Infiestoes una de las últimas películas estrenadas en Netflix, en principio sin nada que la distinga de las demás. Se trata de una cinta policíaca protagonizada por dos agentes que descubrirán una perturbadora trama detrás de la desaparición de una joven. Sin una gran campaña publicitaria detrás ni intérpretes o realizadores demasiado conocidos, ha llamado la atención porque trata un tema omnipresente durante los últimos tres años pero que ha tenido poco eco en la ficción de masas: la pandemia de COVID-19 y el consiguiente confinamiento.
Aunque la industria de los ebooks y de las películas de bajo presupuesto haya producido numerosos productos con este tema como eje central, la cercanía de la tragedia parece haber disuadido al mainstream de tratar un tema como este. Así, podemos aventurar que esta película (y las muchas que le seguirán) tendrá en el futuro cierto valor documental. Pero… ¿merece la pena Infiesto más allá de este elemento distintivo? ¿Tiene algo valioso que ofrecer a los amantes del thriller?
El peor momento para un crimen
En un pueblo de Asturias, durante el primer día de confinamiento en marzo de 2020, aparece una joven desaparecida que se había dado por muerta. Lo que debería suponer un signo de alivio, sin embargo, acaba desvelando una situación mucho más oscura de lo que parecía en un principio: su secuestro está ligado a la desaparición de otros jóvenes, lo que lleva a iniciar una investigación.
Los dos policías encargados de desentrañar la verdad sobre este caso no están pasando por su mejor momento, ya que la pandemia ha trastocado sus vidas. Una de ellos sufre por el contagio de su novio, al que no puede acudir en una situación tan tensa, y otro teme por la vida de su abuela y echa de menos a su familia. Sin embargo, deben dejar a un lado estos problemas para descubrir a los culpables del secuestro y, quizás, evitar nuevos crímenes.
Aquellos días de calles vacías
Infiesto es una película que supone un entretenimiento digno para una tarde de domingo (o de sábado, en mi caso), pero que quizás sea más ambiciosa de lo debido. Con sus referencias apocalípticas y su tono desolador, parece estar ofreciendo una suerte de comentario sobre la situación de hace dos años, pero las limitaciones de este largometraje impiden que nos perturbe tanto como debería.
Tenemos que decir a su favor que Infiesto logra crear una atmósfera agobiante, retrotrayéndonos a esa época que tanto nos hemos esforzado en olvidar, cuando encontrar a alguien por la calle era un acontecimiento y las aceras parecían salidas de una película posapocalíptica. La sordidez de los crímenes, mezclada con algunas escenas realmente emotivas y sobrias que nos muestran el trasfondo de los personajes, suponen el principal aliciente de la película, que somete a sus protagonistas a una presión psicológica que sus intérpretes reflejan de manera magistral.
En este sentido, cabe aplaudir esta novedad, después de un aluvión de cintas y series que (en ocasiones, por impedimentos logísticos difíciles o imposibles de superar) parecían suceder en un universo paralelo donde la pandemia no existía. El arte sirve como evasión, sí, pero también como reflejo y documentación de la realidad, y como base para reflexionar sobre ella. Al igual que Boccaccio dejó para la posteridad su experiencia como superviviente de la peste negra, es positivo que los distintos creadores ofrezcan, conforme la pandemia va quedando atrás, una visión de un acontecimiento tan impactante como este.
Es una lástima que, a pesar de las buenas intenciones, la ejecución deje mucho que desear.
Los problemas de Infiesto
Aunque Infiesto consiga evocar el miedo de aquellos días, la trama es más bien endeble: el misterio no ofrece muchas pistas antes de su resolución, resolviéndose de manera algo burda y, sobre todo, los dos protagonistas están rodeados de secundarios sin carisma alguno que se limitan a cumplir con los clichés más manidos del género. El sospechoso de aspecto turbio que en realidad no ha hecho nada, el jefe de Policía que debe meter en vereda a sus subordinados, la familia separada del agente… están hechos de cartón piedra, y sus diálogos acartonados sobre el coronavirus adolecen de una falta de personalidad que los hace parecer salidos de la boca de un NPC en un videojuego de rol añejo.
Esto se hace evidente en el caso de los villanos que, entrando ya en spoilers, resultan tremendamente insípidos y decepcionantes. El largometraje intenta establecer un paralelismo entre sus creencias y el estallido de la pandemia, pero al final acaban pareciendo unos simples locos sin la clarividencia de John Doe en Seven ni la monstruosidad casi sobrenatural del asesino de True Detective. El uso y abuso que el género ha hecho de las sectas y los sacrificios rituales durante la última década tampoco ayuda.
Conclusión
Infiesto se deja ver y cuenta con una atmósfera muy lograda, unos protagonistas atormentados y algunas meritorias escenas de persecución que compensan por todos sus fallos. También supone una curiosidad interesante, y está por ver si el género policíaco o el terror recogerán el guante para aprovechar este acontecimiento de manera más brillante. Desde luego, tiene potencial.
Sin embargo, Infiesto parece apuntar más alto que al simple entretenimiento, con referencias al apocalipsis y reflexiones sobre el COVID-19, y es ahí donde fracasa por su superficialidad. Su visionado merece la pena, pero podría haber sido mucho más.
Penúltimo episodio de temporada de La Búsqueda: Más Allá de la Historia que nos trae, por fin, la identidad de Salazar. La serie, creada por los esposos Cormac y Marianne Wibberley, está inspirada en las clásicas películas que fueran protagonizadas por Nicolas Cagey es emitida por Disney+.
Bienvenidos a un nuevo encuentro con La Búsqueda: Más Allá de la Historia o, para quienes nos leen en Latinoamérica, La Leyenda del Tesoro Perdido: Al Límite de la Historia, que es como allí se conoce. Nos queda un solo episodio para cerrar la temporada y esta novena entrega, ya desde su título Encuentro con Salazar, nos trae precisamente la revelación sugerida, pero para llegar allí se vuelve a basar en el mismo tipo de incoherencias que, en general, han caracterizado a esta primera temporada.
Aun así, no puede decirse que no haya sido un episodio entretenido, pero mejor pasemos a analizarlo no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordarles que pueden leer aquí nuestros análisis anteriores.
Polígrafo
Finalmente, Liam y Oren han ido a la sede del FBI para denunciar el asesinato de Myles. Atendidos por la agente Ross, son puestosal tanto de que no se ha hallado cuerpo alguno en el domicilio de Peter Sadusky, aunque sí todo revuelto.
Cambiando su testimonio anterior, ahora Oren denuncia que sí fue secuestrado por Billie aquel día del museo. Ross le somete al polígrafo y, en efecto, pasa la prueba.
En el lugar se encuentran también Ethan y Tasha que, recordemos, fueron detenidos apenas cruzar la frontera. Ross, que ahora le cree a Oren, intercede para que los suelten, así que apenas liberados, los cuatro se ponen a trabajar en la búsqueda de Jess.
En Busca de Huellas
En salida a cenar con el forense Zeke, Ross le plantea sus dudas y su impotencia. A él se le ocurre que si no encontraron ningún cuerpo en casa de Sadusky, tampoco habrán buscado manchas de sangre y sobre ello se puede trabajar. Sin embargo y una vez en el lugar, no encuentran ninguna, evidencia de que los de Billie han limpiado bien la escena.
Pero en ese momento caen dos de ellos a la casa en busca del móvil de Myles que, efectivamente, encuentran. Ross y Zeke se mantienen ocultos hasta que ella sale y los apunta con su arma; sobreviene entonces un tiroteo y uno de los sujetos cae abatido mientras el otro escapa…
No queda más remedio para Ross que denunciar lo ocurrido. Hendricks le pregunta qué hacía allí y ella le pone al corriente de que el enfermero fue asesinado y que seguramente Billie está detrás de todo. Él insiste en que no pueden arrestar a alguien solo por un acento en la pronunciación y Ross le da tristemente la razón…
S.O.S.
Billie y los suyos, con los secuestrados Jess y Rafael, están volando hacia Mississippi, pues gracias al transmisor que él llevaba en el calzado pudieron oír que allí debía hallarse el tesoro. En el cuaderno de anotaciones de Rafael, Billie encuentra un lápiz y adentro una aguja que abre el medallón de Jess: en su interior, encuentra un orientador o brújula antigua. Rafael busca desanimarla con que no funciona, pero, muy segura de sí misma, ella repone que lo hará una vez en el Pantano del Diablo.
Jess es vigilada por Kacey, pero ya sabemos cuán inepta puede esta llegar a ser y no sorprende que la joven logre alcanzar el bolso que le sustrajo Billie y extraer el móvil de Ethan para emitir un S.O.S. Cuando Kacey lo advierte, ya es tarde…
El mensaje es recibido por Meena, ¿la recuerdan?: la ex novia de Ethan despechada tras aquel baile en la fiesta del gobernador (episodio 5) a la que ahora se ve con sus amigas en un local de karaoke, muy liberada y hasta recibiendo invitaciones de tragos. Alertada por el mensaje, llama a Oren para preguntarle qué está pasando con Ethan y, claro, se encuentra con que está con él…
Ethan supone que el mensaje debe ser de Jess, de lo que Meena deduce que ella entonces tiene su móvil y le espeta que ya está harta de su historia compartida. Antes de que corte la comunicación, él la pone al tanto de que Jess ha sido secuestrado y, logrando impactarla, consigue que le pase el pin del llamado para saber de dónde procede.
Logran determinar que coincide con el océano y más precisamente con el golfo de México, infiriendo de ello que Jess está con Billie a bordo de su avión.
Se dirigen entonces a un motel porque, según Tasha, allí deben tener un televisor antiguo: resulta que, en efecto, la muchacha se vale de las antenas de uno para acoplarlas a un “dongle” que dice llevar siempre consigo y así rastrear el vuelo. No entendí mucho e ignoro si eso es posible, pero más improbable aun me parece que los moteles en Estados Unidos sigan teniendo televisores a válvula con dial y dos antenas…
Armado el extraño dispositivo, Tasha logra dar con el vuelo y comprueban que se dirige hacia una pista en Vicksburg, Mississippi. El lugar existe porque, de hecho, allí se libró una importante batalla de la Guerra de Secesión, pero no sé si tendrá pista de aterrizaje.
Durante el viaje, Oren y Ethan echan ojo al libro que a este le dejara su abuelo, cuya portada reza Crast est Nostrum y su primera hoja El Libro de los Tesoros Perdidos. La verdad que el interior luce bastante bien para lo ajado y amarillento que está por fuera pero, entre otras cosas, encuentran la frase que siempre repetía Peter acerca de que no hay mayor tesoro que el tiempo, palabra que aparece subrayada…
Buscando alguna relación, Oren piensa en las fechas que en el libro aparecen datando antiguos tesoros arqueológicos aún no hallados, como la tumba de Nefertiti o la coraza de Alejandro. Relacionando fechas con páginas y siguiendo las palabras en ellas subrayadas, logran construir una frase y descubrir que el grupo Crast est Nostrum es, en realidad, una organización de destructores de tesoros, aunque no se sabe con qué objetivo.
Hallan también referencia a Billie y a Salazar, de quien Liam deduce que es el líder de la mencionada organización mientras que ella solo trabaja para él. Cae en la cuenta de que seguramente mataron a su abuelo porque estuvo a punto de exponerlos.
Salazar
Tasha ha logrado entrar en las cámaras de seguridad de los hangares de Vicksburg y descubren allí al grupo de Billie, con Jess y Rafael. Se advierte una lancha, lo que evidencia que planean ir hacia el Pantano del Diablo, al cual Oren define como una especie de “triángulo de las Bermudas” en el cual la gente, se dice, desaparece: sugiere que el mito puede haber sido creado por las Hijas de la Serpiente Emplumada para alejar a ladrones y curiosos.
Tasha le envía la imagen a Ross, quien le había dejado su número por las dudas. Esta la recibe estando aún en casa de Sadusky y, enseñándosela a Hendricks, le pregunta si podrán arrestar a Billie por eso…
En el hangar, Rafael comenta por lo bajo a Jess que hay que estar atentos por si aparece “el coyote” y que el pantano está lleno de trampas mortales. Jess sugiere que podrían llevar a Billie y su grupo hacia ellas mientras Rafael celebra que sea tan inteligente como su madre y tan artera como él.
Ross y Hendricks llegan a Vicksburg, pero encuentran el avión de Billie abandonado (¿no dejó siquiera uno de los suyos para cuidarlo entre tantos que la acompañan?). Ross llama a Tasha para ponerla al tanto y esta le comenta que vieron partir la caravana de Billie, presumiendo que van hacia el Pantano del Diablo.
Pero Ross ve entonces a Hendricks juguetear con un estuche de pastillas y relaciona con las manchas anaranjadas de las que Zeke le hablara en el informe sobre Sadusky; deduce que fue Hendricks quien lo mató y utilizó a Jess como chivo expiatorio…
Tras apuntarlo con su arma y mientras él niega todo, lo deja esposado en el avión y da aviso al FBI de que vengan a buscarlo. Antes de que ella parta, Hendricks le advierte que la matarán si va sola al pantano. Ross hace caso omiso y emprende su camino, aunque llama a Zeke para decirle adónde se dirige y que dé aviso si en veinte minutos no da noticias.
Los amigos de Jess estacionan cerca del embarcadero y siguen a pie, pero paralelamente llega al lugar Ross que, sorprendiendo al grupo de Billie, apunta a esta con su arma y conmina al resto a dejar las suyas si no quieren que la mate. Obedecen, pero de repente alguien atraviesa a Ross desde atrás con una espada y resulta ser Hendricks que, viéndola agonizar, le recuerda que trató de advertirle. Claramente turbado, Rafael le reconoce como Salazar y en un flashback le vemos matando al hermano de Billie por considerarlo un lastre…
Balance del Episodio
Es increíble la habilidad de autores y guionistas para liquidar a toda prisa toda dupla, colaboración, triángulo, subtrama o personaje secundario que amenace con cobrar un mínimo de importancia. No sé cuántas palabras le habremos oído decir a Maddox, pero ya no está. La sociedad entre Liam y Myles insinuaba algún potencial, pero se cargaron tan rápidamente al enfermero que no pudo mostrar ninguno. Yahora que por fin la pobre agente Ross había logrado algo de protagonismo y superado los cinco minutos de presencia, ya no está entre nosotros… o eso parece.
Pero, bueno, también es cierto que ella puso su parte con la tontería de dejar a Hendricks en el avión. Si ya lo tenía esposado, no veo por qué no podía llevarlo consigo y, por cierto, tampoco entiendo cómo hizo para llegar al embarcadero antes que los amigos de Jess, siendo que ellos ya iban en camino cuando le pasaban información.
¿Y qué pasó con ese insípido inicio de romance con Zeke, personaje al cual apenas tuvimos tiempo de conocer? Otra sociedad muerta antes de nacer: si esa pareja tenía futuro, ya no lo sabremos; a menos, claro, que Ross no esté muerta. Y solo se justificaría su paso por la serie si en el episodio que nos queda Zeke tuviera al menos alguna participación clave a partir del llamado y el pedido que ella le hizo. Veremos…
Nos falta solo un episodio para terminar la temporada y esta penúltima entrega ha sido, no se puede negar, entretenida, pero tan endeble y plagada de incoherencias como casi todo el resto e incluso, diría, por encima del promedio. Casi como si las insensateces fueran aumentando en la medida en que nos vamos acercando al final.
El infantilismo de los villanos ya da risa. Billie jamás chequeó el contenido del bolso que le entregó Jess y la confirmación al respecto nos llega con el dato de que ni ella ni nadie de su banda advirtió que en el mismo había un teléfono móvil (?). Ni siquiera estaba adentro, sino en un bolsillo externo y a la vista.
Absoluto sinsentido, entonces, el que una villana tan fría y calculadora haya decidido marcharse de México sin siquiera saber qué llevaba, como ridículamente absurdo que dejen el bolso a los pies de Jess, a quien ni siquiera llevan atada. Más aún: llegados a Vicksburg, hasta les permiten caminar muy sueltos y relajados tanto a ella como a su padre, que pueden con tranquilidad hablar y acordar planes sin que nadie se les acerque para indagar qué están cuchicheando: casi como si los matones respetaran el momento íntimo entre padre e hija…
La facilidad de Tasha para rastrear aviones o ingresar a cámaras de seguridad es tan asombrosa que nos hace preguntarnos qué narices hace viviendo con Jess en un departamento que les cuesta pagar. ¿No puede, con tanta capacidad, conseguir un trabajo acorde y bien remunerado? Con las cosas que le hemos visto hacer, debería por lo menos tener un penthouse a su nombre…
El modo en que se van uniendo las pistas del libro es, desde ya, otro disparate, al igual que la simpleza con que Liam y Oren las van relacionando con solo echarles un vistazo durante un par de minutos mientras viajan en el asiento trasero para rescatar a su amiga. Y si Sadusky tenía tanto interés en que su nieto continuara el legado familiar y salvaguardara el tesoro, ¿por qué no le dio pistas más concretas y entendibles en lugar de frases crípticas y románticas sobre el tiempo? El pantano es otro despropósito: se ve bastante grande y misterioso, pero ha de tener un solo embarcadero o no se entiende que todos vayan a parar al mismo lugar. En fin…
Yendo a lo que nos ha dejado el episodio, lo más importante es sin duda la revelación de la identidad de Salazar. O de quien ocupa, mejor dicho, ese lugar ya que, de acuerdo a lo que supimos en el episodio anterior, Salazar es más bien un cargo que un nombre y va siendo detentado sucesivamente por distintos líderes. Pero debo admitir que no esperé que fuera Hendricks, más allá de que este nunca nos diera buena pinta y viniéramos diciendo en análisis previos que había algo turbio dentro del FBI…
Yo le ponía más bien mis votos a Billie, pero ahora y con la revelación a la vista, también tiene sentido que ella supiera que no era Salazar quien estaba en prisión. Me da pena Ross: hizo todo por luchar contra el sistema, no se resignó ante la evidencia, luchó por desentrañar la verdad, pero terminó atravesada por una espada que, original o réplica, infiero que debe ser la de Hernán Cortés, aquella de la cual Billie lograra hacerse en el primer episodio mientras seguía una pista falsa.
Ahora, nuestras esperanzas están puestas en los amigos de Jess o bien en Zeke, aunque no sabemos todavía de qué van el «coyote» y las trampas mortales de que habló Rafael.
No sé cómo lograrán dejar más o menos cerrada la cosa de modo satisfactorio en el único episodio que nos queda, pero tampoco sé si es algo que preocupe a los autores cuando se han pasado toda la temporada concatenando hechos y situaciones de manera casi azarosa…
A lo que me refiero es a que no hay motivo para pensar que no vayan a hacer lo mismo en el episodio restante y cuando hablo de azar, me refiero a que por más que tratemos de encontrar la lógica detrás de todo esto, la trama no deja de basarse en increíbles casualidades y coincidencias, como que alguien oiga algo en el momento justo o decida escapar de la cárcel en el mismo momento en que van a rescatarle.
Nos queda esperar hasta la próxima semana para ver si la serie puede darnos alguna sorpresa y no me refiero a nuevos giros, sino a que la lógica, de una vez por todas, diga presente. Y si no es la lógica, al menos la sensatez, que no es lo mismo, pero a esta altura nos conformamos. Mientras tanto, los momentos más divertidos los sigue aportando Oren: “El lugar ideal para morir”, dice al entrar en la habitación del motel. Brillante…
Les espero la próxima semana para analizar el cierre de temporada. Hasta entonces y sean felices…
Llaman a la puerta, la última película de M. Night Shyamalan, ha destronado en taquilla a Avatar: El sentido del Agua en su primer fin de semana en los cines después de casi ocho semanas consecutivas siendo la líder indiscutible.
Según The Hollywood Reporter, Llaman a la Puerta de M. Night Shyamalan destronó oficialmente Avatar: El sentido del agua en su primer fin de semana en los cines con un total nacional de $ 14.2 millones de 3,643 cines. Esto está en línea con las estimaciones anteriores de que el thriller vería un total de alrededor $ 14.5 millones. Si bien fue el estreno más bajo para cualquiera de las películas anteriores de Shyamalan, los números del fin de semana de apertura de Llaman a la puerta superaron a los de Avatar: El sentido del agua, que ganó $ 10.8 millones a nivel nacional en su octavo fin de semana en los cines.
Llaman a la puerta de Universal ganó $ 5.4 millones en su primer viernes en los cines, un número que incluye los $ 1.45 millones de la película en los preestrenos del jueves. Basada en la novela titulada The Cabin at the End of the World de Paul G. Tremblay, la peícula está protagonizada por Dave Bautista, Rupert Grint, Jonathan Groff y Ben Aldridge. La historia sigue a una familia cuyas vacaciones son interrumpidas por cuatro extraños que afirman tener visiones del apocalipsis. Según estos extraños, la familia debe matar a uno de los suyos para evitar el fin del mundo.
Paul Tremblay nació en Aurora, Colorado, en 1971 y se crio en Massachusetts. Tras licenciarse y hacer un máster de Matemáticas en la Universidad de Vermont, se dedicó a dar clases en un instituto de Boston. En 2015 escribió sobre un exorcismo televisado en Una cabeza llena de fantasmas (Nocturna, 2017), que ganó el Premio de Novela Bram Stoker (concedido por la Asociación de Escritores de Terror) y del que Focus Features está preparando una adaptación cinematográfica. Posteriormente publicó libros como Desaparición en la Roca del Diablo (Nocturna, 2018) o La cabaña del fin del mundo (Nocturna, 2021), llevada al cine por M. Night Shyamalan con el título de Llaman a la puerta. En El Club de los Portaféretros (Nocturna, 2023) presenta una misteriosa historia sobre la llegada a la madurez ambientada en la década de 1980.
Los dilemas morales vuelven a la pantalla con esta película de Shyamalan. ¿ Eres capaz de sacrificar lo más querido por un bien mayor ? O aún más, ¿ puedes elegirte como la persona que va a morir a cambio de salvar a los demás ?. Estas encrucijadas siempre han generado muchos temas para el arte. Recuerdo un libro y obra de teatro donde se ofrecía a un personaje la posibilidad de recibir una cantidad ingente de dinero y a cambio en algún lugar del mundo moriría alguien que no conoce.
Aunque El sentido del Agua ha sido destronada, la película es actualmente la cuarta película más taquillera de la historia, atravesando oficialmente los $ 2 mil millones de dólares el 22 de enero. En su séptimo fin de semana en los cines, la película agregó $ 15.7 millones a su recaudación de taquilla nacional, que en ese momento hizo un total nacional de $ 620 millones y un centavo global de $ 2.117 mil millones. Con estos números, fue la primera película en reclamar el primer lugar en la taquilla durante siete fines de semana consecutivos desde el primer Avatar en 2009.
Con un presupuesto de entre 350 y 400 millones de dólares, se informó que la secuela de Cameron era una de las películas más caras de la historia. El director insinuó previamente que El sentido del Agua necesitaría ganar más de $ 2 mil millones en todo el mundo para alcanzar el punto de equilibrio. En su cuarto fin de semana en los cines, la película superó a Jurassic World como la séptima película más taquillera de todos los tiempos con un total mundial de $ 1.708 mil millones.
El sentido del Agua se desarrolla una década después de los eventos de Avatar de 2009 y ve a Worthington y Saldaña repetir sus respectivos papeles como Jake Sulley y Neytiri. Otros miembros del reparto que regresan incluyen a Stephen Lang como el Coronel Quaritch y Sigourney Weaver. Cameron ha planeado tres películas más en la saga Avatar, aunque el director ha declarado que Avatar 4 y 5 dependerán del éxito de las dos primeras secuelas, incluyendo Avatar: El sentido del Agua.
‘The Last of us’ de HBOcontinúa demostrando que ha llegado a nuestras vidas para ser la mejor adaptación de un videojuego y una serie merecedora de estar entre las grandes de este 2023.
El capítulo anterior dividió al fandom, aunque (personalmente) me sigue pareciendo una maravilla y una lección magistral de cómo escribir un guion y conseguir en una hora que lloremos con lo que les ocurre a los nuevos personajes.
Joel ha pasado por muchas vicisitudes a lo largo de su vida y la pérdida de Sarah lo ha marcado de una forma que poco podemos imaginar. Ha levantado un muro para evitar sufrir del mismo modo como lo hizo el primer día de esta terrorífica pandemia, pero la vida se ha propuesto derribar esa barrera. La muerte de Tess fue una bomba que lo dejó tocado y el carácter dicharachero, a la par que oscuro, de Ellie está abriéndose camino hasta el corazón del personaje interpretado por Pedro Pascal.
El episodio 4 de The Last of Us son 45 minutos en los que Joel y Ellie van a tener un tiempo muy un valioso para estrechar unos lazos que Joel parecía tener olvidados o que murieron hace 20 años. El guion ha ‘robado’ los mejores momentos del videojuego de Naughty Dog para que la relación y el vínculo entre ambos crezcan.
He de reconocer que me he reído mucho al ver recuperados esos momentos en los Ellie se lanzaba a contar chistes (a cual más malo) de ese libro que nunca la abandonó. Adoro el momento de la revista para adultos.
Craig Mazin sabe que hay escenas que no puede dejar a un lado, y no lo hace por el mero ‘fan service’ no, lo hace porque sabe que son un pilar inamovible para construir una relación que es la razón de ser de ‘The last of us’.
Ya dije (y no me canso de hacerlo) que la química entre Joel y Ellie es la base para que todos los acontecimientos de esta serie sean creíbles y Pascal y Ramsey están de 10 en cada una de sus interacciones y algunas son duras.
En este cuarto episodio no tendremos mucha acción, aunque algo más que en el anterior, el viaje de estos dos supervivientes para a continuar para llevar a Ellie con los luciérnagas y encontrara Tommy. Así que la ‘road movie’ clásica va a volver a ‘the last of us’, ya que el camino no es solo ir de un punto a otro, es un viaje de emocional en el que ambos personajes van a crecer para lo que nos espera en el quinto y en la recta final de temporada.
‘El hombre es un lobo para el hombre’ y eso lo deja muy claro la serie con la llegada de nuestros protagonistas a Kansas City y su tropiezo con un grupo de supervivientes. No hay blancos y negros en esta serie, todos son grises, grises oscuros (incluso Ellie) y todo lo que ocurre en la recta final del capítulo lo demuestra.
Ha sido muy impactante la muerte del joven malherido y como Joel utiliza a Ellie para que su ejecución ocurra fuera de plano. No por disminuir la violencia, sino para potenciarla con la imaginación del espectador y ponerlo en la piel de la adolescente.
No hacen falta infectados o chasqueadores para tenernos en tensión a la vuelta de cada esquina, hay amenazas muchos peores. Unos peligros que van a unir a Joel y Ellie en este viaje tortuoso por unos Estados Unidos devastados.
La potencia visual de ‘The last of us’ es tan apabullante que consigue que la serie crezca mucho alrededor de un guion que roza la perfección.
Conclusión
‘The last of us’ no deja de sorprenderme, para bien, con la gran calidad con la que está sabiendo llevar la historia del videojuego, haciéndola crecer con un ‘relleno’ magistral que no nos está dejando indiferentes.
Más allá de polémicas sobre el episodio anterior, creo que nadie puede dudar del gran trabajo que se está llevando a cabo con esta adaptación y lo excepcional del guion de Craig Mazin.
Bella Ramsey y Pedro Pascal son el casting perfecto para sus personajes, más allá de parecidos razonables o no, creo que HBO ha sabido elegir a los actores que nos están dejando momentos memorables… y los que quedan.
Hay un momento mágico, que será un punto de inflexión y cuando vemos a Joel reír por primera vez en 20 años. Una risa que debe hacerle daño por dentro.
Teniendo en cuenta quienes aparecen la escena final, nos espera un quinto capítulo muy, pero que muy interesante que muchos estábamos esperando.
Hoy revisitamos Flash Gordon, la película de Mike Hodges que, estrenada en 1980 con producción de Dino de Laurentiis e icónica música de Queen, rescatara a uno de los más clásicos personajes de cómic en forma bizarra pero atractiva.
Bienvenidos a un nuevo retro-análisis, hoy para mí especialmente emotivo por dos razones: en primer lugar, porque Flash Gordon, a la par de Batman, Superman o Spider-Man fue uno de mis primeros héroes de cómic; en segundo lugar porque el estreno de la adaptación que nos ocupa marcó fuerte una parte de mi adolescencia (y quizás la de muchos).
Lo curioso es que Flash Gordon no fue éxito en Estados Unidos (más bien una decepción de taquilla), pero sí en el resto del mundo, particularmente Europa (sobre todo Reino Unido) y Latinoamérica, donde se estrenó en 1981 coincidiendo con el gran suceso de la gira de Queen: mejor tráiler imposible, sobre todo porque la banda hacía en sus shows el tema principal y Freddie Mercury lucía en el escenario una casaca como la del personaje.
Los Orígenes
Pero esta es una historia que nace mucho antes y en el cómic: Flash Gordon fue creado por el inmenso Alex Raymond en 1934 para la editorial King Features Syndicate. En ese momento fue concebido como competencia de Buck Rogers, considerado al día de hoy como la primera historieta de ciencia ficción, pero mientras que este nació a partir de dos novelas cortas y fue llevado después a tira de prensa, Flash Gordon lo hizo propiamente en el cómic.
Aventurero que surcaba el espacio en compañía de su novia Dale Arden y el científico Hans Zarkov, tenía como principal antagonista a Ming, cruel tirano que gobernaba el planeta Mongo y en quien muchas veces se ha visto una crítica contra los totalitarismos que por esa época asolaban Europa: su tipo físico, sin embargo y al igual que el nombre, estaba más cerca del estereotipo asiático estiloFu-Manchú, tan instalado por esos años.
Raymond estuvo a cargo del guion y los dibujos de Flash Gordon hasta finales de los cuarenta, pero ya a partir de los cincuenta y hasta 1990, su lugar fue tomado por otro grande: Dan Barry . Tengo un especial cariño por esa etapa porque con ella conocí al personaje, ya fuera por las publicaciones mexicanas de Editorial Novaroo las tiras que aparecían en El Tony, primera revista argentina con contenido exclusivamente dedicado a historietas. Barry le dio a Flash Gordon un carácter más científico en consonancia con los últimos avances en la carrera espacial e incluso un nuevo enemigo: los temibles skorpii.
Antes de pasar a la película que nos ocupa, una última nota de color sobre el cómic: en algunos países latinoamericanos, el personaje fue durante algún tiempo conocido como… Roldán, El Temerario (???).
El Proyecto
Mucho antes de la película que nos ocupa y apenas dos años después de la primera publicación del cómic, Flash Gordon tuvo ya en 1936 un serial para cine protagonizado por Buster Crabbe, que sería después seguido por otros dos. Los tres serían más tarde compilados como largometrajes e influirían enormemente sobre la infancia, adolescencia o juventud de grandes cineastas como Federico Fellini o George Lucas. Ambos, de hecho, intentaron en los setenta llevar el personaje a la pantalla con una gran superproducción.
Fellini llegó incluso a adquirir los derechos a Dino De Laurentiis, quien los había adquirido previamente y producido la mayoría de sus películas: problemas de agenda, finalmente, hicieron que el prestigioso director italiano (lástima) nunca llegara a plasmar el filme.
Lucas, por su parte, ni siquiera consiguió que De Laurentiis le vendiera los derechos, pero nunca fue para él un problema que le dijeran que no y, fiel a su estilo, decidió hacer su propia película. Sí, adivinaron: Star Wars (algo semejante a cuando acabaría produciendo Willow tras no conseguir los derechos de El Señor de los Anillos). Es fácil reconocer la influencia de aquellos viejos seriales en la saga Star Wars, ya sea en esos textos que se proyectan hacia el espacio, en la música claramente inspirada por Gustav Holst o en una princesa Leia que, algo más light, hace acordar bastante a Aura, hija de Ming.
Descartados Fellini y Lucas, De Laurentiis fue en busca de otro fan del cómic original: Sergio Leone. Tan fan, de hecho, que no aceptó hacerse cargo del filme en cuanto supo que no era fiel a las tiras de Raymond que idolatraba. Se barajó entonces a Nicolas Roeg y ya estaba todo dispuesto para que el rodaje largara en 1977, pero nuevamente hubieron desavenencias, solo que al revés: esta vez fue De Laurentiis quien no quedó conforme con el tono y el rumbo que el director quería dar al filme.
Pero se empezaba a terminar la década y había un panorama distinto para la ciencia ficción. Star Wars había revolucionado todo y no dejaba de ser una ironía que la película que Lucas había hecho en despecho por no poder acometer la suya propia de Flash Gordon, allanara el camino para que la industria (y particularmente Universal Pictures) viera con buenos ojos el proyecto.
Quizás cansado de tanto roce, De Laurentiis decidió esta vez ir en busca de un director menos estrella y este fue el británico Mike Hodges, quien, de todos modos, no era un don nadie: acreditaba en su haber títulos como Get Carter o Pulp (ambas protagonizadas por Michael Caine) y estaba ya empapado en la ciencia ficción por haber dirigido El Hombre Terminal, adaptación de la novela homónima de Michael Crichton con George Segal en el papel principal.
El elegido para el guion fue Lorenzo Semple Jr. Si se considera que había sido guionista de muchos episodios de la serie Batman de los sesenta, ya estaba claro el rumbo que De Laurentiis quería para la película: el de una comedia del absurdo en el estilo, por ejemplo, de Barbarella (Roger Vadim, 1968), que él mismo había producido. La pregunta, claro, es si estaba en la década correcta para que ese tipo de propuesta tuviera buena acogida…
El Elenco
Sam J. Jones no fue la primera opción para interpretar a Flash Gordon, sino Kurt Russell, quien no quedó convencido por lo “infantil” del guion. También se barajó a Arnold Schwarzenegger, quien venía de ser Mr. Universo y Mr. Olympia pero no había aún ganado fuerza de ícono en el cine (faltaban algunos años para Conan y Terminator): el principal motivo para no asignarle el papel, sin embargo, fue su fuerte acento austríaco.
En cuanto a Sam J. Jones, que resultó finalmente el elegido, siempre he dicho que tiene perfil de actor por-no (perdón que lo escriba así, pero si pongo la palabra, el logaritmo de Google me hunde en las búsquedas) y la verdad es que su experiencia previa al filme no andaba tan lejos, pues, bajo el seudónimo de Andrew J. Cooper III, había sido modelo para la revista Playgirl, versión femenina de Playboy. En cine, su única experiencia era un pequeño papel en 10 La Mujer Perfecta, de Blake Edwards.
Apenas supo que audicionaría para Flash Gordon, Jones se tiñó el pelo de rubio oxigenado. No sabemos si eso influyó, pero se quedó con el personaje. No tenía mucha idea de actuación, pero tampoco mucho de qué preocuparse cuando la elegida para coprotagonizarlo tampoco la tenía: Melody Anderson, una completa debutante en cine con solo algunas participaciones televisivas, fue quien se quedó con el personaje de Dale Arden.
Pero si la pareja principal era incapaz de aportar mucho desde lo actoral, distinto era lo que ocurría a su alrededor: Max Von Sydow, nada menos, daba vida a un magnífico emperador Ming; una solventeOrnella Mutia la princesa Aura; Mariangela Melato, otra italiana, a la general Kala; Timothy Dalton (más tarde James Bond) y Brian Blessedaportaban su oficio interpretando respectivamente a los príncipes Barin y Vultan. Sobreactuado, en cambio, ChaimTopol en el papel de Zarkov.
La Historia
La película comienza igual de delirante que el cómic. Una serie de desastres naturales sacuden a la Tierra mientras llueven meteoritos y la Luna se ha salido de su órbita con peligro de colisión. Uno de los meteoritos, justamente, impacta contra el ala del avión en que viajan el jugador de fútbol americano Flash Gordon (en el cómic jugador de polo) y la agente de viajes Dale Arden. La aeoronave, de todas formas, es atraída por el rayo de Hans Zarkov, científico excéntrico que tiene su base oculta en las Rocallosas tras haber sido rechazado por todos los círculos académicos, pero que es el único que entiende qué está pasando…
El origen de tanto desastre está ubicado en un lejano planeta hacia el cual planea Zarkov dirigirse con la nave que él mismo ha diseñado, pero que no puede pilotar sin compañía (digamos que no la diseñó muy bien entonces), por la cual secuestra a Flash y Dale a punta de pistola.
Nunca queda claro cómo piensa Zarkov solucionar el problema una vez en el planeta, pero llegados al mismo, resulta que el mismo se llama Mongo y está gobernado con mano férrea por el temible emperador Ming, que es quien está detrás de todas las calamidades que, solo por aburrimiento, ha abatido sobre la Tierra.
No todos en Mongo están conformes con la dictadura de Ming: allí están los pueblos subyugados como las tribus de Arboria, los hombres-halcón, los hombres-lagarto y los hombres-tiburón, pero les falta un héroe y líder capaz de unirlos y lo encontrarán en Flash. No faltan los triángulos y romances cruzados, ya que Ming convierte a la novia de Flash en su objeto de deseo y la princesa Aura a Flash en el suyo. A la larga, se anuncia una batalla épica.
Estética del absurdo
Vamos a dejar algo en claro: en Flash Gordon todo es ridículo. Y es la idea. ¿Se podía esperar otra cosa habiendo contratado al guionista del Batman sesentero? Algunos podrán decir, con justicia, que la película llegó a los cines por “efecto Star Wars” (a su vez, paradójicamente, influida por los cómics y seriales de Flash Gordon), como también que el encapuchado y enmascarado general Klytus (ausente en los cómics) hace acordar demasiado a Darth Vader. La tendencia estaba instalada y era inevitable, pero a no confundirse: esto no es Star Wars.
Ya desde la estética, se advierte una tendencia deliberada a la exageración y a un barroquismo que remite en buena medida a los cómics de Raymond, pero también a El Mago de Oz (la capital de Mongo tiene mucho deCiudad Esmeralda y los hombres-halcón de los monos voladores) y hay mucho tributo a los sesenta, siendo la mencionada Barbarella la referencia más obvia.
No deja de ser extraña la paradoja de que decorados y vestuarios luzcan bizarros, pero decir que son baratos es una infamia: por el contrario, son bien lujosos y llenos de estilo, con un formidable trabajo de Danilo Donati, quien acreditaba una larga experiencia en el cine italiano trabajando para directores como Federico Fellini (Satyricon, Casanova, Roma, Amarcord), Pier Paolo Pasolini(El Evangelio según San Mateo, El Decamerón, Los Cuentos de Canterbury, Saló o Los 120 Días de Sodoma) o Franco Zeffirelli (Romeo y Julieta, Hermano Sol Hermana Luna): casi nada, ¿verdad? Por cierto, el traje de Ming pesaba unos treinta kilos. De barato nada: lo que luce barato es porque así quiere lucir…
La paleta de colores es igualmente maravillosa, tanto en la corte de Ming como fuera de ella, con esos cielos intensamente festoneados de rojo y azul que me hubiera encantado ver en Star Wars. El tratamiento cromático bien chillón tiene mucho de homenaje al cómic y no es casual que la película se inicie con viñetas que se suceden vertiginosamente: en Marvel creen que inventaron algo…
No tiene sentido juzgar la historia por su verosimilitud. Insisto: todo es absurdo. Y si uno acomete el visionado de la película buscando racionalidad, no encontrará sentido alguno a que los habitantes de Mongo hablen el mismo idioma que los terrícolas, a que la sangre de Ming sea verde cuando la de su hija es roja, a que la guardia de Ming conozca el reglamento del fútbol americano o a que la boda entre este y Dale se lleve a cabo con los acordes de la Marcha Nupcial de Wagner (aunque en guitarra eléctrica y por Brian May, je). Buscarle sentido a todo eso es perder el tiempo…
Hay además una fina carga erótica deudora de la literatura pulp, el cine B o el exploitation. Morbosos y fetichistas deberán esperar tres películas para ver en Star Wars a la princesa Leia encadenada y a merced de una especie de gran sapo, pero aquí tienen un verdadero festín…
Dale se excita sexualmente cuando es sometida a testeo por el anillo de Ming; a Flash se le escapa “esta chica me excita” mientras está con Aura a bordo de una aeronave y nos queda la duda de si ella le practica sexo oral o no; y para paladares más morbosos, la propia Aura atada boca abajo y azotada a latigazos por Kala. Al lado de todo esto, 50 Sombras de Grey es Disneylandia. Ah, y lo olvidaba: algunos edificios y naves guardan aspecto bastante fálico…
Max Von Sydow compone un villano inolvidable, que se regodea en el sufrimiento ajeno y, como el Joker, no necesita un objetivo. Ornella Muti sabe dar a la princesa Aura un toque felino que le suma sensualidad a raudales y encima se pasea semidesnuda por la corte. Timothy Dalton (un interesante actor poco valorado) compone a un creíble Barin y otro tanto Brian Blessed con Voltan. Mariangela Melato, por su parte, encarna a una fría general Kala a quien toca pronunciar una de las frases más icónicas de la película: “¿What do you mean… ‘Flash Gordon approaching’...?” (¿qué quieres decir con que Flash Gordon se aproxima?)…
Algunos efectos se ven muy cutres y otros más logrados. Lo mismo ocurre con las criaturas de Mongo: basta comparar a los hombres-lagarto (a veces se advierte el rostro de los actores por entre las aguzadas filas de dientes) con los hombres-halcón, que se ven muy bien y, por cierto, la batalla que los involucra está entre los momentos más logrados de la película (contrariamente, el enfrentamiento final con la consecuente caída de Ming es demasiado rápido y decepcionante).
La Música
Un solo recuerdo me basta para justificar que la banda sonora merezca un apartado. Cuando vi el filme en uno de aquellos viejos cines de piso de madera, tengo presente que alguien comenzó a acompañar con el pie esa obsesiva nota de bajo en el fade-in del tema principal y rápidamente fue seguido por otros. No puede haber mejor imagen para demostrar el efecto que provocaba en el público. Y al igual que con Los Inmortales, la película no hubiera adquirido tanto carácter de ícono y filme de culto de no haber estado Queen.
En un primer momento se había pensado en Pink Floyd (probablemente la banda más evaluada y descartada en la historia del cine), pero la elección terminó recayendo en Queen que, por cierto, estaba en un momento inmejorable con las espectaculares ventas de su álbum The Game y la consecuente gira mundial de presentación a estadios repletos.
Decíamos que la película prendió de modo especial en Latinoamérica y es imposible despegar ello del impacto que provocó la banda con sus shows de 1981 en Brasil, Argentina, México o Venezuela. En algunos de esos países era la primera vez que se veía en vivo a una banda de estadios con semejante parafernalia.
Faltaban todavía muchos años para que llegaran las escenas post-créditos y, sin embargo, los jóvenes no se iban de la sala hasta que corría el último título y sonaba la última nota: fenómeno parecido al de los años cincuenta cuando iban a ver Semilla de Maldadsolo para escuchar a Bill Haley & His Comets.
Prescindiendo de arreglos orquestales, toda la música está hecha con instrumental de rock y sintetizadores (esos que alguna vez Queen se jactaba de no usar). Solo dos temas son cantados y no hay doble sentido ni metáfora en la letra: se habla de Flash Gordon y punto. ¿O acaso, como dice el tema principal, no nos salvó a todos?
Tres momentos particulares rescato: uno es el climático fondo casi “ambient” durante el viaje en el cohete de Zarkov, otro es el que acompaña el partido de fútbol americano en la corte del emperador Ming y el tercero el de la batalla de los hombres-halcón con el sintetizador Moog destilando épica a más no poder.
De más está decir que compré el disco apenas ver la película, pero no me gustó que, cortando clima, incluyera diálogos del filme en mitad de las canciones: un desperdicio, pues eso es algo que solo tiene sentido en la película y, por el contrario, quita autonomía al disco…
Muchos podrán, de todas formas, interpretar su humor como involuntario, pero ya para esta altura es difícil determinarlo y tampoco parecía haber consenso al respecto dentro del equipo de producción, quienes muchas veces no se entendían entre sí. Nunca más literal: parte era angloparlante y parte italiana, con información distinta sobre el rumbo que había que darle a la película.
Con tal panorama, solo podía pensarse en un desastre, pero creo que ese estado de confusión le hizo bien al filme, que se mueve cómodo en esa zona ambigua e indeterminada. Hacerlo más “serio” hubiera movido a risa al comparar con otras producciones de la época, en tanto que un enfoque más cómico y basado en gags lo habría hecho quizás correr la misma suerte que tanta fallida e incomprendida comedia de ciencia ficción.
Pero, malentendidos al margen, insisto en que la presencia del guionista del Batman de los sesenta no dejaba dudas del rumbo general, que hasta incluye algunos guiños para cinéfilos, como que la mascota de Aura se llame Fellini.
El problema tal vez haya sido que ese humor tan pop-art no calzaba bien en la década que comenzaba a despuntar. Había humor en el cine de los ochenta, pero sin ese tono paródico sesentero en el cual no se recurría al gag para hacerte entender que la cosa no iba en serio, sino que eso lo debías interpretar tú mismo. Faltaba más de una década para que Quentin Tarantino redescubriera la ironía en el cine americano.
Flash Gordon no es una película que pide disculpas. No pretende justificarse todo el tiempo ni cae en la autoindulgencia de forzar un mensaje “serio” que dé trasfondo al sinsentido. Tampoco busca el discurso moralizante: no sabemos si Aura le practicó sexo oral a Flash, pero lo deliciosamente perverso es que ambos se lo guardan en lugar de alimentar el melodrama con hipotéticos celos, culpas y redenciones. Los personajes sucumben a las tentaciones y no hay psicoanálisis al respecto…
Desde ya que en este tipo de propuesta, casi más que en ninguna otra, toda interpretación es subjetiva y habrá quien, después de leer este artículo y dar una chance a la película, caiga en la cuenta de que es la peor basura que ha visto y no vuelva a leer más a este redactor. Ojo: es una postura válida, porque con Flash Gordon vale todo. Puede ser la peor película de la historia y la mejor al mismo tiempo. Y presten atención a que no estoy diciendo “o” sino “y”…
Lamentablemente, la poca repercusión comercial, sobre todo en Estados Unidos, dio por tierra con cualquier secuela (se proyectaba una trilogía). El personaje tendría una serie animada en los noventa (ya había tenido otra entre 1979 y 1982) más una live action en 2007 que, por cuestiones de presupuesto, cometía la infame herejía de hacer viajar a Flash por medio de portales tipo Stargate en lugar de naves espaciales.
También hubo versión por-no que sí tuvo secuela y en la cual no hubiera calzado nada mal Sam J. Jones, quien actuó el resto de su vida en películas B, pero tuvo su momento de gloria al hacer de sí mismo en Ted (2012) y repetir papel en la secuela de 2015, volviendo en ambas a teñirse de rubio.
Flash Gordon es un filme que hoy vemos con los ojos llenos de nostalgia, pero que a su vez es nostálgico en sí mismo: añora una época en la cual nos divertíamos aceptando la mayor mentira aun sabiendo que lo era. La invitación a redescubrirlo está hecha, pero si no lo has hecho y planeas hacerlo, espero de corazón, querido lector, que no me odies y en el futuro me sigas leyendo…
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Spiderman: Toda una vida. Integral.
Spiderman: Toda una vida trae una premisa ciertamente original aunque la hayamos visto de otra manera en alguna ocasión. Para Spiderman van pasando los años en esta aventura guionizada por Chip Zdarsky y dibujada por Mark Bagley. ¿Cómo le afecta al trepamuros el paso de los años? Pues acompáñame a las siguientes líneas y lo descubriremos.
El peso de los años no supera al peso de la responsabilidad.
En Las Cosas que nos hacen felices hay varios redactores muy fans de esta obra. Ya en el 2020, mi compañero Máximo trajo reseña de la obra, podéis leerla aquí. Y luego Raúl en La Tapa del Obseso, nos trajo reseña de «Los 4 Fantásticos: Toda una vida», de Mark Russell y Sean Izaakse.
Para Spiderman: Toda una vida Zdarsky opta por seguir la línea cronológica de las historias más emblemáticas de nuestro amigo y vecino pero con el aliciente de que para nuestro héroe van a pasar los años, así cada capítulo del cómic es una década en la vida de Spiderman, donde lo veremos ir cambiando por el inexorable paso del tiempo.
La historia no podía empezar de otra forma que con cierta picadura de una araña a principios de los sesenta, para trasladarnos luego a 1966. Es la época de la Universidad, del No a la Guerra, de los primeros amores y como no, de los primeros enemigos.
La verdad es que si eres conocedor de las historietas originales vas a disfrutar muchísimo con el trabajo de Zdarsky, como va uniendo aquellos relatos hilvanándolos con un Peter cada vez más maduro.
El paso de los años del personaje provoca en él que su lema «Todo poder conlleva una gran responsabilidad», sea cada vez más difícil de asumir.
A lo largo de las páginas tendremos eventos como las Secret Wars, la saga del clon, la última cacería de Kraven, además de llevarnos a la Guerra del Vietnam o la Guerra Fría.
Si alababa el trabajo de Zdarsky al guion por la documentación que conlleva un trabajo como este, no es menos elogiable la labor de Mark Bagley como dibujante. Es Bagley uno de esos dibujantes a los que hay que asociar cuando pensamos en Spiderman y es que realizó cerca de doscientos números del trepamuros. Y ojo que podíamos pensar que su mejor trabajo lo vimos ya en los 90, pero aquí nos encontramos con el mejor Mark Bagley. Su amor al personaje se nota en cada viñeta, y en cada capítulo, ya que aporta ciertos matices en la forma de dibujar cada época. Eso es sin duda un laborioso trabajo que se ve recompensado al ver el cómic.
Esta edición incluye el anual dedicado a J. Jonah Jameson, el editor cascarrabias del Daily Bugle. Aquí Zdarsky opta por cambiar la historia y en 48 páginas nos trae una historia que nos lleva a hablar de la redención y el perdón. No está a la altura de lo que hemos leído antes pero es un buen colofón al tomo.
El tomo concluye con unas portadas en la que el arte de las mismas se ve influidas por la década que representa. Luego portadas alternativas y las originales. Sin duda un buen cierre al tomo.
Consideraciones finales.
Reconozco que hace casi veinte años que dejé de leer a Spiderman, siendo uno de mis superhéroes favoritos. Pero me acerqué a este cómic por mis compañeros de la web y he de decir que ha sido todo un acierto. Spiderman: Toda una vida nos lleva a reflexionar sobre lo que significa ser Spiderman, la responsabilidad que conlleva. Y está muy conseguido por el amor que los dos autores profesan al personaje. Sin duda mi vuelta al trepamuros tras casi veinte años ha sido por todo lo alto.
Un saludo y sed felices.
Descripción.
Una historia única de Spidey, contando su vida de principio a fin, como si sus casi seis décadas de trayectoria como personaje hubieran transcurrido en tiempo real. ¿Crees que has completado tu lista de historias favoritas de Spiderman? ¡Prepárate para añadir una más! Esta edición integral incluye tanto la miniserie original como el Annual contado desde el punto de vista de J. Jonah Jameson, que se añadió poco después.
Estos días anda el personal algo preocupado. Netflix ha dicho que se acabó el chollo de las cuentas compartidas, que van a controlar la I.P., la M.A.C. y todo lo que haga falta para que paguemos un poco más. ¿Qué opciones tenemos? Pues realmente no tenemos ni idea pero hemos charlado con OpenAI, el chat de inteligencia artificial que lo está petando, acerca de Netflix, a ver si nos orientaba un poco y esto es lo que nos ha contestado.
Aclaraciones previas
En primer lugar, esto es un juego, no la Santa Biblia. En realidad nos importa un rábano la opinión de OpenAI. Al final haremos lo que nos de la gana pero sus respuestas no dejan de ser algo curiosas. En segundo lugar hay que advertir que OpenAI no tiene pinta de acabar conquistando el mundo. Eso o disimula muy bien y al final resultará ser el mismísimo Skynet disfrazado de chat tontuelo. Y es que OpenAI es lo que podríamos llamar un bienqueda.
A la pregunta de si tenemos en cuenta la calidad de su contenido, la cantidad de su contenido y el precio, ¿cuál es la mejor plataforma de streaming?,
OpenAI responde que «La mejor plataforma de transmisión para usted depende en última instancia de sus preferencias y necesidades específicas. Sin embargo, algunas opciones populares en España incluyen Netflix, Amazon Prime Video y Disney+. Puede ser útil comparar la biblioteca de contenido y los precios de cada plataforma para determinar cuál ofrece el mejor valor para usted.»
Así que nada de opiniones personales. Sus respuestas son dignas de un futbolista de élite, respuestas hechas con el piloto automático, no sea cosa que alguien se ofenda, por lo que hemos tenido que reformular la pregunta para sacar algo de jugo y esto es lo que nos ha dado:
Querida OpenAI, Netflix está eliminando las cuentas compartidas. ¿Es un movimiento positivo para la empresa?
«Que la eliminación de las cuentas compartidas por parte de Netflix sea un movimiento positivo para la empresa depende de diferentes puntos de vista.
Desde una perspectiva financiera, eliminar las cuentas compartidas puede ayudar a Netflix a aumentar sus ingresos al reducir la cantidad de usuarios que comparten una cuenta. Al limitar la cantidad de transmisiones simultáneas que se pueden usar con una sola cuenta, Netflix puede alentar a los usuarios a suscribirse a cuentas adicionales, lo que genera ingresos adicionales para la empresa.
Desde la perspectiva de la experiencia del cliente, es posible que la eliminación de cuentas compartidas no se vea como un movimiento positivo. Algunos usuarios pueden sentir que se ven obligados a pagar más por el mismo servicio, o que se les restringe injustamente su capacidad para compartir la plataforma con amigos o familiares. Esto podría resultar en una retroalimentación negativa y una posible pérdida de clientes para la empresa.
En última instancia, el impacto de este movimiento de Netflix en el desempeño financiero y la reputación de la empresa dependerá de varios factores, incluida la estrategia general de la empresa, el nivel de competencia en el mercado de transmisión y la reacción de sus clientes.»
Vamos, que se vayan preparando y que ellos sabrán lo que hacen.
Supongamos que la mayoría de los clientes de Netflix no aceptan no compartir cuentas y optan por cancelar su suscripción. ¿Qué significaría eso para Netflix?
«Si un número significativo de clientes de Netflix opta por cancelar sus suscripciones porque no están de acuerdo con la eliminación de las cuentas compartidas, esto tendría un impacto negativo en el desempeño financiero de la empresa. Una pérdida significativa de suscriptores daría lugar a una disminución de los ingresos de Netflix, lo que a su vez podría afectar la capacidad de la empresa para invertir en nuevos contenidos y tecnología.
Además, la pérdida de suscriptores también podría afectar la reputación de la empresa, ya que podría percibirse como una señal de insatisfacción con las prácticas comerciales y las ofertas de la empresa. Esto podría generar publicidad negativa y una disminución de la lealtad a la marca, lo que dificultaría que Netflix atraiga nuevos suscriptores en el futuro.
A largo plazo, la pérdida de suscriptores también podría afectar el poder de negociación de la empresa con los productores y distribuidores de contenido, ya que una disminución en el número de suscriptores podría resultar en un menor poder de negociación al negociar acuerdos de licencia de contenido.
Por lo tanto, es importante que Netflix considere las posibles consecuencias de la eliminación de las cuentas compartidas y sopese los beneficios frente al posible impacto negativo en su negocio y reputación.»
En resumidas cuentas, que deberían empezar a pensárselo. Pero dinos, OpenAI, ¿qué porcentaje de clientes tendría que darse de baja para que eso suceda?
«El porcentaje exacto de clientes que tendrían que darse de baja para que tenga un impacto significativo en el desempeño financiero y la reputación de Netflix es difícil de determinar y dependería de varios factores, como la salud financiera general de la empresa, el tamaño de su base de suscriptores y el nivel de competencia en el mercado de streaming.
Sin embargo, un porcentaje relativamente pequeño de suscriptores que abandonan la plataforma podría tener un impacto desproporcionado en el desempeño financiero de la empresa, especialmente si son suscriptores de alto valor que pagan por múltiples transmisiones o servicios adicionales.
Además, incluso si el porcentaje de clientes que no están suscritos es pequeño, la publicidad negativa y la disminución de la lealtad a la marca aún podrían tener un impacto negativo en la reputación de la empresa y en las perspectivas de crecimiento futuro.
Por lo tanto, es importante que Netflix controle de cerca los comentarios y la satisfacción de los clientes, y evalúe periódicamente el impacto de sus decisiones comerciales en sus suscriptores y el rendimiento financiero general.»
No se yo si son muy conscientes de eso. Supongamos que ese porcentaje fuera del 50%. Y es mucho suponer porque creo que sería catastrófico.
«Si el 50 % de los clientes de Netflix optan por cancelar sus suscripciones en respuesta a la eliminación de las cuentas compartidas, esto tendría un impacto grave e inmediato en el desempeño financiero y la reputación de la empresa.
La pérdida de la mitad de los suscriptores daría lugar a una disminución significativa de los ingresos de Netflix, lo que podría tener un efecto dominó en toda la empresa y sus operaciones. Además, una pérdida de esta magnitud probablemente resultaría en publicidad negativa y una disminución en la lealtad a la marca, lo que podría dificultar que la compañía atraiga nuevos suscriptores en el futuro.
También es probable que afecte el poder de negociación de la empresa con los productores y distribuidores de contenido, ya que una disminución en el número de suscriptores se traduciría en un menor poder de negociación al negociar acuerdos de licencia de contenido.
Una pérdida tan drástica de suscriptores requeriría un esfuerzo significativo por parte de Netflix para abordar las preocupaciones de sus clientes y recuperar su confianza y lealtad. Esto podría implicar revisar sus prácticas comerciales, invertir en contenido y funciones nuevos y mejorados, y mejorar la experiencia del cliente.
Por lo tanto, es importante que empresas como Netflix consideren las posibles consecuencias de sus decisiones comerciales y sopesen los beneficios frente al posible impacto negativo en sus suscriptores y el rendimiento financiero general.»
Supongamos que ese procentaje fuese del 20%
«Si un 20% de los clientes de Netflix cancelaran su suscripción en respuesta a la eliminación de las cuentas compartidas, tendría un impacto negativo significativo en el rendimiento financiero y la reputación de la empresa. La pérdida del 20% de los suscriptores resultaría en una disminución significativa de los ingresos de Netflix, lo que podría tener efectos secundarios en toda la empresa y sus operaciones.
Además, una pérdida de esta magnitud probablemente resultaría en publicidad negativa y una disminución de la lealtad de la marca, lo que podría dificultar a la empresa atraer nuevos suscriptores en el futuro.
También probablemente afectaría el poder de negociación de la empresa con los productores y distribuidores de contenido, ya que una disminución en el número de suscriptores resultaría en un menor poder de negociación al negociar acuerdos de licencia de contenido.
Una pérdida significativa de suscriptores requeriría un esfuerzo significativo por parte de Netflix para abordar las preocupaciones de sus clientes y recuperar su confianza y lealtad. Esto podría implicar la revisión de sus prácticas comerciales, la inversión en nuevo y mejorado contenido y características, y la mejora de la experiencia del cliente.
Por lo tanto, es importante que las empresas como Netflix consideren las posibles consecuencias de sus decisiones comerciales y pesen los beneficuentos contra el impacto negativo potencial en sus suscriptores y el rendimiento financiero en general.»
Vamos, que con que se fuese un 20% de suscriptores (es decir, 2 de cada 10 o en otras palabras, yo y mi cuñado nos vamos y se quedan 8 miembros de esta web) ya tendrían problemas.
Pero dinos, oh OpenAI, oráculo del futuro, ¿Netflix hace buenas películas y series?
«Netflix ha producido una amplia variedad de películas y series de alta calidad que han sido ampliamente aclamadas por la crítica y el público. La compañía ha invocado en productores, escritores, directores y actores talentosos para crear contenido original que abarca una amplia gama de géneros, incluyendo drama, comedia, terror, fantasía, ciencia ficción, y más.
Algunos de los programas y películas más populares de Netflix incluyen «Stranger Things», «The Crown», «Orange is the New Black», «Ozark», «La Casa de Papel» y «Narcos». Estos programas han obtenido una gran cantidad de premios y reconocimientos, incluyendo Emmys, Globos de Oro y otros premios de la industria del entretenimiento.
En general, la calidad y la diversidad de la programación original de Netflix ha sido un factor clave en su éxito como plataforma de transmisión, y es una de las razones por las que muchas personas suscriben y usan la plataforma. Sin embargo, es importante tener en cuenta que la calidad y el gusto son subjetivos y pueden variar de persona a persona. Por lo tanto, es posible que algunas personas no encuentren la programación de Netflix atractiva o satisfactoria.»
Si, lo que hemos dicho antes. Eres un bienqueda pero no te vas a librar. Así que vamos al grano. Compara Netflix con HBO.
«Netflix y HBO son dos de las plataformas de transmisión más grandes y populares del mundo. Ambas ofrecen una amplia variedad de contenido original y adquirido, incluyendo series de televisión, películas, documentales y programas de entretenimiento. Sin embargo, hay algunas diferencias clave entre las dos plataformas:
Enfoque en el contenido original: Netflix es conocido por su amplia gama de contenido original, incluyendo series de televisión como «Stranger Things», «Orange is the New Black» y «The Crown», mientras que HBO se centra más en programas de calidad con un enfoque en la producción y la calidad de la historia. Costo: Netflix tiene un precio más bajo que HBO, lo que lo hace más accesible para un público más amplio. HBO, por otro lado, se enfoca en la calidad y la producción de alta gama. Calidad de imagen y sonido: HBO ofrece una calidad de transmisión superior, con una resolución de alta definición y sonido envolvente, mientras que Netflix ofrece una calidad de transmisión sólida.»
En fin, que Netflix tiene peor calidad en cuanto a contenidos y reproducción pero es más barata. Ahora compara Netflix con Amazon Prime.
«Netflix y Amazon Prime son dos plataformas de transmisión populares que ofrecen una amplia gama de películas, programas de televisión y contenido original. Ambas ofrecen contenido de alta calidad, pero tienen algunas diferencias clave:
Costo: Netflix es un poco más costoso que Amazon Prime, aunque también ofrece una amplia gama de contenido original. Contenido: Netflix se enfoca en producciones originales y películas y series de televisión mientras que Amazon Prime también ofrece productos y servicios adicionales, como envío gratuito y acceso a música y libros. Calidad de transmisión: Ambos ofrecen una buena calidad de transmisión, pero la experiencia de usuario en Netflix es un poco más intuitiva y fácil de usar.
En resumen, ambas plataformas tienen sus fortalezas y debilidades. La mejor opción depende de los intereses individuales y de lo que se busca en una plataforma de transmisión.»
Vamos, que Netflix en esta comparativa también tiene peor calidad y encima es más cara que Amazon Prime, aunque lo de la interfaz de Netflix te lo compro porque la de Amazon Prime es un churro.
Vamos con la última comparativa. Compara Netflix con Disney+.
«Netflix y Disney+ son dos de las plataformas de transmisión más populares que ofrecen una amplia gama de películas, programas de televisión y contenido original. Ambas ofrecen contenido de alta calidad, pero tienen algunas diferencias clave:
Enfoque: Netflix se enfoca en producciones originales y películas y series de televisión mientras que Disney+ se enfoca en todo el contenido de Disney, incluyendo los clásicos de Disney, Marvel, Star Wars, y National Geographic. Contenido: Netflix tiene una amplia gama de contenido, mientras que Disney+ se enfoca en contenido familiar y para todas las edades. Precio: Disney+ es más económico que Netflix.»
Pues no me lo me pones nada fácil para que me quede en Netflix, la verdad. A ver si me ayudas. Elije sólo una película original de Netflix para ver hoy.
«Si tienes que elegir una película original de Netflix para ver hoy, te recomiendo «Roma». Esta película dirigida por Alfonso Cuarón es una obra maestra visualmente impactante y emocionalmente intensa que sigue a una familia de clase trabajadora en la Ciudad de México en los años 70. Con actuaciones sólidas, una dirección artística cautivadora y una narrativa conmovedora, «Roma» es una película digna de ser vista. Además, ganó varios premios, incluyendo el León de Oro en el Festival de Venecia y tres premios Oscar.»
Pues peor me lo pones porque ya la vi y me pareció un coñazo. Así que elije sólo una serie original de Netflix para ver hoy.
«Si tienes que elegir una serie original de Netflix para ver hoy, te recomiendo «Stranger Things». Esta serie de misterio y ciencia ficción sigue a un grupo de amigos en una pequeña ciudad de Indiana mientras luchan contra fuerzas sobrenaturales y misteriosas. Con un elenco talentoso, una trama atractiva y un estilo nostálgico, «Stranger Things» se ha convertido en una de las series más populares de Netflix y ha ganado elogios de la crítica y el público por igual. Es una serie divertida y entretenida que te mantendrá enganchado hasta el final.»
No lo dudo pero muy original no has sido así que vamos terminando. A ver si puedes responder a la gran pregunta: ¿Por qué netflix canceló 1899?
«No hay información disponible sobre una serie llamada «1899» en Netflix. Puede haber un error en el nombre de la serie que estás buscando o puede haber sido cancelada y no se encuentre disponible en la plataforma actualmente. Te recomiendo buscar información adicional o consultar directamente a Netflix para obtener más detalles sobre la serie en cuestión.»
Esto… lo que deciámos. OpenAI no tiene pinta de ir a dominar el mundo. Ya os iremos informando pero nos queda claro que Netflix es una opción cara, que sus contenidos no son los de más calidad del mercado y que todo apunta a que se meterán un hostión con esto de no permitir que compartamos cuentas.
Un saludo, sed felices y recordad: love is sharing a password.
Te saludo, un mes más, en esta tu sección. Os recuerdo que en ella os recomendamos los mejores cómics del mes según nuestros gustos particulares. Los autores de estas recomendaciones están ordenados por orden alfabético.
El Sexto Revolver 4 (de 6). Norma Editorial. 39,95 euros. Continúan las aventuras de Becky Montcrief, Drake Sinclair y sus aliados defendiendo El Sexto Revolver, pero ahora ha llegado el turno de llevar la lucha a sus enemigos para destruir las armas malditas de una vez por todas. Aunque el contrataque de la Bruja Gris puede ser mortal. Después de recomendar los tres volúmenes anteriores no podía hacer otra cosa con el cuarto. Como siempre digo El Sexto Revolver es uno de los mejores cómics que vais a poder leer.
2. Chew 3 Integral (de 3). Planeta Cómic. 50 euros. Último número de las aventuras de Tony Chu. Solo con eso ya basta para recomendar este volumen que pone fin a una de las historias más sorprendentes, divertidas e interesantes de los últimos años. Una colección que no puede faltar en la biblioteca de los amantes a los buenos cómics y que además viene recogida en una edición de lujo que hace justicia a su historia.
Mario Losada
Marvel Now! Deluxe. La Guerra de los Reinos.Panini Cómics. 26,00 euros. La guerra definitiva, la guerra que da carpetazo a la saga de Jaron Aaron en Thor, la batalla final. Nota, aún queda un tomo de este autor en Thor, pero son los crossover con esta saga y 4 números de King Thor. Si eres fan de Marvel este es el cómic del mes.
2. La Casa Slaughter. Planeta Cómic. 17,95 €. El spin-off de Hay algo matando niños. Conoce la leyenda de Aaron Slaughter, el rival de Erica. Del mismo guionista de la serie principal, ganadora de numerosos premios, James Tynion IV tenemos un spin-off digno de todos los elogios.
Máximo Simancas
Fahrenheit 451 (novela gráfica). 25 euros. Planeta Cómic. Junto a 1984 y Un mundo feliz, el libro que adaptará Víctor Santos (autor del muy recomendable Polar) forma parte de la Santísima Trinidad de novelas distópicas. Ambientada en un futuro donde los bomberos se dedican a quemar libros, que han sido proscritos, nunca está de más revisitar una obra que esconde hondas reflexiones sobre la cultura y la represión que siguen estando vigentes a día de hoy.
2. Hombre Hormiga. Siempre Hombre Hormiga. Panini Cómic. 14,72 euros. Al Ewing es uno de los guionistas más interesantes de la Casa de las Ideas. El Hombre Hormiga es probablemente el vengador original peor tratado de todo Marvel. En esta aventura a través del espacio y el tiempo, con dibujo de Tom Reilly, el británico hará un repaso por la historia del personaje, que pronto volverá a tener una nueva adaptación cinematográfica.
DAve Solis
Juez Dredd 1981-1985. La Tiras de Prensa. Dolmen Editorial. 31,90€. Otro triunfo más en la labor de recuperación de la editorial mallorquina. Las Tiras de Prensa del Juez Dredd, se encuentran inéditas en España. Hasta ahora … Tras el éxito que supuso la publicación de Juez Dredd en Reino Unido, este singular e inigualable personaje irrumpió en las páginas del Daily Star. Dredd es un implacable policía que forma parte del Cuerpo de Jueces, que se encargan velar por la ley en Mega-City Uno. Ellos son jueces, jurados y si es necesario … ¡Verdugos!
2. El Grito del Pueblo. Edición Integral. Norma Editorial. 35€. La editorial barcelonesa nos trae uno de las obras más importantes de Jaques Tardi, uno de los autores más importantes de la BD francesa. Adaptación de la novela de Jean Vautrin, que trataba de los sucesos de La Comuna de París. Revueltas civiles ambientadas en el París de 1871. Un imprescindible para este mes.
Esto es todo por nuestra parte. Para que puedas seguir llenando tu estantería, consulta la lista de la compra de meses anteriores y las novedades de cómics y mangas.
Ya os adelanto que me ha dejado mucho mejor sabor de boca, entre otras cosas porque su planteamiento me ha sorprendido mucho. Después del impactante final del volumen anterior, con la aparición del Capitán Malik como uno de esos Dioses gigantes, pero apareciendo vivo, justo en el momento antes de morir, estaba esperando que la acción nos llevará a descubrir que había pasado con el Capitán y su tripulación.
Pero Ewing demuestra ser un escritor con muchos recursos llevando la trama a lugares más insospechados y desde luego más interesantes. Han pasado cincuenta años desde que la tripulación de la Vihaan II se embarcó en su fatídica misión… y el universo ha cambiado de un modo inesperado por la llegada del Capitán Malik como uno de los Dioses. Jason Hauer, uno de los tripulantes, es el único superviviente y vive en una situación muy incómoda en medio de las dos facciones en las que se divide ahora el universo, los Cosechadores y los Adoradores.
El guionista no nos ofrece ninguna respuesta y en su lugar presenta un escenario totalmente nuevo que es mucho más atractivo. La humanidad está dividida entre los Cosechadores, los que siguen queriendo vivir a costa de rapiñar los cadáveres de los Dioses como se ha venido haciendo siempre, y los Adoradores, que una vez han visto que Malik ha vuelto como un Dios se niegan a volver a profanar sus cadáveres y han establecido una colonia con un fuerte componente religioso alrededor del cadáver del capitán.
Si en el anterior volumen una de las pegas es que apenas sabíamos nada de la situación de la humanidad, en este segundo libro Ewing se molesta bastante más en presentarnos a esos dos grupos antagónicos y la situación política y religiosa derivada de sus enfrentamientos. Y lo hace de una manera realmente genial, a través de diversos flashbacks en los que vamos a conocer en profundidad a los nuevos protagonistas del relato. Lo divertido es que esos personajes están inmersos en un juego de traiciones y falsas lealtades que nos llevan a estar toda la lectura sorprendiéndonos con las puñaladas traperas que se van dando.
La diferencia en el tono de la historia con el primer libro es abismal, ya que, aunque seguimos estando ante una historia de ciencia ficción aquí prima el thriller de espionaje sobre la aventura espacial. Y eso es algo que nunca me habría esperado y que le queda como un guante a esta serie. Además, los nuevos personajes funcionan muy bien, sirviendo el pobre Jason de nexo con el pasado y en cierta manera, como motor de la historia ya que las dos facciones intentarán llevárselo a su lado. El problema es que tanto Cosechadores como Adoradores son grupos de una moral cuestionable, así que al final Jason se verá forzado a elegir entre el menor de dos males.
A pesar de que la trama mejora bastante aún hay algunos puntos negativos que hay que señalar. El primero de ellos es que la historia se desarrolla a un ritmo demasiado alto. Hay poco espacio para dejar respirar los continuos giros de guion y todo pasa a tal velocidad que casi no hay tiempo de asimilar las cosas. Por otro lado, algunas situaciones son demasiado forzadas incluso para un relato de ciencia ficción. Por ejemplo, todo el plan de los Cosechadores para hacerse con el cadáver de Malik me parece muy descabellado.
En cuanto al apartado gráfico, poco se puede añadir a lo que ya comenté en el análisis del volumen anterior. Simone di Meo sigue usando un estilo amerimanga que, aunque pueda ser espectacular, es bastante confuso a la hora de narrar la historia. A eso hay que sumarle de nuevo el uso del color y acabado digital que resta naturalidad a los dibujos.
La edición de Planeta contiene los números 6 a 10 de la serie. El tomo tiene 152 encuadernadas en tapa dura y como en el volumen anterior se incluye una galería con las cubiertas originales y una breve semblanza de los autores. El precio es de 17,95 euros.
En resumen, Solo los encontramos cuando están muertos 2 mejora bastante el primer volumen. Vamos a encontrarnos con los mismos problemas en el apartado gráfico, pero la historia que nos cuentan gana muchísimo en interés y está mejor presentada. El guionista ya no nos cuenta el enfrentamiento entre dos personajes si no que abre mucho más el foco para presentarnos un universo apasionante que tiene que convivir con las consecuencias de los actos del Capitán Malik. Todo ello aderezado con fuertes dosis de acción y de intriga que hacen que la lectura sea muy amena. Merece la pena darle una nueva oportunidad a la colección y hacerse con este volumen 2.
‘Mad Heidi’ se une a la lista de cintas y cortos que han visto la luz gracias al crowdfunding. Una plataforma de mecenazgo que está siendo un gran respaldo para quienes tienen un proyecto que no tiene cabida en un estudio más convencional.
Ya hemos visto títulos como Kung Fury o Commando Ninjaque se han convertido en productos virales que demuestran el buen hacer de una nueva hornada de cineastas muy macarras.
‘Mad Heidi’ le da una vuelta de tuerca a ese universo formado por ella, su abuelo, Niebla y Pedro, ya que nos sitúa en un Suiza dominada por un tiránico líder (Casper van Dien) que domina a su pueblo a través de su queso Meili’s y que anda a la caza de los intolerantes a la lactosa. Obviamente su plan malévolo es conquistar el mundo, empezando por Francia, pero se ha topado con nuestra protagonista que no se lo va a permitir.
Esta película de 92 minutos de duración es una locura que no se toma en serio en ningún momento, pese a que en su fondo podemos ver cierta referencia y/o paralelismos con la Alemania nazi. Abraza los excesos y se rinde a ellos de una forma divertidísima, como ver a Pedro convertido en un contrabandista de queso o el sobreactuado Van Dien como el histriónico y déspota presidente de Suiza.
Toda una caterva de secundarios que estiran los clichés al máximo para convertirlos en caricaturas que funcionan muy bien en la fórmula de la película. Desde Rottweiler (la directora del centro de educación) hasta el comandante Knorr, pasando por esas dos reclusas que le hacen la vida imposible a Heidi y Clara.
A ‘Mad Heidi’ no le importa tomar prestadas situaciones o referencias claramente identificables de otras cintas, véase el entrenamiento de artes marciales de la protagonista, que ya lo hemos visto en infinidad de ocasiones en el cine.
Con todo esto nos podemos hacer una idea de la clase de película que Johannes Hartmann y Sandro Klopfstein nos traen aquí, no para todos los públicos (y no solo por ser para mayores de 18 años) ya que debes entrar en esta propuesta tan bizarra (en la afección anglosajona de la palabra) y dejarte llevar sin cuestionar nada.
Pero no quiero que nos llevemos a engaños, ‘Mad Heidi’ tiene un diseño de producción y unos efectos visuales que le pueden aguantar la mirada a los de una cinta de estudio. Si no fuese porque al comienzo se nos informa que el proyecto ha salido adelante mediante crowdfunding, nunca lo hubiésemos supuesto.
Conclusión
‘Mad Heidi’ es una película macarra, gore y muy divertida con un elenco que se nota que se lo está pasando mejor que un gorrino en un lodazal. Obviamente no es una propuesta que vaya a gustar a muchos, pero (al igual que Ninja Commando) tiene muy claro el público al que va dirigida, es decir aquellos que disfrutaron con Iron Sky y cintas similares.
Partiendo de una premisa absurda sobre el odio hacia los intolerantes a la lactosa, la cinta critica los tiempos del nazismo de una manera poco sutil pero que funciona para hacer avanzar una trama de venganza clásica.
‘Mad Heidi’ es una divertida, sangrienta y loca vuelta de tuerca a esos personajes que todos conocemos y con los que nos hemos criado.
Todo en la cinta está absurdamente exagerado y llevado al extremo para sacarnos una sonrisa y si entras en su juego te puedo asegurar que te lo vas a pasar muy bien.
Las interpretaciones son dignas de mención por lo divertido de las mismas y por lo bien que defienden los intérpretes las alocadas situaciones de esta película.
Aquí os dejo el tráiler de ‘Mad Heidi’ para que sepáis a que os vais a enfrentar si decidís darle una oportunidad:
ACTUALIZADO A DÍA 13 DE JULIO DE 2023
Buenas noticias. Como ya sabréis gracias al artículo Carlos María Porras en Las cosas que nos hacen felices, Nathan Fillion hará el papel de Guy Gardner, el mayor héroe americano en la película Superman Legacy de James Gunn. Una noticia buena debido a la presión popular y a que el personaje no lo pueden dejar en el olvido. Si, no habrá serie de televisión, pero si saldrá en la cinta de Superman, y siendo un actor tan conocido como Nathan Fillion, no tendrá un mero papel de florero. Esperamos por tanto que tenga más protagonismo en el futuro. También hay que dar las gracias a James Gunn por recuperar a un personaje que en febrero de 2023 estaba fuera del Universo Cinematográfico DC.
Esto no puede ser. Han dejado de lado a Guy Gardner, el autodenominado mayor héroe americano, fuera de los planes de DC, fuera de los planes de James Gunn.
Supongo que ya conocerás los primeros planes de James Gunn para el renovado Universo Cinematográfico DC, ¿verdad? Pues si no lo has leído, te dejo aquí el artículo donde lo contamos todo.
Y claro, lees todo y te das cuenta que el «bueno» de James Gunn ha sacado de su ecuación a Guy Gardner de la serie de televisión llamada Lanterns. Dicen que será una serie a lo True Detective con Hal Jordan y John Steward, rompiendo así todo lo que tenían avanzando y desarrollado con la anterior serie de estos policías galácticos.
Si no sabéis de qué hablo, se trata de los Green Lanterns, seres de diferentes razas, sacados de distintas partes del universo y dotados de un anillo de poder verde capaz de crear constructos para defender a los sectores de la galaxia. Una especie de policía galáctica. Aquí veremos a seres de todo tipo, pero se centrará más en dos Green Lantern de la Tierra, Hal Jordan y John Steward.
Creo que con ese dúo se dará mas diversidad racial, porque Jordan fue el primero de los Lantern escogidos de la Tierra, mientras que Steward es un héroe e ícono entre la gente de color. Por ese motivo tengo que decir que la elección me parece inteligente, pero hasta qué punto ponemos juntos a dos héroes serios y analíticos. Poca chispa puede salir de eso, pero tratándose de Gunn no descartemos que continúe los pasos de Ryan Reynolds en su película de 2011, donde convierte al serio Hal en un chiste. Pienso que lo mismo, por ese lado, pueden ir los tiros en la nueva serie de DC. Un Steward analítico y un Jordan bromista.
Pero qué diablos. ¿Qué hacemos con Guy Gardner, el mayor héroe americano? Antes de esta refundación del Universo Cinematográfico DC, Guy Gardner iba a ser el co-protagonista de la serie de los Green Lanterns. ¿Y ahora qué?
Guy Gardner iba a ser escogido por el anillo de poder cuando se lo ofrecieron a Hal Jordan, solo que estaba más lejos ante la inminente muerte de Abin Sur y por ese motivo todo el peso recayó en Jordan. Pero bueno, el cuerpo de los Green Lantern Corps se fue ampliando y se fueron sucediendo más héroes de la Tierra como Steward o Gardner por no seguir numerando a otros que llegaron en épocas mas modernas como Kyle Rayner, Simon Baz o Jessica Cruz.
No existe ningún personaje en las dos grandes editoriales (Marvel y DC) que se parezca en nada a Guy Gardner. Hay héroes payasos y bufones, hay héroes odiosos, hay héroes irreverentes y luego está Guy Gardner que es payaso, odioso, irreverente, pero además es querido casi unánimemente por todos los fans. Además, en sus aventuras espaciales, ha sido ascendido al máximo grado en la Guardia de Honor de los Guardianes del Universo como el mejor Green Lantern. Vamos, que este señor lo tiene todo.
¿Por qué Guy Gardner no tiene el peso actual en el cine o las series que se merece? ¿Se le dará ese estatus de tío odioso y querido, macho tóxico pero tierno a la vez, irreverente pero heroico y un héroe hasta el final? ¿Conseguirá este personaje transcender el papel de los cómics y ser reconocido popularmente como uno de los grandes héroes DC?
Guy Gardner no es perfecto como Superman, ni es un caballero oscuro ídolo de fans en todo el mundo. Guy Gardner es un personaje, que si fuera tu vecino le odiarías de lo estúpido que puede ser, pero sin embargo sabrías que estaría allí, el primero (bueno, lo mismo no el primero) para defenderte de cualquier amenaza.
Desde aquí quiero dar un voto a este héroe que muchos fans de las películas, pero que no han leído un cómic en su vida, no conocen. Desde aquí ensalzo la figura del héroe más irreverente, pero también uno de los más queridos: Guy Gardner.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os traemos las novedades de ECC Ediciones para el mes de abril de 2023.
COMUNICADO NOVEDADES DC COMICS
En DC tenemos debuts, despedidas y reencuentros. Estrenamos el esperado siguiente trabajo conjunto de Tom King y Jorge Fornés, Calle Peligro. Decimos adiós a los personajes de The Nice House on the Lake y Wonder Woman: Historia, deseando conocer los siguientes destinos de James Tynion IV, Álvaro Martínez Bueno, Kelly Sue DeConnick y Nicola Scott. Y nos reencontramos con el universo Flashpoint en una flamante edición Deluxe que recoge este histórico evento.
COMUNICADO NOVEDADES ECC MANGA
Del sello ECC Manga queremos destacar el aterrizaje de hasta tres nuevas licencias. Se trata de Mother Parasite, La princesa y el rey de las bestias y Vamos al karaoke.
COMUNICADO NOVEDADES ECC CÓMICS
El lado más sobrenatural de ECC Cómics sobresale con Otoñal y Fantasmas. La primera es una novela gráfica escrita por el superventas Daniel Kraus, responsable de La forma del agua, y dibujada por Chris Shehan. En cuanto a la segunda, Joshua Williamson y Goran Sudžuka nos presentan en sus páginas una absorbente combinación de género negro y terror.
COMUNICADO NOVEDADES KODOMO
Respecto al público infantil y juvenil, Sonic y sus amigos se llevan el protagonismo. Iniciamos la edición Biblioteca Súper Kodomo de la colección principal del erizo azul y celebramos el 30 aniversario de su mejor compañero: Tails.
Muy buenas. Otro mes más que volvemos con nuevas series, películas y documentales a Prime Video España. Estas son las novedades y estrenos que podrás ver en febrerode 2023 en la plataforma de streaming. Sin más dilación nos ponemos al lío.
Platos fuertes de Prime Video para febrero.
A ver, no he visto Star Trek Picard, pero mis compañeros Rodolfo y Mario me despellejarían si no la destaco. También tenemos la segunda y temporada final de Carnival Row, que tampoco la he visto pero a la cual le echaré el diente tarde o temprano. Y por supuesto recomiendo la nueva serie El consultor, más que nada por el actor, Christoph Waltz. En películas tenemos la penúltima de Shyamalan, Tiempo y La purga: Infinita, que es la que me queda por ver de una saga cuya calidad ha ido a peor.
Y poco más. Comenzamos.
Series.
3 de febrero
Harlem (Temporada 2).
Toppen
10 de febrero
Operación Marea Negra (Temporada 2)
Mala pinta tiene esto y me da lástima porque Pedro y yo disfrutamos la primera temporada. Aquella estaba basada en un conocido caso real. Esta se han sacado la historia de la manga. Tiene tan mala pinta que no está ni Alex González, el actor protagonista de la primera temporada. Ya me contaréis que yo de aquí me bajo.
Ojo que hasta no le he dado al tráiler no sabía que es un western y yo aquí compro. Producción mexicana basada en Joaquín Murrieta (1829-1853), también llamado el Robin Hood de El Dorado, fue una figura legendaria mexicana.
Su historia se sitúa en California durante la Fiebre del oro de la década de los años 1850. De uno u otro modo, para algunos activistas políticos su nombre ha simbolizado la resistencia latinoamericana ante la dominación económica y cultural de los angloparlantes en las tierras de California.
20 de febrero
Marc Márquez: All in
Docuserie. La nueva docuserie sobre el multicampeón de motociclismo Marc Márquez, ilustra de manera frontal, y con acceso único hasta ahora, el plano más personal de Marc: los riesgos de pasar por el quirófano y que el brazo no recupere, el sufrimiento de no poder ser el que era sobre una moto, la complicidad de su familia y amigos… pero sobre todo su capacidad de sobreponerse a las adversidades y la emoción de volver a sentirse piloto y pisar un pódium. También repasa algunos de los momentos clave de su carrera, los que han convertido a Marc Márquez en uno de los mejores pilotos de la historia.
24 de febrero
El consultor
Cuando contratan a Regus Patoff (Christoph Waltz) como consultor para mejorar los resultados de la empresa de apps de videojuegos CompWare, los empleados experimentan nuevas exigencias y desafíos que ponen todo en cuestión… incluyendo sus vidas.
Películas.
2 de febrero
Venus
The Fear Collection es un sello de cine de terror antológico que comenzó con Veneciafrenia y sigue ahora con Venus, de Jaume Balagueró. Mi compañero Pablo la ha visto ya. Os dejo con su crítica.
3 de febrero
Un héroe samurái: La leyenda de Hank
10 de febrero
Somebody I Used to Know
12 de febrero
La purga: infinita
Caerá, aunque no tengo muchas expectativas.
Para los miembros de un movimiento clandestino, ya no es suficiente una noche anual de anarquía y asesinatos, así que deciden devolver a Estados Unidos el caos y las masacres sin fin, donde nadie volverá a estar a salvo… jamás. Adela (Ana de la Reguera) y su esposo Juan (Tenoch Huerta) viven en Texas, donde él trabaja como peón en un rancho para la adinerada familia Tucker. En la mañana después de la tradicional purga, una banda de asesinos enmascarados ataca violenta e ilegalmente a la familia Tucker, Tras este hecho, la familia texana se ve obligada a unirse con Juan y su esposa para enfrentar un país entero a punto de colapsar, que se hunde en un mar de caos y de sangre. Quinta y última entrega de la saga ‘The Purge’.
24 de febrero
Muere, Hart
28 de febrero
El alpinista
Documental. Marc-André Leclerc escala solo, lejos de los focos. En lugares alpinos remotos, el joven espíritu libre canadiense de 23 años lleva a cabo algunos de los ascensos en solitario más atrevidos de la historia. Aun así, apenas llama la atención. Sin cámaras, sin cuerdas y sin margen para el error, el enfoque de Leclerc es la esencia de la aventura en solitario.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos las novedades de Panini Cómics, para este mes de febrero que acabamos de empezar. Vamos con ello …
Novedades Panini Cómics febrero 2023
«Fin de ciclo para Los Eternos este febrero, con la finalización de V.X.E.: EL DÍA DEL JUICIO. Coincide también con el final de la etapa actual de LOS 4 FANTÁSTICOS, de manera que a partir de marzo asistiremos a una importante renovación del lado más cósmico del Universo Marvel, que se irá consolidando a lo largo del año con, entre otras novedades, el regreso de la serie mensual de GUARDIANES DE LA GALAXIA.
En paralelo, SPIDERMAN salta a primer plano, con su nueva colección, sin adjetivos y con nada menos que el equipo estrella de Dan Slott y Mark Bagley al frente, quienes nos narrarán «El fin de Universo Spiderman». Se trata de dos de los más representativos autores de toda la historia del trepamuros. El primero, guionista con una larguísima etapa en la que abordó éxitos del calibre de SPIDERMAN SUPERIOR o el «Universo Spiderman» original y el segundo, artista que afrontara una etapa de The Amazing Spider-Man cuando la colección estaba en la cresta de la ola de los primeros noventa y que luego regresó para batir récords en la ya mítica ULTIMATE SPIDERMAN.
Esta nueva serie aparecerá cada dos meses, con entregas dobles a partir de la segunda y como acompañante natural de EL ASOMBROSO SPIDERMAN, que sigue su curso.
En lo que a las colecciones de LOS VENGADORES se refiere, destaca la ausencia de THOR, que queda sustituida por THANOS: DEATH NOTES. Se trata de un especial, conducido por Torunn Grønbekk, quien da paso a varios relatos del pasado del Titán Loco. Se trata de historias que preparan el terreno para la próxima saga de la colección del Dios del Trueno en que Thanos tendrá un papel preponderante. Sin duda, si lees THOR cada mes, es un lanzamiento imprescindible.
En tomo, destaca el autoconclusivo de HOMBRE HORMIGA que nos traen Al Ewing y Tom Reilly: una historia deliciosa que asienta sus cimientos sobre las aventuras clásicas del diminuto superhéroe, y que se complementará más adelante con la mini que también prepara Ewing con La Avispa.
PUÑO DE HIERRO estrena serie, y estrena alter ego: Sale Danny Rand, quien ahora será el maestro de un joven guerrero que busca ganarse el título de nuevo Puño de Hierro.
En clásicos, ambición máxima en todos los formatos. En BIBLIOTECA MARVEL, desembarca Iron Man, con sus primeras aventuras, en las que asistimos a su origen y el de la armadura primero gris y luego dorada
En MARVEL GOLD. LOBEZNO 1, el inicio de la etapa del mutante en solitario y con colección propia, con Chris Claremont y John Buscema al frente, tras un serial inicial que sirvió de apertura para Marvel Comics Presents, en un tomo lleno de extras.
En MARVEL MUST-HAVE. LA IMPOSIBLE PATRULLA-X 1 recuperamos la tercera etapa también de Chris Claremont, con nada menos que Alan Davis al dibujo, en una época que transcurrió en paralelo a la ya iniciada de LA INCREÍBLE PATRULLA-X.
En MARVEL OMNIBUS. MAGNETO DE CULLEN BUNN Y G. HERNÁNDEZ WALTA, recuperamos esta legendaria colección en la que el guionista de MASACRE MATA AL UNIVERSO MARVEL se une al excelente artista de LA VISIÓN.
En 100% MARVEL HC. X-FORCE DE CHRIS YOST Y CRAIG KYLE 1 arranca una época a reivindicar del equipo mutante más violento de todos, en que Lobezno encabeza por primera vez la agrupación.
Entre los clásicos modernos, destacamos MARVEL NOW! DELUXE. LA GUERRA DE LOS REINOS, con la épica historia de Jason Aaron y Russell Dauterman que extendió sus tramas alrededor de Malekith a todo el Universo Marvel.
Por último, sumamos el MARVEL OMNIBUS. ALIENS, el primero en recopilar las míticas miniseries de Dark Horse que ampliaban el universo de la franquicia cinematográfica y en que se daban cita increíbles guionistas y dibujantes de los primeros años noventa. Sólo en este tomazo, encontraremos los trabajos de Mark Verheiden, Sam Kieth, John Arcudi, Simon Bisley, Kelley Jones, Steve Bissette, Dave Dorman, Steven Grant y muchos más.
Destacados al margen de La Casa de las Ideas: El fascinante MADE IN KOREA, un relato firmado por Jeremy Holt y George Schall, sobre una niña coreana adoptada en Estados Unidos que se revela como algo muy distinto a lo que cabe esperar, y en manga brilla el estreno de LOVE WHISPERS EVEN IN THE RUSTED NIGHT 1, de Ogeretsu Tanaka».
Después de la presentación, justo más abajo, os dejo el pdf completo, con el catálogo de novedades de Panini Cómics para este mes de febrero.
