El sargento York podría resumirse, tal cual decimos en el titulo, como una vida tormentosa enderezada por la fe y la guerra. Esa vida sería la de una persona que existió en realidad, la de Alvin C. York, un campesino que, como nos muestra la película, pasará de una vida de meterse en problemas en su Tennessee natal a ser un soldado destacado en la Primera Guerra Mundial.
Qué nos cuenta El Sargento York
La película sigue las aventuras de Alvin, un campesino aficionado a las peleas y demás líos. Tras experimentar una profunda conversión religiosa, se compromete al no uso de la violencia y a seguir sus principios cristianos. Pero todo ello dará un vuelco cuando Estados Unidos entre en la Primera Guerra Mundial y sea llamado a filas. Ahí tendrá el dilema entre hacer caso a sus nuevas convicciones personales o defender a su país.
Aspectos que la hacen digna de aparecer en nuestra sección
No son pocos los puntos que la vuelven merecedora de estar en esta sección de nuestra página web. Uno de ellos es la forma en que narrativamente se nos muestra el cambio o evolución psicológica del personaje. Al principio de la película vemos a York como un personaje con carácter polémico, difícil, metido en múltiples líos personales y preocupado solo de sus intereses.
El cambio que experimenta al conocer la religión le hará cuestionar todo lo que creía anteriormente. Aunque pueda parecer que ocurre de una forma repentina, la película consigue resultarnos creíble y que, a través de la más que brillante interpretación de Gary Cooper, acompañemos a Alvin a lo largo de los acontecimientos de su vida.
En el segundo acto, esas creencias religiosas le harán en principio enfrentarse a la institución militar de su país y le pondrán ante el dilema de hacer caso a lo que sus principios le dictan (no matar a un solo hombre) o defender su nación al entrar esta en la Primera Guerra Mundial. La forma en que Howard Hawks nos muestra este dilema es a través de conversaciones con sus superiores militares, en las cuales tratan de convencerle de que debe cumplir con su deber mientras él, con sus reflexiones personales, trata de buscar un punto medio donde estar de acuerdo.
Evidentemente, la interpretación de Gary Cooper es sin duda uno de los motivos que explican el éxito de esta producción. Consigue con su actuación que el espectador comprenda sus dudas, su forma de pensar, sus razones para ser cómo es. Puede que en principio no nos cause Alvin simpatía con ello, pero con el correr de la película nuestro cariño por él va en aumento.
Al final, su forma de darle dimensión al personaje le convierte en un héroe muy cercano, en las antípodas del típico y casi invencible que el cine americano nos ha mostrado siempre. Esa sencillez le hizo a Cooper valedor de un premio de la Academia a mejor actor por esta interpretación.
La dirección de Howard Hawks es otro de los elementos a destacar. Aunque nos pueda parecer que la puesta en escena es un tanto simplista o sencilla, en cuanto nuestro protagonista deja atrás su Tennessee natal y la acción se traslada a las trincheras de la Primera Guerra Mundial, Hawks desarrolla una forma de filmación espectacular para la época en que se rodó. Hace uso de las escenas bélicas, muy intensas y grandilocuentes, pero sin caer por ello en convertir a la guerra en un espectáculo permanente.
Las escenas de acción están al servicio de la historia y del desarrollo del personaje. Los momentos donde este entra en acción no son vistas solo como actos de valentía, sino que también representan el final de un proceso de conflicto moral. Esto ayuda a que la película, en realidad, se centre más en el propio dilema que tiene Alvin que en la heroicidad de sus actos.
El aspecto técnico también merece mención. Al pertenecer al llamado «cine clásico», el filme recurre a una fotografía en blanco y negro que utiliza muy bien los contrastes para diferenciar la parte centrada en la vida tranquila de Alvin York en el ámbito rural de aquella que, en cambio, tiene que ver con la crudeza del campo de batalla europeo. La música, de manera discreta, acompaña en los momentos emotivos de las diferentes escenas y el montaje mantiene un ritmo equilibrado para que el espectador pueda distinguir tanto la evolución personal del protagonista como el contexto global en que se desarrolla la historia.
A quién le podemos recomendar El Sargento York
En resumen, nos encontramos ante una gran película de Howard Hawks, director dotado con el don (compartido por algunos de sus coetáneos) de sumergirse en diferentes géneros cinematográficos y salir airoso de cada uno de ellos para entregarnos autenticas joyas del séptimo arte. Perfecta para fans del cine clásico como para seguidores del gran realizador nacido en Goshen (Indiana) y, cómo no, para quienes quieran descubrir el cine que representó mejor que ningún otro el del Hollywood de la época dorada.
Os dejamos otro artículo sobre más cine de Howard Hawks. AQUÍ.
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Usagi Yojimbo Hielo y nieve. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
Stan Sakai demuestra que sigue siendo un maestro. Hay autores que necesitan reinventarse cada dos años para seguir llamando la atención. Y luego está Stan Sakai.
El hombre lleva más de cuarenta años contando las aventuras de un conejo samurái… y sigue siendo capaz de dejarte con una sonrisa al cerrar el cómic. Eso tiene mucho mérito.
Porque Usagi Yojimbo Hielo y nieve no intenta revolucionar la serie. Ni falta que le hace. Lo que hace es recordarnos por qué esta colección es uno de los grandes clásicos del cómic mundial. Norma Editorial publica ahora esta nueva aventura de Miyamoto Usagi, un volumen en el que la nieve, el honor y las conspiraciones vuelven a cruzarse en el camino del ronin más famoso del noveno arte.
Lo mejor de Usagi Yojimbo es que nunca necesita contar historias grandilocuentes. Mientras otros cómics intentan impresionarte con universos infinitos, amenazas cósmicas o héroes capaces de destruir planetas de un estornudo, Sakai sigue apostando por algo mucho más difícil, contar buenas historias. Y vaya si las cuenta.
Cada viaje de Usagi parece sencillo. Un encargo, una aldea perdida, una tormenta o un encuentro inesperado. Pero siempre termina hablando de amistad, lealtad, sacrificio o justicia sin dar la sensación de estar soltándote un discurso. Todo fluye con una naturalidad envidiable.
Además, detrás de ese conejo tan famoso (que ya ganó el Eisner al mejor cómic del año) hay muchísimo trabajo de documentación. Stan Sakai lleva décadas inspirándose en el Japón del período Edo y, especialmente, en la figura histórica de Miyamoto Musashi, el legendario espadachín cuya vida inspiró la novela Musashi, de Eiji Yoshikawa.
También resulta inevitable acordarse de las películas de Akira Kurosawa. Si alguna vez habéis disfrutado de Yojimbo, Los siete samuráis o Sanjuro, vais a reconocer ese mismo sabor a aventura clásica donde los personajes importan mucho más que los efectos especiales.
Y quizá ahí esté el secreto de esta serie. Mientras medio mundo intenta hacer el cómic más grande del año, Stan Sakai sigue dibujando y escribiendo el lado más humano de sus personajes. Y ojo, lo más importante es que sus actores son animales, pero sin embargo son más humanos que casi cualquier otro personaje de cómic.
Le basta un camino cubierto de nieve, una katana al cinto y un protagonista que sabe que la mayor victoria no siempre consiste en ganar un combate.
Después de tantos años, Usagi Yojimbo sigue siendo uno de esos cómics que puedes recomendar sin miedo a equivocarte. Da igual si llevas décadas leyendo historietas o si acabas de empezar. Porque las buenas historias, igual que los grandes samuráis, nunca pasan de moda. Larga vida a Usagi Yojimbo.
Stan Sakai regresa a Dark Horse con su querida serie del conejo ronin.
Tras los acontecimientos de «El dragón verde», Usagi y Yukichi siguen en las nevadas cimas de las montañas del norte de Japón. Se ven atraídos hasta la cabaña de una extraña ermitaña que les permite pasar allí la noche. Mientras tanto, el maníaco Jei y su familiar, Keiko, siguen el rastro de Usagi. Se topan con la guarida de unos bandidos y someten al grupo de canallas y ladrones.
Stan Sakai regresa a Dark Horse con su querida serie del conejo ronin, con el trabajo de coloreado de HiFi Colour Design y un nuevo preámbulo de Zack Davisson (Yurei: The Japanese Ghost, Demon Days).
«Una narrativa sencilla y clara que por momentos es lírica, directa, sutil, cautivadora, divertida y, en ocasiones, trágica. El dibujo de Stan, en todos los sentidos, siempre está al servicio de su historia.»
Te traemos las novedades de Disney+ para este mes de agosto, que tienen como principal atracción a The Shards (la nueva serie de Ryan Murphy), así como Star Wars:La Jedi Número Nueve y la temporada 14 de la inoxidable Futurama.
Hola otra vez. Aquí estamos, como todos los meses, para compartir las novedades que nos trae Disney+, en este caso correspondientes a agosto de 2026 . Lo bueno es que las entregó con un poco más de tiempo, lo cual es agradecido por los pobres desdichados que tenemos que andar corriendo con la lengua afuera para dejarles a ustedes el artículo mensual a tiempo. Lo malo (aunque ya para esta altura normal) es que hay poco, poco, pero poco, muy poco…
Entre las series, se destaca especialmente The Shards, thriller juvenil creado por el siempre especialista Ryan Murphy, en este caso en colaboración con Bret Easton Ellis, autor de la novela homónima original en que esta propuesta se basa y cuyo título en español ha sido traducido, según los casos, como Los Destrozos o Los Fragmentos.
La historia es en parte autobiográfica (sesenta por ciento, según su autor, aunque no sé bien cómo hará la cuenta), ya que sobre las reales vivencias adolescentes del propio escritor se monta una trama criminal ficticia en lo que constituye, precisamente, un ejercicio de metaficción.
La miniserie (hasta ahora no hay información acerca de si se planean más temporadas) se ambienta en 1981 en un prestigioso colegio de élite de Los Angeles al cual asiste el protagonista Bret (Ibny Rigney) y en torno al cual se producen una serie de misteriosos asesinatos perpetrados por alguien que se hace llamar The Trawler (algo así como “barco de arrastre”). Y los mismos coinciden sugerentemente con la llegada al instituto de un enigmático y perturbador estudiante llamado Robert Mallory (Homer Gere).
El elenco principal se completa con Graham Campbell, Hayes Warner, Kaia Gerber (la hija de Cindy Crawford) y Wes Bentley. Los dos primeros episodios estarán disponibles desde el 5 de agosto, en tanto que los restantes irán luego llegando semanalmente hasta completar los nueve de la miniserie (o quizás habría que decir de la primera temporada).
En el terreno de la animación, la novedad del mes es sin duda La Jedi Número Nueve (en algunos países La Novena Jedi), que tiene la particularidad de atraer, en gran confluencia, tanto a los fans de Star Wars como a los del anime. La serie, que forma parte del proyecto Star Wars: Visions, está producida entre Lucasfilm y el estudio japonés Production I.G.,contando ya como antecedentes los cortos Visions: La Jedi Número Nueve y La Jedi Número Nueve: Hija de la Esperanza, ambos estrenados en 2025 y a los cuales continúa de forma directa.
La historia transcurre, justamente, siglos después de la Guerra Civil Galática, con los Jedi casi desaparecidos y convertidos ya en leyenda. En ese marco, Lah Kara se une a una comunidad de nuevos aprendices y entrena junto al Margrave Juro a fin de llevar a cabo la peligrosa misión de rescatar a su padre Lah Zima, quien se halla secuestrado y es el único forjador de sables de luz que queda en la galaxia.
Con sus ocho episodios, llega a la plataforma el 5 de agosto.
El otro tanque del mes en cuanto a series viene también por el lado de la animación. No es estrictamente un estreno, pero sí una nueva y muy esperada temporada de Futurama, en este caso la 14, número de orden ya uniforme y oficializado para todo el mundo después de aquel caos que generara en otros tiempos el diferente fraccionamiento según países y regiones.
La temporada anterior gozó de buena acogida, pero molestó un poco a los fans que fuera estrenada de un solo tirón a la usanza streaming, por lo cual ahora se regresa al formato semanal que caracterizara históricamente a la exitosa y futurista serie creada por Matt Groening. La sinopsis oficial habla de piratas espaciales, carne de laboratorio, estafas sensuales y el “sorprendente regreso del amor perdido del dr. Zoidberg”.
Los dos primeros episodios llegan el 3 de agosto.
Entre las películas, el único estreno es una secuela, pues se trata de Camp Rock 3 que, dirigida por Veronica Rodriguez, vuelve a contar con los Jonas Brothers y Maria Canals-Barrera en los papeles que previamente interpretaran en Camp Rock (2008) y Camp Rock 2: The Final Jam (2010), anteriores entregas de la franquicia adolescente.
Al igual que aquellas dos, esta tercera recorre con enfoque musical las vivencias, romances y competencias entre los jóvenes en un campamento de verano, siendo en esta ocasión el centro de la historia que la banda Connect 3 (los Jonas Brothers) planean una gran gira de reencuentro, pero su número de apertura se bajó y necesitan encontrar una nueva banda para ello.
De alguna manera, se trata de una excusa argumental para ir comenzando a despedir a algunos de los personajes ya clásicos de la franquicia y dar lugar a una generación de nuevos talentos. Basta con reparar en que Demi Lovato, quien actuara en las dos primeras entregas, se corre esta vez tras las cámaras para hacer de productora ejecutiva.
El estreno es el 14 de agosto.
En fin, eso es todo, amén de un par de documentales, entre ellos la serie 11-S: Unidos por la Tragedia. Les dije que era poco y quien avisa no traiciona. Pero bueno, más allá de los estrenos, también llegan este mes nuevas temporadas de series ya en emisión, como la cuarta de Traición, la tercera de Vuelven los Magos de Waverly Place o la segunda de Chaebol X Detective. Y si gustan de la animación, hay un nuevo especial de Los Simpson titulado Yellow Mirror o, para amantes del anime, la tercera temporada de un verdadero clásico: Yu-Gi-Oh!
Vamos al listado…
SERIES
. Futurama (temporada 14, dos primeros episodios, 3 de agosto)
. Traición (temporada 4, 4 de agosto)
. The Shards (miniserie, 5 de agosto)
. Star Wars: La Jedi Número Nueve (5 de agosto)
. Vuelven los Magos de Waverly Place (temporada 3, 5 de agosto)
. Chaebol X Detective (temporada 2, 7 de agosto)
PELÍCULAS
. Camp Rock 3 (14 de agosto)
DOCUMENTALES
. Travis Barker: Más Fuerte que el Miedo (13 de agosto)
. 11-S: Unidos por la Tragedia (22 de agosto)
Esperando, como siempre, que hayan encontrado algo de su gusto o interés, nos encontramos el próximo mes para compartir las novedades que nos traiga Disney+ en septiembre. Hasta entonces y sean felices…
Dejad ya tomar el sol y apartad la cervecita un momento, porque lo que acaba de pasar en las salas de cine de España no pasa todos los días. Nos decían los agoreros de barra de bar que la fatiga de los superhéroes estaba matando la taquilla, que si el multiverso cansaba, que si ya nadie iba al cine y mil historias más. Pero va el amigo Peter Parker (nuestro vecino favorito) y se saca la chistera (o mejor dicho, las telarañas) para dar un puñetazo histórico en la cara del pesimismo. Spider-Man: Brand New Day revienta todos los récords.
Apunta bien el dato porque es de los que quitan el hipo, al menos para un país como España. Spider-Man: Brand New Day se ha marcado un estreno el pasado miércoles 29 de julio que entra directamente en los libros de historia. Ni más ni menos que 3,2 millones de eurosrecaudados en su primer y único día de proyección en los cines españoles, según los datos de la auditora Rentrak. Repito, en veinticuatro horas.
Como muestra un botón, ya que solamente el tráiler batió el récord de Internet de visualizaciones las primeras 24 horas. Ya apuntaba maneras.
Para que os hagáis una idea de la burrada colectiva que nos ha dado a los españoles por ir a ver al chico de Queens, la cifra pulveriza cualquier registro previo conocido en un solo día en el mercado nacional. Ha dejado tiritando a pesos pesados recientes y ha mandado a la cuneta sin mirar atrás a estrenos mastodónticos que venían precedidos de campaña brutal. O sea, medio millón de almas acudieron en masa a las salas a ver al bueno de Tom Holland enfundarse el traje de adulto sufridor que vive solo, olvidado por todos y bregando con una Nueva York que ni sabe quién es.
Con este despliegue en más de 421 cines y un millar de pantallas patrias, la película ya apunta a reventar la barrera de los 10 millones de euros de miércoles a domingo, demostrando que la telaraña de Sony y Marvel sigue teniendo un imán insuperable en las taquillas ibéricas. Realmente queda todo muy poético, pero quedaros con el dato. Este primer fin de semana, junto con el miércoles y jueves, va a ser algo excelso. La taquilla bajará más adelante bajará un poco los humos, claro está, pero el comienzo es arrollador.
Así que ya sabéis, si teníais pensado ir este finde en plan relax a vuestro cine de confianza a pillar una entrada a última hora, id buscando otra afición (jugar a los bolos también mola), porque el chaval de rojo y azul ha venido dispuesto a acaparar todas las butacas.
Os dejamos aquí la crítica de Spider-Man: Brand New Day que hemos hecho en Las Cosas que nos hacen felices.
Spider-Man: Brand New Day (Un nuevo día, en castellano) llegó ayer a los cines arrasando, por lo menos en España, donde se ha situado como el mejor estreno de la historia en nuestro país. O sea que aquellos que se esforzaban en cantar que Disney, Marvely el UCMestaban muertos y enterrados y veían a Kevin Feige llorando por las esquinas, tendrán que retirarse por un tiempo a la cueva.
Tranquilos, es un error muy común confundir deseo con realidad, quizás porque no han entendido que en Marvel viven de sus buenos personajes y entre medias tiran de los mediocres, cuando no de los directamente malos, mientras les entran los dólares a chorro. Y si hay un personaje bueno, realmente bueno, es Peter Parker, alias Spiderman.
No hacemos spoiler si decimos que al inicio de Spider-Man: Brand New Day han pasado 4 años desde aquel inmenso fan service que fue Spider-Man: No Way Home. 4 largos años en los que Peter Parker ha sido más Spiderman que nunca, combatiendo a villanos como La mano, Tombstone, Tarántula, Boomerang o El Escorpión, este último el más recurrente en la cinta.
El resto aparecen a modo de guiño a los fans de toda la vida y poco más pero se agradece. Esa elipsis de 4 años está realmente muy bien narrada y es todo un acierto por parte de los guionistas (Chris McKenna y Erik Sommers, responsables de todas las cintas de Spiderman en el UCM) y del director, un Destin Daniel Cretton al que a partir de ahora le van a dar carta blanca para hace lo que le salga de las narices gracias a la millonada que seguramente recaudara con esta película.
Y es que uno de los grandes aciertos de la película se lo debemos a estos tres personajes, que se alejan totalmente del tono festivo juvenil de las películas de Jon Watts (más perdido en la tercera que en las dos anteriores) para darnos un Spiderman más maduro y más solitario, más adulto, al tiempo que se las arreglan para que no caiga en la depresión.
Peter Parker sigue siendo un pupas, tiene más problemas que nunca pero no tira la toalla, aunque si ha optado por vestir el traje cada vez más, alejándose por voluntad propia de lo que sería una vida más o menos normal.
Como no podía ser de otro modo, el destino, la casualidad o los guionistas vuelven a poner en su camino a M.J. y Ned (Zendaya y Jacob Batalon, con menos presencia que en las películas anteriores), lo que desencadena una crisis que le llevará a aceptar quién es realmente, Peter Parker y Spiderman, no el uno o El Otro(guiño a una de las sagas del personaje en las que introdujeron los lanza redes orgánicos, todo a raíz de las películas de Sam Raimi).
Lo que funciona
Como no queremos hacer spoilers, vamos con lo que es lo mejor de la película.
El tono. Más sombrío y más adulto pero sin pasarse, y sobre todo sin confundir adultez (¿existe el vocablo?) con ordinariez, gore y bromas sexuales (aprende, Ryan Reynolds).
Que por primera vez vemos New York como un personaje más de la película. En Homecoming, Spiderman visitaba Washington D. C y se movía por Queens; en Far Away From Home visitaba Praga y Londres; No Way Home era un desmadre donde la localización era lo de menos. Ahora no, ahora Tom Holland se columpia por New York como nunca antes y eso contribuye a dotar a la película de una mejor ambientación. Es casualidad pero el primero en la lista de agradecimientos es Ross Andru, el dibujante que mejor supo plasmar a Spiderman columpiándose entre rascacielos.
Tom Holland. Él es el mejor Peter Parker y el mejor Spiderman. Ha crecido y el personaje con él, dejando atrás al triste de Toby Maguire y al melancólico Andrew Garfield. Contribuye a que Spider-Man: Brand New Day sea una película de Spiderman y sobre Spiderman, no una película del genero «comedia adolescente made inJohn Hughes» o un fan service de manual, como si fueron las anteriores, o una película de Spiderman enfrentándose a un gran villano.
Sadie Sink. No lo vimos venir, por lo menos quienes intentamos vivir al margen de rumores en internet. En Marvel son muy listos, unos maestros del tráiler, unos magos que mientras con una mano nos refriegan Avengers: Doomsday para que se nos pongan los ojos como platos, con la otra realizan el verdadero truco de magia. Me preguntaba Fernando Vílchez si esta película era del UCM o de Sony y la respuesta es Sadie Sink y su personaje. No puede ser más UCM.
Los secundarios y los guiños a los fans de toda la vida, los del cómic, aquellos que reconocen míticas portadas en algunas imágenes y a personajes como Tarántula, Tombstoneo a Jean DeWolff.
Lo que nos chirría
Los secundarios y los guiños a los fans de toda la vida. Que sí, que mira a Boomerang, que mira la mítica portada de Amazing Fantasy #15 pero que ya está, que están ahí de paso, que como mucho se enfrenta a El Escorpión y porque lo interpreta Michael Mando, que ya es famosillo por Better Call Saul, que si no igual ni eso. Vamos, que no es que estén desaprovechados sino lo siguiente. Alguno da hasta grima, como Tombstone; ¿y qué decir de La mano? Que si, que la escena de lucha es muy chula pero se parecen a La Mano de los cómics como yo a Brad Pitt.
Jean DeWolff. El mítico personaje es encarnado aquí por Liza Colón-Zayas pero se parece al original en el nombre y ya está. Creada por el escritor Bill Mantlo y el artista Sal Buscema, elevada a los altares por Peter David, pasa de dura policía a madre de familia preocupada por si Spidey no come suficiente verdura. De verdad, que manera de quemar personajes que de base tienen un gran potencial.
El Castigador. Este no es mi Punisher, que me lo han cambiado. Es que ni siquiera le llaman así en toda la película. Tan sólo Frank. Frank esto, Frank lo otro. Vamos, que si no has visto ni su serie, ni la de Daredevil, ni te has leído un cómic suyo, no sabes quién es o qué pinta ese señor con la calavera en la camiseta. Y si lo sabes es mucho peor porque comparas el personaje con su versión comiquera y te echas a llorar.
Que el villano no resulte ser el villano y que el que resulta ser el villano sea un tipo muy descafeinado. Entiendo que venimos de pegarnos con el Duende Verde de Willem Dafoe, el Doctor Octopus de Alfred Molina, Electro, el Lagarto y no cuantos más, y que era complicado subir el nivel pero ahora nos hemos quedado algo cortos en cuanto a amenaza. Pero en fin, ya hemos dicho que esta es una película sobre Peter Parker, Spiderman y su tránsito de adolescente a adulto pero se agradecería algo más de chicha (seamos francos, sabemos que ni va a matar a Hulk, ni Hulk lo va a matar a él por lo que no nos vale la pelea para justificar el tema).
La escena post-créditos. Escena por llamarla de alguno manera porque en realidad es una auténtica chorrada. ¡Ah, que tiempos aquellos en los que te quedabas para ver una nueva gema del infinito! Ahora sale la aplicación inventada por Ned que señala que Spiderman está fuera del planeta. Pues bueno, pues vale. Igual queda en nada, como casi siempre.
En resumen, tampoco seamos tan tiquismiquis. Pese a los chirridos, Spider-Man: Brand New Day es una buena película, a años luz de las últimas producciones Marvel. ¿Por qué? ¿Soy yo o soy vos? Igual es el personaje, un tipo que bajo la máscara puede ser cualquiera, en realidad un tipo del montón con los mismos problemas que todos nosotros y algunos más, que por algo tiene poderes arácnidos. Es sin duda el mejor de La Casa de las Ideas, como se conoce tradicionalmente a la editorial. No resulta extraño que de ese material salgan buenas películas, películas más que dignas.
Spider-Man: Brand New Day también es, como dice el título de este post, la película que nos debían porque algunos (o por lo menos yo) no quedamos entusiasmados con el status quo que se establecía al final de Spider-man: No Way Home. Habíamos disfrutado con un Spiderman adolescente divertido y lleno de luz y nos entregaban un Spiderman más zarandeado que sus antecesores, totalmente sólo y camino de la angustia y el sufrimiento.
Nos equivocamos. Me equivoqué. Debimos / debí tener más fe en el personaje y en Marvel. Spider-Man: Brand New Day es la película que pone las cosas en su sitio, con el Spiderman que queremos, el que nos merecemos y el que necesitamos. La esperanza en la oscuridad a pesar de todo. Un saludo, sed felices y Make Me Marvel.
Entre la redención y la desmitificación del personaje, podría ser el resumen corto de lo que nos plantea el director de entre otras películas, Pig (2021) o Un lugar Tranquilo: Día 1 (2024), Michael Sarnoski en La Muerte de Robin Hood. Podemos decir que si eres fan de versiones anteriores donde se ahondaba en las aventuras de este ladrón que «quitaba el dinero a los ricos para dárselo a los pobres», ésta igual no es tu película. Vamos con la sinopsis del film.
Que nos cuenta esta La Muerte de Robin Hood
La historia comienza con un Robin Hood al que vemos envejecido, cansado y perseguido por los fantasmas de su pasado. Metido en una situación de una lucha por unas tierras reclamadas por su antiguo compañero de aventuras, Little John, Robin queda malherido y a punto de morir. Little John le llevará a un lugar (el Priorato), lejos de la violencia con la que ha convivido los últimos años, donde gracias a los cuidados de la hermana Brigid (Jodie Comer) podrá tratar de redimirse de los pecados del pasado.
¿Existió realmente Robin Hood ?
Robin Hood es un personaje del folclore inglés. Aunque no se tienen pruebas de que existiera realmente, la mayoría de historiadores que se trata de una figura legendaria basada en varias personas reales o en relatos populares que circularon allá entre los siglos XIII y XIV. Con el paso del tiempo estas historias fueron evolucionando hasta que se creó la figura que conocemos actualmente. Tradicionalmente Robin Hood fue un proscrito que vivió en el bosque de Sherwood apoyado por un grupo de hombres conocidos con el nombre de Merry Men («los alegres compañeros»). Entre ellos destacan nombres como Little John, Fraile Tuck, o Will Scarlet.
Su historia suele colocarse durante el reinado de Ricardo I de Inglaterra, cuando el rey se encuentra fuera del país y quien rige de manera cruel la nación es el hermano de Ricardo, Juan. Robin luchará en contra de la corrupción del Sheriff de Nottingham y hará celebre la frase «robaba a los ricos para dárselo a los pobres». Bueno pues en esta versión de la que vamos a hablar, casi nada de lo que sabíamos que el folclore inglés nos había narrado es cierto.
Que busca aportar de diferente a lo ya visto anteriomente
Estamos ante una película que no busca las aventuras clásicas que nos ofrecía Errol Flynn en su versión de 1938, ni el cine de culto de la versión noventera de Kevin Costner allá por 1991, o la precuela de las aventuras del forajido dirigida por Ridley Scott e interpretada por Russell Crowe en 2010. Nos ofrece un nivel de violencia en el primer acto impactante, con Hood matando todo lo que se le pone por delante, aunque lo que se le ponga sea un niño.
De ahí, desde el momento en que se ve derrotado por un enemigo superior en fuerza, y simplemente está esperando pacíficamente la llegada de la muerte, la intervención de Little John le quitará la opción de morir en paz. La mayor parte del metraje aborda sus pensamientos, su redención (al principio cuando es curado en el Priorato no la busca) y la búsqueda de otra vida diferente a la que ha conocido hasta ese momento.
Aspectos destacables de La Muerte de Robin Hood.
Hugh Jackman. Si una cosa destaca por encima de cualquier cosa, es la actuación de Jackman. La película teniendo el ritmo lento que tiene, necesita alguien creíble al gobierno de la misma para que nos parezca bien aguantar las dos horas de metraje. Podríamos hacer un paralelismo entre su actuación en la aclamada Logan (James Mangold, 2017) y la que nos ocupa. En la primera vemos un mutante cansado de todo, de la vida que lleva, de la violencia a la que le ha obligado el mundo hostil que le rodea, y en esta producción tenemos un hombre complejo con matices, su Robin Hood transmite ese dolor, cansancio y vulnerabilidad sin necesidad de grandes recursos.
Sus emociones son plasmados en la pantalla por Jackman a través de silencios, miradas, y pequeños gestos cosa que humaniza más al personaje si cabe. A través de sus diálogos con otros personajes ( la hermana Brigid y la niña Margaret) también llegaremos a conocer realmente quien es Robin Hood.
Jodi Comer (hermana Brigid) ejerce de complemento moral del personaje de Hood, y aunque creo que menos aprovechado, es sumamente destacable. Comer en este caso aporta serenidad y sensibilidad a una historia que se balancea entre la luz y la oscuridad. La relación entre su personaje y el de Jackman constituye el núcleo emocional de la película, e irá desarrollándose a medida que avanza el segundo y tercer acto. Una revelación de otro personaje, sobre el pasado de la hermana Brigid (y que tiene que ver con el pasado tormentoso de Hood), hará temblar la confianza entre ambos.
El personaje de la niña (que se sabe que es la hija de Little John al inicio del film) de nombre Margaret, que llegará al Priorato luego de que Hood esté allí curando sus heridas físicas, ayudará a este último a curar parte de sus heridas en el alma, que le atormentan desde el pasado. La actriz que la interpreta, Katie Breen, le da a su rol un tono de emotividad interesante.
Aparte de las interpretaciones, creo que otro apartado, en este caso técnico es más que destacable. La fotografía. El trabajo de Pat Scola (Pig 2021, Las Vidas de Sing Sing, 2023) es destacable y va desde una escena al principio donde lo que ilumina el escenario es una casa en llamas, (me recordó en algunos momentos a El Hombre del Norte)para la escena de lucha, y cuando la historia pasa al Priorato los colores que abundan en esa fotografía son los azules y blancos. Una cosa que sabe hacer la producción es aprovechar los paisajes de Irlanda del Norte donde fue rodada la película.
No todos los aspectos son destacables en positivo, para muchos espectadores La Muerte de Robin Hood puede resultar lenta, con un ritmo que desciende del enérgico primer acto, hasta caer en demasía cuando más cerca tenemos el final de la historia. Algunos personajes secundarios tienen poco desarrollo y supongo que son sacrificados por el drama que rodea al protagonista.
Para concluir podemos decir que estamos ante al menos una versión diferente del mito de Robin Hood en donde Sarnoski trata de hacernos pensar en que pasa por la cabeza del proscrito cuando la leyenda se apaga y solo queda un hombre cansado, viejo y que solo tiene la compañía de sus pensamientos donde analiza si realmente su legado es como debiera o por otro lado el recuerdo de sus años de aventuras vienen a cobrarse un alto precio.
Como idea puede funcionar y algunos aspectos como las interpretaciones salvan el producto, pero avisados estáis, no esperéis al Robin Hood justiciero, que lucha por los pobres, eso queda para versiones anteriores. A mi parecer más disfrutables que esta nueva aproximación al personaje.
Os dejamos un enlace hacía un artículo de nuestra web donde se habla de las 22 mejores películas medievales de la historia del cine. AQUÍ
Pocas películas han generado tanta expectación como La odisea de Christopher Nolan. El director británico vuelve a demostrar su habilidad para convertir un relato clásico en un espectáculo cinematográfico que combina acción, emoción y profundidad psicológica. (Aquí puedes leer la crítica de La Odisea)
Si al terminar la película te quedaste con ganas de seguir explorando historias de héroes legendarios, grandes batallas y viajes inolvidables, en este listado encontrarás algunas de las mejores películas épicas que pueden prolongar esa sensación. Algunas comparten el escenario de la antigua Grecia, mientras que otras destacan por abordar los mismos temas que convierten esta historia en una aventura atemporal.
Ganadora de cuatro premios Óscar, sigue siendo una de las grandes superproducciones del viejo Hollywood, capaz de mantener a los espectadores enganchados a la pantalla con una genuina historia de aventuras. Cuenta con un guion espléndido que disemina por toda la cinta conflictos morales y vitales del hombre. Destacan su banda sonora soberbia, unos vestuarios portentosos, unos decorados realistas y un extraordinario uso del color. Su mezcla de épica, drama y lucha por la libertad la convierte en una recomendación imprescindible para quienes disfrutaron del viaje de Odiseo y de los héroes que desafían a imperios enteros.
Jasón y los Argonautas (1963)
Una pequeña joya de la mitología griega. Antes de Odiseo hubo otro héroe dispuesto a enfrentarse a mares desconocidos y criaturas imposibles. Jasón y los argonautas sigue siendo una de las aventuras mitológicas más queridas de la historia del cine.
La imperecedera batalla contra los esqueletos animados por Ray Harryhausen continúa siendo una referencia absoluta en los efectos especiales clásicos (de hecho, Piratas del Caribe plagia la idea descaradamente) y demuestra que la fantasía bien rodada nunca pasa de moda. Una película que cuenta con unos maravillosos efectos especiales y un aroma a aventura clásica que entretiene de principio a fin. Es una travesía en la que el espectador puede dejarse llevar por mareas imaginarias que lo conducen directamente al corazón más puro y genuino de la épica cinematográfica.
El Último Mohicano (1992)
Aunque cambia completamente de época y escenario, El Último Mohicano comparte con La odisea el espíritu de supervivencia, el heroísmo y la lucha por proteger a quienes se ama. Una entretenida película que mezcla aventura, romance y acción con solvencia. Que además cuenta con uno de los mejores actores de su generación Daniel D. Lewis.
Es cine de escapismo, pero de calidad, con escenas heroicas e imágenes irresistiblemente bellas, diálogos que se recuerdan durante toda la vida y un halo de realismo que impregna las secuencias de veracidad. Repleta de hermosos paisajes fotografiados con sensibilidad y con unos personajes que consiguen transmitir toda la fuerza de sus emociones a través de sus silencios y miradas.
Michael Mann (quien ha confirmado la segunda parte de Heat) firma una aventura emocionante, con una fotografía espléndida y una de las bandas sonoras más recordadas de la historia del cine. Una película que demuestra que las grandes epopeyas no necesitan desarrollarse en la Antigua Grecia para conmover al espectador. En definitiva, es el ejemplo perfecto de cómo elevar una propuesta cinematográfica a los altares de la excelencia épica.
Braveheart (1995)
Mucho antes de convertirse en una figura polémica, Mel Gibson firmó una de las películas históricas más influyentes de los años noventa. Braveheart recrea, con ciertas licencias históricas, la vida de William Wallace y la lucha por la independencia de Escocia. Envuelta en un relato de resistencia y sacrificio, la película convierte la lucha de Wallace en una defensa de la palabra favorita del sentido épico: libertad.
Una película que destaca en casi todos sus apartados técnicos y que logra componer un ejercicio visual poderoso que mezcla romance y violencia. Una historia bien elaborada con un tono de drama épico, que nos relata los múltiples sentimientos que acompañan a cualquier persona durante su vida, como el amor, la muerte, la amistad, el miedo y el esfuerzo. Al igual que La odisea, la película habla del sacrificio, la resistencia y del precio que debe pagar un hombre dispuesto a enfrentarse a un enemigo mucho más poderoso. (Aquí puedes leer un retro-análisis de Braveheart)
Gladiator (2000)
Ridley Scott (descubre sus diez mejores películas) ha demostrado que el cine histórico, con grandes dosis de épica, logra emocionar al gran público. Gladiator comparte con La odisea temas como el honor, el legado familiar, la pérdida y el deseo de recuperar aquello que fue arrebatado injustamente. Son historias protagonizadas por hombres marcados por el destino que luchan por encontrar su lugar en un mundo dominado por la violencia.
Un film que da forma a la palabra épica repleta de batallas filmadas con una verosimilitud y crudeza capaces de salpicar con sangre la pantalla. Scott es capaz de combinar la aspereza de la violencia con una historia intimista de ambición, intriga política y venganza. En ella sobresalen el porte heroico de Russell Crowe (aquí tienes una guía de la estrella), el histrionismo de Joaquin Phoenix y la exquisita contención de Connie Nielsen, que además cuenta con la presencia de dos leyendas del cine como son Oliver Reed y Richard Harris.
Con una inolvidable partitura de Hans Zimmer, tan bella y emotiva que logra erizar la piel y generar contraste con la violencia seca y descarnada de las batallas del coliseo. Cargada de imágenes impactantes que quedan grabadas con el filo de la espada en la memoria del espectador. No sé si será una obra maestra, pero de lo que sí estoy seguro es que es una de esas películas que puedes ver una y otra vez y te sigue pareciendo buena.
Troya (2004)
Esta película puede funcionar como la compañera de viaje lejana de La Odisea. Dirigida por Wolfgang Petersen, es un producto Made in Hollywood que ofrece lo que promete sin necesidad de discursos ni retórica: un altar a la aventura, al entretenimiento y a la acción trepidante. Aquí puedes leer la crítica este último péplum que ha dado el cine.
Inspirada en La Ilíada, muestra los acontecimientos que desencadenan el largo viaje de Odiseo de regreso a Ítaca. Brad Pitt ofrece una interpretación pomposa de Aquiles, Eric Bana es un convincente Héctor, un Peter O´Toole excepcional en el papel del rey Príamo y Sean Bean dando vida a un astuto Odiseo cuya inteligencia resulta tan decisiva como la fuerza de los grandes guerreros.
Aunque modifica varios acontecimientos del poema de Homero, sigue siendo una divertida aproximación cinematográfica al universo de la mitología griega. No busca ser profunda y tiene tantos defectos como virtudes… Pero, ¿qué es el cine? Como dijo Samuel Fuller: «Una película es como una batalla. Amor, odio, acción, violencia y muerte. En una palabra, emoción». Y Troya contiene todas esas emociones para que disfrutes de una épica tarde relajado en el sillón de casa.
300 (2006)
Zack Snyder (quien quiere hacer una nueva versión de 1997: Rescate en Nueva York) convirtió la legendaria Batalla de las Termópilas en un espectáculo visual grandioso. El mismo centro del tornado de la épica se desata en pantalla con una ola de sangre, sudor y cuerpos esculpidos en fuego. Basada en el cómic de Frank Miller, 300 narra cómo el rey Leónidas y sus trescientos espartanos resistieron durante días el avance del inmenso ejército persa.
La cinta destaca por su contundente apartado visual en el que la luz y las sombras devoran las emociones del espectador para que solo queden en él la adrenalina de los combates, algo a lo que ayudan los famosos cambios de velocidad del discutido director. El objetivo único de la película no es otro que entretener y lo consigue de sobra.
Como ocurre en La odisea, la película juega constantemente con la idea de cómo los hechos históricos terminan convirtiéndose en leyendas capaces de sobrevivir miles de años. Su espectacular fotografía, sus escenas de combate y su estética exótica la convierten en una salvajada sangrienta obligada para cualquier amante de la épica fantástica.
La grandeza de La Odisea reside en que su historia sigue inspirando películas más de tres mil años después de que Homero la inmortalizara. Ya sea a través de batallas legendarias, héroes marcados por el destino, monstruos mitológicos o viajes imposibles, todas estas películas comparten algo esencial: la idea de que el verdadero heroísmo no consiste únicamente en vencer enemigos, sino en encontrar el camino de vuelta a casa.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros las novedades de Norma Editorial y Editorial Astronave, previstas para este mes de agosto. Tenemos mucha variedad de grandísima calidad. Vamos con ello. Ya mismo …
Novedades Norma Editorial y Editorial Astronave
Agosto de 2026
Como siempre (como siempre que se puede) vamos a hacer una serie de recomendaciones. Basadas con total parcialidad en nuestros gustos e inquietudes personales.
1.- Servitud. Integral.
Servitud es una gran saga de fantasía épica reunida en un volumen integral. La historia parte de un mundo creado hace miles de años por potencias que dieron origen a humanos, dragones, gigantes, ángeles, sirenas y hadas, pero cuyas disputas casi lo destruyen todo.
Tras milenios de conflicto, la humanidad parece por fin lista para ocupar su lugar. Es una propuesta de fantasía clásica y monumental, pensada para lectores que disfrutan de mundos vastos, razas míticas y una narrativa de gran aliento.
Lo tendremos disponible el 21 de agosto en nuestra librería habitual. Pinchad AQUÍ para obtener más información de este título, desde la web de Norma Editorial.
2.- Arzak.El pequeño panteón Moebius.
Este libro de arte se centra en Arzak, uno de los personajes más icónicos del universo de Moebius. Recorre sus distintas apariciones desde Métal Hurlant hasta sus versiones andróginas o espirituales, y analiza cómo el personaje fue evolucionando junto con su creador durante décadas.
El volumen combina comentarios, citas, extractos e imágenes para ofrecer un viaje gráfico por las múltiples facetas de Arzak y por las técnicas de trabajo de Moebius. Es una obra muy recomendable para seguidores del autor y, al mismo tiempo, una buena puerta de entrada para descubrir su imaginario
También estará disponible el 21 de agosto. Pinchad AQUÍ para obtener más información.
3.- Dai Dark 1.
Dai Dark presenta a Sanko Zaha, un chico de 14 años perseguido por todo el universo porque sus huesos pueden conceder cualquier deseo. Junto a su compañero Avakian, recorre los rincones del infinito mientras intenta librarse de su maldición y evitar a quienes quieren capturarlo.
El manga combina acción, oscuridad y humor, con el sello inconfundible de Q-Hayashida, autora de Dorohedoro. Si buscas algo raro, salvaje y muy personal, esta es una de las novedades más llamativas del catálogo.
Llegará ya mismo. El 7 de agosto en nuestra librería habitual. Pinchad AQUÍ, como siempre, para obtener más información.
Y hasta aquí la selección de títulos de Norma Editorial previstos para este mes de agosto. No obstante, justo un poco más abajo, os dejo el pdf completo con todo el catálogo de novedades para este mes.
Se estrenó finalmente la tercera y última temporada de The Walking Dead: Dead City, la serie que, creada por Eli Jorné y emitida por AMC+, sigue a Maggie y Negan en la New York postapocalíptica. Desbrozamos pues el primer episodio…
Hola otra vez, caminantes del apocalipsis. Aquí estamos nuevamente para analizar otra temporada de The Walking Dead: Dead City, la serie que, desde un primer momento, se consolidó como el más oscuro y, en mi modesta opinión, mejor spin-off de la franquicia. Tras una brillante primera temporada y una segunda buena, entramos de lleno en la recta final sabiendo que la tercera es justamente la vencida o, como sería mejor decir para este caso, la última.
Volvemos pues a New York con Maggie y Negan para intentar determinar si ha estado a l a la altura este inicio de temporada que viene con varias reconciliaciones, además de la muerte de un personaje importante y el regreso del hijo pródigo. Sugiero pues que pasemos ya mismo a ver qué nos ha dejado este primer capítulo, cuyo título es Trillium. ¿Por qué? No tengo idea, pero antes de entrar de lleno al mismo y, previa advertencia de que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA, les invito a echar ojo a nuestros análisis previos, tanto de esta como de las otras series de la franquicia.
Comenzamos con las fuerzas de Nueva Babilonia desplegándose por las calles de New York y dos de sus hombres colocando, al estilo del viejo oeste, volantes de recompensa por Negan y Maggie vivos o muertos. De allí al Central Park, justamente con Maggie terminando de rellenar una tumba que inmediatamente presumimos de Ginny.
Negan sigue “sangrando por la herida” después de que ella le acuchillara y está especialmente afectado por la muerte de la niña a la que se había jurado proteger. Por ello, estalla en furia al ver que Maggie la sepultó por propia cuenta y sin avisarle cuando Ginny era su responsabilidad.
Extrañamente (pareciéramos estar ante una Maggie totalmente nueva esta temporada), ella dice que lo siente y solo quiso ayudar, pero todo conduce a una ensañada discusión en la cual él le echa en cara no solo haberle herido, sino también llevarle allí para entregarlo. Le recrimina que nunca dejará ir el pasado, ante lo cual Maggie, de manera por demás insensata, le entrega el cuchillo y ofrece su espalda para que se lo entierre. Él le espeta que es una lunática… y tiene razón.
La escena, de todos modos, es interrumpida por Luis (Raúl Castillo) y Renata (Aimee García), dos hermanos que andan armados y a la caza de Negan, al que claramente han reconocido por los carteles e identifican como el número dos del Croata. Maggie intenta desligarse del asunto, pero Negan le echa tierra diciendo que es la número tres.
La cuestión termina con ambos maniatados y llevados a la antigua zona urbana. Maggie intenta por el camino hacer entrar en razones a la pareja de hermanos, pero resulta que lo que estos quieren no es la ofrecida recompensa, sino un tanque de metano que esperan conseguir del Croata a cambio de los cautivos. En ese momento, alguien llama a viva voz a Maggie que, al volverse, descubre con alegría a Hershel, pero cuando el muchacho intenta ir hacia ella se produce una violenta explosión que lo arroja lejos mientras todo se llena de polvo y caminantes…
Maggie y Negan, siempre con las manos atadas, son arrojados a un sótano y detrás de ellos van cayendo caminantes como en un tobogán de la alegría. La cosa está complicada porque tienen que hacerles frente solo con sus pies y a Negan parece haberle llegado finalmente su hora cuando interviene Hershel que, ileso de la explosión, ha ido a ayudarles.
Pero el lugar se va poblando cada vez más y, de pronto, Luis y Renata están también allí, lo mismo que el Croata, aunque no sepamos cómo. Negan está a punto de acabar con la joven, pero esta lo detiene para explicarle que todo cuanto han hecho ha sido para salvar a un bebé…
Madre e Hijo
Un flashback nos lleva entonces cuatro meses atrás y vemos cómo ambos hermanos, acompañados de familiares y amigos, celebran en un abandonado y postapocalíptico edificio neoyorquino el embarazo de Yvette (Krystina Alabado), cuñada de Luis. El festejo es interrumpido de modo drástico por la llegada del Croata que, al parecer y por orden de la Dama, lleva tiempo exigiéndoles que abandonen el lugar.
Luis, que es médico, se justifica en que el mismo funciona como hospital y está precisamente dando allí clases de medicina, pero todo termina con el Croata asesinando a su tío y hermano en uno de los momentos más despiadados de toda la serie y solo se marcha cuando Renata amenaza con hacer volar todo…
Vueltos al presente, hay una conversación reconciliatoria entre Maggie y Hershel, quien se siente apesadumbrado por su conducta del pasado (era hora) y manifiesta recién haber visto la realidad cuando la Dama le pidió que asesinase a su madre para demostrar lealtad. Dice que ahora entiende todo lo que ha hecho por él y no supo valorar, a lo que Maggie replica que no es su culpa el haber sido manipulado en su fragilidad emocional. También ella dice haber haber cambiado y entender que tiene que dejar ir ciertas cosas, mismo reclamo que Negan le hiciera momentos antes…
Cadena Alimenticia
A propósito de Negan, se encuentra en el piso de arriba con un bar atendido por un tal Mason Dillard (Jimmi Simpson), sujeto de lo más excéntrico que regenta el local como si siguiera abierto y, como para acentuar aún más esa imagen, tiene un “cliente” zombie unido a una mesa y otro a la barra, ambos sin uñas ni dientes.
Le cae simpático a Negan y acaban bebiendo juntos, tras lo cual Dillard lo lleva a recorrer el edificio para mostrarle cómo lo ha convertido por niveles en una gran cadena alimenticia: comienza con los gusanos devorando a los caminantes que caen al sótano, sigue con las ranas haciendo lo propio con los gusanos y, por último, con los pavos dando cuenta de las mismas. Dice que la cadena termina con coyotes, pero no los muestra ni los vemos cuando yo me preguntaba, precisamente, cómo se las compondría para tenerlos en cautiverio en un edificio (no son domesticables, que yo sepa, pero bueno, tampoco los caminantes).
Bajo la Bandera
Luis y Renata están desesperados porque el tiempo corre e Yvette debe estar ya próxima a dar a luz. Necesitan el metano para la incubadora, pero el Croata, al que han tomado prisionero, dice que la explosión se debió a que hizo explotar los tanques de dicho elemento para dispersar a los de Nueva Babilonia. Afirma, no obstante, tener escondido uno más y la pareja quiere saber dónde, pero el Croata, infectado y agonizante, no lo hará a menos que lo lleven, pues nada garantiza que lo maten allí mismo una vez con la información requerida en sus manos. Uno se pregunta en ese momento cuál es la diferencia, pero ya lo sabremos…
Con la guía del Croata, pues, el grupo se apronta a salir a la búsqueda mientras Maggie se llega al bar y encuentra a Negan bebiendo y departiendo amigablemente con Dillard, al cual recién entonces conoce. Logra convencerlo de que les dé su ayuda, especialmente al saber este que hay un niño involucrado, pues ya sabemos que eso siempre le afecta y más todavía ante la culpa de no haber podido salvar a Ginny.
El heterogéneo grupo sale pues al exterior entre escombros, caminantes y niebla. Al llegar a un determinado edificio, Negan se da cuenta rápidamente que ese debe ser el lugar, pues se trata del Consulado de Croacia. Allí, justamente, es donde el Croata ha escondido el tanque de metano y mientras Maggie, Hershel y la pareja de hermanos entran a buscarlo, este muere en la puerta en brazos de Negan y con la bandera de su país flameándole encima. Así es como lo quería. Y Negan se emociona: después de todo, alguna vez fueron amigos…
La Dama regresa
Gracias al metano, consiguen asistir el alumbramiento del bebé de Yvette y, en escena entre escabrosa y emotiva, vemos que Luis tiene aún encerrado al zombie de su hermano, al cual echa dentro del tanque para producir más metano: extraña forma de permitirle a un padre dejar huella en un hijo recién nacido…
El nacimiento genera buen clima. Hay buena relación entre Luis y Hershel, además de una charla conciliatoria (y poco creíble) entre Maggie y Negan. Ella le agradece por lo que ha hecho y se manifiesta cansada de vivir enfadada. Él le dice que por primera vez la ve sonreír: creo que nosotros también…
Hablando luego con Renata, Maggie le hace invitación para que le acompañe con los suyos a The Bricks, donde podrán tener un nuevo comienzo y llevar una vida más tranquila. La joven, sin embargo, dice que su hogar está allí y, contrariamente, invita a Maggie a quedarse argumentando que la necesitan. Para justificar otra temporada en New York, le faltó decir…
En la calle, los dos sujetos que pegaban volantes al principio caen rendidos en un callejón, exhibiendo uno de ellos una fea herida en la pierna que protege justamente con uno de los mismos. Maldicen al ver recortarse en la niebla la silueta de la Dama pero, lejos de mostrarse esta última agresiva, les habla de manera maternal y les invita a sumársele diciendo que ningún imperio se puede levantar si no es desde sus despojos…
Balance del Episodio
Este inicio de la temporada final de The Walking Dead: Dead City me deja la extraña y paradójica sensación de haber más bien visto un cierre. Para ser un primer capítulo, esperaba mucho más y, particularmente, que no dejaran colgada la trama planteada al final de la temporada anterior, en que todo apuntaba, por fuerza de las circunstancias, a una alianza entre Maggie, Negan y Armstrong.
Pero nos quedamos con las ganas de ver ese trío en acción y ni siquiera hemos tenido, de hecho, noticias de Armstrong, de quien no sabemos por dónde demonios anda o por qué no se lo menciona. Viendo el avance del siguiente capítulo, me queda la tranquilidad de que volverá a aparecer, pero no hubiera estado mal una explicación, aunque sea mínima, del porqué de su ausencia en este.
En cuanto a la trama de los hermanos y el posterior alumbramiento, pareció más bien una excusa para retener a Maggie algo más en New York y justificar la tercera temporada, ya que casi doy por sentado que terminará aceptando la propuesta de Renata. Por cierto, esta última es un personaje con potencial y es bueno que todavía no la hayan matado a ella o a su hermano, contrariamente a la norma habitual de liquidar rápido a los personajes secundarios aparecidos de la nada.
Y el hecho de que tanto ellos como su gente sean latinos introduce también una lectura social, pues el flashback en que el Croata se presenta para expulsarlos de la ciudad es fácil de relacionar con los problemas que en Estados Unidos sufren los inmigrantes de origen latinoamericano. A propósito, la escena del doble asesinato fue de las más impactantes y desgarradoras que hemos visto en toda la serie, mostrando al Croata en su costado más cruel y despiadado, ese que en su momento le valiera ser expulsado de Los Salvadores.
Pero, más allá de todo ello, hemos visto un capítulo plagado de reconciliaciones: Hershel con Maggie, Maggie con Negan y Negan, de alguna forma, con el Croata en su hora final. Y las tres situaciones, hay que decirlo, se sintieron forzadas o, cuando menos, apresuradas. La de Maggie y Hershel, incluso, fue resuelta en buena medida en off, ya que no hemos visto el proceso del muchacho para pasar de la noche a la mañana a ver diferente a su madre, sino que nos hemos tenido que contentar con sus escuetas palabras y ni siquiera hubo un flashback que bien habría ameritado.
La de Maggie con Negan es una historia que viene de bastante más atrás por ser, desde luego, el centro de toda la serie. Pero el modo en que Maggie parece de pronto perdonarlo y queda graficado de modo pretendidamente sentimental al devolverle a Negan el bate con que asesinó a su propio esposo se vio no solo abrupto, sino además inverosímil.
Está claro que la intención de los guionistas no es solo que esta temporada sirva como redención final para Negan, sino también para Maggie en la medida en que esta aprenda a dejar atrás el pasado y los sentimientos de venganza. Pero de ahí a que sonría a su acérrimo enemigo como si fuera un viejo amigo o expareja hay una gran diferencia. No sé ustedes, pero yo me quedo con la otra Maggie y no con esta versión positiva y sonriente. Y no porque fuera mejor o moralmente superior, sino porque era más creíble.
Lo que había entre ambos era una alianza forzada y ello hacía atractiva a una serie que, como he dicho en análisis anteriores, logró constituirse de entrada en el mejor y más oscuro spin off de la franquicia. Pero si la idea es ahora que se aceptan y se quieren, el dilema moral desaparece y se cae la premisa fundamental sin que los responsables de Dead City entiendan que es en el antagonismo donde la propuesta funciona y se hace fuerte.
¿Con quién será el antagonismo ahora? Entiendo que con la Dama, a quien apenas hemos visto reaparecer sobre el final del episodio. O con Nueva Babilonia. No ya con el Croata, pues le hemos visto morir y su muerte llegó también de prisa. Era un personaje detestable pero interesante y es una pena que vayamos a tener por delante una temporada prácticamente completa sin él.
Y eso nos lleva a la tercera “reconciliación”, la de Negan con el Croata. Por más que hayan sido amigos en el pasado, no se vio verosímil el dolor del primero (más allá de la buena actuación de Jeffrey Dean Morgan) considerando de quiénes estamos hablando y el odio que acabaron teniéndose.
Y que el Croata expire su último aliento bajo la bandera de su patria (razón por la cual quería que lo llevaran allí a buscar el tanque de metano) busca ser emotivo, pero es discutible que realmente lo sea. ¿Acaso puede alguien emocionarse con esa escena después de haberlo visto, en este mismo capítulo, rebanarle la garganta a un inocente y enterrarle en el vientre un cuchillo a otro? De todas formas, le decimos adiós a Željko Ivanek…
Párrafo aparte para Dillard, que fue sin duda el gran personaje del capítulo como brillante la interpretación de Jimmy Simpson, a quien muchos ubicarán como Liam McPoyle (otro personaje bastante peculiar) en la exitosa sitcom Colgados en Filadelfia. La del bar zombie es una gran idea, de esas bien excéntricas y casi surrealistas con que cada tanto nos deleita la franquicia. Lo que es una pena es que haya quedado tan al margen y desconectado de la trama principal, aunque todo indica, al parecer y por suerte, que volveremos a saber de Dillard y de su local tan particular.
En definitiva, el inicio de la temporada final de The Walking Dead: Dead City deja sensaciones mayormente desabridas y nos hace preguntar por qué tanto apuro en cerrar algunas subtramas cuando tiene incluso más episodios que las anteriores y, por lo que se ve, ya no mucha tela por cortar, pues del modo en que están planteadas las cosas daría la impresión de que todo estuviera por cerrarse.
Temo que terminen estirando todo como chicle y de manera injustificada, lo cual quizás ya se está viendo en la medida en que las excusas para retener a Maggie y Negan en New York parecen cada vez más eso: excusas. Sería injusto que acabe de ese modo una serie que había comenzado realmente bien…
Ojalá no sea así. Les espero para analizar el próximo capítulo. Hasta entonces y sean felices…
Pocos superhéroes han dejado una huella tan profunda en el cine como Spider-Man. Desde que Sam Raimi (que regresó al terror de comedia negra con su último trabajo: Enviad Ayuda) llevó al trepamuros a la gran pantalla en 2002, el personaje ha pasado por tres actores, varias reinvenciones y una revolucionaria saga de animación protagonizada por Miles Morales que cambió la forma de entender el cine de superhéroes.
Cada etapa ha aportado algo diferente: Tobey Maguire representó al Peter Parker más clásico, Andrew Garfield ofreció una versión más juvenil y cercana a los cómics, mientras que Tom Holland (quien sale en la Odisea de Nolan) consiguió integrar al personaje con éxito dentro del Universo Cinematográfico de Marvel. Por su parte, Miles Morales demostró que el espíritu de Spider-Man va mucho más allá de quien lleva la máscara.
Después de más de dos décadas de películas, elegir las mejores no es una tarea sencilla. Algunas destacan por su historia, otras por sus villanos o por la evolución de sus protagonistas, y unas pocas han terminado convirtiéndose en auténticos referentes del género. Este ranking reúne las diez películas del Hombre Araña valorando su calidad, su impacto y la forma en la que han conseguido mantener viva la esencia del personaje.
10. Spider-Man 3 (2007)
Las expectativas eran enormes después del éxito de Spider-Man 2, pero la tercera entrega de Sam Raimi terminó siendo víctima de sus propias ambiciones. La presencia del Hombre de Arena, Venom (de quien no deberías perderte su batalla contra Knull: El Dios de los Simbiontes) y Harry Osborn convirtió la historia en un rompecabezas difícil de equilibrar.
Aun con todos sus problemas, cuesta no sentir cierta simpatía por ella, más por lo que pudo haber sido que por lo que finalmente fue. Con el paso de los años, se ha convertido en un curioso placer culpable para muchos seguidores.
A pesar de sus numerosos defectos y de ese baile de Peter Parker que todavía provoca vergüenza ajena, la película cuenta con buenas escenas de acción y algunos momentos dramáticos interesantes. No alcanza el nivel de sus predecesoras, pero sigue siendo un cierre digno para la trilogía original.
9. The Amazing Spider-Man 2 (2014)
La segunda y última película protagonizada por Andrew Garfield es probablemente la más irregular de toda la saga. Marc Webb intentó construir un universo propio con demasiadas historias al mismo tiempo: Electro, el regreso de Harry Osborn, los secretos de los padres de Peter y los planes de Oscorp. El resultado fue una mezcla de ideas que nunca termina de encontrar el equilibrio.
Aun así, visualmente ofrece grandes momentos. La muerte de Gwen Stacy sigue siendo una de las escenas más impactantes y emotivas de todas las películas de Spider-Man, gracias especialmente al trabajo de Emma Stone (ganadora del Oscar por Pobres Criaturas) yGarfield. Es una lástima que esta versión del personaje no tuviera una tercera entrega, porque Garfield demostró que todavía tenía mucho que ofrecer bajo la máscara.
8. The Amazing Spider-Man (2012)
Reiniciar la historia de Spider-Man apenas cinco años después del cierre de la trilogía de Sam Raimi parecía una decisión arriesgada. Sin embargo, Andrew Garfield logró aportar al personaje una personalidad más cercana al espíritu de los cómics, con un Peter Parker más ingenioso, divertido y emocionalmente vulnerable. Por su parte, Emma Stone destacó como Gwen Stacy, ofreciendo una de las versiones más queridas del personaje gracias a su carisma y a la química con Garfield.
Aunque la película vuelve a explorar el origen del héroe y no supone una revolución dentro del género, funciona gracias al talento de sus protagonistas y a una interpretación algo más íntima y realista de Spider-Man. Con el paso del tiempo ha sido más reivindicada, especialmente por quienes valoran la química entre Garfield y Stone.
7. Spider-Man: Far From Home (2019)
Después de los acontecimientos de Vengadores: Endgame, Peter Parker solo quiere disfrutar de un viaje por Europa con sus amigos. Sin embargo, ser Spider-Man nunca permite unas vacaciones tranquilas.
La película apuesta por una aventura juvenil con grandes dosis de acción, comedia, drama y romance. Su mayor virtud es el equilibrio entre todos sus elementos y la química entre Tom Holland y Jake Gyllenhaal, que ofrecen una dinámica llena de humor, tensión y momentos emocionales. Jon Watts mezcla la comedia adolescente con grandes escenas de combate y unas secuencias de ilusión visualmente sorprendentes, que juegan con la percepción del espectador y muestran una de las facetas más originales del personaje.
Más allá de su espectacularidad, la película también profundiza en la evolución de Parker tras la pérdida de Tony Stark, mostrando a un joven que debe aprender a tomar sus propias decisiones y asumir el peso de sus responsabilidades. Este enfoque convierte la aventura en una historia de crecimiento personal además de una película de superhéroes. Además, su final supone un punto de inflexión que cambia por completo el futuro del héroe y deja abierta una nueva etapa para Spider-Man.
6. Spider-Man: Homecoming (2017)
Marvel decidió abandonar la clásica historia de origen y presentar directamente a un Peter Parker que intenta demostrar que merece formar parte del mundo de los Vengadores. Una decisión arriesgada que terminó aportando frescura al personaje.
Tom Holland encontró el equilibrio perfecto entre el adolescente inseguro y el héroe responsable, mientras que Michael Keaton ofreció uno de los mejores villanos de la franquicia con su interpretación del Buitre.
Divertida, fresca y fiel al espíritu del personaje, Homecoming marcó el inicio de una nueva etapa para Spider-Man y consiguió mostrar una versión del héroe mucho más cercana a la adolescencia de los cómics.
5. Spider-Man (2002)
Hoy puede parecer sencilla, pero en 2002 cambió para siempre el cine de superhéroes. Sam Raimi entendió que Spider-Man no solo debía lanzar telarañas y protagonizar grandes escenas de acción, sino emocionar al público con la historia de un joven obligado a asumir una enorme responsabilidad.
La película destacó por combinar el espectáculo del género con una historia de origen cercana y humana. Tobey Maguire construyó un Peter Parker vulnerable, tímido y lleno de dudas, mientras que el reparto aportó una gran carga emocional a personajes como Mary Jane Watson y el Duende Verde de Willem Dafoe, que creó un Duende Verde inolvidable. La película demostró que las historias de superhéroes podían tener éxito tanto por su espectáculo como por sus personajes.
Para muchos espectadores, escuchar la música de Danny Elfman (el compositor favorito de Tim Burton) o ver a Tobey balanceándose entre los rascacielos sigue despertando la misma emoción que hace más de veinte años.
4. Spider-Man: No Way Home (2021)
Pocas películas han conseguido emocionar a varias generaciones de fans al mismo tiempo. El regreso de Tobey Maguire y Andrew Garfield no fue únicamente un ejercicio de nostalgia, sino una oportunidad para cerrar historias pendientes y aportar más profundidad al Peter Parker de Tom Holland. (puedes consultar la crítica pinchando el enlace).
Ver a los tres Spider-Man compartiendo pantalla fue un momento que durante años parecía imposible. Además del espectáculo multiversal, la película recupera uno de los elementos esenciales del personaje: el sacrificio. Su desenlace devuelve a Spider-Man a sus raíces y se convierte en una celebración del legado del personaje, siendo un recordatorio de por qué sigue siendo uno de los héroes más humanos de Marvel.
3. Spider-Man: Cruzando el Multiverso (2023)
La secuela de Un nuevo universo (aquí puedes leer la crítica) elevó el nivel en prácticamente todos sus apartados. Cada universo posee un estilo artístico diferente, la animación alcanza una libertad visual pocas veces vista en el cine comercial y la historia de Miles Morales adquiere una dimensión mucho más ambiciosa.
Más que una simple continuación, es una demostración de hasta dónde puede llegar la animación cuando se combina con una historia llena de personalidad y emoción. La película habla sobre el destino, la familia y la importancia de decidir quién queremos ser. Una auténtica joya de la animación moderna.
2. Spider-Man 2 (2004)
Muchos la consideran una de las mejores películas de superhéroes jamás realizadas. Sam Raimi construyó una historia donde la acción nunca está por encima del conflicto personal de Peter Parker, obligado a elegir entre una vida normal y su responsabilidad como héroe.
Doctor Octopus, interpretado magistralmente por Alfred Molina, continúa siendo uno de los grandes villanos del género. La secuencia del tren sigue siendo espectacular y demuestra que los efectos especiales siempre deben estar al servicio de una buena historia. (No os perdías una de las mejores series del año: Spider-Noir)
Su estilo visual transformó la animación al convertir las viñetas de un cómic en movimiento, pero su verdadero triunfo está en la historia que cuenta. Miles no se convierte en Spider-Man porque sea perfecto, sino porque aprende que cualquiera puede llevar la máscara cuando encuentra el valor para hacerlo.
Emocionante, divertida y llena de personalidad, la película entiende que el legado de Spider-Man nunca ha dependido de una sola persona. Peter Parker, Miles Morales y todos los que han llevado ese símbolo comparten la misma idea: un héroe no se define por sus poderes, sino por la responsabilidad de utilizarlos para ayudar a los demás. Es una obra que recuerda por qué Spider-Man nunca ha sido solo un superhéroe, sino un símbolo de esperanza para millones de personas.
Spider-Man ha demostrado que un héroe puede cambiar de rostro, estilo y generación sin perder aquello que lo hace especial. Desde Peter Parker hasta Miles Morales, todas estas películas comparten la misma idea: detrás de la máscara siempre hay alguien que lucha, aprende y sigue adelante. Y quizá ahí reside el verdadero poder del Hombre Araña: después de más de sesenta años, sigue siendo el superhéroe con el que resulta más fácil identificarse.
La galaxia de Star Wars siempre ha tenido una tendencia al extremismo moral. Por un lado, tenemos a los paladines de la luz, perfectos, idealistas y con un preocupante exceso de fe en la bondad. Por el otro, a los señores oscuros que visten de negro y destruyen planetas por placer. Y justo en medio, en esa maravillosa y embarrada zona gris donde las reglas se diluyen, habita la Doctora Chelli Lona Aphra y otros personajes muy atractivos de este universo. Aphra es la única arqueóloga espacial capaz de saquear un templo ancestral, estafar a un sindicato del crimen y traicionar a sus aliados, todo antes del desayuno.
Tras sobrevivir a Darth Vader (un logro que podría grabar en su epitafio), el inicio de la etapa Agente del Caos, que abarca sus primeros cinco números, nos plantea una premisa que no es nada nueva, pero que funciona: ¿Qué pasa cuando obligas a la contrabandista más cínica, egoísta y caótica de la galaxia a trabajar para el bando de los «buenos»? El resultado es el equivalente intergaláctico a meter a un mapache rabioso en una tienda de porcelana fina.
La historia de estos cinco primeros números funciona gracias a un choque cultural insostenible. La Nueva República está en pleno proceso de reconstrucción. Son los chicos buenos del vecindario, creen en los comités, en los formularios por triplicado y en la diplomacia. Para ellos, el fin no justifica los medios.
Y entonces llega Aphra, cuya filosofía de vida se resume en que el fin no solo justifica los medios, sino que los medios probablemente incluyan dejar a su tripulación atrás si las cosas se ponen feas.
Verla obligada a ejercer de agente para el nuevo gobierno es un ejercicio de tensión cómica bastante interesante. Aphra no es una heroína reformada; no ha visto la luz ni se ha conmovido por los discursos sobre la libertad y la justicia. Está ahí porque no le queda otra opción, moviéndose por pura supervivencia y beneficio propio. La gracia del guion radica en mostrar su auténtica alergia y rebeldía hacía las normas.
Su ‘método de investigación’ consiste en improvisar sobre la marcha mientras esquiva disparos de bláster, algo que desquicia por completo a cualquiera.
Si esto ya puede dar a momentos divertidos, la trama alcanza su punto álgido cuando Aphra se ve obligada a interactuar con los pesos pesados de la trilogía original. Estos personajes pasaron años luchando por la Alianza Rebelde. Derrotaron al Emperador a base de honor, sacrificio y la Fuerza. Y de repente, el destino de una misión secreta crucial depende de una mercenaria que vendería las naves de la República a un chatarrero Jawa si el precio fuera lo suficientemente jugoso.
La desconfianza mutua se palpa en cada viñeta y eleva el interés de la trama. Los héroes clásicos la miran como si fuera una bomba de relojería sin instrucciones de desactivación. Saben que la necesitan por sus habilidades únicas para moverse en los bajos fondos y descifrar tecnología prohibida, pero la tensión es constante. Aphra, por su parte, los trata con un cinismo refrescante; para ella no son mitos vivientes, son un puñado de boy scouts idealistas con un alarmante instinto suicida.
Este arranque de ‘Agente del Caos’ saca por completo a la protagonista de su zona de confort. Aphra ya no está huyendo del Imperio o de un clan mafioso, lo que introduce una atmósfera diferente, menos opresiva o repetitiva pero mucho más dinámica. Al obligarla a jugar en el bando de ‘los buenos’, el cómic se convierte en una sátira sobre las dificultades de gobernar una galaxia tras una guerra civil.
Estos cinco números combinan la acción marca de la casa con los diálogos afilados y la comedia de ‘pez fuera del agua’. Aphra es ese mal necesario, alguien dispuesto a meter las manos en el fango y jugar sucio. Y en toda la galaxia, nadie tiene las manos más sucias ni el ingenio más rápido que nuestra querida e incorregible doctora. Un inicio de arco impecable que demuestra que, a veces, un poco de caos es la única forma de salvar el orden.
Este tomo de la doctora Aphra es una lectura divertida, entretenida y que va a hacer las delicias de los fans del personaje y del universo más gris de Star Wars. Un buen comienzo para una nueva etapa que promete mucho.
La parte negativa es que el apartado visual no ha terminado de gustarme en muchos momentos y hay entintados que parecen simples pegotes de tinta que no encajan con el color del cómic.
Ya está con nosotros la cuarta temporada de Star Trek: Strange New Worlds y su primer episodio, que aquí analizamos, visita un par de tópicos muy caros a la ciencia ficción, pero no particularmente visitados en la franquicia. Creada por Akiva Goldsman, Jenny Lumet y Alex Kurtzman, la serie es emitida por Skyshowtime para España y Paramount+ para América Latina.
Hola otra vez, trekkies y no tan trekkies. Casi un año (menos de lo esperado, al menos por mí) ha pasado desde que nos despidiéramos de la tercera temporada de Star Trek: Strange New Worlds y aquí estamos para analizar el inicio de la cuarta y penúltima, pues ya sabemos que, por mucho dolor que provoque en quienes tanto amamos esta serie, la cosa acabará en la quinta. Es cierto, de todas maneras, que toda precuela debe necesariamente tener un final y los sucesos deberían en algún momento fluir naturalmente hacia los de la serie original; de hecho, ya lo están haciendo.
En el medio, quizás me hayan seguido (o no) con los análisis episódicos de StarFleet Academy, una serie que comenzó con problemas y hasta pareció desbarrancar de inicio, pero fue después escalando de menor a mayor y encontrando poco a poco su lugar. Quizás tarde, pues ello no consiguió evitar la cancelación, aunque la buena noticia es que al menos veremos una temporada más y ello permitirá siquiera darle cierre.
En cuanto a SNW, la serie que nos ocupa, hay que admitir que, después de dos temporadas excelentes, hemos tenido una tercera más irregular, sobre todo en su segunda mitad, aunque el balance final terminó siendo más que positivo.
Nos preguntábamos con qué se vendría la cuarta, sobre todo al acercarse cada vez más el ya escrito futuro de nuestro querido Pike que, por sus valores, empatía y compromiso con la tripulación, se ha ganado un lugar entre los capitanes más queridos de la franquica. Y nos duele verle debatirse entre lo que le espera y lo que ha dejado atrás, particularmente su amor por Marie Batel.
Amén de ello, este capítulo de inicio sorprende y no tanto por su temática, ya que el viaje en el tiempo es un tópico muchas veces visitado en la franquicia, pero sí por el modo, lugar y época que en este caso implica, con un inmenso loop que, a la larga, conduce al origen de la especie humana. Casi nada…
Pasemos a ver qué nos ha dejado este inicio de temporada, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de invitarles a echar ojo a nuestros análisis anteriores, tanto de esta como de otras series y películas de una franquicia que celebra este año su 60° aniversario (muy linda, por cierto, la presentación especial con todas las naves que pasaron por la misma).
Es bueno volver a ver a Pike a caballo y, en efecto, comenzamos con él junto a La’an y M’Benga, cabalgando los tres en modo cowboy por un mundo alienígena que recuerda al oeste americano aun cuando el paisaje incluya rocas y estructuras que parecieran por alguna razón flotar en ingravidez. No queda claro el motivo, como tampoco la misión (solo que tuvieron que entregar alguna medicina) o por qué lucen de esa manera, pero no importa: para quienes amamos tanto al wéstern como a la ciencia ficción, es el tipo de escena que amamos ver…
Ya en la Enterprise, se advierte a Pike ensimismado y no logrando procesar lo de Batel. Una le recomienda descansar en algún momento y, aun cuando disfrute su nuevo cargo de comandante, dice que también a ella le gustaría alguna vez bajar en una de esas misiones.
De visita en la Enterprise, April ofrece a Pike un ascenso a comodoro y le deja pensar el ofrecimiento hasta que termine su siguiente misión, consistente en estudiar una tormenta interestelar de categoría 10. No hay que proteger ninguna colonia ni salvar ninguna civilización o forma de vida; solo observar y estudiar, lo cual emociona particularmente a Pelia que, según cuenta, estaba en una cabina telefónica cuando presenció por última vez un fenómeno de ese tipo: ya son tres los guiños a Doctor Who…
Pero la tormenta, finalmente, excede a la Enterprise, que se ve atrapada y absorbida, al parecer por una boya en su interior. A duras penas, logran salvarla y mantener el soporte vital, pero poco más que eso. No hay energía, todos los sistemas están disminuidos y no tienen escudos, armas ni warp.
Sin saber adónde han ido a parar, comprueban que en las cercanías hay tres planetas M y en uno de ellos detectan la presencia del ilirio que podría ayudarlos a salir de allí. Envían pues una lanzadera y, cumpliendo Pike su pedido, esta vez sí le toca a Una integrar la misión, lo cual hace en compañía de Ortegas y La´an.
Una vez allí, comprueban que se trata de un planeta boscoso y con muchas señales de vida animal. Entre la vegetación, de hecho, parece moverse una criatura que de momento no se muestra, pero que cada tanto la agita. Me vino a la cabeza el monstruo de humo de Perdidos, pero acaba siendo algo muy diferente e, incluso, más conocido…
Marcianos al Ataque
Mientras tanto, la Enterprise resulta capturada por una nave oscura y desconocida a través de unos apéndices de energía que funcionan como rayos tractores. Pike logra ponerse en comunicación con la misma y, específicamente, con su comandante Cassel (Saffron Burrows), quien se arroga para los suyos el derecho a haber tomado la nave por suponerles aliados de los dol-dúrm, su raza enemiga.
Spock logra, entretanto, determinar que la tormenta los arrojó 65 millones de años atrás en el tiempo y que están… en el Sistema Solar. El planeta hacia el que están siendo llevados por sus captores no es otro que Marte y el mundo al cual fue enviada la lanzadera es por lo tanto la Tierra de finales del Cretácico.
La situación es delicada, pues lo más posible es que una civilización marciana de hace tanto tiempo no haya oído jamás hablar del warp, lo que lleva al clásico conflicto de la Primera Directiva. Pero no es la primera vez que Pike se salta los libros e invita a Cassel a bordo de la Enterprise, llegando esta con dos guardias y atravesando paredes en lo que dan en llamar “tecnología de fase”.
Aunque la conversación comienza tensa, Pike logra convencerla de que no son enemigos ni tienen idea de los dol-dúrm. Más relajada, Cassel se admira de la convivencia entre distintas razas que se advierte en la nave y hasta se interesa por el funcionamiento de la Federación, de la cual, obviamente, su especie tampoco ha oído jamás hablar. Pero, a pesar de todo y por fuerza de las circunstancias, la suya es una civilización guerrera permanentemente obligada a defenderse, lo que le hace interesarse especialmente por las armas.
Su mundo está siendo devastado por los dol-dúrm desde que fuera impactado en la zona conocida como Valle Marineris, llevando ello a la muerte de su gente por millones en un proceso que, según su perspectiva, no se puede detener sin un arma adecuada para contraatacarlos. Pike pregunta si han intentado comunicarse con sus agresores para llegar a un entendimiento, pero le responden que no hay forma de hacerlo por tratarse de una especie bestial que solo vive para alimentarse.
Él se compromete entonces a utilizar los conocimientos de Uhura en lingüística y de Samuel en xenoantropología para tratar de establecer contacto y detener la matanza sin necesidad de una réplica igualmente asesina. Pero mientras están en ello, Cassel y sus guardias consiguen acceder a la sala del motor y apoderarse de una celda de combustible de antimateria.
Pike intenta detenerlos, pero es en vano. Él manifiesta su decepción de que hayan cometido un robo mientras intentaban ayudarlos y Cassel la suya de que no le hubiesen contado que venían de otra época, tal como han logrado averiguar en el ordenador de la nave. Más aún: ahora saben que Marte es en el futuro un planeta muerto, lo cual adjudican a los dol-dúrm y hace aún más urgente su exterminio con la antimateria de la que se han apropiado.
Una vez que los marcianos se marchan, liberan a la Enterprise y, al indagar su destino, Spock consigue determinar que se dirigen con rumbo al quinto planeta, pero no Júpiter, como podría pensarse, sino un mundo intermedio entre este y Marte que sería, justamente, el hogar de los dol-dúrm.
La idea de Cassel y los suyos es acercarse lo suficiente para arrojarle un disparo de antimateria y lo más probable es que tampoco ellos sobrevivan, es decir que piensan sacrificarse por la supervivencia de su especie. La única forma en que la Enterprise podría alcanzarles y detenerlos es con el ilirio que el grupo de Una ha ido a buscar a la Tierra…
Parque Cretácico
El grupo desembarcado, mientras tanto, se encuentra con el problema de que para llegar al ilirio necesitan librarse de un tyrannosaurus rex en su camino. Ello genera debate interno porque matarlo podría dejar drásticas consecuencias para el futuro. En un movimiento arriesgado, pues, Una logra aturdirlo con un disparo de fáser directo a las fauces y se encuentran con que la detectada fuente de ilirio coincide con una nave alienígena estrellada.
Llevándose la única celda sana que de dicho elemento hallan, el grupo emprende regreso a la Enterprise, no sin antes tener un nuevo encuentro con un reptil, más pequeño y emplumado, pero igual de ominoso. La’an logra alejarlo con solo propinarle un puñetazo mientras Uma y Ortegas la miran con asombro y el de ella no es menor: se siente distinta tras las mejoras genéticas y no podemos evitar pensar en Khan…
Quinto Planeta
Spock ha descubierto que podrían revertir el efecto de la tormenta que les llevó atrás en el tiempo, pero para ello necesitarían el equivalente a la energía de una supernova. Mientras tanto, salen a la caza de la nave de Cassel y, gracias al ilirio, pueden hacer ahora funcionar los sistemas de la nave e incluso sus torpedos fotónicos. La idea es arrojar uno contra la antimateria que los marcianos planean a su vez lanzar contra el quinto planeta.
En ese momento, sin embargo, algo parece restalla en la mente de Pike y detiene la orden, pues en el futuro no habrá en esa zona ningún quinto planeta. Si se quiere mantener el mismo como tal, la forma no es actuando sino, justamente, no haciéndolo. Es una decisión dificil, desde luego, porque implica ser meros espectadores de un genocidio, que es lo que efectivamente ocurre…
El disparo de antimateria golpea entonces al planeta de los dol-dúrm destruyéndolo y también a la nave marciana. Un enorme fragmento del mismo sale disparado en dirección a la Tierra y es el que terminará acabando con la era de los dinosaurios y provocando la gran extinción masiva que todos conocemos. El resto conformarán el actual cinturón de asteroides entre Marte y Júpiter.
Lo siguiente para la Enterprise es escapar a la explosión, pero Spock, propone, por el contrario, ir hacia ella para ser arrastrados de regreso al futuro. Pike, que siempre confía en su tripulación, da el visto bueno y así vuelven a su época.
Los hechos sucedidos generan debate y dilemas morales: por un lado se ha dejado morir a un planeta y a una especie completa para preservar la línea temporal (otra culpa más para el pobre Pike) pero, además y en un increíble loop, termina siendo la propia Enterprise la que a la larga da origen a la humanidad, que nunca hubiera encontrado un camino evolutivo entre los grandes depredadores del Cretácico.
Y la ausencia del quinto planeta, a partir de su destrucción, generó por otra parte cambios gravimétricos que afectaron a Marte enfriándolo y convirtiéndolo, como es hoy, en un mundo sin vida. Fuerte…
Mientras el resto de la tripulación es acosada con preguntas sobre dinosaurios, Pike tiene que decidir sobre el ofrecimiento de ascenso hecho por April, pero lo rechaza argumentando que su presente está en la Enterprise y en ello debe concentrarse en lugar de preocuparse por el pasado o por el futuro. Aconseja, en virtud de ello, derivar el ascenso a Una y, extrayendo de su biblioteca un ejemplar de Una Princesa de Marte, de Edgar Rice Burroughs, recuerda que su padre menospreciaba ese libro por no creer que pudiera haber vida en el planeta rojo antes de la terraformación. Ahora, él sabe que sí…
Balance del Episodio
Vaya que nos ha dejado con la boca abierta este capítulo que, por cierto, marca un retorno al carácter autoconclusivo que tenían los primeros de la serie o los que históricamente caracterizaron a la franquicia antes de la llegada de Star Trek: Picard.
No es que haya sido un episodio perfecto y es cierto que lo que propone suena demasiado grande o desmedido, pero tiene unos cuantos puntos a destacar, comenzando con que nunca en la franquicia habíamos tenido marcianos ni dinosaurios y aquí tuvimos de los dos. Habíamos, sí, tenido referencias muy tangenciales a Marte y recuerdo el episodio Origen Distante, de Star Trek: Voyager (3×23), en el cual la tripulación de Janeway se encontraba con los Voth, raza de reptiles humanoides del Cuadrante Delta que terminaba teniendo filiación genética con nuestros extintos dinosaurios.
Pero no habíamos visto a ningún capitán ni tripulación encararse con dinosaurios propiamente dichos del Cretácico y, a decir verdad, era raro que no hubiese ocurrido, sobre todo cuando en los últimos treinta años se instaló una fiebre de consumo en torno a los mismos a partir de la franquicia Jurassic Park (el final de capítulo parece un homenaje) y todos los subproductos de ella derivados.
De hecho, ya nos vimos venir algo cuando Spock dijo que habían sido llevados 65 millones de años al pasado, porque ese es un número mágico. Y no fue lo único previsible: en cuanto se dijo que había un quinto planeta intruso entre Marte y Júpiter, nos vimos venir el cinturón de asteroides y comenzamos a atar cabos con la extinción masiva de los dinosaurios.
Hay algunas imprecisiones científicas, quizás más de las habituales en el universo Star Trek. La teoría del planeta que habría dado lugar al cinturón estuvo durante muchos años instalada y hasta se dio un nombre al mismo: Faetón. Pero quedó descartada con el correr del siglo XX al comprobarse que la masa sumada de todos los asteroides es demasiado ínfima como para sugerir un planeta previo y que la composición de los mismos no encaja con un único origen.
De haber existido realmente ese planeta, por otra parte, las consecuencias gravimétricas de su destrucción hubieran ido mucho más allá del enfriamiento de Marte (bastante más antiguo, por cierto, de lo que propone el capítulo, pues data de miles de millones de años), del mismo modo que está comprobado que el asteroide de Chicxulub, responsable de la extinción de los dinosaurios, provino de mucho más allá de la órbita de Júpiter.
Pero son conceptos que han estado instalados durante mucho tiempo en la ciencia ficción y allí reside el principal atractivo del capítulo: rendir homenaje a la misma. Y al hacerlo, se apoya menos en la verosimilitud científica que en los mitos por el género creados y por años institucionalizados. Así, el episodio consigue unir tres tópicos muy visitados como el planeta Faetón, la extinción de los dinosaurios y la civilización marciana, no siendo casual el homenaje explícito a Burroughs y su inolvidable Barsoom de las historias deJohn Carter. Por cierto, una delicia que Pike las tenga en papel…
Pero hay también homenajes más sutiles e implícitos. En lo particular, me dio la impresión de que el episodio se tocó dos veces con Ray Bradbury. Cuando el grupo de desembarco entró en debate acerca de las consecuencias futuras que podría acarrear matar un T-Rex, me fue imposible no pensar en El Sonido de un Trueno, aquel célebre cuento en que una compañía ofrecía, justamente, la posibilidad de viajar al pasado para matar uno de ellos. No voy a contar cómo termina, aunque el final es famoso y se relaciona, incluso desde lo literal, con el llamado “efecto mariposa” al que aquí se alude de manera implícita.
El otro momento fue la conversación entre Pike y Cassel después de que esta ha robado la celda de antimateria: ambos representan respectivamente al futuro y al pasado (dos conceptos que, además, torturan permanente a Pike), lo que me remite al relato Encuentro Nocturno, incluido en Crónicas Marcianas (aquí análisis de un servidor), en el que un colono terrícola de Marte se encontraba en la carretera con el “fantasma” de un marciano del tiempo en que el planeta todavía rebosaba de vida. La tristeza de esa escena me llevó inevitablemente a la que en mi adolescencia me produjo aquel cuento y la química entre Anson Mount y Saffron Burrows la hizo realmente buena.
Es cierto que al convivir dos subtramas en escenarios diferentes, no tuvieron las dos el mismo peso y la cretácica fue, lamentablemente, la que quedó en segundo plano. Nos hubiera gustado ver más interacción entre humanos y dinosaurios (habría elevado los costes, eso sí), pero fuera de ello hemos visto un muy entretenido inicio de temporada que nos deja la cabeza torturada con un eterno loop sin solución: si la humanidad está en la Tierra, es porque la Enterprise viajó al pasado, pero esta no hubiera viajado nunca de no haberla. Es el uroboros: la serpiente que se devora a sí misma por la cola…
No faltaron los dilemas morales tan característicos de Star Trek. Permitir un genocidio para mantener la línea temporal suena terrible, pero necesario en el contexto aquí planteado. Lo que me da pena es que siempre sea el pobre Pike quien tenga que tomar ese tipo de decisiones como si no cargara ya con suficientes conflictos y culpas.
Y tampoco faltaron los guiños perdidos, de esos que nos van adelantando lo que más adelante pueda ocurrir, ya que esta serie ha demostrado muchas veces que cuando nos muestra algo que aparenta ser casual o incidental es porque volverá a aparecer y no necesariamente en el próximo episodio, sino quizás cuando ya lo hayamos olvidado. Lo de Doctor Who ya parece un anuncio directo de crossover y los cambios que está experimentando La’an nos conducen hacia uno de los personajes e historias que más han calado en el mundo trekkie…
Hasta la próxima y sean felices. Larga vida y prosperidad…
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros las novedades de Astiberri Ediciones, previstas para este mes de agosto. Cuando voy a mi librería habitual, entre conversaciones de aficionados, alguno de nosotros siempre decimos: «Astiberri siempre lo hace bien«.
Novedades Astiberri Ediciones agosto 2026
Ya sabéis lo que toca ahora. Vamos a seleccionar el título que más nos llama la atención de entre todas las novedades de Astiberri, para este mes de agosto.
El archivo de Stamford Hawksmoor
Es una novela gráfica policial y política ambientada en una ucronía victoriana ocupada por Francia, donde el detective Stamford Hawksmoor persigue una cadena de asesinatos que esconden una conspiración de gran alcance.
La historia transcurre en los últimos días de la ocupación francesa de Gran Bretaña, en una Londres alternativa de calles empedradas, farolas de gas y callejones sórdidos, con una atmósfera entre el noir clásico y la ciencia ficción retro.
En ese contexto opresivo, el detective Stamford Hawksmoor investiga una ola de crímenes aparentemente inconexos que va desde muertes aleatorias hasta atentados políticos selectivos.
A medida que Hawksmoor profundiza en el caso, descubre que detrás de los asesinatos hay antagonistas desconocidos y fuerzas políticas que operan en la sombra. La investigación le obliga a asumir riesgos cada vez mayores, moverse en el límite de la legalidad y enfrentarse al escrutinio de una temida brigada antiterrorista que vigila cada uno de sus pasos.
El archivo de Stamford Hawksmoor es una precuela del universo de Grandville, pero está concebida como una lectura totalmente independiente.
Talbot la plantea como una puerta de entrada ideal: Funciona como puerta de entrada al mundo históricamente divergente de Grandville y, al mismo tiempo, enriquece la lectura de los volúmenes ya publicados para quienes lleguen desde la serie principal.
Tendremos disponible este título, el próximo 27 de agosto. Pinchad AQUÍ para obtener más información desde la web de Astiberri.
Y hasta aquí nuestras recomendaciones del catálogo de Astiberri Ediciones, de agosto de 2026. Justo un poco más abajo, os dejamos el pdf completo, con todo el catálogo de novedades.
Echad un ojo, disfrutad, no paséis frío y sobre todo …
A ver si nos reposa un poco el cerebro después del atracón comiquero. Porque si el cine se llevó los titulares más ruidosos en San Diego, las plataformas de streaming no se quedaron quietas y decidieron que el fin de semana fuera un no parar de infartos múltiples. Los anillos de Poder y TODOS los tráileres del San Diego Comic-con.
Si te pensabas que lo habías visto todo con los superhéroes, agárrate a la silla que vienen curvas con estas joyitas que asomaron la patita en el evento.
El regreso a la Tierra Media con Los Anillos de Poder (Temporada 3). Amazon Prime Video soltó un avance de esos que realmente molan. Eso si, luego habrá que ver si la serie mejora respecto a las primeras temporadas.
La cosa se pone fea de verdad porque Sauron ya está desatado forjando el anillo único y preparando ejércitos para arrasar con todo. Además, meten fichajes de renombre como Simon Pegg poniendo voz al mismísimo Balrog o Eddie Marsan de noble enano. Se estrena el 11 de noviembre. Menos mal que nos queda la fantasía épica para pasar el invierno.
En definitiva, que las plataformas se han gastado el presupuesto del año en media hora de convención. El otoño se presenta calentito.
Para ver todos los adelantos de la convención de golpe, puedes echarle un ojo a este resumen de trailers de la Comic-Con 2026.
