‘Hanan y Genji’ son la pareja protagonista de este cómic publicado por Sallybooks y realizado por Roberto Corroto y Julia Ceja. Una historia que nos mete de lleno en el folclore japonés manteniendo una trama juvenil que puede ser una muy buena entrada al mundo del cómic independiente para los más jóvenes de la casa.
Hanan y Genji son dos hermanos con una misión: encontrar a Sojobo de Kurama, un misterioso Daitengu que pretende acabar con todo rastro de vida sobre la faz de la Tierra. En su camino por detenerlo, se cruzan con un grupo de huérfanos tratando de sobrevivir en Roppongi Street. Todos juntos intentarán derrotar al enemigo común, porque de no conseguirlo… el destino de la humanidad quedará sellado.
La historia va a seguir a los dos hermanos que dan nombre al cómic en una misión muy personal en busca de Sojobo de Kurama, un daitengu que tiene planeado destruir todo rastro de vida en la tierra. Lo que vienen desear todos los villanos megalómanos de manual.
Este cometido les llevará a cruzarse con un grupo de huérfanos que han conseguido sobrevivir a este poderoso ser.
‘Hanan y Genji’ es una historia que apela a lo importante que es la amistad y lo difícil que puede llegar a ser mantener la confianza. Una trama que, pese a su sencillez, se puede resumir en ‘vini, vidi, vinci’, sabe aderezar la situación con momentos que tienen una lectura algo más profunda.
Que estemos ante un ‘cómic para niños’ no debe alejarnos de esta historia, aunque por aspecto y por guion nos pueda parecer algo que no es para nosotros, si puede serlo si convertimos a ‘Hanan y Genji’ en esa lectura compartida con los más pequeños.
Lo entiendo de esa manera por su mitología tan poco accesible (en principio) para un niño, ya que los autores no explican nada más allá de lo imprescindible para la trama. Algo que mantiene el misticismo sobre este mundo japonés en el que conviven pasado y futuro.
Es cierto que hay una oscuridad en la historia que se nos cuenta que no debe pasar inadvertida, ya que le da un punto muy interesante y atractivo. Es ese aspecto tétrico que siempre han tenido los cuentos, incluso las películas de animación de Disney (Blancanieves, La Bella Durmiente, Taron y el Caldero Mágico, etc…).
El apartado gráfico juega con trazos simples a la par que ‘feistas’ para mostrar un mundo en el que los niños deben enfrentarse a peligros que se escapan de lo que se presupone para ellos.
Conclusión
‘Hanan y Genji’ es una lectura sencilla a la par que atractiva que puede ser un buen comienzo para atrapar a los más jóvenes de la casa en el mundo del noveno arte.
Creo que Roberto Corroto y Julia Ceja hacen un gran trabajo con esta fábula japonesa que nos mete de lleno en una historia en la que la mistad es el mayor de los dones.
Un cómic con moraleja implícita que tiene los ingredientes necesarios para ser una lectura muy interesante, tanto por la trama como por el apartado visual que encaja.
Al final del tomo tendremos un portafolio con los bocetos de los personajes.
Hidden Strike es la última película estrenada en Netflix. Jackie Chan, John Cena y un mundo a lo Mad Max son los principales alicientes en una cinta que tiene un gran pero, un CGI de todo a cien que canta en cada escena, pero si no somos exigentes pasaremos una hora y media la mar de entretenidos. Sin más dilación nos ponemos al lío.
Hidden Strike o como Jackie Chan y John Cena sacan a flote una película con su carisma.
Hidden Strike llegaba el pasado viernes a Netflix con la fecha de estar producida en 2023. Nada más lejos de la realidad, esta película se rodó allá por el 2018. La cinta que es una coproducción de Estados Unidos y China cuenta con un presupuesto de 80 millones de dólares, que a la hora de la verdad no lucen nada bien, ya que hablamos de un CGI muy tosco. No se muy bien los motivos que han llevado a que nunca se estrenase pero al final Netflix salió al rescate y la compró para su distribución.
Y después de haberla visto no entiendo que la película se haya llevado varios años en un cajón guardada. Hidden Strike es una cinta honesta, que no trata de engañar a nadie. Quiere basar su éxito en las dos estrellas y lo consigue. Jackie Chan sigue siendo un crack en lo suyo pese a que tiene más de 65 años en el momento de rodar la película y John Cena derrocha carisma, buena interpretación y mucha acción física.
Y menos mal que ambos se valen para sacar esta película a flote porque si no es por ellos este filme sería mucho peor de lo que es. Un película de acción con abundante dosis de humor fundamentada en la interacción de los dos protagonistas pero que se hunde en el mundo a lo Mad Max en el que está ambientado al contar con uno de los peores CGI que recuerdo. Es muy triste que la película esté ambientada en un desierto hecho por ordenador y que parezca de PlayStation 1, y es que si nos fijamos en las dunas se ven demasiado suaves sin apenas texturas. Y así ocurre a cada momento, en la plantación petrolífera del principio o en la ciudad salvoconducto iluminada en la noche. Es sin duda algo lamentable y feo de ver. Además los cinco años que ha estado en barbecho poco favor le hace.
En lo que respecta a la historia la cinta se ambienta en un futuro cercano en el que un equipo de mercenarios se presenta voluntario para rescatar a los 498 trabajadores de una refinería de propiedad china en Irak que está siendo atacada por fuerzas rebeldes no identificadas. Luo Feng (Jackie Chan) está al mando del grupo de rescate que debe evacuar a los trabajadores por la Autopista de la Muerte para llegar a la Zona Verde de Bagdad.
Por su parte el personaje de John Cena (Chris Van Horne) es un ex-marine que cuida de su poblado necesitado de agua por lo que se involucrará en la trama por cuestiones personales.
Scott Waugh (director de la próxima Expend4bles) y el escritor Arash Amel son los que suspenden con nota muy baja. El primero porque no es capaz de ofrecer una cinta, como decía, que se vea bien. No parece mal realizador ya que las escenas de persecuciones y las de acción física son correctas pero toda la parafernalia de CGI que hay alrededor te saca de la acción. En cuanto al guionista nos ofrece una película muy genérica repleta de clichés.
¿Es entonces Hidden Strike una buena o mala película?
Sinceramente yo me he entretenido la hora y media que ha durado. Chan y Cena suponen la típica pareja de las buddy movies que no aportan nada nuevo al género pero que ambos con su carisma logran salvar la papeleta. Yo le daría un aprobado por ellos.
Así que podéis darle al play y pasar una tarde tonta distraída. Y seguramente si dais dos cabezazos podréis seguir la trama igualmente.
Sinopsis
«La película se desarrolla en un futuro próximo en el que, según la versión oficial, dos ex soldados de las fuerzas especiales que deberán escoltar a un grupo de civiles a lo largo de la conocida como «autopista de la muerte» para que estos lleguen de una pieza a la Zona Verde de Bagdad».
Bienvenidos amantes del VHS y de la era analógica a otro Retro-Análisis más en esta sección semanal que os trae joyas (o no) del siglo XX que me gusta rescatar para que los más jóvenes las conozcan y los más veteranos las recuerden.
‘Timecop’, protagonizada por Jean-Claude Van Damme, podría ser una de esas películas poco llamativas, ya que mezclar viajes en el tiempo con un artista marcial con poca o ninguna capacidad interpretativa es un coctel extraño. Lo curioso es que nos encontramos ante una cinta de ciencia ficción que combina acción, intriga y viajes en el tiempo de una manera bastante interesante y atractiva. Aunque es cierto que cae en muchos tópicos de esa temática.
Personalmente es una de mis cintas favoritas del actor franco-belga, aunque creo que en manos de un intérprete con mayores dotes actorales podía haberse sacado más partido a la parte dramática de la historia de Max Walker. Toda la trama de su esposa debería haber tenido más peso.
La historia presenta un futuro en el que existe una agencia encargada de regular los viajes en el tiempo, pero también muestra las consecuencias negativas que pueden surgir de su mal uso. El comienzo de la película con ese momento con los confederados deja al espectador descolocado y es un arranque muy, pero muy bueno e inteligente.
El pilar central de la historia de ‘Timecop’ es la corrupción y el abuso de poder para añadir ese típico debate sobre si se deberían realizar viajes en el tiempo o no. No es nada nuevo y siempre se suele tratar en las cintas que tienen esa temática, pero siempre es curioso ver como enfoca cada guion ese dilema.
Dirigida por Peter Hyams (Permanezca en sintonía o Muerte Súbita), un cineasta que no ha tenido ningún éxito arrollador, pero que cuenta con una filmografía de la que el público general conoce una gran parte: 2010: Odisea 2, The Relic, Atmosfera Cero, El fin de los días, entre otras.
‘Timecop’ tiene un aspecto visual muy oscuro y decadente que consigue una atmósfera extraña sin muchos alardes técnicos. Tengamos en cuenta que su presupuesto fue de 27 millones de dólares, así que tampoco podía estirar mucho el chicle y contratar a Jean-Claude Van Damme no tuvo que ser barato.
Por ello tendremos muchos espacios cerrados y las pocas localizaciones exterioresson fábricas, carreteras o escenarios más atemporales para no tener que usar efectos visuales o el socorrido ‘mate painting’. Los coches no tienen ventanillas por el mismo motivo.
Van Damme demuestra una vez más su habilidad para interpretar a un héroe de acción, con sus carencias, pero hay que reconocer que el guion está relativamente bien escrito y su personaje es interesante pese a que nace de un cliché. Obviamente tendremos el famoso ‘split’ del actor en la escena del ataque en su casa para lucimiento de Juan Claudio.
Pese a que Ron Silver hace un buen trabajo, el villano de esta cinta deja mucho que desear, ya que el guion tampoco profundiza demasiado en él.
‘Timecop’ no nos deja casi ni un momento para respirar, ya que con los saltos en el tiempo y los cambios que salen de ellos y pese que mantiene muy buen ritmo, se echa en falta profundizar más en Max Walker. Su historia (aunque típica) daba para más.
Supongo que para los fans de pura cepa que amen al actor por sus películas de artes marciales, esta cinta será una de las que menos disfruten, pero a nivel de trama es de las más destacadas, junto con ‘Lionheart’.
Conclusión
‘Timecop’ es una entretenida y atractiva cinta de viajes en el tiempo que nos muestra el lado más oscuro de los mismos sin dejar a un lado la acción.
No es que haya unos grandes giros argumentales en la trama, pero sabe mantenernos pegados a la pantalla, aunque creo que la presencia de Van Damme le restó una parte más emotiva que podía haber elevado la película.
Los efectos especiales no han envejecido nada bien y se nota mucho el uso del croma, teniendo en cuenta el presupuesto, tampoco podemos pedir peras al olmo.
Sinceramente, creo que con ‘Timecop’ Van Damme tocó techo y todo lo que vino después fue la caída de esta estrella del cine de acción y artes marciales.
Si eres fanático de la acción y los viajes en el tiempo, es una opción que no te decepcionará.
Como curiosidad mencionar que esta cinta está basada en el cómic homónimo publicado por Dark Horse.
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Once & Future volumen 5. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
Once & Future volumen 5, el final de una serie muy buena, pero poco conocida
Y se acabó. Con sólo cinco volúmenes se termino la serie creada por Kieron Gillen y Dan Mora. Y mejor así ya que sigo pensando que lo más correcto es no alargar las colecciones como chicles. Evidentemente Marvel o Dc tienen que seguir con las aventuras de sus personajes porque son parte de su merchandising y no pueden parar la máquina, pero lo bonito de las editoriales independientes es que las historias tienen un principio y un final. Y además no cuentan con el factor del editor, que es un «jefe intermedio» que dicta las líneas editoriales y muchas veces impone su criterio de hacia donde tiene que ir una colección y/o poder quitar líneas subargumentales.
A no ser que seas el mismismo Cervantes (y aún así te pondrían pegas) trabajar para las grandes editoriales supone un trabajo fijo y remunerado, pero por el contrario podrías estar acotado de pies y manos para desarrollar tu historia. Y eso sin contar con que los derechos de los personajes y cabecera no te pertenecen. Digamos que puedes crear o encumbrar a personajes hasta límites insospechados y no vas a ver un duro extra. Es más, no vas a tener un cheque compensatorio de beneficios. Cuando acabas tu trabajo, te vas a casa y adiós muy buenas.
Desde hace tiempo Marvel y Dc han perdido parte del pastel en favor de las editoriales independientes. Poco a poco la gente se ha cansado de los universos sin fin y de su eterno retorno. Con esto quiero decir que aunque cambies a un personaje siempre será un cambio temporal, al final tendrá que revertir a su antiguo ser. Las grandes son así, tienen personajes cuya evolución está en entredicho a día de hoy. Hacen buenas sagas, buenas historias pero ya no creces con el personaje, ya no ves como se desarrolla como «persona de carne y hueso» dentro de las viñetas. Ahora los cómics son más una serie de TV plasmada en papel.
Y ante un declive generalizado en ventas en grapa, y sin embargo una subida de lectores de tomos recopilatorios, las independientes, con los autores de las grandes siguen subiendo como la espuma. Mención aparte tendría que decir Spawn, la serie independiente que más números lleva y más ejemplares ha vendido nunca.
Y a todo esto llegamos a Once & Future, una colección de Boom Studios! que se suma como referente de cómic independiente americano a Image o IDW, por poner los dos grandes ejemplos que me vienen a la cabeza. Y es que Once & Future tiene todo lo que buscas en un cómic con principio y final. Tiene un buen guión, gracias a Kieron Gillen, y sobre todo destaca por los maravillos lápices de Dan Mora, que no sólo es un buen trazador de personajes, sino un buen narrador con mucho detalle en los fondos.
Creo que Once & Future es una gran serie de acción sin descanso que tendría que gustar a la gran mayoría de los aficionados al 9º Arte. Y si además eres fan de las leyendas artúricas, estamos ante el cómic perfecto, con el advenimiento del Rey Arturo (varias versiones del mismo), los caballeros de Camelot como Perceval o el mismismo Lancelot o el gran mago de la mitología (con permiso de Gandalf), Merlín. Pero cuidado, que no todo es como en las leyendas…
Os dejo la sinopsis del quinto número. No sigáis si no habéis leído los primeros tomos u os vais a tragar unos spoilers como puños.
La batalla final de la icónica serie de fantasía Artúrica donde queda sellado el destino de los Reyes y de Inglaterra.
Es la víspera de Navidad y todos los reyes convergen sobre Excalibur decididos a ser el verdadero gobernante. ¡Se desata el caos! ¿Y si nadie tiene la fuerza necesaria para blandir la espada? ¿Habrá finalmente paz después de tanto conflicto, o alguna figura inesperada reclamará el trono? ¡Rituales, bombas y batallas se suceden, mientras el destino final de Duncan, Mary, Rose, Bridgette, Merlín y el resto aguarda!
El incomparable Kieron Gillen (Star Wars: Darth Vader, The Wicked + The Divine) y Dan Mora (Detective Comics) nos ofrecen la esperada conclusión de su mística y moderna versión de la leyenda artúrica, nominada al premio Hugo. Recopila los números 25 a 30 de Once & Future.
Empieza a notarse la huelga de actores y guionistas y las majors lejos de negociar comienzan a mover los estrenos venideros. Ya os comenté aquí que esto iba a suceder.
La primera en hacerlo ha sido Sony y vaya como se las gasta. Por un lado ha mandado a Kraven El Cazador del 6 de octubre de este año al 30 de agosto de 2024.
También hay novedades respecto a Venom 3 y Madame Web. La película del simbionte que cuenta con Tom Hardy de protagonista ya tiene fecha de estreno, el 12 de julio de 2024. Y la cinta con la que Dakota Johnson debutará en la franquicia se ha adelantado dos días, pasando a estrenarse el 14 de febrero de 2024.
Más dramático es el movimiento que Sony ha realizado con Spider-Man: Beyond the Spider-Verse y es que directamente la ha sacado del calendario de estrenos. Y es que con la huelga del Sindicato de Actores el reparto de actores de doblaje no llegó a completar la grabación de los diálogos, por lo que pinta muy mal la situación y podríamos ver la conclusión a la trilogía en 2025, ahí es nada.
Más movimientos fuera del universo arácnido
Pero Sony ha realizado más movimientos y alguno muy doloroso.
Así Gran Turismo, que se estrenaba en tan solo dos semanas (el 11 de agosto), llegará ahora el día 25 de agosto.
Pero sin duda uno de los retrasos más dolorosos es el de la secuela de Cazafantasmas: Más allá. Y digo doloroso porque estaba en plena fecha navideña, el 20 de diciembre. Ahora Ghostbusters Firehouse pasa al 29 de marzo de 2024.
La nueva Karate Kid, cuyo estreno se esperaba en junio del próximo año pasa al 13 de diciembre de 2024. They Listen, de Blumhouse, pasa del 30 de agosto de 2024 a quedarse sin fecha al ocupar esta Kraven El Cazador. Y acabo con una muy buena noticia y es que Sony ha puesto fecha a Dos policías rebeldes 4, que se estrenará el 14 de junio de 2024.
Imagino que en pocos días comenzarán Warner, Universal, Paramount y demás compañías a seguir el ejemplo de Sony y tendremos unas navidades bastante vacías de estrenos.
De modo tan divertido como original, el séptimo episodio de la segunda temporada de Star Trek: Strange New Worlds se cruza con la animada Star Trek: Lower Decks y analizamos los resultados. La serie, creada por Akiva Goldsman, Alex Kurtzman y Jenny Lumet, es emitida por Skyshowtime para España y por Paramount+para Latinoamérica.
Hola nuevamente, trekkies y no tan trekkies. Ya no sé qué decir de Star Trek: Strange New Worlds: a veces pienso si no me estaré excediendo en elogios o mi fascinación me estará haciendo perder objetividad e intento encarar cada nuevo episodio con ojo más crítico y agudo que el anterior, pero siempre, siempre, siempre Strange New Worlds termina sorprendiendo. Y lo ha vuelto a hacer…
No es que nos tome por sorpresa el crossover con Star Trek: Lower Decksni que los alféreces Boimler y Mariner sean interpretados en live action por los propios Jack Quaid y Tawny Newsome, que les prestan sus voces en la serie animada. Todo eso ya nos había sido anunciado antes de estrenada esta temporada.
Lo que no podíamos ni por asomo imaginar era un episodio tan formidablemente conectado con casi toda la franquicia y específicamente en su resolución con Star Trek: Enterprise, serie tanto tiempo injustamente relegada que ha tenido este año dos grandes momentos reivindicatorios: uno en el episodio final de Star Trek: Picard y otro aquí.
Si algo nos preocupaba del crossover era la cronología, porque hay más de un siglo de diferencia entre ambas series. Pero los defensores del canon pueden dormir tranquilos que esta gente sabe lo que hace y más si la dirección está en manos de Jonathan Frakes, nuestro querido Riker, quien en distintas series ha dirigido algunos de los mejores episodios de la franquicia y ya es válido preguntarse si no sería justicia darle de una vez por todas una película de Star Trek.
Perdón por tanta introducción, pero el episodio lo amerita: es el séptimo de esta segunda temporada y su título en español es Los Sabios Originales, aunque Aquellos Viejos Científicos sería más fiel al original (Those Old Scientists). Veamos qué ha dejado, advirtiendo que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA y recordando que pueden leer aquí nuestros análisis precedentes.
Portal
El primer impacto es apenas comenzar. No solo porque la lectura de bitácora personal la hace Boimler a bordo de la entrañable USS Cerritos sino porque todo es animado y parece estar empezando un episodio de Lower Decks. La nave más loser de la Flota ha sido enviada a investigar un antiguo portal del tiempo descubierto más de un siglo atrás por la tripulación de la Enterprise, aunque Tendi, fiel a sus orígenes, dice que en realidad fueron sus antepasados oriones.
A Boimler le fascina la posibilidad de pisar los mismos lugares que Pike, Spock o Uhura pisaran en su momento pero, una vez en el portal y al intentar tomar una foto, Ransom pone involuntariamente al mismo en funcionamiento y le manda al siglo XXIII ante los rostros azorados de M´Benga, Una… y Spock.
Comienza entonces la presentación habitual, pero… ¡animada! Se reproduce casi textualmente la apertura y se le agregan un par de detalles que conectan inequívocamente con Lower Decks, como el koala o la criatura alienígena prendida a la nave, en este caso la Enterprise…
Metiendo la Pata
Sea la época que sea, los viajes en el tiempo no son ajenos a los tripulantes de la Enterprise que, con toda naturalidad, informan tener un viajero al que alojar en la nave. La’an pone a este al tanto de que hasta que resuelvan cómo devolverlo a su época, deberá respetar tres principios fundamentales, de los cuales dos por lo menos él conoce bien: no generar cambios en el pasado y no difundir información futura. Se produce un momento gracioso cuando jura respetarlos por el honor de Worf y La’an mira sin entender…
El tercer principio es para él desconocido: no establecer relaciones personales. Es, desde ya, un agregado de La’an y tiene que ver con su cruce con el James Kirk de la otra línea de tiempo en el tercer episodio de esta temporada.
Sorprende a Boimler el perfil de Spock, muy distinto a la idea que tenía: hace bromas y hasta se ríe. Llega a pensar que la responsabilidad es suya por un chiste que, festejado por el vulcano, podría haber generado algún “efecto mariposa”. Chapel le tranquiliza: Spock ya estaba así desde antes de que él llegara y la causa… es ella.
Pero al haberle comentado eso, Boimler le está diciendo implícitamente que el Spock futuro será diferente, lo que genera en ella tristeza porque implica que en algún momento dejará de tener influencia sobre él y la relación que mantienen no prosperará.
Los comentarios anacrónicos no paran: Boimler celebra estar a bordo de una Enterprise NCC-1701 “guion nada”, lo que nadie entiende salvo él, pues en el futuro habrá Enterprise denominadas con guion y letra (A, B, C, D…).
También menciona que los tricorders han cambiado poco, salvo que en el futuro no explotan, comentario que refiere algo aún no ocurrido que nos fue mostrado en el episodio Arena de la serie original (1×18), aquel del mítico enfrentamiento entre Kirk y el gorn.
Piratas
En consonancia con lo que al inicio se dijera sobre el “doble descubrimiento” del portal, han identificado una nave de piratas oriones, aunque Boimler objeta que en el futuro ya no será correcto referirse a ellos de modo tan genérico y despectivo: dice que bien podrían ser científicos y no piratas.
Se equivoca: los oriones roban el portal y ello le imposibilita regresar a su época. Para colmo de males, tampoco pueden rastrearlos, aunque él dice que sabe cómo y, en otra graciosa escena, les pide que se den la vuelta mientras hace los arreglos necesarios.
Resuelto el problema, salen a la caza de los piratas y Boimler pide por favor a Pike que trate de evitar el combate: a bordo de la nave oriona viaja la bisabuela de una amiga suya (obviamente Tendi), quien podría ser borrada de la existencia si algo malo pasara a su antepasada. Apela a su diplomacia y, al elogiarle virtudes, incluye en la lista su “cabello grandioso”…
Contactando a los oriones, Pike intenta convencer al capitán de que devuelva el portal, pero sin nada a cambio no hay negociación posible. Ellos escanean la Enterprise y descubren un importante cargamento de grano que piden a cambio. Con el pesar de saber que el mismo iba destinado a una colonia necesitada, Pike acepta y el portal es recuperado.
Doble Problema
Todo está dado para que Boimler regrese a su época, así que se despide emotivamente de todos diciendo que conocerlos fue la mejor experiencia de su vida. Pero las cosas salen mal una vez más: al momento de querer cruzar, es embestido por alguien desde el otro lado y es Mariner, que ha venido en su búsqueda.
Ella no cabe en la emoción de saberse en la época de Uhura, pero ha consumido todo el horonio que quedaba al portal como fuente de energía y no es posible otro viaje. Con resignación, Pike se comunica con la Enterprise y pide transporte para cinco…
Los problemas se han duplicado: si la cosa venía complicada con un viajero, con dos ni hablar. Boimler regaña a Mariner por haber cruzado el portal y ella manifiesta que estaba preocupada al no saber si él habría muerto o caído en un San Francisco distópico: clara referencia a Pasado, episodio doble de Deep Space 9 (3×11 y 3×12).
A Mariner se la ve encantada y fascinada de estar allí: se sorprende de lo sexy que era Spock de joven y de que sonriera. Y miente experiencia en lingüística para estar cerca de Uhura, que trabaja en interpretar los glifos del portal.
Todo lo contrario Boimler que, superado su inicial momento de fan, está evaluando que si no pueden regresar deberán vivir escondidos para no provocar alteraciones. Huye despavorido al ver acercarse a Una que, intrigada, pregunta al respecto a Mariner y esta le cuenta que él tiene junto a su cama un póster suyo. El rostro de Una se transforma al pensar qué tipo de póster pudiera ser y prefiere no saber…
Más Meteduras de Pata
Mariner es aun más descuidada que Boimler. Menciona a Uhura cuán conocida es en el futuro y la anoticia de que luce falta de descanso y alimentación, diagnóstico acertado y coherente con el que le dieran en el episodio anterior. Prepara para ella y Ortegas unos “huracanes de Orión”, trago muy popular en el futuro para el cual debió reemplazar un ingrediente faltante.
Uhura, sin embargo, no logra distraerse y sigue obsesionada con probar idiomas para traducir los glifos. Ortegas recuerda haberlos visto en el jom-dot, juego al que los nausicanos gustan de apostar. Si les suena, es porque lo hemos visto en DS9, pero también y sobre todo en TNG, cuando en el episodio Tapestry (6×15) y con Q de por medio, ese juego terminaba en que la versión joven de Picard fuera atravesada por un puñal de lado a lado.
Ello hace caer a Uhura en la cuenta de que se trata de un dialecto nausicano ya perdido, pero la gran (e hilarante) decepción es que la traducción solo dice “este es un portal del tiempo”…
Más comentarios desopilantes: Boimler maldice mencionando a Q y Mariner le recuerda que aún no lo conocen, sino que solo tienen a Trelane, quien apareciera en la serie original (1×17) y suele ser considerado versión prematura del anterior. Mariner pregunta a Boimler si ha notado que en el pasado todos hablan lento, clara contraposición con la habitual verborragia acelerada de Lower Decks.
Boimler siente culpa de que los colonos se hayan quedado sin alimento, lo cual según le cuenta Pelia, devendría en el traslado por no haber más grano disponible, ya que se trataba de una variante especialmente preparada para cultivarse en el bioma que habitan. Apesadumbrado, contacta por su cuenta a los oriones para proponerles volver a hacer el intercambio, pero tanto él como Mariner son sorprendidos por La’an y llevados ante un irritado Pike.
Se ablanda cuando Mariner menciona que en alguna oportunidad Boimler se disfrazó de él para Halloween, pero les recrimina no ser capaces de cumplir una orden y se muestra molesto de que hayan intentado convencer a la tripulación de organizarle una fiesta sorpresa para su cumpleaños, cuya fecha ellos conocen por ser en el futuro feriado.
En el momento más sentido del capítulo, Boimler le replica que no sabe cuántos cumpleaños más pasará con su gente y Pike le da tristemente la razón porque bien lo sabe: primera vez en la temporada que se retoma la cuestión de su trágico futuro…
Les pone al tanto de que está por cumplir la edad que al momento de fallecer tenía su padre y ello lo llena de tristeza porque no quedó en buena relación y le hubiera gustado tener una última conversación. Haciendo analogía, Boimler le invita a pensar cuántos en la tripulación querrán también haber tenido un último encuentro con él cuando llegue el día en que no esté…
Pike queda tocado y ahora hasta entiende mejor a la pareja, pues estar allí debe ser para ellos como para él poner pie en la Enterprise NX-01(la nave de Archer en STE). De pronto. el rostro de Boimler se enciende: el horonio fue uno de los materiales fundamentales en la construcción de esa nave y por más que luego haya ido cayendo en desuso, se adoptó que cada nueva versión de Enterprise tuviera algo del material original. En alguna parte de la nave debe haberlo…
Dos Dimensiones
En efecto, lo hallan en la sala de máquinas y Ortegas se muestra emocionada de hallar algo de la NX-01 porque Travis Mayweather es su ídolo como piloto. Vuelven a contactar al capitán orión, pero este no se muestra muy convencido de volver a hacer el intercambio.
Pike no ve más alternativa que contarle la verdad, pero quien toca su sensibilidad es Mariner al decirle que es amiga de la bisnieta de una de sus oficiales. No solo eso: le ensalza los oídos con que los oriones serán en el futuro recordados por el descubrimiento del portal y ello les permitirá ganar fama como científicos y no como piratas.
Todo está en su lugar nuevamente: la pareja puede regresar a su tiempo y los colonos tendrán su grano. Antes de marcharse, le cuentan a Una el verdadero carácter del póster y que en el futuro ella será referente para la flota bajo el lema “Ad Astra per Aspera” (Hacia las Estrellas por el Camino más Difícil), que diera título al segundo episodio de esta temporada y que ella citara como inspiración durante el juicio.
Al momento de ser transportados, casi mueren de la emoción al ver a Spock saludarles con su “larga vida y prosperidad”. Ya en el portal y al momento de ponerlo en funcionamiento, alcanzan a oír al otro lado las voces de Ransom y Teni intentando cruzar y les detienen a tiempo. Y así, tras la emotiva despedida, regresan a su época y ser personajes animados…
Nos queda una última escena y es en la Enterprise: Pike, según dice por consejo de un amigo, ha decidido celebrar su cumpleaños y Ortegas ha conseguido para la ocasión preparar “huracanes de Orión” con el ingrediente que en su momento faltó a Mariner. Pero todos se ven raros entre sí, en dos dimensiones y con ojos inmensos. ¡Son personajes animados!…
“¿Qué diablos tiene esto?”, se queja airadamente M´Benga sacudiendo la botella…
Balance del Episodio
Capitulazo. Poco más se puede decir. No deja de ser una paradoja que Star Trek: Strange New Worlds sea dentro de la franquicia una de las series con mayor carga de nostalgia, pero a la vez de las más innovadoras y rupturistas. Lo que hemos visto en esta entrega, sencillamente no lo hemos visto jamás en la franquicia.
Ha habido, sí, unos pocos crossovers y a no confundir con personajes que hayan desfilado por distintas series: hablo de cruces entre continuidades. Quizás el antecedente más claro sea Juicios y Problemas con los Tribbles, episodio de DS9 (5×6) en el que los personajes se cruzaban con los de la serie original interactuando digitalmente sobre escenas de uno de los capítulos más icónicos de la misma. Esto fue totalmente diferente…
Recuerdo cuando de niño me gustaba imaginar una dimensión paralela o universo en el cual todo fuera como en los dibujos animados. No puedo describir la felicidad al ver ya en mi juventud “¿Quién engañó a Roger Rabbit?” que jugaba justamente con esa idea y otro tanto Cool World o Space Jam.
En ese sentido, la idea de que los personajes de Lower Decks existen en algún lado y tienen exactamente el aspecto que les vemos no puede ser más encantadora, como genial la idea de traspolarlos a live action…
Y hay que decir que en su corporización real ambos actores de voces han estado muy bien y de manera especial Jack Quaid (hijo de Dennis Quaid y Meg Ryan), poniéndose el episodio al hombro a pesar de su carácter de invitado. Se nota cuando un actor se está divirtiendo además de trabajar y en esta entrega él lo hace, tanto que me apena que no vayamos a tener otro cruce. ¿Será así?
Pero ademásha sido un episodio condenadamente divertido y me he desternillado con diálogos y ocurrencias que no han implicado solo a los invitados, sino también al elenco habitual, a la altura el mismo de una comicidad que no les es extraña, pues no pocas veces la serie juega con la comedia.
“¡No desarmen el piso que tengo que pisar!” – se queja Pelia.
“Es ilógico pensar que es la única” – replica Spock.
Brillante…
Y a ello hay que sumar el mar de referencias que conectan no solo al episodio con las series involucradas sino también con prácticamente toda la franquicia: son tantas que se me habrán escapado varias y apelo a ustedes para que me las hagan saber.
En fin, episodio maravilloso y sorprendenteque nos deja a la espera de ver con qué nos sorprenden la proxima vez. Hasta entonces y sean felices. Larga vida y prosperidad…
El 4 de agosto del 2023, Prime Video estrenará los tres primeros episodios de su nueva serie original, Las flores perdidas de Alice Hart, que consta de un total de 7 episodios cuyos 4 restantes episodios serán estrenados semanalmente los viernes.
En lascosasquenoshacenfelices.com hemos tenido la suerte de haber visto la serie completa gracias a nuestra colaboración con Prime Video, y os vamos a contar qué nos ha parecido este drama familiar protagonizado por la veterana Sigourney Weaver.
Aprovecho para decirte que si todavía no te has unido a nuestro grupo de Telegram, estás invitado a hacerlo desde ya mismo. Por allí avisamos de nuevas publicaciones, y así leerás nuestros artículos recién salidos del horno.
Lo primero que voy a contaros es que Las flores perdidas de Alice Hart se basa en un best seller publicado en el año 2018 escrito por Holly Ringland. No he leído la novela por lo que no sé si han seguido al pie de la letra la misma o se han tomado alguna licencia.
Personalmente, creo que la serie tiene dos partes. Una primera parte donde una Alice de tan solo 9 años de edad te cautiva con su triste historia y te mantiene intrigado episodio tras episodio por descubrir el desarrollo de los acontecimientos que la rodean.
En esos primeros episodios conoceremos a una niña dulce, inteligente y asustada, que se enfrenta a una tragedia mientras descubre un nuevo mundo, o mejor dicho, una nueva forma de ver el mundo, de la mano de su abuela June (Weaver).
La pequeña Alice está interpretada por Alyla Browne, una niña a la que ya vimos en Nine Perfect Strangers, y que aquí es la culpable de hacer que el espectador conecte con ella al instante y se quede pegado a la pantalla, solo para saber qué le sucederá.
Esta primera parte es una etapa de autoconocimiento y renovación, contada de forma calmada, que vamos conociendo a la vez que nos explican el lenguaje de las flores (cada flor tiene un significado; de hecho el título de los episodios se debe precisamente a esto). Algo que le da un toque bucólico y casi romántico, que rodea a la granja de June de un aura de tranquilidad y paz que se mantiene gracias al carácter fuerte de los protagonistas de la serie.
En la segunda parte de Las flores perdidas de Alice Hart, la pequeña despierta ha crecido dejando paso a una joven independiente con muchos sueños e ilusiones. Una mujer que empieza a tomar las riendas de su vida dando sus primeros pasos en solitario por ella. Siguiendo su propio camino y haciéndose responsable de sus decisiones, y con ellas de sus triunfos y también de sus fracasos.
Interpretada por Alycia Debnam-Carey, descubrimos a una mujer luchadora que no quiere vivir a la sombra de nadie. Una mujer que, a pesar de su fuerza, sigue siendo frágil como esa pequeña niña que June acogió en su granja años atrás.
Las flores perdidas de Alice Hart, es una historia de mujeres que luchan por poder vivir su vida y dejar atrás un pasado que no pretenden olvidar ya que es parte de ellas. Lo que buscan es esa tranquilidad que les permita despertarse cada mañana con ilusión, y de ese modo, empezar a contar su verdadera historia, esa por la que merece vivir y por la que quieren que las recuerden.
Qué dice Prime Video de Las flores perdidas de Alice Hart.
Basada en el éxito de ventas de la primera novela de Holly Ringland, la serie de siete capítulos narra la emotiva historia de Alice Hart. Cuando Alice, de 9 años, pierde trágicamente a sus padres en un misterioso incendio, se va a vivir con su abuela June a la granja de flores Thornfield, donde se entera de que hay más secretos alrededor de su pasado y el de su familia.
Enmarcado en el impresionante paisaje natural de Australia, y con las flores silvestres y plantas autóctonas como medio para expresar lo inexpresable, este apasionante drama familiar abarca varias décadas. A medida que crece, el viaje de Alice alcanzará un clímax emocional en el que se encontrará luchando por su vida contra el hombre al que ama.
Nuevo episodio de Riverdale y por lo tanto nuevo análisis: decimoquinto de esta temporada final y su título es Miss Juvenil Riverdale. La serie, creada por Roberto Aguirre-Sacasa, es emitida por The CW y para España por Movistar+.
Hola otra vez, riverdaleros. Seguimos en nuestra carrera hacia el final de la serie y duele decirlo, pero solo nos quedan cinco episodios para decir adiós a Riverdale. De momento, no hay visos de que salgamos de los cincuenta y del particular universo en que, sin saberlo, se hallan nuestros personajes.
El episodio que hoy nos ocupa es el decimoquinto de esta séptima y última temporada o, si lo así lo preferís, capítulo 132 del listado total y tiene como rasgo particular el casi exclusivo protagonismo de las muchachas de la serie. La excusa es el certamen Miss Juvenil Riverdale que, precisamente, da título al capítulo que ya pasamos a analizar y que significa una especie de redención para Ethel después de la imagen de psicópata que nos dejó en la línea de tiempo principal.
Cumplo en advertir, como siempre, que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA y en recordar que pueden aquí echar ojo a nuestros análisis previos.
Concurso de Belleza
Comenzamos con Betty leyendo las cartas que las lectoras, con nombres falsos, envían a su publicación Chica Corriente. Cada una manifiesta su frustración ante el mundo: Veronica porque se la subestima como mujer de negocios, Toni porque no se la valora al ser afroamericana, Ethel por no ser bella como el resto… y así. Inclusive la propia Betty manifiesta de modo anónimo su tristeza de vivir en una sociedad que no permite amar a quien uno quiere.
Pero el planteo de Ethel es de todos el que más se relaciona con el capítulo, pues se aproxima precisamente el certamen de belleza Miss Juvenil Riverdale, que tiene como organizadora principal a Alice Cooper. Betty lo ve como una exposición de ganado que cosifica a la mujer, comentario que absolutamente nadie hubiera hecho en 1955: ya sé que ella viene de otra época, pero se supone que no lo sabe ni guarda recuerdos de ello.
Alice defiende el concurso y apunta a que se trata de elegir y premiar a quien mejor represente los valores de Riverdale. Como tal, y con mucho de ironía, ve lógico que su hija no participe, pero el rostro de Betty cambia por completo cuando la pone al corriente de que este año el premio incluye no solo un auto y una audición en Hollywood, sino también una beca universitaria, algo que ella desea y mucho…
Sale Midge
Pero la sorpresa de Betty es grande cuando comprueba que el resto de sus amigas están ansiosas por participar y no ven al concurso del modo en que ella lo hace sino como una gran oportunidad. Ella insiste en la cosificación y Cheryl saca a relucir su número en ropa interior para Archie o el show televisivo en el que bailó enseñando sus bragas. Pero la presencia que entre las participantes más llama la atención de Betty es la de Toni, quien en su defensa argumenta que es la primera vez que se permite a una chica afroamericana participar y no puede dejarlo pasar después de años de quejarse de que solo se incluían muchachas blancas y exitosas.
A su pesar y luego de hablar con Veronica, Betty termina convencida de ser parte del concurso y la noticia impacta a su madre, que se aboca a la tarea de prepararla no solo a ella sino también al resto para verse y comportarse de modo apropiado, incluso con el clásico método de hacerlas caminar con un libro sobre la cabeza. A pesar de competir entre sí, la relación entre las muchachas mantiene carácter amistoso, a no ser por los permanentes y desagradables y comentarios de Evelyn que de todas formas no es amiga de ellas… ni de nadie.
Ethel, sin embargo, no es parte del concurso, al menos no como competidora. De hecho, jamás se pensó en su inclusión y se desempeña, por lo tanto, como asistente de Alice en temas de organización, vestuario y demás. Ello no impide que en su ensoñación se imagine como participante e incluso ganadora, con sus padres vivos y felices viéndola desde el auditorio y Jughead como novio. El ensueño acaba brutalmente cuando Alice la regresa a la realidad preguntándole algo sobre los vestidos…
Al probarlos en las muchachas, justamente, Alice encuentra que Midge tiene problemas con el calce y le recomienda seguir una dieta que excluya los postres. Sin embargo, hablando después en privado, la pone al tanto de que se ha dado cuenta de su embarazo. No solo la bajan del concurso sino que también la sacan del instituto y la envían con las Hermanas de la Misericordia, institución que nos provoca un cierto escalofrío cada vez que reaparece en la serie.
El resto de las chicas no pueden creer la decisión y tampoco Fangs, a quien, por cierto, Midge no ha puesto aún en evidencia como padre del niño en camino. Está furioso y quiere hacer algo, pero le convencen de que, en lugar de ello, se dedique a su carrera como estrella de rock y lanzar un disco exitoso para que los padres de Midge, llegado el momento, no puedan rechazarlo como yerno…
Entra Ethel
La cuestión es que en el concurso ha quedado una plaza vacante y ya desde antes Betty venía intentando convencer a Ethel de participar, así que ahora con más razón. Ella no se considera ni mínimante ideal para eso porque a los ojos de la ciudad es la muchacha cuyos padres fueron asesinados en circunstancias extrañas y que siempre anda haciendo dibujos raros, pero Betty cree exactamente lo contrario por ser un ejemplo de sobreponerse a las adversidades.
La noticia de que Ethel va a estar en el certamen, obviamente, no cae bien a Alice, quien increpa a su hija por haberla convencido y la conmina a decirle ella misma que se baje. Su argumento es que podría darle mala prensa a la ciudad y al concurso si llegara a difundirse su historia personal, pero Betty sabe que el motivo real, aunque no lo diga, pasa por su figura y su peso…
Al hablarlo con las demás muchachas, todas muestran indignación y acuerdan renunciar en bloque si Ethel es excluida. Pero en lugar de hacer el planteo a la madre de Betty, Veronica sugiere ir a ver a su padre, por ser más fácil de presionar y amenazar.
Van en efecto a verlo y le hablan de lo perjudicial que podría ser para el certamen que la publicidad se retirase por no haber participantes. Harold no tiene más remedio que acceder, pero hay un planteo más y es que no se incluya en esta oportunidad el traje de baño, no sé si para ser consecuentes con la queja de Betty sobre la cosificación o para evitar un problema a Ethel…
El argumento, de todas formas, es que esa parte del desfile no da buena imagen al haber autoridades del colegio entre el jurado. Harold acaba accediendo, pero Alice estalla en furia al enterarse y lo acusa de desautorizarla siempre.
El Evento
La cuestión es que el certamen se realiza y es transmitido en directo mientras los muchachos tienen las pupilas clavadas en un viejo televisor de Pop´s. No pueden creer que se haya eliminado el momento del traje de baño, pero están igualmente expectantes por ver a sus amigas…
Kevin oficia como presentador de la ceremonia interpretando la canción Some Enchanted Evening, del musical South Pacific, y hay que destacar una vez más lo bien que lo hace y la evolución de Casey Cott como cantante.
Cheryl es presentada como ostentadora del título del año anterior y, después del desfile con vestidos de fiesta, las chicas exhiben sus habilidades. Lo de Veronica tiene que ver con acrobacias y malabares, en tanto que lo de Ethel es interpretar la canción Who will love Me as I am?” del musical Side Show.
La letra de la canción (ya hablaremos más adelante) es emocionante y refleja perfectamente su sentir, pero además su desempeño vocal deja a todos boquiabiertos, incluso a nosotros. Madre mía: ¿es que no hay nadie en esta serie que no sepa cantar? No lo sé, pero Shannon Purser ha sido aquí una verdadera sorpresa…
Llega el dictamen final y el resultado parece previsible después de que Ethel hiciera poner al auditorio de pie y aplaudiendo a rabiar, pero quienes deciden no son ellos ni quienes miran por televisión, sino los jueces que, por cierto, son Werthers, Featherhead y Clifford Blossom…
Sin embargo y de manera sorpresiva, Alice anuncia la ganadora y, para algarabía tanto de la concurrencia como del resto de las muchachas participantes con excepción de Evelyn, la elegida es Ethel. La escena se cierra con su rostro sonriente mientras, como en muchos seriales de los cincuenta, la imagen se convierte en un círculo que se achica hasta desaparecer en el centro de la pantalla.
La Sorpresa
Pero nos queda un giro final cuando, en privado, Alice pide a Betty que eche un vistazo al sobre con el veredicto y al hacerlo descubre que la ganadora… ¡era ella!
La rubia no puede salir de su asombro y su madre la anoticia de que tanto Harold como el jurado la regañaron severamente por haber anunciado otro nombre, pero lo fundamenta en que el certamen da la posibilidad de cambiar vidas y si alguien lo merece, por lo rota que está la suya, es Ethel. O quizás, agrega, simplemente no quería que su hija ganara…
Emocionada, Betty dice que aunque nunca llegue a saber el motivo real por el que haya sido, reconoce a su madre que por primera en su vida ha hecho algo decente y elige creer que en el fondo es buena persona. Antes de marcharse, cierra con un “te quiero” y los ojos de Alice comienzan a humedecerse…
El episodio acaba con Betty respondiendo a sus lectoras y diciéndoles que por más solas que a veces puedan sentirse, hay esperanza de un mundo mejor y son ellas quienes pueden construirlo…
Balance del Episodio
Entrega correcta, pero que seguramente no estará entre lo mejor de la temporada al momento de hacer una evaluación final. El principal problema es que ha sido demasiado unilineal en su trama y si bien soy de los primeros en quejarse cuando la historia se fragmenta en exceso, tampoco me fascina que discurra de modo tan unívoco: lo difícil, como siempre, es hallar el punto medio. O quizás solo sea que todavía nos dura el impacto del episodio anterior con tan brillante musical que nos han entregado…
Lo que ha tenido de particular es la casi ausencia de los varones, salvo por los fugaces momentos de Fangs, la participación de Kevin cantando en el certamen o Archie y sus amigos viendo el mismo por televisión. El resto se ha resuelto todo entre mujeres y, como no podía ser de otra forma, el episodio ha tenido una fuerte impronta feminista, por momentos evidente de manera innecesaria en el anacrónico discurso de Betty.
Así y todo, nos ha regalado un gran momento con la interpretación de Ethel y, al respecto, es bueno aclarar que la canción que eligió cantar corresponde a un musical basado en la triste historia de las gemelas siamesas Daisy y Violet Hilton, quienes nacieron pegadas al nacer y, al no poder ser separadas con la tecnología de la época, fueron explotadas prácticamente como atracción circense durante sus sufridas vidas hasta morir en la indigencia…
No se podría pensar en un mejor ejemplo para hablar sobre la discriminación y la necesidad de aceptar a las personas tal cual son, pero el único problema (y otro anacronismo) es que si bien la historia de las gemelas es anterior a los cincuenta, el musical del cual procede la canción recién se estrenó en 1997.
En cuanto a Some Enchanted Evening, la canción que canta Kevin, cabe aclarar que la película South Pacific es de 1958, pero el musical en que se basa fue estrenado en Broadway en 1949, así que allí no hay anacronismo.
Los diseños de vestuario y la ambientación retro han sido una maravilla, no solo en la escenografía sino además en finos detalles estéticos como el círculo cerrándose sobre el rostro de Ethel o el comentario de Alice acerca de que la historia de la muchacha podría ser difundida por algún reportero de peso que se hallase en el lugar, como Brenda Starr…
En caso de que no sepan de quién habla, cumplo en informar que se trata de un personaje de ficción muy célebre en los cómics de los cuarenta y cincuenta, llevado mucho después al cine en la interpretación de Brooke Shields. El dato pintoresco que nos están dando con ello es que en el particular universo en que la serie transcurre en estos momentos, ella existe y es real, todo un guiño para los buscadores de referencias a los cómics de la época, Archie incluido…
En fin, insisto en que no ha sido la mejor entrega pero ha tenido sus momentos y mientras seguimos haciendo la cuenta regresiva para la gran despedida de la serie, rescato la frase por excelencia del episodio que fue dicha (una vez más) por Cheryl:
“Evelyn, ¿por qué nos nos haces un favor y te tiras de un puente?”
Ya tenemos en las pantallas de los cines españoles Elemental, la nueva producción de Pixar, una cinta que, sin llegar a las altísimas cotas de calidad a las que la productora nos tenía acostumbrados, al menos si que cumple con su intención de entretener y hacernos pasar un buen rato en el cine. Y eso siempre es una buena noticia después de que sus últimos estrenos hayan ido directamente al streaming en Disney+ (Soul o Luca).
Muchas de las películas de Pixar nos han contado historias en la que los objetos más inverosímiles cobran vida y tiene sentimientos, desde coches a robots hasta los mismísimos sentimientos. Así que ahora han decidido usar a los cuatro elementos para enseñarnos como sería un mundo en el que el fuego, el agua, el aire y la tierra vivieran juntos (pero no revueltos) en una misma ciudad.
Siempre es un gustazo ir al cine…
El problema que tiene Elemental es que desde su trailer tiene un aire a algo que nos han contado mil veces que puede echar para atrás a mucha gente. Estamos ante el enésimo amor imposible al estilo “Romeo y Julieta” ya que los protagonistas de la película son Candela, una elemental de fuego y Nilo, un elemental de agua. Los dos se conocen de forma accidental por un accidente en las tuberías de la tienda de la familia de Candela y su vida queda entrelazada irremediablemente hasta que surge el amor entre ambos. Un amor del todo imposible ya que el agua y el fuego no se pueden mezclar (para que luego digan que los Montescos y Capuletos lo tenían complicado).
Y si, es cierto, la historia de amor entre Candela y Nilo tiene todos los elementos clásicos de las historias de amores imposibles pasado por un ligero filtro de las comedias románticas de los noventa. Pero esta contada con mucha gracia. Es algo que ya hemos visto muchas veces, aunque tiene toques originales y simpáticos que hacen que Elemental brille. Me refiero a la manera de presentar la personalidad de los elementales (los de agua como empáticos y llorones y los de fuego con un personalidad muy marcada y decidida), el como se relacionan los protagonistas o como va creciendo poco a poco su historia de amor en un entorno de lucha contra la burocracia.
¿Podrán tocarse el agua y el fuego?
Además, la película se preocupa de tratar otros temas que enlazan muy bien con la trama principal. El director de la cinta, Peter Sohn, ha querido mostrar parte de su experiencia vital como descendiente de una familia de inmigrantes coreanos afincados en Estados Unidos, mostrando el choque cultural inicial y sus dificultades para integrarse. La familia de Candela viene de otro país en el que solo había elementales de fuego así que les costo mucho abrirse camino en Ciudad Elemento. Algo que consiguieron con esfuerzo y tesón y sin olvidar las antiguas tradiciones de su lugar de origen.
Además, el padre de nuestro protagonista está deseando jubilarse y que su hija se haga cargo de la tienda que regenta. Aunque Candela no parece estar preparada para ello ya que tiene ataques de ira al tener que aguantar a clientes estúpidos, unos ataques que acaban por chamuscar a todo el mundo. Tal vez el problema sea que nuestra elemental de fuego favorita no quiere seguir el camino trazado para ella. Pero después de los sacrificios que han hecho sus padres para llegar a este punto, ¿cómo dejarlos tirados?
Candela con su padre y su madre
Si la película fuera solo una historia de amor quedaría bastante sosa y aburrida. Pero es la conjunción perfecta de estas tres tramas, comedia romántica, choque cultural y búsqueda del propio camino en la vida, la que hace que Elemental acabe contando una historia divertida, emotiva y con un mensaje positivo que hace que merezca la pena su visionado.
Hay otra cosa que también me gustaría destacar y que hace que la película sea aún más divertida. Cómo viene siendo habitual, Pixar sabe crear un mundo maravilloso en el que los cuatro elementos de la naturaleza conviven en una misma ciudad. Esto produce escenas geniales en las que se ve como viven los habitantes de dicha ciudad con las peculiaridades propias de sus características elementales. Desde esos árboles frutales “cosechando”, a los escenarios impresionantes de la ciudad, pasando por como usan sus habilidades elementales los protagonistas, todo funciona de maravilla y hace que el espectador tenga que estar atento en cada momento para no perderse nada. Desde luego, dar vida a una ciudad así es un dechado de imaginación.
Ciudad Elemento, un lugar donde perderse
Para lograr que el mundo de Elemental viva y respire se ha hecho un gran trabajo con la animación. Por poner un par de ejemplos, mantener la llama de Candela en perpetuo movimiento y el trabajo logrado en la animación del agua son dos trabajos de muy alto nivel. Sin olvidar además un tono cartoon que brilla en las expresiones faciales de los protagonistas y que subrayan su personalidad de forma perfecta.
En resumen, Elemental es una película que, aunque parezca la típica historia de amores imposibles, esconde más cosas en su interior que hacen que esta cinta sea muy disfrutable para verla tanto en familia (a los más pequeños de la casa les encantará) como entre adultos que sepan lo que van a ver y no tengan prejuicios. Es cierto que falta la chispa de las mejores producciones de Pixar, pero sin lugar a duda recupera algunas de las buenas sensaciones que habíamos echado de menos y sin olvidarse de ofrecer una buena dosis de diversión y entretenimiento.
Es difícil definir qué es una obra maestra. En lo que respecta al mundo del cine, para muchos será una magistral adaptación de una novela que hayan disfrutado. Para otros, una película objetivamente sobresaliente a todos los niveles. Para mí, una historia que cale tanto en mí que, días después de haberla visto, aún siga conmigo. Esto fue lo que me pasó con Oppenheimer.
Este análisis incluye SPOILERS de Oppenheimer.[sg_popup id=»474931″ event=»inherit»][/sg_popup]
En esencia y como todos sabemos, Oppenheimer es una biografía, una película histórica que bien se podría haber narrado de forma clásica y cronológica, al estilo de películas como Una mente maravillosa. Sin embargo, Christopher Nolan, siendo un cineasta clásico, se muestra profundamente innovador en lo que respecta a la estructura narrativa de sus películas, aspecto que le ha granjeado amores y odios.
Sorprende la fragmentación de la película. A diferencia de Origen (los niveles oníricos), Memento (las alteraciones mnésicas), Interstellar (los agujeros negros) o Tenet (la máquina que avanza retrocediendo), en Oppenheimer no existe una justificación física para fragmentar la trama de la manera en la que la vemos. Como en El Truco Final con su punto de vista epistolar, Nolan elige la narración en primera persona para dos protagonistas distintos.
La pregunta es por qué…
FISIÓN: Prometeo robó el fuego y se lo entregó a los humanos.
La película comienza con una frase sobre el mito de Prometeo que se articula en dos hechos: acción y reacción. Acto y consecuencia. Ambas unidas por un interludio que es la clave de Oppenheimer.
La acción, el acto, está rodada en color y representa el punto de vista de Robert J. Oppenheimer. Mientras la película aparece en este formato, jamás contemplamos nada que no sea lo visto o pensado por el protagonista. Así, las imágenes de ondas y luces que Nolan nos intercala entre planos del rostro del protagonista reflejan cómo el científico vive obsesionado por las presuntas partículas que componen todo lo que nos rodea.
Esta vertiente narrativa recibe el título de fisión. Aunque se explica en la película, lo repito: fisión nuclear es la rotura o división de un núcleo atómico pesado en dos o más fragmentos de tamaño aproximadamente igual, acompañados de algunos neutrones y de gran cantidad de energía.
Este es el mecanismo de la bomba atómica diseñada por Oppenheimer. Utilizando la combinación de diversos hallazgos descubiertos por distintos científicos como Einstein (Tom Conti), Bohr (Kenneth Branagh) o Lawrence (Josh Harnett), Oppenheimer crea una bomba de un poder destructivo nunca antes visto.
Durante toda la película, Oppenheimer defiende el desarrollo de esta arma confiando en que la humanidad, consciente del potencial poder destructivo de una bomba capaz de arrasar con decenas de miles de personas, decida dejar atrás todo atisbo de conflicto bélico y llegar a una cooperación internacional marcada por la responsabilidad que da un poder así.
La narración de Christopher Nolan es tan efectiva que, sabiendo lo que va a ocurrir en Hiroshima y Nagasaki, nos emocionamos con el triunfo del ensayo Trinity y la primera muestra de poder de la bomba de fisión. Nos ponemos de parte de unos científicos que, al convertir la teoría en práctica, se convirtieron en los asesinos materiales de miles de personas.
Alcanzada la cumbre del éxito con el desarrollo de la bomba, sobreviene la culpa por las víctimas japonesas que no ha (ni hemos) llegado a ver.
Pero esta culpa es doble.
Por lo que los humanos ya han hecho con la recién adquirida bomba.
Por lo que pueden hacer.
EL NÚCLEO: Los dioses le castigaron por ello.
Muchas críticas mencionan a Ciudadano Kane como una de las principales referencias de Oppenheimer. Más allá del carácter biográfico de la cinta, en lo narrativo destaca el uso de una excusa argumental en forma misterio para desencadenar toda la estructura narrativa de la trama.
En el caso de Ciudadano Kane, la película se narra como una investigación periodística de una figura compleja como Charles Foster Kane a partir de la última palabra que exhaló antes de morir: Rosebud. Y toda la película gira en torno al significado de esa palabra, que no desvelaré. Mejor id a ver la película.
En cuanto a Oppenheimer, el suceso que desata la particular estructura narrativa de la película y que da sentido a esta es una conversación entre Oppenheimer y Einstein.
Para situarnos, Einstein es, probablemente, el genio científico más conocido del siglo XX. Si bien aparece unos minutos en las tres horas que dura la película, es una figura de referencia para Oppenheimer, aunque discrepen en opinión.
Por ello, podemos decir que Einstein es “dios” en esta película, el primero que abrió camino al “fuego”, es decir, a la bomba atómica.
Y Einstein, al revelarse la aterradora verdad de que Oppenheimer ha desarrollado la bomba a sabiendas de que puede ocasionar una reacción en cadena sin fin que destruya el mundo, reacciona de forma análoga a esos dioses que descubrieron que Prometeo había entregado el fuego a los humanos.
Lo castiga.
Mientras que los dioses atan a Prometeo a una montaña para que los cuervos devoren sus ojos, Einstein únicamente niega el saludo y la palabra a Lewis Strauss de por vida, desencadenando la segunda vertiente narrativa de la trama.
FUSIÓN: Porque Prometeo desconocía el uso que la humanidad podía hacer del fuego.
Esta última parte de la frase es invención mía pero bastante pertinente para la segunda vía narrativa de Oppenheimer, que es la protagonizada por Lewis Strauss.
Mientras que la parte en color surge del punto de vista de Oppenheimer, el blanco y negro nos sitúa desde los ojos de Strauss. El motivo de utilizar esta opción es doble: diferenciarse de la primera vertiente narrativa y recalcar lo auténtico de una audiencia cuya transcripción está reflejada tal cual en la película.
Esta vertiente se denomina fusión. La fusión nuclear es la reacción que se produce cuando dos núcleos poco densos sometidos a elevadas temperaturas se fusionan y forman un núcleo más pesado, liberando una gran cantidad de energía nuclear.
Este es el mecanismo de la bomba de hidrógeno, el siguiente paso en la escalada nuclear tras la bomba atómica. Mientras que Oppenheimer intenta que se controle la proliferación de armas nucleares, Strauss busca fomentar que se desarrolle la bomba de hidrógeno para seguir teniendo ventaja material sobre la Unión Soviética.
Este enfrentamiento en principio ideológico y político se convierte en algo personal que termina destruyendo a Oppenheimer.
A diferencia de Prometeo, que fue castigado por los mismos dioses, Oppenheimer es humillado por sus propios compatriotas, aunque este castigo fuera desatado por el “dios” Einstein.
Strauss, como buen narcisista, imagina que la conversación entre dos gigantes intelectuales como Oppenheimer y Einstein versa sobre él. Por eso, cuando Einstein rechaza su saludo, entiende que Oppenheimer le ha vuelto en su contra.
No entiende que Einstein le ha negado la palabra porque sabe que Strauss tiene la capacidad de destruir el mundo y, lo que es peor, sería capaz de destruirlo solo por salvaguardar su propio interés, por muy estúpido que suene esto. Vamos, ser el rey de las cenizas.
Por ello, Strauss desata toda una venganza que termina por arrasar a Oppenheimer y dando la razón a Einstein: los humanos no deberíamos tener al alcance un poder así por nuestra innata tendencia a la destrucción.
Así, Oppenheimer sufre doble castigo: el de un ser humano como él que es mano ejecutora de lo que dictan los dioses y el de la dolorosa verdad de que los dioses tenían razón.
Una verdad que, aunque sabemos a ciencia cierta antes de acceder a Oppenheimer, se vuelve tremendamente emocionante gracias a la estructura que ha elegido Nolan para su película.
Y también una certeza que nos traslada a la situación actual. Mientras que la fisión habla de lo realizado, la fusión refleja lo que podría pasar si seguimos por este camino de tensión nuclear.
Así, Oppenheimer cumple con un requisito de excelencia de cualquier obra histórica: utilizar un episodio concreto del pasado para situarnos en el presente y advertirnos del futuro.
En definitiva, Oppenheimer es el final (de momento) de un largo camino de obras maestras que convierten a Christopher Nolan en un mago de la narrativa. En un director experto en fracturar la trama para condensar el drama y que este sea más impactante. Es decir, fisionar la narrativa para fusionar el conflicto.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os traemos las novedades de ECC Ediciones noviembre 2023.
Ojo que noviembre viene fuerte. Por un lado tenemos la edición Deluxe de Harleen de Stejepan Sejic, que disfruté mucho en su día. Os la recomiendo. Después tenemos un integral que recopila toda la etapa del Aquaman de GeoffJohns. Y no quiero acabar sin destacar LaMuerte de la Familia, de la colección Grandes Novelas Gráficas de DC o Los Nuevos Titanes de Wolfman y Pérez. Por supuesto tenéis mucho más.
En DC, confirmamos el lanzamiento, simultáneo con Estados Unidos, de la miniserie DC Black Label Batman: La gárgola de Gotham, de Rafael Grampá, justo a tiempo para el Batman Day 2023.
Nos preparamos para la secuela de Aquaman con la esperada recopilación en un único tomo Saga completa de toda la etapa escrita por el guionista Geoff Johns. En ECC Manga destaca el debut de hasta tres licencias, Chiikawa, Los diarios de la boticaria y Superman vs. La comida japonesa: De restaurantes por Japón,a las que hay que añadir Los confines de la oscuridad – Misión en el apocalipsis (Octubre). En cuanto a Kodomo, llega el siguiente trabajo de las premiadas Katia Klein y Rut Pedreño: La isla de Oko: Sonríe. Un encantador cómic lleno de diversión, amistad y aventuras.
Con un episodio más introspectivo pero igual de intenso y con giros de interés, hemos llegado al final de la primera temporada de The Walking Dead: Dead City y quedamos a la espera de la segunda, ya confirmada. Analizamos pues esta sexta y última entrega cuyo título es Doma Smo (en croata, “estamos en casa”). La serie, creada por Eli Jorné, es emitida por AMC+.
Hola otra vez, caminantes del apocalipsis. La primera temporada de The Walking Dead: Dead City ha llegado a su final con mucho de introspección y, como se preveía, sin haber cerrado todas sus subtramas, lo que, doy por descontado, dará material para la segunda. Doma Smo es un episodio que tiene que ver con el pasado y la culpa, además de arrojar luz sobre aspectos que no conocíamos de Negan y Maggie.
Pero mejor pasemos a analizarlo, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden, en los respectivos links, leer nuestros análisis previos, tanto de esta como de las demás series de la franquicia.
Comenzamos con Negan reencontrándose con Ginny. No alcanza a salir del asombro de verla en Manhattan cuando detrás aparece Maggie buscándola y él, con gesto desconfiado, le pregunta si ya lo sabía. Maggie niega y, aprovechando que Ginny no habla, dice que la encontró momentos antes en la arena del Madison, lo cual sabemos que es solo parte de la verdad.
Negan sermonea a la niña con que no debería estar allí y tiene que regresar a la comunidad, pero ella solo se siente segura a su lado y hasta intenta decírselo en el primer intento por hablar que le oímos. En giro sorpresivo y devastador, Negan la calla y le dice que no sabe quién es él realmente para, a continuación, anoticiarla de que ha matado a su padre (de hecho uno de los cinco por cuyo asesinato le buscan) y se ha hecho cargo de ella al quedar huérfana.
La niña no sale de su confusión: de pronto ve como un monstruo a quien hasta instantes antes era su salvador y protector. Conmocionada, huye corriendo mientras Armstrong va tras ella y se compromete a llevarla de vuelta a la comunidad.
Juguetes Perdidos
Desde una ventana, Maggie y Negan miran a la calle en espera de alguna señal del Croata. Ella tiene la mirada perdida en la tienda de Macy´s que se halla enfrente y que recuerda de su infancia como sinónimo de New York por encima de la Estatua de la Libertad: el lugar al que soñaba ir algún día para conocer a Santa Claus y pedirle que recompusiera sus juguetes rotos o le restituyera los perdidos. Ya veremos que este diálogo (en realidad un monólogo) adquiere después significación, pero de momento plantea una dramática ironía con respecto al motivo que finalmente acabó llevándola allí.
De pronto reconocen el auto del Croata y echan a andar siguiendo su camino, que los lleva directamente a la columna de humo que llamara la atención de Maggie desde su llegada a la isla y hacia donde siempre dijo que deberían ir: claro, era el lugar de referencia para entregar a Negan…
De hecho, al ingresar a un edificio, este capta rápidamente tal situación. Hay forcejeos y luchan a cuchillo en un andamio mientras los caminantes acechan abajo cual leones en un foso. En un momento él logra desarmarla y está claro que no quiere matarla, pero todo se revierte y ella acaba apoyándole un cuchillo en la garganta y llevándolo a entregar. Negan dice lamentarlo porque son un buen equipo y juntos podrían haber rescatado a Hershel.
Una vez ante el Croata, este entrega el muchacho a Maggie tras un instante de suspenso en que reconoce haber barajado la posiblidad de no hacerlo y quedarse con ambos. Pero no: ya tiene lo que quiere y es Negan. Llevándole en una ambulancia y en otro monólogo dentro de un diálogo, recuerda cuando lo conoció y recibió de él tal confianza que hasta le hizo entrega de Lucille para que la usara. Afirma que entendió entonces el valor de la obediencia y lamenta haberse equivocado al haber torturado y matado a aquella niña.
El Dedo de la Culpa
Al llegar al teatro abandonado, el Croata lleva a Negan ante la Dama, pero hechas las presentaciones del caso, se encuentra con que esta quiere hablar a solas con él y directamente le echa. Llama la atención el grado de reverencia que el Croata guarda hacia ella, pero sale del camerino como niño obediente.
La Dama hace a Negan la oferta de liderar no solo los grupos de Manhattan sino también los de otras islas, una vida de liderazgo violento a la cual sabemos ( y ella también) que él no quiere regresar: “quizás ya no seas el hombre que eras, quizás nunca lo fuiste” sentencia mientras él nada niega.
Necesita, por lo tanto, una garantía de su lealtad y le hace entrega de la llave de una caja cuyo siniestro contenido es un dedo de pie de Hershel, de quien así nos anoticiamos de que fue mutilado. Maquiavélica y extorsionadora, la Dama sabe perfectamente de la culpa que él sintió por haber dejado huérfano a Hershel, a quien no podría entonces tolerar que le pasase algo. De hecho, ella amenaza con que pueden ir por él nuevamente…
Regreso sin Gloria
Tras dejar a la niña en Hilltop, Armstrong regresa a Nueva Babilonia para rendir cuentas ante las autoridades. Miente diciendo que mató a Negan, pero nadie parece creerle mucho al no haber evidencia material. Antes de pedirle que cuente la historia nuevamente y ponga especial énfasis en el metano, le recuerdan que tiene tres hijas….
Maggie, en tanto, está de regreso en la comunidad con su hijo, pero la relación es muy tirante. Él le reprocha haberle desatendido por su obsesión con Negan y afirma haberse sentido más protegido durante su cautiverio que en casa junto a ella y esperando la próxima cosa mala que fuera a ocurrir.
En la noche y en acto claramente referencial a la historia que contó sobre Santa Claus y los juguetes perdidos, Maggie le deja su dinosaurio en la almohada a una dormida Ginny y después, acusando recibo de las palabras de Hershel, va a verlo para prometerle que las cosas serán desde ahora distintas y ya no habrá obsesión con Negan.
Pero al ponerse más tarde a revisar los dibujos que ha estado haciendo el muchacho mientras se hallaba en cautiverio, su rostro se llena de preocupación al descubrir que entre varios que representan claramente el sitio en que lo tenían, hay uno en que se ve a la Dama sonriente…
Balance de Temporada
Y así se ha cerrado la primera temporada, con una entrega que no tuvo la acción o el vértigo de otras, ni tampoco adrenalínicas escenas con caminantes u horrendas criaturas de varios miembros y cabezas, pero que, sin embargo, ha sido igual de intensa al tomar como ejes la culpa y la introspección, graficados ambos por una cantidad de primeros planos superior al promedio y un acompañamiento musical triste y nostálgico, apoyado mayormente en el piano.
Lo de Maggie entregando a Negan ya lo sabíamos y lo veíamos venir, pero lo de él como asesino del padre de Ginny fue una sorpresa y no porque no le creyéramos capaz, sino porque no pareciera encajar con su perfil actual. El pasado le atormenta y, de hecho, gran parte de la temporada ha estado dedicada a revivir, ya sea en los flashbacks o en los diálogos, el que fuera quizás el momento más impactante y devastador de la franquicia con la muerte de Glenn.
El vínculo que Negan siente con la niña, de hecho, guarda estrecha relación con el que siente por Hershel. Son, en ambos casos, hijos de padres a los que ha matado y allí está la razón de que se sienta responsable por ellos: no puede resucitar a los muertos, pero sí al menos ayudar a que su legado viva. Dicho de otro modo, esos niños son la expresión viva y presente de un pasado que ya no puede recomponer, pero que quisiera…
Un pasado que también persigue a Maggie y no le permite pasar hoja de Glenn y dedicarse a su hijo. Por cierto, no sé a ustedes, pero a mí el muchacho no me está cayendo nada bien: si realmente prefiere a quien le cercenó un dedo por sobre quien expuso la vida por rescatarle, tiene serios problemas psíquicos y una mente obtusa y retorcida sin mucho que envidiarle al Croata o la Dama. Tienes una madre de lujo, Hershel, y te niegas a verlo…
Ya adelantamos en el episodio anterior que esta entrega no iba a cerrar todas las tramas y menos todavía sabiendo que hay una segunda temporada en carpeta. El principal problema, que era el rescate de Hershel, ha quedado resuelto, pero mal resuelto y no lo digo por el guion sino por el sentir de los protagonistas y particularmente de Maggie, que seguramente regresará a New York, ya sea porque su hijo vaya a escaparse en busca de su nueva y perversa familia o porque la culpa de haber traicionado a Negan le termine torturando, algo paradójico tratándose del asesino de su esposo.
Interpreto que cuando dice que ya no vivirá obsesionada con Negan se refiere al sentimiento de venganza, pero ello no quita que no pueda ir por él. No creo que puedan llegar a llevarse bien ni que este sea el tipo de serie que termine con un cliché reconciliatorio. No vamos a ver un abrazo y más probable es que veamos nuevos combates, a cuchillo o como sea. Pero a la vez no sería raro que Maggie quisiese erradicar las culpas de su cabeza para no vivir con ellas: todas las culpas…
Y cuando Negan dice que forman un buen equipo tiene razón: extraño equipo, hay que decir, por basarse en la antítesis y el recelo antes que en el compañerismo y la amistad. No faltan por allí, desde luego, algunos fans fundamentalistas (creo que no muchos) que, desde las redes sociales y al igual que la enfermera que torturaba al escritor en aquella historia de Stephen King, pretendían que se escribiera la serie que ellos querían: una que acabara con Maggie matando a Negan. Afortunadamente, no es la que hemos visto…
Además, se han abierto otras subtramas y la Dama parece ser una caja de sorpresas que hasta puede venir con dedo adentro. ¿Qué tipo de relación especial desarrolló con el muchacho durante su cautiverio? ¿Qué oculta su pasado con el Croata y por qué él parece temerle tanto? ¿Y qué hay de Negan? ¿Aceptará ser cabeza de león porque alguien así se lo ordene? Lo veo difícil…
En fin, creo que hemos visto una muy buena temporada y el cierre, aunque más calmo, termina de confirmarla como el mejor de los spin-offs que hasta ahora ha dado la franquicia: terriblemente oscuro, urbano y sin concesiones.
Solo me queda el agradecerles por haberme acompañado en estos análisis e invitarles, desde ya, a hacerlo también en la próxima temporada. Hasta entonces y sean felices…
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros el plan editorial de Nuevo Nueve Editores, correspondiente al último cuatrimestre de 2023. Vamos a echar un ojo …
Plan Editorial de Nuevo Nueve Editores
Último cuatrimestre de 2023
Estamos en pleno verano y Ricardo Esteban y Nuevo Nueve, nos presentan su plan editorial, previsto para el último cuatrimestre del año:
«Hace unas semanas os mostrábamos las portadas de los títulos que editamos en el primer semestre del año. Muchos sois los que nos habéis preguntado por todo lo que resta del año. ¡Os vamos a complacer!
Hemos incluido, en la presentación que tenéis aquí arriba, las portadas, sus características básicas y una breve sinopsis de todas las obras en las que estamos trabajando de aquí a finales del año.
Muchas están ya en imprenta, otras siendo estudiadas por sus autores para darnos el ok y, las menos, aún en fase de diseño y rotulación. En aquellas que contengan un booktrailers sabed que os van a encantar.
Nos parece que la variedad y la calidad de las historias, así como los magníficos autores que os traemos, hace que este cuatrimestre sea muy especial.
¿Qué os parece a vosotros? Libreros, ir apuntando los meses de salida para pedírselo al distribuidor, UDL. Lector, que no se os pase haceros con esa obra que veis ahora aquí y luego se pierde entre la maraña de novedades de cada mes.
La ayuda de todos es imprescindible para que podamos seguir trabajando en esta línea editorial.
No olvidéis mandarnos vuestros comentarios. Serán todos muy bien recibidos.
¡Cuidaros de calor y disfrutar de las lecturas del verano!»
Esto es lo que nos dice el equipo de Nuevo Nueve, para presentar su Plan Editorial que cerrará 2023.
Hay que destacar una de las grandes obras de 2023: Lo que el viento se llevó, de Pierre Alary.
No debemos olvidar estas obras y series basadas en el «universo Spirou«, que nos trae la editorial madrileña. Este plan, nos anuncia Los amigos de Spirou y el primer número de Super Groom. Ambos títulos, tienen prevista su salida en octubre y diciembre, respectivamente.
Debo decir que hasta el momento, me he hecho con todos los títulos del Universo Spirou, que Ricardo Esteban y su equipo nos están trayendo a España, con gran esfuerzo. Todos ellos se encuentran realizados por grandes autores y son muy, muy disfrutables.
Los amantes del wéstern también tendremos nuestra dosis de calidad, en este nuevo plan editorial de Nuevo Nueve con dos títulos: Hoka Hey! (septiembre) y una nueva entrega Una aventura de Tex: El Último Rebelde (octubre).
No obstante, justo aquí debajo, os dejo el pdf completo que contiene todo el Plan Editorial de Nuevo Nueve, previsto para el último cuatrimestre de 2023.
Ahora que tenemos las primeras cifras de recaudación de este fin de semana histórico para el cine, por fin podemos decir que tanto Barbie como Oppenheimer han sido un espectacular éxito de taquilla.
Lo de Barbie era más previsible al tratarse de una película para todos los públicos. Pero con Oppenheimer hablamos de una biografía histórica de 3 horas de duración con calificación R (mayores de 18 años).
[sg_popup id=»474931″ event=»inherit»][/sg_popup]Según los registros de taquilla, Oppenheimer recaudó en su primer fin de semana 82 millones de dólares en Estados Unidos y 180 millones en todo el mundo, superando enormemente los 50 y 100 millones respectivos que Universal preveía en taquilla.
El magnífico desempeño en taquilla se puede entender desde dos puntos de vista:
Por un lado, el sorprendente efecto Barbenheimer. Hacía años, desde antes de la pandemia, que no se celebraba el cine de esta manera, con dos grandes superproducciones estrenadas a la vez. Y el público, después de múltiples fracasos de taquilla en este 2023, ha respondido. La retroalimentación ha sido positiva.
Por otro lado, el efecto Christopher Nolan. Por mucho odio que genere, es innegable que es uno de los pocos autores del mundo del cine capaz de hacer que los espectadores vayan al cine, ruede lo que ruede.
Recordemos que Nolan tiene dos películas (El caballero oscuro y El caballero oscuro: la leyenda renace) por encima de los 1000 millones. Pero es que Interstellar y Origen recaudaron 800 millones y una película bélica como Dunkerque obtuvo ni más ni menos que 500 millones en taquilla. Tenet, estrenada durante la pandemia, consiguió la nada desdeñable cifra de 360 millones de dólares.
Lo que importa es que en Universal deben estar muy contentos, ya que en solo cinco días Oppenheimer ha conseguido duplicar su presupuesto (100 millones de dólares). Y, dadas las buenas críticas y el boca a boca, no se espera que la recaudación desacelere en el siguiente fin de semana. En Warner Bros deben estar rasgándose las vestiduras.
