otros inocentes de ese infierno. Basada en hechos reales, esta historia revela los horrores del tráfico de niños y destaca el valor y la dedicación de quienes luchan por proteger a los más vulnerables.

Tengamos en cuenta que ‘Sound of freedom’ es una película de muy bajo presupuesto para lo que nos tiene acostumbrados Hollywood, ya que el coste ha sido de 14,5 millones de dólares y su campaña de marketing ha sido casi nulo, por parte del estudio. Así que con la cantidad que lleva actualmente ya la podemos catalogar como éxito al haber multiplicado por nueve lo invertido.

El guion no es el más novedoso que nos vayamos a encontrar en las salas de cine, pero es lo suficientemente efectivo (y en algunos momentos efectista) como para mantenernos pegados a la pantalla con las situaciones en las que se ve involucrado Tim Ballard (Jim Caviezel).

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Su mayor virtud es lo directo de su trama y, en algunos momentos, muy contundente sin llegar a ser muy cruda ni explicita.  Esto último es entendible, ya que cuando se tratan temas tan sensibles en el cine como es la violación de los derechos humanos y la trata de niños, hay que andar con pies de plomo para que esa visibilización no se convierta en algo zafio.

‘Sound of freedom’ consigue mantenerse a este lado de esa línea, personalmente ‘Cuties’ de Netflix no lo hizo.

Como he mencionado, la cinta de Gómez Montever está basada en hechos reales alrededor de la figura de Tim Ballard y de su trabajo para acabar con las redes de tratas de niños. No conozco la historia, así que no voy a entrar a valorar su similitud con la vida real, lo que si es cierto es que hay momentos de la trama en la que todo se trata de forma muy acelerada y algo atropellada.

Sí, es positivo que sea directa, pero son muchas las situaciones en las que se ve involucrado el personaje principal y sus compañeros que se resuelven de manera poco orgánica. Como todo lo que tiene que ver con la llegada al poblado rebelde.

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La cinta posee muy poca acción, pero se lleva a cabo de una forma digna, no brilla pero tampoco desluce. Una película del montón en ese aspecto.

Jim Caviezel es un actor por el que siento predilección desde que lo vi en ‘La pasión de Cristo’ o su papel de impertérrito de John Reese en ‘Person of Interest’. Su interpretación es convincente y trasmite ese peso que cae sobre su personaje sin aspavientos ni sobreactuaciones, creo que junto a Bil Camp, son lo mejor de ‘Sound of Freedom’.

Camp interpreta a Vampiro un villano reconvertido en alguien que lucha, al igual que nuestro protagonista, por liberar a los niños de estas redes.

La química entre ambos actores es un punto bastante sobresaliente y hace que sean creíbles sus motivaciones y los diálogos que hay entre ellos.

También tenemos a Mira Sorvino en el papel de Katherine Ballard, la esposa de Tim, y me ha dolido ver a esta actriz en un papel muy terciario, con un par de minutos en pantalla. Eso ha sido desaprovechar a esta intérprete. Haber explotado el sufrimiento de esta esposa al ver que su marido arriesga su vida habría dado más profundidad a la trama y al personaje.

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La factura técnica del filme es bastante buena para el presupuesto que ha manejado y en ningún momento parece una producción de Asylum o una de esas películas de las tardes de fin de semana de Antena 3. Se ha exprimido cada dólar que se ha invertido.

Conclusión

‘Sound of freedom’ es una cinta bastante resultona que habría pasado sin pena ni gloria por las salas de cine o por las plataformas de streaming si no fuese por todo lo que la está rodeando.

Es cierto que se nota su bajo presupuesto y no han podido darle toda la textura que tiene ‘Traffic’, de Steven Soderbergh, y que tampoco tiene el saber hacer de este cineasta. El mayoría de su metraje se siente demasiado convencional, aunque con algún momento destacable.

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El desarrollo de los personajes secundarios es muy limitado. Con excepción de Tim Ballard y Vampiro, no profundiza mucho en los otros roles y se quedan muy planos y casi en anecdóticos.

‘Sound of freedom’, dentro de ser una película relativamente sólida, se le podría criticar cierto exceso de convencionalismo y de momentos que buscan la lágrima fácil y que no termina de explotar al máximo la potencia dramática de la historia real en la que se basa.

Aquí os dejo el tema principal de la banda sonora llamado ‘Sound of freedom’ de Justin Jesso:

Un saludo y sed felices.

Tráiler de The Continental, la serie precuela de John Wick

Ya tenemos el tráiler oficial de The Continental, la serie precuela de John Wick.

The Continental se ha calificado como «evento de tres noches» y debutará en el servicio de streaming Peacock en Estados Unidos a partir del 22 de septiembre. Los siguientes capítulos se emitirán el 29 de septiembre y el 6 de octubre. Para el resto de los mortales, podremos ver la serie en Amazon Prime Video.

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La serie estará ambientada en Nueva York en los años 70. Veremos una versión joven de Winston Scott, quien ahora estará interpretado por Colin Woodell y veremos sus comienzos en el inframundo hasta llegar a ser el gran dirigente del hotel The Continental en Nueva York.

Además de Colin Woodell, otros actores de esta serie son: Mel Gibson, Ayomide Adegun, Ben Robson, Hubert Point-Du Jour y Jessica Allain.

Os dejo el tráiler.

Un saludo y sed felices.

Zom 100: Cien cosas que quiero hacer antes de convertirme en zombie

El 3 de agosto, Netflix, estrenó la película japonesa Zom 100: Cien cosas que quiero hacer antes de convertirme en zombie. Se trata de una adaptación a live action del anime homónimo que está triunfando entre los fans de este género. A su vez, está basado en un manga del que te dejo por aquí un enlace por si quieres verlo, y que está creado por Haro Aso, guionista de Alice in borderland, y Kotaro Takata.

Zom 100: Cien cosas que quiero hacer antes de convertirme en zombie. Manga online.

La película está protagonizada por Eiji Akaso, como el joven Akira; Mai Shiraishi como Shizuka; Shuntarô Yanagi como Kenichiro y Kazuki Kitamura como Gonzo.

Tenía curiosidad por ver este live action, supongo que a muchos nos habrá pasado, teniendo en cuenta que a finales de agosto llegará la adaptación de anime más esperada de los últimos tiempos: One piece. Lamentablemente Zom 100 se queda muy por debajo del anime y del manga que adapta.

Está claro que nada tienen en común ambas adaptaciones, pero como la experiencia con este tipo de live actions ha tenido una tendencia tirando a catastrófica, es imposible no pensar en por qué Netflix hace estas cosas, repitiendo los errores una y otra vez; y también pensar en si también los repetirá en One piece.

Zom 100: Una adaptación que se queda corta.

En este punto creo que hay que hacer una pequeña separación entre los que están viendo el anime, y los que no sabían nada ni del anime ni del manga. Esto lo digo porque es muy posible que a todos aquellos que acaban de descubrir Zom 100 esta historia les guste. Pero sin embargo, si ya conocías sus anteriores versiones, esta película te va a decepcionar.

Es muy difícil adaptar un manga/anime con la historia tan particular que tiene Zom 100. Esta historia de terror y comedia es un viaje de descubrimiento que con una típica lista de cosas a hacer nos lleva a un cliché bastante tópico de la vida: un Carpe diem como la copa de un pino.

Todos sabemos qué debemos vivir más allá de este estado de piloto automático que todos tenemos encendido, pero parece que no abrimos los ojos hasta que no pasa una desgracia. En el caso de Akira, esta desgracia fue una ‘invasión zombie‘.

Zom 100: Cien cosas que quiero hacer antes de convertirme en zombie

Esa nueva vida contra la que choca Akira está narrada perfectamente tanto en el manga como en el anime, pero en la película no tanto. Y eso que tendremos unos primeros minutos en que sigue fielmente la narrativa del manga, pero pronto tiene que pasar a aumentar velocidad, y eso hace que se pierda esa visión del nuevo mundo, e incluso que se desvirtúen algunas escenas.

Ese será el momento en el que el joven decidirá hacer todo lo que siempre había querido hacer pero que nunca se atrevió, creando una lista que irá tachando poco a poco conforme vaya cumpliendo sus deseos. Todo ello mientras se dedica a huir de unos zombies bastante más rápidos de lo que solemos ver, que imprime acción a esta comedia dramática.

El primer problema que tiene la cinta es su formato. Una película no tiene suficiente tiempo para hacer un desarrollo de unos personajes como los que nos presentan en Zom 100, y por eso el joven Akira se convierte en una caricatura mucho más marcada que incluso en el manga.

El segundo problema es que el espectador simplemente debe tener fe y creer en unos cuantos sin sentido que nos presentan y que no tienen ni pies ni cabeza. Eso unido a una serie de situaciones que tanto en el manga como en el anime no suceden del mismo modo, descolocan al espectador que ve la película pensando que adapta el anime. Es decir, que estamos ante una versión libre aprobada por los mismísimos creadores del manga y del anime, que han dado su okay a estos cambios, ya que han colaborado en la película. Bueno es saberlo.

Zom 100

Y así es como llegamos a ese final donde nos deja con la sensación de haber visto una historia incompleta y que no sabemos bien si queremos seguir conociendo o dejarla así quieta. Supongo que a Netflix le habrá pasado lo mismo y estará esperando sus números para saber si hace una segunda o incluso una tercera parte de Zom 100. ¡Quién sabe!

Si estás viendo el anime, mi recomendación es que no veas la película y que sigas disfrutando de esa sangre de colores acompañada por una historia y unos protagonistas muchísimo más interesantes que los de la adaptación de Netflix.

Y si no has visto el anime, te recomiendo que le eches un ojo para que puedas entender el motivo por el que Zom 100: Cien cosas que quiero hacer antes de convertirme en un zombie, no es una buena adaptación.

Qué dice Netflix de Zom 100: Cien cosas que quiero hacer antes de convertirme en zombie.

Akira Tendo (Eiji Akaso) trabaja en una empresa explotadora en la que sufre una jornada interminable, abuso de poder por parte de su jefe y la asignación de tareas absurdas. Se pasa la vida sintiéndose más muerto que vivo. Una mañana, los zombis invaden la ciudad y su familiar paisaje queda devastado.

Ante tal destrucción, Akira grita de alegría por no tener que volver nunca más a la oficina. Haciendo gala de su optimismo innato, escribe una lista de las 100 cosas que quiere hacer antes de convertirse en un zombi, entre las que se cuentan limpiar su casa y acampar en el balcón. Y se dispone a cumplir la lista al pie de la letra.

Tráiler de Zom 100: Cien cosas que quiero hacer antes de convertirme en zombie.

Saludos y sed felices.

Crítica de Superman: La era espacial

Superman: La era espacial es uno de esos cómics que pone al Último Hijo de Krypton en una situación extraña, en una de esas historias que no podría contarse dentro de la continuidad oficial de DC. En este sentido, hemos visto al Hombre de Acero en contextos de lo más disparatados, desde la Edad Media hasta la Guerra de los Mundos, sin olvidar aquella vez en la que se convirtió en el monstruo de Frankenstein. Los Elsewords, o historias situadas en un universo alternativo, son irregulares sin remedio, con una gran cantidad de morralla y unas pocas obras excelentes.

Por suerte, esta creación de Mark Russell y Mike Allred es de las segundas. Así que solo queda volver a ese concepto tan de moda, el multiverso, y visitar al Superman de una realidad que lo necesita más que nunca.

Superman: La era espacial

Como sugiere el título, la historia se sitúa en los años sesenta del siglo pasado, la era de la carrera espacial y también la era en la que el editor Mort Weisinger y creadores de la talla de Otto Binder o Curt Swan acabaron de dar forma al Superman que conocemos hoy en día. Pero el tono de aquellas historias solía ser blanco y optimista, y este no es el caso aquí.

En Superman: La era espacial, Clark Kent inicia su andadura como superhéroe a principios de los sesenta, en un mundo todavía condicionado por la Guerra Fría y la amenaza constante de aniquilación nuclear. Siguiendo los consejos de un padre curtido por la Segunda Guerra Mundial, se convertirá no solo en el protector de Metrópolis, sino del mundo.

Superman: La era espacial

Sin embargo, hay un momento clave que diferencia a este Kal-El de todos los demás, y es su encuentro en un bar con un hombre misterioso llamado Paria, que le asegura que una fuerza conocida como el Antimonitor está destruyendo una gran cantidad de universos y que el suyo acabará aniquilado sin remedio. ¿Cómo hará frente a esta revelación? ¿Podrá salvar a la humanidad?

El Hombre del Mañana… y del ayer

Mark Russell es un guionista que se ha granjeado muy buenas críticas durante los últimos años, modernizando Los Picapiedra y contando otra historia alternativa, en esa ocasión de Los Cuatro Fantásticos. Por supuesto, el dibujante Mike Allred no necesita presentación, ya que tiene en su haber cómics como Madman, X-Statix o el Estela Plateada de Dan Slott. En resumen, este prestigioso equipo creativo amerita al menos la curiosidad de cualquier aficionado al género, por mucho que la idea parezca trillada.

No es ningún secreto que DC ha contado el origen de Superman en tantas ocasiones que ya resulta repetitivo, pero estos dos creadores se las arreglan para darle un giro: desde el comienzo, sabemos que este no es el comienzo de una nueva franquicia ni un intento de modernizar al personaje, todo lo contrario. Este es uno de los muchos universos destruidos durante la Crisis en Tierras Infinitas original, con lo que ya sabemos cuál será su final. Solo nos queda conocer cómo un héroe tan icónico como este hace frente a una tarea imposible.

Superman: La era espacial

A lo largo de esta epopeya, veremos cómo se forma la Liga de la Justicia para hacer frente a versiones más oscuras de los villanos clásicos de DC, que ahora representan algunos de los miedos de la época (que no podían tratarse por culpa del código de autocensura que entonces imperaba) y algunas preocupaciones más propias de la sociedad contemporánea. Russell ya ha tratado temas sociales en otros cómics, y aquí vuelve a hacerlo con acierto.

Sin embargo, el eje central de esta obra es más universal. Aunque con una perspectiva que se acaba revelando más optimista de lo que parece, no desentona con géneros como el horror cósmico o con las predicciones apocalípticas provocadas por el avance de las nuevas tecnologías. ¿De qué sirven los superpoderes cuando se hace frente a una amenaza imbatible? ¿De qué sirven nuestras habilidades cuando una bomba nuclear o las condiciones atmosféricas pueden barrernos en un segundo? Ver a un icono tan indefenso frente a las circunstancias es descorazonador, pero nos permite empatizar como casi nunca antes con el Hombre del Mañana.

Pero, por supuesto, estamos hablando de Superman. Qué sería de Superman si se rindiera.

Conclusión

Superman: La era espacial nos devuelve a una de las etapas más icónicas del personaje para contar no solo esas historias que la censura impidió que se contaran cuando tocaba, sino para mostrarnos cómo reacciona un héroe intachable cuando no puede ganar. Recuerda poderosamente a La muerte del Capitán Marvel, pero tiene una identidad propia que la hace irresistible.

 

Cómics. La lista de la compra del mes de agosto de 2023

Bienvenido un mes más a vuestra sección preferida. Como todos los meses, os dejamos dos cómics recomendados por crítico que salen a la venta este mes en España. Espero que os puedan sacar alguna duda y que os podamos guiar con alguna joya. También os recuerdo que es nuestra opinión personal y puede no coincidir con la vuestra. Allá vamos con La lista de la compra del mes de agosto de 2023.

La lista de la compra de cómics de meses anteriores

Juanjo Avilés

  1. Gotham City: Año Uno. ECC Cómics. 26 euros. Tom King y Phil Hester nos ofrecen una historia de género negro ambientada en el Gotham de hace décadas, cuando la ciudad no era el pozo de depravación y criminalidad que es ahora. Usando como protagonista al detective Slam Bradley, los autores nos cuentan una historia en la que investigará la desaparición de la pequeña heredera de la familia Wayne tras “el secuestro del siglo”, un secuestro que tendrá repercusiones en el presente cuando la historia llegue a oídos de Batman. Tom King contando una historia de detectives con los lápices de un genial Phil Hester, cuyo estilo parece hecho para el género negro… ¿qué más se puede pedir?

gothamcity

2. Guardianes de la Galaxia 1. Panini. 3.80 euros. Comienza aquí la nueva etapa de Los Guardianes de la Galaxia en la que sus guionistas, Jackson Lanzing y Collin Kelly, han decido apostar por un tono de western espacial que me parece de lo más acertado. Ha llegado la hora de conocer a sus nuevos miembros y saber si podrán volver a ser por lo menos un atisbo de los héroes que fueron. Todo con el dibujo de un Kev Walker que ofrece uno de sus mejores trabajos y que logra que esa ambientación de western luzca espléndida.

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Mario Losada

  1. Obras Maestras Marvel. El Invencible Iron Man de Michelinie, Romita Jr. y Layton 2 de 3. Panini Cómics. 42 euros. Posiblemente… La mejor etapa de Iron Man en su historia, sin el posiblemente. Y además con diferencia. Además, este segundo tomo puede ser el mejor de todos. El primero aún renqueaba de la etapa anterior y se tuvo que ir ajustando a la nueva saga y los lápices del maestro Romita Jr junto a Layton aún no se habían compenetrado. Sin embargo, aquí alcanza su cúspide y máximo esplendor.

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2. Marvel Héroes. El Increíble Hulk de Peter David 4. Fantasmas del pasado. Panini Cómics. 60 euros. La etapa de Peter David en Hulk continúa y seguimos en su periplo dentro del Panteón, que según mis cálculos debería acabar en el tomo 5. Pero Peter David seguirá en la serie varios tomos más. Aún así, creo que este es uno de los mejores a nivel gráfico con el final de Dale Keown y el principio de la etapa de Gary Frank a los lápices. Una maravilla que debería gustar a todo hijo de vecino.

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Máximo Simancas

  1. Batman: El detective. ECC Cómics. 23 euros. En esta historia ambientada en el futuro, Tom Taylor y Andy Kubert sacan al Caballero Oscuro de su zona de confort para hacerle viajar por el mundo. ¿El motivo? El accidente de un avión que parece estar relacionado con el álter ego de Bruce Wayne.

batman el detective ecc las cosas que nos hacen felices

2. Junji Ito, Terror despedazado. Hellstar Remina. ECC Cómics. 11,95 euros. Hellstar Remina es una de las obras más representativas de Junji Ito, un maestro indiscutible del cómic de terror. En ella, un astrónomo nombra a un cuerpo celeste como a su hija… pero, cuando este cuerpo celeste se acerca peligrosamente a la Tierra, esto hará que las masas enfurecidas y paranoicas se vuelvan contra ella. Se trata de un excelente cómic de horror cósmico que merece la pena redescubrir en una edición económica, con uno de los monstruos más aterradores del Noveno Arte.

hellstar remina las cosas que nos hacen felices

DAve Solis

  1. Go West Young Man. Norma Editorial. 32 euros. Para un aficionado al western como yo, esto ha de ser una visita obligada. El guionista Tiburce Oger se une a una amplio listado de dibujantes de primer nivel y nos narra la historia de la conquista del viejo oeste americano. Tendremos catorce historias realizadas por otros tantos dibujantes de la categoría de Ralph Meyer, Marini, François Boucq … Que nos narrarán un far west más cercano a la cruda realidad y nada semejante a las antiguas películas del gran John Wayne. Como ya he dicho, visita obligada para cualquier aficionado.

cómics

2. Rocketeer. Aventuras. Moztros. 19,90 euros. Rocketeer es la gran obra del autor Dave Stevens. Desgraciadamente, Stevens dejó este mundo demasiado pronto y tuvimos muy pocas historias de este gran personaje pulp. En este tomo, tendremos la interpretación de este grandioso personaje a los ojos de importantes autores como  Mark Waid, Kurt Busiek, John Cassaday, Dawyn Cooke, Dave Gibbons, Mike y Laura Allred, Bruce Timm, John Arcudi, Tommy Lee Edwards, Scott Hampton, etc. No podré resistirme a esto. Tengo que ir a por ello.

cómics

Esto es todo por nuestra parte. Para que puedas seguir llenando tu estantería, consulta la lista de la compra de meses anteriores y las novedades de cómics y mangas.

¡Cualquier aportación y/o sugerencia a comentarios! ¡Muchas gracias! ¡Nos leemos!¡Un abrazo!