Parece que Matt Murdock tendrá su corazón ocupado en la próxima serie de Disney +, Daredevil: Born Again. No es para menos, que el carácter atormentado que demuestra en los cómics no ha impedido que sea todo un rompecorazones.
Se ha publicado en twitter las imágenes de Daredevil (Charlie Cox) besándose con Margarita Levieva durante el rodaje. Aunque no se ha confirmado su identidad, la principal teoría es que se trata de Heather Glenn, una socialité en los cómics pero que en la serie podría ser la terapeuta tanto de Wilson Fisk como de su esposa.
Charlie Cox and Margarita Levieva on set of 'Daredevil: Born Again' in New York City. pic.twitter.com/U28b0qoV94
Tras el parón de la huelga de guionistas, la producción Daredevil: Born again se reanudó. Durante dicha pausa, Marvel aprovechó para cambiar el showrunner ante el rumbo que estaba tomando tanto la serie del superhéroe ciego como las malas críticas de las últimas producciones televisivas de Marvel Studios. El nuevo showrunner es Dario Scardapane, escritor para The Punisher y, por tanto, un hombre ya ligado al entorno del personaje.
La serie será dirigida por Justin Benson y Aaron Moorhead, supervisores de Caballero Luna y directores de la segunda temporada de Loki, la única que ha tenido (algunas) críticas positivas en esta fase.
¿Qué os parece esta noticia? Lo cierto es que sigo escéptico con esta Daredevil: Born Again tanto por el recuerdo de la gran serie de Netflix como por la deriva del personaje de Wilson Fisk en las últimas producciones.
Este viernes 2 de febrero se estrena en EspañaMisántropo, la nueva película de Damián Szifrón que, tras el enorme éxito de su último trabajo Relatos salvajes(2014) y nueve años sin dirigir, regresa por lo alto con su primera incursión en la industria de Hollywood. El argentino nos ofrece un thriller policíaco tenso y expeditivo, con gran carga de crítica al mundo actual y al sistema estadounidense.
Trailer de Misántropo (2023) de Damián Szifrón
Eleanor Falcó (Shailene Woodley), una joven policía de bajo rango, es reclutada por el agente especial del FBI Geoffrey Lammark (Ben Mendelsohn) para investigar una masacre ejecutada por un solo hombre. 29 muertos y ni una sola pista.
La película inicia de golpe con el hito desencadenante de la acción: una serie de asesinatos repentinos en la noche de Baltimore. Este arranque tan directo, que recuerda a otras películas como Jack Reacher (2012) de Christopher McQuarrie o El caballero oscuro (2008) de Christopher Nolan, ayuda a establecer el tono y captar el interés rápidamente, para en seguida conducir la atención a la protagonista de la película y su investigación policial.
Si bien Szifrón (guionista junto al novel Jonathan Wakeham) no inventa nada nuevo, Misántropo es una película cuidada en todos sus aspectos, con una gran atmósfera, en gran parte mérito de la fotografía de Javier Juliá, que ayuda a atrapar al espectador y no dejarlo huir de los recovecos de esa ciudad estadounidense; que por momentos recuerda a la perturbadora Gotham.
Una visión crítica de Estados Unidos
La cinta en Estados Unidos tiene otro nombre: To Catch a Killer(atrapar a un asesino, en español). Es conciso y sintetiza la acción de la película. En cambio, en castellano se tradujo como Misántropo. Un cambio significativo que otorga mucha más profundidad al título y que cobra sentido con el transcurrir de la cinta. Porque la película va de eso: atrapar a un asesino. Pero tiene un componente sociopolítico muy grande, omnipresente todo el tiempo. Con excusa del transcurso de la acción policial principal, la cinta se permite mirar de soslayo problemas del mundo actual para establecer una visión crítica sobre el sistema y, más en concreto, sobre el gobierno de Estados Unidos.
Los agentes acuden a un vertedero siguiendo la pista de una prueba concluyente. Para ello tienen que escarbar en la basura, pero la labor es más difícil de lo que esperaban pues no hay separación de deshechos, no se recicla. «No hacemos eso. Creo que les dicen que separen la basura para crear conciencia o algo así», explica un trabajador. Más adelante, en la secuencia del matadero, una sucesión de planos magistral basta para exponer la crueldad del proceso. Detalles que connotan una mirada crítica pretendida.
La actuación policial, principal fuente de acción de la película, también se pone en entredicho indirectamente: un telediario que se escucha fuera de campo, recibe llamadas anónimas de todo el que pueda aportar información para el caso. Alguien, enfurecido, compara los homicidios del investigado con los de la policía por mala praxis; la diferencia es abismal.
Al poco de comenzar la película, Falcó y Lammark conversan en un coche. Ella pregunta si está casado. Ante la afirmativa del jefe, la policía responde: «¿Cuándo os casasteis?» (…) «Cuando nos lo permitieron». Respuesta lapidaria y sucinta que alude directamente al sistema: hace poco más de diez años que se legalizó el matrimonio homosexual en el Estado de Maryland (territorio al que pertenece Baltimore, donde transcurre la película).
En una extensa secuencia final de diálogo, el asesino (Ralph Ineson) expone sus motivos a Falcó. Queda claro que Dean es un misántropo empedernido, más allá de eso es un monstruo; pero, por sus palabras, ¿la sociedad crea monstruos? o incluso ¿el Estado crea monstruos? Ciertamente la película insta a reflexionar sobre esta cuestión. Dean asesina por una razón: odia al mundo y, en cierta forma, el mundo le ha hecho odiarlo.
Este tercer acto, quizá demasiado discursivo y donde más flaquea la cinta, funciona aún así para concentrar una mirada crítica que, a través de matices, se venía perfilando a lo largo de la película.
La cultura del arma en Estados Unidos
Uno de los temas que sobrevuela omnipresente la película es la armamentística. La facilidad de adquirir armas de fuego en Estados Unidos. En una escena, los policías buscan información en una armería, y se muestra indirectamente a un hombre con su niño probando rifles. Una sutileza muy determinante, que sugiere timidamente el ámbito de la educación.
Las dos escenas de masacre injustificada, sobre todo la segunda, transmiten una violencia y frialdad en su ejecución escalofriantes; y logran la representación certera de un país corrompido desde los cimientos, en el que el pasado 2023 tuvieron lugar más de 600 mass shootings (tiroteos masivos). Hay dos películas maravillosas y muy duras que abordan este tema en concreto: Elephant(2003) de Gus Van Sant y Tenemos que hablar de Kevin(2011) de Lynne Ramsay.
La salud mental
El personaje de Ben Mendelsohn, a cargo de la investigación, apunta al comienzo de la cinta que sería un error pensar que el asesino es un trastornado y tirar de ese hilo como pista. Expone la falacia de este argumento pues, a día de hoy quién no tiene algún trastorno mental: ansiedad, depresión… El comentario queda ahí, se pasa por alto, pero es significativo de los tiempos que vivimos, en que cada vez hay más conciencia sobre el trastorno mental y el campo de la psicología. Es importante la resignificación social de trastornado y la película es consciente.
Eleanor Falcó se sincera con su jefe a mitad de la película y, al borde de las lágrimas, muestra las cicatrices de sus antebrazos. En esta escena su personaje adquiere mayor profundidad y comprendemos parte de su pesar. La salud mental aflora de nuevo. Aunque nunca llegamos a conocer del todo la vida de la protagonista, se sugiere un pasado traumático y problemas mentales (diagnosticados con un cuestionable método psicológico que en la película se maneja con demasiada seguridad; el dibujo del árbol).
La cinta humaniza el problema mental en busca de una conciencia necesaria. Dibuja los dos extremos del espectro: en un lado el asesino frío e imperturbable y en otro la agente de policía sumida en la decadencia por sus traumas. Como decía Lammark al comienzo: «sería un error buscar a un trastornado».
Conclusión
Misántropo es un notable thriller policial con una dirección cuidada, actores precisos y una fotografía que eleva el conjunto; que, además, bajo las vestiduras esconde una gran crítica a los Estados Unidos y a las mecánicas del mundo actual en general. Es paradójico que el director sea argentino.
Una película para amantes del cine policíaco y de investigación con aristas que permiten una lectura un poco más profunda. Estoy seguro de que no decepcionará a casi nadie.
Percy Jackson y los dioses del Olimpo ha finalizado su primera temporada en Disney+. La verdad es que esperábamos mucho más de una serie que llegaba con la vitola de ganadora y al final no ha sido para tanto. Vamos al lío.
Percy Jackson y el ladrón del rayo
Esta temporada de Percy Jackson y los dioses del Olimpo adapta la primera de las novelas de la saga creada por Rick Riordan, Percy Jackson y el ladrón del rayo, que ya fue llevada al cine por Chris Columbus, con Logan Lerman como principal protagonista. No entraremos en detalles de la trama porque es harto conocida, aunque ahí va un pequeño resumen.
El joven Percy Jackson (Walker Scobell) descubre que los dioses del Olimpo existen y que él es un semi-dios, hijo de Poseidón. Para huir de los monstruos mitológicos que quieren matar a todo semi-dios que se cruza en su camino, Percy se refugia en el Campamento Mestizo, donde los que son como él aprenden a manejar sus poderes. Todo se tuerce cuando alguién roba el rayo maestro de Zeus. A Percy le cae encima la misión de recuperarlo, para lo que tendrá que cruzar los Estados Unidos con sus amigos Annabeth (Leah Jeffries) y Groover (Aryan Simhadri) y también liberar a su madre, prisionera en el Inframundo de Hades.
Luces y sombras
Percy Jackson y los dioses del Olimpo en su primera temporada es bastante fiel a la novela, aunque se toma algunas licencias con el permiso de Rick Riordan, que ejerce aquí de productor ejecutivo. El autor siempre ha declarado que no estaba nada contento con las películas que se hicieron y abogaba por una serie.
La decisión más acertada ha sido la de rejuvenecer al reparto. Percy, Annabeth y Groover presentan una edad mucho más acorde a la que tienen en las novelas y el trabajo de los actores protagonistas, la interacción y la química entre ellos, es lo que más destaca en una producción que, lamentablemente, luce algo desolada.
El resto del reparto está muy, muy desaprovechado, especialmente cuando hablamos de actores como Toby Stephens, Jason Mantzoukas, Lin-Manuel Miranda o el desaparecido Lance Reddick. Ya sabemos que los protagonistas son los jóvenes pero es que los citados actores cuentan con menos minutos en pantalla que sus homólogos cinematográficos. Para este viaje no hacía falta tanto anuncio en Instagram acerca de sus fichajes.
Y es que cuando hay acción y entran en escena dioses, semi-dioses y monstrios, la serie sube los decibelios pero entre medias tenemos demasiadas escenas en las que los personajes pasean y hablan sin que la trama avance, no siendo más que un interludio entre escenas de acción. Demasiadas veces nos invitan al bostezo en una serie que debería ser más ágil y dinámica.
Las escenas de acción si, dan el pego y convencen pero lo justo. No nos dejan con la boca abierta, ni nos crean tensión y eso es un fallo muy gordo en un producto que se suponía iba a mejorar las películas. ¿Por qué apostaba Rick Riordan por una serie si al final tenemos capítulos de apenas 30 minutos? El más largo dura 45 minutos y eso que contamos los créditos, demasiado largos, como suele hacerlos Disney+.
La idea que tenía, al saber de la serie, era hacer un post semanal pero tras ver el primer episodio supe que no me daría para escribir más de 600 palabras por la falta de chicha que presentan. Creo que no era una serie para emitir un episodio a la semana. De un tirón se degusta algo mejor.
Jackson vs Potter
Percy Jackson y los dioses del Olimpo merecía mejor suerte. Por estructura, por personajes, por el mundo creado, la saga de Percy Jackson siempre ha estado a la sombra de la de J.K. Rowling, una suerte de Harry Potter descafeinado que no tuvo tanta repercusión. No en vano Chris Columbus intentó repetir el éxito de las películas del mago.
Y es muy injusto porque, sin llegar a la calidad literaria de Rowling (que es muy alta), Rick Riordan creo un personaje y unas historias muy entretenidas, destinadas directamente a un público juvenil / adolescente al que el autor hablaba directamente. Escritos en primera persona, los libros de Percy Jackson le hablan de tu a tu al lector y consiguen que se identifiquen con el personaje, llevándolo a explorar el mundo clásico, sus héroes y toda su mitología.
No dudo que Percy Jackson y los dioses del Olimpo habrá gustado a los seguidores del personaje, que son legión (Riordan está forrado, no tanto como Rowling pero desde luego ha sabido sacarle partido a su creación) pero a mi entender, se han quedado muy cortos. Esperabamos más de un material que da mucho más juego del mostrado. También esperábamos más de Jonathan E. Steinberg, co-productor ejecutivo y showrunner de la serie, quien tiene en su curricúlum Black Sails y The Old Man.
Esperemos que no tiren la toalla y que la segunda temporada (si es que la hay, que a estas alturas ya no pongo la mano en el fuego por nadie) suba el nivel. Un saludo, sed felices.
Con el décimo episodio que lleva por título Bisquick se ha cerrado la quinta temporada de Fargo y hacemos el debido análisis. Creada por Noah Hawley, la serie es emitida por FX y para España por Movistar+.
Hola otra vez, fargueros. Entre luces y sombras llegamos al cierre de esta quinta temporada de Fargo que ha presentado algunos elementos bien característicos de la serie y otros no tanto. La trama del sheriff Tillman se ha cerrado algo apresuradamente y con poco margen para la sorpresa, en tanto que la de Munch ha tenido un final que, aunque extraño, ha sido más propio de la serie. Pero mejor será que pasemos ya a analizar qué nos han dejado este décimo episodio y esta quinta temporada no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.
Sangre en la Nieve
Comenzamos con Gator junto a un árbol entre la nieve y la niebla, atadas aún sus manos y vendados sus ojos, pues, recordemos, su padre no hizo nada por ayudarle. Logra liberarse pero ni hace amago de quitarse la venda, pues sus ojos ya no están. Aun sin ver, se las apaña para llegar al túnel de escape de Roy y a través del mismo llegar hasta la boca de salida para encontrarse con los federales, a los que pide ayuda.
En un tenso clima, todo se prepara para la batalla y el grupo de Witt ya ha entrado al rancho en busca de Dot. Roy reza en su capilla, pero su gesto lo denota algo disgustado con Dios. Encima, al rato se encuentra con su suegro Odin, quien le lanza una serie de recriminaciones que serán lo último que diga, pues le degüella sin trámite.
Los sucesos se encadenan: al llegar Karen y ver a su padre muerto, está a punto de matar a Roy, pero este logra desarmarla e, invirtiendo la situación, parece a punto de acabar con ella cuando llega Dot que, con su recuperado rifle, le dispara en el estómago. Pero cuando está por rematarlo, llega Witt con los federales y lo evitan. Mal hecho: ello permite la fuga de Roy y Witt debe salir a perseguirlo…
El rastro de sangre en la nieve lo lleva hasta el túnel de escape y allí lo encuentra, pero la cosa no termina bien para él. Cuando se comunica con los federales para avisar que lo tiene, Roy aprovecha un descuido y le ensarta un cuchillo que le deja sangrante y agonizando. El sheriff consigue escapar por la misma boca que usó Gator, pero al salir lo están esperando los federales, siendo su propio y despreciado hijo quien lo delató.
Concluido todo, Dot se entera con tristeza que Witt no sobrevivió y se encuentra con Gator que, dolido, le pide disculpas por su comportamiento para con ella además de preguntarle si en verdad estuvo con su madre: ella responde que no, pero que sí la vio como ángel protector en un bello sueño. Él irá a la cárcel, desde luego, pero la cosa con Dot termina en redención y abrazo reconciliatorio. Y todo este arco del rancho, por cierto, ha ocupado apenas los primeros quince minutos del episodio…
Flores para Witt
Un salto temporal nos lleva exactamente un año después, cumpliéndose el primer aniversario de los sucesos y, obviamente, de la muerte de Witt. Dot y Scotty van al cementerio a llevarle flores y se encuentran con Indira que, por cierto, poco y nada ha pintado en estos últimos capítulos.
Mientras recuerdan con emoción al oficial caído y Dot se sorprende de lo poco que llegó a saber de él, Scotty coloca las flores en su tumba, tras lo cual madre e hija se marchan porque habían quedado en preparar bisquicks en casa.
En la cárcel y para su sorpresa, Roy recibe visita de Lorraine, quien sabe de que ha presentado un pedido de apelación por su sentencia y le comunica que no abrigue esperanza, ya que tiene influencia sobre los jueces y el mismísimo presidente (estamos siempre hablando de Trump, ¿verdad?). Con la frialdad que la caracteriza, le pone además al tanto de que se ha hecho cargo allí de las deudas de varios reclusos a cambio de que le hagan sufrir a él toda la violencia y humillaciones a que ha sometido a sus mujeres por años.
Perdónanos nuestras Deudas
De regreso en casa, Dot se encuentra con la sorpresa de que Munch está sentado en la sala junto a Wayne que, acorde a su candidez, le ha recibido amigablemente. Con su habitual talante serio y hablando siempre de sí mismo en tercera persona, dice que su verdadero nombre es Oola Moonk y que liberó al tigre para que la deuda quedara saldada, cosa que Dot no ha hecho. Wayne recuerda que una vez vieron un tigre en un zoo y Scotty aporta algún dato sobre el comportamiento de dicho felino.
Munch dice haber llegado a América con los vikingos, pero un naufragio le dejó solo en esas lejanas costas. Aprendió a vivir con los nativos en las praderas y a cabalgar sin silla ni riendas hasta que llegaron “los de uniforme y mosquete” para exterminarlos a todos y dejarle una vez más en soledad. En la miseria, y como viéramos en aquel flashback, sobrevivió como devorador de pecados, ingiriendo tantos de ellos que quedó imposibilitado de dormir e incluso de morir.
Invitándole a compartir la mesa familiar, Dot le enseña a preparar bisquick y le dice que entiende su sentir, pero que las deudas no necesariamente tienen que ser saldadas sino que también pueden ser perdonadas. Le sugiere exorcizar tanto pecado ingerido llevando a su boca un alimento que, en cambio, esté hecho con alegría y felicidad. Munch prueba el bisquik y su expresión cambia: por primera vez en toda la temporada sonríe y, en efecto, se le ve feliz…
Balance de la Temporada
Y llegamos al final de una nueva temporada de Fargo. ¿Será la última? Por lo pronto, Noah Hawley ha declarado recientemente que en algún momento la serie debe tener eventualmente un cierre para no acabar en caricatura. Hay que darle la razón porque algo de ello ha ocurrido ya en esta temporada, sobre todo desde la segunda mitad en adelante y, particularmente, en lo que tuvo que ver con Roy Tillman. Del esposo de Indira no sé si tiene sentido hablar porque fue una caricatura desde el principio y un personaje por completo innecesario.
La trama del sheriff acuartelado en su rancho se cerró de modo apresurado y sin sorpresa. Quienes somos de siempre seguidores de la serie esperábamos ese imprevisto que nunca estaba en nuestros cálculos, pero nada parecido ocurrió y el arco quedó cerrado en los primeros quince minutos del episodio final mientras nos preguntábamos qué demonios vendría a continuación. Es más: confieso que algún oscurecimiento de pantalla (hubo muchos en este capítulo y a veces cortando clima) me hizo temer que comenzaran a correr los créditos…
¿A qué vino tanto prólogo de batalla cuando finalmente todo transcurrió sin que nos diéramos cuenta? ¿Para qué tanto alboroto de Roy convocando a las milicias si a la larga hizo prácticamente todo en soledad y, de hecho, así intentó fugarse? Y a propósito, ¿qué pasó con su perorata sobre el camino que comenzaba con su nacimiento y terminaba allí? Tenía más lógica que muriera defendiendo lo que creía suyo en lugar de intentar escapar como rata, pero claro: había que presentarlo lo más ruin posible para que no dejara dudas y, de hecho, en este capítulo ha degollado a su suegro, casi asesinado a su esposa y acuchillado a Witt de manera traicionera.
A propósito: nos dolió esa muerte, que vino además a cambiar el destino que tanto en las temporadas anteriores como en la película de los hermanos Coen terminaban siempre teniendo los policías losers y honestos de Fargo. Por lo general, acababan siguiendo sus vidas sin grandes cambios y no por justicia poética, sino más bien por “justicia casual”: circunstancias fortuitas que, así como en algún momento se habían combinado para crear un problema, también confluían para resolverlo.
De hecho, y a diferencia de toda la serie, el papel de la plana policial completa ha sido en esta temporada bastante pobre. Indira casi no aportó en los episodios finales. Joaquín y Meyers han sido meros personajes accesorios e intermitentes sobre los que nunca llegamos a saber nada. De Witt recién supimos que no tenía esposa y vivía con un gato cuando ya estaba muerto.
Y hablando de él, que le pusieran al frente de un equipo de rescate resultó no solo poco creíble sino incluso innecesario a la luz de cómo se resolvió su arco ya que, como Roy, hizo prácticamente todo en soledad. ¿Cuál era entonces la necesidad argumental de ponerlo a conducir ese equipo? Ya sé que no se puede analizar lo que nunca fue escrito ni filmado, pero hubiera sido bastante más verosímil que entrara al rancho por su cuenta y desoyendo a los federales. Ni siquiera le hubiera implicado sanción disciplinaria porque de todas formas iba a terminar muerto…
Mucho más interesante ha sido sin dudas la trama de Munch y allí sí hay que destacar la astucia del guion para hacernos prácticamente olvidar de él hasta llegar a la escena final en la que, por un momento, no tenemos idea sobre si está allí para matar a toda la familia, suicidarse ante sus ojos o qué. Pero Munch siempre sorprende y la evocativa vividez con que cuenta su llegada a América nos hace pensar que no miente, lo cual no es lo mismo que decir que lo que narra sea cierto. Ni tampoco que no lo sea: de lo que no hay dudas es de que lo cree…
Hay de todos modos en su relato detalles que no encajan. ¿Sobre qué caballos montaba en pelo al llegar a América cuando no los hubo en el continente hasta siglos después del arribo de los vikingos? Por otra parte, dice que su divorcio con la muerte se produjo a partir de devorar los pecados de los difuntos, pero ello, de acuerdo a lo que cuenta, ocurrió ya con la llegada de los británicos y, nuevamente, siglos después de la de los vikingos. ¿Cómo llegó vivo hasta allí? La gran duda (y que ya no podremos resolver) es si son contradicciones propias del relato que él mismo ha construido en su mente o incongruencias del guion…
Pero no deja de ser extraña y a la vez sobrecogedora esa escena familiar casi de póster pin-up en que Dot y los suyos comparten alegremente mesa con alguien que ensartó un hacha en la espalda de alguien. Ellos no lo saben, claro, y la candidez para con él, especialmente de parte de Wayne, casi enternece…
Lo que este episodio final, más que ningún otro, ha dejado en claro es que la temporada ha girado en torno al concepto de deuda. Roy creyó que “su” Nadine estaba en deuda con él y lo mismo Munch con respecto a Roy y después a Gator. Witt quería rescatar a Dot porque se consideraba en deuda con ella por haberle salvado la vida. Y Lorraine, junto a Danish (personaje desaprovechado si lo hubo), montó un lucrativo negocio sobre las deudas ajenas y hasta se valió de ello para su venganza final contra Roy.
Eso estuvo interesante: el recurrir a artilugios sucios e inescrupulosos para “hacer justicia” confirma a Lorraine como uno de los pocos personajes de la temporada que han mostrado ambigüedades bien características de Fargo…
Pero las deudas, dice Dot, no necesariamente tienen que ser pagadas: también pueden ser perdonadas y allí reside otro concepto central de la temporada, visible sobre todo en los capítulos finales y particularmente en este último, en que el perdón y redención han ocupado destacado lugar y no siempre de modo verosímil…
¿Puede realmente Dot abrazar y perdonar a Gator más allá de los abusos y frustraciones con que este cargue? ¿O a Lorraine después de todo lo que la ninguneó? No es, de hecho, un abrazo muy creíble y hasta Jennifer Jason Leigh parece ser consciente porque su personaje no se ve muy cómodo con la situación (por cierto, inmenso actoralmente lo suyo a lo largo de la temporada).
Pareciera que, a diferencia de las anteriores, esta temporada acabara en moraleja, lo cual es casi un sacrilegio tratándose de Fargo. Si todo concluye en “perdonar a quienes nos ofenden”, caemos en un tono de enseñanza bíblica no muy alejado del discurso místico religioso de Roy. ¿El malo se termina volviendo bueno? Eso es algo que pasa en las películas más clicheras, pero no debería ocurrir en Fargo. Y así como resulta poco creíble que Gator se vuelva inteligente de la noche a la mañana, también lo es que pase súbitamente a ser un buen muchacho…
Por último, pero no menos importante, también ha estado presente en la temporada la idea de que existen cosas peores que la muerte. Munch la cruz de no poder morir y, de hecho, prefiere condenar a Gator a una vida con los ojos arrancados antes que matarlo. De modo análogo, Lorraine somete a Roy a un destino que, aun cuando no lleguemos a verlo, acaba siendo peor que cualquier silla eléctrica…
En fin, ¿qué balance se puede hacer de la temporada? Pues como hemos señalado en otros análisis, esta hubiera sido una gran temporada para alguna serie de formato más convencional, pero Fargo fue siempre sorpresa, imprevisto y ausencia de moraleja, lo que hace que la misma desentone un poco con su esencia más allá de las enormes actuaciones y las grandes líneas de diálogo que por fortuna no desaparecen. Si a ello sumamos las incongruencias argumentales, no hay dudas de que hemos visto la temporada más floja de la serie. Ojalá haya otra, pero de ser así espero que Noah Hawley vea y corrija todo lo que no se ha hecho bien en esta.
PALWORLD, EL POKEMON DE SUPERVIVENCIA QUE AFLORA NUESTROS INSTINTOS MÁS PRIMARIOS
¿Qué es Palworld?
Si estás pensado en jugar a Palworld, ese juego que no puedes parar de oír ni de ver en las redes sociales, creo que es importante saber primero qué te vas a encontrar. Primero quiero dejar claro lo que no te vas a encontrar y es un rpg de pokemon.
Tiene de pokemon bastantes elementos, incluyendo evidentemente el diseño de los Pal, pero su jugabilidad se acerca más a juegos de supervivencia como Ark: Survival Evolved, Conan Exiles o Rust. Es importante señalar que este videojuego se encuentra en Early Access, que es algo así como una versión Beta o de prueba.
Según nos cuenta la desarrolladora, tendremos esta fase durante mínimo un año, por lo que es normal que el videojuego presente errores en esta fase de inicio y que vaya mejorando y cambiando cosas en el futuro.
Aunque no debes pensar que este juego cuenta con poco material en esta fase de acceso anticipado, ya que desde un principio vemos que hay una gran cantidad de material para jugar y nos llevará bastantes horas alcanzar el nivel 50 y conseguir todo lo que nos ofrece este divertido juego. Por otro lado ya se ha publicado la ruta de contenido para este año.
Estos consejos son básicos y os pueden ayudar en los primeros 15 niveles de jugador, si me lo pedís haré otro artículo con consejos más avanzados.
Consejos generales
Jugar en tu propio mundo. Como decía anteriormente es normal que nos encontremos con una gran cantidad de bugs o problemas en esta fase de acceso anticipado, por lo que no recomiendo jugar online por ahora, ya que los servidores se llenan muy rápido y me han expulsado varias veces del servidor y al intentar volver a entrar no poder acceder al estar completo. Yo recomiendo crear tu propio mundo y si quieres jugar hasta con 3 personas más puedes marcar la opción de multijugadores y podrán unirse si compartes tu código de amigo. Quizás en el momento de publicación de este artículo ya se hayan solucionado los bugs, por lo mejor será que lo veas por ti mismo.
Personaliza tu mundo. En cualquier momento al iniciar tu mundo puedes poner la dificultad en ‘personalizado’ y cambiar una gran cantidad de características del juego, para que se adapte más al modo que quieras jugar. Esto es especialmente recomendable para aquellos jugadores que quieren una dificultad extra con los enemigos o para hacer la gestión de recursos más rápida para aquellos que no la disfruten demasiado o no tengan tanto tiempo para estar horas y horas consiguiendo recursos. Otras opciones que se pueden cambiar es el máximo de Pal que puedes tener en tu base, el tiempo de eclosión de los huevos, el daño que reciben los jugadores y la cantidad de objetos que suelta en mundo. Insisto en que le echéis un ojo porque es muy personalizable.
Tu primera base. Recomiendo construir cerca de la Meseta del comienzo, ya que hay una gran cantidad de minerales y los Pals no tienen demasiado nivel. El único problema a esto es que no hay demasiados minerales metálicos, por lo que recomiendo construir lo antes posible tu segunda base o mudarte a un lugar donde haya gran cantidad de estos. Yo recomiendo cerca de la Iglesia abandonada, al Noroeste de la Meseta del comienzo.
Prioriza el metal. El recurso más valioso hasta la mitad del juego es el mineral metálico, ya que es fácil conseguir piedra y madera construyendo una cantina y una zona de tala El mineral metálico es muy valioso para construir armas, armaduras y multitud de objetos que nos harán falta durante gran parte de nuestros niveles.
Puntos de tecnología. Te recomiendo que no gastes sin pensar estos puntos, ya que no hay tantos para conseguir todos los desbloqueables. Te recomiendo que dejes siempre algunos libres por si lo necesitas y que desbloquees aquellas cosas que necesitas de verdad o que vayas a usar. Ten especial atención a los objetos que te pide la caja Pal para subir de nivel de base. Esto debería de ser tu prioridad para desbloquear Pals para trabajar y poder construir más bases.
Subir de nivel. El modo más rápido y legal que he encontrado para subir de nivel rápidamente es capturar Pal. El juego te invita a que captures sin miedo, hasta que consigas 10 de un mismo Pal te dará experiencia y algunos que son muy sencillos de capturar y los tenemos en abundancia, así que te aconsejo que si no tienes 10 capturados del mismo lo hagas. Además, al capturar Pal te soltarán objetos del mismo modo que si los derrotas. En la Palpedia puedes ver cuánto llevas de bonificación de captura de cada Pal.
Usa la guía de supervivencia y la Palpedia. Aunque el juego es bastante amigable respecto a otros títulos similares de supervivencia, recomiendo al principio mirar la guía de supervivencia para resolver dudas básicas. Por otro lado, la Palpedia es fantástica; podremos ver los hábitat de los Pal que hemos capturado, sus aptitudes de trabajo, sus técnicas de compañero y los objetos que obtenemos al capturarlos o dejarlos KO.
Construir en la base. El juego tiene aún mucho que pulir, por lo que he visto que si junto demasiado algunas construcciones, el Pal se puede liar y no sabe qué hacer, por lo que actualmente recomiendo dejar espacio entre ellas. También recomiendo construir cajas alrededor de las construcciones de recolección para facilitar el transporte de los Pal.
No estreses a tus Pal. La vida de los Pal ya es lo suficientemente dura como para que los sobrecargues. Cosas básicas son alimentarlos correctamente; yo recomiendo sobre todo al principio usar bayas asadas por su abundancia y rapidez al crearlas. Tampoco olvides construir suficientes camas y os aconsejo que pongáis baños termales por cada 5 Pal aproximadamente. Si no tratáis bien a vuestros Pal, estos perderán Cordura y serán menos eficientes, hasta el punto de llegar a lesionarse o enfermarse. Si llegas a este punto puedes crear medicinas para curarlos.
Subir los parámetros. Cuando subáis de nivel podréis mejorar vuestros parámetros y hasta el día de hoy no conozco un modo de reiniciarlos, por lo que es importante elegir correctamente. Yo recomiendo que os centréis en aumentar los puntos de vida (PV), la energía para poder hacer acciones durante más tiempo y la carga para poder transportar más recursos a tu base. No recomiendo subir el ataque, ya que lo normal será usar los Pal para atacar.
Objetos importantes. Más allá de los básicos, aconsejo poner interés en construir planeadores, que os facilitaran los viajes y un buen escudo, que absorberá cualquier daño hasta romperse, pero que podrá regenerarse al poco tiempo de no recibir daño. También aconsejo construir bolsas de comida para automatizar tu alimentación y la de tu grupo de Pal.
Moverte en exceso de carga. Seguramente te habrá pasado que construyendo en tu base tienes exceso de carga y no puedes moverte. Pues bien, con la pistola de agarre puedes moverte hacia una caja y soltar en ella los objetos pesados.
Consola de comandos. Para introducir tus comandos en tu mundo de Palword tienes que activar la consola de comandos. Para esto tienes que estar jugando en un servidor dedicado de Palworld y tener permisos de administrador.
/info: Te muestra información de tu servidor.
/save: Este comando sirve para guardar la partida de tu servidor.
/Showplayers. Te muestra una lista de todos los jugadores que se encuentran actualmente en tu mundo.
/Broadcast (introducir texto): Es el comando para mandar un mensaje a todos los jugadores que se encuentren en tu servidor.
/TeleportToPlayer (Steam ID): Te teletransporta hacia un jugador.
/TeleportTome (Steam ID): Teletransportas un jugador hacia el punto del mapa en el que te encuentres.
/KickPlayer (Steam ID): Expulsas a un jugador de tu servidor.
/BanPlayer (Steam ID): Para banear y prohibir a un jugador la entrada a tu servidor.
/Shutdown (seconds): Apagas el servidor pasado el tiempo que has establecido.
/DoExit: Detiene inmediatamente el servidor.
Consejos de exploración
Desbloquea puntos de teletransporte de mapa. Durante la exploración tu prioridad debería de ser desbloquear las torres para poder moverte entre los puntos de teletransporte que ya tienes desbloqueados o hacia tu base. El juego te da esta facilidad, ya que en otros juegos de supervivencia el viajar a diferentes puntos del mapa se podría hacer bastante tedioso.
Aumentar tu carga. Cuando vayas a obtener recursos, especialmente los minerales metálicos que son bastantes pesados, te recomiendo que equipos en tu grupo varios Cattivas, ya que cuentan con la técnica ayuda felina que hace aumentar tu carga en 50 por cada Cattiva que tengas. Este Pal es bastante común y no te costará encontrarlo.
Usa las monturas. Si te gusta explorar te recomiendo que desbloquees lo antes posible las monturas terrestres y voladoras. Un Pal volador que es fácil de conseguir al comienzo es Nitewing y para la montura terrestre el ciervo morado Eikthyrdeer es bastante rápido. Las monturas se podrán desbloquear una vez los captures en tecnología.
Consejos de batalla
Armas aconsejables. Mi arma preferida al comienzo del juego es el arco de tres flechas. Estar a distancia de los enemigos te da una gran ventaja y conseguir flechas es bastante fácil. Además, según avances podrás desbloquear las flechas de fuego y venenosas, cada una con su arco correspondiente.
Tabla de elementos. A continuación os dejo una imagen sacada de la Palpedia del juego en la que podéis ver qué resistencias y efectividades tienen los 9 tipos disponibles por ahora. Como podéis observar, el tipo fuego es el único que es efectivo contra dos tipos: hielo y planta. Así como que el tipo neutral, no es efectivo contra ninguno.
Equípate a Daedream. Este Pal aparece de noche y es bastante útil al comienzo de tu partida. Tiene la técnica de compañero Cazasueños, que hace que se sume a tu ataque lanzando balas mágicas aunque llames al combate a otro Pal. Para esto necesitas construir el collar de Daedream en la mesa de elaboración de equipo Pal. Este «truco» no se limita a un solo Daedream, sino te acompañarán en el combate todos los que tengas en el grupo Pal.
Espero que os hayan servido estos consejos, puedes comentarme ante cualquier duda e intentaré resolverla, pero tampoco olvides comentar qué recomendaciones darías a los que se acercan a este videojuego por primera vez.
Hace casi cinco años, cuando terminaba de escribir el análisis del último episodio de la tercera temporada de True Detective, dejé bien clara mi opinión sobre la debacle de una serie cuya primera temporada alcanzó un estatus casi mítico en el imaginario popular y me pregunté si habría una cuarta temporada. Ahora, en enero de 2024, damos la bienvenida a True Detective: noche polar.
Llegamos al ecuador de esta cuarta temporada de True Detective con un episodio más reposado en lo que la investigación se refiere y empeñado en contextualizar a sus personajes, insistiendo en los motivos de la separación entre ambas detectives en el pasado y reforzando el aura sobrenatural que rodea a esta serie. A diferencia de los detalles sutiles de la primera temporada, esta True Detective: Noche Polar no duda en abrazar el terror fantástico.
A PARTIR DE AQUÍ, SPOILERS DEL TERCER CAPÍTULO DE TRUE DETECTIVE: NOCHE POLAR
El capítulo comienza con el encuentro entre Navarro y Annie, la activista asesinada, siete años antes del presente. En un pueblo marcado por las luchas intestinas entre los indígenas con sus costumbres y los hombres blancos con la mina, Annie se dedica a ayudar a parir a las mujeres de forma natural. Queda claro que la activista era una persona bondadosa que caló hondo en la detective indígena, cosa que ya sabíamos por lo visto en capítulos anteriores.
Volviendo al presente, se organiza una partida de caza para localizar a Clark en el hielo, el principal sospechoso tanto de lo ocurrido en la estación como del asesinato de Annie.
Las detectives, trabajando juntas, averiguan que la peluquera de Annie conocía la relación entre ella y Clark y, por una razón misteriosa, la activista se empeñó en que esta fuera secreta. Describe a Raymond como una persona tranquila y que quería a Annie. Y también revela que hubo un miembro de la estación que se marchó de esta a cazar al hielo poco antes de la muerte de la activista. Es decir, un segundo sospechoso.
El compañero joven de Danvers le pregunta por el motivo de la separación de ambas detectives. Ella le cuenta, de forma bastante poco fiable por las imágenes que muestra, que algo salió mal durante la investigación de un caso de violencia de género reiterada. Da la sensación de que, o bien Danvers o bien Navarro acabaron con la vida del agresor, tomándose la justicia por su mano.
Mientras Navarro intenta buscar al otro miembro de la estación desaparecido, para lo cual tendrá que hacer un quid pro quo deudor de El silencio de los corderos (recordemos, el último papel detectivesco de Jodie Foster), Danvers lidia con las simpatías indígenas de su hija. Todavía desconocemos el motivo de su racismo.
Finalmente, la pista de Oliver Tagaq se desvanece tras localizarlo en un campamento nómada en la costa norte de Ennis.
Eso sí, True Detective: noche polar se deja un final marcado por el fantástico para el final. Tras despertarse el único superviviente de la tragedia, este solo puede revelar, al igual que durante la escena inicial de la serie, que «ella ha despertado». Sin embargo, en un momento a solas con Navarro, es poseído por un ser que habla directamente con la detective indígena, preguntándole por su madre. Esta escena, añadido a ese «despertar» de Navarro en un desierto junto a una niña que tiene toda la pinta de ser la hija de Danvers, da fe de la sensibilidad especial que tiene la protagonista con lo sobrenatural y que es probable que esta sea la principal explicación de los sucesos de Ennis.
Además, el veterinario «forense» determina que los hombres congelados murieron de miedo y el último vídeo de Annie la muestra aterrada en mitad del hielo.
IMPRESIONES
Si algo define a True Detective: Noche polar es la convencionalidad de la propuesta. Puede que sea deudora de la primera temporada tanto por su título como por su argumento (La empresa Tuttle United y el hecho de que Travis Cohle, el hombre que ve Rose en el primer capítulo, sea, muy probablemente, Rust Cohle, el protagonista de la primera temporada) pero no deja de ser una interesante buddy movie policial enmarcada en un lugar conflictivo e inflada por su formato de miniserie. Veremos a ver cómo se desarrollan los últimos capítulos.
Muy buenas. Otro mes más que volvemos con nuevas series, películas y documentales a Prime Video España. Estas son las novedades y estrenos que podrás ver en febrero de 2024 en la plataforma de streaming. Sin más dilación nos ponemos al lío.
Platos fuertes del mes.
Sin duda alguna tenemos dos series que vienen a ser ya no los platos fuertes del mes, sino de este primer semestre, hablamos de Reina Roja, adaptación de la novela de Juan Gómez Jurado y Mr. & Mrs. Smith adaptación de la película de espías de Angelina Jolie y Brad Pitt que cuenta con un reparto de lujo encabezado por Donald Glover. Y en cine tras un discreto pase por las taquillas llega Los juegos del hambre: Balada de pájaros cantores y serpientes. Y ojo a El superviviente de Auschwitz, dirigida por Barry Levinson.
Los Smith, John y Jane, han abandonado sus identidades para estar juntos como compañeros, en el espionaje y en el matrimonio. Emparejados por una misteriosa agencia que les asigna diferentes y peligrosas misiones, cuando las grietas empiezan a aparecer, deben luchar para permanecer juntos. Porque en este matrimonio, el divorcio no es una opción.
A ver, habrá que darle una oportunidad, tiene repartazo para empezar, Donald Glover, Maya Erskine, Wagner Moura, John Turturro, Paul Dano, Alexander Skarsgård, Eiza González, Sarah Paulson, Ron Perlman o Úrsula Corberó. Después sus creadores son Phoebe Waller-Bridge y el propio Glover. Y ojo el tráiler pinta bien.
9 de febrero
Operación: Marea Negra (Temporada 3 Final)
Con esta serie me pasa una cosa. Me gustó mucho la primera temporada pero me negué a ver la segunda al entender que eran ganas de explotar un éxito sin más que contar y ya lo de la tercera temporada pues… vamos que paso.
Bueno, la verdad es que Amazon ha estado muy hermético en lo relacionado a esta serie. No tenemos ni tráiler, con eso lo digo todo.
Con un coeficiente intelectual de 242, Antonia Scott es oficialmente la persona más inteligente de la Tierra. Su inteligencia le valió convertirse en la “Reina Roja” de un proyecto policial secreto y experimental, pero lo que parecía un don se convirtió en una maldición, y acabó perdiéndolo todo. Cuando el hijo de una poderosa magnate aparece asesinado grotescamente en su mansión, y la hija del hombre más rico de España es secuestrada, la organización Reina Roja se pone en marcha. Mentor, antiguo jefe de Antonia, recurre a Jon Gutiérrez, un policía vasco y temperamental a punto de ser expulsado del cuerpo, para reactivar a Antonia.
Películas.
1 de febrero
Que nadie duerma
9 de febrero
Upgrade: Primera clase
Ana (Camila Mendes) es una ambiciosa becaria que sueña con una carrera en el mundo del arte mientras intenta impresionar a su exigente jefa Claire (Marisa Tomei). Cuando la suben a primera clase en un viaje de trabajo, en el avión conoce al atractivo Will (Archie Renaux), que confunde a Ana con su jefa; una mentira piadosa que desencadena una glamurosa cadena de acontecimientos, romances y oportunidades hasta que su mentira amenaza con salir a la luz.
Los segundones
15 de febrero
El superviviente de Auschwitz
Tras la Segunda Guerra Mundial, Harry Haft es un boxeador que luchó contra sus compañeros en los campos de concentración para sobrevivir. Atormentado por los recuerdos y la culpa, intenta utilizar las peleas de alto nivel contra leyendas del boxeo como Rocky Marciano para volver a encontrar a su primer amor. (FILMAFFINITY)
Ambientada en un Panem postapocalíptico, nos traslada varias décadas antes del comienzo de las aventuras de Katniss Everdeen. El joven Coriolanus Snow será el mentor de Lucy Gray Baird, la chica elegida para ser homenajeada del empobrecido Distrito 12. La joven sorprenderá a todos cantando en la ceremonia de apertura de los Décimos Juegos del Hambre en los que Snow intentará aprovecharse de su talento y encanto para sobrevivir. (FILMAFFINITY)
El pasado viernes 26 se estrenó en España Pobres criaturas (2023), la nueva película del realizador griego Yorgos Lanthimos tras su consagración internacional con la laureada La favorita(2018), que obtuvo 10 nominaciones al Óscar. Pobres criaturas es un viaje sobre la toma de conciencia ética y el conocimiento del mundo, que explora la naturaleza de la masculinidad tóxica y el descubrimiento femenino, bajo una sobrecargada estética y un ambiente de desenfreno sexual.
Tráiler de Pobres criaturas (2023) de Yorgos Lanthimos
Pobres criaturas cuenta la historia de Bella (Emma Stone) que, devuelta a la vida por el prestigioso científico Godwin Baxter (Willem Dafoe) y hambrienta por conocer mundo, se fuga de la casa del doctor junto a un peculiar abogado (Mark Ruffalo) para vivir un viaje de autodescubrimiento y liberación.
Póster de Pobres criaturas (2023) de Yorgos Lanthimos
Yorgos Lanthimos: un director autor
A lo largo de su escueta carrera cinematográfica, Yorgos Lanthimos ha demostrado una enorme capacidad para dotar de autoría sus películas. El griego formula ecosistemas perturbadores, en un mundo hecho a su medida que reconstruye la moral humana, para deleitarse experimentando con el individuo ante las que, a nuestros ojos, resultan situaciones de una extrema crudeza y falta de humanidad.
En Canino aisla a sus personajes del exterior, exponiendo la maleabilidad humana y su dependencia del entorno. En Alps se despoja de los valores éticos de nuestro mundo y fantasea con la elusión de la muerte a través de la suplantación póstuma. En Langosta su ambición crece y desgrana la naturaleza de las relaciones amorosas y su estrecha relación con la sociedad. El sacrificio de un ciervo sagradoes una situación de vida o muerte constante ligada a un macabro dilema familiar. En La favoritaabre un poco su cine (se refleja en los premios) para hablar de hipocresía y podredumbre en un microcosmos aristocrático.
Pobres criaturas es quizá su películas más accesible y laxa hasta el momento. En ella se percibe el espíritu del director e incluso remite a sus trabajos anteriores (el tramo inicial en blanco y negro en casa del Dr. Baxter refleja la esencia de Canino; desconocimiento fruto del aislamiento y la falta de libertad), pero el fondo más macabro y retorcido clave en su cine queda aquí en la superficie y el mensaje se vuelve algo obvio por momentos (aunque entiendo que, en parte, esta obviedad es inherente al concepto de «aprendizaje» que plantea la película respecto a su personaje principal). No obstante y, aunque algo más diluido que en sus primeras obras por la forma en que se aborda, ese carácter analítico del ser humano y su relación consigo mismo y con la sociedad, está presente en la última película del griego.
El director innova además con un humor más directo y descifrable que en sus primeras películas. En Pobres criaturas el chiste es recurrente, incluso en momentos y con temas delicados, al tiempo que suele ser sencillo y no demasiado rebuscado; aspecto nuevamente inherente a la naturaleza ignorante de su protagonista y el sentido de la película, que no por ello deja de resultar algo excesivo a veces.
La reformulación del viaje de Frankenstein
A principios del siglo XIX, la jovencísima Mary Shelley publicó una novela que pasaría a la historia: Frankenstein o el moderno Prometeo(1818). Un joven estudiante de ciencias naturales lleva a la vida a un ser de grandes dimensiones que se escapa para conocer mundo, descubriendo la naturaleza humana desde cero. La novela de Shelley se ha llevado a la gran pantalla en muchas ocasiones de forma directa (El doctor Frankensteinde James Whale, La maldición de Frankensteinde Terence Fisher o Frankenstein de Mary Shelleyde Kenneth Branagh entre otras), así como otros directores aluden a la esencia del relato de forma indirecta. Pienso sobre todo, en el Jonathan Glazer de Under the skin, en la que trae a la tierra a una mujer de otro lugar para narrar su paulatina comprensión de los mecanismos de nuestro mundo (con una gran importancia de la sexualidad igual que en Pobres criaturas).
Yorgos Lanthimos configura una suerte de reformulación de la historia de Frankenstein en clave femenina. Un bizarro (pero entrañable) doctor devuelve a la vida un cuerpo inerte que despierta con la mente de un recién nacido y, tras su reclusión inicial, escapa y descubre mundo construyendo progresivamente una visión propia de la realidad y de su persona. Los paralelismos con la obra literaria son más que obvios. No hay que olvidar que la película es una adaptación de la novela homónima del escocés Alasdair Gray.
Bella Baxter adquiere conocimientos enfrentándose a un mundo despiadado, en el que a pesar de su condición, parece ser la persona más razonable. A través de su visión se dibujan a la perfección los roles de género tradicionales y la histórica subyugación y sexualización de la mujer. Es un viaje de autodescubrimiento y formación de identidad personal, que enseña la importancia de «conocer para ser»: Bella dice a su «padre» que es su creación, y este le deja claro que ha sido ella la que se ha ido creando a sí misma con sus acciones.
Estética particular y ética retorcida. Un mundo decadente
Si en las anteriores películas de Lanthimos, su estética era más sobria, aquí llama la atención la ornamentación visual que despliega. Desde el juego con el blanco y negro, a la llamativa fotografía, el uso de lentes atípicas buscando lo bizarro y la propia escenografía retrofuturista. Lo que vemos en pantalla parece una proyección de la mente confusa de Bella Baxter que es pasado y presente al mismo tiempo, al igual que su entorno. Todo desprende una extrañeza muy bien construida: nada parece real, cada escenario es retorcidamente onírico; hermoso y perturbador al mismo tiempo. Los fondos parecen cuadros y los oscuros intertítulos transitorios, acentúan la sensación de perturbación.
Este dibujo de un mundo irregular y deformado construido desde la propia estética de la película, parece una representación física de la confusión que inunda a la protagonista, así como de la propia corrupción ética que desprenden los personajes: un científico reputado que devuelve a la vida cuerpos robados para su experimentación, el ayudante del doctor que se enamora de una mujer con cerebro de recién nacido, el abogado ricachón perdido en su vanidad; la madame sin escrúpulos, el marido déspota y controlador… No hay hueco en este decadente panorama para la ética y Bella Baxter tiene que aprender discerniendo.
Personas deformes, animales mezclados unos con otros, y ese final… viene a mi cabeza como referencia la mítica La parada de los monstruos (1932) de Tod Browning, tan cuestionada en su momento. Así como el cuadro de Brueghel Las tentaciones de San Antonio que inspiró la novela dieciochesca La tentación de San Antonio de Flaubert, por la sensación que transmiten de abigarramiento de la perturbación y lo inmoral; bastante similar a la que siento con la película.
Las tentaciones de San Antonio (s. XVI) de Jan Brueghel
Conclusión
Pobres criaturas es un viaje a través de la identificación personal y el descubrimiento del mundo, en que Emma Stone tiene un papel memorable. La atmósfera que construye en base a estética y música, puede resultar excesiva pero atiende a la proyección de su protagonista y el mundo cruel que busca retratar. Hay un gran cambio respecto a las primeras películas del griego, tanto en lo visual como en el tratamiento del fondo y en el uso del humor.
No es la mejor película de Lanthimos, pero sí un excelente relato con tintes feministas que destruye la masculinidad negativa. Es la versión bizarra de Barbie(2023). Ya veremos en marzo, pero Pobres criaturas ¡huele a Óscar!
Acabamos el primer mes del año, y es hora de hablar del avance de novedades y estrenos de HBO Max para febrero 2024.
En febrero nos abren las puertas a uno de los episodios más apasionantes de la literatura americana: estrenamos FEUD: CAPOTE VS. THE SWANS, la increíble historia de como el escritor Truman Capote sacó provecho de la alta sociedad neoyorkina en una serie de altos vuelos y con un reparto alucinante: Naomi Watts, Diane Lane, Calista Flockhart, Demi Moore, Chloe Sevigny, Molly Ringwald; y Tom Hollander en el papel del afamado escritor. Llegará el día 7 de febrero con doble capítulo, y estrenará un capítulo nuevo cada semana.
Además, en febrero regresa TOKYO VICE, la atmosférica serie sobre la policía metropolitana de Tokyo protagonizada por Ansel Elgort y Ken Watanabe, una nueva dosis de acción que llega el próximo 8 de febrero.
Además, el próximo 5 de febrero llega a su fin una de las series más longevas de HBO: LARRY DAVID pondrá punto y final a su divertidísima (e incómoda) incursión en la auto ficción estrenando la última entrega de episodios de su serie. Las risas están aseguradas.
LA BREA también regresa este mes con su tercera y última temporada de las nuevas aventuras de la familia Harris en esta distopía. Será el próximo 11 de febrero.
Para los amantes del documental y el deporte tenemos un par de títulos que encajan a la perfección: LA INDESTRUCTIBLE TATIANA SUÁREZ, la increíble historia de la luchadora de artes marciales mixtas que, tras cuatro años alejada de la competición, prepara su regreso a la primera línea haciendo un repaso por su carrera y su legado (1 de febrero), y LA HIJA DE DIOS: DALMA MARADONA, un acercamiento a la figura del astro argentino desde el punto de vista testimonial (y documental, con muchas imágenes inéditas) de su hija Dalma, un retrato como nunca hemos visto del icónico Diego Maradona. Llegará el 6 de febrero.
En el apartado de cine, estrenamos en exclusiva LA CONTADORA DE PELÍCULAS, la última película de la directora Lone Scherfig está nominada a tres premios Goya y cuenta la apasionante historia de como el cine cambió la vida de una familia chilena. Protagonizada por Antonio de la Torre y Berenice Bejo.
1 de Febrero LA INDESTRUCTIBLE TATIANA SUÁREZ. Nuevo documental
Este edificante documental narra el espíritu excepcional y el empuje de la luchadora de artes marciales mixtas (MMA) Tatiana Suárez mientras se prepara para volver a la jaula tras casi cuatro años alejada del deporte. Suárez reflexiona sobre su viaje de prodigio de la lucha libre a atleta profesional y el legado que deja a las mujeres jóvenes, en particular a las de la comunidad latina.
2 de Febrero ANGEL DE LA MUERTE. Temporada 2
En esta historia, la identidad del asesino no es un misterio, pero sus motivos sí. ¿Qué vincula al culpable con la comisaria que lo investiga?
4 de Febrero FOUND. Nueva serie
Gabi Mosely y su equipo de gestión de crisis se encargan de que siempre haya alguien pendiente de los desaparecidos olvidados. En los Estados Unidos se pierden más de 600.000 por año.
5 de Febrero LARRY DAVID. Temporada 12
Esta comedia sigue demostrando cómo detalles aparentemente triviales de la vida cotidiana de una persona pueden precipitar una catastrófica cadena de acontecimientos. Para mantener la espontaneidad narrativa
la serie se rueda sin guion y los miembros del reparto reciben esquemas de las escenas e improvisan líneas sobre la marcha.
6 de Febrero LA HIJA DE DIOS: DALMA MARADONA. Nueva docuserie
A través del relato en primera persona de su hija Dalma y otras personas destacadas en la historia de «El Diez», los fans podrán conocer los momentos más trascendentales de su vida y carrera a través de imágenes, revelaciones, detalles e historias desconocidas hasta el momento.
7 de Febrero FEUD: CAPOTE VS. THE SWANS. Nueva miniserie
El aclamado escritor Truman Capote se rodeó de un grupo de mujeres de la élite de la sociedad, ricas y glamurosas que definieron una época pasada de la alta sociedad neoyorquina, a las que apodó «los cisnes». Hermosas y distinguidas, el grupo incluía a la gran dama Barbara «Babe» Paley, Slim Keith, C.Z. Guest y Lee Radziwill.
Encantado y cautivado por estas damas, Capote se introdujo en sus vidas, entabló amistad con ellas y se convirtió en su confidente, para finalmente traicionarlas escribiendo una ficción apenas velada de sus vidas, exponiendo sus secretos más íntimos.
8 de Febrero TOKYO VICE. Temporada 2
Inspirada libremente en el relato en primera persona del periodista estadounidense Jake Adelstein sobre la ronda de la Policía Metropolitana de Tokio, la segunda temporada de la serie, rodada en Tokio, nos adentra en el submundo criminal de la ciudad, mientras Adelstein (Ansel Elgort) se da cuenta de que su vida, y la de sus allegados, corren un terrible peligro.
EL ARTE DE LA REVOLUCIÓN. Nuevo documental
Sara Nodjoumi se adentra en el misterio que rodea la desaparición de más de 100 cuadros «comprometidos» de su padre, el influyente artista moderno iraní Nickzad Nodjoumi.
CASI INOFENSIVO. Nuevo documental
Los investigadores de Internet identifican después de dos años a un excursionista hallado muerto en los bosques de Florida. Su identidad suscita más preguntas, ya que varios excursionistas afirman haberle conocido, pero él nunca reveló su nombre.
11 de Febrero
LA BREA. Temporada 3
NINJA KAMUI. Nueva serie
Ninja Kamui sigue a Joe Higan, un Nukenin, un ex ninja que escapó de su clan y se esconde de su pasado violento en la América rural con su familia. Una noche, es emboscado por un equipo de asesinos de su antigua organización que exige una retribución sangrienta a Joe y su familia por traicionar su antiguo código. Resurgiendo de su aparente «muerte», Joe resurgirá como su antiguo yo, Ninja Kamui, para vengar a su familia y amigos.
15 de Febrero THE TRUTH ABOUTH JIM. Serie documental
La investigadora aficionada Sierra Barter se ve sorprendida al descubrir dolorosos secretos familiares mientras busca respuestas a la pregunta que ha atormentado a su familia durante generaciones: ¿fue su abuelastro, Jim Mordecai, un asesino en serie?
EN BUSCA DEL SABOR. Nuevo programa
La curiosidad de la famosa chef Carla Hall por los platos más deliciosos de Estados Unidos, desde la tarta de pollo hasta el helado, la lleva a Ghana, Italia, Turquía y otros países. Por el camino, Carla rastrea la historia y el linaje de los platos, descubriendo los orígenes y culturas internacionales interconectados que allanaron el camino para la cocina americana actual, porque si no conoces la historia, no conoces el plato. Acompañaremos a Carla en su búsqueda de sabores por todo el mundo para descubrir cómo se unen en el plato americano.
28 de Febrero DIOS SALVE A TEXAS. Nueva serie
En esta nueva serie documental encontraremos historias de Texas contadas a través de las lentes de tres directores, que narran el pasado, el presente y el futuro del estado.
PELÍCULAS
16 de Febrero LA CONTADORA DE PELÍCULAS Años 60. María Margarita es la menor de cuatro hermanos de una familia que vive en un pueblo minero en el desierto de Atacama (Chile). El momento más especial de la semana es el domingo, cuando todos van al cine a disfrutar de las historias que les llevan a otros mundo.
Los padres de la niña pronto se dan cuenta de que la pequeña tiene un don muy especial, una habilidad casi asombrosa para contar películas. El extraordinario talento de la niña se extenderá por todo el pueblo, cambiando la suerte de su familia al mismo tiempo que el país se transforma para siempre.
Bienvenidos sean una vez más para recorrer los estrenos que llegan a Disney+ y Star+. No es un mes en el que tengamos precisamente muchas novedades pero entre las pocas que hay encontramos algunas que son muy sugerentes. Vamos al lío.
Lo más interesante del mes.
Este mes en Disney+ tenemos varios platos fuertes a destacar. Por supuesto está la última película del UCM, The Marvels, que llega a la plataforma el próximo 7 de febrero. En cuanto la veamos os traeremos nuestra crítica que en el cine no tuvimos muchas ganas de verla, la verdad sea dicha. Ojo que tenemos también temporada final de La remesa mala, serie de animación ambientada en el universo Star Wars. Pero el plato fuerte del mes lo tenemos en Shôgun. En el Japón del siglo XVII, el náufrago británico John Blackthorne pasa de ser un extraño a un samurái, mientras es utilizado como peón en la lucha del líder japonés Toranaga por llegar a la cima de la cadena gobernante. (FILMAFFINITY).
Una adolescente que vive con su madre debe llevar a su hermano a vivir a un centro especializado. Allí, entabla una inesperada amistad con un activista excéntrico en medio de protestas en torno a casos médicos controvertidos. (FILMAFFINITY)
Sale Woody Harrelson y eso siempre es un aliciente ¿No?
En el Japón del siglo XVII, el náufrago británico John Blackthorne pasa de ser un extraño a un samurái, mientras es utilizado como peón en la lucha del líder japonés Toranaga por llegar a la cima de la cadena gobernante. (FILMAFFINITY)
Podemos estar ante una gran serie. Esperemos que sea así.
28 de febrero
Todo va bien
Snowfall (T6)
LGBTIQ+ en el Medio Oeste americano
Terapia alternativa
Y eso es todo, al menos por ahora, ya que Disney+ nos viene acostumbrando estos últimos meses a algún que otro estreno sorpresivo que no estaba anunciado.
El director James Gunn ha anunciado que la actriz australiana Milly Alcock, que interpreta a la joven Rhaenyra Targaryen en la serie La casa del dragón, será la encargada de dar vida a Supergirl en el nuevo Universo DC. Gunn ha confirmado la noticia a través de sus redes sociales, donde ha expresado su entusiasmo por contar con el talento de Alcock para el papel de Kara Zor-El, la prima de Superman.
Debutará como Supergirl en la película Superman: Legacy, que se estrenará el 11 de julio de 2025 y que marcará el inicio de la nueva etapa del Universo DC, liderada por el propio Gunn y el productor Peter Safran. En esta cinta, Alcock compartirá pantalla con David Corenswet, que sustituye a Henry Cavill como el Hombre de Acero, y Nicholas Hoult, que interpreta al villano Lex Luthor.
Después de su aparición en Superman: Legacy, Alcock protagonizará su propia película en solitario, Supergirl: Woman of Tomorrow, basada en la serie de cómics del mismo nombre de Tom King y Bilquis Evely. Se espera que esta película explore la historia de origen de Supergirl.
La elección de Alcock para el papel de Supergirl supone un cambio radical respecto a la anterior actriz que lo interpretó, Sasha Calle, que apareció brevemente en la película Flash, dirigida por Andy Muschietti. Calle, que es de origen colombiano, fue la primera actriz latina en encarnar a Supergirl, pero su participación en el Universo DC quedó truncada por la decisión de Gunn y Safran de reiniciar la franquicia con nuevos actores y actrices.
«Es exacta. Milly es una joven actriz con un talento fantástico y me entusiasma que forme parte del DCU (Universo de DC) (…) Encarna a Kara tal y como la imaginaron Tom King, Bilquis Evely y Ana Nogueira», escribió el codirector ejecutivo de DC Films.
Alcock, que tiene 23 años, es una actriz emergente que ha demostrado su versatilidad y carisma. Su papel más conocido hasta la fecha es el de la joven Rhaenyra Targaryen en La casa del dragón, el spin-off de Juego de tronos.
Milly Alcock se suma así a la lista de actrices que han interpretado a Supergirl en diferentes medios, como Helen Slater, Laura Vandervoort, Melissa Benoist y Sasha Calle. Con su incorporación al Universo DC, Alcock se convierte en una de las estrellas más prometedoras del cine y la televisión, y en una de las representantes de la nueva generación de superhéroes.
Aunque no lo parezca ya estamos en febrero y Netflixsigue asediándonos con sus novedades y estrenos. Como cada mes, os avanzamos lo más interesante de la plataforma de streaming. Vamos al lío.
Series destacadas
Entre las series, destaca la segunda temporada de Machos Alfa, serie en la que un grupo de machirulos cuarentones lucha contra los tiempos. El 9 de febrero en vuestra plataforma amiga.
EL 22 de febrero llega el estreno de la semana en cuanto a series se refiere. Nos referimos a Avatar: La leyenda de Aang. El tráiler promete, aunque puede que luego resulte ser un churro.
El resto de estrenos seriéfilos queda como sigue:
Alguien como Chu (2 de febrero), una tailandesa sobre una videobloguera que habla de sexo.
Siempre el mismo día (8 de febrero), sobre las relaciones de pareja según pasa el tiempo. Basada en una novela de David Nicholls.
La paradoja del asesino (9 de febrero), una coreana de policias.
Buenos días, Verônica, temporada 2 (14 de febrero), serie policiaca brasileña.
Preparadas, listas, ¡amor! (15 de febrero), serie romanticona tailandesa.
Warrior(16 de febrero), serie de HBOque pasa a Netflix(y van ya unas cuantas). Se estrenan todas las temporadas.
En la ciénaga, temporada 3 (28 de febrero). Serie policiaca polaca.
Películas destacadas
El 14 de febrero, fecha clave en toda plataforma que se precie, llega Los juegos del amor, comedia romanticona con Gina Rodriguez y el Lucifermás guapo del infierno, Tom Ellis.
Lo que queda de películas es lo siguiente:
Amigos… (1 de febrero), comedia española con Ernesto Alterio y Diego Martín.
Ágora(1 de febrero), la de Amenabar.
Orión y la oscuridad (2 de febrero), película de animación para todos los públicos.
Ceniza(9 de febrero). Es turca. Para gustos, colores.
Mátame si te atreves cariño (13 de febrero). Comedia polaca. Por lo menos no es turca.
Una historia de amor en Soweto (14 de febrero), película romántica sudafricana. Tampoco es turca pero no os creáis que sea mucho mejor.
Isla bonita (16 de febrero), película peruana sobre tres amigas que van de excursión. Un saludo a nuestros seguidores peruanos.
A través de tu mirada (23 de febrero), también conocida como A través de mi ventana 3 (si, por lo visto es una trilogía).
Mea culpa (23 de febrero), un thriller que en principio es de lo más atrayente de este lote de febrero, lo que no es mucho decir.
Y con esto terminamos un mes flojo, flojo. Las huelgas de Hollywood ya se notan en los estrenos. Esperemos remontar el mes que viene. Un saludo, sed felices.
Ya tenemos las novedades de Yermo ediciones y Arechi manga Febrero 2024.
Os dejo el pdf completo de la editorial, y a continuación la nota de prensa de Carles Miralles.
Espero que el mes de enero haya ido muy bien y que los que hayáis podido
disfrutar del Festival de Angouleme lo hayáis pasado en grande (los que
nos quedamos aquí nos morimos de envidia, porque además me han contado
que este año ¡no ha hecho frío!)
Nosotros no hemos parado, y ya os presentamos nuestras novedades de
febrero de 2024.
En Yermo Ediciones, seguimos fieles a nuestros orígenes y seguimos con
los Mundos de Aquilon , con una nueva entrega de Orcos y Goblins, en la
que se recuperan a dos famosos culoverdes a los que ya conocemos de
antes. Llega también el esperado segundo volumen de Los maestros
inquisidores, la serie anterior a Elfos realizada por los mismos equipos
creativos, y que encandilará a todos los seguidores de las Tierras de
Arran.
Por su parte, la colección Sextante amplía panorama con la inclusión de
un western, el primer volumen de Veneno de Laurent Astier, que nos narra
una historia de venganza protagonizada por una mujer dispuesta a todo; y
en Hubble vamos con nuestro primer Greenpunk: Cazadores de savia es una
emocionante epopeya ecologista en la que el retorno a la naturaleza es
la única forma de supervivencia.
En Arechi es momento de continuaciones (el viaje de Nuestra vuelta al
mundo; las peripecias de Arte, esta vez en tierras españolas; City
Hunter, con episodios inéditos en castellano; Déjame odiarte y su
curiosa familia dentro del omegaverse…), pero también de grandes
estrenos:
Buscadores de cadáveres es una mezcla perfecta de Los Goonies, Cuenta
conmigo y 20 Century Boys, con una pizca de It (Eso) y unas gotas de
mitología japonesa. ¡No dejéis escapar este primer volumen, porque está
destinado a convertirse en la serie de referencia del terror japones de
esta década!
Saku y Nozomi, de una autora que ya conocemos en Arechi, trata de una
historia de la búsqueda de la propia identidad más allá de las
convenciones de género, y de la identificación en las rarezas de los
demás para conocernos profundamente a nosotros mismos.
La princesa que quiso escapar llega a las librerías un poco antes que su
versión en anime, que se ha anunciado para este 2024, y nos cuenta la
divertida historia de Leticia, una princesa que intenta encontrar
cualquier excusa para escaquearse de un matrimonio concertado.
Para acabar Néctar, una nueva serie BL, en las que las relaciones
tórridas toman el protagonismo… ¡y en este caso más que nunca, ya que
nos han dado permiso para publicarlo sin censura!
¡Nada más que añadir! Espero que, como siempre, nos echéis una mano para
hacer conocer estas novedades, y, como siempre también, no dudéis en
pedirnos algún ejemplar si algún título os ha hecho tilín y queréis
reseñarlo.
Siguiendo el camino iniciado veintiséis años atrás con Salvar al Soldado Ryan y continuado luego con las series Hermanos de Sangre y The Pacific, Steven Spielberg y Tom Hanks regresan a la Segunda Guerra Mundial para producir Los Amos del Aire,pero eligiendo esta vez el escenario aéreo de las acciones sobre Europa. Creada por John Shiban y John Orloff, la miniserie es emitida semanalmente por Apple TV+ y ya tenemos los dos primeros episodios que, titulados simple y respectivamente Parte Uno y Parte Dos, aquí analizamos.
Con mucha expectativa encima, ha llegado en estos días a Apple TV+ la miniserie Los Amos del Aire (Masters of the Air) que, con producción ejecutiva de Steven Spielberg y Tom Hanks, retoma la temática de la Segunda Guerra Mundial a catorce años de emitida The Pacific (aquí nuestra reseña) y continuando el camino que, respectivamente como director y actor, iniciaran en 1998 con el filme Salvar al Soldado Ryan para después, ya como productores, seguir con la miniserie Hermanos de Sangre (Band of Brothers), de la cual pueden leer aquí nuestra reseña de hace apenas días en esta web.
La expectativa era aun mayor considerando que el proyecto ya llevaba una década en danza antes de llegar a la pantalla, lo cual hace finalmente con la particularidad de que esta vez la serie no es producto de HBO sino de Apple TV+, lo cual quizás ayude a explicar, si es ello posible, el insólito silencio en que ha arribado a streaming.
Esta vez el centro de la acción no es Normandía, ni las líneas en el interior de Francia o las islas del Pacífico; tampoco es la tierra o el mar sino el aire y, específicamente, las acciones contra Alemania sobre el final de la guerra. Basada en el libro de Donald L. Miller (próximamente reseña), Los Amos del Aire, que consta de nueve episodios, retoma en gran medida los planteos de aquellas series al tomar a la guerra como tragedia antes que como épica y volver a poner en el centro de la historia a una dupla principal de amigos.
A diferencia de aquellas, sin embargo, no recurre a testimonios reales porque, claro, encontrar un veterano de la Segunda Guerra Mundial se está haciendo cada vez más difícil a medida que pasan los años, pero sí se acompañan los episodios con relatos en primera persona del navegante Harry Crosby a partir de sus propias memorias.
Apple TV+ ha estrenado de un tirón los dos primeros episodios y semanalmente irán llegando los siguientes. Por si aún no los han visto, cumplo en advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA , por lo que aconsejo dejar de leer o, si así lo desean, ir directamente al balance final. Básicamente, la narración sigue al 100° Grupo de Bombardeo que, por la cantidad de bajas sufridas, se ganó para la historia un mote al que no hace falta agregar nada…
El Sangriento Centésimo
Comenzamos en 1943 y en un bar de oficiales (presumiblemente en Nebraska), donde dos amigos de la fuerza aérea estadounidense están a punto de partir hacia Europa. Por un chiste interno (dolor de testículos para quienes escribimos reseñas), comparten casi el mismo apodo: Gale Cleven (Austin Butler) es “Buck”, en tanto que John Egan (Callum Turner) es “Bucky”. A efectos prácticos, les llamaré de aquí en más Gale y John…
El segundo de ambos es alegre, divertido, bebedor e impulsivo, mientras que el primero es serio, introvertido, abstemio y medido, además de tener como interés amoroso a una muchacha llamada Marge (Isabel May), de quien se advierte lo importante que es para él cuando le vemos después llevar su retrato en misiones. Si sumamos que la joven aparece con los créditos iniciales, habrá que concluir que la veremos nuevamente, no sé en qué contexto pero algo más de lo poco que hasta aquí ha estado en pantalla…
Tanto Gale como John tienen cargo de mayor e integran el 100° Grupo de Bombardeo, pero el primero acaba de ser ascendido, lo que le implica partir algunos días antes y quedar más afectado a labores de comandancia que a misiones, algo que no le gusta tanto. John, en cambio, parte después junto al resto y, previo paso por Groenlandia, uno de los aviones de su escuadrón se pierde entre las nubes y va a parar a Francia en lugar de Inglaterra, acarreándole ello quedar bajo fuego antiaéreo sobre territorio ocupado.
El error ha sido cometido por el navegante Harry Crosby (Anthony Boyle), quien adolece de mareos, no obstante lo cual y con el avión en estado bastante maltrecho, consigue guiarlo a destino y que toque suelo en aterrizaje forzoso. Interpelado sin embargo el capitán Brady (Ben Radcliffe), a cargo de la aeronave, lo cubre con que se trató de un error técnico, pero quienes saben la verdad se burlan de Crosby por haber elegido el “recorrido turístico”.
Cita con la Realidad
Lo ocurrido hace que también sea llamado al orden Gale, pues que un avión se separase tanto del resto implica que el escuadrón se movía de forma anárquica y no como unidad. Aceptando su responsabilidad, pide entonces ser degradado (en realidad lo que quiere es ser asignado a misiones), pero el coronel Huglin (Nikolai Kinski, hijo de Klaus) no se lo acepta. Consigue, no obstante, un papel más activo en próximas acciones aéreas: está claro que para sentirse responsable por sus hombres, necesita estar con ellos.
La primera misión llega en mayo de 1944 y consiste en atacar bunkers de submarinos alemanes en el puerto de Bremen, ya que los mismos impiden el correcto aprovisionamiento de las fuerzas aliadas. Pero las cosas no ocurren según lo previsto: otra vez las nubes son una complicación al punto de hacer casi chocar a dos aviones propios entre sí y después, claro, el fuego de la artillería alemana termina haciéndolos regresar con tres aviones menos y sin haber bombardear el objetivo.
Ese episodio marca para Gale su primer contacto serio con la realidad de la guerra, que no se parece en nada a los ejercicios en Nebraska. Se han perdido vidas. Y de gente a la que conocía bien. Definitivamente, la contienda no es lo que se ve desde América…
Métodos Opuestos
La pérdidas les han pegado duro a Gale y a John, quien se emborracha y protagoniza sobre el ala de un bombadero un episodio bochornoso en el que pide al teniente Curt Biddick (Barry Keoghan) que lo golpee. Ello le vale sumario y degradación, pero no es el único conflicto…
Durante la noche y en un pub cercano, oficiales estadounidenses se encuentran con colegas de la RAF y lo que parece tertulia amistosa acaba en ironías, chanzas y roces. Uno de ellos critica el método americano de realizar bombardeos de precisión durante el día, lo cual dice que es suicida y llevará a que se sigan perdiendo aviones y hombres como en Bremen. La táctica británica, en cambio, es realizar bombardeos de área durante la noche, seguramente con más bajas entre los moradores, pero menos en la propia fuerza.
Se trata, claro, del choque entre la falta de experiencia americana y la que sí tienen los británicos que, con cuatro años encima de luchar en el aire contra los alemanes, ven a los estadounidenses como jóvenes inexpertos. Pero el tono soberbio lleva a golpes de puño, aunque es el inglés quien los recibe sin asestar siquiera uno.
Aterrizaje Forzoso y Carrera de Bicicletas
La siguiente misión tiene lugar contra los astilleros de Noruega y los americanos insisten con los ataques diarios. Crosby, quien en principio no iba a formar parte, termina a último momento en el avión de Curt por tener que reemplazar de urgencia a su navegante. Ello, obviamente, le remueve traumas en relación con los mareos y el episodio en que se salvaran por milagro de ser derribados en Francia.
De hecho, vuelve a tener mareos y si bien la incursión tiene éxito en alcanzar sus objetivos, el fuego antiaéreo alemán se convierte en una pesadilla y el avión en que viaja tiene que terminar, en condiciones calamitosas, haciendo un aterrizaje de emergencia en Escocia. Curt, sin embargo, felicita a Crosby por haber salvado a la aeronave y su tripulación…
Entretanto, los que lograron volver a la base celebran la victoria con una carrera de bicicletas en la que terminan todos en el suelo, pero deben súbitamente correr a esconderse porque suenan las sirenas antiaéreas.
Mientras miran el cielo encenderse como un espectáculo de fuegos artificiales, Gale reflexiona sobre lo bello que se ve de no ser por el contexto (me trae recuerdos del testimonio real de algún piloto que comparaba las bombas al caer con flores abriéndose). Explica además que su padre era bebedor compulsivo y de allí su rechazo por la juerga y también dice que los ingleses tienen razón en cuanto a lo suicida de los ataques diurnos: no lo admitió en su momento porque no le gustó el tono del sujeto al decírselo…
Balance de los Dos Primeros Episodios
La comparación con las dos series previas es inevitable y vistos estos dos primeros episodios, podemos encontrar nexos pero también claras diferencias. Por lo menos hasta aquí, Los Amos del Aire no llega al realismo desgarrador y casi documental que tenían tanto Hermanos de Sangre como The Pacific. Tres razones casi inherentes confluyen para explicarlo:
La ausencia de testimonios directos: ver los rostros de los protagonistas u oír sus verdaderas voces tenía, desde ya, otra fuerza de impacto. Pero ya hemos hablado de que eso es hoy difícil cuando los involucrados están muertos o rondando el siglo de vida.
La lucha en el aire y en ambiente cerrado: aun cuando no falten sangre ni momentos traumáticos, no está aquí tan presente el horror en primer plano de las otras series mencionadas. Desde ya que la sensación de claustrofobia es angustiante, per cuando alguien muere en un avión, simplemente es abrasado por el fuego en segundos o cae a tierra con el mismo y no hay demasiado lugar para mostrar cuerpos horriblemente mutilados o desmembrados.
El uso de cgi: reproducir hoy en día la lucha en el aire no es lo mismo que en tierra. No hay aviones disponibles de la época o están demasiado vetustos para un rodaje. Ello hace inevitable que, por muy buena factura que tengan las batallas aéreas, siempre está presente la sensación de que lo que vemos no ocurre realmente, mientras que en Hermanos de Sangre o The Pacific estábamos inmersos en la batalla misma.
Todas esas cuestiones hacen a Los Amos del Aire por lo menos diferente a las series mencionadas: en algún punto es mayor la sensación de que estamos viendo una ficción, aun a pesar de estar basada en hechos reales. Ello no es, desde luego, un problema, pero sí una cuestión que hace que Los Amos del Aire deba ser vista con diferente óptica y no esperando, por ejemplo, encontrarse con Hermanos de Sangre, aun cuando el planteo ético sobre el horror de la guerra esté también presente.
Lo que sí es un problema, por lo menos a la vista de estos dos primeros episodios, es la cantidad de personajes introducidos. Mientras que en Hermanos de Sangre teníamos básicamente un capítulo dedicado a contar la historia de cada uno, aquí entran todos en cuadrilla (por supuesto, je) desde el inicio y eso nos hace difícil familiarizarnos con ellos o tan siquiera separarlos e identificarlos.
Sorprende, en tal sentido, una tendencia que se acentúa en los últimos tiempos, que es la de representar a oficiales o soldados estadounidenses con actores que no lo son. Haciendo un recuento de las menciones al elenco en este artículo me encuentro con que los únicos de esa nacionalidad son Austin Butler e Isabel May. Callum Turner es británico y lo mismo Anthony Boyle, Ben Radcliffe o Raff Law (hijo de Jude), a quien no he mencionado. Barry Keoghan es irlandés y Nikolai Kinski nació en Francia, aunque se crió en los Estados Unidos desde su infancia.
Ignoro la razón de ello pero llama la atención y, en todo caso, deviene en que mientras algunos imitan muy bien el acento del medio oeste norteamericano, otros (como Keoghan, de quien se supone que su personaje ha nacido en Wisconsin) no suenan ni cerca…
Y Austin Butler que, paradójicamente sí es estadounidense, debería ser por alguien puesto al tanto de que no todos los americanos hablan como Elvis, pues pareciera haberse quedado en ese personaje. Así y todo, las actuaciones están en general muy bien, destacándose especialmente Boyle en el papel de ese navegante inseguro y lleno de traumas y culpas.
Pero de todas formas, sacando su caso y el de algún otro, no llego a ver todavía en la serie la ambigüedad moral que caracterizaba a muchos personajes de Hermanos de Sangre o The Pacific ni el tipo de cuestionamientos que se hacían…
Existe, sí, la frustración ante la realidad de la guerra y la imposibilidad de celebrar cuando acaban de morir amigos, pero falta, al menos hasta aquí, aquella cuestión existencial de sentir también culpa por las víctimas civiles o las muertes del enemigo. Quizás sea algo que cambie con el devenir de los capítulos pero, una vez más, el contexto es diferente: cuando arrojas una bomba desde un avión, no estás viendo las muertes o las mutilaciones que provocas y ya sabemos que “ojos que no ven, corazón que no siente…”
La producción, no hace falta decirlo, está a la altura y muy lograda la ambientación de época, un punto en el cual diría que la serie me hizo sentir aun más en los cuarenta que sus antecesoras, especialmente en cuanto a vestuarios, peinados, música y ambientes de bar. De hecho, toda la serie destila un aire retro desde la fotografía misma y está contada a la “vieja usanza”: una diferencia más con las otras dos.
Párrafo aparte para la música, en este caso a cargo de Blake Neely, quien ya había estado en The Pacific. El tema de apertura es tan épico que pareciera exagerado para la serie y ser más bien cinematográfico. El de los créditos finales es también bellísimo, pero una pena es que, como suelen hacer las plataformas, lo corten rápidamente para pasar al próximo episodio o avance sin dar casi tiempo de tomar el control remoto (lo cual, desde luego, es la idea). Se los dejo para hacer algo de justicia…
En el balance de estos dos primeros episodios, Los Amos del Aire pinta bien, más allá de que aún le falte ritmo y de que, como hemos dicho, haya demasiados personajes. Habrá que ver si, con el correr de los episodios, esas falencias van quedando atrás. Y aun cuando sean inevitables las comparaciones con Hermanos de Sangre o The Pacific, hay que entender que sus mismas características le dan un tono diferente a pesar de apuntar hacia un mismo concepto central.
Dato de color: los tripulantes de uno de los B-17 dicen que hay en los motores un “gremlin” que no pueden encontrar. Esa palabra, desde ya, nos remite a las películas de Joe Dante, pero recordemos que los gremlins son criaturas míticas que tienen por desagradable costumbre destruir todo tipo de maquinaria y, en efecto, era común entre los pilotos de la RAF adjudicarles desperfectos inesperados en aviones. Desconocía (si realmente fue así) que también lo hicieran sus pares americanos.
Otro dato: Barry Keoghan no es primerizo en la Segunda Guerra Mundial, pues estuvo a las órdenes de Christopher Nolan en Dunkerque, solo que por una cuestión de edad no hacía allí de combatiente sino del hijo adolescente del propietario de la pequeña embarcación en que era rescatado el piloto interpretado por Cillian Murphy (otro irlandés). Decir más sobre su rol en esa película sería spoiler (si la han visto me entenderán).
Y ya que hablamos de Keoghan, quizás muchos no lo recuerden, pero ha estado en The Batman. ¿Cómo??? Sí, pero volvemos a lo del spoiler y no puedo decir a qué personaje interpreta en la película de Matt Reeves por ser una de las sorpresas que la misma reserva para el final…
El último dato de color quizás sea más bien para revistas del corazón (vaya antigüedad: ¿siguen existiendo?) y es que Callum Turner es conocido por la serie Glue y las películas de Animales Fantásticos, pero quizás hoy lo sea más por ser pareja de Dua Lipa…
A ver qué nos depara el tercer episodio. Hasta entonces y sean felices…
