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San Diego Comic-Con Málaga 2026: La redención del sueño roto de 2025

La San Diego Comic-Con Málaga 2026 no era una edición cualquiera: era un auténtico examen para la organización. Tras el aluvión de críticas que cayeron sobre la primera edición celebrada el año pasado, la gran mayoría dirigidas hacia el caos organizativo y la sensación general de que la marca había quedado muy resentida, este año la convención estaba bajo la lupa de aficionados y prensa. El margen de error era sencillamente cero; cualquier nuevo tropiezo se iba a ver agrandado y habría sentenciado la franquicia en la Costa del Sol. Sin embargo, esa prueba de fuego decisiva ha terminado convirtiéndose en un golpe sobre la mesa rotundo y en la mejor respuesta posible a quienes dudaban de su viabilidad.

Todo ha estado infinitamente mejor organizado que el año pasado. Si aquella primera entrega dejó frustración de ver cómo el sueños de muchos se convertía en pesadilla, la Comic-Con Málaga 2026 ha demostrado que esta nueva organización escuchó, tomó nota y ejecutó una reestructuración ejemplar. Lo vivido este fin de semana en el FYCMA no solo ha redimido los tropiezos del debut, sino que ha consolidado a la capital de la Costa del Sol como el epicentro europeo indiscutible de la cultura pop y el cómic que puede ser espectacular año tras año.

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EN CF: EL RESTO DE CAPÍTULOS DE ‘LANTERNS’


El cambio más radical y aplaudido por todos ha sido la gestión del espacio, aprovechando el exterior alrededor del edificio. Para solucionar el agobio de la edición anterior, se ha levantado una inmensa carpa doble exterior climatizada que prácticamente ha triplicado la superficie útil del evento. Gracias a esta ampliación, los pasillos interiores entre los stands y tiendas tienen una anchura que permite caminar, ojear material con calma y detenerse en cada punto de interés sin sufrir los habituales tapones humanos. A pesar de una afluencia masiva de público llegado de toda España y del resto de Europa, la sensación predominante ha sido la de fluidez y desahogo: no hubo aglomeraciones asfixiantes ni momentos de caos en los pabellones principales.

Esa mejoría logística se notaba desde el primer contacto en el exterior del recinto. El año pasado, los asistentes tuvieron que soportar colas interminables que llegaron a superar las dos horas y media bajo el sol. En esta edición de 2026, el acceso general estuvo perfectamente coordinado y la espera media fue de a apenas 50 minutos durante los momentos de mayor pico matinal. Un trámite razonable teniendo en cuenta el número de asistentes.

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En el apartado de contenidos, la convención dio el salto cualitativo y cuantitativo definitivo. Lejos de conformarse con ver Toy Story en una televisión (como en 2025), los auditorios ofrecieron paneles de primerísimo nivel donde gigantes como Marvel y su ‘Avengers: Doomsday’ y ‘Visionquest’ Disney, SquareEnix y DC desembarcaron con anuncios exclusivos y metrajes inéditos que tenían el auténtico aroma de la Comic-Con original de San Diego.

El ambiente vibró con la cercanía del star-system internacional. Figuras de la talla de Josh Brolin, Anthony Mackie, David Harbour y Paul Bettany presentando sus proyectos. Sin olvidar Karl Urban, Mira Sorvino, Elijah Wood, Christopher Lambert, el elenco de Los Serrano o de Starship Troopers con quien hacerse una foto y tener su firma.

Quizás algunas de estas estrellas lo fueron hace muchos tiempo y muchos aficionados piensen que podían haber invitado a otros más contemporáneos (Y tienen razón), pero esto no ha hecho más que empezar, con esta organización 2027 puede ser maravilloso.

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Más allá del brillo de Hollywood, el corazón latiente de la convención fue el noveno arte (por algo es una Comic-Con). La organización del Artists’ Alley y de las zonas de firmas corrigió de raíz los colapsos de antaño. En la inmensa mayoría de los casos, acceder a una firma o a un breve intercambio de palabras con dibujantes y guionistas consagrados fue un proceso rápido, cómodo y sin fricciones innecesarias.

Se celebraron multitud de conferencias, charlas y mesas redondas de debate continuo. Hubo coloquios sobre absolutamente todo lo que concierne al mundo del cómic y anuncios de novedades de las editoriales. Salas enteras con lectores que pudieron debatir y escuchar a creadores, divulgadores y críticos en un ambiente espectacular.

Nombres como Natacha Bustos, Carlos Nieto, Carmen Carnero, Chris Condon, Alvaro Martinez Bueno, Isaac Sanchez, Jorge Fornés, Rafa Sandoval, Enrico Marini, etc estuvieron firmando durante horas en sus stands y he de mencionar que no tuve que esperar ni 5 minutos para cada una de las generosas firmas que me traje para casa.

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Como era de esperar, las grandes excepciones correspondieron a los pesos pesados de la industria: Jorge Jiménez, Dan Mora y John Romita Jr. movilizaron a auténticas mareas humanas. Conseguir una firma o un sketch del artista granadino o de la leyenda viva de Marvel requirió armarse de paciencia y hacer cola de forma disciplinada durante bastante tiempo. Sin embargo, incluso en estos dos puntos neurálgicos, la gestión estuvo infinitamente mejor estructurada que en 2025, garantizando que el flujo avanzara de manera ordenada y que nadie perdiera el día entero atrapado en una hilera estática.

El despliegue comercial y editorial redondeó una experiencia formidable. Los stands de las principales editoriales españolas ocuparon los espacios que se merecían y no lo que tuvieron el año pasado. Sellos de referencia como Panini, Norma Editorial, Arechi manga, Planeta Comics, Dolmen o Moztros acudieron con un catálogo espectacular y ediciones exclusivas producidas expresamente para la cita malagueña. Poder hojear novedades, adquirir piezas de coleccionista y charlar directamente con los editores en puestos amplios convirtió el paseo por el área comercial en un auténtico deleite.

La gran variedad de foodtrucks y la presencia de Domino’s Pizza ha logrado que el nivel y el número de ofertas alimentarias haya sido muy superior a lo sufrido el año pasado. Los precios han sido altos, pero lo normal cuando vas a cualquier concierto o evento similar.

No faltaron las fuentes de agua dispersas por todo el complejo que han hecho que el calor sea más llevadero.

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La San Diego Comic-Con Málaga 2026 ha demostrado que el descalabro del año pasado es agua pasada y que había que pisar el acelerador y darle a los fans la mejor experiencia.

Lejos de aquel debut caótico en el que todo parecía reducido a la mínima expresión, este fin de semana el público ha disfrutado de una convención a la altura de su nombre legendario. La cita de 2026 ha sido, sin medias tintas, exactamente lo que debió haber sido la edición de 2025: una fiesta multitudinaria, cómoda, llena de novedades de primer nivel y con el espíritu friki brillando en su máxima expresión. Málaga ya no solo alberga una Comic-Con; se ha ganado el derecho a ser su hogar durante muchos años más.

Las palabras que habéis leído son las de alguien a quien Fernando Piquer y su equipo han conquistado.

Aqui os dejo la web de San Diego Comic-Con Málaga.

Un saludo y sed felices.

Crítica de La bola negra (2026), la magistral epopeya romántica de Los Javis.

Miedo me dan las expectativas. Generalmente, me fío poco de las películas que reciben la unanimidad crítica, por lo que me sumergí en La bola negra con prudencia. No me fiaba de la aclamación generalizada, aunque sí del éxito en Cannes (premio a mejor dirección), San Sebastián (menos meritorio, que es cine patrio), Sidney y Toronto.

Y he decir que toda alabanza es poca. La bola negra es un éxito rotundo de Javier Calvo y Javier Ambrossi, conocidos como los Javis. Una película más grande que la vida que supone un punto de inflexión en su carrera y que será recordada como un hito del cine español. A la altura de Bienvenido Mr. Marshall, Viridiana, El espíritu de la colmena o Hable con ella.

La bola negra no es una biografía del poeta Federico García Lorca ni este es un personaje principal de la película como se ha comentado en algunas páginas especializadas. Su figura y, sobre todo, su obra funciona como el molde en el que se desarrollan tres historias bien diferenciadas que acaban encontrando su conexión narrativa de forma magistral. Esta es una película en la que es imprescindible no conocer detalles de su argumento para un primer visionado pleno.

La película narra tres historias situadas en periodos distintos.

La primera sitúa al joven Carlos (Milo Quifes) que, en 1932, intenta formar parte del Casino de Granada pero el consejo, compuesto por las elites de la ciudad, se niega a admitirle porque se dice que es homosexual.

La segunda avanza pocos años después, a 1937, donde un soldado nacional (Guitarricadelafuente) debe custodiar a un prisionero republicano herido (Miguel Bernardeau) a la espera de interrogatorio y juicio.

La tercera ocurre en 2017, donde un historiador (Carlos González) descubre que su abuelo, al que nunca conoció, ha fallecido recientemente y le ha dejado algo en herencia.

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Narrativamente, Los Javis esgrimen una historia calculada para atraparnos y, finalmente, emocionarnos profundamente.

Nuestro análisis de Paquita Salas, la primera serie de televisión de los Javis.

En su primera parte, al alternar indistintamente y de forma fluida entre las tres historias, existe un riesgo de que al espectador le cueste entrar en la propuesta de La bola negra.

Nada más lejos de la realidad, porque la historia situada en la actualidad no deja de ser un misterio familiar, dado que el abuelo del protagonista abandonó a la madre de este sin dar explicaciones y desconocemos por qué un hombre que apenas ha conocido a su hija y que no tenía noticias de su nieto podría dejar algo en herencia a ambos.

En cuanto a la historia situada en la Guerra Civil, se establece una relación entre captor y prisionero que remite a grandes dramas románticos como El paciente inglés. Esta relación está narrada sin estridencias ni exageraciones, de forma sutil y contenida gracias a las grandes interpretaciones tanto de Miguel Bernardeau como, sobre todo, Guitarricadelafuente en su primer papel protagonista. No tengo ninguna duda de que ganará el Goya a mejor actor revelación.

La historia situada en Granada supone una mención aparte. A diferencia del realismo de las otras vías narrativas, el viaje de Carlos parece una ensoñación en la que se contrasta la paz del hogar familiar con el rimbombante casino y un consejo que parece más un pelotón de fusilamiento. Incluso tenemos un plano secuencia en un tablao flamenco que es pura danza abstracta y tribal. La trama nos traslada a una Granada preguerra Civil que desconozco si existió realmente, pero que tenía un embrujo capaz de liberar cualquier instinto prohibido. Por mucho que, en aquel entonces, tuviera que estar reprimido.

La fascinación por cada una de las historias conduce a un giro narrativo en el que se explica la relación entre las tres. El cómo lo ocurrido en el pasado sigue teniendo, por mucho que no queramos, ecos en el presente. El conocer de antemano el destino de alguno de los personajes de La bola negra emociona profundamente ante un clímax que es puro corazón.

Esta no es una película histórica, aunque esté basada en acontecimientos y personajes que existieron realmente. Y estos se emplean para tejer una historia que homenajea a todos aquellos que se negaron a ser ellos mismos porque no podían querer a quién deseaban. Y nos habla de lo devastador de la guerra y del entender los motivos del otro cómo principal camino para el perdón. Es una película profundamente humanista que, por encima de reivindicaciones, habla del querer y del vivir. Uno sale de la película con ganas de apostar por lo que nos une en lugar de lo que nos separa.

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A lo emocional de la historia se le une el impacto de las imágenes. Rodada en 35 mm, las tramas situadas en los años 30 están rodadas en un formato casi documental. Y cada fotograma merece por sí sola el detenerse un minuto y contemplarla como si fuera un cuadro.

Por si sus virtudes narrativas y estéticas no fueran pocas, la película se beneficia de las contenidas interpretaciones de su reparto masculino, a las que se suman los terremotos Penélope Cruz, en un cameo alargado como cantante de vodevil, y una brutal Lola Dueñas que se merece todos los premios habidos y por haber con solo dos apariciones. En cuanto a Glenn Close, su papel es más discursivo pero fundamental para la historia.

Al contrario de lo que se pueda pensar, no es una película que haga sangre sobre lo ocurrido en La guerra civil (de hecho, hay críticas que la acusan precisamente de eso). Esta no es una película política, sino un drama romántico situado en un contexto en el que incluso el amor puede estar por encima del asesinato entre compatriotas.

En definitiva, La bola negra es una obra maestra del cine español que emplea uno de sus leitmotivs más conocidos, la Guerra Civil, para tejer una historia que aboga por el entendimiento como único camino posible hacia la reconciliación y, sobre todo, por la necesidad de rescatar aquellas historias de amor que no tuvieron su lugar por una sociedad retrógrada y encorsetada. Todo ello narrado como si fuera una celebración de la pasión sin fisuras y el costumbrismo lorquiano. 

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Retro-Análisis : El carnaval de las almas (1962). La precursora de los zombies de Romero

El carnaval de las almas fue una película que no obtuvo en su estreno el reconocimiento que quizás merecería, pero que en pasadas décadas ha sido reivindicada como la precursora de películas de zombies como La noche de los muertos vivientes (1968) de George A. Romero, entre otras que también mostraron su influencia.

Qué nos cuenta El carnaval de las almas

Tras sobrevivir milagrosamente a un accidente automovilístico en que  su vehículo cae al río, Mary Henry (Candice Hilligoss), decide cambiar su vida y se traslada a Salt Lake City para trabajar como organista. A partir de ese momento, la narrativa abandona cualquier atisbo de realismo. Cuando llega a su nuevo destino pareciera como que unas representaciones fantasmagóricas la persiguieran y todo lo que la rodea careciese de importancia ante la inminente obsesión por la figura de un edificio abandonado: el pabellón Saltair.

Qué la hace especial y recomendable

El carnaval de las almas (1962) es de ese tipo de películas de escaso presupuesto que han obtenido su reconocimiento décadas después de su estreno.  Costó unos 30.000 dólares y se rodó con técnicas de guerrilla, tipo de rodaje que incluye aspectos como el «Grab and run» (graba y corre), el recurso de cámara en mano, el uso de la luz natural, el pago de pequeños sobornos o el doblaje total en postproducción.

El graba y corre consistía en llegar a una localización (las calles de Salt Lake City o la estación de autobuses), plantar la cámara portátil, grabar la escena en un máximo de una o dos tomas y huir antes de que la policía llegara.  En cuanto al uso de la luz natural o de farolas, era obligatorio porque no podían por presupuesto usar grandes focos o desplegar camiones de producción.

Los pequeños sobornos, por su parte, no consistían tanto en ofrecer dinero a las autoridades, sino a los trabajadores y empleados para que mirasen hacia otro lado (la escena de la tienda donde Mary se prueba el vestido es un ejemplo).  Y el otro aspecto común en este tipo de películas era el doblaje completo en postproducción, dado que el ruido que se colaba en las escenas grabadas era enorme y no tenían, por ejemplo, permisos para parar el tráfico, lo cual hacía que el audio directo quedase dañado.

Por eso, filmaron casi todo en silencio y los propios actores tuvieron que redoblar sus diálogos semanas después en un estudio de sonido.

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Actuaciones, dirección, fotografía e influencias en el cine de fantasia y terror

Si una cosa tenemos que destacar positivamente y que para nosotros es el núcleo de la película, es la actuación de Candice Hilligoss como Mary. Evidentemente que tiene parte de culpa en su buen hacer la dirección de Herk Harvey, el cual aprovecha muy bien la mirada expresiva de la actriz para construir un terror más visual que otra cosa.  Y la estética asombrosa que Harvey utiliza para construir una atmósfera opresiva da otro de los puntos en positivo.

Utiliza muy bien su experiencia en rodar documentales para darle a las localizaciones una pátina de realidad y de aspecto sucio, muy acorde con lo que Harvey entiende que debe mostrar en esos lugares. La fotografía en blanco y negro es de aspecto granulado y llena de situaciones expresionistas, siendo su mayor efecto el convertir espacios abiertos como las carreteras americanas o las habitaciones de alquiler en situaciones donde parecen lugares de aislamiento absoluto.

Destacamos también la banda sonora compuesta por Gene Moore, siendo el principal instrumento utilizado el órgano de misa que, con la ayuda de las melodías, nos muestra el estado mental de nuestra protagonista. Pasa de composiciones solemnes de tono más bien rígido a otras disonantes, estridentes y que alteran la percepción del espectador eliminando cualquier atisbo de tranquilidad.

La dirección de Harvey también nos regala escenas en las que juega con la percepción del sonido y el tiempo. Como ejemplo, podemos nombrar el momento en que Mary camina por la ciudad y se hace el silencio más absoluto, haciéndonos así sentir que nadie puede verla ni escucharla.   Un gran trabajo cinematográfico que nos muestra la alienación y despersonalización que sufre el personaje, pues la muerte social, que precede a la física, es la forma en que Harvey nos revela el secreto que guarda casi desde el inicio del filme.

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El legado de El carnaval de las almas

Es imposible no ver en El carnaval de las almas elementos utilizados a posteriori por otros directores de renombre. La estética de esos «muertos que parecen vivos» que Harvey nos muestra aquí fueron referenciados por el propio George A. Romero a la hora de presentar su maravillosa La noche de los muertos vivientes (1966), uno de los primeros iconos del cine zombie. También esa ambientación tan surrealista (dinámica entre pesadilla y realidad mundana) tiene su eco en gente como David Lynch, el cual perfeccionaría ese estilo en películas como Erasehead (1977) o Mullholland Drive (2001, aquí retro-análisis).

Estamos ante el triunfo de la imaginación por encima del presupuesto, una cinta que nos dijo que podía transmitir miedo por encima de los sustos fáciles o los efectos especiales y a la vez tratar temas profundos como la soledad, la alienación, o la despersonalización del individuo. Estamos ante la precursora de otras producciones que hoy en día son género de culto, pudiendo ser ella en sí misma cualificada de la misma manera.

Os dejamos un artículo sobre las mejores películas clásicas de zombies para los fans del género AQUÍ.

 

El cómic de la semana: Mad 2

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Mad 2. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Hay mangas que entran por los ojos gracias a una premisa arriesgada, pero que se ganan al lector de verdad cuando demuestran que detrás de la estética visceral hay un mundo por explorar. Hoy toca ponerse serios y centrar toda la atención en el tomo 2 de MAD, la obra revelación firmada por Yusuke Otori que se ha convertido por méritos propios en una de las lecturas más estimulantes para los amantes de la ciencia ficción de tinte apocalíptico y los terrores cósmicos. Y lo mejor es que leí este tomo antes que el 1 porque soy tan listo que creía que la serie se llamaba «MAD 2». Evidentemente al día siguiente me compré el primero, pero empecé la lectura por el dos. Por tanto voy a hacer como si me hubiera leído primero el tomo uno y luego el dos.

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Tras un primer volumen que servía como toma de contacto para presentarnos un escenario hostil donde la humanidad se enfrenta a una amenaza alienígena implacable, este segundo tomo pisa el acelerador de manera notable. La serie, que en su día «arrasó» (éxito moderado y con grandes críticas, pero muy lejos de los grandes shonen en ventas) en las listas digitales de plataformas como Manga Plus, demuestra en este número que no eran fuegos artificiales, consolidando una narrativa que sabe combinar la acción más frenética con el misterio psicológico.

John descubre la verdad de Jericó. Cuando el refugio se convierte en trampa

El gran motor argumental que vertebra las 216 páginas de este segundo volumen gira en torno a un punto de inflexión capital para el protagonista, John. Aquel lugar que en principio se vendía y se percibía como un remanso de paz y un refugio seguro frente al infierno exterior (el enclave conocido como Jericó) se desmorona por completo ante los ojos del personaje.

Lo que parecía una zona controlada esconde secretos oscuros, revelaciones turbias y una verdad espeluznante que cambia las reglas del juego por completo. Lejos de encontrar la ansiada protección, John se tropieza de bruces con una realidad macabra que le obliga a tomar una decisión drástica, huir. Sin embargo, en un mundo asolado por criaturas extraterrestres donde cada sombra es una amenaza mortal, la huida nunca es un camino sencillo. Es en este tramo donde Yusuke Otori exprime al máximo la tensión narrativa, arrinconando a los personajes en situaciones límite donde el lector experimenta la misma claustrofobia y urgencia por sobrevivir.

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El arte de Yusuke Otori, Criaturas, sombras y tensión visual

En el plano gráfico, este segundo tomo de MAD vuelve a poner de manifiesto el talento de Otori para manejar la atmósfera. El mangaka no escatima en crudeza a la hora de diseñar a los invasores alienígenas, apostando por un trazo dinámico, sucio y profundamente expresivo que bebe de los mejores referentes del terror y del shonen de supervivencia.

El uso del blanco y negro en las escenas nocturnas y en los interiores opresivos de Jericó está resuelto con una maestría soberbia, jugando con los contrastes de luces y sombras para generar una atmósfera constante de peligro inminente. Las criaturas espaciales resultan aterradoras precisamente porque el autor sabe dosificar cuándo mostrarlas en todo su esplendor y cuándo sugerir su presencia a través de la penumbra y los ruidos metálicos.

En la parte negativa de la obra puedo añadir el no uso de fondos y viñetas de carácter minimalista, donde detrás de las escenas solo se contempla el vacío. Un pero que se puede achacar al autor.

Pero en general, y habiendo leído los dos tomos (aunque no de la manera correcta), MAD deja de ser una mera promesa para convertirse en una realidad sólida dentro del panorama del manga actual. La historia se expande, las piezas del tablero geopolítico y fantástico empiezan a encajar de forma orgánica, y el misterio en torno a la verdadera naturaleza de la amenaza alienígena deja con la miel en los labios de cara al siguiente número.

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JOHN DESCUBRE LA VERDAD DE JERICÓ

Adéntrate en la primera obra de Yusuke Otori en España, todo un éxito en Japón y de las obras más leídas en la plataforma oficial de Manga Plus de Shueisha. Si te van los mundos apocalípticos y las guerras alienígenas, este es tu nuevo manga.

John es testigo de una escena espeluznante en el interior de Jericó, que en principio parecía un lugar seguro. Es entonces cuando decide huir, pero se topa cara a cara con unos alienígenas. ¿Quién lo ayudará en una situación tan desesperada?

Os dejo el enlace a la editorial y debajo de estas líneas la portada de la edición española de Norma editorial.

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Un saludo y sed felices.

Crítica de Silo temporada 3. La serie de Apple profundiza en el origen de su distopía sin perder el misterio

Silo regresa con una tercera temporada que amplía el universo de la producción. Después de dos temporadas construyendo uno de los universos de ciencia ficción más interesantes de la televisión actual, la serie toma una decisión de peso: nos lleva al pasado para descubrir el origen de los silos y prepara el camino para el desenlace de la historia protagonizada por Rebecca Ferguson. Hay que mirar hacia atrás para explicar cómo comenzó todo. Y eso no es una decisión sin importancia. En este tipo de series, si se deja pasar el tiempo sin ofrecer respuestas y explicaciones, se pierde el riesgo de perder al espectador (te estoy mirando a ti From).

Crítica de Silo. Ciencia ficción adulta y misterios para una de las mejores series del año

Crítica de Silo temporada 2. La distopía se corona con nuevos misterios y una historia que amplia el foco de la serie

La segunda temporada nos dejaba con Juliette Nichols regresando al silo 18 después de su aventura en el silo 17, mientras la rebelión había puesto en peligro el frágil equilibrio de la sociedad subterránea. Ahora, la serie continúa esa historia, pero introduce también una nueva línea temporal que nos traslada al pasado, más o menos a nuestra época, para contar los acontecimientos que precedieron a la creación de los silos.

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Juliette Nichols sigue siendo la gran protagonista

Es precisamente esta nueva trama el gran atractivo de la temporada. A través de nuevos personajes descubrimos cómo se llegó a construir el mundo que conocemos y qué acontecimientos llevaron a la humanidad a refugiarse bajo tierra. La serie abandona parcialmente el misterio de las dos primeras temporadas para comenzar a ofrecer respuestas a algunas de sus grandes preguntas. Y es algo que le sienta muy, pero que muy bien.

Un pasado que cambia lo que conocemos

La incorporación de esta historia del pasado permite a Silo ampliar considerablemente su mitología. Hasta ahora conocíamos las consecuencias, pero no las circunstancias que habían llevado a crear este particular sistema de supervivencia.

La nueva trama introduce elementos de thriller político y conspiraciones que funcionan como complemento de la historia de Juliette (con un tono que puede recordar a la magnífica Paradise). Además, permite profundizar en algunos de los temas habituales de la serie: el control de la información, la manipulación de la historia y el poder de quienes deciden qué puede conocer una sociedad, a los que añade la importancia de los recuerdos y del pasado a la hora de forjar las personalidades.

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El problema es que esta ampliación del universo también afecta al ritmo. Durante algunos episodios podemos tener la sensación de que estamos viendo una serie diferente mientras la historia de Juliette queda en segundo plano. La nueva línea temporal necesita tiempo para desarrollarse y no todas sus tramas tienen el mismo interés. Aunque la idea central de las revelaciones que se nos dan resulta muy interesante y atrapa al espectador dejando abiertas muchas puertas de cara al futuro.

Afortunadamente, y conforme avanzan los episodios, ambas historias comienzan a adquirir sentido conjuntamente y entendemos mejor por qué era necesario conocer este pasado.

Juliette vuelve a ser el centro

Rebecca Ferguson continúa siendo el gran pilar de la serie. Juliette regresa al silo 18 convertida en una figura fundamental para el futuro de sus habitantes, pero también marcada por todo lo que ha vivido.

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Juliette no estará sola a la hora de descubrir la verdad sobre el silo 18

Su situación permite explorar una faceta diferente del personaje. Ya no es únicamente la ingeniera que desafía las reglas para descubrir la verdad, sino alguien que debe enfrentarse a las consecuencias de sus decisiones y reconstruir sus relaciones con quienes dejó atrás.

La interpretación de Ferguson vuelve a ser uno de los puntos fuertes de la temporada, especialmente en los momentos en que Juliette debe mostrar su vulnerabilidad sin perder la determinación que la ha convertido en uno de los grandes personajes de la serie.

Sin embargo, el reparto de protagonismo entre el presente y el pasado hace que algunas de sus tramas pierdan intensidad. La serie tiene muchas piezas que colocar sobre el tablero y eso provoca que determinados conflictos avancen más lentamente de lo deseable. Es algo que se acusa sobre todo al principio.

La situación en la que empieza Juliette descoloca bastante, sobre todo a los que estábamos esperando que fuera un personaje más proactivo después de lo que ha descubierto en el silo 17. A esta temporada le cuesta un poco arrancar ya que nuestra protagonista debe volver a coger las riendas de su vida. Pero una vez que lo hace, y gracias a la red de alianzas inesperadas que se teje en torno a Juliette, su trama se vuelve tan interesante como la dedicada al pasado.

Silo sigue siendo visualmente espectacular

En el apartado técnico, poco se puede reprochar a la producción de Apple TV. La ambientación continúa siendo uno de los grandes atractivos de la serie.

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Una sala que tendrá mucha importancia esta temporada

Los enormes espacios industriales, las interminables escaleras y los diferentes niveles del silo vuelven a transmitir perfectamente esa sensación de claustrofobia que caracteriza a la ficción. La fotografía mantiene además una estética oscura y opresiva que encaja perfectamente con el tono de la historia.

La nueva línea temporal permite ampliar este apartado visual y ofrecer escenarios diferentes a los habituales, evitando que la serie dependa exclusivamente de los espacios cerrados del silo. De esta manera se logra una especie de ventana abierta al mundo porque entra un aire nuevo a la serie que ya venía siendo necesario.

Todo ello confirma que Silo sigue siendo una producción de enorme calidad, tanto en su diseño como en sus efectos visuales y su puesta en escena.

Preparando el desenlace

Quizá el principal problema de esta tercera temporada es que se nota demasiado que estamos ante la penúltima entrega.  Apple TV ya ha confirmado que la cuarta será la última, por lo que buena parte de lo que vemos aquí está claramente encaminado hacia ese desenlace.

La temporada ofrece respuestas, pero también deja numerosos interrogantes abiertos. Algunas tramas parecen diseñadas principalmente para preparar lo que veremos después, por lo que no siempre funcionan como conflictos completamente independientes.

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Per Stensen, un millonario con una idea loca…

Aun así, la serie consigue mantener ese misterio que la ha acompañado desde el principio y continúa ampliando un universo que todavía tiene mucho que contar.

En resumen

La tercera temporada de Silo amplía el universo de la serie y empieza a responder algunas de las grandes preguntas que nos acompañan desde su estreno. Su mayor acierto es profundizar en el origen de los silos y conectar ese pasado con los acontecimientos que está viviendo Juliette en el presente.

No estamos ante una temporada perfecta. El ritmo resulta irregular en algunos momentos y la nueva línea temporal puede hacer que la historia de Juliette pierda protagonismo. Sin embargo, cuando ambas tramas comienzan a conectarse, la serie demuestra nuevamente por qué su universo resulta tan atractivo.

Rebecca Ferguson sigue siendo uno de sus grandes puntos fuertes y la producción mantiene un apartado visual sobresaliente. Además, las nuevas revelaciones colocan las piezas necesarias para afrontar una cuarta temporada que tendrá la complicada tarea de cerrar toda la historia.

Silo sigue siendo una de las propuestas de ciencia ficción más interesantes no solo de Apple TV, sino de todo el panorama audiovisual actual. Esta tercera temporada quizá no resuelva todos sus misterios, pero sí consigue que tengamos todavía más ganas de descubrir cómo termina todo.

Blade Runner 2099: todo sobre la serie de ciencia ficción de Prime Video

Hay universos de ciencia ficción que entretienen durante un par de horas. Otros consiguen algo bastante más difícil: convertirse en parte de la cultura popular. Blade Runner pertenece, sin discusión, al segundo grupo.

Desde que Ridley Scott estrenó la película original en 1982 (aquí retro-análisis), la franquicia ha utilizado replicantes, recuerdos y ciudades futuristas para plantear preguntas que, en realidad, tienen muy poco de futuristas. ¿Qué nos hace humanos? ¿Qué valor tienen nuestros recuerdos? ¿Hasta dónde estamos dispuestos a llegar para seguir viviendo?

Preguntas, por otro lado, bastante apasionantes para hacerlas en una reunión de cañas con los amigos un sábado por la noche… aunque nunca tendrán una respuesta concluyente.

Prime Video quiere llevar todas nuestras dudas, temores y preguntas a un nuevo nivel con la serie Blade Runner 2099. Después de años de desarrollo, retrasos y bastante secretismo, Blade Runner 2099 ya tiene fecha de estreno: 25 de noviembre de 2026. La serie llegará directamente a Prime Video, que ha confirmado además que los ocho episodios estarán disponibles desde el mismo día, por lo que no habrá que esperar una semana entre capítulo y capítulo.

Poco a poco se han conocido detalles sobre su historia, sus protagonistas y el mundo que pretende construir. Aunque el gran interrogante será otro: ¿puede una nueva historia sentirse realmente como Blade Runner sin limitarse a imitar a las películas?

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Un salto de cincuenta años

Como indica su título, Blade Runner 2099 estará ambientada cincuenta años después de Blade Runner 2049. Es un salto temporal lo bastante grande como para cambiar las reglas del juego.

El cambio más interesante afecta a los replicantes. Durante décadas fueron perseguidos, utilizados y tratados como herramientas con fecha de caducidad. Ahora la situación se ha invertido y ocupan una posición dominante, mientras que los humanos se encuentran en una situación mucho más vulnerable.

La premisa tiene bastante potencial. La inversión de papeles dará una vuelta interesante a la saga al adoptar la perspectiva de los replicantes como seres superiores y descubrir si pueden convivir con los humanos, que siempre se han considerado la especie dominante.

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Michelle Yeoh y Hunter Schafer, las protagonistas de Blade Runner 2099

Michelle Yeoh interpreta a Olwen, una Blade Runner que además es replicante y se encarga de perseguir a otros de su especie. También tendrá que enfrentarse a la limitación que siempre ha marcado la existencia de estos seres artificiales: la mortalidad.

Junto a ella estará Hunter Schafer, que interpreta a Cora, una humana que intenta sobrevivir en una sociedad dominada por replicantes. Para protegerse, tendrá que ocultar quién es y hacerse pasar por uno de ellos.

Las dos protagonistas parten de posiciones aparentemente opuestas. Una es una replicante que persigue a otros como ella; la otra es una humana que necesita fingir que no lo es. Y ambas tendrán que descubrir que las fronteras entre humanos y replicantes quizá nunca fueron tan claras como pretendíamos.

En una franquicia obsesionada con la pregunta de qué significa ser humano, difícilmente podría haber una pareja de personajes más apropiada.

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Un futuro diferente, pero reconocible

Uno de los mayores retos será conservar la identidad visual de Blade Runner sin convertirla en una colección de referencias para nostálgicos.

Su estética es bastante reconocible: ciudades gigantescas, lluvia, neones, publicidad holográfica, arquitectura monumental, tecnología omnipresente y una sensación permanente de que el futuro ha llegado, pero no precisamente para arreglarnos la vida.

Sin embargo, copiar esos elementos no sería suficiente. Una de las grandes virtudes de Blade Runner 2049 fue precisamente ampliar el universo de Ridley Scott sin limitarse a repetirlo. La nueva serie tendrá que utilizar los códigos visuales de la franquicia para construir un mundo que tenga personalidad propia.

Los edificios, las calles, los vehículos y los espacios industriales forman parte de la historia y ayudan a sumergir al espectador en ese mundo. Ese contraste es difícil de imitar. En Blade Runner 2099 no bastará con poner un neón encima de un edificio y esperar que la nostalgia haga el resto.

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Ridley Scott, Michael Green y un reparto amplio

Ridley Scott no dirigirá la serie, pero continúa vinculado al proyecto como productor ejecutivo. También participan Silka Luisa como showrunner y Michael Green como guionista.

El reparto se completa con nombres como Tom Burke, Dimitri Abold, Lewis Gribben, Daniel Rigby, Katelyn Rose Downey, Johnny Harris, Amy Lennox y Sheila Atim.

Todavía desconocemos muchos de sus personajes o el papel que tendrán dentro de esta nueva serie. Pero, si algo tienes que tener claro, es que en Blade Runner hay una regla que conviene recordar: nunca conviene fiarse demasiado de las apariencias.

Los recuerdos pueden ser falsos, las identidades ocultarse y las lealtades ser tan cambiantes como la moralidad humana.

¿Hace falta ver las películas originales? Michelle Yeoh aclara las dudas sobre Blade Runner 2099

¿Volverán Deckard o K?

Por ahora, no existe confirmación de que Harrison Ford o Ryan Gosling (quien será el nuevo Ghost Rider) vayan a aparecer en la serie. Y quizá sea lo mejor. Deckard y K no necesitan aparecer en cada película o serie para que la historia de los replicantes sea interesante y sus historias sigan teniendo consecuencias.

Blade Runner 2049 demostró que se puede respetar profundamente el legado de la película original sin convertir la nostalgia en el argumento principal. Eso último es peligroso porque corre el riesgo de convertirse en un museo de clichés si confunde homenaje con repetición.

Como si estuviéramos viendo a alguien encontrar un viejo reproductor de VHS en 2099 y descubriéramos que contiene una pista fundamental sobre Deckard.

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El verdadero reto de Blade Runner 2099

La nueva serie tendrá que recuperar los temas fundamentales de la franquicia: identidad, memoria, libertad, mortalidad y poder. Todo ello acompañado, por supuesto, de acción y buenas dosis de ciencia ficción.

La serie no necesita superar a ninguna de las dos películas. Si sus ocho episodios sirven para construir una sociedad nueva, desarrollar a sus protagonistas y explorar qué sucede cuando los antiguos perseguidos se convierten en quienes tienen el control, ya habrá encontrado un camino propio.

Porque los coches voladores son espectaculares, los neones quedan muy bien y la lluvia, también. Pero conseguir que nos importe quién está debajo de ellos es otra historia. Y una parte importante donde jugar sus bazas se encuentra en el miedo a desaparecer y el deseo de vivir un poco más.

Crítica de Blade Runner 2049, la encrucijada de Denis Villeneuve

Conclusión: la pregunta sigue siendo la misma

¿Qué significa realmente ser humano? No hace falta que Blade Runner 2099 tenga una respuesta definitiva. De hecho, sería más fiel a la esencia de la franquicia que no la tuviera.

Su fuerza está en obligarnos a preguntarnos dónde termina lo artificial y empieza lo humano. Y en un detalle muy importante que hunde el cuchillo en la vulnerabilidad humana: qué nos hace especiales como especie si se han creado unos seres capaces de pensar, sentir y recordar mejor que nosotros.

Si Blade Runner 2099 consigue explorar esa cuestión con una voz propia, entonces tendrá algo valioso que contarnos: un universo en el que la tecnología, la identidad, la memoria y la condición humana están permanentemente entrelazadas.

Y quizás ese sea el verdadero desafío de esta nueva serie: no mostrarnos cómo será el futuro, sino volver a utilizarlo para hablarnos del presente. Porque, después de todo, Blade Runner nunca ha tratado realmente sobre el futuro. Siempre ha tratado sobre nosotros.

 

Da comienzo el rodaje sobre la vida de George Sanders y su vinculación con España

“George Sanders” es un largometraje documental escrito y dirigido por Tirso Calero, Jorge Rivera y José Manuel Serrano Cueto, que se acerca a la controvertida figura del actor George Sanders, que eligió la localidad de Castelldefels para poner fin a su vida en abril de 1972.

Serrano Cueto Calero y Rivera

Ganador de un Oscar por su papel en “Eva al desnudo”, Sanders fue uno de los actores más célebres del cine clásico, y fue considerado durante varios años como el villano mejor pagado de Hollywood. El actor sintió una especial conexión con España tras descubrir Baleares en el rodaje de “Jack el Negro” y posteriormente pasó casi un año en Madrid a causa de “Salomón y la reina de Saba”, película cuyo traumático rodaje le marcó para siempre. Posteriormente, se compró una casa en Mallorca y decidió decir adiós a este mundo en un enigmático viaje a Castelldefels, que el documental desentraña.

“Me interesa mucho la figura de este actor que construyó un personaje de puertas afuera, para que nadie supiera cuáles eran verdaderamente sus sentimientos. Desde que, siendo adolescente, leí la noticia de su misterioso final, pensé en la posibilidad de hacer una película sobre ello” dice Calero, creador de series muy populares como “Bandolera” o “Servir y proteger”, y que además ha escrito y dirigido películas “Carne Cruda”, “Blockbuster” y “Tarántula”.

Tras ver el documental “Osario Norte”, Calero propuso a sus artífices José Manuel Serrano Cueto y Jorge Rivera sumarse a este proyecto. “Es una historia apasionante”, cuenta Serrano Cueto, “más allá de lo puramente cinéfilo, y estoy muy agradecido por ser parte de este proyecto tan importante como interesante”. Añade Rivera: “Temas como las máscaras sociales, la salud mental y el suicidio son universales, van más allá del mundo del espectáculo, y Sanders nos permite hablar de esto y mucho más, sin amarillismo, e incluso  con un punto de ironía y comedia”.

Crítica de Osario Norte: Los Últimos Días de San Valentín (2023), o cómo el Olvido puede ser peor que la Muerte

Para llevar a cabo el proyecto se han unido las productoras El Estudio, JRivera Producciones y Cinètica Produccions. El proyecto cuenta además con la participación de RTVE, Filmin e IB3.

El actor Pedro Casablanc ejerce de maestro de ceremonias y guía del espectador, a la manera de Vincent Price en las clásicas películas de terror, y el actor Víctor Clavijo juega un destacado papel en la narrativa del documental, poniendo voz a su protagonista, junto a otros actores y actrices que aparecerán interpretando a figuras relevantes en la vida de Sanders.

El documental cuenta con la colaboración de importantes cineastas, críticos e historiadores internacionales, entre ellos la biógrafa británica de George Sanders Carolyn King y los veteranos actores Martin Stephens y Hayley Mills, que trabajaron al lado de Sanders.

El rodaje comenzó en septiembre en las instalaciones del British Film Institute en Londres y en Portugal, y continuará en Mallorca, Madrid y Castelldefels durante los meses de octubre y noviembre. La película se estrenará en 2027.

Mallorca Elie Kerrigan

Un saludo y sed felices.

Análisis de Outlander: Sangre de mi Sangre. Temporada 2. Episodio 2

Continuamos analizando la segunda temporada de Outlander: Sangre de mi Sangre, en esta oportunidad con su segundo episodio titulado El Velo del Tiempo.  Creada por Matthew Roberts y basada en los personajes creados por la escritora Diana Gabaldon, la serie de Starz puede ser vista en España por Movistar+ y en Latinoamérica por Disney+.

Hola otra vez, forasteros y viajeros del tiempo. Aquí nuevamente para analizar un episodio más de Outlander: Sangre de mi Sangre, en este caso el segundo de la segunda temporada, que continúa estableciendo puentes con la serie original y poco a poco se va entendiendo la especial situación que hará que Claire crezca sin contacto con sus padres y creyendo que están muertos.

La cosa, como es ya regla en la franquicia, viene de culebrón y con mucho amorío dando vueltas por los corredores de los castillos, al igual que mucho augurio y adivinación. Pasemos a ver qué ha ocurrido no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos de Outlander: Sangre de mi Sangre y aquí los de la ya concluída serie original Outlander.

Periódicos de Inverness

Comenzamos en Cambridge, 1924, con la pequeña Claire (Mae y Tuestday Roberts) al cuidado de su tío Lamb (George Kemp). La niña se lo pasa preguntando por el regreso de sus padres y él se pregunta hasta qué punto es bueno seguir manteniéndola en el limbo cuando lo más probable es que su hermano y cuñada estén ya largamente muertos…

Descarta pues los periódicos de Inverness que él mismo ha solicitado y, al hacerlo, no alcanza a ver que en uno de ellos aparece una fotografía de Henry, al que se ubica como veterano de guerra y de quien se solicitan datos sobre su identidad. Sin enterarse, pues, Lamb se apresta a empacar para partir con Claire hacia Medio Oriente.

Plan de Salvataje

Nos vamos a Leoch, 1715, donde Ellen pena en la capilla la reclusión a que su hermano Colum le ha confinado. Este le sigue recriminando haber ido en contra de los intereses del clan al no cumplir su promesa matrimonial, pero ella se mantiene firme y, por el contrario, objeta tener un plan para salvar las propiedades de los Mackenzie ante lo que se viene.

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Dougal se aparece con malas intenciones y hasta amaga azotarla, pero ella lo pone en evidencia por estar colaborando con la causa jacobita, lo cual desata el conflicto entre hermanos. Consultada sobre cómo se ha enterado, Ellen dice que ha sido a través de Brian, lo que anoticia a su hermano de que este sigue vivo y le hace entender por qué nunca vinieron a buscar a su paga los matones que envió por él (aquel clan de asesinos inútiles, ¿recuerdan?).

Según Ellen, la familia Mackenzie se hará acreedora del ensañamiento de la Corona y perderá sus derechos sobre Loech si participan de la revuelta. Su propuesta para evitarlo es poner las propiedades a su nombre, pues nadie podrá acusarla de haber participado de la misma siendo mujer…

No sé si estoy tan de acuerdo con eso pero, bueno, el plan gusta a Ned (Conor McNeill), quien destaca la astucia de la muchacha y consigue convencer a Colum de aceptarlo a pesar de sus vacilaciones. Ellen firma entonces como nueva titular de Leoch, pero su hermano se encarga de aclararle que perderá todo derecho si llegara a casarse, clara advertencia de que no meta a ningún bastardo en la cuestión…

Huesos y Velas

En Leathers, y siguiendo el consejo que sagazmente le diera Julia para quitárselo de encima, Lord Lovat está intentando jugar como líder en el reclutamiento de hombres para la batalla, pero su prédica no tiene éxito, pues le enrostran su objetable pasado.

Quien impensadamente sale en su defensa es Brian que, en encendida arenga, dice que todos tienen faltas en su haber y que, más allá de los defectos que pueda tener, su padre es un hombre íntegro y lo que menos necesitan en este momento es dividir sino, por el contrario, mostrar la unidad de los Fraser.

Sus palabras generan entusiasta acogida de la multitud pero, más que expresarle agradecimiento como debería, Lovat infla el pecho y dice con orgullo reconocer finalmente en él un digno hijo suyo, lo que sea que ello signifique en términos de alguien que le restregó toda la vida ser un bastardo.

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De cualquier forma, el defender a su padre tiene para Brian un sentido oculto, pues lo que necesita es una excusa para llevar los hombres a Leoch a fin de sumarlos a la causa jacobita cuando lo que en realidad quiere es sobre todo ver a Ellen y comprobar en qué estado se halla tras su regreso.

Mientras tanto, en el castillo, Davina ha traído a la vidente Maisri (Katharine O´Donnelly), tal como le fuera requerido por Julia. La excusa de esta para hacerla venir es que disponga algún hechizo de protección del lugar en caso de que el “forajido” que la raptó pretendiera volver por ella y el bebé.

Maisri prepara pues un círculo de huesos y velas mientras Julia aprovecha para preguntarle con fingida inocencia por qué el sujeto en cuestión no habrá logrado en su momento cruzar con ella las piedras de Craigh na Dun.

Viendo su mano, la vidente le informa que ella no tiene el don de viajar en el tiempo, por lo que su captor nunca podría haberla llevado consigo ni tampoco podrá hacerlo en caso de recapturarla. La noticia, por supuesto, deja algo consternada a Julia, pues significa que probablemente nunca pueda entonces escapar del siglo XVIII.

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En ese momento, y de manera inesperada, arriba Lord Lovat, quien ha dejado momentáneamente a Brian a cargo de la organización del campamento. Se sorprende de ver allí a Maisri y recrimina a Julia haber invitado a una vidente sin su autorización, pero a la vez aprovecha la presencia y los servicios de esta última para pedirle que le confirme si su hijo será realmente reconocido como heredero tras la batalla.

Ella le tira los huesos, pero los datos son confusos y enigmáticos: flores blancas, un abrigo y un niño con tres padres y dos madres, lo que, en principio, no tendría sentido. Vaticina a Lovat una victoria en el combate y, si bien no ve claramente para el niño un futuro inmediato de heredero después, sí lo ve a la larga, lo que acaba por dejar conforme al viejo…

Antes de irse, Maisri hace entrega a Julia de un amuleto para la cuna del bebé y le dice que se quede tranquila con respecto a la niña de rizos negros que, si bien no se halla en su mismo mundo, está bien y al cuidado de un buen padre…

Castañas al Fuego

Al llegar a Leathers, y como era de prever, Brian no es bien recibido y Dougal arremete contra él a los golpes, pero frena su ira al ponerle el primero al tanto de que le ha traído cien hombres para someterlos a sus órdenes. Surte efecto y, aunque de mala gana, Dougal acepta entonces entonces tener compasión, pero solo por ese día o lo que dure la batalla…

Maura, en tanto, se cruza con Ellen y, tras recibir con frialdad sus condolencias por la muerte de Malcolm, se queja de que no la felicite por ser la nueva señora Mackenzie y le desliza en tono sugestivamente amenazante que hay heridas que deben siempre quedar abiertas para recordar quién las ha provocado. Se la ve, por otra parte, cada vez más íntima con Dougal a pesar del imprevisto matrimonio por conveniencia y hasta tienen sexo a escondidas (o no tanto) mientras él asegura que le dejará un heredero antes de partir al combate.

De cualquier forma, el amor parece florecer por todas partes pues algo despierta entre Murtagh y Grace (Ruby Farbara), la nueva criada de Jocasta que apunta para él a ser el consuelo en el cual olvidar a Ellen. Y esta, justamente, tiene su encuentro a escondidas con Brian y le pone al corriente de que no podrán casarse hasta que la revuelta haya terminado, no obstante lo cual él afirma estar seguro de que acabarán juntos. Ella pone al fuego dos castañas y dice que si es así, se quemarán sin separarse, lo que efectivamente ocurre…

Fuga al Anochecer

Volvemos al siglo XX, pero esta vez a Inverness, donde habíamos dejado en el episodio anterior a Henry recibiendo en la institución psiquiátrica la visita de la señora Graham. Esta le cree su historia de viajero del tiempo, aunque tiene teorías propias sobre Julia, de quien cree que él la recuerda como esposa, pero posiblemente se trate de alguna mujer del mundo de las hadas. Él insiste en que pertenece al mismo mundo que habitan e incluso al mismo siglo.

Tal como hará años después con Claire, ella le lee las líneas del té en el fondo de su taza y encuentra una perfectamente circular, indicativa de que él y Julia terminarán juntos. Pero lo mejor es que se ofrece para ayudarlo en tal sentido y le entrega un maletín con ropas de sacerdote a los fines de que pueda escapar de incógnito de la institución.

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No solo eso: también le hace entrega de una piedra de borde afilado para que pueda utilizarla una vez en las piedras de Craigh na Dun, aprovechando la víspera del Día de Todos los Santos, que es cuando el velo del tiempo se vuelve más delgado. Él no sabe cómo pagarle y ella simplemente le dice que vaya con Dios, lo cual, efectivamente hace cuando, llegada la noche, sale del lugar haciéndose pasar por reverendo…

Balance del Episodio

Otra entrega muy entretenida a pesar de sus lugares comunes harto repetidos. La arenga de Brian a la multitud es un calco de tantas escenas insufribles que hemos visto durante años en el cine o en las series de televisión, pero que, por alguna razón, nunca mueren y siempre alguien decide reciclarlas.

Un capítulo, además, que habrá hecho las delicias de los fans del ocultismo con tanta adivinación de huesos, líneas de la mano y residuos de té. Me hace chirriar un poco, eso sí, que la señora Graham tenga con Henry una escena casi idéntica a la que después va a protagonizar con Claire…

Siempre seré de la idea de que una de las cosas que no debe hacer una precuela es despojar de su carácter único a la historia de origen que le sirve de base: es el error que han cometido, por ejemplo, Alien: Planeta Tierra o It: Bienvenidos a Derry, series que son también precuelas y cuyos análisis, a cargo de un servidor, pueden también leer pinchando en los respectivos links.

A lo que voy es a que a mí me gustaba pensar que Claire había sido la primera de la familia en pasar por la experiencia del té, pero si no fue así, aquella escena pierde algo de su significado y encanto. Es cierto, de todas formas, que ya desde el inicio esta serie nos sometió a ese juego, así que se toma o se deja. Y si hemos tenido que aceptar que los padres de Claire viajaron en el tiempo antes que ella, también tendremos probablemente que mirar a otro lado con lo del té.

Se acerca cada vez más la revuelta jacobita y, a decir verdad, no entendí bien el plan de Ellen. Es decir: puedo entenderlo en cuanto a su carácter encubierto o al beneficio que a ella pudiera reportarle en relación a su historia con Brian, pero no el supuesto argumento con que convence a Ned y engatusa a Colum…

No veo, en ese sentido, por qué la Corona vaya a tenerle a ella tantas contemplaciones una vez que haya sido sofocada la rebelión. Si la familia de Ellen participa de los hechos, ya tendrán suficiente para arrebatarle sus títulos de propiedades y no creo que sean tan considerados porque sea mujer: no en el siglo XVIII, al menos. De lo que sí estoy seguro es que habrá conflicto con Maura (que ya se va insinuando) y con el tío Mac, a quien no creo que guste ni un poco el acuerdo que su sobrino ha aceptado…

En lo que respecta a la otra pareja principal de la historia, Julia sigue jugando sus cartas astutamente, aunque el enterarse de que no tiene el don de viajar en el tiempo no puede ser menos que una decepción. Y seguramente allí estará la clave para que entender que no vuelva a ver ya a su hija.

Sin embargo, está faltando alguna explicación. Si las piedras no funcionan para Julia, ¿por qué sí lo hicieron antes? Podríamos pensar que en aquella oportunidad tuvo que ver el que estuviera embarazada y en ese caso sería quizás el bebé quien tiene el don, pero seguiríamos entonces sin entender por qué no pudieron viajar los tres cuando el pequeño William estaba con ellos.

Son respuestas que, supongo, irán llegando. Y se me ocurre que a partir del próximo episodio estaremos mucho más asentados en una única línea de tiempo ahora que Henry va de regreso al pasado. Podrá haber, sí, algún que otro flashforward esporádico sobre Claire, pero está claro que la historia, como debe ser, lleva cada vez más el camino de cortar definitivamente el vínculo entre esta y sus padres.

En fin, un capítulo correcto que nos deja a la espera del siguiente, quizás con la revuelta jacobita ya en puerta y con el esperado reencuentro entre Julia y Henry. O no. Ya lo sabremos. Hasta entonces y sean felices…

Series y Películas que se estrenan en Disney+ en Octubre 2026

Comienza un nuevo mes y, como principal novedad, llega a Disney+ el estreno de VisionQuest, así como el filme SOULM8TE, que se inscribe en la saga M3GAN y el documental que deja testimonio fílmico de la gira de retorno de la banda británica Oasis.

Hola otra vez. Aquí nuevamente para compartir las novedades del mes, en este caso las que llegan a Disney+ en este octubre de 2026. No esperen mucho, desde ya, pero hay algunos títulos que pueden interesar a marvelitas, fans de la ciencia ficción, melómanos y adoradores de festividades paganas. Pasemos pues a ver…

Entre las series, el estreno más importante es sin duda VisionQuest que, creada por Terry Matalas, es la decimoctava del Universo Cinematográfico de Marvel y, para decirlo con más propiedad, una miniserie derivada de WandaVision (aquí nuestros análisis) en la que Paul Bettany vuelve a dar vida al famoso androide como lo hiciera en anteriores producciones de la franquicia.

En esta oportunidad, Vision se halla en busca de recuperar su memoria y su humanidad a partir de recuerdos fragmentados y de comunicarse con las distintas inteligencias artificiales integradas en su programación: un viaje que el showrunner Matalas compara con el de Spock en Star Trek IV: Misión Salvar la Tierra (1986).

Amén de ello, se ve obligado a escapar porque han puesto precio a su cabeza y, en su huida, se une con un misterioso adolescente llamado Thomas Shepherd (Ruaridh Mollica), que podría ser la reencarnación de su hijo Tommy Maximoff. Por su parte, James Spader vuelve a interpretar a Ultron que, en términos y declaraciones del propio actor, mantiene con Vision una relación que podría definirse como “padre/hijo, terapeuta/psicópata”.

Con sus ocho episodios, llega a Disney+ el 14 de octubre.

 

Por otro lado, Coven Academy: El Secreto de las Brujas es una serie adolescente de comedia dramática y fantasía sobrenatural que, creada por Tim Federle, sigue a Briar, una joven de New York que llega a un exclusivo internado de magia en New Orleans siguiendo un misterio relacionado con el destino de su madre, pero que, una vez allí, deberá unir fuerzas para formar un aquelarre con otras aprendices y defender la ciudad de fuerzas ancestrales que la amenazan.

Muy apropiada al mes de Halloween, suena en principio a pastiche entre Harry Potter y Jóvenes y Brujas, anunciando la serie romances, hechizos y vampiros con un elenco juvenil encabezado por Malina Weissman (a quien quizás recuerden como actriz infantil en Una Serie de Catastróficas Desdichas, Supergirl o Las Tortugas Ninja), Tiffani Thiessen y Malachi Barton.

Estreno el 2 de octubre.

 

Siguiendo con las series (o, mejor dicho, terminando), Amor, Dulce Amor es una coproducción japonesa – surcoreana que gira en torno a un amor internacional, pues Lee Yubin (Ji Chang-wook) es un exitoso diseñador de espacios coreano que, tras perderlo todo, decide mudarse a una isla japonesa en la cual conoce a Karin (Mio Imada), quien es lo opuesto a su mundo al ser una simple agricultora de fresas que le hace, sin embargo, tomar conciencia de que puede haber quien está peor al padecer una misteriosa enfermedad.

Los opuestos se atraen y, como el propio título en español anticipa, no hace falta decir que hay romance en puerta en esta propuesta que, con dirección de Kim Soo-jung y Roh Youngsub, llega a la plataforma el 7 de octubre.

 

Entre las películas, SOULM8TE (juego fonético prácticamente imposible de traducir al español) se presenta como un thriller erótico de ciencia ficción que, dirigido por Kate Dolan y de la mano de las reconocidas productoras Blumhouse y Atomic Monster, es secuela de M3GAN y tercera película de la franquicia. Originalmente el filme estaba pensado para ser estrenado en cines, pero Universal, a cargo de la distribución, cambió de estrategia tras recibir calificación R.

Con papeles protagónicos a cargo de Lilly Sullivan, David Rysdahl y Claudia Doumit, la historia sigue a un programador que, para llenar el vacío que en su vida ha dejado la reciente muerte de su esposa, adquiere una robot acompañante. Sin embargo, decepcionado por la falta de emociones genuinas de parte de esta, le hace modificaciones en su programación y… bueno, ya sabemos que eso nunca puede terminar bien.

Disponible en la plataforma desde hoy, 1 de octubre.

 

Pasando a los documentales, el tanque del mes es Oasis: Don´t look back in Anger que, dirigido por Will Lovelace y Dylan Southern, relata con testimonios e imágenes inéditas la gira de la banda Oasis que significó en 2025 el reencuentro de los hermanos Liam y Noel Gallagher tras aquel brutal distanciamiento que les llevara incluso a viajar en aviones separados durante su gira de 2009 y, obviamente, a la separación.

El título es toda una declaración, pues no solo hace referencia a una de las canciones más icónicas y celebradas de la banda, sino que además la frase Don´t look back in Anger (no mires atrás con ira) hace manifiesta la intención de dejar el pasado atrás. Amantes del brit-pop, de parabienes…

Estreno el 9 de octubre.

 

Por último, y aprovechando una vez más el mes de las brujas, llega también a la plataforma el episodio especial de Padre de Familia titulado Happy Hell-O-Ween, en el cual Brian y Stewie van a parar al infierno y se convierten en un dolor de cabeza para el mismísimo Satán. También títulos relacionados con fantasmas como las dos películas live action de Scooby-Doo o con el más escalofriante terror como la temporada 8 de Las Kardashian…

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En fin, al listado…

SERIES

. Coven Academy: El Hechizo de las Brujas (2 de octubre)

. Spy X Family (temporadas 1 y 2, 4 de octubre)

. Happy Hell-O-Ween (episodio especial de Padre de Familia, 5 de octubre)

. Vampirina: Un Insti de Miedo (temporada 2, 7 de octubre)

. Las Kardashian (temporada 8, 8 de octubre)

. VisionQuest (14 de octubre)

PELÍCULAS

. SOULM8TE (1 de octubre)

. Scooby-Doo (1 de octubre)

. Scooby 2: Desatado (1 de octubre)

 

DOCUMENTALES

. Oasis: Don´t look back in Anger (9 de octubre)

. Me estafaron (18 de octubre)

Esperando, como siempre, que hayan encontrado algo de su gusto e interés, nos reencontramos en un mes con las novedades de Disney+ para noviembre. Hasta entonces y sean felices…

Todo sobre Carl el Mazmorrero (el fenómeno de Matt Dinniman) y la llegada de su sexto libro

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Hoy toca ponerse cómodos y hablar de uno de los mayores terremotos editoriales de los últimos años, la saga de libros de Carl el Mazmorrero de Matt Dinniman. 

Hablemos de Carl el Mazmorrero (Dungeon Crawler Carl en su título original), esa locura escrita por el estadounidense Matt Dinniman que ha pasado de ser un fenómeno de la autoedición digital en plataformas como Royal Road a convertirse en una auténtica apisonadora internacional amada por millones de lectores (y recomendada hasta por capos de la fantasía moderna como Brandon Sanderson). Y es que la maquinaria no se detiene, con la llegada del mes de octubre, las librerías españolas abren sus puertas para recibir por todo lo alto el esperado sexto volumen de la saga, titulado El ojo de la novia frenopática, gracias al excelente trabajo que está haciendo el sello Nova de Penguin Random House trayendo la serie a nuestro país.

Si todavía andáis despistados con este universo y os preguntáis por qué medio internet está obsesionado con un tío en calzoncillos y su gata persa, preparaos, porque vamos a diseccionar la saga de cabo a rabo sin destripar las grandes sorpresas a los nuevos reclutas.

¿De qué va esta locura? El fin del mundo convertido en un sádico reality show

Para entender el germen de todo esto hay que remontarse al punto de partida del primer libro, una premisa tan absurdamente brillante como desoladora. Imaginaos por un momento que vuestra vida es más o menos corriente, os toca lidiar con los típicos dramas cotidianos (como tener que cuidar de la gata de exhibición de vuestra exnovia) y, de repente, en cuestión de segundos, todos los techos de la superficie de la Tierra colapsan. Cualquier ser humano que estuviera bajo un tejado en ese preciso instante muere aplastado.

Por si semejante Armagedon apocalíptico os parece poco, resulta que la destrucción de la infraestructura terrestre no ha sido un accidente fortuito, sino el pistoletazo de salida a una invasión alienígena. Pero no una invasión cualquiera de marcianos con rayos destructores, no. Los nuevos dueños de la galaxia son una panda de corporaciones sin escrúpulos que han convertido nuestro planeta en un gigantesco plató de televisión. La Tierra es ahora una mazmorra intergaláctica gigante y los escasos supervivientes humanos que quedan vivos no tienen otra opción que convertirse en «exploradores» (crawlers) obligados a participar en un sádico y sangriento reality show retransmitido en directo para toda la galaxia.

Ahí es donde entran en acción nuestros dos improvisados protagonistas: Carl, un tipo corriente que sale a la calle en calzoncillos de franela y abrigándose con lo primero que encuentra para salvar a la gata de su ex, y Princesa Dónut, la felina en cuestión, que gracias a las mecánicas del juego evoluciona, adquiere intelecto humano, habla por los codos y se convierte en un icono absoluto de masas dentro y fuera de la mazmorra.

Carl el Mazmorrero

El subgénero LitRPG o cuando leer se convierte en jugar a un videojuego de rol

Uno de los grandes atractivos que ha enganchado a millones de lectores en todo el mundo es cómo Dinniman abraza sin complejos el subgénero conocido como LitRPG (Literary Role-Playing Game).

Lejos de ser una novela de fantasía tradicional donde los personajes progresan de manera abstracta, en Carl el Mazmorrero las reglas de un videojuego de rol clásico mandan sobre la realidad. Hay pantallas de interfaz flotantes, subidas de nivel, árboles de habilidades absurdas, gestión de inventario, cajas botín (loot boxes), penalizaciones draconianas impuestas por unos directores de programa alienígenas sádicos y un sistema de patrocinadores corporativos que recuerda a lo peor del capitalismo moderno llevado al espacio exterior.

Para los que crecimos pegados a una consola devorando juegos de rol o tirando dados en una mesa de juegos de rol, leer las peripecias de Carl es como encender la nostálgica chispa de los videojuegos, pero pasada por el filtro de humor negro y una acción frenética que no te da un respiro.

Y ahora, en octubre de 2026, llega a nuestras librerías el sexto tomo (El ojo de la novia frenopática), un mastodonte de más de 800 páginas donde los protagonistas deben dar caza a seis monstruos legendarios para convertirlos en cartas, mientras la tensión geopolítica y las revueltas dentro de la mazmorra amenazan con reventar los cimientos del mismísimo programa de televisión. Una auténtica barbaridad de ritmo y giros de guion.

Carl el Mazmorrero, la saga LitRPG que convirtió una mazmorra alienígena en un fenómeno mundial, tendrá serie de televisión

¿Hasta dónde llegará la saga y qué pasa con el cómic?

Una de las grandes preguntas que siempre nos hacemos los coleccionistas empedernidos cuando una saga literaria se convierte en fenómeno de masas es cuánto va a durar el viaje. En varias entrevistas recientes, Matt Dinniman ha ido perfilando el horizonte de la historia, aunque inicialmente barajaba exprimir la mazmorra hasta los diez libros, el autor ha confirmado que su intención actual es concluir la serie principal en el noveno libro, el cual probablemente se dividirá en dos volúmenes para cerrar con absoluta traca final todas las tramas abiertas. Esto significa que serán diez libros (por mucho que digan nueve) y que todavía nos queda un buen puñado de años de sufrimiento, risas y evoluciones demenciales junto a Carl y Dónut.

Además, para alegría de los completistas y de los que disfrutan del noveno arte tanto como de la letra impresa, el universo de Carl no se limita a las novelas de tapa blanda de Nova. La franquicia ya ha dado el salto al formato de novela gráfica y cómic, adaptando el material original con un estilo visual rompedor que complementa a la perfección los libros y que hace las delicias de cualquier tebeoteca que se precie. Os dejo enlace al cómic publicado en España por Norma Editorial.

Matt Dinniman baja a la mazmorra: Celsius 232 y el salto al cómic de Carl el Mazmorrero, con Norma Editorial.

Si todavía no os habéis atrevido a cruzar las puertas de la mazmorra y os muerde la curiosidad, ya estáis tardando en haceros con los libros (o los cómics). Carl el Mazmorrero es una de esas lecturas raras que combinan la crítica social más cínica, el humor más desternillante y una aventura de ciencia ficción pura y dura que engancha como pocas cosas lo han hecho en la última década.

Un saludo y sed felices.

¿Huir a los cinco minutos? El divertido y despiadado termómetro de Rotten Tomatoes con el estreno de Digger

Ya sabéis cómo nos gusta diseccionar las cosas por aquí sin filtros, sin postureos y diciendo las verdades como los puños, aunque duela a los más fans. Y ya sabéis que soy fan de Tom Cruise. Y he escrito artículos y noticias sobre Digger, que luego veréis más abajo porque os dejaré los enlaces. Pero es que parece (no la he visto) que la película que prometía ser un trampolín para el Oscar, es un despropósito. Y nada, tengo que hacerme eco y dejarlo por escrito. Una pena.

Echando un vistazo en las últimas horas a los portales norteamericanos me he topado con un titular de esos que te hacen frotarte los ojos y soltar una carcajada escéptica. Resulta que las valoraciones de la crítica en Rotten Tomatoes para el estreno de acción titulado Digger han venido acompañadas de una frase lapidaria que ya está dando la vuelta a internet:

«Las audiencias querrán marcharse huyendo urgentemente tras los primeros cinco minutos».

Con frases tan sutiles como esa, ¿quién necesita enemigos en la taquilla?

El nuevo tráiler de Digger desata la locura en la carrera hacia los Oscar y arrastra a Tom Cruise

 

Lo divertido y crudo, triste al mismo tiempo de este percal no es solo el varapalo en sí, sino ver cómo la maquinaria de la crítica cinematográfica global se alinea para ensañarse con un estreno. Si uno rasca un poco más allá del titular principal y repasa cómo han soplado los vientos en cabeceras históricas como Deadline, The Hollywood Reporter, Variety o el mismísimo New York Times, el panorama es de auténtica película de catástrofes.

Mientras que algunas publicaciones intentan salvar los muebles destacando el esfuerzo físico o algún que otro alivio cómico aislado (como apuntaba recientemente Empire reconociendo que, al menos visualmente, el protagonista se deja la piel), el consenso generalizado en Rotten Tomatoes huele a quema total. Es esa clase de recibimiento en el que te preguntas si de verdad nadie en la sala de montaje se dio cuenta del esperpento que estaban perpetrando antes de darle luz verde al proyector. ¿Tan mala es?

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Porque claro, prometer un festival de acción adrenalítico y encontrarte con un arranque que, según los críticos más cínicos, te incita a coger el abrigo y marcharte a los cinco minutos de empezar, define a la perfección los riesgos de la industria del cine actual.

Lo de Alejandro González Iñárritu es para estudiarlo en los manuales de cine. Estamos hablando de un director consagrado, un titán con varios Óscar en su estantería y un prestigio indudable que ha puesto patas arriba la industria con su estilo visceral. Por eso choca tantísimo que su flamante alianza con Tom Cruise en Digger haya provocado un terremoto de críticas tan agrias y dispares.

¿Cómo es posible que un autor de su categoría firme una propuesta de la que muchos dicen que dan ganas de salir corriendo a los cinco minutos? A veces, la ambición autoral se cruza con la incomprensión del público masivo y se arma el belén. Genio y figura, para lo bueno y para lo malo.

Un saludo y sed felices.

El gran plantón de Hollywood. A Tom Cruise le dejan tirado por las calaveras llameantes de Ghost Rider

Ya sabéis perfectamente cómo funciona esto porque cuando crees que los despachos de Hollywood ya no pueden sorprenderte con carambolas más extrañas, fichajes cruzados y calabazas de última hora, va el destino y te monta un culebrón digno de la mejor comedia de enredos, y además con el mismísimo Tom Cruise.

En las últimas horas, los portales norteamericanos que tanto frecuentamos han soltado una exclusiva que es un poco de marujeo, no os voy a engañar, pero quería subirlo a la web. Resulta que el bueno de Tom Cruise, en su eterna cruzada por mantener vivo el cine de acción, tenía en su punto de mira a uno de los directores más cotizados del momento, Shawn Levy, el artífice detrás del descomunal éxito de Deadpool y (Wolverine) Lobezno. ¿El objetivo? Que Levy se sentara en la silla de director para comandar nada más y nada menos que la «esperadísima» (que nadie pidió) secuela de Días de Trueno 2 (Days of Thunder 2).

Cuarenta años después, Tom Cruise y Anne Hathaway preparan Días de trueno 2 para el verano de 2028

¿Y sabéis qué pasó? Pues que a Shawn Levy le ofrecieron el caramelo de hacer una película de Ghost Rider, y luego miró la oferta de Tom Cruise, y volvió a mirar hacia unas calaveras llameantes, y decidió decirle al bueno de Tom: «me voy a Marvel».  Y es que Shawn ha decidido rodar el ansiado reboot oficial de Ghost Rider, que estará protagonizado por el mismísimo Ryan Gosling en 2028.

En esta industria, la lealtad dura exactamente lo que tarda en llegar un contrato nuevo con el logo de Marvel Studios sobre la mesa. Y Tom Cruise se ha quedado con la puerta en las narices.

La Comic-Con de San Diego arde con Ryan Gosling como Ghost Rider y el nuevo Pantera Negra que nadie vio venir

 

Por un lado, da pena imaginar a Tom Cruise intentando sacar adelante una secuela de Días de Trueno, esa especie de Top Gun sobre cuatro ruedas que tanto marcó a una generación, y encontrándose con que los grandes realizadores prefieren meterse en el carrusel de superhéroes y universos compartidos. Cruise es un tipo de vieja escuela, un auténtico purista del celuloide que prefiere jugarse el tipo colgado de un avión real que abusar del croma digital. Verle intentar resucitar aquella mítica rivalidad automovilística tenía su morbo, pero chocar contra la maquinaria de Marvel es, hoy por hoy, Misión imposible. Perdón por el chiste.

Por otro lado, que Shawn Levy haya elegido enfundarse la chaqueta de Ghost Rider junto a Ryan Gosling demuestra que los directores de primer nivel saben perfectamente dónde está el gran circo mediático actual.

Al final, este tipo de noticias nos recuerdan que Hollywood no es más que una partida gigante de ajedrez donde las llamadas de última hora, los proyectos que se caen y los fichajes inesperados configuran el verdadero entretenimiento de los que amamos el cine. A Cruise le han dado calabazas, sí, pero seguro que ya está buscando a otro director con similares características.

Y vosotros ¿qué haríais en el lugar de Shawn Levy? ¿Os habríais quedado con Tom Cruise en la secuela de Días de Trueno o habríais corrido a firmar con Marvel para rodar Ghost Rider con Ryan Gosling?

Retro-Análisis: Días de Trueno (1990), como Top Gun pero con autos… y me gusta más

Un saudo y sed felices

Novedades de Nuevo Nueve Editores de octubre de 2026

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros las novedades de Nuevo Nueve Editores, previstas para este mes de octubre. El equipo de Ricardo Esteban nos ofrece un catálogo contenido, pero a rebosar de calidad. Veámoslo …

Nuevo Nueve Editores

Octubre de 2026

Nuevo

La editorial Nuevo Nueve nos ofrece tres títulos para este mes de octubre. Y como siempre, hemos seleccionado el que más nos llama la atención, sin desmerecer al resto (por supuesto).

El viento en las arenas

Nuevo

El Viento en las Arenas es una nueva aventura gráfica de Michel Plessix (tristemente fallecido demasiado joven) que continúa la magnífica adaptación de El viento en los sauces, el clásico de Kenneth Grahame.

Los habitantes del Bosque Salvaje viven tranquilos hasta que Sapo es presa de un nuevo y desquiciado deseo de viajar. Arrastra a sus amigos Rata y Topo en un navío rumbo a África, donde deberán adaptarse a un entorno desconocido.

Allí hacen amigos como el joven Samir y el guía fumador de kif, Ali. Sapo incluso se hace famoso en la medina gracias a su talento para contar historias en el mercado.

La trama da un giro cuando ayudan a una anciana mendiga atacada por dos matones, quien les revela que en su pueblo natal, en medio del desierto, yace un tesoro insondable. Esta noticia no deja indiferente al avaro Barón Renacuajo, quien rápidamente encuentra un dromedario para adentrarse en el desierto en busca del tesoro.

Nuevo

Se presenta como una «alocada secuela» que traslada el espíritu de la novela original a un escenario exótico, combinando humor, amistad y aventura con el estilo visual característico de Plessix.

Ideal para lectores que disfrutaron de El viento en los sauces y buscan una continuación fresca, con nuevos personajes y paisajes, pero manteniendo el encanto de los protagonistas clásicos.

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Pinchad AQUÍ, para obtener más información desde la web de Nuevo Nueve Editores.

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Y hasta aquí las recomendaciones de Nuevo Nueve Editores, previstas para este mes. Justo un poco más abajo, os dejamos el pdf completo, con todas las novedades de la editorial madrileña, previstas para este mes.

Echad un ojo, disfrutad y sobre todo …

¡Sed Felices!

 

 

George Lucas rompe su silencio. Los verdaderos motivos por los que se bajó del carro de las secuelas de Star Wars

Por mucho que pasen los años, que Disney siga exprimiendo la vaca con series de televisión de calidad desigual y que el fandom continúe dividiéndose en trincheras ideológicas cada vez que se anuncia un nuevo proyecto, el nombre de George Lucas sigue siendo el centro de gravedad absoluto de Star Wars. Cada vez que el creador de la criatura abre la boca para hablar de su relación con la franquicia, la industria cinematográfica se detiene a escuchar.

En las últimas horas, los portales norteamericanos especializados se han hecho eco de unas jugosas e interesantísimas declaraciones que explican, sin pelos en la lengua, por qué el bueno de George decidió dar un paso atrás definitivo y no sentarse en la silla de director para comandar la trilogía de secuelas (El despertar de la Fuerza, Los últimos Jedi y El ascenso de Skywalker) tras vender Lucasfilm a la compañía del ratón Mickey en 2012. Una espina clavada para muchos fans. Para otros, no tanto.

Crítica de Star Wars Episodio VIII: Los últimos Jedi

Crítica sin spoilers de Star Wars: El Ascenso de Skywalker. La nostalgia no lo arregla todo

La cruda realidad tras la venta. Libertad creativa frente al rodillo corporativo

Durante años se ha especulado con todo tipo de teorías conspiranoicas en los foros de Internet. Desde que Disney le invitó amablemente a jubilarse, hasta que el propio George Lucas estaba cansado de lidiar con las críticas feroces que recibió en su día por parte de los sectores más intransigentes del fandom debido a las precuelas (La amenaza fantasma, El ataque de los clones y La venganza de los sith). Sin embargo, la realidad, tal y como se ha vuelto a poner de manifiesto en estos nuevos reportes, tiene más que ver con la independencia artística y el desgaste emocional.

Cuando George Lucas concibió y financió de su propio bolsillo la trilogía original y las precuelas, lo hizo bajo sus propias reglas. Era Dios y creador absoluto de su propio universo, nadie le decía qué se podía rodar, cuánto duraba el metraje o qué dirección comercial debía tomar el merchandising. Al cerrar la macroventa con Disney por más de 4.000 millones de dólares, la idea inicial sobre el papel era que sus tratamientos y borradores originales para el Episodio VII en adelante servirían de hoja de ruta para los nuevos estudios.

George Lucas

Sin embargo, la maquinaria corporativa de un gigante del entretenimiento como Disney funciona con otras dinámicas muy alejadas de la visión de un cineasta «independiente». Las diferencias creativas sobre el rumbo de la mitología de los Jedi, la evolución de los personajes clásicos como Luke, Han y Leia, y la presión insoportable de tener que contentar a unos accionistas que buscaban un producto rápido, seguro y milimetrado en taquilla hicieron que la colaboración se desinflara antes de empezar a rodar.

El peaje de ser el padre de la criatura

A toro pasado, y viendo el caótico y errático camino que siguió la trilogía de secuelas (una macroproducción sin una dirección unificada donde cada director parecía contradecir al anterior en una especie de ping-pong creativo bochornoso), cuesta no frotarse los ojos pensando en lo que habría sido ver la visión personal de George Lucas plasmada en la gran pantalla. ¿Habría gustado a todo el mundo? Ni por asomo. Las precuelas ya demostraron que el creador prioriza su capricho visual y su mitología interna por encima de las expectativas del público. Pero al menos habría tenido una coherencia artística indiscutible.

Lucas prefirió echarse a un lado, ceder el testigo y contemplar los toros desde la barrera, sabiendo que intentar jugar en el tablero corporativo de la actual Hollywood le habría costado más de un disgusto. Al final, nos quedamos con la duda eterna de qué habría pasado si el padre de la criatura hubiera tenido la última palabra en el destino cinematográfico de la Fuerza.

¿Pensáis que Disney cometió un error garrafal al apartar los tratamientos originales de George Lucas o creéis que la trilogía de secuelas era el único camino posible para la saga?

Un saludo y sed felices.