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Fase Extra: La debacle de Diablo Immortal, ¿Han perdido los desarrolladores el contacto con su audiencia?

“¿No tenéis teléfono móvil?” Preguntaba Wyatt Cheng, diseñador principal de Blizzard Entertainment, tras anunciar el nuevo juego de la saga Diablo, Diablo Immortal, ante una atónita audiencia en la BlizzCon de este año. Uno de los estupefactos fans preguntaba al respecto “¿Es una inocentada fuera de temporada?” mientas que el desarrollador, con un nerviosismo palpable, respondía “no”. Y es que quizá no sea la mejor idea del mundo terminar tu conferencia de pago, a la que tus fans acérrimos de PC de todo el mundo acuden anualmente, con un juego para móvil dirigido al mercado asiático.

A partir de ese momento la polémica estaba servida, una creciente avalancha de quejas en redes sociales, videos subidos y resubidos en YouTube con una cantidad de dislikes por las nubes, boicots, campañas pidiendo la cancelación del juego, la prensa especializada llamando a los fans ‘malcriados’, bajadas en bolsa y una ansiedad creciente ante el hecho casi incontrovertible de que la creciente lucha entre apaciguar a los fans veteranos y la expansión hacia nuevas audiencias había llegado por fin a las puertas de Blizzard, afectando directamente a una de las sagas más queridas y afamadas de la industria.

Sin embargo, por mucho que duela, la estrategia de la compañía es más que comprensible. El mercado asiático manda hoy en día y al igual que ocurre en la industria cinematográfica, la perra gorda se la lleva el que logra conectar con las audiencias orientales que además son mucho más receptivas ante el mercado móvil. Por lo tanto, desde cierto punto de vista es difícil culpar a Blizzard por lo que a fin de cuentas viene a ser un spin-off o producto complementario en principio inofensivo. Si, es cierto, nadie ha pedido un Diablo para móviles y menos uno licenciado y desarrollado por una compañía ajena (NetEase, infame por sus clones del propio Diablo que han llegado hasta Steam) pero tampoco es el fin del mundo. El problema no es ese, el problema es que como la propia Blizzard admitía poco después del desastre ‘ni ellos mismos esperaban una respuesta tan negativa’ lo cual demuestra lo alejados que están de la realidad y deseos de sus comunidades.

Cualquier fan podría haber adivinado que reunir a una multitud de aficionados de todo el mundo que pueden llegar a pagar miles de euros por acudir a tu convención, sabiendo que la gran mayoría juega en PC y esperan el gran próximo capítulo de tu saga, para despedirles con el anuncio multitudinario un juego de móvil es una idea horrible. Algo que, aparentemente, Blizzard no ha podido predecir y que se podría haber mitigado con un simple teaser de lo que realmente venían buscando, Diablo IV, una estrategia que otras compañías como Microsoft y Bethesda han utilizado últimamente para anunciar sus productos móviles. No es que Gears of War Pop! y The Elder Scrolls Blades (los spin-off móviles de sus sagas correspondientes) hayan levantado pasiones, pero el anuncio de Gears 5 y TESVI durante la misma conferencia aseguraba una acogida más receptiva ante productos considerados (quizá injustamente)  ‘secundarios’, complementos de experiencias mayores que sirven como ‘relleno’ entre entregas. El problema con Diablo Immortal es que Blizzard no lo ha tratado de esa guisa, sino que para ellos Diablo Immortal es el gran nuevo capítulo de la saga, algo que, si bien se corresponde con la realidad del mercado (no podemos ignorar que el mercado móvil abarca más usuarios que el PC y las consola juntos) choca directamente con los deseos de su audiencia occidental más veterana y con la percepción general del mercado móvil en dichas audiencias.

Y es que el susodicho ámbito de los juegos móviles tiene una gran acogida en oriente, donde géneros como el infame ‘Gacha’, trufado de micropagos, amasa cantidades ingentes de dinero todos los años utilizando técnicas de manipulación psicológica que rozan lo ilegal y, por supuesto, todas las grandes editoras están deseando meter la zarpa dentro, no de forma tan aviesa (esperemos) pero sin perderse su parte del pastel. Esto es especialmente cierto respecto a Blizzard que gracias a propiedades como StarCraft tiene más que un pie una pierna entera metida en el mercado asiatico (de hecho sin Asia no serían quienes son hoy) y se ve acuciada, según transcurren los años, a contar con un producto fuerte dentro del mercado móvil. Por el contario, e independientemente de las necesidades de la compañía, los juegos móviles cuentan con un estigma en la cultura occiental no solo debido a la insatisfacción de un producto que se antoja menos complejo, o a los inconvenientes de jugar en dicha plataforma (los sistemas de control, a los que la audiencia asiática está más acostumbrada, resultan exasperantes aún en occidente) sino al miedo a que Diablo Immortal esté plagado de técnicas agresivas de monetización que arruinen la experiencia, algo que los fans de Activision-Blizzard tienen aún muy presente tras la polémica de Destiny 2, otro juego que está pasando por momentos muy dificiles por culpa de sus pobremente implementadas cajas de botín y los ardides de los desarrolladores a la hora de manipular la experiencia recibida por los usuario etc., en aras de fomentar los micropagos.

Todos estos elementos han desembocado en una tormenta perfecta que ha cogido a la desarrolladora ‘con los pantalones bajados’ y que no solo ha afectado a los usuarios, sino a sus ‘verdaderos’ clientes, los inversores, que han respondido ante la negatividad general con una bajada de un 6.74% de las acciones de la compañía en bolsa, algo que se traduce en perdidas millonarias. Estas pérdidas no significan gran cosa ya que como hemos visto otras veces, las acciones suben y bajan como las mareas (EA y el escándalo de Star Wars Battlefront 2 es un ejemplo claro) pero siempre sirven como un toque de atención momentáneo que refleja la profunda insatisfacción de las grandes audiencias. Por supuesto, esta no es la primera vez que Blizzard recibe un golpe a su reputación, las cajas de botín de Overwatch, si bien más benignas que las de otros productos, han sido harto criticadas y Diablo III (que desde entonces ha mejorado considerablemente) supuso una decepción para muchos fans, debido a su cambio de estética y al fiasco de sus casas de subastas que se tuvieron que cerrar porque estaban desequilibrando la economía (ficticia y real) del juego.

fase extra diablo immortal cosas felices 01

Ninguna de estas controversias habían provocado, sin embargo, una ira tal entre los fans ¿por qué? Porque elementos discordantes dentro de productos de calidad son más o menos aceptables y siempre se pueden arreglar, pero Diablo Immortal es el primer producto de Blizzard que ha causado una sensación de que la compañía está ignorando a su audiencia veterana a sabiendas y eso abre la puerta de un futuro incierto. La ya infame cita del móvil con la que empezábamos este artículo era una respuesta a si el juego llegaría alguna vez a PC y se puede considerar bastante condescendiente, al igual que la reciente declaración de la compañía de que va a trasladar a gran parte de sus desarrolladores más importantes al desarrollo móvil, proponiendo como justificación el hecho de que ‘muchos de ellos han cambiado sus hábitos de juego’ hacia esa plataforma, como si eso tuviese algo que ver con su audiencia. ¿Por qué deberían los usuarios jugar más a juegos de móvil solo porque los desarrolladores hayan adoptado dicha costumbre? No hay que ser demasiado conspiranóico para darse cuenta de que ese ‘cambio de hábitos’ tan conveniente a quién beneficia directamente es a los inversores que necesitan seguir expandiendo su influencia por el jugoso mercado asiático y a esa fabulosa y desdibujada ‘nueva audiencia’, pero no se alinea en absoluto con los deseos reales de los aficionados veteranos de la saga.

Aún así, hay que recordar que el desarrollo de videojuegos es un negocio y el único pecado de Activison-Blizzard en esta situación ha sido un fallo enorme de relaciones públicas, están en pleno derecho de buscar nuevas fuentes de ingresos y para ellos el mercado asiatico es más una neceidad que una opción, amén de que sin duda hay muchos jugadores interesados en Diablo Immortal que no tienen porque ser veteranos de la saga. Por supuesto eso abre otro melón ¿Se debe Blizzard a las nuevas audiencias o a los fans que les han encumbrado hasta su posición actual? en todo caso ya han anunciado que están trabajando en diferentes proyectos de la saga Diablo, confirmando implícitamente que la cuarta entrega está en pleno desarrollo algo que, si bien no deshace el ‘deshonor’ de tratar a los veteranos como segundo plato, si debería apaciguarlos un poco. Con todo, sigue resultando preocupante que una compañía históricamente enfocada en los fans no solo haya llegado a estar tan alejada de las inclinaciones e intereses de sus consumidores, algo que vemos en muchas editoras en transición hacia el modelo de los juegos como servicio, sino que se vea tan incapaz de lidiar con las respuestas negativas de manera elegante y siga reafirmándose en su postura de forma tan testaruda, si bien la existencia de Diablo Immortal no debería suponer una ofensa para nadie, reconocer que no era el  momento ni el lugar, ni la forma de anunciarlo no estaría de más.

En conclusión, Blizzard tiene mucho que enmendar con su audiencia más veterana a raíz de este fiasco, si quieren recuperar su confianza van a tener que demostrar que no están dispuestos a sacrificar la calidad de sus sagas más prominentes por rentabilidad a corto plazo y que escuchan a sus fans, cosa que probablemente van a tener que demostrar a base de concesiones. Plantearse el lanzamiento de Diablo Immortal en PC sería un buen paso en la dirección correcta, aunque aún está por ver si están dispuestos a claudicar. Por suerte no es la primera vez que se ven en una situación peliaguda y en el momento de la verdad suelen cumplir, así que esperemos que hagan gala de la elegancia que les ha faltado en estos últimos días a la hora de subsanar la situación.

El cómic de la semana: Batman – Detective Comics #12

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a El cómic de la semana. Hoy destacamos, como venimos haciendo durante años atrás el número 12 de la colección de Batman Detective Cómics. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Si no lo sabéis ya, estamos haciendo un exhaustivo análisis de la etapa de James Tynion IV al frente de la colección. Posiblemente podemos decir que hemos disfrutado de (sino la mejor) una de las mejores series del Universo DC Renacimiento. Pero todo tiene un principio y un final, y lamentablemente esta maxi saga se acaba aquí. 12 tomos en la edición española de ECC hacen de la etapa de Tynion IV canela fina dentro del mundo de superhéroes. Pero ya sabéis, esto sigue. Batman Detective Comics continuará en un tomo 13, un tomo 14… hasta que las ventas acompañen. He visto que el siguiente sustituto de Tynion IV será Bryan Hill con una saga en 5 partes con bastante buenas críticas. Bien. El tomo 13 y parte del 14 en España están cubiertos. Lamentablemente le continuará James Robinson quien lleva pocos números pero por ahora con resultados muy pobres. Tenía decidido dejar la serie con la marcha de Tynion IV, pero tranquilos que he decidido seguir (por el momento) varios tomos más y ver como respira esta serie, ya que si en DC son listos Detective Comics debería continuar su periplo con los autores más hot del momento (como les llaman al otro lado del charco)

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Y es que Batman, en esta colección que es global con todos sus acólitos, es brutal. Esta etapa me ha parecido de lo mejorcito que he leído de superhéroes es bastante tiempo. Sin ser de sobresaliente, es de notable durante todos los números que ha durado el guionista al frente de la segunda serie del hombre murciélago. Y evidentemente no paro de recomendarla a todo el mundo, y esta sección es un escaparate para ello. Gracias por seguir la sección en Las cosas que nos hacen felices.

En este tomo acaba la saga Hombres murciélagos eternos, que paradójicamente es el final de todos ellos. Tynion IV hace de este cierre una maravilla poética donde sientes la marcha de cada uno de ellos. Después de que los hombres murciélago unan sus fuerzas contra Ulysses y la tecnología de Tim del futuro, tienen que redimirse de alguna manera, y aunque parezca que no es posible, la consiguen encontrar. Batman es un gruñón, pero es una gran persona, honesta y de buen corazón y todos sus pupilos saben a ciencia cierta que siempre estará cuando más lo necesiten. Y además no se descarta que acaben volviendo tarde o temprano a la vera del mayor detective del mundo. Un gran final para una etapa irrepetible.

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Las cosas que nos dejan para el futuro son muchas y variadas. Ahora depende de los autores que continúen como las pueden desarrollar, si es que quieren. Y es que el legado de Tynion es muy grande. En primer lugar voy con Batwing que se va a centrar en estudiar la tecnología del futuro del hermano ojo. Eso puede ser un filón impresionante. Podemos hacer que Batman vuelva a enfrentarse contra villanos o alternativos futuros o emplearla en el presente. Puerta abierta. Jean-Paul puede volver cuando quiera. Ya tiene sus propias neuras para dar guerra o ayudar a la causa. Batwoman junto a su padre siempre estará en el filo de la navaja pero luciendo el símbolo del murciélago en su pecho. Maravillosa despedida que seguro que hará que Batwoman sea recurrente en la serie. Seguimos con Tim Drake y Stephanie. Ellos siguen juntos, más unidos que nunca y además con un nuevo propósito. Está claro que Spoiler no es de la cuerda de Batman, pero recurrirá a él cuando sera necesario; y Tim Drake quiere a Batman y quiere seguir su camino aunque por senderos más iluminados. Y por cierto ¿cuantas veces habéis visto a Bruce Wayne sonreír? Además sonreír de felicidad. Pocas, muy pocas. Aquí el autor hace que nuestro héroe sonría y no parezca algo forzado o fuera de lugar. Chapó. Y me dejo para el final a Cassandra Caín, la mejor luchadora de la historia moderna. ¿Y sabéis que? Estará tutelada por Batgirl, o lo que es lo mismo Barbara Gordon en su aprendizaje como mujer y como persona. A todos ellos se les abre unas nuevas puertas como a… Basil. Si, Clayface sigue vivo pero por ahora no se va a mostrar a nadie. Otra puerta abierta para una serie que no sólo cierra tramas de manera sublime, sino que es capaz de dejar abiertas otras de par en par.

Detective Comics Vol 1 980

Ahh y se me olvidaba. Batman en una conversación con Alfred comenta que aún es pronto, pero que llegará el momento en el que Bruce Wayne creará una escuela para jóvenes justicieros. Si ya vimos a Lobezno como profesor ¿porqué no a Batman?

No me canso de repetir que este es el final de una etapa sublime en la historia moderna de Batman. Solo espero que los autores que sigan a Tynion IV sean dignos de su confianza y su legado.

Os veo en 2 meses, en el tomo 13 de Batman Detective Comics.

Os dejo la portada y el enlace al cómic publicado por ECC Ediciones.

Batman detective comics 12

Un saludo y sed felices.

Novedades Medusa Cómics Diciembre 2018

Ya tenemos las novedades del mes de diciembre de Medusa Cómics. Como siempre esta pequeña gran editorial española nos ofrece material selecto.

El pdf después del texto que nos ha facilitado la editorial.

Hay muchos lanzamientos interesantes, pero quiero destacar dos por encima de todo:
-PUNKS NOT DEAD, un cómic del nuevo sello de IDW Black Crown con la antigua editora de Vertigo. Una historia transgresora y macarra con un dibujo espectacular, os recomiendo echarle un vistazo.
Recientemente, en la Comic Con de Nueva York se ha anunciado el lanzamiento del segundo volumen el año que viene.
-4001 AD, es uno de los más grandes e importantes eventos del Universo Valiant. Ambientado en el futuro y protagonizado por Rai, cuenta con un dibujo increíble y guion de Matt Kindt.
Es, sin duda, una de nuestras principales apuestas para Navidad.
A continuación el PDF

Un saludo y sed felices.

Novedades Planeta Cómic Diciembre 2018

Ya tenemos las novedades del mes de diciembre de Planeta Cómic.

A continuación os dejo la nota de prensa con el pdf.

Tras el exitazo salonero, nos encontramos informando sobre las novedades Planeta Cómic para diciembre. La saga estelar más brillante de todo los tiempos sorprenderá con el tercer making of de la trilogía clásica, la adaptación de Los Últimos Jedi y los números regulares de Star Wars y Darth Vader.

Los títulos anglosajones serán potentes: Red Sonja, Paper Girls, Spawn, Paria, Usagi Yojimbo, Garfield…Desde Japón, llegará el cuarto y último compendio de Dragon Ball y más entregas espectaculares de Dragon Quest: Emblem of Roto, Boruto, My Hero Academia, Susurros o Happy!.

La fiesta comiquera continúa ^^

Un saludo y sed felices.

Análisis American Horror Story: Apocalypse. Capítulo 9

Buenos días queridos lectores, y bienvenidos a lo que viene siendo la recta final de esta historia, donde se nos prometía algo que al final ha sido completamente distinto, aunque precisamente esa es la especialidad de AHS. Por otro lado, episodio en el que por fin se nos va dando un contexto de cómo se llegó a la situación de una guerra nuclear. Comencemos.

Sigo bastante sorprendida ante dos sucesos que se repiten una y otra vez, el primero es ver como American Horror Story es capaz de juntar elementos aparentemente imposibles de conciliar, que de hecho quedan bastante ridículos y fantasiosos y que sin embargo consigue de alguna forma funcionar y resultar muy entretenidos. El segundo es mi incredulidad al ver cómo hacen eso, aunque me lo hayan hecho literalmente en cada temporada, y que siempre me de entre una vergüenza espantosa y una curiosidad infinita. En este caso la razón de mi risa fue la mezcla del anticristo, los viajes en el tiempo y los Iluminati, cosa que es simplemente genial.

ahs cordeliamal cosasfelices

De nuevo creo que lo más analizable del capítulo es el personaje de Langdon, que muestra una dualidad entre ser un ser maligno o humano interesante. Realmente no había caído hasta este capítulo en que Langdon realmente tiene la edad mental que le corresponde, la de un niño pequeño, con la ingenuidad y dependencia de una figura que los acompaña. Esto se refleja en la asfixiante admiración que siente el mismo por la Sr. Mead, de la que depende para tomar todas y cada una de las decisiones que le llevarán a lo que parece ser su propósito, la destrucción del mundo. Lo que no sabe Langdon, y es aquí donde entra su ingenuidad, es que después de todo la Sr. Mead se trata de una inteligencia artificial, y como tal puede ser manipulada por cualquier persona que cuente con la tecnología y habilidad informática adecuadas. Así es como destruir el mundo, en el fondo, no se trata de una idea del propio anticristo, sino de gente más inteligente y con más experiencia real a sus espaldas. Y es aquí donde surge la pregunta, ¿somos los seres humanos el propio anticristo? Seres estúpidos, sucios, terribles y carentes de cualquier escrúpulo los que en el fondo manipulamos al mismo mal para que juegue a nuestro favor y bajo nuestras reglas. Al final ha resultado que Langdon no era más que un niño propenso a las pataletas y con bastante mala leche que ha sido usado como un peón.

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Por otro lado, aún quedan cosas por explicar. Si bien nos han confirmado que han sido ni más ni menos los Iluminati aquellos que han provocado la tercera guerra mundial desde la comodidad del poder, y que el cerebro pensante detrás de todo el plan son los informáticos cocainómanos, ¿quiénes son las personas elegidas para repoblar la tierra? ¿Fueron elegidos por que contaban con un corazón oscuro, perfecto para lo que los satánicos querían? ¿Porqué les darían un puesto con tal valor por el hecho de ser quienes son? Esa es una de las preguntas que aún quedan por resolver, así como si que Mallory o Coco fuesen a sobrevivir estuviese planeado por las brujas o fuese cosa del destino.

Por último quería comentar el momento máximo de surrealismo del capítulo, y es cuando en la serie han decidido ponerse las pilas y darnos una lección de historia en la que nada más y nada menos que Anastasia Romanov era una bruja que no se sabe cómo había aprendido a hacer algunos hechizos, supongo que ayudada por Rasputín o algo así. En cualquier caso el plan de las brujas era enviar a Mallory a la noche en la que toda la familia fue asesinada y cambiar lo que pasó para, atención, comprobar si el hechizo funcionaba. De lo que creo que no eran muy conscientes, claro, es de que si llegaban a cambiar lo que les sucedió a los Romanov quizá Langdon ni siquiera hubiese nacido, por ejemplo, porque no es precisamente un hecho con poca trascendencia, pero en fin. Creo que esta vez se han pasado de rosca hasta para AHS.

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En cualquier caso, queda tan sólo un capítulo para el fin de esta temporada y veamos qué sucedió, tanto en el pasado como en el presente. Aquí estaremos listos para comentarlo, ¿vosotros lo leeréis? 

Un saludo y sed felices.

Crítica de Upgrade: Una joya que merece ser vista

¿Que sucedería si mezclasemos Black Mirror con John Wick? Pues obtendremos Upgrade, una película que llegó para sorprender al público. Dirigida por Leigh Whannell, a quien conocemos como Adam en SAW, Upgrade nos cuenta la historia de Grey, un hombre que tras un accidente queda tetrapléjico y se somete a una operación experimental que lo hará volver a caminar y obtener habilidades sobrehumanas para poder buscar venganza por el asesinato de su esposa. Screenshot 6

Empecemos por lo bueno que es bastante. La cinta se desarrolla en un futuro no muy lejano donde se dejo de utilizar el trabajo manual de lo humanos para que todas las actividades de la vida cotidiana sean realizadas por robots. Veremos autos futuristas, drones que ocupan el rol de la patrulla de policía y diferentes implantes robóticos en personas pero por otro lado veremos coches clásicos, viviendas normales o precarias. Todo esto gracias a la gran puesta de arte que cuenta la película, los diseños de la tecnologia, los robots y los automóviles hacen que el mundo en el que viven sean creíbles y no estamos hablando de una superproducción de Hollywood, la cinta solo costó cinco millones de dolares que están bien exprimidos.

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Pero lo que hace resaltar a esta película es su fotografía, estamos hablando de una película que visualmente es una maravilla y no solo por el uso de colores y la iluminación que también es grandiosa sino que los movimiento de cámara y los encuadres crean una experiencia cinematográfica realmente única. Cuando nuestro protagonista, por ejemplo, le cede el control de su cuerpo a Stem, el implante robótico, la cámara toma otra actitud y se centra en puntos fijos haciendo que la cámara también obtenga un movimiento robotico y cuando le devuelve el cuerpo a Grey la cámara toma una actitud mas normal. La relación que tiene la cámara con el protagonista o con el entorno rara vez es aprovechada en las películas y no utilizan los recursos que tiene la cámara para innovar.Screenshot 2

¿Por qué mencioné a John Wick en esta película? Porque vamos a disfrutar secuencias de peleas increíbles al puro estilo de John Wick . La cinta, ademas, tiene pizcas de gore ya que veremos sangre y nada de censura a la hora de mostrar como, por ejemplo, matan a alguien de un tiro a la cabeza y mostrarlo gráficamente algo que sabe hacer muy bien el director.Screenshot 3

En cuanto a las actuaciones veremos varias revelaciones, sobre todo del protagonista Logan Marshall-Green, que interpreta a Grey, que no ha tenido todavía papeles protagonistas destacados siendo un actor poco reconocido en la industria. En esta cinta se nota el trabajo de dirección en actores para preparar el personaje, ya que en la mayor parte del metraje de la película los diálogos van a ser con la inteligencia artificial que tienen dentro suyo. El antagonista, Fisk, es alguien también a quien temer ya que con su locura y poca compacidad con la raza humana hace que sea un personaje bien construido dentro del universo de la película. Aunque el personaje de Eron es bastante patético y sobreactuado.Screenshot 4

Ahora hablemos de lo malo, Upgrade flojea en el guión. Si prestamos atención durante la película ya sabremos como terminará tornándola predecible y poco innovador, aunque con un final que quizás muchos no se lo esperen. Si te gusta Black Mirror por sus historias, Ugrade se podría decir que es un capitulo de una hora y media de la aclamada serie. Screenshot 5

En conclusión, Upgrade es una de la grandes revelaciones del año, sin duda merece ser vista y valorada. Lástima que no tenga repercusion comercial en cines internacionales ya que estamos hablando de una película de bajo presupuesto pero que sabe usar cada centavo. Una joya visual que exprime al máximo todos los recursos audiovisuales para contar una buena historia con un ritmo justo y con pausas bien incluidas. Para mí, una de las mejores películas del año. 

Donald Trump en la cultura popular antes de ser presidente

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Hoy en día, es difícil encontrar a alguien que no conozca al presidente de Estados Unidos Donald Trump. Se trata de una de las figuras políticas más polémicas de los últimos tiempos, que pronto se enfrentará a las elecciones de mitad de mandato, en las que los resultados de la votación para renovar la Cámara de Representantes determinarán el respaldo que tiene del pueblo estadounidense. Hoy le vemos en reuniones con altos mandatarios, dando ruedas de prensa… pero la concepción que el americano medio tenía de Donald Trump en los años ochenta era muy diferente.

Durante esta década, Nueva York empezó a ser conocida como la glamurosa ciudad en la que todos pensamos, dejando atrás un pasado muy reciente de elevada delincuencia e inseguridad. En plena era Reagan, esto propició la creación de un clima de competitividad empresarial, esnobismo y exaltación de una meritocracia más que dudosa. Donald Trump fue uno de los iconos de esta tendencia: exitoso, con una torre bien alta en la Quinta Avenida y autor del bestseller El arte del negocio… no es de extrañar que esta figura excéntrica triunfara en ese entorno.

Muchos creadores, que ni siquiera soñaban con que llegaría a ser presidente, se inspiraron en Trump para crear a sus propios personajes. Y creo que no hará falta decir que no sale muy bien parado…

Regreso al futuro II

Antes de nada, si no has visto esta película, hay spoilers sobre la misma. En cualquier caso, se trata de un clásico del cine de los ochenta, y te recomiendo un visionado… después de la primera, claro.

Tras un viaje de Marty McFly y Doc al futuro en su Delorean volador, se encontraron con un mundo completamente distinto: Biff Tannen, el matón que atormentaba a su padre, se ha convertido en el hombre más rico de su ciudad. No solo la ha convertido en un poblado sin ley, sino que ha demostrado su egolatría al erigir una enorme torre con su cara estampada. Nuestros protagonistas acabarán descubriendo que esto se debe a una estratagema de su yo del futuro, y tendrán que viajar al pasado para remediarlo, pero esto no es lo que nos interesa. Lo realmente relevante es el retrato que hace la película de este despiadado Biff convertido en multimillonario.

biff tannen regreso al futuro ii donald trump las cosas que nos hacen felices

Bob Gale, el guionista del filme, lo reconoció en una reciente entrevista: esta versión del antagonista principal de la saga está basada en el magnate. Pone como ejemplo una escena en la que Tannen imita a su propio retrato. Los responsables de la cinta no mostraron a un millonario cualquiera, sino a un empresario pelirrojo y malhablado con su nombre y su rostro en cada rincón de su casa. Pero no todas las versiones de Trump fueron tan negativas, como veremos a continuación.

Gremlins 2

Gremlins fue un inesperado éxito comercial en su momento, por lo que Warner decidió dar luz verde a una continuación. Una regla no escrita de la cinematografía consiste en que las secuelas deben ser más apabullantes que la película original. El ejemplo quintaesencial es la multitudinaria Aliens frente al terror más sutil de Alien. Al traer de vuelta al mogwai Gizmo y a los malvados gremlins, no cabía la menor duda: había que cambiar de entorno. Por eso decidieron dar el salto a Nueva York, donde estos duendecillos llevarían a cabo sus travesuras. A Joe Dante, el director de esta saga, solo le faltaba una cosa: un buen villano.

Al situar la acción en esta ciudad durante principios de los noventa, un magnate codicioso era la mejor opción. Además, esto permitía el uso de un humor satírico no tan negro como el de su predecesora, pero manteniendo la mala uva que la había caracterizado. Para ello, los responsables de esta cinta decidieron inspirarse en el icono que representaba la Nueva York que querían criticar. Al estrenar la película en cines, los espectadores se encontraron con un ególatra que vendía su propia autobiografía en su edificio. El propio Dante reconoce en quién se basó esta caricatura.

daniel clamp gremlins 2 las cosas que nos hacen felices

Hasta el nombre del ricachón es parecido: Daniel Clamp. Sin embargo, durante el proceso creativo, se convirtió en un personaje muy distinto, más ingenuo y excéntrico que malvado. Este magnate aparece al principio como un tipo irresponsable, pero acaba contribuyendo a derrotar a los gremlins, y los fans de la cinta lo recuerdan con cariño. Esto se debe en parte a la interpretación de John Glover, también conocido por interpretar al padre de Lex Luthor en la serie Smallville. Y, hablando de Lex Luthor…

Donald Trump, némesis de Superman

Antes de que DC Comics reiniciara su universo con Crisis en Tierras Infinitas, Lex Luthor era un científico loco que había perdido su pelo en un accidente de laboratorio y había culpado al Hombre de Acero de ello. Al tomar las riendas del personaje, el brillante guionista y dibujante John Byrne decidió remodelar a este antagonista por completo: todavía conservaba algo de cabello pelirrojo al comienzo de su etapa, el motivo de su odio hacia Superman no era otro que su propio ego… y este Luthor era un intocable empresario de éxito y una celebridad en Metrópolis.

De nuevo, este villano tenía su propia torre y una empresa con su nombre muy presente: LexCorp, que englobaba una serie de negocios muy diversos, y no todos ellos limpios. John Byrne reconoció haberse inspirado en una serie de multimillonarios del momento, entre los que se encuentra el propio Trump y el magnate de los medios Ted Turner. A lo largo de su andadura en las colecciones Superman y Action Comics, y durante muchos años después de su partida, los responsables del Último Hijo de Krypton tuvieron la audacia de mostrar el logo de LexCorp en restaurantes, en centros comerciales… y hasta llegaron a mencionar a la empresa de videojuegos Lextendo.

lex luthor biografia no autorizada donald trump las cosas que nos hacen felices

Las demás similitudes, muchas de ellas involuntarias, merecen ser mencionadas. Por ejemplo, la cubierta de la novela gráfica Lex Luthor: Biografía no autorizada, está claramente basada en la de El arte del negocio, del propio Trump. Esto no es una coincidencia, pero sí lo fue la historia del año 2000 en la que el archienemigo de Superman se convirtió en presidente de los Estados Unidos. Aunque el parecido físico de Luthor con Trump se había diluido con los años, parece que Los Simpson no son los únicos en predecir el futuro.

Conclusión

Aunque solo se han citado algunos de los ejemplos más explícitos, hay muchas obras de ficción que ofrecen similitudes con el actual presidente de la primera potencia mundial. El propio Donald Trump llegó a aparecer como invitado en películas como Zoolander o Solo en casa 2, además de tener su propio programa de televisión El aprendiz. Aunque nos parezca extraño desde una perspectiva europea, figuras como la de este magnate están enquistadas en la cultura de Estados Unidos. Era cuestión de tiempo que uno de ellos llegara a la Casa Blanca.

 

El Jardín de las Palabras, de Makoto Shinkai: si te gustó la película te gustará el libro

No es lo normal pero puede pasar: una película inspira un libro y este resulta ser bueno, entretenido y reflejar exactamente lo que quiere plasmar el lenguaje audiovisual. Con el Jardín de las Palabras, de Makoto Shinkai, podemos hacer una excepción, y es que ser el director ayuda a la ahora escribir sobre aquello que has dirigido.

Un poco de contexto

Antes de empezar: ¿Pero el Jardín de las Palabras no es una película anime? Sí, y muy buena, y la podemos ver en Netflix por cierto. Tiene ese encanto nipón y esa esencia preciosista en los detalles más sencillos, y cuenta una historia simple pero efectiva. Se estrenó en el 2013 y optó a varios premios de aquí y allá, con una buena recepción de la crítica. ¿Y de qué trata? De un adolescente desencantado con el colegio, amante de los días lluviosos y de fabricar zapatos, y que en un jardín hace sus diseños. En el cenador de ese sitio coincide con una misteriosa chica que ahí bebe cerveza y come chocolate, y a lo largo del largometraje vamos descubriendo quién es y vemos como él lidia con el divorcio de sus padres. Y esto mismo nos vamos a encontrar en el libro, pero más desarrollado.

Cuando uno piensa en un manuscrito inspirado en una película piensa en las portadas esas horteras de Hollywood que, a aprovechando un éxito comercial, quieren vender más, aunque sea plasmando la misma historia pero peor en palabras. Y sería normal hasta pensar ¿qué me vas a contar que no me hayas contado antes? ¿No deberías haberlo plasmado en la película o es que no has sabido? Pero esto es diferente, el Jardín de las Palabras es otra cosa. Es tener la misma historia pero ampliada en detalles. La propia imagen principal está extraído del diseño audiovisual, que es cuidado e incluso delicioso. Es perfecto para jóvenes melancólicos que quieren explorar literatura que se adentra en sentimientos y sensaciones enfrentadas de aquellos años del colegio. Y refleja muy bien esa sensación de querer leer esto mientras suenan las gotas sobre el cristal, siendo como el protagonista en un día lluvioso. Recordemos que este director es el responsable del exitazo Your Name, así que esto se le da bien. Es su liga. 

“Entonces a lo mejor nos volvemos a ver. Quizás. Si llueve”

Takao es el protagonista de esta novela, y nos encontramos con más tramas y más personajes, más contexto al principio y más desarrollo de algunas partes, ganando en los puntos fuertes que hicieron hermosa a esta película. Pero puede ser demasiado introspectivo y centrado en los sentimientos, en los detalles bonitos de un Haiku o un Tanka que hacen reflexionar pero quizás quedándose más en lo sensible que en la profundidad. Y ese su gran acierto: reflejar bien la película en palabras, pero tienes que ser el público que le interesa este contenido. Es posible que esté demasiado orientado a público juvenil, no porque no pueda no ser visto por el público más mayor –que lo disfrutará igual-, sino porque parece que hay más prioridad por las formas que pro el fondo. La trama es sencilla y no termina de enganchar, lo que hace que te quedes pasando páginas es el buen gusto de los párrafos, la elección de términos y situaciones que hacen que te adentres bien en sensaciones y sentimientos. Perfecto para iniciar a alguien en la redacción de este tipo de aspectos, o para entender el paso a la madurez desde una perspectiva de esperanza o futuro, no de una época pasada. Y todo eso envuelto de un misterio facilón: ¿quién es esa mujer con la que habla tanto en el cenador? Un enigma simple pero efectivo.

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Planeta Cómic ha acertado haciéndose con los derechos de este formato, plasmándolo con el mismo encanto que la película. 22 euros por casi 400 páginas bien tratadas parece un buen acierto. Muy recomendable este Jardín de las Palabras de Makoto Shinkai, pero recuerda que es importante saber a qué vas antes leer. Si lo sabes acertarás seguro y disfrutarás.

Crítica de la tercera temporada de Shingeki No Kyojin (Ataque a los titanes): Arco de la Insurrección

El pasado mes de agosto llegó a manos de Wit Studio la nueva entrega del anime Shingeki No Kyojinconocido en España como Ataque a los Titanes— y que se ha podido ver en nuestro país a través del simulcast ofrecido por la plataforma mtmad.es. En este arco conocido como el de la Insurrección, por fin, después de 37 episodios cada vez más agonizantes en busca de respuestas, las tenemos. Respuestas que no hacen más que generar más preguntas, sí. Pero al fin y al cabo son respuestas que empiezan a orientar el curso de una trama que por el momento estaba siguiendo un camino un poco disperso

Por un lado, teníamos al joven Eren obsesionado con acabar con todos los titanes, algo que nos había repetido una y otra vez por si no nos había quedado claro, después de ver como estos habían destrozado la paz de su entorno y la vida de su madre. En estos últimos capítulos que nos ha brindado la nueva temporada, por suerte se ve reflejado que nuestro protagonista ha madurado y ya no es aquel niñato al que acompañamos en los primeros compases de la historia (desde aquí le agradezco que no se haya pasado una temporada más gritando). Ahora, gracias a su nueva habilidad puede aportar algo mucho más útil a la humanidad que no solo esas ganas de querer ir a matar y matar hasta acabar con todos. Por otro lado, teníamos la llave del sótano y la identidad del misterioso Titán Bestia que parecía ser uno de los elementos responsables de todo, entre entre otros misterios por resolver. ¿Hemos descubierto que hay en el sótano? No. ¿Sabemos ya quien es el titán peludo? Tampoco. Pero es de agradecer que en esta temporada se nos demuestre que cosas como estas no se han quedado en el olvido mientras vamos descubriendo quien es en realidad Historia, como consiguió sus poderes Eren, así como el secreto de los Ackerman y el pasado de algunos personajes importantes, lo que agranda la perspectiva que tenemos sobre el mundo de Shingeki No Kyojin.

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En este nuevo arco, por primera vez en toda la serie, la amenaza no proviene del exterior. La legión de exploración deberá enfrentarse al cuerpo de la muralla interior: la Policia Militar, la cual busca hacerse con Eren e Historia por ciertos motivos que desconocemos. Esto es una de las cosas que hace que esta temporada sea más interesante que las anteriores  porque nos permite ver lo bien que se adapta la historia en una situación en la que el eje central de la trama -los titanes- no es el plato fuerte. La Insurrección nos ha demostrado que la obra de Hajime Isayama no es solo dolor, miedo y supervivencia. Shingeki No Kyojin también también es política, conspiración y a saber que otras cosas se está reservando.

Una de las cosas más criticadas en esta última temporada es la cantidad de escenas omitidas o modificadas en respecto al manga. No sé si esos cambios eran necesarios o no, pero hay que tener en cuenta que el escritor y dibujante de la historia original, ha tenido un papel importante en la producción de este arco. Él mismo decidió hacerlo con el fin de mejorar el desarrollo de esta parte. Independientemente de esto, como no-lector del manga que soy, lo único que puedo decir es que en general me parece que ha tenido un desarrollo magnífico. Los flashbacks considero que están bien colocados y se justifica correctamente el porqué nos enseñan estos hechos en este momento y no en otro. En cuanto a la dirección, la animación y, como no, la banda sonora, como cabía esperar después de lo visto en las temporadas anteriores, te entran por la vista y los oídos y te llenan el cuerpo de tensión y emoción.

Lo peor de esta tercera parte ha sido el corte que nos han metido. Se suponía que esta temporada tenía que tener el mismo número de capítulos que la primera, unos 24. Pero, una vez finalizado este arco, se ha decidido hacer un parón hasta abril del año que viene en lugar de introducir la que es, por lo que tengo entendido, una de las mejores partes de la historia. Los que aún no nos hemos pasado al manga debemos tener en cuenta que si pudimos aguantar tres años para ver la segunda temporada, seis meses para lo que está a punto de llegar no es nada. ¡Que empiece la operación de reconquista de la Muralla María!

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Crítica de Bitelchús: el filme de Burton cumple 30 años

Bitelchús vuelve a estrenarse en los cines españoles para conmemorar su 30 cumpleaños. El segundo largometraje de Tim Burton muestra todo su potencial como autor ya que en este filme se aprecian las claves de su cine y los rasgos que irán apareciendo a lo largo de su filmografía. Bitelchús, supuso un antes y un después en su carrera como director, las compañías descubrieron que podían apostar por su excentricidad sin miedo a unos resultados cuestionables en taquilla. El filme, que se realizó por alrededor de unos 15 millones de dólares, consiguió recaudar más de 73 millones, unos resultados que impulsaron la carrera de Burton.

Detrás de este filme se esconde una historia fascinante sobre su realización. Bitelchús podría haber sido una obra completamente diferente. Cuando Burton recibió el guion, este era muy distinto al plasmado finalmente en la película, Bitelchús era un personaje más violento y se adoptaba una perspectiva mucho más oscura. Además, Keaton no era la primera opción para interpretar al bioexorcista. La verdad es que ahora no se puede imaginar esta película de otro modo, a pesar de que el repertorio de Burton haya decaído, en cuanto a calidad se refiere, en los últimos años, este filme demuestra lo mágico que era su cine.

Tim Burton le da un giro a la típica historia de la casa encantada, esta vez son los fantasmas los que intentan deshacerse de los humanos. Cuando el matrimonio de los Maitland muere de forma repentina, vuelven a casa sin darse cuenta de la tragedia, es más tarde, al descubrir un libro para los recientemente fallecidos, cuando comprenden su situación. A partir de aquí, se darán cuenta de que la muerte no resuelve todos los problemas, deberán enfrentarse a los Deetz, una familia caracterizada por las personalidades opuestas de sus miembros.

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El elenco de actores es uno de los aspectos más acertados del filme. En primer lugar, destaca Keaton como Bitelchús, el bioexorcista al que recurre el matrimonio de los Maitland cuando las cosas se ponen feas. A pesar de no aparecer mucho en el largometraje (Keaton rodó todas sus escenas en dos semanas) siempre consigue atraer la atención de los espectadores en los momentos en los que está en escena. Ahora Keaton ha conseguido obtener una muy buena reputación con filmes como Birdman o Spotlight, pero por aquel entonces nadie creía demasiado en él. Sin duda, su interpretación alocada de fantasma es una de las más icónicas de su carrera. También es fascinante el trabajo de Winona Ryder que se convirtió, gracias a su interpretación de Lydia Deetz, en un icono juvenil. El resto de actores también es magnífico: Davis y Baldwin como el matrimonio inocente que no pueden ahuyentar a los humanos; Chatherine O’Hara y Jeffrey Jones como el matrimonio con personalidades opuestas empeñado en molestar a los Maitland.

Si algo destaca del filme es la originalidad que despliega, sin duda alguna, Bitelchús es especial. Es una mezcla de géneros donde se muestra la comedia, a veces negra, lo sobrenatural y el terror, todo desde un enfoque familiar y cercano. Burton crea un nuevo universo con reglas sencillas, no tiene necesidad de dar demasiadas explicaciones, el espectador no tiene ningún problema en aceptar esta nueva realidad. Cabe mencionar todo el diseño de personajes que se lleva a cabo cuando se nos traslada al mundo de los muertos, como la película explica, la muerte es muy personal y cada persona ve afectado su físico de forma diferente por ella. En esas escenas donde la influencia del expresionismo alemán es latente, especialmente los pasillos en blanco y negro, los niveles de creatividad alcanzan su punto álgido.

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Como comentaba antes, se ven en Bitelchús muchas claves del cine de Burton. En primer lugar, están presentes los personajes excéntricos, no aceptados por el resto de la sociedad. En este sentido Lydia es la más parecida al director que en más de una ocasión ha comentado cómo muchos personajes comparten sus rasgos de personalidad. Por otro lado, Bitelchús también entra en este grupo de personas, no fue aceptado cuando estaba vivo y en el mundo de los muertos es también rechazado.

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Se hace uso de la estética gótica que tan presente está en otras películas del director. Especialmente destaca el contraste visual entre los dos mundos: el de los vivos y el de los muertos. Al principio de la película la casa de los Maitland y el pueblo donde viven rebosa luz, una vez muertos todo se vuelve ligeramente más oscuro, especialmente cuando la familia de Lydia se muda. El exterior de la casa invita a entrar por su luz y color blanco, pero el interior es muy oscuro.

En conclusión, Bitelchús está ligada a la infancia de muchísimas personas, además es uno de los filmes de Burton más inspirados con grandes interpretaciones, buena dirección, una banda sonora de Elfman excelente y un guion muy original. Con Bitelchús se aprende a aceptar la muerte debido al enfoque que se le da: aquí no es lo peor que le puede pasar a alguien, representa un nuevo capítulo de la vida.

Análisis de Doctor Who: Temporada 11. Capítulo 5: El Enigma de Tsuranga

Volvemos otra semana más con nuestro capítulo de Doctor Who, esta vez llegando a la mitad de la temporada con el capítulo 5. Este capítulo ha resultado ser bastante entretenido y el primero de la temporada en el que El Equipo Tardis viaja al futuro. Hemos tenido hombres embarazados, monstruos adorables y épica espacial, así que si aún no has visto el capítulo, ya estás tardando.

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El siguiente artículo está lleno de SPOILERS, doy por hecho que habéis visto el capítulo o que no os importan que os destripen el capítulo.

Este capítulo vuelve a estar escritor por el showrunner de la serie, Chris Chibnall y dirigido por la directora Jennifer Perrot (The Raven).  Entre los actores invitados tenemos a Ben Bailey Smith, rapero conocido por Doc Brown, y que interpreta a Durkas Cicero, a Lois Chimimba en el papel de Mabli, Brett Goldstein como Astos, Suzanne Packer (Casualty) caracterizando a la general Eve Cicero y a David Shields como el androide Ronan.

El Enigma de Tsuranga

El capítulo comienza con la Doctor y sus companion en un planeta chatarra llamado Seffilym 27, o al menos eso cree la Doctor. En la conversación se refieren a que entre los capítulos pasados y este hay un vacío que no nos cuentan, algo que me gusta pensar que será aprovechado para un futuro en el universo expandido. Durante horas buscan algo que no nos cuentan con la ayuda de unos detectores especialmente calculados para buscar «eso», pero sin tener suerte. Es como buscar una aguja en un pajar y los ánimos caen hasta que Graham parece encontrar algo. Pero en cambio de lo que estaban buscando, encuentran una bomba sónica que estaba camuflada y que ha sido detonada con su presencia, por lo que comienza la cuenta atrás. La Doctor intenta parar la bomba con el destornillador sónico, pero es inútil. La bomba explota y todos despiertan en un hospital futurista. La Doctor es la última es despertar y es analizada por Astos y Mabli, dos enfermeros que han usado tecnología futurista para salvarles la vida después de que encontrar su señal.

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La Doctor quiere marcharse a pesar de que no recibir el alta médica y se encuentra dolorida. Ha perdido la TARDIS, su hogar, solo tiempo después de haberla recuperado. Buscando la salida encuentran a la general Eve Cicero, a su hermano Durkas y al androide Ronan. La Doctor reconoce a la general como una leyenda y nos hablan por primera vez del libro de celebrantes, lo que parece ser una especie de enciclopedia intergaláctica, en la que por supuesto aparece la Doctor, y varias veces. Me despierta mucha curiosidad este libro y espero que lo podamos ver en un futuro, parece un elemento que introduce Chibnall en el lore de esta temporada que usará en un futuro. A continuación de esto e intentando encontrar la salida de nuevo conocen a Yoss, un peculiar personaje que aunque tiene forma humana proviene de Gifftan. Yoss se encuentra embarazado a pesar de ser un hombre, y además de solo una semana a pesar de estar a punto de dar a luz.

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La Doctor descubre que no se encuentra en un planeta, sino en una nave de rescate, por lo que esto dificulta bastante el escapar y aunque los médicos los dejaran en el planeta Resus 1, esto no tranquiliza a una Doctor que ha vuelto a perder su nave. Además, la ruta de la nave de rescate está bloqueada y no es posible cambiarla sin que esto sea considerado un ataque hostil y sea detonada. El trayecto que realiza la nave está en la frontera de una zona en disputa, pero les resulta extraño la cantidad de objetos que ven en el radar, hasta el punto de darse cuenta de algo se dirige rápidamente hacia la nave, hasta el punto de golpearla y romper el escudo. Lo que sea que ha entrado en la nave está en la zona de cápsulas, por lo que Astos y la Doctor se dirigen a inspeccionarlo por separado y sin contar con el resto de la tripulación para no que no cunda el pánico, algo que parece obsesionar a Astos. Cuando Astos llega a la cápsula entra, esta se desacopla y es expulsada al espacio sin remedio debido a que los controles están averiados debido a lo que sea que ha entrado en la nave, por lo que Astos muere sin ningún sentido y sin nada de épica en los primeros 15 minutos del capítulo, aunque hablaré de esto más adelante. Cuando la Doctor llega descubre el causante de todos los problemas: un pequeño alien rechoncho, aunque según nos advierten, bastante peligroso a pesar de su aspecto. Este bichín puede sobrevivir en el vacío y parece que puede alimentarse de cualquier cosa, llegando incluso a tragarse el destornillador sónico cuando la Doctor se acerca a inspeccionarlo. Una vez que este escapa, Mabli busca en la base de datos sobre este particular enemigo y se conoce con el nombre de Pting, estando en un nivel alto de amenaza, es indestructible y como pensamos puede comer cualquier material no orgánico, lo que dificulta su estudio. A pesar de no ser un animal carnívoro si no le detienen se comerá toda la nave si no logran detener esta grave amenaza.doctor who capi 5

El noveno pasajero

En el capítulo de esta semana está ubicado en el futuro por primera vez en esta temporada, concretamente si no recuerdo mal por el siglo 60 aproximadamente. Aunque me ha gustado este capítulo, creo que resulta bastante entretenido sin ser un imprescindible. Es la típica historia de una nave espacial que recibe la visita de un enemigo hostil, algo nada original. No me quiero repetir comentando lo mismo cada semana pero creo que volvemos a tener otro capítulo más en el que el guión es pobre pero los personajes secundarios y la interacción entre ellos es lo realmente interesante del capítulo. Creo que Chibnall como guionista deja mucho que desear en cuanto a tramas, pero es un gran constructor de personajes. Tengo muchas de ver que nos depara esta segunda mitad de la temporada, de la que 4 capítulos estará escrito por guionistas invitados, creo que le hará muy bien a la serie.

Esta vez el monstruo no me ha disgustado, aunque algunos criticaran que esta adorable criatura está diseñada para vender merchandising. Yo no criticaré esto, al final es una empresa y me parece lógico que busque beneficio mientras no suponga algo negativo para la serie. El diseño de la criatura no es demasiado elaborado y recuerdan a los adiposos que vimos por primera vez en la temporada 4. Más interesante me parecen sus características y aunque no creo que lo volvamos a ver en un futuro cercano, me ha gustado que la amenaza venga de un algo adorable pero indestructible, así como su ejecución y su constante sensación de peligro durante toda el capítulo sin causar miedo.

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Como he dicho anteriormente, lo que más me ha gustado del capítulo han sido las relaciones de los personajes y como poco a poco sabemos cada vez más sobre la naturaleza de los companion, dando pinceladas cada capítulo. Hemos visto como Ryan se preocupa por el futuro hijo de Yoss, y que este se haga cargo de él, no como su padre. Creo que próximamente conoceremos más sobre el padre de Ryan y que tendrá más protagonismo del que podemos pensar en un principio. El resto de personajes secundarios me han parecido buenos, sobre todo la General Cicero y Astos. Que casualmente son los personajes que mueren, aunque en el caso de Astos vemos como de nuevo desaprovechan un personaje interesante matándolo en los primeros quince minutos de manera absurda y sin sentido. Otra muerte mal ejecutada que vemos en esta temporada como en el caso de Grace. 

Bueno, hasta aquí mi análisis del capítulo, espero que os haya gustado y comentéis vuestra opinión. Nos vemos en el siguiente capítulo, en el que Doctor Who nos llevará a la India de 1947. Este capítulo estará escrito por Vinay Patel, un director indio conocido por la serie No, You´d Better Watch Out. Tengo grandes esperanzas en este capítulo, sobre todo en lo que puede suponer para Yass.

Sed felices.

Reseña de Hungry Ghosts. Recetas de miedo y manjares, servidas por Anthony Bourman y Joel Rose

Un precioso, cautivador y […] espeluznante volumen basado en las mitologías japonesas de yōkai, yūrei  y obake que combina un aterrador suspense con una fascinante intriga culinaria.

Entertainment Weekly

Introducción

Estamos en Halloween y no todo van a ser películas o vídeos musicales. También, en el Noveno Arte, hay productos idóneos para leer en estas fechas. Tal es el caso del material del que voy a hablarte. 

En octubre de 2018, Medusa Cómics publicó Hungry Ghosts. Tomo que recopila los cuatro números de la serie limitada Anthony Boudain´s Hungry Ghosts, publicada en USA por Dark Horse Comics. Dicha serie limitada consiste  en relatos de terror en la línea de clásicos como de Historias de la Cripta, House of Mystery o American Horror Story.

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Los autores de Hungry Ghosts

Hungry Ghosts es obra del prestigioso autor y veterano chef Anthony Boudain (Kitchen Confidential y presentador del programa Parts Unknown) junto a su amigo, el aclamado novelista Joel Rose (Kill Kill Faster Faster). Ambos entraron en el mundo del cómic a través de una novela gráfica para el sello Vertigo de DC Comics, cuya temática giraba en torno a la comida. El título de la misma era Get Jiro! y su éxito fue inmediato.

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Tras la buena experiencia que les supuso a los dos Get Jiro!, decidieron lanzarse a un nuevo proyecto para Dark HorseHungry Ghosts.

Actualización del mito Hyakumonogatari Kaidankai

El Hyakumonogatari Kaidankai (las cien velas), es un juego japonés del período Edo (siglo XVI), practicado por los samuráis para demostrar su valía. Se jugaba por la noche en un círculo. Al lado del mismo había una habitación con cien velas. Cada uno de los participantes contaban una historia de terror. Al finalizar la misma, el narrador se levantaba a la sala de las velas, apagaba una y se miraba en un espejo para comprobar que no había sido poseído durante la narración. Con cada relato la habitación se volvía más oscura y las historias se recrudecían, hasta llegar a 101, momento en que se abandonaba el juego, para no provocar la ira de los espíritus que habían invocado en sus narraciones.

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Boudain y Rose llevan el juego a nuestro tiempo a su peculiar manera. Con un grupo de chefs que, a petición de un excéntrico patrón de dudosa reputación, se reúnen en la misma habitación en el que le han servido la cena para jugar al Hyakumonogatari Kaidankai.

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Este será el punto de partida de una serie de estremecedores relatos de terror y comida, con la incógnita de si sobrevivirán o no al final del juego.

Valoración personal

En este tomo se relatan historias clásicas de terror en torno al amor, el erotismo y la glotonería, que terminan con una venganza sobrenatural. Son historias de terror, principalmente arraigadas en el folklore japonés, que incluyen yūrei (fantasmas), yōkai (apariciones, espíritus y demonios) o reikon (criaturas que surgen del interior de los difuntos).

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Todas ellas están magníficamente ilustradas, por autores de la talla de Sebastian CabrolSal Cipriano, Vanesa Del Rey, Francesco Francavilla, Irene Koh, Leonardo Manco, Alberto Ponticelli, Paul Pope, Mateus Santolouco y José Villarubia.

Ha eso hay que unirle el intenso trabajo de documentación, por parte de Boudain y Rose, a través de obras como Kwaidan: Japanese Ghost Stories; Apparitions, Ghosts of Old Edo; Relatos japoneses de misterio e imaginación; Tales of Old Japan, Folklore, Fairy Tales, Ghost Stories and Legends of the Samurai; The Book of Yokai y Japanese Tales from Times Past.

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Además la edición española incluye recetas inéditas de Boudain y una especie de guía ilustrada de los seres sobrenaturales que se encuentran en las historias de este tomo.

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Por todo lo mencionado se puede decir que Hungry Ghosts es una lectura más que recomendable para Halloween.

Espero que te haya gustado este post. Si es así, ¡comenta y comparte! ¡Muchas Gracias!

 

 

 

Análisis de la serie Ash vs Evil Dead

Saludos a todo el mundo. Toda vez que la serie Ash vs Evil Dead llegó a su tercera y última temporada (lo cual es una lástima porque la serie molaba cantidad), es el momento de hacer una valoración sobre la misma. No obstante, y antes de meterme en faena, os voy a dejar aquí los dos análisis que hice sobre el universo que nos deja la marca Evil Dead, que empezó como una simple película hace algunas décadas, y ha dejado un legado de 3 películas, una serie, cómics, videojuegos, y hasta un musical.

Un acercamiento al fantástico universo de Evil Dead: Parte 1 de 2.

Un acercamiento al fantástico universo de Evil Dead: Parte 2 de 2.

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A dar caña chicos.

¿Qué ha supuesto la serie de Ash vs Evil Dead? En primer lugar, un gran placer para aquellas personas que disfrutamos con la trilogía cinematográfica de Evil Dead, y queríamos saber más de las andanzas del amigo Ash Williams. Porque precisamente esta serie se ubicaba temporalmente algunas décadas después de El ejército de las tinieblas, que fue la última película de la saga. Esto es, supone una continuación de la historia de Ash. Y la mejor baza para continuar eso era contar con el gran Bruce Campbell interpretando nuevamente a Ash. Porque Bruce tiene chispa, mucho carisma, es de esos actores cuya carrera habrá tenido más fracasos y productos discretos que pelotazos, pero no será porque el tipo no se haga notar y le de caché a cualquier historia donde aparezca.

Si además de lo anterior sumamos en la parcela técnica a muchas de las personas que crearon la trilogía de Evil Dead, como Sam Raimi, su hermano Ivan, o el compositor Joseph LoDuca, el barco navega por aguas plácidas. Claro que entended por plácido el que la serie de Ash vs Evil Dead ofrezca todo lo que un fan puede esperar de estas producciones, esto es…sangre a borbotones, gore, posesiones demoníacas, demonios, libros malignos, humor negro, situaciones de lo más surrealistas y delirantes, chascarrillos a tutiplén, y otras muchas cosas que conforman un apetecible cóctel.

Con un bagaje final de 3 temporadas y 30 episodios en total, hemos podido acompañar a Ash, también conocido en su pueblo como Ash el tajos, en todo tipo de situaciones. Le hemos visto convocando a las fuerzas del mal tras fumarse un poco de hierba y leerle poesía a una chica, también hemos podido observar cómo se prepara para una noche de ligue en la que de 10 minutos le sobran 9 para dárselo todo a una mujer. Ha habido posesiones automovilísticas, bebés caníbales, caballeros de una orden religiosa, y muchas otras cosas. Pero también hemos contemplado cómo Ash ha empezado a tener compañía en sus aventuras, ya que Pablo, su compañero de trabajo, y Kelly, otra chica que también trabaja en la misma tienda que los otros dos, han ido afianzando sus lazos, unidos por la muerte y la desgracia, pero también por su talento innato para acabar con los demonios.

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¡Ven con papá!

Precisamente uno de los personajes que más ha evolucionado desde el inicio ha sido Pablo, que pasó de ser un simple mindundi que llamaba a Ash «el jefe», a revelarse como un poderoso brujo para combatir el mal, ya que su tío también era brujo y encontró en él la prolongación de ese oficio en su linaje. Y aunque ya aparentaba ser una chica salvaje, Kelly también se va convirtiendo en una auténtica guerrera para combatir el mal. No olvidemos que, cerrando el cotarro en el tema actoral, durante las 3 temporadas de la serie ha estado la actriz Lucy Lawless (más conocida por ser la mítica Xena), que ha ido teniendo un papel de aliada o enemiga de los protagonistas según la temporada.

Y siguiendo con lo que hemos visto, en esta serie hemos podido conocer los orígenes de Ash, ya que las temporadas 2 y 3 están ambientadas en Elk Grove, la localidad donde nació y se crió. Allí conoceremos al padre de éste, a la hija de cuya existencia no supo hasta que se la revelan, y también a algunas de las personas que años atrás estuvieron en la vida de Ash. Al principio nuestro antihéroe será todo un apestado en Elk Grove por ser considerado un asesino que se inventó el rollo demoníaco para matar gente, y terminará siendo el héroe de todos cuando el mal llegue al pueblo y amenace la vida de todo el mundo.

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¿Y nos cancelan la serie ahora que estaba listo de nuevo?

En definitiva, Ash vs Evil Dead es una serie que ha ofrecido todo cuanto los seguidores de este universo esperábamos e incluso más. Es una auténtica pena que no vayamos a ver más episodios, en especial cuando la tercera temporada acaba con una escena ambientada en un futuro apocalíptico, con un aire a lo Mad Max pero en clave demoníaca, y que podría haber dado mucho juego. Así que al margen de este final abierto, os animo a ver la serie, al ser en formato sitcom los episodios no son muy largos, pero sí merecen y mucho la pena.

Con esto me despido. Para quienes hayáis visto la serie, ¿qué os ha parecido?

Cóndor: Una mediocre propuesta de espías que no hace justicia al material original

Recientemente en Calle 13 ha concluido la emisión de la serie Cóndor, adaptación televisiva de la novela «Los seis días del Cóndor» (James Grady, 1974), que tuvo su correspondiente adaptación cinematográfica, «Los tres días del Cóndor» (Sydney Pollack, 1975), magnífica película protagonizada por Robert Redford y Faye Dunaway.

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Bienvenidos al espionaje del siglo XXI.

Del material original poco o nada queda cuando trasladas la historia cincuenta años más tarde con los cambios tecnológicos que conlleva y que enriquece el aparato de todo espionaje, móviles, drones, etc. Adiós a la privacidad. Así, esta serie está más cerca de clásicos contemporáneos como Enemigo Público (Tony Scott, 1998), Juego de Espías (Tony Scott, 2001) o Red de Mentiras (Ridley Scott, 2008) que de la obra que adapta.

Si a lo anteriormente expuesto sumas el terrorismo islámico (muy tristemente imperante en toda ficcion americana de espías que se precie) y las armas biológicas, poco o nada queda del material a adaptar, por lo que todo parecido con lo original que adaptas, hagánme caso, es pura coincidencia.

El casting, el dichoso casting.

Si antes en el apartado anterior he podido ser sutilmente negativo, aquí ya es que no hay sutilezas. En un casting en el que encontramos nombres de la talla de Mira Sorvino (que alegría volver a verla tras el escándalo Weinstein), Brendan Fraser (recuperado en la muy recomendable serie Trust) o William Hurt que brilla especialmente como secundario, nos ponen tres actores jóvenes de protagonistas que chirrían y no acaban de dar la talla. Hablamos de Max Irons (Joe Turner), Catherine Cunningham (Kathy Hale, la joven secuestrada por Joe) y Leem Lubany (la asesina que en la película de 1975 el papel lo interpretaba Max Von Sydow). Son estos tres los que más minutos ocupan en pantalla y las interpretaciones, sobre todo la de los dos primeros, resultan muy flojas. Y es una verdadera lástima con el magnífico plantel de secundarios que había detrás.

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El reparto de Cóndor

La misma historia de siempre pero peor contada.

Joe Turner es un joven analista de la CIA que se salva de un ataque mortal en una oficina secreta de la agencia. El ataque está relacionado con un algoritmo que el creó y que sirvió para evitar un ataque terrorista. Obviamente el ataque ha sido perpetrado por alguien de dentro por lo que nada es lo que parece. Nuestro protagonista se ve obligado a huir y esconderse en la casa de Kathy Hale, una joven a la que conoció la noche antes. Esta es la parte más parecida con respecto al material original. Los primeros capítulos llegan a ser monótonos y en momentos aburridos con Turner y Hale escondidos. Esto es debido al poco carisma que desprenden ambos actores. No obstante la serie se torna más interesante a partir del sexto capítulo superado el ecuador y es que el juego del gato y del ratón que hay entre Turner y la asesina hace más dinámico el desarrollo de los capítulos. También hay una serie de subtramas ligadas a la principal que enriquecen de cierta forma la historia. Por un lado tenemos a William Hurt que trata de mantener a Joe con vida mientras por otra parte investiga un posible atentado a gran escala en Arabia Saudí que tendría lugar mientras se celebra el Hajj (la peregrinación de los fieles musulmanes a La Meca en Arabia Saudí). En definitiva una amalgama de red de espionajes con poca emoción ya que todo suena a muy visto, abundando en demasía los típicos clichés del género.

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La agente especial Sharla Shepard, el mejor personaje de la serie.

Conclusión.

Cóndor es una adaptación que no mejora el original de Pollack como habréis podido comprobar. Tampoco sobresale en un año en el que hemos podido ver dos grandes series del género de espías como son Jack Ryan y Bodyguard, ambas muy por encima de la que hoy hablamos. Las citadas series tienen personajes bien trabajados a niveles interpretativos y de guion, algo de lo que adolece Cóndor. Otro factor que juega en contra de Cóndor es la duración. 10 episodios que bien podrían haber sido reducidos perfectamente a seis y es que la primera parte de la historia se torna muy fría y aburrida. No obstante la serie ha sido recompensada con una segunda temporada. En un panorama televisivo tan saturado de series, Cóndor queda lejos de ser una de las que yo recomendaría. Puedes disfrutar (o no) de la serie en el servicio Bajo Demanda que Calle 13 tiene en las principales plataformas de pago.

Un saludo y sed felices.