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Novedades de Norma Editorial y Astronave de octubre de 2025. Con Halloween a las puertas…

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros las novedades de Norma Editorial, previstas para este mes de octubre. Como siempre, tendremos obras de grandísima calidad y hay que intentar seleccionar los títulos que más nos gustan.

Novedades Norma Editorial y Astronave, de octubre 2025

Como os he comentado un poco más arriba, vamos a comentar los títulos que más nos llaman la atención, de entre todas las novedades de Norma Editorial y también de Editorial Astronave, previstas para este mes.

1.- Huracán sobre Nuevo México.

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Huracán sobre Nuevo México es una novela gráfica de Víctor Barba (Hasta Nóvgorod, crónicas de un divisionario) publicada por Norma Editorial que se aleja del western clásico para adentrarse en un episodio poco explorado del Imperio español.

Ambientada en Nuevo México en 1779, la historia sigue al excapitán Rodrigo de Castro, quien lidera una patrulla en una misión de rescate en pleno desierto.

Mientras tanto, los comanches de Cuerno Verde están en pie de guerra, y desde el virreinato se organiza una expedición para pacificar la frontera.

En mi opinión, será uno de los platos fuertes de 2025. Lo tendremos disponible el 24 de octubre.

2.- El Diablo y Coral.

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El Diablo y Coral es una novela gráfica de Josep Homs (Shi), que mezcla fantasía, drama y crítica histórica en un envoltorio visualmente deslumbrante.

La historia transcurre en Praga, en 1938, en la Europa de entreguerras. Coral, hija de un rabino en coma, vive de forma nómada junto a una troupe de circo.

Su compañero inseparable es Satanás, con quien mantiene una relación tóxica que la arrastra hacia un pacto infernal. Coral está dispuesta a romper ese vínculo, aunque eso implique descender literalmente al infierno.

Inspirada en el mito clásico de Fausto, creo que será otro de los platos fuertes de este año 2025. Lo tendremos disponible el 24 de octubre.

3.- La Carretera. Edición de Lujo en blanco y negro.

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La Carretera. Edición de lujo en blanco y negro es una adaptación gráfica de Manu Larcenet basada en la célebre novela postapocalíptica de Cormac McCarthy.

Esta edición, publicada por Norma Editorial, es una obra de arte tanto por su contenido como por su presentación.

En un mundo devastado tras un apocalipsis global, un padre y su hijo recorren una carretera interminable en busca de refugio, comida y esperanza.

El paisaje es ceniciento, el aire gélido, y los pocos humanos que quedan son peligrosos, desesperados o directamente caníbales. La historia es una odisea de supervivencia, amor paternal y pérdida.

También lo tendremos disponible el 24 de octubre.

4.- Lonesome. Integral 2.

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Lonesome Integral 2 es la conclusión épica de la saga western creada por Yves Swolfs (Durango, Leyenda).

Tras eliminar al fanático Predicador Markham, el jinete sin nombre se dirige a Nueva York, guiado por su sed de venganza.

Allí se enfrenta al Senador Dawson, un encuentro que le revela una verdad devastadora sobre su pasado. La historia se desarrolla en los albores de la Guerra Civil estadounidense, entre sangre, pólvora y secretos ocultos.

Igualmente lo tendremos disponible el 24 de octubre.

Y hasta aquí las recomendaciones de Norma Editorial para este mes. Justo un poco más abajo, os dejamos el pdf completo con todo el catálogo de agosto.

Echad un ojo, disfrutad y sobre todo …

¡Sed Felices!

Adiós a Diane Keaton (1946-2025), una gloria del cine que supo brillar con luz propia

A los 79 años nos dejó Diane Keaton, emblemática actriz de Hollywood que, dueña de un estilo personal tanto en lo actoral como en lo estético, fue ganadora de un Oscar, dos Globos de Oro y un Bafta, además de directora, productora y musa indiscutida de Woody Allen, de quien fuera pareja en los años setenta.

Había nacido un 5 de enero de 1946 con el nombre de Diane Hall y si cambió su apellido artístico por el de su madre fue porque ya existía una actriz registrada de idéntico nombre, así que, ya desde sus inicios en teatro, fue conocida como Diane Keaton y así sería recordada para siempre como una de las actrices más versátiles que hayan pasado por la pantalla, pudiendo sus personajes transitar desde dramas existenciales hasta comedias ligeras y encarnando, las más de las veces, a mujeres que sabían mantenerse aun positivas en medio de dificultades y nunca dejar de buscar el amor. Un calco de su propia vida, casi…

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Desde sus épocas de estudios secundarios supo que la actuación era lo suyo y, de hecho, una puesta escolar de Un Tranvía llamado Deseo la contó en su elenco, siendo por aquellos días su inspiración principal Katharine Hepburn, como ella misma manifestara. Ya en Broadway fue parte de Hair (1967), comedia musical emblemática de la contracultura y el hippismo si las hay, para tener luego su oportunidad a las órdenes de Woody Allen en Tócala otra vez Sam (1969), obra que no solo le significó su primera nominación para un Premio Tony sino también el inicio de una fructífera relación tanto en lo artístico como en lo sentimental.

Ello le abrió las puertas al cine, teniendo su debut en la comedia Amantes y otros Extraños (1970), pero el papel que la consagraría en la gran pantalla le llegaría por supuesto, a las órdenes de Francis Ford Coppola al encarnar a Kay Adams, la esposa de Michael Corleone en El Padrino (1972, aquí retro-análisis) y ese mismo año sería también parte de Sueños de un Seductor, adaptación cinematográfica de la obra que tres años antes hiciera junto a Allen y que sería la primera de ocho películas a su lado (aunque aún no dirigida por él, sino por Herbert Ross).

La relación con Woody duró desde 1972 hasta 1979 y en ese tiempo, ya ahora sí dirigida por él, actuó en El Dormilón (1973), La Última Noche de Boris Grushenko (1975), Annie Hall (1977, por la cual obtuvo el Oscar como actriz principal), Interiores (1978) y Manhattan (1979). Y aun con la pareja ya separada volvería a estar en Días de Radio (1987) y Misterioso Asesinato en Manhattan (1993).

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Pero también repitió para Coppola el rol de Kay Adams en El Padrino II (1974, aquí retro-análisis) y El Padrino III (1990), al igual que supo hacer papeles más ligeros en comedias taquilleras como Baby, tú vales mucho (1987), El Padre de la Novia (1991) o El Club de las Primeras Esposas (1996).

Menos conocida pero igual de rutilante es su faceta como directora, de la que dan testimonio el documental experimental Heaven (1987) y las comedias dramáticas Héroes a la Fuerza (1995) y Colgadas (2000), además de episodios de series televisivas (incluyendo uno de Twin Peaks) y videoclips musicales ochenteros, especialmente para la cantante Belinda Carlisle.

Y lo suyo no se agotó de todas formas en lo estrictamente artístico, sino que también desarrolló una intensa labor para salvar y restaurar edificios históricos y hasta fue promotora inmobiliaria, siendo Madonna una de sus clientas más reconocidas.

Como actriz, la ya mencionada Annie Hall le valió no solo un Oscar, sino también un Globo de Oro y un Bafta. Tuvo otras tres nominaciones al Oscar por Reds (1981), La Habitación de Marvin (1996) y Cuando menos te lo esperas (2003), valiéndole incluso esta última la obtención de un segundo Globo de Oro.

Impuso en general a sus personajes un sello propio, sabiendo en su juventud ser sexy sin necesidad de mostrar prácticamente nada y, ya más madura, la actriz ideal para romances otoñales o comedias geriátricas, interpretando por lo general a mujeres que seguían buscando el amor aun en la tercera edad.

Y supo además imponer un vestuario propio y característico que no hubiera sido tildado a priori de femenino pero que, sin embargo, hizo propio y lució como tal, con sus clásicos sombreros, lentes, chalecos, chaquetas,  corbatas y amplios mangones. El enorme Manuel Mujica Lainez decía que los grandes no siguen modas, sino que las crean y ese fue sin dudas su caso.

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De todas sus relaciones sentimentales, la de Woody Allen fue sin duda la más conocida y, si bien se terminó en determinado momento, nunca dejaron de ser amigos y, de hecho, ella defendió a rajatabla su integridad y comportamiento ante las acusaciones de abuso sexual que, Mia Farrow de por medio, recayeron sobre el director a mediados de los noventa. Pero también tuvo romances con Warren Beatty y Al Pacino: “Woody fueron mis veinte años, Warren mis treinta y Al siempre estuvo en los bordes, entre los treinta y los cuarenta”, manifestó. Aun así, jamás se casó ni tuvo hijos biológicos, aunque sí dos adoptivos.

Este sábado pasado, Diane falleció rodeada de afectos en su casa de California y si bien no trascendieron las causas y pidieron sus deudos la privacidad del caso, testimonios de quienes tuvieron el último tiempo contacto con ella habían manifestado su preocupación por el extremo estado de delgadez en que se la veía.

Su vida se extinguió, pero seguramente no su estrella, esa que con brillo propio iluminó la pantalla grande durante cinco décadas y lo seguirá haciendo durante largo tiempo, pues el sello y la influencia que ha dejado continuarán siendo fuente de inspiración para muchos.

Hasta siempre Diane. Y gracias por tanto…

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Retro-Análisis: Plácido (1961). Berlanga y la hipocresía del franquismo

Una cosa se le tiene que valorar enormemente a Luis García Berlanga.  Supo cómo sortear la censura del régimen franquista para explicar lo que quería transmitir en las narices de los censores. Como él ha dicho en más de una ocasión el truco era «poner en el guion escenas que supiéramos que iban a censurar para luego, cuando ya estuvieran satisfechos con su trabajo, colar por lo bajini lo que realmente queríamos contar».

Su filmografía es muy extensa, pero hemos querido (más adelante le dedicaremos más escritos) dedicar este a Plácido, una sátira sobre la hipocresía del régimen franquista. Comenzaremos destacando un poco a quien fue el responsable de esta y muchas joyas del cine español de los 60 y 70. Luis García Berlanga.

Un ilustre valenciano de la «terreta»

Luis García Berlanga (Valencia, 1921 – Madrid, 2010) fue un director que basó gran parte de su obra en el humor satírico, corrosivo, crítico con la sociedad española en tiempos del dictador Franco (el cual lo calificó como un «mal español«) y con unas películas llenas de gente, caos, diálogos que solapan personajes hablando al mismo tiempo, sumado a una ironía, inteligencia y humanidad muy destacables. Seguramente el coincidir durante años con el guionista Rafael Azcona ayudó a que su obra fuera aún más perfecta en su cometido. Aparte de la película que tratamos hoy en la sección, otras memorables producciones serían, por nombrar algunas:

  1. Bienvenido Mr.Marshall (1953). donde se critica el aislamiento del franquismo ante el resto de Europa y el servilismo hacia el gobierno americano (a través del plan Marshall). Siempre quedará en nuestro recuerdo la canción «¡Americanos, os recibimos con alegría…!
  2. El verdugo (1963). Una obra maestra, más por su drama que por su humor negro. Es una reflexión sobre la pena de muerte y la cobardía de una sociedad bajo la bota del dictador. Fue prohibida en algunos países y censurada en España a raíz de su triunfo en el Festival de Venecia.
  3. La escopeta nacional (1978). La primera parte de la llamada «trilogía nacional» donde Berlanga retrata los tratos de favor de la administración franquista y nos habla de la transición española, la corrupción política, todo con el tono de humor ácido habitual del director valenciano.
  4. La vaquilla (1985). Una comedia ambientada en la Guerra Civil Española. Para comer carme, el bando republicano trata de robar una vaquilla. Con esa base, Berlanga lanza un alegato antibelicista que ridiculiza la guerra.

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Qué nos cuenta Plácido

«Siente un pobre a su mesa» es el nombre que Berlanga y Azcona dieron a un conjunto de ideas y campañas de caridad cristiana que el régimen franquista llevaba a cabo y que aquí en cierta forma constituye la base sobre la que el director edifica su crítica a la hipocresía burguesa de esa época. Tenemos a Plácido (Cassen), un hombre humilde con los problemas habituales de esa época que trata de salir adelante trabajando con un motocarro del que debe la primera letra.

Durante toda la película le veremos tratando de solucionar ese problema mientras la burocracia del régimen le pone constantemente trabas. Aparte, tendremos a su alrededor esa campaña de caridad que nos dará más de un momento risible.

Aspectos que la hacen destacable

El guión. Es evidente que el escrito del binomio Azcona/Berlanga es la base sobre la que se levanta esta sátira sobre la sociedad franquista y sus hipocresías. La caridad en esta película se nos muestra más como un espectáculo y un ejercicio de la burguesía para lavar sus conciencias que para ayudar al prójimo. Los pobres que son objeto de la campaña son, de hecho, meros pasantes en una obra que lo que busca es desenmascarar a los falsos devotos cristianos de la época, en cuyas vidas las apariencias lo eran todo.

Como nombramos más arriba la crítica a la burocracia (que se podría trasladar también a la actualidad) y a las trabas que tienen que superar los ciudadanos de a pie, es otra pieza del puzzle que los guionistas ofrecen aquí. Evidentemente, el guion retrata una España triste, gris, autoritaria y falsa en la cual el franquismo nos mantuvo inmersos durante décadas.

El estilo cinematográfico es notable.

Es muy habitual en el cine de Berlanga el uso del plano secuencia (plano que trata de dar naturalidad y continuidad a la escena sin tener que cortarla), el cual nos aporta un caos narrativo intencionalmente buscado para mostrar una sociedad llena de intereses personales. El guion de Azcona y el propio Berlanga nos aporta más de una escena de humor absurdo, como ejemplo la de la cena donde al «pobre» le da un ataque al corazón y buscan a su pareja para que se case con el susodicho en estado moribundo por el qué dirán. Brillante.

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La reflexión que nos plantea la película

Es evidente que si tratamos de verle el transfondo al filme, el mismo supera la denuncia social del régimen para hacernos pensar, incluso hoy en día, si nuestros propios actos de caridad (cristiana o no) están realmente motivados por un interés altruista o más bien se trata (como aquí se muestra) de un intento de nuestro ego por hacernos sentir mejor con nosotros mismos.

La película, aunque realizada en los años 60 del siglo pasado, trae a la actualidad la pregunta sobre si son realmente las Navidades una oportunidad de ayudar al prójimo o más bien, como sucede hoy en día, fechas en donde lo que realmente importa es aparentar y consumir.   Si reflexionamos abiertamente sobre ese tema que nos deja de fondo Plácido, no sabría qué responder, o quizás si, y la respuesta no me guste demasiado.

Sea como sea, tanto esta película como las demás de la filmografía de Luis García Berlanga son una radiografía de una España que, en la mayoría de los temas aquí tratados, hemos dejado atrás pero, en otros, la huella aún permanece. Una joya de la sátira sobre la sociedad, una película que vale mucho la pena para ver y reflexionar.

A quien le podemos recomendar Plácido

A quien disfrute con el cine de antaño ligado a la historia de España en unos años socialmente oscuros pero interesantes. Para aquellos que quieran descubrir nuevas películas y directores que tienen algo que contar. Es difícil recomendar este tipo de filmes a las nuevas generaciones, pero si a alguien le interesa ver cómo se hacía el cine de la postguerra, sepa que la videografía de Berlanga está repleta de grandes películas llenas de ironía, humor negro y crítica velada al régimen de Franco. Su inteligencia le permitió pasar la censura para ofrecernos estas maravillas del séptimo arte.

Os dejamos un artículo que nos habla del top 10 de mejores películas españolas de 2024. AQUÍ.

 

El cómic de la semana: Lucky Luke Integral 1. El vaquero más rápido que su sombra vuelve por la puerta grande.

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semanaHoy destacamos Lucky Luke. Integral 1. Nos lo trajo Norma Editorial.

Lucky Luke. Integral 1.

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Norma Editorial inaugura su colección integral de Lucky Luke con un primer volumen que no solo recupera cinco aventuras esenciales del vaquero más célebre del cómic europeo, sino que también rinde homenaje al tándem creativo Morris-Goscinny, cuya química elevó la serie a la categoría de arte mayor.

Este tomo incluye cinco historias clásicas que representan lo mejor del western humorístico, acompañadas por un extenso dosier con textos e imágenes inéditas.

El enfoque editorial no se limita a la reedición: se trata de una restauración crítica, cuidada en formato y contexto, que permite redescubrir la evolución del personaje desde sus inicios paródicos hasta su madurez narrativa bajo la pluma de Goscinny.

Os voy a contarlos álbumes que componen este primer volumen integral.

1.- Raíles en la Pradera.

Lucky Luke es contratado para proteger la construcción de una vía férrea que conectará el Este con el Oeste de los Estados Unidos.

La obra representa el progreso, pero no todos están de acuerdo: un empresario de diligencias ve amenazado su negocio y decide sabotear el proyecto.

Lucky Luke deberá enfrentarse a boicots, sabotajes y conflictos laborales mientras acompaña a los obreros en su avance por la pradera.

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2.- Lucky Luke contra Joss Jamon.

Año 1865, justo tras la Guerra Civil estadounidense. Lucky Luke es acusado injustamente de saquear el pueblo de Los Palitos, pero logra un plazo de seis meses para capturar a los verdaderos culpables: Joss Jamon y su banda de seis matones, excombatientes sureños que se instalan en Frontier City con intenciones nada nobles.

Jamon se hace con el control de la ciudad mediante amenazas, trampas y elecciones amañadas, convirtiéndose en alcalde y colocando a sus compinches en cargos clave.

Luke, fiel a su promesa, se enfrenta a ellos, pero es capturado y condenado a la horca tras un juicio manipulado.

Justo cuando todo parece perdido, los ciudadanos se rebelan, liberan a Luke y logran expulsar a los bandidos.

Luke captura a Jamon en el desierto y lo entrega en Los Palitos justo a tiempo.

3.- Los Primos Dalton.

Tras la muerte de los auténticos hermanos Dalton en el álbum Fuera de la ley, Morris y Goscinny introducen a sus primos ficticios: Joe, William, Jack y Averell Dalton.

Estos nuevos Dalton, físicamente similares pero mucho más torpes, deciden vengar a sus parientes y convertirse en los forajidos más temidos del Oeste.

La historia sigue sus intentos fallidos de delinquir, siempre frustrados por su ineptitud y por la astucia de Lucky Luke.

A lo largo del álbum, los Dalton cometen robos, secuestros y provocan el caos en varios pueblos, pero su falta de coordinación y el carácter explosivo de Joe los condenan al fracaso.

Lucky Luke, con ayuda de su caballo Jolly Jumper, los persigue incansablemente hasta devolverlos a prisión.

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4.- El Juez.

Lucky Luke llega a Langtry, un pueblo del Oeste gobernado por el excéntrico y autoritario Juez Roy Bean, quien se autoproclama “la ley del Oeste” y aplica justicia según su propio criterio …

Y según lo que diga su oso amaestrado. Bean dicta sentencias absurdas, cobra multas arbitrarias y convierte el saloon en tribunal, cárcel y oficina de registro.

Luke intenta restaurar el orden, pero Bean se resiste a perder su poder. La situación se complica cuando aparece Bad Ticket, otro juez autoproclamado que quiere arrebatarle el control del pueblo.

La rivalidad entre ambos desata una guerra judicial surrealista, con juicios amañados, duelos legales y caos ciudadano. Finalmente, Lucky Luke logra que ambos sean arrestados y devuelve la justicia legítima a Langtry.

5.- La Carrera por Oklahoma.

La historia se ambienta en 1889, cuando el gobierno estadounidense decide abrir el territorio de Oklahoma a la colonización.

Lucky Luke es designado para supervisar el proceso y evitar que los colonos se adelanten ilegalmente a la señal oficial.

Antes del gran día, Luke expulsa a los oportunistas que ya se habían instalado sin permiso. Entre ellos destacan los bandidos Coyote Will, Beastly Blubber y el ingenuo Dopey, que intentan colarse por todos los medios.

El día de la carrera, miles de colonos cruzan la frontera en estampida, reclamando tierras y fundando la ciudad de Boomville en tiempo récord.

Los tres bandidos se infiltran en la ciudad, montan un saloon clandestino y fomentan el juego y el alcohol. Luke los detiene, pero son liberados para participar en las elecciones municipales.

Sorprendentemente, Dopey es elegido alcalde, y con ayuda de Luke, se convierte en un líder honesto y eficaz. Sin embargo, una sequía arruina la ciudad y provoca su abandono.

Dopey, fiel a su nuevo rol, persigue a sus antiguos cómplices para que se reformen.

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La edición integral de Norma Editorial.

Tenemos ante nosotros una imponente edición en tapa dura, lomo curvo, que consta de 256 páginas a todo color, en un papel satinado que cuenta con un excelente gramaje.

Esta edición tiene un tamaño de 22,5 x 31 cm. Está disponible en librerías desde el 17 de enero de 2025, con un P.V.P. de 45€.

Podéis pinchar AQUÍ para obtener más información desde la web de Norma Editorial.

El impresionante equipo creativo.

René Goscinny. Guionista. Nació en París en 1926, hijo de padre polaco y madre ucraniana. Su familia se trasladó a Argentina, donde publicó sus primeros dibujos en el Liceo Francés de Buenos Aires.

En 1945 se mudó a Nueva York, donde conoció a figuras clave del cómic como Harvey Kurtzman y Jack Davis y entabló amistad con Morris, creador de Lucky Luke. Más adelante, Goscinny se convirtió en guionista de la serie.

Tras volver a Europa, creó varios personajes, pero alcanzó su mayor éxito junto a Albert Uderzo con Astérix.

A lo largo de su carrera recibió numerosos premios, incluido el título de Caballero de las Artes y las Letras. Falleció en 1977.

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Maurice de Bévère, conocido como Morris. Nació en Cortrique (Bélgica) el 1 de diciembre de 1923 y falleció en Bruselas, 17 de julio de 2001).

Fue un dibujante de historietas belga. Morris es considerado uno de los más notables historietistas belgas del siglo XX.

Su creación más conocida es el vaquero Lucky Luke (1955-2001), que desarrolló junto con el francés René Goscinny, quien escribió el guion de las aventuras durante los primeros 22 años de la historieta.

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Valoración final de la obra.

Este integral no es solo una recopilación: es una puerta de entrada al universo Lucky Luke para nuevos lectores y una pieza de colección para los veteranos.

El dosier complementario aporta contexto histórico, anécdotas editoriales y material gráfico que enriquece la experiencia lectora.

Morris despliega un trazo más maduro, con escenas multitudinarias y dinamismo visual. La edición integral realza los colores y detalles, haciendo que la carrera y el caos urbano cobren vida.

En mi opinión, Lucky Luke es una obra maestra del noveno arte, apta para pequeños y mayores, que no ha envejecido sino que ha madurado como el buen vino, con el paso del tiempo.

Acercaos a esta maravillosa serie y …

¡Sed Felices!

 

‘Peacemaker’. Temporada 2. Capítulos 7 y 8 | Venganza y ‘Salvación’

Aquí os traemos los dos últimos capítulos de la segunda temporada de ‘Peacemaker’ un final que quizás no guste a todo el mundo, pero que ha demostrado el buen hacer de James Gunn como guionista.

El séptimo es un capítulo emocionalmente devastador y el más profundo de la temporada (hasta la llegada del octavo). James Gunn usa el multiverso de Tierra-X (donde los nazis ganaron) no para acción (que la hay), sino como excusa para la catarsis psicológica de Christopher Smith. Para que sea el punto de quiebre del personaje.

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El punto álgido del capítulo es el reencuentro de Chris con el Auggie Smith y Keith de esta Tierra alternativa una vez que ellos saben que no es el Chris que ellos conocían. Lo que más sorprende es ver que el Auggie de este universo es un hombre más calmado y diferente al padre que él conoció en su niñez. El Dragón resulta ser mejor persona que su contrapartida y eso confunde a Chris.

Si hay que destacar una escena es la que ocurre en la casa de los Smiths y que lleva a el enfrentamiento con Keith y Auggie, reviviendo el trauma de Chris por la muerte de su hermano. Desembocando en el momento cumbre cuando el equipo somete a Keith. El grito desgarrador de Chris («¡Basta! ¿Qué diablos nos pasa a todos?») es un momento de brillantez dramática por parte de John Cena.

El episodio también maneja bien las subtramas, como la charla de Adebayo y Judomaster y el inesperado compañerismo entre los ‘Vigilantes’ y el sacrificio del Adrian de Tierra-X. El cliffhanger llega cuando Chris se entrega a Rick Flag Sr. para proteger a sus amigos con la ayuda de Judomaster.

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EN CF: TODOS LOS EPISODIOS ANTERIORES DE ‘PEACEMAKER’


Es cierto que los episodios han tenido una duración que me ha parecido demasiado corta y cuando estás disfrutando tanto de una serie, eso duele. Ojalá todos hubiesen durado tanto como el último.

Pese a esto, «Como un Keith en la noche» es un capítulo demoledor y crucial para lo que ha venido en el final de temporada.

Como he dicho al comienzo, estamos ante un episodio que no va a gustar a todos, a mi me ha parecido el cierre perfecto, ya que ha hecho crecer a los 11 Street kids de una forma que pocos guiones sabrían hacer.

El capítulo funciona como un cierre épico, sangriento y profundamente emotivo que consolida a esta serie como otro gran acierto de James Gunn. El cineasta cumple con su promesa de mantener el tono gamberro, pero sin que se en detrimento de la emotividad y la evolución de personajes.

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La escena del ‘barco’ es la joya emocional que sella de manera brillante el arco de toda la temporada para Chris Smith y Emilia. Es un ejemplo de cómo esta ficción prioriza el desarrollo de los personajes por encima del espectáculo. Es el punto de inflexión más importante del episodio y le da a Chris un respiro tras una segunda parte de temporada en la que las emociones no han sido muy positivas.

Por suerte en ‘Peacemaker’ no hay personajes que no hayan tenido momentos para brillas y evolucionar, aunque es cierto que Adabayo y Economos han crecido muchísimo y nos han dejado momentos divertidos y emotivos. Desde la conversación de Leota con Keeya hasta el momento en el que Eagly le pone el ala en el hombro a Economos.

Hablemos del villano de la temporada: Rick Flag Senior.  No hay mejor motivación que algo que sea tan primario como la venganza y eso es lo que ha guiado a este personaje para tratar de acabar con Peacemaker. Quizás haya sido algo drástico el cambio o quizás lo haya estado ocultando desde el comienzo, pero ahora es alguien a tener en cuenta con la tecnología que posee y el hallazgo de ‘Salvación’. Su propia ‘Zona Fantasma’. Al final Waller no era tan malvada.

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Quizás esto tenga algo de relación con lo que veremos en ‘Man of tomorrow’, pero se me ha quedado algo corto tanto que se hablaba de esta temporada como una precuela de la secuela de la cinta de Superman. Aunque sí tengo que alabar que poco a poco se vayan introduciendo cositas de DC como Jaque mate, algo que abre un abanico de posibilidades interesantes para este DCU.

Conclusión

La segunda temporada de ‘Peacemaker’ me parece que mantiene el tipo y ha sabido construir a unos personajes muy potentes y que se han ganado un hueco en nuestros corazones. James Gunn ha sabido hacerlos caer, recomponerse, romperlos, pegar sus pedazos y hacerlos crecer mucho.

Mejores tramas, más emotivas, un cliffhanger final que no esperaba, un villano capaz de todo por venganza, y que ha acabado concluyendo el plan que comenzó Luthor en el filme protagonizado por David Corenswet.

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¿Ganas de más? Sí, muchísimas, no puedo ni quiero esperar a ver la tercera temporada de ‘Peacemaker’ o la primera de ‘Jaque Mate’ para saber que demonios va a pasar con Chris. ¿Lo veremos cabalgando un dinosaurio al más puro estilo Kung Fury? De todo puede pasar en la cabeza de James Gunn.

No voy a decir que esta ficción es perfecta, ya que hay cosas que me hubiese gustado que se explorasen más como Tierra-X, que se me ha quedado corta, pero tiene una salud de hierro y junto con ‘Creature Commandos’ son dos joyas de este nuevo DCU.

Y antes de despedirme mencionar que el gusto musical de Gunn y su elecciones musicales están a otro nivel.

Aquí os dejo la secuencia de los títulos de crédito de esta segunda temporada de ‘Peacemaker’:

¡Larga vida a ‘Peacemaker’, larga vida al DCU!

Crítica de Laberinto en llamas (2025), cine de catástrofes que merecía ser vista en pantalla grande.

Lo que ha cambiado la industria del cine. Ahora todos los estrenos en pantalla grande basculan entre grandes superproducciones, a ser posible precuelasecuelarecuela o cine de superhéroes, y producciones indie enmarcadas dentro del cine de autor. Las películas de presupuesto medio alto, que antes copaban los cines, ahora parecen destinadas únicamente a las plataformas de streaming. Lo vimos en la magistral The order, en Amazon Prime Video. O en El abismo secreto, en Apple TV. Plataforma que también acaba de estrenar Laberinto en llamas, película de catástrofes basada en un hecho real.

Nuestra crítica de The order, una de las películas del año

Situada en uno de los incendios más devastadores de Estados Unidos, Laberinto en llamas se enfoca en un fracasado conductor de autobuses escolares que debe colaborar con una maestra infantil para sacar a 22 niños de una región que se ha convertido en un infierno.

La película es puro cine de catástrofes, como lo era Llamaradas, Volcano, Twisters o Un pueblo llamado Dante’s Peak. Puro espectáculo noventero que parece haber desaparecido de las carteleras y que solo podemos ver en televisión.

Y es una pena, porque la película está notablemente dirigida por Paul Greengrass, uno de los dioses del cine de acción del siglo XXI. Porque él fue el director de El mito de Bourne y El ultimátum de Bourne, las mejores entregas de la saga. O, dicho de otra forma, la cumbre de los planos cortos y la cámara en mano como forma de rodar la acción que vivimos entre finales de los 90 y el regreso del cine de especialistas con John Wick.

En los últimos años, Greengrass prácticamente solo rueda para plataformas. Ya lo hizo para Netflix en 22 de julio y en uno de los mejores westerns del siglo XXI, Noticias del gran mundo. Ahora, regresa al cine casi documental basado en hechos reales, como ya hizo en Domingo Sangriento, Capitán Phillips o la que creo que es su mejor película, United 93.

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Al igual que con Capitán Phillips, Greengrass parece obsesionado con el heroísmo de a pie. El de personas que hacen algo bueno sin buscar la aprobación de otros, sino porque, sencillamente, hay que hacerlo.

El ejemplo perfecto es nuestro protagonista, un absoluto perdedor, divorciado y con una pésima relación con su hijo. Un hombre que tiene que cuidar de su madre enferma mientras mantiene a duras penas un trabajo que no le gusta. Y que se ve inmerso en un infierno en el que continuamente dudará si ayudar a los niños o dejarlos a su suerte.

Greengrass recalca el carácter perdedor con un arranque demasiado largo y sobreexplicativo. De hecho, es el mayor defecto de la película. El director subraya demasiado la emoción cuando solo le hace falta rodar como rueda las escenas de tensión.

Porque es aparecer el fuego y Laberinto en llamas despega como un cohete. Qué uso de la tensión con tan solo un autobús como escenario. Y qué química la de America Ferrera con Matthew McConaughey, ese actor que cambió las comedias románticas por el abogado de El inocente, el drama de Dallas Buyer Club, la épica de Interstellar o el misterio de True Detective.

Tras estas producciones, McConaughey ha continuado por la senda dramática, pero sus películas no han tenido el éxito de aquellos años, Óscar incluido. Y es un actorazo. Viéndolo, se me olvida que estamos ante uno de los hombres más guapos y elegantes del cine moderno al verlo desaliñado como un pobre conductor de autobús que no tiene donde caerse muerto.

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Puede que Laberinto en llamas peque de excesivamente melodramática en su conflicto familiar (previsible hasta decir basta) y que se alargue tanto en este ámbito como en la reflexión sobre las causas del auge de los incendios actuales, pero es un peliculón de catástrofes de los que ya no se hacen, repleto de tensión y acciones heroicas de gente corriente que, cuando la naturaleza nos arrasa, siempre saca su mejor versión.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Crítica de The smashing machine (2025), una película antideportiva.

Desde que el cine es cine se han encasillado a los actores. Ya ocurría durante el sistema de estudios del cine clásico, en el que incluso los actores debían mantener su personalidad cinematográfica más allá de la gran pantalla. A John Wayne solo le contrataban para hacer westerns. A Humphrey Bogart para interpretar detectives de tan duro caparazón como blando corazoncito. Y así un largo etcétera que se extiende hasta el mismísimo Dwayne “The Rock” Johnson, que ha decidido cambiar de registro y va a por el Óscar con The smashing machine, drama deportivo estrenado en cines el 3 de octubre.

The smashing machine es un biopic de Mark Kerr, luchador pionero en la popularización de las artes marciales mixtas a finales de los 90, centrándose en su época más complicada, marcada por la derrota, las adicciones y la tormentosa relación con su mujer Dawn.

Cuando uno se acerca a la película sin mucha información, puede pensar que The smashing machine es, independientemente del resultado, un descarado intento de ganar el Oscar a mejor protagonista. A priori, cuenta con todos los factores que gustan a la Academia: un actor que interpreta a un personaje real bajo toneladas de maquillaje. Como Eddie Remayne con Stephen Hawking, Gary Oldman como Winston Churchill o Rami Malek como Freddie Mercury. Además, cuenta con la ventaja de que Dwayne Johnson, antiguo luchador de Smackdown (lucha libre fingida), es un actor marcado por su carisma en el cine de acción. Así que la crítica estaba expectante con como resultaría ver al actor en un papel puramente dramático.

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Encima, la película cuenta con el aliciente de ser escrita y dirigida por Benny Safie, el que, junto a su hermano Josh, nos aceleró el corazón con dos peliculones que tenéis en Netflix: Good Time y Diamantes en bruto. Ambas películas de personajes que luchan contra la opresión de la sociedad en un corto periodo de tiempo. Todo lo contrario que The smashing machine, una película deportiva inusitadamente clásica en su narrativa, por mucho que su temática se aleje de la típica película deportiva.

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Porque esta no es la historia de los éxitos de Mark Kerr, sino de como lidia con sus fracasos. Una jugada arriesgada, porque es una película deportiva que no apuesta por la épica. Más bien se centra en el drama humano de alguien acostumbrado al éxito que empieza a perder en todos los ámbitos de su vida.

Y es una jugada que sale a medias. Porque el drama humano está bien enfocado. Safdie otorga de humanismo a sus dos personajes protagonistas. Mark Kerr es un personaje noble y adicto. Atento y ególatra. Dawn quiere a Mark, pero le duele no ser una prioridad para su marido. Así, The smashing machine es una radiografía de las luces y sombras de ser un deportista de élite. Sí, son personas ejemplares en su afán de superación, en superar sus demonios internos. Pero también viven tan obsesionados con la perfección física, con las rutinas estrictas, que minimizan a todos los que tienen alrededor.

Ambos personajes están magníficamente interpretados. Lástima del maquillaje de Dwayne Johnson. Personalmente, no paraba de pensar en que, bajo todas esas capas de maquillaje, Mark Kerr es The rock, y eso me sacaba de la película. Y luego está Emily Blunt, que arrasa la pantalla cada vez que aparece en un papel distinto al que nos tiene acostumbrados.

Pero claro, insisto en que la jugada sale a medias. Porque como drama humano, The smashing machine es notable. Pero como película deportiva, con la épica inherente que ello implica, fracasa porque la historia, en su intento por humanizar al luchador, humaniza tanto que no emociona. No impactan los combates, por muchos giros inesperados que encontremos en la película (y que mejor no desvelar).

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En definitiva, The smashing machine es una interesante película antideportiva que busca centrarse en la aceptación de la derrota y en lo difícil que resulta congeniar el éxito personal con la felicidad en pareja. Se beneficia de unas excelentes interpretaciones y ojalá que esto suponga un escalón más en la carrera de Dwayne Johnson. Aunque, personalmente, me sigo quedando con el The rock de Fast & Furious o, sobre todo, de esa joya infravalorada conocida como Dolor y dinero.

¡Un saludo y sed felices!

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God Save Birmingham. Cuando la peste medieval se convierte en tu nuevo trauma favorito

¿Quién demonios pidió un juego ambientado en la Birmingham del siglo XIV, en plena peste bubónica, donde los muertos caminan y los vivos apenas respiran? Pues yo, sin saberlo. Porque God Save Birmingham no es un simple survival horror. Es una carta de amor retorcida a la miseria humana. Es un “te quiero” dicho con un ladrillazo en la cara.

Y lo digo en serio.

Este juego no te lanza zombis a lo loco ni te regala sustos prefabricados. No. Aquí lo que hay es desesperación, desesperación de la buena. De la que te hace mirar el techo después de apagar la consola y preguntarte si mañana deberías ir a terapia o seguir jugando. Te pone en la piel de alguien que no tiene nombre ni cara, porque lo que importa no es el héroe, sino el horror. Caminas por callejones cubiertos de niebla y podredumbre. Escuchas gritos apagados a lo lejos. Ves sombras que no se mueven hasta que parpadeas. Y ahí es donde el juego te atrapa.

God Save Birmingham

Porque God Save Birmingham es eso: una atmósfera en un videojuego. Un clima emocional que huele a sangre seca y madera podrida. El diseño de la ciudad es de otro planeta. Bueno, no: es de esta Tierra, pero de una Tierra olvidada, sucia, rota. Todo está hecho con una minuciosidad enfermiza. Casas que se caen a pedazos, mercados abandonados, cadáveres colgando como decorado. Es como si los desarrolladores se hubieran obsesionado con hacernos sentir incómodos. Y vaya si lo logran.

¿Y la jugabilidad? Brutal. Te obliga a sobrevivir de verdad. Aquí no hay tutoriales con voz dulce ni mecánicas de ayuda. O aprendes, o mueres. Buscas comida como si fueras un perro callejero. Haces barricadas con muebles. Lanzar una antorcha puede ser la diferencia entre vivir y ver cómo te arrancan la cara a mordiscos. Y lo mejor: todo tiene peso. Cada objeto. Cada paso. Cada elección.

El juego, que llega el 31 de octubre de 2025, es una apuesta valiente. Una que mezcla historia, terror, supervivencia y un toque macabro de poesía visual. Es como si Dark Souls se hubiera cruzado con Amnesia, pero en plena Edad Media, con peste, sin esperanza y con el alma llena de barro.

En resumen: God Save Birmingham no es un juego para todos. Es para los que disfrutan del caos, de la tensión que no da tregua y del terror que no grita, pero susurra. Y esos, amigos míos, somos los que seguimos buscando historias que nos hagan sentir vivos. Aunque sea entre muertos.

Un saludo y sed felices.

Análisis de The Walking Dead: Daryl Dixon. Temporada 3. Episodio 5

Ya quedan solo dos episodios para concluir la tercera temporada de The Walking Dead: Daryl Dixon y analizamos el quinto, cuyo título es Limbo. Creada por David Zabel, la serie es emitida por AMC+.

Hola otra vez, caminantes y sobrevivientes. Bienvenidos sean a un nuevo análisis de The Walking Dead: Daryl Dixon, en este caso correspondiente al quinto episodio de esta tercera temporada que, dirigido por el español Paco Cabezas (Miércoles, Penny Dreadful) marca definitivamente el tono de western spaghetti que se venía sugiriendo desde el inicio de la misma. A la par, las cosas pintan complicadas en Solaz del Mar y Daryl emprende camino a Barcelona, pero se cruza en su camino con una colonia de leprosos y una banda de forajidos que roban agua y se mueven en un tren tirado por zombies.

Pero pasemos mejor a ver ya mismo qué nos ha dejado el capítulo no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden en esta web echar ojo a los análisis previos, tanto de esta como de las demás series de la franquicia.

Análisis de The Walking Dead: Daryl Dixon

Análisis de The Walking Dead

Análisis de Fear The Walking Dead

Análisis de The Walking Dead: World Beyond

Análisis de Tales of the Walking Dead

Análisis de The Walking Dead: Dead City

Análisis de The Walking Dead: The Ones who Live

Caminos Separados

Habíamos dejado a Daryl, Carol y Antonio siguiendo el rastro de Roberto y del convoy que se llevó a Justina. Daryl interpreta que en determinado momento los caminos se separaron y, en efecto, uno de ellos termina conduciéndoles a Roberto, a quien encuentran maltrecho y pendiendo de un puente sobre una hambrienta masa de caminantes mientras sus captores están a punto de cortar la cuerda y dejarle caer.

Por suerte, la oportuna intervención de Daryl con ayuda de Carol (vaya que llegaron a tiempo) acaba con forajidos y zombies para descolgarlo y su padre descubre con alivio que aún respira, aunque no se le ve nada bien. Desfalleciente y antes de perder el sentido, alcanza a decirles que llegó a rescatar a Justina del campamento de los del Alcázar, pero estos salieron a perseguirles y terminaron recapturándola.

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La mayor sorpresa, sin embargo, llega cuando les anoticia de que ella no se entregó como voluntaria para la Ofrenda, sino que fue entregada por Federico tras haber la joven descubierto que él venía amañando año a año la ceremonia para que no fuera elegida y amenazado con delatarle a menos que suspenda el ritual. Creo que estamos de acuerdo en que lo que hace Federico es injusto, pero también en que ella es algo desagradecida, ¿verdad? Además de tontamente suicida…

Los caminos se bifurcan. Antonio quiere regresar a Solaz del Mar, donde Roberto puede ser atendido con medicina llevada allí por el Alcázar, pero Daryl, cambiando la postura de no involucrarse que venía manteniendo, prefiere ir tras los que se llevaron a Justina. Al preguntar por su posible rumbo, Antonio manifiesta que muy posiblemente se dirijan a Barcelona, donde los del Alcázar suelen hacer parada.

Carol, desde luego, quiere acompañarlo, pero él dice que se moverá mejor solo y, además, Antonio y Roberto la necesitan. Les recomienda, por seguridad, no contar a su regreso nada de lo dicho por el joven, pues es preferible que Federico crea que no lo saben…

El Pueblo de los Leprosos

Emprendiendo pues su camino en moto a través del páramo, Daryl se encuentra con un anciano de ojos sangrantes que le suplica agua, pero la cosa se complica y debe quitarle la cantimplora cuando pretende empinarla completa, situación que, más avanzado el capítulo, será replicada por el propio Daryl cuando le toque estar igual de sediento. Viendo a los buitres revolotear en lo alto (o quizás solo oyendo, pues no termina de quedar en claro si está ciego), el hombre manifiesta al americano que los quebrantahuesos están esperándole y él será el próximo…

Retomando su camino, Daryl se cruza con el extraño y grotesco espectáculo un tren tirado por zombies, los cuales, atados al primero de los vagones, van siguiendo a un jinete que abre la marcha mientras canta con su guitarra.

No es asunto suyo y decide seguir, pero es visto desde el tren por un matón que le pasa el binocular a su líder que, con bata de leopardo, es sacado por un momento de la bañera que comparte con una muchacha. Al ver a Daryl desde lo lejos, dice querer la moto y tres motociclistas salen tras él en cinematográfica persecución que, sin embargo, se termina resolviendo de modo algo confuso…

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En lo que es prácticamente un duelo mano a mano con el principal de ellos y mientras no sabemos dónde diablos están los otros, Daryl logra herirle en un brazo y dejarle el tanque chorreando combustible pero, sin embargo, no sabemos qué pasa con él o cómo logra escabullirse en un terreno descampado que es pura aridez por donde se mire, como tampoco por qué dejó abandonada la moto si en ningún momento vimos que hubieran acertado a la misma disparo alguno.

Sea como sea, Daryl sigue camino por un desértico paisaje solo interrumpido por esqueletos calcinados mientras los buitres le bailan en lo alto. Llegada la noche, desfallece de sed mientras se le cruzan visiones que lo retrotraen a sus traumas de infancia. Un grupo de harapientos con la piel recubierta de nódulos le hacen poner en guardia al acercársele, pero no muestran malas intenciones y, por el contrario, le saludan amablemente…

Le llevan hasta su comunidad, la cual se halla en las ruinas de una ciudad destruida e iluminada por fogatas (se trata del pueblo viejo de Belchite, destruido durante la Guerra Civil Española) y allí Mateo (Luis Bondia) le ofrece agua, pero quiere más y la líder Amaia (Nansi Nsue) le pone severo límite pues la que tienen, explica, es poca y para todos.

Le anotician de que son una comunidad de leprosos que se instaló allí por no tener dónde ir, pues no eran para la sociedad ni vivos ni muertos: “limbos” como se llaman a sí mismos. La única no afectada es Amaia, quien al parecer no se contagia o al menos no sin un contacto prolongado. En cuanto al agua, le muestran su cisterna vacía por obra de los Buitres, nombre que dan a la banda del tren con la que él se cruzara antes y que, al quitársela, han condenando al pueblo a una muerte segura en cuatro o cinco días.

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Él manifiesta su necesidad de seguir camino hacia Barcelona y le muestran una vieja camioneta desvencijada con la cual puede quedarse si les ayuda a recuperar el agua. Amaia no confía en que cumpla su palabra, pero Mateo sí y tampoco es que tengan muchas alternativas, así que llegan a un acuerdo…

En este punto tenemos otra vez una secuencia algo confusa. Daryl instruye a los pobladores para reunir cuerdas, cadenas y clavos a los fines de organizar una defensa pues, según dice, solo cuenta con cuatro balas. Tras expresarle Amaia una vez más su escepticismo con respecto a su regreso, sale con la camioneta al desierto y, mientras consulta un mapa, ve por el espejo retrovisor que el grupo de matones motociclistas le viene a la zaga.

Echa pues a andar a toda velocidad y, por alguna razón, acaba otra vez en el pueblo cuando se suponía que llevaba rumbo contrario. Una vez allí, los pobladores ayudan a que los bandoleros caigan en las trampas preparadas en tanto que él se encarga de eliminarlos uno a uno mientras una niña cuenta las balas haciendo marcas en el suelo. Al líder, no obstante y una vez más, no logra matarlo y ello genera un duelo final en el cual este, algo torpemente, se le viene a la carga con una lanza coronada en triple sierra y Daryl termina haciéndole caer de su “montura” tras rebanarle al paso su cuello con machete.

Batalla por el Agua

Daryl va entonces en busca del tren, trepándose a lo alto de los vagones y encargándose de los tipos que los Buitres tienen allí apostados, además de soltar la cadena que mantiene atados a los zombies que ofician de bestias de carga y que quedan de ese modo liberados, siendo su primera víctima el sujeto de la guitarra, cuyo caballo, no obstante, logra escapar en claro contraste con aquella icónica escena ecuestre del inicio de la franquicia con Rick en Atlanta hace ya quince años.

En el vagón que comparte entre lujos con amante y reptiles, el líder de los Buitres entra en pánico al ver a sus matones colgar al otro lado de las ventanillas entre una marea de brazos zombies, por lo cual, aterrado, se hace de una ametralladora.

En ese momento y a través de un cristal hace su ingreso Daryl Dixon, recibido por una feroz descarga que no llega a destino porque alcanza a ocultarse. De todas formas y ya para esa altura, cada uno de ellos es el menor problema para el otro porque los caminantes están invadiendo el vagón y ello obliga a olvidar diferencias y aunar fuerzas a los fines de eliminarlos.

Una vez que lo hacen y se hallan frente a frente, vuelven a ser rivales pero el líder de los Buitres ya no tiene balas. En un intento desesperado, busca hacerse de un fusil de asalto, pero Daryl es más rápido y lo sumerge en su propia tina hasta ahogarlo, muerte por demás alegórica para quien tan impunemente se apropió del agua de los demás. Y el tiro final en la cabeza para que ya nunca despierte se lo propina con el fusil del que antes intentara hacerse…

Ahora la colonia de leprosos vuelve a tener su agua y están por demás agradecidos, tal como se lo manifiestan a Daryl al partir este en su recuperada moto. La niña que contaba las balas se le acerca para regalarle su vaso y se presenta como Rosa (India Soria). Él lo toma con agradecimiento o, al menos, tanto como sabemos que Daryl Dixon es capaz de expresar y, antes de marcharse, dice que su nombre a la niña, quien lo repite trabajosamente, pero bien…

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El Vino de Galicia

Carol y Antonio, entretanto, han regresado a Solaz del Mar llevando a Roberto, quien es confiado a los cuidados de Marga (Yasmine Othman) con artes curativas que rozan la brujería. Tal como Daryl sugiriera, nada dicen a Federico sobre el Alcázar sino que mienten con que le han rescatado de los Primitivos, llamando la atención del líder que no le hayan directamente matado. Y cuando pregunta por Daryl, le mienten una vez más diciendo que ha decidido quedarse en el barco de la playa.

Una vez que Federico se aleja, Paz pregunta a Carol y Antonio si quienes tenían a Roberto eran los del Alcázar, respuesta que da por obvia. Carol está a punto de mentirle, pero Antonio la tranquiliza con que se puede confiar en ella y le dice la verdad.

Valentina, en tanto, llega para lo que ella misma llama su visita anual junto a sus dos compañeros, lo que hace presumir que ha reemplazado a uno porque, hasta donde recordamos, Cooper había muerto. Hablando en privado con Carol, admite haberse equivocado al presumir su relación con Daryl, pues ahora se da cuenta de que “en Galicia sienta mejor el vino local”, dejando así entrever que advierte que hay algo con Antonio. Carol sonríe y nada niega, aunque le dice que es una “vieja cachonda”.

Pero confirmando esas suposiciones, ofrece luego en privado a Antonio acompañarles en su viaje a América pues Ohio, dice, no será Barcelona, pero sí un lugar que podría aprender a querer. Él dice pertenecer a su tierra y ya haber intentado sin éxito empezar de nuevo en otro sitio, pero no da respuesta definitiva y, en cambio, desvía el tema…

Marga, en tanto y mientras atiende a Roberto, descubre en el cuello de este la brújula que en su momento regalara a Justina, lo cual delata a las claras que sí se encontró con ella. Poniendo al tanto a su hijo Federico, este parece desdeñar el asunto pero luego, habiéndose ella marchado, da orden de ir a la playa a chequear que “el americano” esté realmente en el barco…

Balance del Episodio

¿Recuerdan cuando Antonio, en el segundo capítulo y respondiendo a la curiosidad de Carol sobre un póster de la película Adiós Gringo, dijera que se trataba de un filme “terrible, pero encantador”? Pues es exactamente la sensación que me ha dejado el episodio que hoy nos toca analizar y que, por cierto, ha rendido homenaje al western spaghetti de modo mucho más evidente y decidido que las esporádicas pinceladas que nos venía hasta ahora dando la temporada.

Y así como aquellos filmes tenían sus fallos, hay que decir que este capítulo ha sido magnífico en la estética y el homenaje, pero lleno de problemas de edición que en otro contexto lo hubieran llevado al desastre

No sabemos cómo Daryl perdió su moto ni logró escapar a pie de sus motorizados perseguidores sin lugares a la vista donde ocultarse. Tampoco cómo los mismos terminaron en Solaz del Mar cuando se suponía que lo perseguían en sentido contrario. Ni por qué Federico afirma tan seguro que los Primitivos habrían matado a Roberto cuando en la entrega anterior dijera que hasta el ataque les había tenido más como habladuría que como realidad. ¿En qué momento aprendió tanto sobre ellos? Y ya hemos hablado del reconstituido triángulo poliamor de Valentina…

Me gustaría poder decir que todos esos fallos son también una forma de rendir homenaje al western spaghetti, pero no parece así ni creo que debamos buscar intención deliberada donde no la hay, aunque sí afirmar que las referencias al género fueron deliciosas: el desierto, el tren, el duelo y hasta el lagarto en la vía. Solo faltaron los silbidos y las trompetas, en tanto que los caballos (aunque tuvimos igualmente uno) fueron reemplazados por motos y eso dio también al capítulo un toque Mad Max, así como el asalto zombie al convoy de vagones remitió a Train to Busan.

Otro buen punto del episodio es que, al desdoblarse ahora la trama, no desaparecen los personajes de Solaz del Mar que habían ganado desarrollo en el anterior, aunque el costo de ello, por otra parte, sea que Daryl y Carol estén separados nuevamente cuando ya ha quedado largamente demostrado lo bien que funcionan juntos.

Y no sabemos, por cierto, cómo seguirá la historia entre ella y Antonio que, si llegara a aceptar la oferta de acompañarles a América, pondría realmente el triángulo a temperaturas altísimas. Si voy a ser sincero, temo que acabe como la de Isabelle y los guionistas se saquen así un problema de encima.

En definitiva y a pesar de sus fallos, me ha gustado el episodio, aunque debo admitir que seguramente influye en ello mi amor por un género cinematográfico que me trae tan buenos recuerdos y me pega tan fuerte en el corazón. Se nos viene Daryl en Barcelona y si quedaban dudas de que la temporada transcurriera al completo en España, ya no queda ninguna, pues solo restan dos episodios y además, según se dice por allí, la próxima tendrá también acento hispánico.

Por cierto y, aunque el dato sea probablemente muy conocido para quienes viven en España pero quizás no tanto para el resto, es bueno aclarar que Belchite existe y se halla en la provincia de Zaragoza, Aragón, contando al día de hoy con una parte vieja y otra nueva, estando la primera de ambas despoblada y en ruinas por haber sido escenario en los años treinta de una de las más representativas batallas de la Guerra Civil Española.

Les espero para analizar el penúltimo episodio de la temporada. Hasta entonces y sean felices…

‘Nellie Bly en la guarida de la locura’ | Valentía, periodismo y salud mental

Ya he podido leer, de la mano de Norma Editorial, ‘Nellie Bly. En la guarida de la locura’, este álbum basado en esa figura histórica de finales del siglo XIX.

Antes de entrar en materia de lo que me ha parecido este cómic, quiero hablar un poco de esta mujer nacida en 1864 y fallecida en 1922. ¿Y quién fue Nellie Bly? Pues fue la pionera del periodismo de investigación en Estados Unidos y todo un icono de la liberación femenina. Tuvo la valentía de buscar siempre la verdad y de desafiar las normas sociales y profesionales de la época.

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Su reportaje más famoso fue para el New York World de Joseph Pulitzer en 1887, donde se hizo pasar por enferma mental para investigar las deplorables condiciones del Asilo Femenino de la isla de Blackwell.

Y de eso trata este cómic ‘Nellie Bly. En la guarida de la locura’, sobre el reportaje de sus diez días en el manicomio que destapó la precariedad en las que se encontraban las mujeres que allí residían. Maltratos físicos y psicológicos, hacinamiento y negligencia por parte del personal a cargo del cuidado de las pacientes. Un clarísimo ejemplo de periodismo encubierto mucho antes de que eso existiese.

Investigando he descubierto que existen varios cómics que retratan la vida de esta mujer.  El más conocido es este del que voy a hablar en esta crítica. Un álbum europeo guionizado por Virginie Ollagnier y con arte de Carole Maurel.

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Más allá de lo importante de la investigación que realizó, que eso no es cuestionable, y de cómo se atrevió a exponer las injusticias que sufrieron esas mujeres, este cómic es una obra cruda sin caer en el melodrama barato. Una excelente forma de conocer su legado.

Las situaciones que vemos a lo largo de esta potente historia son desgarradoras de por sí, pero que calan más cuando involucran a personas desvalidas, en situaciones precarias o necesitadas de ayuda.

‘Nellie Bly. En la guarida de la locura’ consigue aunar en sus páginas algunos temas que en aquella época quizás estuviesen normalizados o no se juzgasen y que a día de hoy (por desgracia) también están de actualidad como la estigmatización de la salud mental, el abuso de poder y la necesidad de una prensa libre.

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Haber plasmado esta trama en una novela gráfica es una idea excelente para acercar historias biográficas y hechos históricos a un público más amplio, incluyendo a lectores jóvenes. Este formato más visual puede hacer la lectura mucho más atractiva y fácil de digerir que un texto puramente narrativo.

Nellie Bly es un personaje que destaca su determinación, su inteligencia y su negativa a ser encasillada en los roles de género de la época, lo que la convierte en un referente inspirador.

Conclusión

‘Nellie Bly. En la Guarida de la Locura’ es un excelente cómic biográfico e histórico que nos va llevar a un momento y unas situaciones crudas, pero sin buscar el morbo de lo escabroso.

Ofrece una mirada fascinante y perturbadora a un episodio crucial en la historia del periodismo, la salud mental y el feminismo y lo hace con un cómic bien conseguido que aúna todo lo que debe tener una historia biográfica con un apartado narrativo atractivo y accesible.

Es una novela gráfica, no solo entretiene, sino que también busca la reflexión sobre temas que siguen siendo relevantes hoy en día.

Aquí os dejo la web de Norma editorial donde encontrar ‘Nellie Bly. en la guarida de la locura’ y su portada:

Nellie Bly

Un saludo y sed felices.

The Sinking City 2: El regreso de la locura lovecraftiana que nos hará perder la cordura (y las ganas de dormir)

Hay juegos que no se juegan, se sobreviven. Y luego está The Sinking City 2, que no solo se sobrevive, se sufre, se respira, se arrastra por tu subconsciente como una pesadilla húmeda que no quiere irse. Frogwares ha decidido que ya era hora de que volviéramos a perder la cabeza, y lo hace con una propuesta que abandona la lupa del detective para lanzarnos de cabeza al abismo del horror cósmico.

Olvídate de las pistas y los interrogatorios. Aquí no hay tiempo para pensar, solo para correr, esconderse y rezar a dioses que no escuchan. La ciudad de Arkham, en los años 20, se ha convertido en un pantano de locura y desesperación, donde las calles se retuercen y el agua lo engulle todo. Y tú, pobre alma perdida, debes navegar este infierno con más preguntas que respuestas y con la constante sensación de que algo (o alguien) te observa desde las sombras.

The Sinking City 2

La ambientación es sencillamente magistral. Cada rincón de Arkham rezuma (me encanta esta palabra) decadencia y misterio. Los edificios crujen con secretos inconfesables, las alcantarillas susurran nombres prohibidos y el cielo, siempre encapotado, parece a punto de derrumbarse sobre ti. Los desarrolladores han logrado crear un mundo que no solo se ve, sino que se siente. Es húmedo, opresivo y está vivo.

La jugabilidad ha cambiado mucho hacia el verdadero survival horror. La gestión de recursos es vital, y cada bala importa. Las criaturas en la oscuridad no son solo enemigos, son reflejos de tus peores miedos, deformidades raras que te harán dudar de tu cordura.

El combate se siente tenso y brutal, y cada encuentro es una lucha por seguir vivo. Lo que realmente hace que The Sinking City 2 se destaque es su historia. Es como un libro maldito, lleno de sorpresas y decisiones que te quedarán en la mente mucho después de que apagues la consola. Los personajes están bien escritos, y cada uno añade algo valioso a este caos.

Con su lanzamiento planeado para 2025 en PC, PS5 y Xbox Series X/S, The Sinking City 2 promete ser una de las experiencias más intensas y raras del año. No es un juego para todo el mundo, pero si te atreves a explorar la oscuridad, prepárate para un viaje que recordarás.

Porque en Arkham, la locura no es una opción: es lo único que hay.

Jonathan Majors podría volver al UCM (Universo Cinematográfico Marvel)

Imagínate que preguntas al tipo que interpretó a Kang el Conquistador si volverá al UCM (Universo Cinematográfico Marvel) y él sonríe, baja la cabeza, y dice: “No puedo decir nada”. Eso es exactamente lo que ha hecho Jonathan Majors al enfrentarse a los rumores sobre su regreso al universo Marvel. Dirige la mirada a lo multiversal, deja caer un guiño y sale por la tangente. Clásico movimiento de villano con estilo. Jonathan Majors podría volver al UCM.

Majors, quien protagonizó Loki y Ant-Man y la Avispa: Quantumania, fue preguntado de forma directa: ¿vas a volver como Kang? Su respuesta fue algo como “es un multiverso, siempre hay oportunidad”, y aunque intentó aparentar que no pasaba nada, su sonrisa fue más reveladora que mil discursos juntos.

Entre el rumor y la realidad

Marvel cortó lazos con Majors tras su condena por un cargo menor de agresión imprudente y acoso, y la imagen cayó como domino entre los fans, los estudios de cine y la prensa, por supuesto. Desde entonces, su opción de regresar al UCM parecía misión imposible. Pero ahora, esos rumores vuelven con más fuerza que nunca.

Jonathan Majors podría volver al UCM

Ahora bien: no hay confirmación, ni promesa oficial. Marvel cambió The Kang Dynasty por Doomsday, dando pistas de relatos más amplios y más villanos orquestando desde el trasfondo. En ese escenario, un cameo de Kang (Majors) aún no es imposible. Pero que Majors pueda hablar al respecto diciendo cosas como: “Marvel me despidió… Pero el MCU es grande”, ¿suena a chiste o de verdad es una posibilidad real?

¿Qué implicaría un regreso?

Un regreso de Kang podría reabrir tramas de Loki, de Quantumania, y remendar la transición hacia Doomsday. Además podría ser usado como arma narrativa de choque, ya que es un villano que conocemos, y también su pasado. Aunque entiendo que tendrían que «volver» a presentarlo de nuevo para las persona que no vieron sus tramas, o ya no las recuerden. Yo ya ni me acuerdo, o no me quiero acordar…

Mi veredicto

Ego, legado y segundas oportunidades chocan en esta historia. Que Majors no puede decir nada, me suena más a “me gustaría, pero mis abogados y Marvel no lo permiten aún”. Si lo hacen con cerebro, un regreso de Kang sería el cologón que revivaría el lado oscuro del UCM con dignidad. Si lo hacen mal, será solo un cameo decorativo que recordaremos como un regreso abocado al ridículo y a la polémica. Disney y Marvel tienen que tener muy claro como afrontar y vender este regreso no sólo del personaje, sino del actor. Ya tienen que remar mucho y muy fuerte para que su maquinaria de propaganda nos convenza a todos.

Un saludo y sed felices

Reseña de No hay tumba (2025). Espectacular western fantástico sobre el duelo.

Hay cómics que parecen escritos directamente para mí. Esto es lo que ocurre con No hay tumba, historia de cinco números escrita por Skottie Young y dibujada por Jorge Corona, que aúna tres de las cosas que más me interesan en esta vida: western, fantasía y un trasfondo profundamente psicológico.

Nuestra guía definitiva del western

No hay tumba se centra en Ryder, una pistolera que ha abandonado su vida criminal por su marido y su hija pero sufre una grave enfermedad. Desesperada, decide ganar todo el tiempo posible enfrentándose a la mismísima muerte.

Este es el primer cómic que leo escrito por Skottie Young. Autor conocido por su participación en Marvel Cómics y por su adaptación del Mago de Oz que ganó el Eisner. En el caso de No hay tumba. Sin ser la historia más compleja del noveno arte, cumple a la perfección con lo que promete.

A nivel de western, No hay tumba cuenta con algunas de las características propias del género. Especialmente su protagonista, una antigua pistolera que vuelve a abrazar la violencia para esquivar lo inevitable. Como Clint Eastwood en Sin perdón pero en forma de mujer desatada. También los paisajes desérticos. Incluso encontramos algún que otro homenaje al Monument Valley donde rodaba John Ford sus películas.

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A nivel de fantasía, destaca el exagerado dibujo del venezolano Jorge Corona, con un brutal diseño de personajes que recuerda desde a la saga de videojuegos Darksiders, con aquellos hiperbólicos jinetes del apocalipsis, hasta a los jefes finales de los videojuegos de From Software. Cada viñeta que muestra como Ryder se adentra en el reino de los muertos es más sorprendente que la anterior y, sin duda, lo mejor de No hay tumba.

Y, por último, el nivel más puramente psicológico. Siendo un cómic que se le de un tirón, sorprende que el viaje de la protagonista emparente con las cinco fases del duelo descritas por Elisabeth Kubler Ross. Desde la negación de la muerte (no disfrutar de tus últimos días de vida con tu familia por algo tan impensable como matar a la muerte) hasta la aceptación de esta (el magnífico final, que no desvelaré).

En definitiva, No hay tumba es un entretenido western que va más rápido que una bala pese a lo impactante y emocionante de lo que esconde bajo su arsenal de disparos y espectaculares diseños de un Jorge Corona al que estoy deseando seguirle la pista. El dibujante  tiene obras que incluyen We are… Robin , Nightwing y The Flash para DC Comics; Big Trouble in Little China: Old Man Jack , Adventure Time Comics , Jim Henson’s The Storyteller: Dragons y otras para BOOM! Studios. Y también es cocreador de Goners y No. 1 With A Bullet (nominado a los Premios Eisner 2018 como Mejor Artista de Portada) junto a Jacob Semahn para Image Comics, y creador de Feathers , su fantasía oscura para todas las edades, para Archaia Entertainment.

Enlace a No hay tumba en Norma Editorial

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UN WESTERN CON ELEMENTOS FANTÁSTICOS ÚNICO Y EMOCIONANTE

El guionista ganador del premio Eisner Skottie Young y el dibujante nominado al premio Eisner Jorge Corona, ambos responsables de las exitosas series Middlewest y Soy quien amas en la sombra, vuelven a unir sus talentos en esta nueva historia de género repleta de amor, pérdida, balas y muerte.

No hay tumba nos relata la aventura de Ryder, una forajida que intenta dejar atrás su violento pasado tras enamorarse, casarse y descubrir la maternidad. Al enterarse de que una enfermedad puede acabar con la vida que ha construido, Ryder vuelve a enfundarse las armas y decide luchar. Con el objetivo de alargar su estancia en este mundo, Ryder se embarca en un viaje que la llevará hasta más allá del mundo de los vivos, donde deberá derrotar a la auténtica dueña de su destino: La Muerte.

¡Un saludo y sed felices!
¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

 

La vida de Chuck (The life of Chuck): Demasiado sentimentalista

La ganadora del Festival de Cine de Toronto, La vida de Chuck, llega a los cines.
La película del director Mike Flanagan nos muestra a Chuck, un hombre corriente de 39 años que, sin embargo, parece ser el centro del universo. A través de la historia de su vida, conocemos un relato conmovedor sobre las pasiones, los sueños y nuestro lugar en el mundo.

La vida de Chuck nace como una adaptación de la novela corta de Stephen King If It Bleeds, contándonos en orden inverso la vida de Chuck Grantz, un simple contable que aparentemente no tiene relación con nadie y que, aun así, parece ser la única persona importante del universo, hasta el punto de que todos los demás lo conocen y se preguntan por qué resulta tan esencial.

Lo que funciona

En primer lugar, el concepto de la película es bastante interesante. Durante el primer acto ni siquiera llegamos a conocer a Chuck (Tom Hiddleston); vemos lo que sucede a través de los ojos de otros personajes, que se encuentran tan confundidos como los propios espectadores, ya que no se sabe hacia dónde puede ir la historia. Esto genera una duda genuina en el público sobre lo que está ocurriendo y el rumbo de la trama.

La estructura de la cinta potencia esa incertidumbre, pues está narrada en orden inverso. Primero nos situamos en los últimos meses de vida de Chuck, para acabar conociendo su infancia. La propia película está dividida en actos, lo que refuerza ese concepto y atrapa al espectador: el inicio es muy ambiguo, muchas cosas quedan en el aire y eso crea una atmósfera muy poderosa.

La atmósfera es, precisamente, otro de los grandes aciertos. Desde el primer momento se percibe una sensación de melancolía y tristeza que hace crecer el mensaje de la película. Entre esa confusión y melancolía inicial, la historia logra que al espectador le importen los personajes y su destino, y aunque ya se sepa cuál es, aún así interesa descubrir su pasado.

La vida de Chuck: Neon revela la ventana de estreno para la adaptación de Stephen King con Tom Hiddleston - Infobae

Las actuaciones

Tom Hiddleston, pese a haber sido presentado en la promoción como el protagonista, no aparece demasiado tiempo en pantalla. Conocemos a Chuck, sí, pero sobre todo su niñez. Aun con su breve presencia, Hiddleston ofrece una actuación excelente: tiene momentos muy emotivos en los que su personaje se abre por completo y el actor lo transmite de maravilla, logrando emocionar incluso en poco tiempo. Uno de los mejores momentos de la cinta es una escena de baile con una coreografía impecable: divertida, simbólica y perfectamente ejecutada.

Otro actor que sorprende gratamente es Chiwetel Ejiofor. Él protagoniza el primer acto y aparece brevemente en el tercero, pero su actuación resulta fundamental. Interpreta al personaje que encarna la confusión del mundo, alguien que intenta comprender lo que está pasando y qué relación tiene Chuck con su realidad. Además, protagoniza algunos de los pasajes más conmovedores de la película, especialmente cuando aborda el tema del amor. Ejiofor brilla en esos momentos y, pese a ser un personaje secundario, consigue dejar una lección poderosa en los espectadores.

La vida de Chuck: esto significa el final de la película de Stephen King | GQ

Lo que no funciona

El guion es, sin duda, el punto más débil. Aunque en el primer acto consigue generar intriga sobre lo que ocurre en el mundo, pronto se derrumba debido a un exceso de explicaciones. Los diálogos se vuelven demasiado expositivos y artificiales: los personajes verbalizan sus dudas de forma poco natural, lo que hace que los elementos ambiguos del inicio se evaporen demasiado rápido.

Esto perjudica gravemente a la película. La atmósfera de confusión inicial se construye bien, pero su resolución es floja. En los momentos en los que se debería mantener el misterio, la cinta se rompe explicando demasiado. Lo mismo ocurre con el mensaje: hacia el final, una voz en off del protagonista lo expone de forma directa. La escena anterior está muy bien construida, pero esa narración en off arruina parte de la fuerza, ya que transmite la idea de manera torpe y poco sutil.

La película da la sensación de estar preparando en todo momento una gran resolución. Plantea temas complejos como la felicidad, el propósito de la vida o nuestro lugar en el universo. Sin embargo, todo se alarga tanto que la conclusión, reducida a un simple diálogo, resulta anticlimática.

La Vida De Chuck (2024) - IMDb

El mensaje de la película

El mensaje en sí es conmovedor y emotivo, y consigue que el espectador salga feliz de la sala. A grandes rasgos, la película habla de disfrutar de la vida y de cómo nuestra propia existencia es el centro de nuestro universo. No sabemos lo que hay antes ni lo que habrá después: nuestra vida es lo que hemos vivido, sentido y compartido, y eso está lleno de emociones valiosas. Es, sin duda, un gran mensaje.

Pero la ejecución lo debilita. A nadie le gusta que le “tiren la información a la cara”, y la película cae en ese error. Todo el mensaje recae en un único diálogo, que ni siquiera llega en un momento verdaderamente impactante, sino como un pensamiento interno del protagonista. Esto deja la sensación de que todo lo anterior pierde valor y que lo único importante es esa última reflexión, lo que genera cierta insatisfacción.

Hablemos sobre el final de “La vida de Chuck”

En conclusión, La vida de Chuck es una película que tiene un concepto brillante y un mensaje emotivo y esperanzador, pero que falla en ejecución y en su guion, haciendo que la cinta se quede en una más por estos motivos.

Pueden encontrar el trailer de esta cinta en:
Tráiler de La Vida de Chuck (2025), adaptación de Stephen King que llega a los cines de la mano de Mike Flanagan