Bienvenidos, hijos de los destructores de serpientes, a este rincón del Nuevo Mundo, en el que bebemos vodka, leemos libros de Danielle Steele, y lloramos por las estrellas caídas. Bienvenidos, a los Análisis de American Gods. La aventura de hoy viene de la mano de Thomas Carter, un hombre que ha dirigido, por ejemplo Espera al último baile; o su versión para adultos (y es que dirigió bastantes películas para adultos bajo el pseudónimo de Mr.X). Al guion, tenemos a Anne Kenney, cuyos últimos trabajos incluyen algunos episodios de Outlander. Y sabiendo quien nos guía en este oscuro camino, metámonos de lleno entre ceniza y demonios. Vayamos al análisis de American Gods, tercer capítulo de la tercera temporada.
Da igual cuando, o dónde. En momentos de gran necesidad, todos estamos tentados y recurrimos a la sabiduría ancestral. En 1765, en Pensilvania, por ejemplo, una mujer invoca a Demeter. Pero todos conocemos ya a los Dioses, Viejos y Nuevos; y pocos, o ninguno, dan sin recibir.
Deméter, Diosa en el manicomio
El Padre de Todos conoce la deuda que tiene con sus adoradores, pero no todos le preocupan por igual. Aquel viejo grupo de Metal con el que abría la temporada ha sido diezmado, y aunque todos sabemos que la Señora Mundo está en esto, a Odín le preocupan mas otro asuntos. En concreto, conseguir flores (o tripas de cerdo) para su reconciliación con Deméter.
Deméter, Diosa Madre de la agricultura, de todo lo verde, joven y puro; de los eternos ciclos estacionales y de la vida y la muerte; es solo una paciente de un sanatorio mental, para el absoluto perplejo del Señor Miércoles, que esperaba algo más… Espectacular. Pero loca no es tonta, ojo. Y Demeter sabe. Sabe que quizá la única opción de ser adorada es por locos. Sabe que Miércoles quiere el dinero… y algo más.
La preocupación de un padre
En un reposo menos relajado, Bilquis sigue pensando en su último e indigesto adorador, y está bregando con las consecuencias de un acto que fue poco adecuado desde el principio. Pero ahora las cosas empeoran para ella, y va a recibir una visita, no inesperada, pero si poco deseada.
En la zona muerta
La Esposa muerta murió, pero tampoco era la primera vez. Y ahora va camino a ninguna parte, en un viaje poco cómodo y tranquilizador. Un viaje que acaba en una burocrática aceptación de la realidad, cosa que todos sabemos que no es la especialidad de la Esposa Muerta. Y es que la paciencia no es una de las (poquísimas) virtudes de Laura Moon, y perpetra un póstumo robo que la lleva a una desconcertante situación.
Bienvenida al purgatorio, Laura Moon
Y es que el purgatorio es algo que no le sienta bien a Laura Moon. La esposa Muerta ha estado muerta tanto tiempo, que Aceptar la Realidad es quizá imposible para ella. Los mejores momentos de Laura Moon son tan desconcertantes e insípidos como ella misma, y no van a descubrir nada nuevo a nadie sobre la Esposa Muerta. Y es que Laura Moon se conoce muy bien, y se acepta a si misma como lo que es: una perdedora, no muy buena persona, psicológicamente dañada y muy enfadada.
O tal vez no. Tal vez es simplemente una persona. Una cualquiera, que ha cometido errores, pero también ha sufrido los de otros. A veces nos jodemos la vida, y a veces nos la joden otros. Y a eso, amigos, se le llama Aceptar la Realidad.
En Lakeside
Shadow Moon sigue intentando integrarse, aunque la forma de hacerlo sea buscando en el bosque el cadáver de una chica desaparecida. Y en todo esto, Ann Marie, la amable vecina, sigue siendo demasiado amable, y la investigación un tanto… rústica. Shadow intenta ser comprensivo con las disculpas del Sheriff basadas en la corrección política. Después de todo, Lakeside sigue siendo América ¿Es así?
La trama policíaca me está gustando
En su intento por encajar, Mike sigue acercándose a su vecina, la periodista. A estas alturas os habréis dado cuenta de que está emparentada con la señora Ann Marie, ya que su hijo es el nieto de esta. También os habréis dado cuenta de la gran cantidad de allanamientos que se están cometiendo en Lakeside ¿verdad?
Shadow vuelve a soñar con el supermercado, pero esta vez, es Bilquis la que le pide ayuda. No hay bisontes, pero si nieve, danzas africanas, y una sensación de pertenencia muy extraña. Pero los sueños no son solo sueños si eres Shadow Moon, y aunque los periódicos tampoco sean solo periódicos, decide que Bilquis le necesita… aunque eso pase por hablar con su padre. Por desgracia, al llegar al apartamento, no es Bilquis la que espera, sino un malherido Technical Boy. Puede que sea un tocapelotas, pero ¿Lo dejará dolerse Shadow Moon?
Algo va mal con mi Tocapelotas
La Opinión de Sofía
Me ha gustado mucho este capitulo. He de admirar la dirección de Thomas Carter, ya que me parece que, siguiendo la estética de la serie, es un tipo que sabe dirigir actores, y nos ha regalado algunos de los mejores planos de los personajes hasta la fecha. Hemos visto a unos personajes más personas, y eso me ha encantado. Bravo por Thomas Carter. Alabar también la decisión de seguir adelante con la historia, y no mirar atrás en cuanto a Shadow Moon y a Odin, comenzando a adentrarnos en la desaparición de la niña, adentrándonos en Lakeside; y hablando un poco más de Odín y su vida antes de la Guerra.
Hablando de Odín, es cierto que El Padre de Todos parece algo perdido esta temporada. Acostumbrados a un Miércoles casi omnipotente y todopoderosos, ahora lo vemos continuamente asombrado y descolocado. No es algo que me moleste, pero tampoco estoy segura de como tomármelo.
¿Alguien más sospecha de esta amable señora?
Y como no hablar de Laura, a la que he conseguir coger cierto cariño ahora que parece no ser un estorbo para el arco argumental de Shadow Moon y se ha convertido en un personaje por si misma. Me ha encantado su arco, y creo que es, a nivel técnico, el mejor del capítulo. Que transiciones tan bonitas, y que guion mas delicioso.
En general, me ha gustado muchísimo más este capítulo que el anterior, y me gustaría que la serie siguiera esta línea esta temporada, sabiendo como sabemos que volveremos a ver a los Dioses americanos en una cuarta entrega. Detenerse a hablar de las personas me parece un acierto ¿Seguiremos así? Eso solo lo sabremos la semana que viene. Hasta entonces… sed felices.
A veces nos cuesta ver en la mirada del otro. Decimos que entendemos el sufrimiento ajeno, pero no dedicamos tiempo a profundizar en el dolor, en las dudas del prójimo. El cine, como todo arte, nos ayuda a crecer en esa empatía, a colocarnos en el lugar del otro. Por eso, el séptimo arte no solo tiene la capacidad de entretenernos, sino de dar alguna que otra lección. Como Russell T. Davies con It´s a sin, serie británica de cinco capítulos que tenéis en HBO. Desde ya, el primer gran bombazo de 2021.
It´s a sin es una crónica de la irrupción del SIDA en los años 80 a través de la mirada de cinco amigos y su manera de lidiar con una pandemia hasta entonces desconocida y devastadora.
En It´s a sin, acompañamos a cinco jóvenes diferentes: Ritchie, un chico acomplejado por su condición de homosexual que se desata al llegar a Londres; Roscoe, despreciado por su familia nigeriana por su condición sexual y su gusto por maquillarse y travestirse; Colin, educado y tímido muchacho que viene a Londres a trabajar en una sastrería; Ash, atractivo y culto joven de origen indio; y Jill, el nexo de unión de los cinco jóvenes que viven en el desvencijado “Palacio rosa”.
Este enfoque de la juventud homosexual en un momento de liberación tras años de escondite y vergüenza se ha visto reflejado en multitud de películas de forma acertada. Tenéis Dallas Buyer Club, 1985, Bohemian Rhapsody, The normal heart, Kids, Rent o la fundacional Philadelphia. En concreto, It´s a Sin recuerda muy mucho a Rent, magnífica adaptación del musical de Broadway. Y eso hace que la serie sea previsible en este sentido.
Lo que hace interesante y especialmente aleccionadora a It´s a sin es el enfocarse en las distintas formas de lidiar con una enfermedad hasta entonces desconocida e incipiente sin saber que iban a marcar sus vidas para siempre. ¿Os suena a cierto virus que acudió sin invitación en 2020?
Mucho se ha hablado (y criticado) sobre la actitud de los homosexuales ante la llegada del SIDA. Que si banalización, que si dejadez… y lo que vemos nos recuerda mucho a lo que hemos vivido durante el año pasado.
RIchie
La incredulidad, la desinformación, los rumores, la negación, el shock del primer conocido que enferma, la preocupación excesiva, el monopolio temático en las conversaciones, las teorías conspiranoicas, la responsabilidad, el drama de los ingresados, el dolor. La culpabilidad de los contagiados.
George Orwell decía que el mejor profeta para el futuro es el pasado. Pues bueno, parece que hemos aprendido poco atendiendo a lo que vemos en It´s a sin.
Y no solo es aleccionadora, sino que también da voz y dignidad a los que morían solos… y tremendamente avergonzados. Sintiendo que lo merecían.
Decía al principio de esta reseña que el cine nos permite ponernos en el lugar del otro. No podemos entrar en los pensamientos de los personajes, pero sí combinar imagen y guión para entender lo que puede pasar por sus cabezas. Y aunque lo visual suele dejar poco espacio para la imaginación, deducir la alegría o la tristeza de los personajes es un derecho que ningún creador nos debería quitar. Y Davies a veces nos lo quita con el efectismo al que nos tiene acostumbrados.
Por ejemplificar. Hay una escena en los últimos capítulos con los padres de Ritchie absolutamente demoledora. No es necesario violines, ni diálogos que subrayen por lo que están pasando los personajes. Porque no hace falta. Los intérpretes, el director y el guión permiten que entendamos sus sentimientos.
Sin embargo, Davies en ocasiones subraya excesivamente. Sobre todo cuando compensa los momentos más livianos con el destino de muchos de los jóvenes despreocupados.
Que nadie se engañe. It´s a sin no es una serie liviana. Ni esconde el drama con comedia. Es una serie dura y directa al corazón. Un homenaje a una generación condicionada por una pandemia que arrasó allá por donde iba y que nos ha demostrado la mala memoria que tenemos.
En definitiva, It´s a sin es una gran serie sobre la aparición del SIDA y su efecto en la juventud homosexual londinense. Un retrato sobre la unión en momentos difíciles y sobre la dificultad para afrontar lo que no podemos controlar. Sobre lo nefasta que es la ignorancia para aquellos que no saben qué hacer con ella. Pero también es una oda a la vida, a las oportunidades, tanto únicas como segundas. A priorizar lo que es importante y que esto no nos desvíe de lo que cuenta: ser felices mientras sigamos respirando.
Bienvenidos a este mundo postapocalíptico que nos presenta The Stand. La raza humana fue devastada por un virus y solo unos pocos supervivientes tendrán la difícil misión de continuar con la humanidad. Basada en la novela de Stephen King, nos espera un mundo lleno de misterios y horrores.
Sin darnos cuenta The Stand va diciéndonos adiós y llegando a su fin. Esta sexta entrega que lleva el nombre de The Vigil (La vigilia), no nos dejó tantas cosas interesantes como su predecesor. Lo mejor se lo guardó para el final, como debía ser, terminando con un show espectacular de fuegos artificiales.
Como en el capítulo cinco, la historia tiene doble epicentro y transcurre en Las Vegas y en la Zona Libre de Boulde. En la ciudad del pecado vemos lo que la ira de Randall Flagg es capaz de provocar. El villano quería con vida a la Jueza Farris, que se escondía en un hotel en las zonas aledañas a las grandes luces y diversión que existe en lugar donde esta Flagg.
Pero la suerte para Randall Flagg no está de su lado. La mala praxis y las negligencias de sus hombres hacen que la Jueza no pueda ser la que confiese quien es ese tercer hombre que esta infiltrado en su ciudad.
Uno de sus hombres, Bobby-Terry, que es personificado por Clifton Collins Jr. (El Lazo-Westworld), la trae sin signos vitales. Esto despierta la ira total del malvado y déspota dictador, que termina acabando con él de una forma brutal y muy sangrienta.
El que si tuvo la suerte de su lado es Tom que, a pesar de ser reconocido como el tercer hombre que anda por las tinieblas en la Ciudad del Pecado, logra escapar justo a tiempo. Hasta ahora seguimos la misma trama de la novela, siendo el hombre el único que puede escapar cuando haya luna llena. También, al igual que en el libro, Randall Flagg manda a Trashcan Man (Ezra Miller) a buscar una ojiva nuclear.
En el otro lado de los EEUU, en la Zona Libre de Boulde, Madre Abigail, tal y como lo hizo Jesús, inicia un viaje de 40 días por los bosques aledaños al lugar. Está claro que la novela y la serie tienen mucha carga religiosa y católica. En la Biblia se hace referencia muchas veces al número cuarenta, como, por ejemplo, los 40 años que Moisés y los judíos tardaron en llegar a la tierra prometida. O los doce espías de Israel, que exploraron la tierra de Canaán durante 40 días. Y así en muchos casos más.
Luego de tener una disputa con Randall Flagg, Madre Abigail es encontrada con vida por una expedición que se movió de forma rápida y eficiente. La partida de la persona más longeva de la tierra había golpeado fuerte en la población de Zona Libre de Boulde, que ya venía muy convulsionada por el reciente asesinato.
Esto llevó a una congregación de la gente en la casa de la anciana para pedir que aparezca. Lo que conspira a favor de Harold y Nadine Cross, que colocan una carga de explosivos capaz de acabar con todas las personas que se encuentren en el lugar. Todo esto sucede mientras Frannie es encerrada en el sótano de la casa del muchacho por entrometerse en el plan.
Pero, como era de esperar, de una forma muy predecible, Frannie logra escapar a pesar de estar embarazada y logra avisar a Stu del plan maligno de Harold. Tal y como en la novela, el único que muere por la gran explosión es Nick.
Conclusión
Hasta ahora la serie no nos ha sorprendido para nada, sigue la misma tónica del libro. Nick muere por la explosión de las dinamitas puestas por Harold y Nadine Cross. Seguramente, en el próximo episodio ellos escapen hacia Las Vegas, todos saben que son los culpables. Y es muy probable que solo uno de ellos llegue a la Ciudad del Pecado: Cross.
Al parecer la serie nos traería algunas sorpresas que hasta ahora han brillado por su ausencia. Igualmente esto no quiere decir que estemos hablando de un material de baja calidad. En mi gusto personal, esta serie entraría entre las diez mejores que me ha tocado analizar.
Bienvenidos al análisis de la primera temporada de Yellowstone, una de las series más esperadas y la que lleva más tiempo de retraso con respecto a su emisión original. Paramount Network en España emite la serie en abierto y nosotros vamos a ver lo que da de si. Vamos al lío.
Los Dutton: Dallas 3.0
Yellowstonecuenta la historia de los Dutton, propietarios del rancho Yellowstone, una propiedad enorme que linda con el Parque Nacional del mismo nombre. El episodio piloto sirve de presentación de los personajes y sienta las bases de las tramas que se van a desarrollar en los siguientes episodios.
Yellowstonees una serie creada por John Linson (productor ejecutivo de Hijos de la Anarquía) y Taylor Sheridan, guionista de Sicario, Sicario: el día del soldado, Comanchería y Wind River, de la que también es director. Si habéis visto estas obras, ya podeís haceros una idea de por donde va Yellowstone: personajes duros, viviendo en la frontera de un mundo que está al margen de las grandes ciudades, con sus propias leyes y sus propias reglas, en unos paisajes naturales inmensos, épicos, con frases afiladas como cuchillos.
Los Dutton
Pero hay algo más. Yellowstonees un western fronterizo y crepuscular, si, pero con reminiscencias de grandes culebrones televisivos. Su principal referente es Dallas, la madre de todos los culebrones protagonizados por ricos, pero en este caso tenemos un culebrón mucho más moderno y estimulante.
La comparación con Dallasno es gratuita. En ambas series tenemos una familia con un rancho, un patriarca, un hijo bueno pero díscolo que desobedece al patriarca casándose con quien no debe, una borracha, un capataz que se lía con quien no debe, un villano de medio pelo,… Lo único que no queda claro es a quién adjudicamos el papel de J.R. porque en Yellowstonetodo el mundo hace méritos para ello. Y ya os avanzo que no es Jamie Dutton.
Los Ewing (y el capataz a la izquierda)
Kevin Costner, western eres tu
Si Taylor Sheridan es uno de los principales alicientes de Yellowstone, el otro es su protagonista principal, Kevin Coster, quien encarna al patriarca del clan, John Dutton. Costner es el eslabón perdido entre el Hollywood clásico y el moderno, un actor al que al principio de su carrera había quien le llamaba «el nuevo Cary Grant».
Kevin Costner se ha tomado siempre muy en serio a sí mismo y a su carrera. Demasiado. En ocasiones eso le ha salido caro (¿alguién ha dicho Waterworld?) pero a costa de seguir siempre la misma linea ha conseguido mantener un prestigio alto, o como mínimo una buena imagen, no como otros que han degenerado hasta convertirse en una parodía de si mismos (¿alguién ha dicho Robert de Niro?, ¿no?, bueno, creo haber oido Nicolas Cage, que también nos vale). Gran parte de su prestigio lo debe a su reiterada manía por protagonizar westerns y aquí ha conseguido continuar en la senda al mismo tiempo que se ha reinventado.
John Dutton es un tipo duro, de los de antes, un genuino norteamericano republicano (no confundir con los trumpistas) que ejerce de terrateniente, cacique y padre, todo a tiempo completo. Joder, si hasta es el comisario de los ganaderos, que tienen su propia fuerza policial. Toda la serie giran en torno a él y a cómo lucha con cualquiera que le toque lo que es suyo. Dutton lleva el rancho de Yellowstone como si fuese su propio país, con sus propias leyes. Fascinante la tradición de marcar a sus hombres como si fuesen ganado; lo que al principio parece una aberración, con el transcurrir de los episodios se revela como algo más profundo, un símbolo de renacimiento y esperanza. Si esto fuese Dallas, John Dutton ejercería de Jack Ewing.
La prole
John Dutton tiene tres hijos. En realidad tenía cuatro pero su primogénito fallece en el primer episodio. El siguiente en ascender al cargo es Jamie Dutton, interpretado por Wes Bentley. Jamie es abogado y como tal siempre parece una serpiente a punto de saltar. A la sombra de su padre, retratado como el más débil de sus hijos y algo pusilánime, es al mismo tiempo el más normal de todos. Quizás por eso resulta el personaje menos interesante de esta primera temporada.
El menor de los hijos Dutton es Kayce Dutton, encarnado por Luke Grimes. Kayce es el rebelde de la familia, un ex-Seal que dejó embarazada a una india y se fue a vivir con ella en la reserva que linda con el rancho Yellowstone. Si en un principio pensé que estábamos ante el Bobby Ewing de la serie, craso error. Kayce Dutton es un personaje con muchos fantasmas a cuestas. Odia a su padre pero lo da todo por él y su familia. Además, no hay episodio en el que no deje un cadaver a su paso, o dos. La relación con su padre es una de las tramas más interesantes de la serie.
Nos queda hablar de Beth Dutton, interpretada por Kelly Reilly. Como suele decirse, a Beth Dutton hay que darle de comer aparte. Cínica, manipuladora, alcohólica, amargada,… cualquier adjetivo parecido se le puede aplicar perfectamente. Es un personaje totalmente roto, desgarrado, alguien que pide ayuda a gritos en cada episodio. Es el único personaje femenino relevante y la verdad es que el género no queda muy bien parado.
Los villanos
Villanos, lo que se dice villanos, tenemos un par pero no parecen muy amenazantes, la verdad. Su presencia sobrevuela la serie y participan de la trama más a largo plazo, intentando arrebarselo todo a John Dutton. Y hay que admitir que los Dutton no son hermanitas de la caridad, precisamente. Por un lado, tenemos a Danny Huston como Dan Jenkins, un promotor inmobiliario que no hace más que recibir por todos lados y que no parece que vaya a salirse con la suya. ¿El Clifford Barnes de la serie?
Por el otro lado, Gil Birmingham como Thomas Rainwater, el jefe de la reserva india que linda con Yellowstone. Este ya es otra cosa. Desde el principio se revela como una rata traicionera que va por el mundo de victima indígena pero que ha estudiado en Harvard y al que no le ha faltado nunca un plato en la mesa. Estamos ante el verdadero enemigo de John Dutton.
La música
Otro aspecto a destacar es la banda sonora compuesta por Brian Tyler, autor de numerosas y reconocidas bandas sonoras. El tema, junto a los títulos de crédito, sirven de introducción al mundo de Yellowstone, un mundo duro, aspero, arido y del que hablamos en el siguiente apartado. Personalmente, tanto la música como los créditos, me recuerdan a Juego de Tronos, aunque puede que sea una apreciación muy subjetiva.
Un mundo de hombres
El tema de Beth Dutton nos lleva a un aspecto de Yellowstoneque a más de uno y a más de una no le va a gustar. El mundo de Yellowstone es un mundo muy, muy machista, incluso podríamos decir que roza la misoginia. El personaje de Beth queda siempre a la altura del betún de los zapatos. No faltan las escenas en la que, a la primera de cambio, sale desnuda dispuesta a follarse al primer vaquero que se le ponga a tiro, aunque su favorito es Rip Wheeler (Cole Hauser), el capataz del rancho que inevitablemente recuerda al capataz del rancho de los Ewing liado con la sobrina de J.R. pero en malote. De él hemos tenido también un flashback explicando su origen y promete convertirse en un personaje más relevante en la segunda temporada.
Al principio uno piensa que tanto personaje roto en esa familia es consecuencia de la falta de una figura materna que inspirase calma y tranquilidad, un centro de gravedad permanente para todos, una Ellie Ewing totalmente ausente. Otro error. Hemos tenido algunos flashbacks que profundizan en el personaje de Beth y en la relación con su madre y hemos descubierto que Evelyn Dutton era una auténtica arpia, una gran hija de puta con todas las letras. La falta de amor en su mirada, llena de odio hacia su hija en el primer flashback es todo un descubrimiento.
Esta claro que los mundos de Taylor Sheridan son mundos muy duros, donde hay que ser muy hombre para sobrevivir. Y si eres mujer tienes que ser aun más dura, más hombre que todos los hombres que te rodean, como le deja caer Evelyn Dutton a su hija en otro flashback. Es algo que también quedaba claro en Sicario, donde el único personaje femenino, el de Emily Blunt, era la brujula moral del espectador pero terminaba la película muy mal parada.
Resumen de la temporada
Esta primera temporada nos ha servido de presentación de los personajes. Es inevitable. Poco a poco ha ido profundizando en todos ellos. Los más desarrollados resultan, por lógica, los más interesantes: John Dutton, Kayce Dutton y Beth Dutton. Del resto hemos visto pinceladas. De los protagonistas, Jamie ha sido el más perjudicado aunque podría dar más juego en el futuro vista la situación en la que queda.
También se ha establecido el marco en el que se moverán, los conflictos entre el rancho y sus vecinos. Se podría plantear como la lucha entre el pasado y el futuro pero en el fondo de lo único de lo que se trata es de la lucha entre el poder y el poder. Quien lo tiene no quiere perderlo y ansía más. El que no lo tiene quiere arrebatárselo al otro tan sólo por avaricia. Pese a que al final se llegue a hablar del enfrentamiento entre John y Jamie como si fuese el enfrentamiento entre el pasado y el futuro, al final es más de lo mismo.
Hay que señalar que al ser una temporada de sólo 9 episodios, hay momentos en los parecen ir a toda castaña, lo que en este caso es positivo. No hay episodios de relleno ni escenas para cubrir el expediente sino que todo tiene relevancia y tarde o temprano tendrá su explicación. El hecho de que Taylor Sheridan se haya encargado de todos los guiones y de la dirección de cada episodio, le ha dado a la serie una continuidad y un ritmo uniforme que ya quisieran muchas otras. Además se las ha apañado para que cada personaje tenga su espacio y su razón de ser.
Taylor Sheridad, director y guionista
El episodio final deja un nuevo terreno de juego, con los personajes en diferentes posiciones. Kayce regresa a Yellowstone pero no a la casa familiar sino con los vaqueros con los que comparte marca. Beth es ahora la albacea del testamento de su padre, al que ya le dice que cuando él falte lo venderá todo. Finalmente, Jamie cometerá el error de su vida si revela a una periodista los trapos sucios de la familia, aunque peor suerte parece correr Dan Jenkins, del que ya he dicho que no prometía mucho. Como a lo largo de todo la temporada, la línea entre héroes y villanos es inexistente. Aquí cada uno va a lo suyo.
Aun así, pese a lo que Yellowstone y los Dutton representan (atención a la escena donde los guiris japoneses le echan en cara a Kevin Costner su papel de latifundista y este responde con un «esto es América, aquí no compartimos las tierras», al tiempo que pega tiros al aire) es inevitable posicionarse a su lado por todo el romanticismo que acarrean a cuestas: la vida del vaquero, la naturaleza, la épica de los paisajes,… todo ese mundo tan cinematográfico, cargado de un romanticismo que sólo se ve roto por la brutalidad de algunas situaciones, es lo que Taylor Sheridan nos ofrece. Si os gusta, esta es vuestra serie. Si no, mejor buscad otra. Un saludo y sed felices.
Bienvenidos, amantes de las estrellas, a los más bajos fondos de la Flota Estelar. Dejadme deciros, antes de nada, lo sorprendido que me encuentro ante el rotundo rechazo de cierta parte del fandom ante esta serie. Y es que, spoiler de la crítica, Star Trek: Lower Decks es muchísimo más cuidada, cariñosa y apegada a la franquicia original que el 80% del material «serio» que ha surgido de la serie. Creada por Mike McMahan y lanzada en agosto de 2020, la serie ha llegado a Amazon Prime el 22 de enero, la serie ya cuenta con una segunda temporada en producción, que se espera para este mismo año. Ahora si, vamos a hablar de porqué esta serie es maravillosa.
Los que se creen los protagonistas
¿Qué pasa en las cubiertas inferiores?
Todo lo que hemos visto de Star Trek ocurre en el puente de mando. Hemos visto la serie original, sus (muchas películas), sus spin offs, sus TERRIBLES películas de reinicio, su serie sobre Piccard, o Discovery (uno de sus mejores productos, a nuestro entender). En definitiva, nadie diría que Star Trek es una franquicia pequeña, pero siempre hemos visto a la tripulación al mando: capitanes, el puente, los oficiales superiores. Hemos visto la valentía en las misiones, las políticas en los grandes despachos… Pero ¿Qué ocurría en el resto de las descomunales naves de la Flota Estelar? Lo cierto es que es una pregunta que era más fácil responder en formato animado. No es que sea algo nuevo, Star Trek ya tuvo su serie animada, pero… Esta es mejor.
La serie sigue a Beckett Mariner y Brad Boimler, dos alférez humano de operaciones; D’Vana Tendi una oficial médica de Orion y Sam Rutherford, un alférez de ingniería con un implante cibernético vulcaniano. Los cuatro son oficiales sin rango, curritos de la parte baja de la nave, que tienen sus propias aventuras y problemas en la USS Cerritos (Ya el nombre es brillante). Si bien, en la serie también conocemos al puente de mando de la peor nave de la flota estelar, no importan tanto como estos currantes.
Los verdaderos protagonistas
La serie pretende dar voz a los no escuchados hasta ahora, incluyendo diferentes puntos de vista. Podemos ver a los curritos que disfrutan siéndolo, sin más, aprendiendo y mejorando como Tendi y Rutherford. Podemos ver los que se toman demasiado en serio a si mismos y viven esperando reconocimiento, como Boimier; o a los pasotas que disfrutan del ostracismo como a Mariner. También vemos las reacciones de la gente del puente de mando a todos estos curritos (que es casi nula).
¿Por qué es de lo mejor de Star Trek?
Sencillamente, porque parece conocer el universo mucho mejor que sus versiones «serias», y parece tenerle mucho más cariño. No se trata de una simple parodia de los tropos más comunes de la serie (que también) sino de una declaración de amor a la serie. Demuestra un conocimiento extenso y detallado de la franquicia, y tiene continuas referencias a la serie. La USS Cerritos realiza sus misiones en el 2380, entre las series ‘Voyager’ y ‘Picard’ y las menciones a los acontecimientos en ambas; así como a la serie original, y algunos guiños muy interesantes a «Discovery».
Ni tanto ni tan calvo
Los personajes, lejos de ser meros tópicos paródicos, son personajes bien construidos, en constante evolución, incapaces de encasillarse. Incluso los secundarios (o teciarios, o los del fondo de salón) que pueden parecer menos desarrollados, tienen sus arcos que se van poco a poco explorando. No solo eso, si no que el trabajo de desarrollo de personajes es digno de la franquicia. Cualquiera de ellos podría caber en cualquiera de las series o películas de la franquicia.
Por otro lado, es maravillosa la decisión de centrarse en los «segundos encuentros». Y es que, si bien la exploración del espacio o el primer encuentro con otras razas es la tónica general de la serie, la USS Cerritos no es ese tipo de nave. Sus misiones tienen más que ver con lo que ocurre cuando aparecen los títulos de crédito. ¿Cuál es el segundo contacto con una especie? ¿Qué pasa cuando hay que intercambiar tecnologías o hacer «visitas de rigor»? Pues que llega la Cerritos. Y es perfecto para el toque de humor y el completo disfrute del lore de la serie.
Las cosas menos buenas
Esto va a ser corto. Partiendo de la base de que en todas partes cuecen habas, y que es difícil encontrar el producto perfecto, Star Trek: Lower Decks tiene sus fallitos. Las cosas que me fallan a mi son pocas, y depurables, más que imperdonables. Por ejemplo, lo poco que funcionan las escenas más de pura acción para tratarse de una animación. Es evidente que la serie está pensada para ser más una comedia de situación, que una serie más al estilo Rick y Morty, pero lo cierto es que en Star Trek la acción es parte del ADN de la serie, y se echa un poco de menos algo más de cariño en este aspecto.
Mariner, uno de los puntos fuertes
Por otro lado, en cuanto al sentido del humor, la serie no sabe muy bien donde posicionarse. Es imposible evitar comparaciones con producciones de la talla de Rick y Morty, o (para mi insuperable y mucho más cercana) Final Space; pero lo cierto es que no acaba de ubicarse entre ellas. A veces parece que todavía esta encontrando su tono en cuanto a su nivel de bestialidad, o el tipo de humor referencial al que quiere acercarse. Pero, como ya he dicho, esto no es necesariamente malo, solo mejorable de cara a la segunda temporada, que ya ha confirmado Amazon.
La Opinión de Sofía
No me extiendo, porque ya he dicho todo lo que podía decir de esta serie. Lo cierto es que a mi me ha encantado, me he terminado en apenas una tarde los diez capítulos que componen la primera temporada, y me he quedado con ganas de más. He cogido cariño a la tripulación, me he reído como hacía tiempo que no lo hacia, y, para que mentir, me he vuelto a enamorar de la Flota Estelar.
Todos esperando la segunda temporada
Sus poco fallos son minucias, en comparación con la fluidez de su trama, y lo característico de sus personajes. Yo estoy deseando que llegue la segunda temporada para seguir disfrutando de la tripulación de la Cerritos. Pero, ya sabéis, hasta que ese momento llegue… sed felices.
Tras la postergación por pandemia, nos llega por fin a través de The CW la quinta temporada de Riverdale y aquí estamos para analizar el episodio 1 que lleva por título Climax.
Bienvenidos sean a este recorrido en el cual, semana a semana, iremos analizando sucesivamente los episodios de esta quinta temporada de Riverdale, serie creada por Roberto Aguirre – Sacasa sobre los cómics de Archie. Por lo pronto, ya hemos visto el primero (que en el listado integral es numerado como capítulo 77) y pasamos a desbrozarlo, no sin antes advertir, por si aún no lo han visto, que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA. Si desean recordar lo ocurrido en las temporadas anteriores, aquí les dejo mi reseña. Pueden, además, ver aquí nuestros análisis sobre la serie.
Lo primero para decir de este episodio es que, para ser arranque de temporada, pasaron demasiadas cosas al comparar con inicios anteriores. Tiene lógica: la pandemia hizo que quedaran tres episodios pendientes de la temporada anterior, con lo cual este debería haber sido el vigésimo de la cuarta: ello explica que se estén cerrando tramas en lugar de abrirse.
Canción a la Basura
Archie Andrews (KJ Apa) está decidido a ingresar a la Academia Naval, para lo cual debe ser admitido por un comandante que llega a Riverdale a tal fin. Además, tiene en conflicto, ya desde la temporada anterior, su relación sentimental con Veronica Lodge (Camila Mendes), pues la farsa de la relación con Betty Cooper (Lili Reinhart) reflotó inesperadamente la atracción mutua que habían sentido desde la infancia.
De hecho, Archie compone una canción para Betty, pero (ay) el manuscrito es encontrado por Veronica y cree que es para ella. Insiste en que Archie la cante pero este se niega argumentando que no es buena y la canción termina hecha un bollo en el fondo de un cesto, aunque la mirada de Veronica delata intención de rescatarla.
En casa de los Lodge, Hiram (Mark Consuelos) parece sentirse mejor de su enfermedad muscular degenerativa y ello no puede sino sorprender a Hermione (Marisol Nichols) y a Veronica, quien hasta llama a su médico para cerciorarse de que no miente. Madre e hija terminan por aceptar su palabra, pero queda flotando la sensación de que no dice toda la verdad.
Solo Uno
Archie se encuentra con el comandante que lo evaluará para su ingreso en la Academia Naval, quien, para su decepción, le informa que no es el único candidato sino que deberá competir con K.O. Kelly (Zane Holtz), nombre que Veronica reconoce por ser el del novio de su amiga Katy Keene. Si se preguntan en dónde encaja todo esto, es válido aclarar que durante 2020 tanto The CW como HBO Max pusieron en emisión una serie spin – off de Riverdale titulada, precisamente, Katy Keene, en la cual ese muchacho tenía un rol importante. ¿Y por qué digo “tenía”? Pues porque esa serie se canceló tras una única temporada pero, claro, al momento de filmarse este episodio, estaba en emisión y debía ser promocionada.
Hago una pregunta: ¿por qué el comandante no puede quedarse con dos aspirantes? ¿A qué se debe esa cuestión Highlander de que tenga que quedar solo uno? Desconozco cómo funcionan esas academias o si tienen cupos de uno por ciudad al estilo de la NBA con las universidades, pero mejor seguir con la trama: el problema será dirimido en una pelea de boxeo, actividad, según el comandante, muy promovida en la institución y que, como sabemos, Archie ha practicado en el pasado varias veces en diferentes contextos.
Conocer a su rival le provoca un cierto desaliento por la diferencia de contextura física, pero intenta darse ánimos y cuando Kelly le pregunta si es de su misma categoría, le responde, sin parecer muy convencido, que es más grande de lo que parece.
Pero entre las subtramas del episodio, hay una que se destaca y que tiene que ver con la última escena de la temporada anterior, en la cual, recordémoslo, una misteriosa filmación en VHS representaba a la banda de Archie matando a cuchilladas al ahora ex director Honey.
Con anterioridad, los vídeos enviados por el anónimo sujeto (al que comienzan a llamar, simplemente, Autor) recreaban asesinatos ocurridos o casi (como el de Jughead Jones), pero esta vez se trata de un crimen que no sucedió, lo cual abre el interrogante acerca de si es una metáfora (Archie y sus amigos han sido responsables del desplazamiento de Honey) o hay algo más, pues Jughead (Cole Sprouse) no deja de pensar que él mismo había imaginado ese asesinato en una de las historias que escribió. Cuando Charles (Wyatt Nash), a cargo de la investigación para el FBI, le pregunta quién más sabe de ello, responde que solo Betty.
Terciopelo Azul
Volvamos a la trama de misterio. Charles, junto a Jughead y Betty (recordemos que es medio hermano de ambos), siguen a la caza del Autor. Uno a uno van pasando por interrogatorio los posibles sospechosos, pero no hay pistas certeras. Como último recurso le hacen una visita a Bret Wallis (Sean Depner), aquel aprendiz de psicópata de Francis DuPont que se halla en prisión por su hábito de rodar y difundir filmaciones de parejas teniendo sexo sin que lo sepan: quién mejor que él para conocer a pervertidos con cámaras.
De la charla surge un dato revelador: David (Graham Phillips), dueño del club de vídeo Blue Velvet (gran homenaje a David Lynch), maneja comercialización y difusión de películas snuff, es decir filmaciones de asesinatos reales. Para llevar tranquilidad, es bueno aclarar que a la fecha no se ha comprobado la existencia de tales filmes sino que parecen más bien leyenda urbana alimentada por el suceso de la película 8 MM (Joel Schumacher, 1999), a la cual, incluso, Jughead hace referencia.
El dato les da la idea de filmar una falsa película snuff y ofrecerla a David como señuelo. A tal fin, convocan a Cheryl Blossom (Madelaine Petsch), a quien sacan por un momento de su campaña para prom queen y le colocan una peluca negra para hacer de muchacha asesinada, mientras Reggie (Charles Melton) interpreta al psicópata encargado de acuchillarla.
El vídeo, claro, destila falso por todos lados y no convence a David, ante lo cual Betty juega una segunda carta que sorprende hasta al propio Jughead. Le enseña la filmación en la que se ve su padre Hal, de niño, siendo adoctrinado por su madre para convertirse en asesino: es decir, le muestra la gestación de un asesino serial, pues recordemos que el padre de Betty fue el Enmascarado en las dos temporadas anteriores.
Esta vez David se muestra no solo convencido sino entusiasmado, ante lo cual Betty le ofrece la posibilidad de comercializar y distribuir el vídeo a cambio de que permita tanto a ella como a Jughead estar en la fiesta de presentación. La esperanza, claro, es encontrar al asesino en la misma aun cuando, obviamente, no se lo digan a David, que acepta.
Hermanita
La fiesta está, obviamente, llena de freakies psicóticos. A esta altura cabe preguntarse por qué habrá tanto cerebro trastornado en esa pequeña ciudad: en Gotham, por lo menos, lo explicaban con el asilo Arkham. No terminé de entender el plan de Betty y Jughead para reconocer al asesino entre ese pandemónium de desquiciados con máscaras, pero hay que decir que la escena está muy lograda desde lo visual al alternar imágenes que muestran a Jughead tomándose a golpes de puño con uno de los asistentes a la vez que a Archie combatiendo contra K.O. Kelly.
A propósito, Archie hace una pelea digna a pesar de la diferencia física; su oponente no logra darle nocáut (paradójicamente la sigla de su nombre remite a eso), pero termina, de todos modos, derrotándolo por puntos en fallo dividido, siendo el dictamen definitorio emitido por el comandante. El desconsuelo no puede ser mayor: Archie no irá a la Academia Naval.
Jughead y Betty, mientras tanto, se dedican a seguir a un sujeto con máscara de búho por reconocer en una de sus filmaciones un patrón semejante a la del supuesto asesinato de Honey. Sin embargo, se ven obligados a abandonar la persecución cuando, para su sorpresa, Jughead encuentra allí a su hermana menor Jellybean (Trinity Likins, nombre que parece un chiste de Veronica), aquella que fuera abandonada por su madre en Riverdale.
Luego, en Pop´s, les cuenta que cayó en esa fiesta por una amiga suya que a su vez fue invitada por su novio o lo que sea. El asunto queda en nada y, de momento, no tiene más efecto que sacar a Jughead y Betty de la pesquisa, pero me da la impresión de que eso no fue mencionado al azar y, después de todo, nunca supimos demasiado sobre Jellybean, menos sobre sus amistades…
Parejas Rotas y Asesinos Psicópatas
Para compensar a Archie por su frustrado ingreso a la academia, Hiram le ofrece ser su “deputy mayor”: lo que en España sería un teniente de alcalde y en Latinoamérica un vicealcalde o primer concejal.
Se aproxima el baile de graduación y Cheryl sigue decidida a ser la prom queen y oficializar a Toni Topaz (Vanessa Morgan) como su pareja tras la elección pero, justamente, hay problemas porque la familia de Toni (específicamente su abuela) no aprueba la misma, no tanto por su carácter lésbico sino porque Cheryl es una Blossom y hay viejas disputas familiares. Cheryl intenta interceder ante la abuela, pero solo lleva más leña al fuego. La ruptura se avizora como inevitable y ya veremos que no es la única del episodio.
En La Bonne Nuit, el club regenteado por Veronica, esta da una recepción a amigos y familiares, teniendo la mala idea de interpretar la canción de Archie que rescató de la basura. Se respira tensión en el ambiente, sobre todo en el cruce de miradas entre Betty y Archie.
Y llega el baile. Las muchachas estrenan sus vestidos para la ocasión mientras el señor Weatherbee (Peter James Bryant), vuelto a su cargo (los directores de ese colegio tienen siempre apellidos relacionados con abejas), anuncia a Cheryl como la nueva reina de la promoción con la particularidad de que no es acompañada por un rey sino por otra reina: obviamente Toni.
En tanto y mientras bailan, Veronica pone al tanto a Archie de que postergará la universidad por un año para ir a Barnard y estar más cerca suyo. La noticia, desde luego, solo genera en él más culpa y lo lleva a cometer su clásico “sincericidio”, pues no puede con su conciencia y así como alguna vez terminara diciendo la verdad sobre su presencia en el río aquella mañana de la desaparición de Jason Blossom, ahora admite lo que siente por Betty tras la ficción montada. Veronica, desde luego, recibe el impacto pero casi ni tiene tiempo de asimilarlo…
Las luces del lugar se apagan repentinamente y mientras suenan los acordes dePsycho Killer, de Talking Heads, la pantalla muestra imágenes que recrean a Archie y sus amigos matando a cuchilladas a David.
Lo curioso es que salvo los implicados en la escena, al resto se los ve felices y bailando como si nada: pareciera que los habitantes de Riverdale están curados de espanto ante tanta cosa rara. De hecho, recién se asustan cuando Betty vuelve a encender las luces.
Ella y Jughead salen presurosos hacia Blue Velvet para comprobar si David está vivo y, tal como temían, no lo encuentran allí: solo una máscara de búho (maldita Jellybean, pensar que ya lo tenían) y un cartelito que reza: “Sonríe, Dios te observa”.
Mientras tanto, se producen las separaciones de caminos. Topaz prometió volver a casa a las doce y se despide de Cheryl en una escena emotiva: la chica rebelde y pandillera termina siendo al final la que más acata los mandatos familiares en tanto que Cheryl, más tarde y entre lágrimas, llorará ante su abuela por lo que considera una maldición familiar a la cual no puede escapar.
Archie y Veronica, por su parte y también entre lágrimas, hablan igualmente su situación, se despiden y acuerdan seguir sus propios derroteros. Extraña la forma en que ella naturalizó todo tan rápido al punto de llorar sobre su hombro.
También convienen en no decir palabra alguna a Jughead para no arruinar su relación. Difícil que no se entere de todos modos o que al propio Archie no lo traicione nuevamente su conciencia: él es honesto y bien sabemos que no se puede confiar en la gente honesta…
En la última escena y de regreso a su casa, Archie encuentra un nuevo VHS y, al reproducirlo, se encuentra con una recreación que lo muestra a él en Pop´s de rodillas y con el Enmascarado apuntándole a la cabeza, tal como alguna vez ocurriera.
Balance del Episodio
Hay que decir que la quinta temporada de Riverdale ha arrancado bien. Es cierto que, justamente, parece más un episodio de finales de temporada que de inicio pero ya hemos hablado al respecto. También lo es que hay algunas inverosimilitudes pero la gran virtud de la serie es saberse reír de eso: “¿Será posible que todos los bailes en Riverdale terminen como películas de Jamie Lee Curtis?” se queja Jughead como si nos advirtiera que la cosa no va del todo en serio.
Pero se condensaron aquí los elementos característicos de la serie: triángulo, ruptura, misterio… Precisamente en este último aspecto ha dejado varias puntas sueltas de frente a los dos próximos episodios (los que hubieran sido los últimos de la temporada anterior) y la trama del Autor no solo atrapa sino que además no ofrece aún signos evidentes para su resolución. El comentario de Jellybean acerca de su amiga y del novio pareció ser una señal al pasar: desde ya que suena descabellado que la hermana de Jughead sea el Autor, pero no tanto que lo conozca o que estén ligados de algún modo.
Tampoco parece lógico sospechar de Bret o de Chic, candidatos seguros de no ser porque están entre rejas, pero del segundo nos queda aún en la nebulosa su verdadero vínculo con Charles: recordemos que en una escena de la temporada anterior se vio fugazmente cierta intimidad entre ambos que Charles no evidencia ante los demás.
Y otro interrogante es Hiram, pues a nadie puede escapársele su mirada al rojo vivo tras enterarse que Archie ha traicionado a su hija y tiene algo con Betty.
Ya veremos qué respuestas puedan caernos en el próximo episodio en lo que se anuncia como tensión in crescendo hacia el tercero.
A finales del 2020 Netflix, nos sorprendió con un live-action, Alice in borderland, que ha significado su reconciliación con los amantes de los animes, después de su no muy acertada versión de Death Note.
Los seguidores del género se mostraban escépticos con esta nueva adaptación; no es fácil conseguir que un live-action tenga la esencia de un manga. Incluso alguno de ellos sugirieron que hubiera sido mejor un anime. Pero Netflix ha conseguido, con Alice in borderland, que los fans, y no fans, de este género hayan disfrutado de este mundo distópico y su historia, e incluso que nos hayamos quedado con ganas de más.
Como era de esperar, el 15 de enero, Netflix confirmó una segunda temporada de esta exitosa serie.
Antes del live-action: manga, OVA’s y spin-offs
Está basado en el manga homónimo escrito e ilustrado por Haro Aso. Este manga se publicó en la revista Shogakukan’s Shonen Sunday desde noviembre de 2010 hasta marzo del 2015 En abril de ese mismo año, Weekly Shonen Sunday se hizo cargo de su publicación hasta marzo del 2016, que fue cuando el manga se dió por terminado.
El manga tuvo 3 OVA’s, que se emitieron desde octubre del 2014 hasta febrero 2015. Si has visto los OVA’s, podrás observar la similitud en muchas escenas con la serie de la plataforma de stream. En algunos momentos el live-action llega a superarlo, captando más la emoción y tensión de algunas escenas, consiguiendo una atmosfera superior a los anime.
El manga también ha tenido varios spin-off. El primero de ellos llamado Daiya no King (Rey de diamantes), se publicó desde octubre del 2014 a febrero de 2015, en Semanal Shonen. Posteriormente, desde agosto del 2015 a febrero del 2018, se publicó Alice on Border Road en la revista Montly Sunday Gene-X. Y el más reciente es Alice in Borderland: Retry, que empezó a publicarse en octubre de 2019 y finalizó en enero de 2020.
La serie de Netflix
Las búsquedas en Google de Alice in borderland, se dispararon a medida que su estreno se acercaba. Netflix consiguió crear un ambiente de expectación e intriga acerca de lo que el espectador podría encontrarse al verla. La serie se estrenó el 10 de diciembre de 2019, con un total de 8 episodios de una duración de menos de una hora cada uno. He de decir que ví la serie de tirón, y el final te deja con ganas de más.
La serie no sigue al pie de la letra el manga; se han hecho pequeñas modificaciones que no inciden en la trama. La serie está dirigida por Shinsuke Sato, conocido por su live-action en 2018 de Bleach, y con guión de Yasuko Kuramitsu, Shinsuke Sato y el propio Haro Aso.
En solo un mes, Alice in borderland, ha conseguido colarse en la lista de las 10 series más populares no solo de Japón y países asiáticos. Alemania, Grecia, Francia y Portugal forman parte de los 40 países donde esta serie ha sido la favorita de los usuarios de Netflix.
La plataforma de stream no ha dudado en invertir en efectos especiales. Para ello han contado con la colaboración de equipos de Los Angeles, Japón, Singapur y la India. Incluso Erik-Jan De Boer, ganador de un Oscar por La vida de Pi de 2012 participó en la creación de los efectos especiales del episodio número 5. Esto nos hace una idea de que Netflix ha apostado fuerte por esta serie, y que va a seguir en este camino.
Protagonistas de Alice in Borderland
Han sido parte importante del éxito que esta serie tiene. La gran mayoría de ellos son personajes muy tópicos, pero han conseguido dotarlos de su propia identidad haciendo que sus historias se salgan de lo común. Todos los actores son muy jóvenes y tienen una amplia carrera profesional.
Ryohei Arisu: Es el personaje principal del live-action. De hecho, su nombre, Arisu, suena muy parecido a Alice en japonés. Un joven gamer, tímido e inseguro, pero con una capacidad de análisis, que le será de gran ayuda. Está interpretado por Kento Yamazaki, actor y modelo, nacido en 1994 en Tokio.
Yuzuha Usagi: Protagonista femenina de la serie. Es una joven deportista, luchadora, y atrevida, lo que le sirve para conseguir un dúo perfecto con Arisu. Es una mujer solitaria que evita siempre que puede, relacionarse con el resto. Está interpretado por Tao Tsuchiya, actriz, modelo y cantante nacida en 1995 en Tokio.
Shuntarō Chishiya: Más conocido como Cheshire, el gato de Alicia en el país de las maravillas. Es un joven con un carácter peculiar. Piensa que todo el mundo es egoísta y por eso mismo él no quiere ayudar a nadie. Inteligente, frio, calculador y muy manipulador. Está interpretado por Nijirô Murakami, actor nacido en 1997 en Tokio.
ChotaSegawa: Uno de los dos mejores amigos de Arisu. Un joven torpe y poco agraciado muy influenciado por las creencias religiosas de su madre. Está interpretado por Yûki Morinaga, nacido en 1996 en Osaka.
Daikichi Karube: El otro mejor amigo de Arisu. Atrevido, impetuoso y amante de los peligros, pero con un gran corazón. Siempre pendiente de que sus dos amigos estén bien. Interpretado por Keita Machida, actor nacido en 1990 en Higashiagatsuma.
An: Joven misteriosa e intrépida. Aparece a mitad de la serie, y se convierte en parte de la trama. Es una joven sorprendente con una triste historia. Está interpretado por Miyoshi Ayaka, actriz, modelo y cantante. Fue integrante del grupo musical Sakura Gakuin. Nació en 1996 en la Prefectura de Saitama.
Takeru Danma: Conocido como El sombrerero, Hatter. Al igual que An aparece a mitad de la serie. Es el líder de La Playa. Un hombre transformado por su ambición y embriagado de poder, aunque en el fondo aún queda algo de la buena persona que fue. Protagonizado por Nobuaki Kaneko, actor y batería del grupo Rize. Nacido en Setagaya, en 1981.
Morizono Aguni: Conocido como Agni. Mano derecha de El Sombrerero, a quien ayuda a mantener la jerarquía de poderes en La Playa. Es un hombre de mente fría y calculadora, con amplios conocimientos militares y muy buen luchador. Está interpretado por Shô Aoyagi, actor nacido en 1985 en Sapporo.
Segunda parte de Alice in borderland
Netflix ha sabido aprovechar el éxito de Alice in borderland y un mes después de su estrenó se confirmó una segunda temporada de este live-action. Todavía no se sabe cuando está previsto su estreno, pero podría llegar antes de finalizar el 2022. Mientras tanto, nos deja este corto video en su canal de Youtube para aumentar la expectación.
Centrándonos en el anime, que actualmente se encuentra disponible en Netflix y sin entrar en spoilers, la trama gira en torno a la relación existente entre una chica de pueblo (Mitsuha), y un chico de Tokio (Taki), cuyas vidas se ven irremediablemente entrelazadas por un fenómeno místico o sobrenatural que, si bien empieza como un juego, acaba teniendo grandes consecuencias en la vida de ambos.
Si tuviese que dividir los tres grandes bloques que hacen de Your Name una película maravillosa, sin duda me quedaría con su narrativa, su animación y la música compuesta para la obra. Vayamos por partes.
Narrativa en Your Name.
Your Name no es la clásica historia con la estructura que todos conocemos (introducción, nudo, desenlace), sino que la narrativa está alterada completamente, hasta el punto de que se vienen dando indicios del desenlace de la obra desde el momento en que empieza la producción, fruto de esa alteración del tiempo en que transcurren las secuencias.
Pero es que no sólo se altera el tiempo, sino que el espacio en el que se desarrolla la trama cambia considerablemente, de modo particular, desde el momento en que se produce un punto de quiebre en la obra. En esta producción hay un antes y un después claramente diferenciados, por lo que no os dejéis engañar por el metraje, ya que desde el momento en que ocurra un determinado suceso, la obra va a adquirir una profundidad en su conjunto que no era posible esperar al visionar los primeros minutos de la cinta. Se puede comparar con la novela de detectives que deja caer indicios aquí y allá para que el lector avispado descubra a tiempo quién es el asesino, con la diferencia de que, por muy avispado que seas, es muy complicado que augures el desenlace de la producción, ya que las pistas que ofrece el desarrollador no son muy evidentes.
Más allá de la genialidad del guion, y de la estructura atípica que ofrece la narrativa, un punto que caracteriza a Your Name es el alto impacto emocional que genera. Al dar un cambio tan brusco la narración, la obra se encamina por unos derroteros que incitan más a la empatía, la contemplación de la belleza en la propia obra o incluso el sentimentalismo. Las tomas que se recogen son preciosas, profundas, y dispuestas a sobrecoger el alma del espectador, es más que probable que en algún punto de la cinta acabes llorando de emoción, o como mínimo sueltes alguna lagrimilla. Os dejo los primeros minutos del metraje, en los que ya se observa que la obra no tiene nada de convencional.
Animación en Your Name.
Dicen que una imagen vale más que mil palabras; os dejo unos cuantos planos de la película para que aprecieis la belleza que nos ofrece Makoto Shinkai:
Música en Your Name.
Your Name sin la música que tiene, no sería Your Name. La banda sonora de la obra está específicamente pensada para la obra, para cada uno de los momentos que aparecen en pantalla. Aquí explica el punto un experto en el tema, además de realizar un análisis magistral de la banda sonora de la obra. Como él explica, la BSO refleja lo que acontece en la animación, complementando la película para hacerla única e irremplazable.
Por ejemplo, por favor, tómense unos minutos en escuchar la siguiente banda sonora de la película Es una pieza suave, relajada, dulce, muy melódica. Ahora, voy a poner el contexto en la que aparece esta banda sonora en la obra (pido un poco de imaginación al lector, ya que por temas de copyright no puedo poner en un mismo clip la música y la imagen). Se observa así que esta música corresponde a una cita que aparece en el film, pero no se trata de una cita cualquiera, sino que debe ser la que se observa en pantalla, coincidiendo la música, con lo que se está visionando.
Así, el inicio lento y pausado corresponde a la preparación, y los primeros momentos de la cita, la parte repetitiva más melódica es el propio desarrollo de la cita, el siguiente extracto muy lento y dulce es la parte más profunda o bella del encuentro, y a continuación viene una parte que es más desenfadada, y divertida, en el cual la cinta mete un tono de comedia a la cita, para volver a repetir el tema principal, esta vez con acompañamiento, señalando así el final de la cita, volviendo al tono sosegado con el que comenzaba la pieza sonora, con un acompañamiento.
Lo increíble es que esto no ocurre sólo con esta maravilla escrita principalmente para piano, sino que toda la obra en su conjunto viene acompañada por una banda sonora magnífica con su propia razón de ser. Adjunto la lista de Spotify con toda la BSO en su conjunto, de la cual destaco el tema 8, Zen Zen Zense, y el tema 24, Sparkle (cuidado con este enlace que hay un SPOILER de los gordos, es para ver a una orquesta entera tocando el tema, con imágenes de fondo de la propia película), aquí ya no hay Spoiler, es una versión reducida de la pieza a piano, además del tema 10 (Date), ya mencionado, aunque bien podría destacar cualquier otro tema, ya que son todos maravillosos.
Your Name es una película excelente, muy bella en todos los aspectos, no por nada es la película más taquillera de toda la historia del anime, y que sin duda, a título personal, recomiendo muchísimo su visionado. Es una adaptación que a mí me hace muy feliz por poder haberla disfrutado, y espero que a vosotros, si le dais una oportunidad, también os encante y os llegue, por lo menos, tanto como a mi me emocionó en su momento.
Otra vez aquí para analizar un nuevo episodio de The Expanse, el octavo de la quinta temporada que lleva por título Hard Vacuum. La serie, basada en la saga de novelas de James S. A. Corey, puede ser vista en Prime Video
BIENVENIDOS a otra entrega de The Expanse: el octavo episodio ha estado cargado de grandes momentos actorales, pero sobre todo cargado de un clima y una tensión que nos arrojan de cabeza hacia lo que serán los dos últimos de esta quinta temporada que sigue manteniendo muy alto el nivel. Por si aún no lo han visto, advierto que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA y si quieren ver nuestros análisis anteriores, cumplo en informarles que pueden hacerlo aquí.
Todo por una Nave
El episodio comienza en la Tierra, en donde, en viaje hacia Baltimore, habíamos dejado a Amos y Clarissa, que ahora usan ciclomotores. Al detenerse para hacer sus necesidades, se topan con unos cuantos cadáveres junto a la sede de lo que debió haber sido un hogar de ancianos. Se presume que, por su poca movilidad, fueron sacrificados por aquellos que sí pudieron irse, ante lo cual Clarissa se pregunta si habrá sido un acto de bondad y si así será el mundo de allí en más. Amos, triste el semblante, le responde que al menos lo será por un tiempo.
Una vez más, surge como tema lo de salir de la Tierra en una nave, algo que Amos ya había planteado dos episodios atrás: ella le comenta que sabe de un lugar en donde puede haber una. Tal como luego sabremos, se trata de una isla en el lago Winnipesaukee (New Hampshire) y con ese planteo, justamente y una vez en Baltimore, le van a Erich, el antiguo amigo y casi hermano de Amos, a quien se ve visiblemente conmocionado por los destrozos y las víctimas. Si bien y al igual que en su aparición anterior, se muestra reluctante y hasta resentido, da la impresión, finalmente, de aceptar ayudarles a llegar allí.
En este punto quiero volver sobre algo que mencioné en el primer análisis de esta quinta temporada y que tiene que ver con el escabroso pasado de Amos, particularmente en relación con Lydia, aquella mujer que lo crió como una madre. En aquella oportunidad, dije que parecía haber sido cercenado de la serie un detalle que está en la novela y, según veo, sigue dándome esa impresión: de todas formas y por si no han leído los libros, voy a seguir sin revelarlo hasta el cierre de temporada por si aún apareciese en algún flashback o diálogo, aunque la sensación es que no.
Respuesta Proporcional
En la Luna, David Paster ha asumido oficialmente su cargo como secretario interino de la ONU y se presenta acompañado por Avasarala y Delgado, a la vez que pronunciando un encendido discurso como para levantar a los muertos. Terminado el mismo, pregunta a Chrisjen si le habrán creído y esta, en una auténtica lección de liderazgo carismático weberiano, responde que no importa eso sino que vean al líder que necesitan y quieren ver. Como siempre, The Expanse deja fuertes analogías con la historia de nuestro mundo ya que el papel aquí cumplido por Paster puede ser equiparado con el de Churchilltras el inicio de los bombardeos alemanes contra Londres o de Stalin llamando a revivir la dignidad rusa a una semana de iniciada la Operación Barbarroja.
Paster preside un comité de crisis a los efectos de estudiar acciones frente a los ataques de Inaros. Delgado propone lo que llama una respuesta proporcional: un ataque devastador contra la estaciónPalas, eje neurálgico de las actividades del Cinturón y, con toda seguridad, también de Inaros. Chrisjen se opone porque ello implicaría muchas muertes inocentes ya que en la mencionada estación viven entre nueve y trece mil personas. Más aún: una respuesta de tal índole podría acarrear el no deseado efecto de unir a las facciones del Cinturón.
Paster, quien parece un hombre honesto, moral y empático, manifiesta algo semejante, pero luego llama en privado a Delgado para hablar sobre su plan. Aun cuando no lo apruebe abiertamente y se lo note renuente, dubitativo y hasta atormentado, la sensación es que está evaluando la propuesta o, cuando menos, considerándola como carta a jugar si las cosas se siguen complicando o se reciben nuevos ataques.
Padre e Hijo
Los ojos de Marco están al borde del llanto mientras contempla el yaciente cuerpo sin vida de su amigo Cyn, quien, según dice, estuvo con él desde el principio y se suponía que debía estarlo hasta el final. Consultando a su hijo Filip acerca de lo ocurrido, este le cuenta que Naomi saltó al espacio por la esclusa y al abrirla mató a Cyn. El joven, también visiblemente turbado, culpa a su madre pero Marco le replica que la culpa fue suya en obvia referencia al haberla traído a bordo, algo que le recriminó desde el principio.
El momento entre padre e hijo es realmente intenso: el líder mesiánico capaz de sesgar millones de vidas de un solo golpe aparece quebrado al perder a su amigo de vida, mientras su hijo luce angustiado y sabiendo que no encuentra forma de complacer a su padre a pesar de todos sus intentos. Está claro, además y de acuerdo a sus palabras, que cree a su madre muerta, lo cual también le debe mover fibras internas. ¿Estará arrepentido del bando elegido momentos antes?
Nave – Bomba
Naomi despierta de su parcial inconsciencia a bordo de la Chetzemoka y llena de inmediato sus pulmones tras tenerlos vacíos durante varios segundos. Sus ojos lucen rojos y su piel demacrada por el frío, el vacío y la radiación. Logra hacerse de algún paquete de medicina antirradiación (recordemos que ella había llegado a bordo de esa nave y, por lo tanto, la conoce) y en un estado decrépito y apenas sosteniéndose en pie, se dedica a inspeccionar el interior de la Chetzemoka para encontrar que la mayor parte de los dispositivos están sujetos a un intenso cableado que dice a las claras que han convertido a la nave en un gran explosivo a detonarse cuando alguien se le acerque. No solo eso: una falsa señal editada con su voz se repite permanentemente pidiendo auxilio a Holden por no tener control de la nave.
La situación es de un nerviosismo desesperante y es un gran acierto que casi todo el arco de Naomi a bordo de la Chetzemoka (salvo el final) no tenga música, lo cual ayuda a aumentar el suspenso, la angustia y la claustrofobia. Sabiendo que Holden encontrará su fin si se aproxima a la nave, arma un radio improvisado con el comunicador de un casco espacial y envía un mensaje en el cual informa a Holden que el otro es mentira, aunque sin saber en qué canal se pueda llegar a transmitir o si será pescado por alguien.
Un Mensaje y Dos Receptores
Holden y los suyos no encuentran rastros de la protomolécula tras la explosión de la Zmeya, lo cual es extraño pues tampoco han visto a ninguna nave acercarse a ella antes de su final. A bordo de la Razorback, en tanto, Alex y Bobbie reciben el mensaje de Naomi…, pero el falso y, de inmediato, lo retransmiten a Holden.
Se vive cierta tensión a bordo de la Rocinante pues hay incertidumbre acerca de lo que, casi con seguridad, Holden está por hacer. A Monica se la ve ahora más dubitativa, en tanto que Bull, ex hombre de Fred Johnson que se ha sumado a Holden, manifiesta que no desea seguir a este en una misión suicida.
A bordo de la Chetzemoka, Naomi recibe un mensaje de Alex, al cual, para su desesperación, no puede responder: en el mismo se le dice que irán por ella. Presa de la angustia, juega una última carta. Por alguna razón que al principio no entendemos, se dedica a memorizar el mensaje y su secuencia, tras lo cual, valiéndose de un traje en muy malas condiciones, se introduce una y otra vez en una sección no presurizada de la nave para encontrar el cableado de la señal y provocarle microcortes de tal modo que el mensaje suene entrecortado y editado para significar lo contrario: que ella está en control de la nave. Una jugada realmente astuta que casi le costó la vida y hay que decir que, verdaderamente, Dominique Tipper se lució en este episodio como nunca antes en toda la serie.
Pero el mensaje anterior (el falso y automatizado que pedía auxilio) no solo ha sido recibido por la Razorback sino también por la gente de Camina Drummer. Ya momentos antes se habían vivido a bordo de su nave momentos de tensión porque mientras algunos miembros de la tripulación se manifiestan dóciles e incluso felices de seguir a Inaros, otros no están de acuerdo y, menos que menos, la propia Camina, a quien no le gusta el rol subalterno a las órdenes de un desquiciado. Al saber esta que quien está pidiendo socorro es Naomi, quiere ir hacia ella, pero, al igual que en la Rocinante, también aquí genera conflictos el rumbo a seguir, tal como lo evidencian las discusiones entre las oficiales Oksana y Karel, quien dice que Naomi ya no es una de ellos y traicionó al Cinturón; además, la da por muerta según la información recibida desde la Pella.
Camina, sin saber qué hacer, se muestra más atormentada que nunca y aquí llega el momento de lucimiento de Cara Gee: increíble toda su secuencia reflejando el cúmulo de sensaciones y frustraciones que la corroen por dentro; pareciera que en este episodio los actores han tenido sus momentos individuales y vaya si los han aprovechado. Hay también en este segmento un par de escenas de ingravidez muy bien logradas, como cuando la tripulación bebe burbujas o cuando Camina flota en estado de ebriedad.
Pero sobre el final del episodio, Oksana y Karel notan el cambio en la señal: es decir que ahora están recibiendo la versión adulterada por Naomi. Mirándose con sorpresa, se preguntan por qué la señal ha cambiado y si ello significará que Naomi está con vida, lo cual, según Karel, es imposible.
Balance del Episodio
Cada entrega de The Expanse tiene su sello distintivo. A diferencia de muchas series en las cuales los episodios se parecen en su estructura básica, aquí cada uno tiene su propia personalidad. En este caso, el eje estuvo puesto sobre las individualidades, permitiendo que, de manera sucesiva, fueran teniendo sus momentos de gloria tanto Keon Alexander (Marco), como Jasai Chase Owens (Filip), Dominique Dipper (Naomi) y Cara Gee (Camina).
Fue un episodio cargado, además, de una angustia y una tensión contagiosas, sobre todo en lo referente al arco de Naomi a bordo de la Chetzemoka. A propósito de ello, la intriga queda abierta acerca de quién será, finalmente, el primero que se acerque a la misma y si, al hacerlo, terminará por activar el explosivo y también, por ende, con la vida de Naomi.
Muy interesantes también los distintos debates que se dan: en la Luna para determinar cómo responder a la agresión, en la Rocinante acerca de si seguir a Holden o no y en la nave de Drummer sobre si ir o no al encuentro de Naomi en caso de que esté viva. El liderazgo y las dudas acerca de sentirse líder son también tema importante en este episodio: nadie parece tener el control completo de nada, aun cuando Marco sea quien más quiera creerlo.
Por último, pero no menos importante, parece dar la sensación de que el grupo de la Rocinante va camino de encontrarse, más aún a partir de lo decidido que se ve a Amos por llegar a una nave y salir al espacio. Dado que el siguiente episodio se titula Winnipesaukee (como el lago en el cual se encuentra la isla en la cual podría haber una), es de suponer que ese arco pasará a tener una importancia clave en la resolución de la historia.
Lo veremos, desde luego, llegado el momento y no hace falta decir que les espero entonces para nuestro próximo análisis. Un saludo y sean felices…
Las películas de Netflix nos suelen dar una de cal y otra de arena… y, a veces, mucha cal. Sin embargo, es cierto que permite experimentos interesantes como Tigre blanco, filme basado en la novela homónima de Aravind Adiga y dirigida por Ramin Bahrani, al que conocemos principalmente por otra adaptación literaria: el infausto remake de Fahrenheit 451. En esta ocasión, aunque no podemos evaluar la fidelidad al material original, sí nos congratulamos de confirmar que esta es una cinta mucho más lograda y que consigue introducir de manera amena un tema tan ignoto para nosotros como las diferencias sociales en la India.
Un tigre blanco por cada generación
El protagonista nos habla desde una posición de éxito, narrando en una voz en off una carta que le envía al primer ministro de China (de visita en el país vecino), en la que le explica al político cómo ha llegado a su situación actual. Balram, en sus comienzos, era un joven sencillo pero despierto de una humilde aldea de la India que siempre había soñado con una vida mejor. Sus mayores, en ocasiones, le llegan a comparar con un tigre blanco: un animal que, según cuentan, solo surge una vez por generación. Sin embargo, su brillantez le sirve de poco en el empobrecido entorno donde se encuentra, y la prematura muerte de su padre le enseñará lo que les sucede a los que se quedan en el pueblo.
Un día, por suerte o por desgracia, se encontrará con la ocasión perfecta para salir de la pobreza: el hijo del cacique local ha vuelto al país después de una larga estancia en Estados Unidos, por lo que Balram decide convertirse en su chófer tras haber dado unas pocas clases de conducción. Será aceptado en la casa como sirviente, y tendrá que llevar a cabo distintas estratagemas para ganarse la confianza de sus amos. Pero pronto se encontrará con una tragedia inesperada que le hará conocer el verdadero rostro de sus señores.
La mentira de la meritocracia
La premisa inicial de Tigre Blanco y algunos elementos de su desarrollo nos recuerdan a la oscarizada Parásitos: se trata de una sátira contra las desigualdades sociales en el país donde se sitúa la trama, con una primera mitad más ligera y una segunda parte mucho más oscura. En este sentido, esta estructura es muy útil para seguir la evolución de su protagonista, que comienza su andadura como un joven con buenas intenciones y que realmente aprecia a sus amos. Así, el hijo menor del cacique y la mujer de este, muy influidos por la cultura occidental, le ayudarán a adaptarse a su nuevo trabajo y le pedirán que olvide el estricto protocolo que caracteriza a la servidumbre en la India. El primer acto es relativamente ligero y esperanzador, y el largometraje nos hace creer por momentos que este joven emprendedor podrá prosperar en este entorno.
Sin embargo, en cuanto llegamos al punto de inflexión de esta película, se nos deja claro que este hijo tan moderno y su mujer son tan despreciables o más que el duro patriarca, y comprobamos que el barniz de amabilidad y protocolo escondía una despreocupación completa hacia el sirviente, que será abandonado a su suerte cuando más ayuda necesita. Estas diferencias tan radicales entre una clase social y otra se endurecen precisamente en la India de las viejas castas, cuyo injusto sistema tradicional parece haberse adaptado brillantemente a la era del libre comercio. Démosle la palabra a Balram, mucho más elocuente que nosotros, que sostiene que en la India actual hay únicamente dos castas: la de aquellos con vientres grandes y aquellos con vientres pequeños.
Estas reflexiones, presentes a través de rápidas reflexiones en off, no deben hacernos pensar que nos encontramos ante un soporífero drama social. Por el contrario, independientemente de la realidad que esta cinta de Netflix refleja, cuenta con los recursos humorísticos que hicieron grande a nuestra literatura picaresca y que consiguen que nos olvidemos por momentos de la triste situación en la que se encuentra el personaje principal, sacándonos una risa de la miseria. Esto, naturalmente, hace que los momentos dramáticos golpeen con más fuerza en las escenas cruciales, aunque hay que destacar que Tigre blanco no se regodea excesivamente en sus giros lacrimógenos.
Conclusión
Esta película ha supuesto una sorpresa más que grata, y demuestra que las plataformas de vídeo bajo demanda ofrecen posibilidades muy interesantes fuera de los manidos Estados Unidos. Ha cosechado críticas bastante positivas y resulta muy recomendable no solo para los que gusten de una buena sátira social, sino también para quienes quieran pasar un buen rato. Tigre blanco nos cuenta una historia local que, en consecuencia, no podría ser más universal.
Estoy otra vez contigo para un nuevo análisis de WandaVision (Bruja Escarlata y Visión). En concreto de su tercer capítulo titulado Now in Color, Ahora en color. Más que apropiado si tenemos en cuenta que, en él, se produce el paso definitivo de la comedia televisiva, en blanco y negro, a la comedia en color, lo que viene a simbolizar el paso de la década de los 60 a los 70, tal y como se anunciaba al final del capítulo dos, comentado, junto con el uno, en mi Análisis de WandaVision (Bruja Escarlata y Visión). Temporada 1. Capítulos 1 y 2.
Algunas influencias del Capítulo 3 de WandaVision
Si tiramos y tiramos es inagotable la cantidad de referencias de esta serie. Yo voy a destacar algunas. En lo referente a la Sitcom en que se basa, reconozco que no he encontrado similitudes tan claras como las que vi en mi artículo anterior con la serie Bewitched. Puede ser parecida a The Brady Bunch, La tribu de los Brady, en el sentido de que ambas giran en torno a un matrimonio de recién casados con hijos. Eso y que La tribu de los Brady se emitió entre 1969 y 1974 por lo que, como pasa con WandaVision, parece hacer de bisagra entre dos décadas. Pero, como digo, me parecen paralelismos muy forzados.
Lo que no está forzado es el parecido con los acontecimientos de la serie limitada The Vision and the Scarlet Witch Vol.2, donde, en su último número, Steve Englehart y Richard Howell hacían que La Bruja Escarlata diera a luz dos gemelos llamados Tommy y Billy. Como los de este episodio. Con la diferencia de que, en las viñetas, el embarazo fue en tiempo real, nueve meses, mientras que aquí es de un día para otro. Aparte que había una razón para esos nombres y no las tonterías que vemos aquí. ¡Pero, claro, esto es una comedia!
Si dejar este cómic también quería señalar que, en este capítulo, La Bruja Escarlata y La Visión, en un momento dado, adoptan una pose que recuerda a la de la primera portada de dicha miniserie, la cual podéis ver completa en mi publicación anterior. Miniserie que, por cierto, no es la primera protagonizada por ambos, como dice por ahí algún Youtuber, sino la segunda. La primera, como ya dije en mi primera publicación sobre esta serie, fue la de Bill Mantlo y Rick Leonardi.
Valoración del capítulo 3 de WandaVision
Por lo demás la serie continua con el enfoque ya propuesto. Comedia de situación, a la par que reflejo de una década, los 70 en este caso. A la vez que se lanzan múltiples guiños tanto al pasado de la pareja en las viñetas como en al Universo Cinematográfico de Marvel. Ahí tenemos los anuncios con las referencias a H.Y.D.R.A.
Si bien parece cada vez más claro que Gerardine -la confirmada por Marvel como Mónica Rambeau, la vengadora afroamericana antes conocida como Capitana Marvel- es una especie de agente infiltrada de S.W.O.R.D. en esa especie de realidad televisiva que parece haber creado y estar recreando, a su antojo, Wanda. Sólo espero que, al final, expliquen porque ha tomado la decisión de hacer algo que implica manipular de forma tan rastrera a La Visión. Suponiendo claro que sea La Visión. ¡Pero oye, que divertido es todo! ¡Y que inútil sigue siendo Visión!
Asimismo Agnes da a entender que sabe lo que está pasando lo que anticipa un posible papel relevante en la misma. ¿Veremos a la maestra bruja de Wanda en acción? La serie nos dirá.
Por mi parte es todo esta semana. Sigo pensando que todo esto, sin tanta comedia, podía haber quedado mucho mejor. ¡Pero qué sé yo! ¡Superhéroes actuando como superhéroes, venga ya! Nos vemos en el siguiente episodio de WandaVision (Bruja Escarlata y Visión). Un abrazo.
¡Por fin! Gozdilla vs Kong viene siendo mi máximo deseo dese que salí de la sala del cine al ver Godzilla Rey de los Monstruos, emocionada como una niña pequeña. Que el rey de los simios y el de los monstruos compartirían universo es algo que sabemos desde 2015, cuando Warner los anunciaba tras el éxito en taquilla del relanzamiento de la franquicia de Godzilla en 2014. Y ahora si, ya tenemos aquí en Trailer de Gozilla vs Kong
En esta santa casa, incluso hemos pronosticado los posibles resultados del inminente encuentro entre Kong y el adorable Godzilla, que ya ha ocurrido en el pasado, y hemos hecho nuestra mejor labor investigadora para pronosticar el resultado de este último encuentro. En nuestra humilde opinión, el radiactivo, gigante y acorazado Godzilla tiene una ligera ventaja sobre el simio, a pesar de su letal mandíbula y agilidad.
¿Sólo en cines?
En la actual situación, mucho se especulaba sobre si el colosal enfrentamiento entre monstruos podría lanzarse de forma simultánea en cines y plataformas. La Warner ya ha dado una gran sorpresa adelantando el estreno, que ahora se agenda el 26 de marzo, en lugar del 21 de mayo, como estaba previsto. Lo cierto es que aún no sabemos nada, pero en los anuncios del tráiler en México se puede leer la leyenda «Solo en Cines», algo que no ha ocurrido en otros países. En el cartel promocional inglés, sin embargo, se puede leer claramente que el estreno será simultáneo en Cines y en HBOmax.
Poster en Mexico donde se ve la leyenda «Solo en Cines»
A estas dos míticas criaturas les acompañarán Alexander Skarsgård, Millie Bobby Brown, Rebecca Hall, Brian Tyree Henry, Shun Oguri, Eiza González, Jessica Henwick, Julian Dennison, Kyle Chandler y Demián Bichir. Dirige Adam Wingard. Sin más os dejamos con el espectacular tráiler:
Bienvenidos a otro Retro-análisis y este precisamente es uno de esos que hago con todo el cariño del mundo, si ya de por sí, me gusta esta sección (y parece ser que la he heredado), si tengo que hablar de ‘La Sombra’ de 1994 no puedo evitar sentirme feliz a la vez que triste. Con Alec Baldwin, Penelope Ann Miller, John Lone, Tim Curry e Ian Mckellen entre otros.
Esta cinta nos presenta los orígenes del personaje creado por Walter B. Gibson allá por 1931 y como debe enfrentarse a Siwan Khan, un terrible enemigo de poder similar al suyo, para proteger Nueva York y el mundo de una terrible amenaza atómica.
Voy a ser sincero, no estamos ante un filme que destaque por la originalidad de su historia ni por su dirección, pero el cariño que le tengo va a condicionar mi análisis muchísimo. ‘La Sombra’ es de esas películas que nunca me canso de revisionar y me lo paso como un enano (medir 1’65m ayuda a eso) cada vez que le doy al ‘play’.
La historia de esta producción fue muy larga, más concretamente de 12 años, ya que el productor se hizo con los derechos en 1982 aunque no fue hasta 1990 cuando comenzó la escritura del guion por David Koepp. El primer director que estuvo interesado en hacerse con las riendas de este filme fue Robert Zemeckis, aunque aún se desconoce el motivo por el que no se hizo cargo del proyecto. Finalmente cayó en manos de Russell Mulcahy (director de ‘Los Inmortales’) que lo llevó a la gran pantalla con un escaso éxito: 48 millones de recaudación sobre 40 de presupuesto.
Para mí, y sin paños calientes, la elección del director fue un error, Mulcahy no supo estar a la altura de lo que merecía el personaje y nos entregó una cinta sin personalidad. Tras el varapalo de Spider-man 3 Sam Raimi quiso hacerse cargo de un filme sobre el alter ego de Lamont Cranston, pero finalmente se rindió. A comienzo de los 90 nos entregó ‘Darkman’ que, pese a ser ‘serie B’, tiene el marcado carácter de su director y eso la ha beneficiado aunque sus efectos especiales han envejecido muy mal. Este cineasta si hubiese sido perfecto para la película de 1994.
Seamos sinceros, Mulcahy no es que nos haya entregado grandes títulos en su vida: Ricochet, Resident Evil: Extinción o Resurrección, entre otras. No es un cineasta que vaya a pasar a la historia del cine, simplemente tuvo la suerte de toparse con ‘Los Inmortales’, que le otorgaron cierta fama (mucha de ella gracias a la banda sonora excepcional de Queen) y después no ha tenido éxito alguno. ‘La Sombra’ es su mejor trabajo y es bastante regular y muy de “director del montón”. Poner a Russell Mulcahy al frente de las aventuras de Cranston perjudicó más que benefició y lo siento por los fans (si los tiene) de este cineasta.
Todo lo contrario pasó con el elenco de actores y actrices escogidos, creo que todos funcionan perfectamente en su rol, Tim Curry quizás demasiado aspaventoso en algunos momentos, pero muy correcto.
Alec Baldwin fue un Lamont Cranston perfecto al más puro estilo Bruce Wayne con un toque de humor que añadió el guionista para acercar al personaje al carácter del actor. Tanto en sus escenas como Yin-Ko o Cranston, el intérprete defiende muy bien el papel y lo hace creíble en todo momento. Nos hace participes de la redención del personaje y del precio que ha tenido que pagar para convertirse en ‘La Sombra’.
Todo gana muchos enteros cuando entra en acción Penelope Ann Miller en el misterioso papel de Margo Lane y pone patas arriba la vida de Cranston. Esta mujer de exuberante belleza y fuerte carácter pronto desenmascara a nuestro protagonista y descubre el secreto que ha guardado durante tanto tiempo. Margo y Lamont forman un tándem muy atractivo y su relación durante toda la cinta es muy dinámica y con algunos diálogos divertidos que ayudan a empatizar con ambos.
John Lone y Tim Curry como villanos cumplen muy bien, aunque tampoco es que se le dé mucho trasfondo a ninguno de ellos. Siwan Khan es un enemigo arquetípico que quiere conquistar el mundo y para ello planea una demostración de fuerza. El clásico enfrentamiento entre alumnos del mismo maestro, bien contra mal, oveja descarriada contra aprendiz modélico.
Los poderes de ‘La Sombra’ lo hacen un personaje poderoso, ya que nubla sus mentes y puede ocultarse de ellos a excepción de su sombra, pero aquí (excepto en algún momento puntual) los efectos especiales cojean mucho. Los planos con ‘chroma’ dañan la vista de lo evidentes que resultan: Como el momento en el que templo del Tulku aparece ante los ojos de Yin-Ko o cuando Cranston hace explotar todos los espejos en el enfrentamiento final.
Esta película tiene demasiados altibajos en el apartado de FX, con momentos espectaculares con otros que han envejecido muy, pero que muy mal.
Por otro lado, la ambientación de la cinta está muy bien cuidada, tanto en los elementos del escenario como las localizaciones, vestuario y los vehículos que podemos ver circular por Nueva York. Mención especial al vestido blanco que lleva Margo Lane cuando aparece en el ‘Cobalt Club’.
La banda sonora, que viene orquestada por Jerry Goldsmith (Desafío Total, Alien o Poltergeist, entre otras) sobresale por su gran calidad y aguanta bien como obra para ser escuchada de forma independiente. El tema principal es muy rico y con un leitmotiv que nos va a atrapar por ritmo.
Como amante de las bandas sonoras de cine, he de decir que esta tiene un excelente nivel y la elección de este compositor, al contrario de lo sucedido con el director, fue más que acertada.
El tema musical llamado “Original sin” interpretado por Taylor Dayne para la película también es increíble y tiene mucha fuerza. Personalmente creo que no había mejor forma de promocionar la cinta.
Conclusión
Soy una gran fan de ‘La Sombra’ pero debo reconocer que adolece de una mala elección de director. Con sus defectos y sus muchas virtudes, la película de Mulcahy siempre ha sido infravalorada y tampoco lo veo justo. La puesta en escena es notable, los interpretes también y la trama es solvente, ¿Qué más podemos pedir a una cinta de acción y aventuras? En ocasiones, el público es demasiado indulgente con ciertos filmes y crucifican a otros que quizás no lo merezcan. Creo que este último es el caso de la cinta que nos ocupa.
‘La Sombra’ entretiene, posee un buen ritmo y un guion coherente no exento de imperfecciones aunque muy funcional. Este personaje se merece una nueva adaptación de calidad a la gran pantalla con un buen cineasta tras cámaras. Como me dijo el señor Carlos Porras: “’La Sombra’ es la mejor película de Russell Mulcahy” aunque ambos sabemos que eso es algo muy positivo.
Bienvenidos amantes de la historia española y de los cómics de la misma procedencia. Hoy estoy aquí (más vale tarde que nunca) para traer mi reseña sobre Lezo dentro de la sección El Cómic de la Semana, un album autoeditado al que le tenía ganas pero, que por azares del destino, no he podido adquirir hasta hace un par de semanas. Y heme aquí hablando de un cómic basado en una de las figuras históricas de nuestro país al que menos cariño le tienen los ingleses: Don Blas de Lezo y Olavarrieta.
El 18 de junio de 2018 acabó el plazo para hacerse mecenas de este proyecto a través de la plataforma Verkami. Con 2655 personas financiándolo, las tres personas tras este cómic del que voy a hablar consiguieron triplicar los 19.000 € que pedían, más concretamente alcanzaron la cantidad de 68.887 €.
Este cómic está centrado en la defensa que hizo este almirante español de Cartagena de Indias de la ofensiva británica en 1741. Obviamente no voy a contar la vida y milagros de este Guipuzcoano (más concretamente de Pasajes) ya que su figura es conocida de sobra. Si no es el caso de quien lee estas líneas, le insto a que se adentre en la vida de este reputado “mediohombre” que tantas victorias navales consiguió para la corona española durante sus años de servicio, no se arrepentirá. Aunque mejor hacerlo tras leer el cómic para no llevarse spoilers.
“Para venir a Cartagena, es necesario que el Rey de Inglaterra construya otra escuadra mayor, porque esta solo ha quedado para conducir carbón de Irlanda a Londres”.
Blas de Lezo en respuesta a la misiva ante la retirada del comandante Vernon
Con Lezo nos encontramos ante un cómic europeo histórico en toda regla al puro estilo de los clásicos de esta industria. Aquí no tendremos un seguimiento de toda la carrera de este famoso personaje español, sino que se nos presentará en la batalla de Vélez-Málaga, enfrentamiento en el que perdió la pierna, y después directamente pasaremos a la que sería su último acto de gallardía: La defensa de Cartagena de Indias.
Esta obra se encuentra dividida en dos tomos en cartoné (el segundo aún no ha visto la luz) y el primero consta de (además del cómic) una parte final en la que conoceremos mejor al personaje y las situaciones históricas que nos presentan sus autores. Mediante unas páginas a todo color podremos acercarnos de manera más fiel a lo que nos cuentan las viñetas. Esto es algo de agradecer para quienes desconozcan quien fue Blas de Lezo y que importancia tuvieron sus actos para la corona.
El guion de Ángel Miranda, con la ayuda del historiador Ramón Vega es dinámico y sabe ser conciso y entretenernos con las aventuras y desventuras del asedio de Cartagena de Indias por parte de Vernon. Es cierto que este cómic sabe a poco, ya que nos deja colgados justo cuando va a comenzar lo bueno de aquella batalla, pero se agradece lo bien que se está contando esta parte importante de la historia de España.
Más allá de la fidelidad o no de lo que nos cuentan (seguro que hay que gente que discrepará en la cantidad de soldados o naves de cada bando) esta historia se encuentra bien narrada y, seas fanático o no de los sucesos históricos, vas a pasar un buen rato leyendo este cómic. Aunque personalmente hubiese preferido que fuesen un par de tomos más para cocer todos los ingredientes a fuego lento.
En la parte gráfica no se le puede poner ninguna pega a esta obra, el dibujo y entintado de Guillermo Mogorrón (Imposibles Vengadores) junto con el color de Miguel Ángel Abad le dan un gran empaque a Lezo. Se nota que ha sido realizado por personas que saben lo que hacen, que tienen experiencia a sus espaldas y que han captado perfectamente el alma de los BD (bande dessinée).
Conclusión
Lezo es un cómic entretenido que hará las delicias de los amantes de la historia y del personaje del que trata. Un acercamiento acertado a un suceso histórico que (más allá de ideologías políticas) no debe ser olvidado por el valor de los hombres y mujeres que participaron en él.
Quien no conozca a Blas de Lezo puede tener en este cómic una forma interesante de conocer algo de este afamado marino y estratega y parte de sus hazañas.
Un buen apartado gráfico que hace mucho más atractiva esta obra y que estoy deseando ver cómo nos adentra en la segunda y última parte de esta historia.
Y me despido con la frase más famosa, a la par que controvertida de Blas de Lezo y Olavarrieta: “Todo buen español debería mear siempre en dirección a Inglaterra.»
Your Name (2016), es una película de animación japonesa que toca el corazón. Escrita y dirigida por Makoto Shinkai, la película está basada en una novela del mismo nombre, 
