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Crítica de Tiempo de Victoria (2026), tenso y modélico thriller de despachos.

Fernando Vílchez
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Crítica de Tiempo de Victoria (2026), tenso y modélico thriller de despachos.

Creo firmemente que no ha existido periodo histórico más abordado por el cine que la Segunda Guerra Mundial, con todos los matices que envolvieron a un conflicto que se extendió a lo largo y ancho del mundo. De todos los acontecimientos narrados a lo largo del conflicto, el más abordado ha sido el Desembarco de Normandía, considerado el momento en el que Alemania comenzó a perder la guerra. Pues bien, Tiempo de victoria aborda los acontecimientos previos al desembarco desde un punto de vista tan poco cinematográfico como trascendental: el de los meteorólogos que pronosticaron qué día se debía desembarcar para que la operación no fuera un desastre.

Las 25 mejores películas sobre la Segunda Guerra Mundial

Adaptación de una obra de teatro escrita por David Haig, Tiempo de victoria se centra en las últimas 72 horas antes del día D, inicialmente previsto para el 5 de junio pero que fue abortada por el empeño del meteorólogo James Stagg, propuesto por Churchill, en contraposición de su compañero apoyado por Eisenhower, comandante de las fuerzas aliadas. Por mucho que los soldados estuvieran deseando entrar en la Europa continental, realizar la operación en plena tormenta hubiera supuesto un desastre bélico y personal, con la pérdida de miles de vidas.

Tiempo de Victoria es un ejemplo de cine impecable. Basada en una ciencia aparentemente anodina como es la meteorología, la película es un thriller de despachos donde el tiempo es crucial por dos vías: la cronológica (la trama no deja de ser una cuenta atrás) y la moral. Al fin y al cabo, asistimos a un tenso enfrentamiento entre lo que se quiere y lo que se debe hacer.

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Los militares, después de años de frustrantes acciones contra los nazis, están deseando invadir y no reciben con buen agrado las indicaciones de un serio hombre de ciencia con dificultades para mandar a su propio equipo que les dice, en contraposición a su rival meteorólogo, que el 5 de junio caerá una tormenta que puede arrasar a las tropas aliadas. Su jefe, Eisenhower, deberá decidir si hace caso a las predicciones mientras lidia con sus propios subordinados. 

Porque ese es otro de los temas que aborda la película, el liderazgo. Lo vemos en Stagg (magnífico y contenido Andrew Scott), un hombre rígido, arisco y anclado a los hechos al que poco le importa dejar en ridículo a otro compañero si este no lleva la razón. Tanta inteligencia analítica como escasa inteligencia emocional.

Pero también lo vemos en Eisenhower, tremendo Brendan Fraser, el líder de todos los líderes militares. Un hombre lastrado por los 700 muertos de la Operación Tigre que debe mantenerse firme pese a sus muchas reservas morales. Él es el que tiene la última palabra a la hora de efectuar el Desembarco.

La relación entre ambos personajes está muy bien escrita e interpretada por ambos personajes, que se ven acompañados de Kerry Condon como la secretaria y confidente de Eisenhower, Chris Messina como el meteorólogo de Eisenhower, que se opone rotundamente a las predicciones de Stagg; y Damian Lewis como Montgomery, mariscal británico a favor de realizar la invasión cuanto antes.

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Sorprende como la película, que apenas sale del cuartel donde el alto mando se reúne para confirmar si invaden o no Normandía y del que sabemos el desenlace, se ve como un tiro gracias al magistral manejo de la tensión por parte de su director Anthony Maras. A ello se le suma las grandes interpretaciones y un guión que evita subrayados innecesarios.

A nivel de producción es impecable, sumergiéndote en un cuartel británico de las fuerzas aliadas en plena Segunda Guerra Mundial. Si acaso, me sobra un poco su recreación del Desembarco de Normandía (la sombra de Salvar al soldado Ryan es demasiado alargada).

En definitiva, Tiempo de Victoria es un ejemplo de buen cine, entendiendo esto como el utilizar una premisa aparentemente poco destacada como fue el papel de los meteorólogos en el Desembarco de Normandía para trazar una tensa cuenta atrás que habla de la necesidad de tomar decisiones basándose en los hechos objetivos y en los distintos caminos para ser un buen líder. Tanto lo uno como lo otra perfectamente extrapolable a la época actual. No os la perdáis, gustará a todo el mundo.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

De Madame Web al centro de la polémica: ¿Por qué cada movimiento de Sydney Sweeney desata una tormenta en redes?

Mario Losada
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De Madame Web al centro de la polémica: ¿Por qué cada movimiento de Sydney Sweeney desata una tormenta en redes?

Echando un vistazo a los debates y artículos que llevan agitando los portales norteamericanos durante las últimas semanas, resulta imposible no pararse a pensar en el fenómeno mediático en el que se ha convertido Sydney Sweeney. Desde aquellos tiempos en los que formaba parte del elenco de Sony con Madame Web, la intérprete parece haberse instalado de manera permanente en el ojo del huracán, acumulando titulares, debates encendidos y una polarización constante cada vez que asoma la cabeza por un nuevo proyecto o campaña publicitaria.

La última gran tormenta digital que ha sacudido las redes sociales gira en torno a su último y controvertido anuncio para una plataforma de apuestas deportivas (Novig), un spot que ha provocado una oleada de críticas feroces por parte de atletas profesionales y colectivos deportivos internacionales, reabriendo un debate muy complejo entre la libertad de expresión y la sexualización de la mujer en el deporte.

Del multiverso fallido de Sony a la diana publicitaria

Para entender cómo se gesta este rechazo, hay que mirar con perspectiva el camino que ha recorrido la actriz en los últimos años. Tras su paso por la criticada película del universo de Spider-Man, Madame Web ya se convirtió en el blanco fácil de los memes y la frustración de un sector del fandom decepcionado con el rumbo de la cinta. Sin embargo la popularidad de Sweeney ha crecido de forma exponencial desde aquel entonces. Sin embargo, cada paso que ha dado fuera de los sets de rodaje (campañas de vaqueros, acciones publicitarias o su implicación como socia en distintas marcas comerciales) parece venir acompañado de una campaña instantánea de críticas desmedidas. ¿Justas o injustas?

El reciente anuncio publicitario, en el que aparecía jugando con la estética visual y elementos deportivos de forma provocativa, desató una rápida respuesta de deportistas de élite y medallistas olímpicas que argumentaban que la campaña restaba valor al esfuerzo atlético real, reduciendo la imagen de la mujer en el deporte a un reclamo puramente sexual. Las redes se dividieron de inmediato entre quienes defendían el derecho absoluto de la actriz a gestionar su propia imagen y su creciente imperio comercial, y quienes la acusaban de alimentar una sexualización que la industria deportiva lleva años intentando erradicar. ¿Si ese anuncio lo hubiera realizado un hombre tendría tanta repercusión?

X-Men. Se rumorea que Sydney Sweeney será Emma Frost en el UCM

El peaje de la sobreexposición y la cultura del odio digital

Lo verdaderamente llamativo de este fenómeno no es que una estrella de Hollywood protagonice un anuncio polémico (algo que lleva ocurriendo desde los tiempos dorados de la meca del cine), sino la ferocidad y la inmediatez con la que cada controversia en torno a su figura se convierte en cuestión de estado en Internet. ¿Porqué tanto odio?

Al final, guste más o menos su estrategia publicitaria o sus elecciones cinematográficas tras aquel fugaz paso por el cine de superhéroes, lo cierto es que Sydney Sweeney ha demostrado saber rentabilizar como nadie el foco mediático. Cada polémica, lejos de hundir su carrera, la mantiene en el centro absoluto de la conversación global, demostrando que en el Hollywood actual la indiferencia es el único pecado mortal.

¿Qué opináis de toda esta polémica, sobre todo en Estados Unidos? ¿Es para tanto o las RRSS engrandecen un grano de arena hasta convertirlo en una montaña?

Un saludo y sed felices.

Mi decepción con la última película de Resident Evil

Mario Losada
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Mi decepción con la última película de Resident Evil

A ver, queridos lectores que nos seguís cada día en lascosasquenoshacenfelices.com. Ya sabéis cómo soy y sabéis perfectamente que aquí no me caso con nadie.   Una superproducción millonaria puede arrasar en taquilla, llevarse el aplauso unánime de la crítica especializada y poner a todo el fandom a aplaudir con las orejas, pero si a mí me deja con cara de tonto y un sabor agridulce en el paladar, os lo voy a decir exactamente así, sin filtros ni paños calientes. Y eso es justo lo que me ha pasado con la última película de Resident Evil.

Sé perfectamente que voy a contracorriente. Lo sé. Abro los portales especializados y las redes sociales y parece que estamos ante la quintaesencia del terror moderno, una obra maestra incomprendida o el no va más del entretenimiento palomitero.  Todo el mundo aplaude, los números acompañan y la marea de opiniones positivas es tan apabullante que uno llega a pensar si es que ha visto la película equivocada. Pero, amigo, hay veces que la burbuja del entusiasmo colectivo te estalla en la cara. Y a mí, sinceramente, esta entrega me ha decepcionado.

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Resident Evil

Un arranque que prometía el oro y el moro

Vaya por delante que no voy de hater por la vida ni mucho menos. De hecho, los primeros compases de la película tienen virtudes innegables que consiguen atraparte en la butaca durante un buen rato. La primera mitad del metraje maneja los tiempos con bastante soltura, estableciendo una atmósfera opresiva, cargada de tensión, con esa clásica sensación de peligro inminente y paranoia corporativa que tanto nos gusta a los que llevamos décadas siguiendo las huellas de la Corporación Umbrella.

Visualmente, en esa parte inicial, la cinta sabe jugar sus cartas. Hay un respeto evidente por los videojuegos, guiños sutiles que sacan una sonrisa al aficionado de toda la vida y una capacidad razonable para mantener la incertidumbre. Uno piensa: «Vaya, por fin han dado con la tecla y tenemos una adaptación que entiende el tono».

Pero claro, el problema de levantar tanto las expectativas en el primer acto es que, cuando las cosas empiezan a torcerse, el golpe contra el suelo  hace el doble de ruido. Y creedme, la segunda mitad de la película es una auténtica caída en barrena.

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Decisiones de guion de chiste y personajes que parecen sacados de una comedia de enredos

Cuando el relato exige dar el do de pecho, abrir el abanico y resolver las tramas con coherencia interna, el castillo de naipes se desmorona por completo. No sé qué les pasa por la cabeza a los guionistas en las salas de montaje o en los despachos de los estudios, pero llega un punto en el tercio final donde las decisiones que toman los protagonistas desafían cualquier atisbo de lógica humana, de instinto de supervivencia básico y de sentido común.

Esas típicas situaciones en las que te quedas mirando la pantalla con los ojos como platos, preguntándote en voz alta: ¿Pero por qué haces eso? ¿Por qué tomas la decisión más estúpida posible cuando tienes tres opciones lógicas a tu alcance?

Llega un momento en que la película se desliza peligrosamente hacia el terreno de la autoparodia involuntaria. Los personajes actúan de una manera tan errática, tan ilógica en contra del instinto de supervivencia y tan supeditada a las necesidades absurdas de que avance el guion, que la tensión dramática se evapora por completo. Lo que debería ser un clímax agónico y desesperado se convierte en una sucesión de decisiones de chiste donde todo hijo de vecino acaba convertido en abono para zombis.

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Nadar contracorriente pero siendo honesto a mis gustos

Escribir esto sabiendo que la marea de opinión general camina exactamente en dirección contraria tiene su aquel. Vivimos en una época en la cual parece obligatorio subirse al carro de los consensos prefabricados y discrepar del fervor popular te convierte automáticamente en el grinch del entretenimiento. Pero es que si perdemos la capacidad de ser críticos, de exigir un mínimo de rigor narrativo a productos que manejan presupuestos millonarios y de decir las cosas claras cuando algo no funciona, al menos para mí y dando mi opinión, mal vamos.

Resident Evil tenía mimbres de sobra para facturar un producto redondo. Tenía el nombre, el presupuesto, el director, un arranque estimulante y una legión de seguidores esperando con los brazos abiertos. Por eso me molesta ver cómo se desinfla de esa manera tan tonta en su tramo final, con decisiones de los personajes que rozan el insulto a la inteligencia del espectador.

Al final, nos quedamos con la sensación de una oportunidad perdida. Una pena.

Y vosotros, ¿compartís mi visión crítica con esta segunda mitad o pensáis que me he vuelto completamente loco y la película es una obra maestra intocable?

Un saludo y sed felices.

Lo último de Disney con Star Wars: ¿Hacía falta de verdad un Episodio X con Jon Watts?

Mario Losada
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Lo último de Disney con Star Wars: ¿Hacía falta de verdad un Episodio X con Jon Watts?

A ver devoradores de una galaxia muy, muy lejana. Si pensabais que la directiva de Lucasfilm y los despachos de Disney se iban a quedar de brazos cruzados descansando tras los bandazos de los últimos años, os equivocabais de pleno. En las últimas horas, los portales especializados y medios de referencia han soltado un bombazo que lleva todo el día agitando los foros y reventando los grupos de WhatsApp de los más cinéfilos, la confirmación del Episodio X de Star Wars.

Es oficial. Disney se las sigue ingeniando para estirar el chicle y han confirmado el desarrollo del Episodio X, abriendo así la puerta a una flamante nueva trilogía cinematográfica. Y por si fuera poco, para capitanear semejante transatlántico tras las cámaras, el elegido ha sido Jon Watts, el director responsable de las últimas aventuras arácnidas de Tom Holland en el universo de Marvel.

Y miren, que nadie se equivoque. Yo soy el primero al que le brillan los ojos cada vez que se anuncia un proyecto comiquero o galáctico, pero hay noticias que te dejan con una mezcla muy extraña de pereza y escepticismo. ¿De verdad era necesario volver a la numeración principal con un Episodio X?

Sin ley, sin orden y con Ryan Gosling. El director Shawn Levy destapa el caótico panorama galáctico de Star Wars: Starfighter

El peligro de remover un pastel que ya estaba cerrado

Tras el final agridulce, atropellado y profundamente divisivo que supuso El ascenso de Skywalker, muchos de los que llevamos décadas siguiendo las andanzas de La Fuerza pensábamos que lo más inteligente por parte del estudio habría sido dejar descansar la cabecera principal durante un buen puñado de años. Dejar que el polvo se asentara, explorar épocas completamente desconectadas de los Skywalker, como la Alta República o rincones inexplorados del Borde Exterior, y dar aire fresco a los creadores.

En su lugar, la decisión corporativa ha sido tirar por la calle de en medio y rescatar la mítica «X» para asegurarse titulares y recuperar el gancho comercial de las grandes cifras. Y ojo, no tengo nada en contra de Jon Watts, que ha demostrado con creces en la trilogía de Spider-Man saber manejar presupuestos mastodónticos, como también que entiende de tiempos comerciales y no le tiembla el pulso a la hora de entregar un producto palomitero eficaz.

Pero una cosa es montar un blockbuster simpático y resultón en Nueva York y otra muy distinta es coger los bártulos de la saga más icónica, exigente y tóxica de la historia del cine moderno.

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Episodio X

¿Habrá un plan detrás o volveremos a improvisar sobre la marcha?

El gran trauma que arrastra el fandom de Star Wars con la etapa reciente de Disney no es la falta de talento de sus directores, sino la absoluta improvisación con la que se tejió la trilogía de secuelas. Ir rodando el Episodio VII sin tener ni idea de cómo iba a terminar el IX, cambiando de timonel a mitad de camino y contradiciendo la visión creativa del compañero anterior, fue un esperpento que no se puede volver a repetir si de verdad quieren levantar cabeza.

Si Jon Watts y su equipo entran en esta nueva trilogía con un plan cerrado, un argumento perfectamente estructurado de principio a fin y total libertad creativa para explorar nuevos horizontes sin mirar todo el rato al retrovisor de la nostalgia rancia, le daré la bienvenida con los brazos abiertos. Pero si la jugada responde únicamente al pánico de los accionistas ante la taquilla y a la necesidad imperiosa de llenar el calendario de estrenos, mal vamos.

Al final, como siempre, nos tocará esperar, tragar saliva y ver con qué nos sorprenden en la gran pantalla. La Fuerza es muy poderosa, pero la cabezonería de los despachos de Hollywood a veces no conoce límites.

Y vosotros ¿qué opináis de este anuncio? ¿Pensáis que fichar a Jon Watts y arrancar un Episodio X es el revulsivo que necesitaba la saga o creéis que se están metiendo en un charco innecesario?

Un saludo y sed felices.

‘Lanterns’. Episodios 6 y 7 | La caída de Hal Jordan

Juanma Martín
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‘Lanterns’. Episodios 6 y 7 | La caída de Hal Jordan

Tras la traca del quinto capítulo, un episodio bien podría haber funcionado como un final de temporada redondo, aunque abierto, llega el sexto. Con la trama principal aparentemente cerrada, era difícil adivinar hacia dónde iba a ir el resto de la serie o cómo iban a sostener la tensión hasta el cierre de temporada.

Narrativamente, el salto temporal logra despojar a John Stewart de cualquier vestigio heroico para mostrarlo como un hombre que ha rehecho su vida alejado de los Green Lanterns y de ese anillo.

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Sin embargo, esta elipsis temporal de una década tiene un problema evidente para mi en la ficción de HBO: Resulta un tanto artificiosa. El guion opta por explicarnos lo que ha sucedido en esta década perdida apoyándose casi por completo en diálogos expositivos en lugar de en hechos. La dura estancia de Hal Jordan en la cárcel, su tortuoso regreso al pueblo intentando buscar el perdón y el desarrollo de su relación íntima con la sheriff Kane son eventos vitales que nos llegan exclusivamente a través de las palabras.

Esta decisión contradice frontalmente la regla de oro del lenguaje audiovisual: «muéstralo, no lo cuentes». Al privar al espectador de presenciar la caída, el sufrimiento y los intentos de redención de Hal, el impacto emocional de su situación actual pierde fuerza y se siente más como un atajo brusco de los guionistas que como una evolución orgánica que hayamos podido vivir junto a los personajes.

El punto más divisivo y controvertido del episodio es el destino reservado para Hal Jordan, aunque ya vimos un adelanto al final del primer capítulo. Aunque es cierto que aquí durante algunos minutos tenemos la sensación que esto es un truco de Hal, pero pronto esa duda se desvanece.

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EN CF: EL RESTO DE CAPÍTULOS DE ‘LANTERNS’

Para un sector del público, la decisión de arrebatarle el anillo, recluirlo en prisión y finalmente asesinarlo de un disparo a quemarropa en unas gradas heladas, solo y odiado por su comunidad, se sentirá como una traición injustificable al personaje que conocemos de los cómics. Jordan es, en el imaginario colectivo, el piloto intrépido y carismático, el primer Green Lantern de La Tierra del Universo DC. Verlo reducido a un hombre amargado, incapaz de ofrecer una disculpa limpia y liquidado fuera de foco como un paria va a levantar ampollas entre muchos espectadores.

Convertirlo en el centro de un misterio donde él ya no es la solución, sino la víctima es arriesgada y puede funcionar o puede llevar al rechazo por parte de la audiencia. El recurso de traer de vuelta su consciencia residual a través del anillo es una maniobra cobarde: por un lado, rescata la química de buddy movie entre mentor y alumno; por el otro, corre el riesgo de parecer una trampa de guion para matar al personaje sin tener que renunciar al actor en pantalla.

Con Hal fuera del tablero físico y la presencia cínica de Guy Gardner, que ha sido un cameo y poco más, recordando que a los Guardianes de Oa solo les preocupa la imagen pública, el peso de la serie recae de forma absoluta sobre los hombros de John.

Ahora hay muchas dudas que nos asaltan: ¿El desinterés de Los Guardianes es deliberado o encubre algo más? ¿Lo que guardaba Hal en esa caja fuerte puede tambalear todo?

Quienes buscasen una aventura superheroica canónica probablemente se sientan desencantados ante el trato dispensado a una leyenda como Hal Jordan y el uso excesivo de exposición narrativa. En cambio, la intriga sobre lo que está por venir es muy interesante.

El gran acierto del episodio siete reside en devolver algo del arquetipo clásico del piloto temerario sin miedo a nada. A través del flashback de la infancia de Jordan y la historia de la caja fuerte familiar, la serie expone la gran mentira sobre la que se construyó el personaje: el heroísmo como tapadera del trauma.

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Descubrir que Martin Jordan no murió en un heroico accidente de aviación, redefine por completo la psicología de Hal. Aquella bravuconería histórica no era audacia cósmica, sino el pánico atroz de un hombre intentando escapar de una herencia de dolor y silencio. Esta revelación humaniza a Hal, aunque haya sido después de su muerte.

La gran ironía del capítulo es que este avatar digital ejerce mucho mejor de mentor que el Hal Jordan real. Es cierto que sigue teniendo el mismo carácter que su ‘Yo’ real, pero con menos cinismo y amargado. Por primera vez, creo que, vemos a un Hal Jordan que aconseja desde la camaradería.

Todo el tramo final en el planeta desolado de Antaan es un ejercicio de introspección muy potente. La travesía por este mundo muerto no es un simple decorado de ciencia ficción; experimentar en sus propias carnes los efectos de los gases tóxicos y palpar los restos de la masacre que asoló a aquella civilización resulta un viaje opresivo que pone a John Stewart contra las cuerdas, llevándolo al límite de su resistencia física y mental.

Este descenso a los infiernos es interesante no solo por el impactante descubrimiento final de quién aguarda en esa torre aislada, sino por la odisea de supervivencia que lo precede. La transición desde la charla confesional en la barca hasta la revelación de esta prisión clandestina funciona perfectamente.

Aquí os dejo el tráiler del episodio final de ‘Lanterns’ de HBO:

 

Análisis de Star Trek: Strange New Worlds. Temporada 4. Episodio 10. Final de Temporada

Rodolfo Del Bene
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Análisis de Star Trek: Strange New Worlds. Temporada 4. Episodio 10. Final de Temporada

Y llegó el final de la cuarta temporada de Star Trek: Strange New Worlds con su décimo episodio titulado La Enterprise del Mañana.  Creada por Akiva Goldsman, Alex Kurtzman y Jenny Lumet, la serie puede ser vista en España a través de Skyshowtime y en América Latina por Paramount+.

Hola otra vez, trekkies y no tan trekkies. Aquí nuevamente para analizar otro episodio de Star Trek: Strange New Worlds, en este caso con el aditamento especial de corresponder al final de la temporada, pero también con una significación muy especial en lo que a mí respecta, pues me tomo el atrevimiento de anunciar con bombos y platillos que este es mi artículo número 1000 para esta web.

Me cuesta creer haber llegado hasta aquí y se me cruza por la cabeza tanto análisis de series, ya sea episódicas o por temporada completa, así como también tantos estrenos, retro-análisis, libros, cómics, listados, noticias, artículos sobre Ray Bradbury, ciencia ficción pulp, tarzánidos y demás.

Ha sido un largo camino de seis años y medio por el cual solo tengo palabras de agradecimiento para ustedes y para los administradores de la página.  No tengo idea si habrá otros mil artículos, pero aquí estamos y no quiero convertir el que nos ocupa en mera celebración personal, aunque sí decir que es un acto de justicia que un número tan simbólico se corresponda justamente con la franquicia que más quiero.

Pasemos pues a ver qué ha ocurrido en este episodio final de la cuarta temporada de Star Trek: Strange New Worlds, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer en esta web nuestros análisis previos, tanto de esta como de otras series y películas de la franquicia.

. Análisis de Star Trek: Strange New Worlds

. Análisis de Star Trek: La Serie Original (1966-69), a sesenta años del nacimiento de la franquicia.

. Análisis de Star Trek: Discovery

. Análisis de Star Trek: Picard

. Análisis de Star Trek: Starfleet Academy

. Análisis de Star Trek: Voyager, a treinta años de su estreno

. Análisis de Star Trek: Lower Decks

. Análisis de Star Trek: Prodigy

. Crítica de Star Trek: Sección 31

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Una Voz del Futuro

Comenzamos con bitácora a cargo de Uhura contándonos que se acercan a un agujero blanco, fenómeno astronómico inusual y novedoso que podría, según Spock, constituir el otro lado de uno negro. Planean enviar una sonda para escanearlo, pero una sacudida de energía golpea con fuerza a la Enterprise, dejándola con sus escudos reducidos y como si estuviera atrapada por un rayo tractor.

Lo extraño es que antes de que ello ocurriera, Uhura captó una señal que parecía música y desesperados gritos de “mayday” por parte de Scotty. Nada de eso es percibido por los demás y Pike la deriva a ver a M´Benga, quien dictamina que debería tomarse un descanso por el resto del turno en cuanto logren salir de la actual situación.

Uhura queda preocupada por entender que el mensaje procedía del futuro y algo malo va a ocurrirle a Scotty. Así se lo manifiesta a La’an y esta interpreta que ha tenido una experiencia de viaje en el tiempo, pero le recomienda no hacer nada para cambiar el mañana porque suele terminar mal. “Odio los viajes en el tiempo”, sentencia…

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Lejos de tranquilizarse, Uhura se pone a analizar y descifrar la señal musical que recibió y súbitamente establece inesperada conexión con alguien que no es otra que ella misma. No una doble ni una versión espejo, sino la que estará en la Enterprise dentro de un año…

Socias

La historia salta adelante y conocemos a la Uhura del futuro, que no solo luce ya el corte de cabello sesentero que le conocimos a Nichelle Nichols en la serie original, sino que además está iniciando una relación con Scotty y no tiene como capitán a Pike sino a James Kirk.

En situación análoga a la de la otra línea temporal, se hallan en plan de estudiar un agujero, pero no blanco sino negro, por lo que ella, Scotty y Ortegas, circuntancialmente a bordo, se aprestan a partir en la Cervantes, cuyos escudos han sido preparados especialmente para la terrible gravedad. Hay un problema, eso sí, y es que la presión gravimétrica no permitirá transportar más de uno a la vez en caso de emergencia.

Y es justamente eso lo que ocurre después de que extrañas luces salen del agujero y un pulso de energía golpea con fuerza la lanzadera. Uhura sufre una contusión en la cabeza y es transportada de inmediato por Scotty. Apenas llegar, intenta desesperada hacer lo propio con él y Ortegas, pero Kirk y Spock la ponen al tanto de que esta última lleva largo tiempo fuera de la Enterprise y Scotty… murió hace un año.

Llevada a la enfermería, el doctor Boyce le prescribe descanso por veinticuatro horas y la ponen en comunicación con Ortegas para que compruebe que lo que le dicen es cierto. Pero Uhura no puede descansar: necesita saber qué está ocurriendo y no puede aceptar que Scotty esté muerto. Pone pues al ordenador a escanear los datos previos a la explosión, pero el resultado es que no había en esos momentos a bordo de la lanzadera otra forma de vida más que ella y tampoco hay rastros residuales de alguna en el interior del agujero negro.

En ese momento, y para su sorpresa, entra en comunicación con su otra versión y cree estar alucinando. Pero la Uhura del pasado logra convencerla de que no es así y le dice que en su tiempo Scotty está vivo, lo cual significa que podrían aún evitar su muerte si trabajan juntas.

Comparando experiencias, descubren que estudiaban sendos agujeros al momento de producirse la anomalía: uno negro y otro blanco, del cual la Uhura del futuro se acuerda bien. Suponen que los respectivos pulsos de energía de cada uno han provocado un entrelazamiento cuántico, lo cual se condice con la teoría de Spock de que serían dos caras de una misma moneda.

Podrían quizás revertir el proceso con un pulso inverso, pero no saben cómo y la solución, claro, es ir a ver al vulcano. La Uhura del pasado no tiene demasiada suerte, pues si bien Spock considera posible que el tiempo haya sido alterado por la explosión, entiende que los cálculos destinados a revertir tal proceso llevarían meses, por lo que se ofrece a hacerlos cuando no haya tanta urgencia.

Uhura le pasa entonces la posta a su versión del futuro y, cuando esta va a ver a Spock, lo percibe molesto al preguntarle. La razón, claro, es que lo hizo investigar durante meses algo sobre lo que nunca le volvió a preguntar. Aun así, le informa que llegó a la conclusion de que el entrelazamiento puede ser revertido a través de una condensación cuántica, lo que implica un diamante de dilitio que llevaría un año producir en condiciones artificiales.

Un año es justamente el tiempo del cual Uhura dispone, así que le pide instrucciones sobre cómo fabricar el diamante y se las pasa a su versión del pasado. Esta va a ver a Scotty que, intrigado por su súbito interés en el tema, le explica la forma de obtener uno a través de la exposición de antiprotones dentro de un contenedor.

Scotty aprovecha la ocasión para invitarla a cenar, pero la vacilación de esta hace que desista y se desentienda del asunto mientras, como si se tratara de la propia conciencia, la Uhura del futuro recrimina a la del pasado el dejar pasar la oportunidad. La primera deja el contenedor a la espera y la segunda lo recoge un año después, lo cual significa que ya tienen su diamante de dilitio…

Ambas se dirien pues a sus respectivos puentes de mando: la del futuro para lograr arrojar el diamante contra el agujero y la del pasado para intentar convencer al capitán Pike de enviar un pulso invertido. Sin embargo, ambas Enterprise reciben otra vez una violenta sacudida y, después de la misma, las Uhura han cambiado su lugares, estando ahora la del futuro en la Enterprise del pasado y viceversa…

Parto Espacial

Así cambiadas las Uhuras, en la Enterprise del pasado se sorprenden de su nuevo look y en la del futuro de que haya regresado al anterior. Pero lo que más extraña a Kirk es que lo llame tres veces “señor”. Sabiendo que algo no está bien y que quizás no sea ella, va a verla después y le dice que la verdadera Uhura miente mejor: lo sabe por haberla visto jugar al póquer.

Ella se sincera y le anoticia de que, en todo caso, no es la Uhura que él conoce sino su versión futura. “Odio los viajes en el tiempo” dice él y cuando ella le comenta que La’an dijo lo mismo un rato antes, una sombra cubre su rostro, pero nada dice al preguntarle Uhura al respecto…

La versión del futuro, por su parte, se las arregla como puede en la Enterprise del pasado y se cruza en los corredores con Scotty, quien lamenta haber estado algo esquivo la última vez, pero la emoción de ella al verle es tanta que le estrecha un profundo y sentido abrazo. Amén de ello, Scotty ha logrado aislar la señal musical que procede del agujero negro y parece tratarse de notas incompletas, como si faltara la mitad del mensaje.

Pike, a todo esto, se ha dado cuenta de que hay algo raro en “su” Uhura que, de hecho, lo ha llamado “almirante”. Ella debe admitir que viene del futuro y, en emotiva escena, le agradece por cuanto le ha dado pues todo lo que es, lo es gracias a él. Pike le retribuye diciéndole que fue un honor y… parece una despedida.

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En el futuro, en tanto, la Uhura del pasado logra descifrar el lenguaje musical gracias a un mural que su otra versión ha dejado intencionalmente en la habitación después de aquella investigación del agujero blanco. Al colocar el mensaje en el traductor universal, resulta que los responsables son seres que se hacen llamar las Parteras (o Matronas) y parecen hablar de un niño que está naciendo y viene en posición pélvica: sí, un bebé espacial, como suena.

El agujero negro y el blanco están interconectados y las Parteras son entes con una percepción del tiempo absolutamente diferente, lo que hace que el parto del bebé comience en el futuro y acabe un año antes…

Los pulsos de energía que ambas Enterprise han estado recibiendo son pues las contracciones y el niño no termina nunca de nacer por estar ubicado en posición pélvica: viene de nalgas, digamos. La única forma, pues, es ayudar en el parto. Chapel es la que tiene más experiencia, pero Uhura objeta que debe hacerlo ella misma porque su otra versión estará haciendo lo propio al otro lado y esa es la razón por la cual le dejó el mural.

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Sale, por lo tanto, a la cubierta de la Enterprise con botas magnéticas mientras, a través de sus guantes, controla de manera remota tres drones que utilizan como energía el diamante de dilitio y que son los que irán corrigiendo el nacimiento del bebé. Sin embargo, una vez que los mismos ingresan al agujero negro, uno falla y ello hace imposible girar el bebé mientras se produce otra contracción y ambas Enterprise reciben sendas sacudidas.

A pesar de que le rueguen en contrario, Uhura entiende que la única forma es que ella ingrese en la anomalía, pues Scotty también lo haría por ella. Ambas versiones, pues, se sueltan de la cubierta de sus respectivas Enterprise e ingresan en los respectivos agujeros para terminar encontrándose adentro, donde logran reactivar el dron defectuoso y corregir la posición del parto.

De pronto, ambas se hallan sin sus trajes y piensan que han muerto, pero las Parteras las ponen al tanto de que no es así. Dicen que intentaron advertirles, pero no entendieron el mensaje e inutilizaron a la Enterprise para evitar que dañaran al bebé: una “nueva vida”, como ellas la llaman, que se halla fuera del tiempo lineal. Les anuncian que serán regresadas a sus respectivos tiempos y todo volverá al momento inicial, por lo que nadie, salvo ellas, recordarán lo ocurrido.

Todo vuelve entonces para atrás hasta el momento del transporte y detrás de Uhura, arriban a la Enterprise tanto Ortegas como Scotty diciendo que la misión fue un éxito. Uhura le estampa a este un prolongado beso que pareciera rendir homenaje a aquel otro tan famoso que se diera con Kirk en la serie original.

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La bitácora final vuelve a estar a su cargo y la fecha estelar es “hoy”. El pasado ha pasado y el futuro no ha llegado, afirma, por lo que lo único que queda por vivir y disfrutar es justamente el presente: no saber el futuro es según ella un don y que le permite encarar lo que venga haciendo lo que ama y junto a los que ama: su familia…

Balance de Temporada

Y se nos fue la cuarta temporada. Pero antes de hablar de la misma, hagámoslo de este último capítulo que, no sé a ustedes, pero a mí me dejó la sensación de que debió ser doble. Demasiada información para una entrega que quedó muy apretujada en una trama llena de giros y por demás enrevesada (tuve que ver el episodio dos veces).

Ya desde el propio título (La Enterprise del Mañana), está claro el sentido de ir construyendo puentes con la serie original y más todavía cuando la quinta temporada será la última. La escena del brindis pareció, de hecho, más un cierre de serie que de temporada: quizás una despedida anticipada…

Y el que la trama haya estado tan centrada en Uhura va en clara consonancia con ello, pues ya sabemos qué personajes saldrán de la serie y cuáles quedarán o tomarán el relevo. El episodio, justamente, actúa como claro punto de quiebre para ella y para su evolución en la franquicia: un puente entre la Uhura que fue y la que será…

La escena en que la versión del futuro dialoga con Pike ha sido particularmente fuerte desde lo emotivo, sobre todo porque conocemos cuál será el destino de este último y, obviamente, también lo sabe ella, quien quizás vio en esa charla la última oportunidad de poder expresarle su agradecimiento. Para las lágrimas…

Igualmente conmovedora la escena del brindis final y el llamado a saber disfrutar los momentos presentes en lugar de preocuparnos por el futuro. Y estoy seguro de que también allí se nos aflojó algo a muchos por relacionarlo quizás con cosas íntimas y muy nuestras. Lo que expresa Uhura en la bitácora final no aplica solo a Star Trek; aplica a la vida…

Y en cuanto a la relación con Scotty, puede haber sorprendido a muchos, pero ya había sido de alguna forma insinuada en el filme Star Trek V: La Última Frontera , que mostró entre ambos algunos flirteos que parecían sugerir que hubiera existido algo en el pasado. Justamente fue en aquel momento uno de los detalles más cuestionados por los fans al salir prácticamente de la nada, lo mismo que la existencia de Sybok, planteada por primera vez en dicha película y también rescatada por SNW aun cuando no hayamos visto todavía en la serie al “hermano malvado” de Spock.

El episodio ha tenido, por otra parte, una factura técnica deslumbrante, sobre todo en los tramos finales relacionados con la anomalía. Si se lo preguntan, no hay evidencia astronómica de la existencia de agujeros blancos, pero sí están planteados teóricamente como posible solución a las ecuaciones de Einstein. Y, tal como le oímos decir a Spock, se los postula como la otra cara de los agujeros negros, expulsando materia y energía en lugar de absorberlas.

Fuera de ese detalle científico, la trama ha pecado de una excesiva complejidad, siendo no solo difícil de seguir sino incluso por momentos inentendible y con fisuras. No es que no hayamos visto en el mundo trekkie versiones dobles de un mismo personaje (de hecho, y en diferente contexto, las tuvimos en el episodio anterior), ni que no nos hayamos cruzado varias veces con seres incorpóreos, luminosos o atemporales, pero la lógica interna de todo ello ha sido algo endeble y no muy bien explicada…

Sin entrar a ponernos puntillosos con lo de acercarse a un agujero negro o incluso ingresar sin sufrir las terribles consecuencias de la gravedad, no entendí lo del diamante de dilitio, súbitamente reconvertido en fuente de energía para los drones. Y lo del parto espacial no hay por dónde cogerlo (nunca más literal), especialmente qué demonios significa que un bebé venga en posición pélvica cuando estamos hablando de seres incorpóreos y ajenos por completo a nuestra anatomía.

Pero bueno, prefiero quedarme con los momentos emotivos, los efectos visuales y el gran trabajo de Celia Rose Gooding en un capítulo que hubiera sido mucho mejor cierre de temporada si no se comprimían tantos giros en poco menos de una hora o, como antes hemos dicho, si hubiera sido una entrega doble.

¿Y qué balance nos deja la temporada al completo? A la larga positivo, pero por debajo de las anteriores, que estaban más y mejor equilibradas. Es cierto que los guiños y homenajes a otros géneros formaron parte prácticamente desde el inicio de una serie que siempre gustó del humor y la ironía, pero estaban dosificados de tal forma de no eclipsar ni retrasar el desarrollo de la trama general y no fue tan así en esta temporada.

La serie ha comenzado, por otra parte, a ser más consciente de sí misma y de su pronta cercana conclusión, lo que queda evidenciado en las referencias a Rukiya o Hemmer en modo homenaje, así como en el ir cerrando el arco de personajes que no estarán en la serie original.  Aunque la súbita salida de Pelia sin siquiera despedirse (ni de nosotros ni de Scotty) no va de acuerdo con el peso que algunos han tenido para una serie que, más que ser precuela, tiene para esta altura identidad propia.

Nos queda una sola temporada y serán esta vez solo seis episodios. Nos pone tristes, desde ya, el saberlo.  Y más aún al preguntarnos cómo harán para dar un cierre satisfactorio a Pike, habida cuenta de lo que le espera. Por lo pronto, le decimos adiós a una cuarta temporada que aprobó, pero sin el brillo de las anteriores, especialmente las dos primeras.

Agradeciendo vuestro acompañamiento, les espero para analizar la quinta cuando llegue o quizás nos encontremos antes en algún otro lugar de este fascinante universo que es Star Trek.  Seguramente uno al que nadie haya llegado jamás…

Hasta entonces y sean felices. Larga vida y prosperidad…

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El cómic de la semana: Frieren 15

Mario Losada
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El cómic de la semana: Frieren 15

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Frieren 15. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Hay obras que no necesitan recurrir al grito constante, a las batallas multitudinarias con explosiones que destruyen galaxias enteras o a los giros de guion impostados para dejar una huella imborrable en el lector. Desde hace ya unos cuantos años, el universo creado por Kanehito Yamada y Tsukasa Abe se ha ganado por méritos propios un hueco sagrado en nuestras estanterías y, sobre todo, en nuestro corazoncito. Y es que Frieren es una de las series que más me gustan, ya que detenerse a hojear las páginas de esta obra editada en España por Norma Editorial es siempre un ejercicio de pausa, belleza y melancolía que muy pocos mangas consiguen replicar con tanta maestría.

Si ya veníamos siguiendo de cerca las andanzas de nuestra elfa milenaria favorita, la llegada reciente del tomo 15 de Frieren vuelve a demostrar por qué esta historia sobre el paso del tiempo, el dolor de las ausencias y la redescubierta calidez de los pequeños momentos es un auténtico prodigio narrativo contemporáneo.

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Frieren llega a la Capital Imperial, nuevos retos y viejos fantasmas

En este decimoquinto volumen editado por Norma, la trama da un paso al frente de lo más interesante al situar a Frieren, Fern y Stark en el corazón de la Capital Imperial. Dejar atrás los parajes rurales, los pueblos olvidados y las pequeñas misiones de trámite para adentrarse en el centro neurálgico del poder político y mágico cambia sutilmente las reglas del juego.

Incluso cuando la trama geopolítica, las intrigas de la asociación de magos y las tensiones institucionales amenazan con acaparar el protagonismo, los autores nunca pierden el norte sobre lo que de verdad importa, la mirada de Frieren. Ver a una elfa que ha vivido lo suficiente como para contemplar el ascenso y caída de imperios tener que lidiar con la burocracia, las formalidades urbanas y las relaciones sociales complejas de la capital destila una mezcla perfecta de costumbrismo fantástico y una sutil, inteligente ironía.

Cada interacción en este tomo nos recuerda que el verdadero motor de la obra no es el destino final del viaje hacia Aureole (el lugar donde descansan las almas), sino el equipaje emocional que Frieren va acumulando gracias a la influencia de la joven Fern y del bueno de Stark. La forma en que la protagonista procesa de manera tardía los sentimientos de su difunto compañero Himmel, aplicando esas lecciones al presente de sus compañeros actuales, sigue siendo de una sensibilidad desgarradora que te encoge el alma viñeta tras viñeta.

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Una parada obligatoria en el camino

Frieren consolida una vez más una de las mejores publicaciones que nos está regalando el mercado actual del manga en nuestro país. Es un manga que equilibra a la perfección el avance de la trama principal con esa capacidad única para detener el tiempo y hacernos reflexionar sobre la fugacidad de la vida, la amistad y los recuerdos que dejamos atrás. Si habéis tenido la fortuna de tener este cómic, sabéis perfectamente de lo que hablo, un auténtico regalo para los sentidos.

Frieren es uno de los mejores mangas actuales, y de todos los tiempos. Es un manga que puede ser lento, puede ser pausado pero la historia continua hasta convertirse en una maravilla narrativa. Dadle una oportunidad a Frieren, no os va a defraudar.

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FRIEREN LLEGA A LA CAPITAL IMPERIAL

Llega a librerías una nueva aventura de la elfa maga que ha conquistado ya a millones de lectores en todo el mundo. ¡Solo en Japón ya ha vendido más de 35 millones de copias! ¡Disfruta de su anime oficial en Crunchyroll!

La maga Frieren se ve arrastrada a una misión de guardaespaldas en la capital Imperial, un baile a tres bandos entre los guerreros sombra, las fuerzas especiales mágicas y la Asociación Continental de la Magia que está a punto de empezar.

Os dejo el enlace a la editorial y debajo de estas líneas la portada de la edición española de Norma editorial.

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Un saludo y sed felices

Cuarenta años después, Tom Cruise y Anne Hathaway preparan Días de trueno 2 para el verano de 2028

Mario Losada
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Cuarenta años después, Tom Cruise y Anne Hathaway preparan Días de trueno 2 para el verano de 2028

Hollywood adora la nostalgia, pero cuando se combina con la ambición desmedida de Tom Cruise por redefinir el espectáculo en la gran pantalla, las reglas del juego cambian por completo. Días de trueno 2 puede que sea uno de los bombazos para 2028. Queda mucho, pero el proyecto ya está en marcha

Paramount Pictures ha oficializado lo que hasta hace poco parecía una quimera generacional, Días de trueno 2 (Days of Thunder 2) es una realidad en marcha, con una fecha de estreno marcada a fuego en el calendario para el 2 de junio de 2028, casi cuatro décadas después de que el clásico original dirigido por Tony Scott reventara las salas en el lejano 1990.

Retro-Análisis: Días de Trueno (1990), como Top Gun pero con autos… y me gusta más

El regreso de Cole Trickle y el fichaje estelar de Anne Hathaway

La gran sorpresa que acompañó al anuncio inicial (revelado a través de un divertido vídeo protagonizado por los propios actores junto a un bólido de la NASCAR) es la incorporación oficial de Anne Hathaway al universo automovilístico de la franquicia.

Mientras que Tom Cruise volverá a enfundarse el mono de competición para meterse de nuevo en la piel del indomable y veterano piloto Cole Trickle, Hathaway interpretará a una estratega de peso pesado, una ingeniera y propietaria de un equipo de carreras. Lejos de repetir esquemas del pasado donde el rol femenino principal quedaba relegado a un interés amoroso clínico (como ocurrió en su día con el personaje de Nicole Kidman), la dinámica de esta secuela sitúa a la actriz en el muro de boxes con la autoridad absoluta de fichar, despedir y mandar sobre el asfalto. Un giro de guion en la jerarquía del equipo que promete otorgar un cariz muy diferente a la rivalidad en pista.

Detrás de las cámaras y el despliegue técnico en IMAX

En la dirección del proyecto se encuentra Jonathan Levine tomando el testigo de una saga que marcó época en el cine de acción de principios de los noventa. Además, el propio Cruise ejerce labores de producción codo con codo con el legendario Jerry Bruckheimer y Tommy Harper, asegurando así que la filosofía de producción mantenga el sello de la casa, realismo físico y velocidad real.

Desde el estudio ya se ha confirmado que la película se rodará específicamente para grandes formatos como IMAX y Dolby Cinema, buscando replicar (y superar) aquella sensación visceral de estar metido dentro del habitáculo a casi 300 kilómetros por hora y huyendo del abuso exclusivo de los efectos digitales en servidores. Con el rodaje previsto para arrancar en los próximos meses de cara al estreno en junio de 2028, la maquinaria del motor vuelve a rugir con fuerza en la industria.

¿Qué os parece este inesperado regreso al asfalto de la mano de Tom Cruise y Anne Hathaway?

Crítica de F1: la película (2025). Cuanto más acelera, mejor se pone.

Un saludo y sed felices.

Crítica de Barreda (2026), el escalofriante y real caso del odontólogo que asesinó a su familia

Rodolfo Del Bene
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Crítica de Barreda (2026), el escalofriante y real caso del odontólogo que asesinó a su familia

Está disponible en Prime Video la película argentina Barreda (2026) que, dirigida por Daniela Goggi, se basa en un caso real que en su momento conmocionó a la opinión pública de su país de origen cuando un “respetable” odontólogo de la ciudad de La Plata asesinó a sangre fría a su esposa, suegra e hijas.

La sociedad argentina se vio sacudida allá por los primeros noventa con el cuádruple crimen que tuvo como protagonista al odontólogo Ricardo Barreda y como víctimas a su esposa, suegra y dos hijas. El caso fue en su momento uno de los más mediáticos y ocupó por meses los grandes titulares, al igual que el juicio posterior que condenó al asesino a reclusión perpetua. Con dirección de Daniela Goggi (Abzurdah, El Hilo Rojo, El Rapto), es una película que, más que la reconstrucción puntillosa de los hechos, busca dar voz a quienes ya no la tienen. La cuestión, claro, es si lo consigue.

Para ubicar en contexto, el hecho tuvo lugar en una residencia familiar de la ciudad de La Plata que el domingo 15 de noviembre de 1992 se convirtió en escenario de horror cuando un odontólogo reconocido y vecino aparentemente incuestionable asesinó a tiros con escopeta a su esposa Gladys (57), su suegra Elena (86) y sus dos hijas Cecilia (26) y Adriana (24), respectivamente odontóloga y abogada.

El problema para llevar a la pantalla una historia como esta, claro, es que el autor de los hechos termina por ser único testigo. “Si todos fueron asesinados – se lee al inicio del filme- , ¿quién cuenta la historia? El asesino?”. Esa es precisamente la consigna y la historia conlleva, por ende, una lógica parte de ficción, especialmente a la hora de recrear la dinámica familiar. Lo que se cuenta, en definitiva, es lo que podría haber ocurrido en contraposición con lo que el propio implicado contó.

Es que, durante el juicio que se llevó a cabo, la defensa insistió no solo en la inimputabilidad del acusado aduciendo desequilibrio mental, sino también en las agresiones verbales de las que supuestamente era objeto por parte de su familia, incluyendo epítetos que ponían en duda su masculinidad. Algo de lo cual, por supuesto, es imposible que exista evidencia.

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Y la particular psicología de Barreda le convirtió por aquellos días, de modo llamativo, en una figura casi pintoresca para los medios y la opinión pública, generando gracia en algunos (de haber existido los memes hubiera sido sin duda objeto de unos cuantos) o hasta simpatía en otros, aunque no recuerdo que de una manera tan exacerbada como la película da a entender.

No me parece, por ejemplo, que haya llegado en aquel momento al punto de ser visto como ídolo popular o algo por el estilo, aunque sí es cierto que se le rodeó de una aureola mítica y hasta se le dedicaron canciones (si no lo creen, pinchar aquí y, por favor, leer los comentarios). Y lo peor es que no sorprende cuando hemos visto gente, incluso artistas, lucir en sus casacas el rostro de Charles Manson.

A pesar de que las escenas del juicio y, especialmente, las declaraciones vertidas durante el mismo estén reproducidas de manera prácticamente textual (al menos, según recuerdo), el filme evita deliberadamente caer en el tono documental e incluso en la cronología lineal. La historia, por el contrario, elige el camino de la deconstrucción y, como tal, va y vuelve permanentemente de tal modo que el cuádruple asesinato, desgarrador por cierto, ocurre casi sobre el final.

La película incurre en algunos lugares comunes, como el del psicópata melómano que escucha música clásica a volumen atronador, y se busca destacar el componente sádico del personaje (ya en la escena inicial le vemos disfrutar de matar una rata), o bien el autoritario, lo que se aprecia en la insistencia en mostrar su Ford Falcon de color verde, semejante a los que usaba la dictadura argentina para los operativos de secuestro y desaparición de personas.

A pesar de que no guarda un gran parecido físico con Barreda, es magnífica la interpretación de Luis Machín, un inmenso actor que merecía de una vez por todas un papel protagónico y que es además un gran especialista en encarnar a personajes detestables o desequilibrados, haciendo su estilo acordar mucho al de esa otra gran gloria del cine y teatro argentinos que fue Ulises Dumont.

Carla Peterson está correcta en el papel de Gladys y Mercedes Morán en el de Elena, como también Maite Lanata y Margarita Páez (hija del músico Fito Páez) en los de las hijas aunque, a decir verdad, el guion no da a ninguna de las cuatro el tiempo en pantalla ni el desarrollo suficiente para explorar y conocer a fondo sus personajes, residiendo quizás allí la principal contradicción de la película.

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Es cierto que se sabe poco sobre los personajes femeninos de la historia y el propio filme, casi como pidiendo disculpas, se encarga de aclararlo al final. Pero también lo es que el mismo se centra de manera tan marcada en la figura de Barreda que no permite desarrollar a fondo la implícita consigna inicial de dar voz a quienes no la tuvieron en relación con tan terrible y luctuoso suceso. Y no deja de ser una paradoja considerando que persigue, justamente, una perspectiva de género.

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Se me ocurre que quizás tanto la directora como los cinco guionistas (entre los cuales está ella misma) hayan sentido temor de que profundizar al respecto pudiese ser confundido con dar algo de razón a los argumentos en aquel momento esgrimidos por la defensa del asesino, pero creo que es un error.

Se hace difícil, desde ya, conseguir un equilibrio entre los hechos objetivos, lo que Barreda percibió o recordó de los mismos y lo que su defensa exageró o directamente inventó para utilizarlo como estrategia. Cuánto fue cierto de lo que se dijo nunca lo sabremos, pero la pregunta es si aun en el supuesto caso de que lo fuese, justifica ello un acto tan frío, cobarde y desalmado. La cuestión no es si le creemos o no a Barreda, sino si queda redimido en caso de que la historia que contó sea cierta. Y si pensamos que sí, estamos en un problema…

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Es un planteo incómodo, desde ya, porque se suele incurrir en la equivocación de que el solo preguntárselo es entrar en la apología, pero plantea una reflexión bastante más interesante al hacernos remover y repensar nuestros propios valores.  No importa si el asesino estaba loco o si realmente lo agredían de manera verbal; lo que hizo no merece perdón ni lástima sino la condena, ya sea jurídica o social.

Si por miedo a justificarlo, dejamos fuera de ecuación cualquier supuesta agresión en su contra de la que no hay prueba alguna, corremos precisamente el riesgo de justificar de manera tácita el próximo caso parecido en el cual sí la haya. Y ninguna palabra dicha, por fuerte que sea y real o no, avala un asesinato y menos aun cuatro…

Por cierto, Barreda fue condenado en 1995 a reclusión perpetua e increíblemente formó después pareja con una mujer a la que conoció por carta (aunque no tan increíble si volvemos a pensar en Manson, con quien ocurrió algo semejante). En 2008 consiguió el beneficio de la prisión domiciliaria y en 2011 la libertad condicional por un tecnicismo que no viene al caso, pero que está relacionado con la particular forma de contar los años durante los cuales estuvo recluido. Falleció en un hogar geriátrico en 2020 y a su entierro no asistió absolutamente nadie.

En conclusión, Barreda no es para nada una mala película. Sin alcanzar el nivel de Abzurdah (2015), de la misma directora, está no obstante bien narrada, tiene un interesante manejo del tiempo y, sobre todo, una enorme actuación de su protagonista principal. Podría haber sido mucho más de haberse atrevido a una mayor osadía en el planteo y desarrollado más a sus personajes femeninos, en definitiva las víctimas que no tuvieron voz.  Y que siguen sin tenerla…

Hasta la próxima y sean felices…

Así planea Zack Snyder su versión de 1997: Rescate en Nueva York y el nuevo Snake Plissken

Mario Losada
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Así planea Zack Snyder su versión de 1997: Rescate en Nueva York y el nuevo Snake Plissken

El cine de ciencia ficción y acción de los ochenta vuelve a estar en el «candelabro» de Hollywood. En los últimos días, los portales especializados de la industria están hablando sobre uno de los proyectos más peliagudos y esperados por los cinéfilos de la vieja escuela, el remake o reinterpretación de la mítica obra maestra de John Carpenter, 1997: Rescate en Nueva York (Escape from New York), que ahora mismo se encuentra bajo la batuta del director Zack Snyder.

Zack Snyder escribirá y dirigirá una nueva versión de 1997: Rescate en Nueva York, de John Carpenter

Lejos de quedarse en un simple rumor de despacho tras confirmarse su implicación en el proyecto, el controvertido cineasta ha roto su silencio en una reciente y comentada intervención pública para desgranar cuáles son sus verdaderas intenciones con este clásico absoluto. Y lo cierto es que sus declaraciones han conseguido dividir las aguas entre los puristas del celuloide y los que confían ciegamente en su particular sentido de la escala visual.

Por cierto la BSO de la película original de 1981 me encanta. Os dejo aquí el video de Youtube

Un futuro retro y el respeto por el año 1997 imaginado en 1981

Uno de los mayores problermas a la hora de abordar una revisión de una película como Rescate en Nueva York radica en cómo modernizar un futuro distópico que, cronológicamente hablando, ya forma parte de nuestro pasado (recordemos que el filme original situaba su trama en un Manhattan convertido en una gigantesca prisión de máxima seguridad en el ya lejano año 1997).

Ante esta papeleta, la solución adoptada por Snyder huye de la trampa fácil de actualizar la tecnología o meter smartphones y pantallas táctiles de última generación. Tal y como ha revelado el director, su enfoque pasa por mantener el largometraje anclado en aquel 1997, pero concebido estrictamente desde la perspectiva visual y cultural del año en que se estrenó la original. De hecho, el cineasta ha apuntado que el trasfondo bélico entre la fuerza policial de Estados Unidos y los elementos criminales arrancaría simbólicamente el 9 de julio de 1981, fecha exacta del estreno de la cinta de John Carpenter.

Rescate en Nueva York

De este modo, la producción busca preservar esa extraña y fascinante mezcla de serie B de lujo, decadencia urbana y sátira política descarada que convirtió a las andanzas del recluso más cínico del cine en un estandarte contracultural. Snyder ha querido recalcar que los subtextos sobre el control gubernamental, la erosión de las libertades y la tensión social reflejada en la ficción siguen estando de plena actualidad en los titulares de hoy en día.

La patata caliente ¿Quién heredará el parche de Snake Plissken?

Evidentemente, cualquier conversación sobre el universo de Rescate en Nueva York choca inevitablemente con la alargada sombra de Kurt Russell. Dar vida al curtido, malhumorado y carismático Snake Plissken es un reto mayúsculo que ha espantado a más de uno durante las dos décadas que el proyecto lleva dando tumbos por el infierno del desarrollo en Hollywood.

Aunque por ahora los detalles sobre el casting definitivo se mantienen bajo llave y el director no ha querido soltar prenda sobre quién encabeza las listas del estudio, sí que ha salido a la luz un nombre propio que suspira abiertamente por enfundarse la gabardina y el parche en el ojo. Se trata de Jeffrey Dean Morgan (viejo conocido de Snyder tras colaborar codo con codo en producciones comiqueras como Watchmen o Batman v Superman), quien al parecer no ha dudado en tocarle la puerta al director por vía directa para postularse como candidato.

Por su parte, el director ha bromeado sobre la exigencia estética del papel asegurando que el protagonista

«más le vale que parezca Snake, o si no, cogeré la puerta y me iré»

dejando claro que el respeto por la iconografía visual del personaje es innegociable.

¿Qué os parece el planteamiento de Zack Snyder para resucitar este clásico de culto?

«No hago películas aburridas de DC». Zack Snyder rompe su silencio y explica su radical visión de los superhéroes

Un saludo y sed felices.

Esta tarde da comienzo Manchacómic 2026: Ciudad Real se consolida como una de las capitales del noveno arte en España

DAve Solis
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Esta tarde da comienzo Manchacómic 2026: Ciudad Real se consolida como una de las capitales del noveno arte en España

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Del 25 al 27 de septiembre, Ciudad Real vuelve a vestir sus calles de viñetas, tinta y fantasía con la XIII edición de Manchacómic, el Salón del Cómic e Ilustración de Castilla-La Mancha que ya es referente nacional.

Con más de 55 artistas, 90 actividades y un programa que combina cultura, industria y diversión, esta edición refuerza su vocación de acercar el cómic a todos los públicos mientras impulsa el tejido profesional del sector.

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Cartel de la XIII edición de Manchacómic, realizado por Salva Del Viso

Un homenaje a la sátira: El Jueves, protagonista de honor

Uno de los grandes hitos de Manchacómic 2026 es el Premio Manchacómic, que este año reconoce a la revista El Jueves a las puertas de su 50 aniversario. La histórica publicación satírica, pilar del humor gráfico español desde 1977, recibirá el galardón en un acto al que asistirán su director, Igor Fernández, y el autor puertollanense Julio Serrano, quien también forma parte de la plantilla de la revista.

El reconocimiento subraya el valor de la sátira como herramienta cultural y crítica, algo que la organización de Manchacómic defiende como esencial en los tiempos actuales.

Según Mars Sánchez, presidente de la Asociación de Amigos del Cómic de Ciudad Real (AMICO), entidad promotora del salón, El Jueves “sigue manteniendo esa parte tan necesaria que tan poquito se ve últimamente en los medios: hay que reírse, criticar, satirizar y no respetar nada, desde el punto de vista humorístico”.

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Portada seleccionada al azar de la revista El Jueves

Zona Viñetas Pro: Impulso al talento joven y a la industria

Entre las novedades más destacadas figura la creación de la ‘Zona Viñetas Pro’, un espacio pensado para autores jóvenes y emergentes que desean dar el salto al mercado profesional. Esta iniciativa incluye formación específica sobre venta de derechos en el mercado internacional, mejora de portfolios y presentación de propuestas a editoriales.

La filosofía es clara: Manchacómic no solo quiere ser una feria de ocio, sino también un motor de industria cultural. Con 55 artistas de todas las edades y procedencias reunidos en el Antiguo Casino, el salón demuestra que el cómic es una profesión en crecimiento, con creadores que ya viven de su trabajo y otros que dan sus primeros pasos con el apoyo de mentores y talleres especializados.

Cultura con conciencia: Salud mental, bullying y compromiso social

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El programa de actividades trasciende lo lúdico para abordar temas de gran relevancia social. El sábado a las 18.30 horas, el Museo López-Villaseñor acogerá una mesa redonda sobre salud mental, en la que participarán tres autores que han tratado esta cuestión en sus obras.

Uno de ellos, Jaume Font, impartirá además charlas en institutos de la ciudad para hablar de acoso escolar a través del lenguaje del cómic.

Esta vertente educativa y social se complementa con los talleres infantiles que se desarrollarán durante las tres jornadas en el mismo museo, diseñados para acercar la narrativa gráfica a los más pequeños y fomentar la lectura desde edades tempranas.

Del Tetris al cosplay: Diversión para todos los gustos

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Manchacómic 2026 no olvida su faceta más festiva. Los Jardines del Prado se llenarán de puestos, actividades paralelas, juegos de mesa, wargames, zona retro y propuestas de cosplay.

Entre lo más llamativo destaca el Torneo Nacional de Tetris, que será retransmitido en streaming para toda Europa, integrando así el universo de los videojuegos en una cita que cada vez abraza más formas de cultura popular.

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Un modelo de éxito con trece ediciones a sus espaldas

Alcanzar la XIII edición es ya un logro en sí mismo para un salón de cómic en España. Manchacómic ha sabido crecer sin perder su esencia cercana y familiar, convirtiéndose en un punto de encuentro para aficionados, profesionales, editores y libreros.

Según el concejal de Cultura del Ayuntamiento de Ciudad Real, Pedro Lozano, el evento “no es solo un salón dedicado al cómic, sino un proyecto cultural conseguido”.

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Pinchad AQUÍ para obtener más información sobre Manchacómic 2026

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Salva y Jesús Del Viso estarán firmando Roger Rojas y el Secreto del Orbe Oscuro

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Roger Rojas y el secreto del Orbe Oscuro es un cómic de aventuras, misterio y fantasía juvenil/adulto, ambientado en un Toledo mágico durante las fiestas del Corpus, en el que el protagonista y sus amigos se enfrentan a una organización secreta que custodia un poder ancestral capaz de alterar el destino del mundo.

La nueva obra de Salva y Jesús Del Viso es una “trepidante aventura” que mezcla conspiraciones, misterio y elementos fantásticos, con la ciudad de Toledo como escenario “mítico” y la celebración del Corpus como telón de fondo narrativo.

La trama gira en torno a un poder ancestral relacionado con un “orbe oscuro” y a una organización oculta que lo protege o manipula, lo que sitúa la historia en un terreno cercano al thriller fantástico con toques de leyenda urbana y esoterismo local.

Este título forma parte de la saga de Roger Rojas, que ya incluye entregas como Roger Rojas y la Mesa del Rey Salomón, por lo que la saga presenta una continuidad de personajes y un universo narrativo basado en misterios históricos y esotéricos vinculados a Toledo y a leyendas de tradición occidental. Aunque por supuesto, esta segunda entrega puede leerse por sí misma.

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Manchacómic

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A modo de resumen de Manchacómic …

Con una programación que combina exposiciones, encuentros con autores, formación profesional, actividades infantiles y compromiso social, Manchacómic 2026 demuestra que el noveno arte tiene en Ciudad Real una de sus casas más sólidas y vibrantes.

Para los amantes del cómic, la ilustración y la cultura en general, este fin de semana la capital manchega es, sin duda, el lugar donde estar. Un evento gratuito y en su mayor parte al aire libre, se presenta como un encuentro accesible y cercano para cualquier enamorado de la cultura en general y al fan del noveno arte en particular.

Tendréis una comunicación muy cercana con los autores que van invitados al evento. Dedicatorias y firmas sin colas kilométricas.

Venid a Manchacómic 2026, disfrutad de Ciudad Real, sus calles, sus gentes, su gastronomía y …

¡Sed Felices!

Del detective privado al mundo sin salida: 8 películas que explican la evolución del cine negro PARTE I

El Escritor Nómada
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Del detective privado al mundo sin salida: 8 películas que explican la evolución del cine negro PARTE I

Cuando el detective todavía podía ganar

El cine negro nunca fue solamente un género de detectives, asesinatos y calles iluminadas por farolas bajo la lluvia. En realidad, siempre ha sido una forma de entender el mundo que nos rodea. Una mirada a veces cínica, otras mordaz, pero con la desconfianza de que las palabras y las intenciones siempre ocultan la capa más oscura de la sociedad. Películas donde la verdad casi nunca llega limpia.

Durante décadas, el género ha cambiado de rostro. Primero fueron los detectives privados con gabardina, los despachos llenos de humo y las mujeres misteriosas que escondían más de lo que decían. Después llegaron las historias de corrupción, paranoia y pérdida de ideales del cine americano de los años setenta. Finalmente, el cine negro moderno transformó esos mismos temas en relatos más psicológicos, donde el enemigo muchas veces no está fuera, sino dentro del propio protagonista.

Estas ocho películas muestran ese viaje: desde el Hollywood clásico hasta el neo-noir contemporáneo.

Del detective privado al mundo sin salida: 8 películas que explican la evolución del cine negro PARTE II

1. El sueño eterno (1946) — Howard Hawks

El nacimiento del detective definitivo

Si existe una imagen que resume el cine negro clásico, probablemente sea Humphrey Bogart (el inolvidable Rick de Casablanca) interpretando a Philip Marlowe en El sueño eterno.

La película de Howard Hawks (un maestro del western) adapta la primera novela de Raymond Chandler, maestro de la novela policíaca. Nos presenta a un detective privado inteligente, irónico y aparentemente imposible de corromper. Marlowe se mueve por un mundo lleno de mentiras, chantajes y personajes que nunca cuentan toda la verdad.

Una de sus mejores virtudes es que está salpicada de diálogos espléndidos, siendo uno de los guionistas el genial escritor William Faulkner, que logra guiar la acción de la película atrapando la atención del espectador. Un guion milimétrico que sienta las bases del género y que la convierte en un clásico que se eleva hasta la cima del cine negro.

Lo más fascinante es que la película no trata simplemente de resolver un misterio, sino que desgrana todas las virtudes del ser humano en medio del caos que supone una investigación. Realiza una detallada exploración del submundo del crimen: tráfico de drogas, venganzas y extorsión. Una atmósfera irrespirable por la que deambulan los personajes, ahogándolos en ambientes densos, oscuros y opresivos.

Hawks dirige con maestría las secuencias que se convierten en momentos que recordarás para siempre. La química entre Bogart y Bacall inunda la pantalla con una cálida sensualidad. La música de Max Steiner aporta una partitura que es capaz de realzar la acción y enriquecer los diferentes ambientes, tanto los turbios como los más apasionados.

Quizá resulte una cinta confusa por la excesiva cantidad de personajes y una trama difícil de seguir, que la convierten en una película frenética y algo complicada de entender. Pero sus diálogos, que tienen una elegancia extraordinaria y en los que cada conversación parece esconder una segunda intención, convierten a esta cinta en una joya por descubrir.

El detective clásico del cine negro no era un héroe perfecto. Era alguien que sabía que el mundo estaba roto, porque le había quebrado a él mismo, pero aun así intentaba mantener la dignidad de su profesión. El sueño eterno representa el nacimiento de ese personaje que marcaría todo el género.

sueño eterno

2. Sed de mal (1958) — Orson Welles

Cuando el héroe empezó a perder su luz

Más de una década después, Orson Welles llevó el cine negro hacia un territorio mucho más tenebroso: sombras, calles decadentes y personajes atrapados por sus propias decisiones. Una densa historia sobre el poder y la corrupción, barnizada por un tono barroco y recargado que asfixia a los personajes y les presiona para sacar su lado más oscuro.

Como ese policía, un extraordinario Charlton Heston (El Planeta de los Simios (1968), que camina con el peso de estar siempre al borde entre lo legal y lo ilegal para lograr sus propósitos. O ese Welles que interpreta a Hank Quinlan, un policía brillante pero moralmente destruido, uno de los personajes más complejos de toda la historia del género.

En Sed de mal, ya no encontramos un mundo de detectives elegantes enfrentándose a criminales sofisticados. Aquí todo está contaminado. La corrupción ya no es una excepción, sino parte del sistema. Un sistema que devora al ser humano para convertirlo en monstruos que intentan sobrevivir al mal.

Orson Welles nos deleita con unos movimientos de cámara dinámicos que dan vida a la trama y con encuadres que muestran visualmente las características de los personajes. Un ejercicio de estilo inigualable, cargado de modernidad, aunque en algunos momentos ese afán por superarse le cueste algunas escenas sobrecargadas de pretenciosidad.

Uno de los detalles por los que se le critica es su ritmo irregular, que en algunos pasajes roza el aburrimiento, y la escasa credibilidad que tiene el personaje de Janet Leigh como esposa, que está desaprovechado.

Sin embargo, solo con su espectacular plano secuencia de apertura un prodigio de dominio de la técnica y la puesta en escena (algo que muchos descubrieron como novedad en la serie Adolescencia), en el que una bomba con temporizador sirve como McGuffin para presentar la historia, estamos ante, sin duda, uno de los mejores comienzos de la historia del cine.

El cine negro empezaba a abandonar la idea de que la justicia siempre podía triunfar. Un drama criminal oscuro y extravagante que ningún cinéfilo debería perderse.

sed de mal

3. Chinatown (1974) — Roman Polanski

La muerte del sueño americano

Si El sueño eterno representa la época dorada del detective privado, Chinatown es la película que demuestra que ese mundo ya no existe. Es sombría, impulsiva, elegante, cautivadora y capaz de establecer sus propios códigos y transgredir los ya preestablecidos. Como una Faye Dunaway que demuestra con su mirada un erotismo trágico que presagia el destino como inevitable.

Jack Nicholson (quien ganó un Óscar por Alguien voló sobre el nido del cuco)  interpreta a J. J. Gittes, un detective privado que comienza investigando una simple infidelidad y termina descubriendo una red de corrupción relacionada con el poder, el dinero y la política.

Lo extraordinario de la película es que recupera todos los elementos del noir clásico para darles un significado mucho más pesimista. Hay detective, misterio, femme fatale y conspiración, pero el resultado es mucho más amargo. Con un final pesimista que destroza cualquier atisbo de bondad en la sociedad.

Roman Polanski dota de una ambientación única al film, la necesaria para elevar una película a la categoría de icono del género negro. No aspira a ser una resurrección de los viejos moldes, sino a quebrantarlos para dar un nuevo sentido al Noir con una corrupción contemporánea.

Aquí el protagonista no puede arreglar las cosas. La verdad existe, pero descubrirla no significa ganar. Una trama envuelta en una ironía innegable que define una verdad sucia y corrompida a la que solo se sobrevive con cinismo, un cinismo que rebosa por todos los poros de uno de los detectives privados más carismáticos de la historia del cine.

Puede pesar su ritmo lento, con una narrativa pausada demasiado dependiente de sus diálogos. Por otro lado, la fuerza del estilo es tan marcada que en algunos momentos le resta naturalidad, dándole cierta previsibilidad por su guion tan perfecto que deja poco margen a la sorpresa.

Aun así, una película brillante que resume la filosofía del cambio del nuevo cine negro: hay lugares donde las reglas simplemente no funcionan. (aquí puedes leer una retro-reseña de Chinatown).

Jack Nicholson Chinatown

4. Seven (1995) — David Fincher

Cuando el crimen se convirtió en pesadilla

Una película que representa claramente el noir urbano contemporáneo. La ciudad de Fincher es prácticamente la heredera de las calles del noir clásico: lluvia, oscuridad, decadencia, crimen, anonimato y una sensación constante de que debajo de la sociedad existe algo podrido.

Una ciudad sin nombre, cubierta por una lluvia interminable y una tenebrosidad que parece haberse instalado definitivamente en sus calles, sirve como escenario para una investigación policial que se transforma en un descenso psicológico turbador. Cada pista acerca a los detectives a la verdad, pero también los introduce un poco más en la mente del asesino.

Brad Pitt y Morgan Freeman interpretan a dos detectives enfrentados a una sucesión de asesinatos inspirados en los siete pecados capitales. Uno representa la juventud, la rabia y la necesidad de encontrar respuestas; el otro, el cansancio de quien lleva demasiado tiempo contemplando la parte más miserable del ser humano. Dos formas de entender la justicia que terminan chocando con un enemigo que no pretende simplemente matar, sino convertir sus crímenes en un mensaje.

David Fincher (descubre sus mejores películas) construye una atmósfera opresiva en la que la ciudad parece respirar el mismo mal que persiguen los protagonistas. La fotografía de Darius Khondji, dominada por tonos apagados y una sombra casi permanente, convierte cada calle, cada habitación y cada rincón en un espacio amenazante.

La película también supone una ruptura con el detective clásico. Aquí ya no existe el código de honor de Philip Marlowe ni la posibilidad de enfrentarse al crimen desde cierta distancia. Somerset y Mills investigan un mundo que parece haber perdido cualquier posibilidad de redención. Ambos acabarán descubriendo que la frontera entre perseguir el mal y ser devorados por sus fauces resulta mucho más frágil de lo que imaginaban.

Puede reprochársele su pesimismo absoluto y una crudeza que en algunos momentos busca incomodar deliberadamente al espectador. También que su concepción del mal resulta tan calculada que puede transmitir cierta sensación de artificio.

Queda para el recuerdo de la leyenda del cine su extraordinario final. Uno de los más devastadores del thriller moderno, capaz de transformar toda la investigación anterior en una reflexión sobre la violencia, la desesperación y la pérdida de los límites morales. En Seven, encontrar al culpable no significa vencer. Significa descubrir que la verdad no deja una luz que limpie las calles, sino que deja tras de sí una oscuridad tan profunda, inherente al ser humano, que es imposible de borrar.

El detective noir había dejado definitivamente de buscar la verdad para empezar a preguntarse si realmente quería conocerla.

Cuando el detective dejó de tener todas las respuestas

Durante décadas, el cine negro construyó sus historias alrededor de hombres que caminaban hacia la oscuridad convencidos de que, al final del camino, encontrarían alguna respuesta. Pero el mundo que rodeaba al detective fue cambiando y, con él, también sus certezas.

El detective todavía seguía buscando respuestas, pero cada vez resultaba más difícil creer que encontrarlas pudiera cambiar algo. Entonces llegó una nueva generación de cineastas. La ciudad se volvió más oscura, los crímenes más perturbadores y la investigación dejó de ser únicamente un camino hacia la verdad. El detective comenzó a internarse en un territorio mucho más peligroso: aquel en el que perseguir al mal podía significar terminar formando parte de él.

El cine negro estaba a punto de dejar de mirar únicamente hacia las calles para comenzar a mirar hacia el interior del ser humano… Pero ese abismo tenebroso ya lo descubrirás en la segunda parte del artículo.

Del detective privado al mundo sin salida: 8 películas que explican la evolución del cine negro PARTE II

Reseña de Judge Dredd: con uñas y dientes (2026). Entretenidísimo survival.

Fernando Vílchez
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Reseña de Judge Dredd: con uñas y dientes (2026). Entretenidísimo survival.

El 2026 no solo está siendo el año del Mundial, Bad Bunny, el Papa León XIV u otros personajes perennes en nuestras redes sociales. También es el del Juez Dredd, toda una revelación comiquera para mí. Un implacable justiciero situado en un futuro distópico creado por el legendario John Wagner. Ahora toca el turno de ver qué da de sí un Dredd más moderno a cargo de otros autores. Bienvenidos a Con uñas y dientes.

Reseña del magistral tomo Dredd: Necrópolis.

Reseña de Juez Dredd: América

Reseña de Dredd vs Muerte

Reseña de Dredd: Mechanismo. 

El tomo de Dolmen Editorial recopila tres historias escritas por el autor Rob Williams, autor conocido por su contribución al personaje y al Escuadrón Suicida. En estas tres historias se ve acompañado del dibujante R. M. Guéra, conocido por su habilidad para los westerns comiqueros y, sobre todo, su papel a los lápices de Scalped, la obra maestra que firma junto con el autor Jason Aaron.

Con uñas y dientes es el ejemplo perfecto de que Dredd, con sus más de treinta años de trayectoria editorial, es mucho más que un autoritario policía en un futuro distópico.

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La primera historia, la que da pie al título del tomo, es una espectacular trama de supervivencia fuera de los confines de Mega City Uno. Tras un accidente, un grupo de jueces entre los que se encuentran Dredd y la cadete Moon, su favorita, son asaltados por bandidos mutados de las montañas nevadas. Sin embargo, ambos bandos son atacados por un enorme oso dueño de aquellas tierras.

La segunda historia es la más clásica en lo que se refiere a Dredd, con nuestro protagonista persiguiendo a un juez renegado responsable de una matanza. La investigación le llevará a una especie de Amazonas mutado y cuenta con un Dredd inflexible en su aplicación de la ley y en su fe en el sistema que le ampara.

Por último, la tercera historia, siendo parecida a la anterior, muestra a un Dredd más viejo y taciturno, reflexivo en torno a unos sentidos deteriorados por la edad.

En definitiva, estamos ante un nuevo éxito de Dolmen al continuar agrupando tres historias que protagoniza Dredd con tonos completamente distintos: desde el policiaco distópico al relato crepuscular, pasando por el adrenalítico relato de supervivencia.

Enlace a Dredd: Con uñas y dientes en Dolmen Editorial. 

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¡EL JUEZ CONTRA LA BESTIA!

Tras sufrir un ataque aéreo, Dredd y un grupo de jueces se encuentran atrapados en las Radlands, a cientos de kilómetros de distancia de la ciudad más cercana y sin posibilidad de pedir ayuda. Las colinas nevadas y los montañeros asesinos que surgen de ellas son el menor de sus problemas. Un gran oso asesino ha detectado su pista, y el Juez Dredd y la Cadete Moon tendrán que aliarse con el entorno para poder escapar de esa montaña con vida.

El aclamado dibujante R.M. Guéra (Scalped) pone su inmenso talento al servicio de varias historias modernas protagonizadas por el Juez Dredd, con guion de Rob Williams (Juez Dredd: Un Mundo Mejor). El resultado es una lucha por la supervivencia bellamente ilustrada, además del regreso de Guerra Total y un enfrentamiento contra los cárteles de Barranquilla. Un clásico instantáneo de la revista 2000AD.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Análisis de Outlander: Sangre de mi Sangre. Temporada 2. Episodio 1

Rodolfo Del Bene
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Análisis de Outlander: Sangre de mi Sangre. Temporada 2. Episodio 1

Con su primer episodio titulado Día del Recuerdo se acaba de estrenar la segunda temporada de Outlander: Sangre de mi Sangre que, después del final de su serie madre Outlander, tiene la responsabilidad de mantener encendido el legado de la franquicia.  Creada por Matthew Roberts y basada en los personajes creados por la escritora Diana Gabaldon, la serie de Starz puede ser vista en España por Movistar+ y en Latinoamérica por Disney+.

Hola otra vez, forasteros y viajeros del tiempo. Casi un año ha pasado desde que nos despidiéramos con nuestro análisis final de la primera temporada de Outlander: Sangre de mi Sangre y no solo es un gusto reencontrarlos, sino además un gran alivio el comprobar que la espera no ha sido demasiado larga.

Y si me leen habitualmente en esta web, quizás me hayan seguido también con los análisis de la serie principal Outlander, que en el medio, tuvo un polémico final que gustó a algunos pero desencantó a otros. En su condición de precuela y spin-off, por lo tanto, Sangre de mi Sangre queda convertida de momento en la única serie en emisión de este fascinante universo creado por Diana Gabaldon, aun cuando no se base específicamente en ninguno de los libros que componen la saga como sí lo hacía la principal.

La primera temporada adoleció de las habituales desmesuras y exageraciones de la franquicia, además de desaprovechar algunos de sus personajes más interesantes, pero no se puede negar que fue muy entretenida ni que quisiéramos inevitablemente ver cómo continuaba la cosa y qué ocurría puntualmente con las dos parejas en que la serie se centra: Julia y Henry por un lado; Ellen y Brian por el otro, respectivamente padres de Claire y Jamie.

Nos habíamos quedado, recordemos, con la primera de ambas parejas separada nuevamente por las piedras del tiempo y la otra por fin felizmente reunida después de tanto buscarse el uno al otro, pero los tambores de guerra y las cruces ardientes anunciaban que la revuelta jacobita les separaría nuevamente por fuerza de las circunstancias y de la historia, lo que efectivamente termina ocurriendo.

Pero pasemos mejor a ver ya mismo qué ha ocurrido en este inicio de temporada, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordarles que pueden leer aquí los análisis previos de Outlander: Sangre de mi Sangre y aquí los de la serie principal Outlander.

Lo que sucedió en Craigh na Dun

Comenzamos con Henry (Jeremy Irvine) despertando en un hospital psiquiátrico sin saber en qué año está y preguntando por Julia (Hermione Corfield) mientras un doctor apellidado Perryman (Alasdair Harvey) intenta calmarlo y hacerlo volver a la “realidad”.

Un flashback nos lleva entonces a lo que ocurrió cuando llegó con ella y el bebé a las piedras y, como suponíamos a priori, era del todo impensable que, por propia decisión, Henry las cruzase en soledad y dejando en el pasado a su esposa y el bebé. Para empezar, vemos que por alguna razón las piedras no les funcionaron al momento de tocarlas y lo que siguió fue un enfrentamiento al llegar al lugar Bug (Terence Rae) con sus matones.

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Henry finge tener secuestrada a Julia poniéndole un cuchillo en la garganta pero, de modo algo irracional, arroja el mismo contra uno de los atacantes y acaba herido en el hombro por el propio Bug. A pesar de su condición, logra no obstante dejar nocaut a este pero, tambaléndose por la herida, toca accidentalmente las piedras y de pronto… ya no está allí.

Vuelto en sí, Bug no lo encuentra por ninguna parte y anoticia a Julia de que la llevarán de regreso a Leathers, lo que ella falsamente agradece…

Regreso a Leoch

Ellen (Harriet Slater) y Brian (Jamie Roy) siguen ocultos en la cabaña mientras él se apresta a responder al llamado de las armas en vista de la rebelión jacobita. Ella teme que él no regrese, pero Brian prefiere soñar con el futuro y creer que en el mismo hay una vida compartida, una casa y algunos “niños ruidosos”. Por las dudas, sin embargo, quiere dejarle algo suyo antes de partir y tienen la consabida e infaltable escena de sexo.

Murtagh (Rory Alexander) llega con la noticia de que los Mackenzie andan por todas partes (¿no era que solo se llegaba a ese lugar por agua o a vuelo de águila?). Ellen les pide a ambos que se esfumen, pues es a ella a quien buscan y no cuentan en cambio con encontrarlos, pero los matarán si lo hacen. Una vez más, pues, tenemos a la pareja separada.

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En Leoch, mientras tanto, se vive un tenso clima ante la muerte de Malcolm.   Colum (Seamus McLean Ross) desconfía de su tío Mac (Simon Merrells) por ser el principal beneficiado en su inminente condición de nuevo señor del castillo. Este rechaza la acusación, pero luego le vemos hablar en privado con Maura (Bobby Rainsbury) y no es que las sospechas de Dougal anden tan lejos. La muchacha, por supuesto, está desolada por la muerte de Malcolm, pero da impresión de encontrar rápido consuelo en Dougal (Sam Retford) al apoyar este la mano sobre la suya…

Al regresar con Ellen los hombres enviados a buscarla, esta se encuentra con un furioso Dougal que la abofetea y le echa en cara haber faltado a su palabra de casarse con Malcolm. Ella dice tener algo que contarle, pero mucho no le importa y ordena hacerla encerrar en la capilla…

Regreso a Leathers

Bug llega trayendo a la “rescatada” Julia, pero un alcoholizado Lord Lovat (Tony Curran) parece únicamente interesado en su heredero. Comprobando que el niño se halla bien, y después de confiarlo al cuidado de Davina (Sara Vickers), parece sí brindar más atención a Julia, aunque solo desde lo carnal. Ella le esquiva sus intentos lo mejor que puede y, con la esperanza de sacárselo de encima, lo lisonjea en su condición de guerrero ante la inminencia de la batalla.

Hablando luego en privado con Davina y, para disuadirla de la loca idea que a esta se le ha puesto en la cabeza de que ella es un hada, Julia le cuenta toda la verdad de Henry y su historia como viajera del tiempo, conmoviéndola especialmente al hablarle de su pequeña hija Claire y lo mucho que la angustia no poder estar con ella en su cumpleaños.

Brian también ha regresado al castillo y se produce un tenso momento al reencontrarse con su padre. Anuncia su partida a combate, pero dice solo hacerlo por honor y no por el escaso afecto que como hijo pueda tenerle. A Lord Lovat no le preocupa en lo más mínimo, pero una vez que su hijo se ha retirado, Julia le trabaja la cabeza con que no sería bueno que Brian conduzca en soledad las fuerzas de Leoch dada su inexperiencia. Manifiesta qué el debería estar allí para controlarlo de cerca y el viejo se queda pensando…

Hablando luego con Davina y mientras atiende al pequeño William, Julia comienza a hablar de signos zodiacales y de pronto le destella en la mente un nombre: el de la vidente Maisri. Pregunta a Davina si ella podría ayudarla con lo de las piedras de Craig na Dun y esta dice que es la persona adecuada para hacerlo…

Regreso al Futuro

Estamos en 1924 y el doctor Perryman cree que Henry sufre alguna especie de bloqueo por sus experiencias en la guerra, habiendo su mente inventado como protección toda esa historia de 1715 y la revolución jacobita.

Para curarlo, recurre a terapia de electroshock que repite una y otra vez con descargas cada vez más potentes y que son una tortura para el pobre Henry, por cuya mente desfilan imágenes del siglo XVIII y de la Gran Guerra, pero también del Día del Recuerdo junto a Julia con la pequeña Claire buscando desesperadamente su peluche. Con cada nueva descarga, sin embargo, la imagen de la niña parece alejarse más y ya ni siquiera puede ver su rostro…

Lejos de recuperar sus supuestos recuerdos, como el doctor pretende, lo que el tratamiento hace con Henry es que vaya perdiendo los suyos propios y reales, especialmente el de Claire, de quien solo retiene una letra C que repite todo el tiempo. Eso, además de dejarlo en un terrible estado físico y psíquico…

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Fracasados pues los métodos “médicos”, se opta por enviarle un capellán que, aunque en una versión mucho más juvenil, resulta ser un antiguo conocido nuestro: el reverendo Wakefield (Tom Ashley). Con buena predisposición, intenta ayudarle a Henry a escribir una carta, pero este solo tiene palabras y frases sueltas: Julia, la profecía, Leoch y la fecha 20 de octubre de 1920 que, supone, puede llegar a ser la de su boda (en realidad es la del nacimiento de Claire).

Pero cuando Wakefield le pregunta por el destino de la carta, Henry cae la cuenta de que Julia nunca podría recibirla porque, claro, está en otra época. El sacerdote lo habla luego en su casa con su ama de llaves, que es otra conocida nuestra: la señora Graham (Emma Hartley-Miller), quien queda impactada por la historia y que el paciente diga ser un viajero del tiempo. Va pues a verlo a la institución y cuando Henry supone que se trata de alguien más que viene a diagnosticarle locura, ella le dice que le cree…

Balance del Episodio

Se largó la segunda temporada de Outlander: Sangre de mi Sangre, la serie que tiene ahora la pesada carga de mantener viva la franquicia y si algo no se puede negar de este inicio es que los responsables han logrado prácticamente reinsertarnos en la historia como si el último capítulo hubiese sido emitido la semana pasada y no hace casi un año. Son muchas las series que fallan en eso e incluso se ha hecho cada vez más común prolongar de modo artificial el suspenso del último cliffhanger mientras que aquí todo discurrió con directa y natural continuidad.

También hay que decir que ha sido un episodio más que entretenido y, en ese sentido, mantiene la línea de la primera temporada y de toda la franquicia pues, más allá de los habituales lugares comunes, la historia sigue fluyendo de modo extremadamente ágil y el día que un episodio de alguna serie de Outlander sea aburrido, será hora de decir que hasta allí se llegó…

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Ojo: entretenido no significa perfecto ni tan siquiera carente de problemas y creo que el principal es que nos están arrojando prácticamente de vuelta al inicio de la serie al separar otra vez a ambas parejas y aun cuando el reencuentro de una sea más complicado que el de la otra. El riesgo es que nos vuelvan a contar la misma historia en un eterno loop de pareja que se reencuentra pero las circunstancias vuelven a separarlos y así sucesivamente. Pero bueno, llevamos un solo episodio; ojalá no sea así…

Henry la está pasando muy mal y las escenas del psiquiátrico son por demás desgarradoras, pero también anacrónicas, pues a menos que el tal Perryman sea un absoluto pionero en la materia, la terapia de choque inducido por electricidad no existía como tal en la década de 1920, sino que fue desarrollada recién a finales de los treinta por los neurólogos italianos Ugo Cerletti y Lucio Bini. Tampoco hay indicios de que haya sido alguna vez utilizada para recuperar recuerdos como aquí se presenta, sino más bien para casos de psicosis o esquizofrenia.

Se trata simplemente, entonces, de un recurso narrativo sin rigor histórico ni científico pero, buscándole una lógica dentro del universo Outlander, probablemente cumpla la función de explicar por qué Claire crecerá sin contacto con su padre más allá de creer que este hubiera muerto. El olvido generado por las terapias podría conducir a que en algún momento Henry no sea capaz siquiera de buscar a su hija y que el vínculo se pierda por completo aun cuando estén coincidiendo en época. Duro, por cierto…

De momento, no sabemos por qué Henry ha ido a parar específicamente a 1924, lo que significa que ya lleva un año “muerto”, y es que las piedras siguen siendo un gran misterio en cuanto a su comportamiento, que a veces parece caprichoso. Sin ir más lejos, no funcionaron cuando la pareja intentó viajar en el tiempo con su bebé, pero sí cuando Henry apoyó la mano por casualidad. Habrá que ver si se lo deja en el misterio o se lo explica, pero el recurso a Maisri sobre el final pareciera conducir hacia lo segundo.

Por otra parte, aparecieron en este episodio claros vínculos con la ya concluida serie principal, particularmente con personajes o tramas que considerábamos casi olvidados en la franquicia, pero que son el tipo de cosas que, desde ya, permite una precuela.

En concreto, nos hemos vuelto a encontrar con el reverendo Wakefield, quien será en el futuro tío abuelo de Roger y también quien críe a este desde los cinco años al morir sus padres. Asimismo, hemos reencontrado a la señora Graham, que será quien un día le leerá el destino a Claire en la palma de su mano y advertirá que la línea del matrimonio se separa.

En fin, habrá que ver con qué se nos viene el próximo episodio. Por lo pronto, se nos avecina la revuelta jacobita y siempre es bienvenido que la historia grande se meta dentro de la trama. Y habrá que ver qué pasa allí con Brian e incluso con Lovat, pues se me ocurre que la estrategia psicológica puesta en marcha por Julia dará resultado y su soberbia no le permitirá quedarse afuera de la batalla por muy ruin y cobarde que sea.

Y ya que hablamos de Julia (que sigue demostrando ser bastante más inteligente que Henry), es interesante no solo la evolución del personaje, sino también del propio trabajo de Hermione Corfield al encarnarla, pues cada vez más se parece en gestos y modismos a Claire. Ok, es cierto que esta última casi no conoció a su madre, así que habrá que creer que pasa por lo genético.

Se me ocurre que la serie se mantendrá por un tiempo con sus dos líneas temporales y me intriga especialmente cómo sigue la historia de Henry, especialmente qué tan cuerdo pueda quedar tras el brutal tratamiento recibido y cuánto podrá ayudarle la señora Graham a reencontrarse con Julia.

La trama de Leoch me tiene en este momento algo menos pendiente, pero tengo curiosidad de todos modos por saber cómo se las apañará Helen con el cautiverio que le ha dispuesto su hermano y qué actitud tomará Brian en caso de enterarse. ¿Desertará por amor?

En fin, les espero para analizar el próximo capítulo, que tal vez nos traiga algunas de esas respuestas. Hasta entonces y sean felices…

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