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Diez Reconocidos Actores que interpretaron al Zorro

Por estos días se halla disponible en Prime Video una nueva serie sobre el legendario justiciero enmascarado y la oportunidad es propicia para hacer repaso de algunos de los más importantes actores que han dado vida al Zorro en la pantalla, ya sea para cine, televisión o streaming. Desde ya que con la infinidad de versiones que existen, el listado no busca ser completo pero sí representativo.

No cabe duda de que el Zorro es no solo uno de los personajes de ficción más reconocidos a nivel mundial sino también de los más versionados e incluso sobreexplotados. Creado por el escritor Johnston McCulley para su novela corta La Maldición de Capistrano (1919), el justiciero enmascarado de fines del México colonial llegó muy rápidamente al cine (de hecho al siguiente año), conociendo desde entonces infinidad de encarnaciones.

Algunas de las películas han transitado lo insólito o lo bizarro, con títulos como Zorro en la Corte de Inglaterra, El Zorro al Servicio de la Reina, Zorro contra el Imperio de Napoleón, El Fantasma del Zorro, El Zorro y los Tres Mosqueteros, Los Sobrinos del Zorro o Zorro contra Maciste, en donde, ignorando cualquier contexto temporal o geográfico, se lo encaraba con uno de los más famosos personajes de películas péplum clase B. Filmes que, por lo general, venían de Italia y que aprovechándose seguramente de alguna laguna del derecho internacional, no pagaban una sola moneda por la utilización del personaje.

Y si es por rarezas, no podemos dejar de mencionar la telenovela colombiana El Zorro, la Espada y la Rosa, resonante éxito de público en 2007 en el cual el personaje era interpretado por el actor peruano Christian Meier y que se basaba muy libremente en la novela de Isabel Allende titulada El Zorro: Comienza la Leyenda. O la serie animada alemana Zorro Generación Z (2006), que ubicaba a un bisnieto de Diego de la Vega en un futuro próximo y teniendo incluso una moto en lugar de un caballo.

Con tantas versiones, es lógico que a lo largo de la historia del cine, la televisión o el streaming hayan sido muchos quienes lo interpretaron, así que, aprovechando el reciente estreno en Prime Video de una nueva serie dedicada al personaje y en la cual el mismo es encarnado por el valenciano Miguel Bernardeau (Élite), hacemos repaso de los diez actores más emblemáticos que le han dado vida. Y no está Bernardeau…

Douglas Fairbanks (1920 y 1925)

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Fue el primer Zorro en la pantalla y solo por ello merece (muy apropiadamente) sacarse el sombrero. La Marca del Zorro, película muda de 1920 de la la cual también coescribió el guion, fue la primera adaptación cinematográfica basada en el personaje creado por Johnston McCulley, además de la que introdujo el traje que sería característico de allí en más, tanto que el propio escritor lo adoptaría para posteriores historias.

Fairbanks fue uno de los grandes espadachines del cine de Hollywood, además de famoso por sus acrobacias, siendo precisamente esta película la que marca su paso de las comedias al cine épico y de acción que le tendrían como estrella indiscutida hasta la llegada del sonido.

En la misma, interpreta a Diego Vega que, tomando la identidad del Zorro, protege en la California española a los pobladores humildes de los abusos de un corrupto gobernador y del malvado capitán que le asiste. No faltan el romance y el triángulo amoroso porque Lolita, la joven de su interés, es también pretendida por ese mismo capitán contra el cual lucha.

Fairbanks, además, volvió a interpretar al personaje en una secuela también muda de 1925, la cual, titulada Don Q, el Hijo del Zorro, transcurría varios años después y el actor, en lugar de encarnar a Diego Vega, daba esta vez vida a su hijo César.

Tyrone Power (1940)

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Sin duda una de las grandes estrellas de la época de oro de Hollywood. En 1940 protagonizó la película El Signo del Zorro (La Marca del Zorro en algunos países) que, dirigida por Rouben Mamoulian, era una suerte de remake de la que había protagonizado Douglas Faibanks en 1920. Recuerdo haberla visto muchas veces de niño, ya que en televisión tenían por costumbre repetirla bastante seguido.

Tyrone Power no puede hacer las acrobacias de Fairbanks, pero sí tiene una gran formación en esgrima y lo mismo Basil Rathbone, que interpreta a su antagonista en la película: el duelo final entre ambos es memorable y una de las mejores escenas de lucha de espadas en la historia del cine. Además y fiel a su estilo, logra dar al personaje una presencia avasalladora y un aire seductor, permitiéndose en la película coquetear tanto con la sobrina del malvado gobernador Quintero como con su propia esposa.

Aunque ya existía el cine en color, la cinta está rodada en blanco y negro más allá de que haya tenido después alguna versión coloreada. Es, por cierto, la película que el pequeño Bruce Wayne y su familia terminan de ver en el célebre cómic del gran Frank Miller titulado El Regreso del Caballero Oscuro (1986), justo antes del celébre y luctuoso episodio del callejón del crimen. Así también aparece en la película Batman v Superman: El Amanecer de la Justicia, dándose en ambos casos por sobreentendido que el Zorro habría inspirado al joven Wayne a ser Batman. En el cómic original de Bob Kane y Bill Finger no había tal referencia porque la película aún no existía.

Guy Williams (1957-1959)

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Hace pocos días se cumplieron cien años de su nacimiento y para muchos es el rostro más emblemático del Zorro, al que interpretó en la clásica serie de Disney entre 1957 y 1959. Con perdón de las grandes luminarias que lo han interpretado, Guy Williams (cuyo verdadero nombre era Armando Catalano) es el Zorro por excelencia y si esto hubiera sido un ranking ocuparía el primer puesto.

Fue, de hecho, el que mejor logró recrear la radical diferencia de personalidad entre Diego de la Vega y el Zorro. Sabía esgrima desde los siete años y ello, además de ser latino y atractivo, le valió ganar el casting, siendo incluso el propio Walt Disney quien lo entrevistó y le sugirió que se dejara un bigote “no muy largo ni muy grueso”, tal como le vimos usar siempre en la serie que, por cierto, fue un éxito arrasador e incluso llevó a los primeros puestos en ventas al también icónico tema de apertura.

Falleció en Buenos Aires en 1989, víctima de un aneurisma cerebral. Vivía allí desde hacía algunos años porque amaba Argentina, que lo idolatraba como a un hijo propio. Hasta apareció en televisión junto al actor cómico Jorge Porcel (mismo que un día sería Sasso en Carlito´s Way), uniéndosele con traje y todo en un sketch que representaba una parodia llamada “Sorro”, con S en lugar de Z. Recuerdo de mi infancia ese momento como si fuera ayer.

Incluso iba a protagonizar en dicho país una película escrita por él mismo y titulada tentativamente El Zorro, Vivo o Muerto, en la cual compartiría cartel con el prestigioso actor local Alfredo Alcón, que daría vida al pérfido capitán Monasterio. Diferencias creativas en la producción hicieron que no se concretara y es una pena porque hubiera sido para Williams su única encarnación del Zorro en cine (recuerdo una de Disney, pero editada a partir de episodios televisivos).

Eterna vida a Guy, Zorro con todas las letras, pero sobre todo con la Z…

Tony Russell (1965)

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Como no podía ser de otra forma, el Zorro tuvo sus versiones spaghetti western, tal el caso de El Zorro cabalga otra vez, también conocida como Detrás de la Máscara del Zorro y al menos una docena de títulos más según países. Tony Russell (a veces también acreditado como Russel), fue un actor italiano cuyo verdadero nombre era Antonio Russo y que en su momento había perdido contra Guy Williams el casting de la serie de Disney. Aun más mala suerte le cupo cuando rechazó el papel que después tomaría Clint Eastwood en Por un Puñado de Dólares y quizás tantas frustraciones lo llevaron a querer desquitarse aceptando el papel del Zorro en esta producción ítalo-española dirigida por Ricardo Blasco.

Sin ser un gran filme (la fotografía es especialmente mala), es divertido y tiene de original que, a diferencia de prácticamente todas las versiones que llevaron a la pantalla al justiciero, la identidad de este no se sabe desde un principio sino que se juega con el misterio durante buena parte de la cinta (obviamente el personaje no es Diego de la Vega porque de ser así no habría misterio).

Frank Langella (1974)

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Una para televisión, pero en película. Frank Langella es un prestigioso actor de fuerte base en el teatro, pero que quizás en el cine sea más recordado por interpretar a Drácula, Sherlock Holmes o Skeletor. Pues la cuestión es que también fue el Zorro, aunque muchos no lo recuerden, quizás porque la producción televisiva que lo tuvo como intérprete no mostrara la suficiente personalidad para despegarse de la película de 1940 a la cual lisa y llanamente hacía de remake mucho más que a la de Fairbanks en que la misma se inspiraba.

De hecho, no solo repite título (El Signo del Zorro o La Marca del Zorro según países), sino también prácticamente el mismo guion pero más comprimido y hasta echa mano de la banda sonora compuesta para aquel filme por Alfred Newman (no, no es de las cubiertas de la revista Mad, que además era Neuman). Todo ello confluye en una película tan minuciosamente calcada que difícilmente pueda ser demasiado recordada, no obstante lo cual Langella entrega una actuación acorde a su talento (aunque no al nivel de las que tendrá después) y quizás lo más interesante del filme sea Ricardo Montalbán componiendo al capitán Esteban, su antagonista.

Por otra parte, la máscara que luce el Zorro, con enormes agujeros para los ojos , es una de las más extrañas que se le han visto

Alain Delon (1975)

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Después de muchas películas clase B sobre el Zorro sin pagar derecho alguno, los italianos finalmente decidieron hacer una con todas las de la ley dejando la dirección en manos de Duccio Tessari, reconocido guionista de spaghetti western que había coescrito Por un Puñado de Dólares junto a Sergio Leone. El título elegido era simplemente El Zorro y la compañía a cargo la filial europea de United Artists, firma fundada alguna vez por Douglas Fairbanks, primero en interpretar al personaje.

Para el papel principal se decidió convocar a Alain Delon, actor carismático y galán si los había en esos años. La película fue un gran éxito comercial y tenía de distinto que Diego de la Vega asumía la identidad del Zorro para vengar a un amigo que, a su vez, le había hecho prometer que haría justicia sin matar a nadie.

Personalmente la recuerdo de mi niñez con mucho cariño por ser la primera que me mostró al personaje en cine (las otras versiones, aun las de pantalla grande, las había visto en televisión): hasta tuve en mis manos la adaptación a cómic que vaya a saber ahora por dónde andará si es que ha sobrevivido.

Viéndola hoy objetivamente, no es el trabajo por el que mejor vaya a ser recordado Delon, en parte porque no tenía el humor necesario para el tono paródico del filme y además porque quiso hacer las escenas de esgrima por su cuenta sin tener la menor idea de cómo sostener una espada, lo cual en el filme se nota, al punto de ser más lo que golpea con el pomo que con la hoja. Amén de ello, la película es muy entretenida.

George Hamilton (1981)

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¿Zorro gay? También lo hubo. Zorro, the Gay Blade es una película de Peter Medak que tuvo en su momento las más insólitas traducciones al español para eludir connotaciones homosexuales en el título. En España fue conocida como Esos Zorros Locos, Locos, Locos y en otros países como La Última Locura del Zorro (en un tiempo se estilaba en títulos en español incluir la palabra “loco” o “locura” para que el público entendiera que se trataba de una comedia). Más cerca del espíritu original, también tuvo como título El Zorro Rosa y en la Argentina de la dictadura, de manera inesperada, se tradujo literalmente como Zorro, La Espada Gay.

Tras morir su padre de idéntico nombre, Diego de la Vega recibe de este una herencia que incluye el antifaz, capa y espada del Zorro, con lo que descubre que su progenitor era el famoso justiciero y comprende que debe continuar su legado. Lo hace durante algún tiempo, pero una lesión en el pie le obliga a salir del ruedo y ello provoca que el gobernador y el capitán de la guarnición local tengan vía libre para sus arbitrariedades. Buscando reemplazo, contacta a su hermano gemelo Ramón, quien es homosexual y acepta la responsabilidad, aunque cambiando el clásico traje de negro a rosa.

Tratándose de gemelos, George Hamilton interpreta en esta película a ambos hermanos y entrega una actuación diferente, divertida e irreverente. Y otra vez un nexo con Batman: así como Frank Miller incluyó en El Regreso del Caballero Oscuro que los Wayne salían de ver La Marca del Zorro en versión de 1940, en la película Joker (Todd Phillips, 2019), las marquesinas del cine muestran que el filme que acaban de ver es justamente Zorro, the Gay Blade, en doble programa con Blow Out.

Duncan Regehr (1990-1993)

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Pocos se acuerdan de que, además de la clásica de Disney y las animadas, existió otra serie sobre el Zorro que, con cuatro temporadas, fue emitida entre 1990 y 1993. Quizás la razón sea que, a diferencia de su antecesora live action, es una serie más claramente dirigida a un público infantil.

El canadiense Duncan Regehr hace una digna interpretación más allá de sus pocas habilidades como espadachín; de hecho, usa más los puños que la espada y suele terminar los duelos dejando inconsciente al rival con un golpe.

Desde ya que las comparaciones con Guy Williams y la serie de los cincuenta jugarán siempre en contra, pero es una propuesta que justamente debe ser vista como destinada a un público de menor edad e introduciendo algunas cuestiones originales como la presencia de un personaje femenino permanente y que el ayudante mudo del Zorro (llamado Felipe en lugar de Bernardo) sea un adolescente al que él ha criado.

Y siguiendo con los nexos con Batman, en uno de los episodios aparece Adam West y el apellido de su personaje es Wayne…

Antonio Banderas (1998 y 2005)

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Siendo el Zorro el más hispánico de los héroes de Hollywood, era justo que un español se pusiera en su piel y ese fue el caso de Antonio Banderas en la película La Máscara del Zorro que, dirigida por Martin Campbell, traía nuevamente el personaje a la pantalla grande después de una larga ausencia.

Se trata de una relectura muy especial, ya que Banderas interpreta aquí al bandido Alejandro Murrieta, entrenado por un Zorro ya en retiro (Anthony Hopkins) para suplantarle. Gracias a su experiencia previa en comedia, aportó la cuota de humor justa (esa misma que le faltaba a Delon, por ejemplo) y se entrenó junto al equipo de esgrima olímpico de España, así como también con Bob Anderson, esgrimista profesional que fuera doble de riesgo para el personaje de Darth Vader en dos películas de la saga Star Wars.

Si quieren saber más sobre la película, les remito al retro-análisis que yo mismo he hecho para esta web hace algunos días y solo diré que Antonio compuso probablemente al mejor Zorro del último medio siglo y, sobre todo, devolvió frescura a un personaje que volvería a interpretar en 2005 en la secuela titulada La Leyenda del Zorro, divertida pero menos lograda.

Anthony Hopkins (1998)

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No podemos dejar de mencionarlo desde el momento en que La Máscara del Zorro fue una película con la particularidad de tener dos zorros. A pesar de su caballeresco aspecto británico y de tener poco de latino, logra darle a su papel de don Diego el toque de honor y estilo señorial precisos como para ser el mentor de un tosco Alejandro Murrieta al que busca y logra convertir en su sucesor . Y también él, al igual que Banderas, recibió entrenamiento de esgrima por parte de Bob Anderson. Vuelvo a decir que si quieren saber más sobre la película, pueden ir a mi retro-análisis.

Bien… y este ha sido el listado. Recordemos además que el actor mexicano Gael García Bernal dará también vida al personaje en una próxima película dirigida por su compatriota Jonás Cuarón (hijo de Alfonso), la cual tendrá la particularidad de ubicar al clásico héroe en un contexto apocalíptico.

¿Cuál es tu zorro preferido? ¿Tienes especial recuerdo de alguna de estas interpretaciones o de otra que consideres que debería haber sido incluida? ¿Estás viendo o has visto la nueva serie sobre el personaje? Si es así, ¿qué te ha parecido? (en breve, análisis de mi compañero Pedro).

Les leo. Hasta la próxima y sean felices…

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Reseña de El trono de huesos de dragón. Añoranzas y pesares I de Tad Williams

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El trono de huesos de dragón es la primera novela de Tad Williams de su saga Añoranzas y pesares. Una saga compuesta actualmente por 4 libros y que se escribió a finales de los años 80 para acabar en los 90, aunque se realmente se publicó entre 1990 y 1994. Y digo que actualmente se compone de 4 libros porque al principio era una trilogía, pero se optó por dividir la parte final en dos novelas. Cosas de los editores.

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Y realmente esto de tener éxito, en la vida o como novelista, creo que se trata muchas veces de suerte o de caer en el momento exacto incluso por encima de tener talento. Si, tener talento es importante, pero con que tengas suerte o estés bien relacionado puede valer.

Las novelas de Tad Williams, empezando por El trono de huesos de dragón, son fantásticas, maravillosas, pero el problema es que exceptuando el pequeño y reducido número de lectores de la época, y algún que otro despistado, casi nadie tiene conocimiento de esta obra. Ahora, con el pleno auge de la fantasía a nivel mundial, Minotauro está aprovechando para sacar la reedición de esta obra, y supongo que así mucha más gente, y sobre todo gente joven, podrá descubrir esta maravilla que para ellos es totalmente desconocida.

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Y para eso también estamos nosotros aquí. Desde Las cosas que nos hacen felices escribimos reseñas de grandes obras, a veces conocidos y a veces no tanto. Si nos basamos en clásicos de la literatura fantástica, nos tenemos que ir irremediablemente a las novelas, al universo de J.R.R. Tolkien, que es un poco el principio de todo. Pero por el camino nos dejamos otras muchas como la que hoy escribimos de Tad Williams. Y es que El trono de huesos de dragón y sus secuelas llegaron antes de su tiempo. Sin esta novela George R.R. Martín no hubiera escrito la saga de Canción de hielo y Fuego, más conocida actualmente como Juego de Tronos. El mismo autor lo reconoce, pero sin embargo, como antes dije el nombre de Tad Williams fuera del ámbito de la fantasía, cae en el ostracismo.

Por eso decía al inicio que aunque tengas talento, si no tienes amigos o suerte, de poco te va a servir. Porque Añoranzas y pesares es una saga a la altura de las grandes del género, pero quizás se encuentre a medio camino entre lo clásico de Tolkien y lo moderno de Brandon Sanderson. Incluso la lectura y la escritura así lo destilan, y eso puede llevar a alguna persona a hartarse de la narración, dónde casi todo el desarrollo pesa sobre un mismo personaje y es lineal. Además, el gusto por recrear y explicar los detalles del entorno, y de la acción, puede resultar más cansino para un lector actual. Por todo ello digo que estamos ante una lectura excelente pero a medio camino entre lo clásico y lo moderno.

Una maravillosa historia que  se publicó cuando la fantasía, como género no era tan importante como hoy en día.

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Reedición de esa saga de Fantasía épica.

El trono de huesos de dragón tenía el aspecto de un extraño altar, rodeado de brillantes y volátiles motas de polvo y franqueado por las estatuas de los seis Reyes Supremos de Hayholt. Los huesos de dragón con los que se había construido eran tan grandes y estaban tan pulidos que relucían pálidamente como piedras bruñidas. El respaldo del trono estaba formado por siete amarillentas costillas, y, suspendido del respaldo del gran trono, colgaba el cráneo y las mandíbulas del dragón Shurakai. Las cuencas de los ojos eran oscuras ventanas rotas y los curvilíneos dientes eran tan grandes como la mano de un hombre. El cráneo del dragón tenía el color de los pergaminos viejos y se apreciaban múltiples hendeduras, pero en él había algo vivo…, algo terrible y maravillosamente vivo.Este primer volumen de la trilogía Añoranzas y Pesares recuerda irremediablemente a Tolkien, pues muchas situaciones guardan cierto paralelismo con El Señor de los Anillos. La historia comienza cuando una gran guerra, alimentada por los oscuros poderes de la brujería, está a punto de estallar en la pacífica tierra de Osten Ard, después de la muerte del Rey Supremo que había aniquilado al terrorífico dragón Shurakai. Sólo un pequeño grupo, la Liga del Pergamino, puede intentar salvar el reino mediante la búsqueda de tres espadas de poder, perdidas hacía mucho tiempo, y que lo enfrentará a enemigos salidos de las peores pesadillas de los creadores de leyendas.

Os dejo el enlace a la editorial y debajo de estas líneas la portada de la edición española de Minotauro.

El trono de huesos de dragón

Un saludo y sed felices

Retro-Análisis: Christine (1983)… John Carpenter, Stephen King y un Auto Endemoniado

En nuestro retro-análisis de hoy, revisionamos Christine, filme de 1983 que representó la única oportunidad en que un maestro del terror indiscutido como Stephen King fue llevado a la pantalla por otro como John Carpenter.

Que lo que nos aterra nos fascina es una verdad más vieja que el psicoanálisis y si no fuera así, no existirían las montañas rusas, el sadomasoquismo o el género de terror. Christine, película de 1983 dirigida por John Carpenter y basada en una novela para ese entonces recién salida del horno de Stephen King es una cabal demostración de ello: celebra el amor y culto por los autos antiguos a la vez que los muestra, particularmente a uno, tan aterrador como el peor espectro o demonio.

Esa mezcla de devoción y terror por los autos tiene muchos ejemplos en la literatura de King e incluso alguno en su propia vida. En sus historias son frecuentes los accidentes de tránsito y basta con recordar La Zona Muerta, Cementerio de Animales o Misery, por nombrar algunas. Y en su vida personal, el propio escritor fue en 1999 víctima de uno del que se salvó por milagro e incluso después compró el vehículo que lo había atropellado solo para hacerlo compactar, final muy parecido al del filme que hoy nos ocupa.

Una Dupla Poderosa

Aunque parezca mentira, Christine fue la única adaptación de King dirigida por Carpenter: cuesta creer que tamaños maestros del terror no se hubieran encontrado antes ni lo hayan vuelto a hacer después. Si están pensando en La Niebla (1980), conviene aclarar que esa película de Carpenter no guarda relación alguna con la novela de King que conocemos en español con idéntico título (en inglés original son respectivamente The Fog y The Mist) y que ha tenido sus propias adaptaciones al cine y al medio televisivo, pero ninguna a cargo de Carpenter.

También es bueno recordar que el director estuvo al principio involucrado en la adaptación de Ojos de Fuego que, con Drew Barrymore como protagonista, vería la luz en 1984, pero problemas financieros de la productora hicieron imposible pagarle y se acabó optando por Mark L. Lester, quien finalmente la dirigió. Ello hizo que Carpenter estuviera disponible al momento de ser convocado por el productor Richard Kobritz, quien sí tenía experiencia con King por haber dirigido El Misterio de Salem´s Lot, miniserie televisiva de 1979 que adaptaba la novela publicada en España con idéntico título.

De hecho y a pesar de que luego valoró tanto la experiencia como la película, Carpenter ha destacado en más de una oportunidad que Christine fue más un trabajo que tomó que un proyecto propio, algo muy semejante a lo que ese mismo año hizo David Cronenberg con La Zona Muerta (aquí retro-análisis).

En realidad fue Kobritz quien quedó encantado con el manuscrito que King le hiciera llegar incluso antes de su publicación (la cual, por cierto, acabaría teniendo lugar solo ocho meses antes del estreno del filme). Lo paradójico fue que, de igual modo que Cronenberg con la suya, Carpenter dotó a su película de un tono claramente propio, siendo su sello personal altamente reconocible tanto en la narrativa como en la estética y en la música.

La Historia

La película comienza en una fábrica de autos de los años cincuenta en donde se está ensamblando un Plymouth Fury último modelo (King no pudo haber elegido un modelo con mejor nombre). Pero ya se advierte que hay algo extraño con el auto: daña con el capó la mano de un operario y asesina a otro asfixiándolo con monóxido de carbono en el interior del habitáculo.

De allí nos trasladamos a fines de lo setenta y conocemos a Arnie (Keith Gordon), un clásico loser de colegio secundario al que nada le sale bien: tiene una complicada relación con sus padres, es ignorado por las chicas y sufre permanente bullying de parte de los matones de la escuela.

Su vida cambia cuando en una vivienda de las afueras ve un maltrecho auto en venta y no es otro que el Plymouth Fury 1958 que nos mostraran al principio. A pesar de que su amigo Dennis (John Stockwell) intente disuadirlo, Arnie acaba comprándolo por doscientos cincuenta dólares a un hombre al cual el vehículo le había quedado de su hermano fallecido y que, al parecer, siente alivio de sacárselo de encima.

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Los padres no le permiten a Arnie tener el auto en casa, por lo que termina negociando con el propietario de una chatarrerra local ofreciéndole a cambio su trabajo. Una vez allí, se dedica a restaurar el auto hasta ponerlo a nuevo y de pronto su personalidad es otra. Ahora, Arnie es exitoso y seguro; hasta consigue cita con Leigh (Alexandra Paul), la chica nueva que anda rompiendo corazones en el colegio.

Pero el auto se comporta de modo extraño. La radio se enciende sola y únicamente reproduce música de rock n´roll o rhythm and blues de los años cincuenta, pero además el vehículo parece tener vida propia y actuar, según las circunstancias, de modo celoso, posesivo o vengativo. Si con eso no bastara, también es capaz de repararse a sí mismo cuando con mala intención alguien lo daña y, haciendo honor a su nombre, puede mostrar mucha, pero mucha furia en la venganza…

Además, se advierte una simbiosis cada vez más fuerte con su dueño Arnie, lo cual hace que el auto acabe siendo un peligro no solo para sus enemigos sino también para sus amigos, sobre todo en la medida en que estos pretendan hacerle entender que el auto lo está dominando y consumiendo…

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El Verdadero Protagonista

Aun cuando, como dijimos al principio, Carpenter haya tomado esta película por encargo, durante su hora y cincuenta minutos de metraje demuestra claramente por qué es Carpenter.

No es que no hubiera antes películas de autos poseídos o con vida propia, siendo el antecedente más cercano The Car (Elliot Silverstein, 1977), destrozada por la crítica pero exitosa en taquilla y en la cual un Lincoln Continental andaba asesinando gente sin nadie al volante. También recuerdo un episodio de esa gloriosa serie que fue The Twilight Zone, en el cual un Ford Fairlane cobraba vida y se volvía contra un empresario que se había dado a a la huida tras atropellar a un niño.

Pero lo que Carpenter consigue es otra cosa: logra que veamos al auto como una criatura que nos aterra pero de la cual no podemos apartar la vista. Las tomas que hace del mismo, sublimadas por la fotografía de Donald Morgan, son casi el equivalente de las que Roger Vadim hiciera de Brigitte Bardot o David Lynch de Laura Dern: enamoramiento puro. Y no es tan delirante la analogía femenina: su comportamiento, por momentos, hace acordar a una adolescente caprichosa teniendo una rabieta de celos y no en vano Leigh dice sentir que “es una chica…”

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Pero además, representa para Arnie todo lo que él no puede ser. No olvidemos que los autos han sido asociados muchas veces a una sensación de “falsa libertad” al crearnos la idea (ilusoria por cierto) de que, a diferencia de los trenes, pueden ir por donde les plazca.

También han sido vistos como signos de poder (Roland Barthes los consideraba el equivalente de las catedrales góticas) y expresión de individualismo ya que (una vez más a diferencia del tren) permiten incluso viajar en soledad y, si se quiere, con vidrios polarizados y música a todo volumen para perder todo contacto con el mundo circundante. Para Arnie, un perdedor nato, Christine es exactamente eso: sensación de libertad, símbolo de poder y afirmación individual.

Pero cuando uno piensa en una película de terror basada en un auto, lo primero que a priori nos viene a la cabeza es que el margen para el susto es muy acotado. El propio Carpenter declaró que en un primer momento no había encontrado a la novela demasiado aterradora y la verdad es que no se nos ocurren muchos modos en que un auto pueda matar a alguien más que atropellando o embistiendo. Sin embargo, hay que ver el filme para comprobar cuántas formas diferentes puede haber de hacerlo.

Las escenas en las que Christine acecha a sus víctimas, sobre todo hacia la segunda mitad del filme, son verdaderamente antológicas y hay dos que se destacan: una es cuando persigue a uno de los matones del colegio en un callejón más estrecho que el auto, pero aun así se las arregla para abrirse camino, y la otra es el duelo final contra una topadora, de algún modo premonitorio de Maximum Overdrive (1986), fallida experiencia de Stephen King como director algunos años después.

Además, y como ocurre con el personaje de Carrie, Christine nos despierta en algún punto empatía y hasta simpatía cuando se ensaña con los imbéciles que hacen la vida imposible a Arnie, pero no tanto cuando se lo toma con Dennis o Leigh, de quienes interpreta que quieren apartarlo de «ella».

Un Sólido y Juvenil Elenco

Aun cuando el Plymouth Fury sea el verdadero protagonista, las actuaciones ayudan mucho al resultado final y, como tantas veces suele ocurrir, la mayor parte del elenco no formaba parte de los nombres que se barajaron en primer lugar…

En Columbia Pictures querían para el papel de Arnie a Kevin Bacon y para el de Leigh a Brooke Shields, que venía de un exitazo en taquilla con El Lago Azul (1980), pero él decidió firmar para hacer Footloose y ella Aventuras en el Sahara. La decisión de él no puede cuestionarse porque el filme de Herbert Ross significaría el despegue absoluto de su carrera; la de ella fue más bien desafortunada porque su película fue un estrepitoso fracaso en taquilla.

De todas formas, también es cierto que el propio Carpenter nunca gustó demasiado de la idea de convocarlos: prefería actores más desconocidos para que no quitaran protagonismo al auto que era, de hecho, la gran estrella del filme. Y esa sí que fue una acertada decisión, además de que Keith Gordon está magnífico en un papel que requiere cambios en su carácter a medida que aumenta la simbiosis con el auto y lo mismo John Stockwell en el de ese amigo que quiere salvar a Arnie de la debacle. Alexandra Paul, por su parte, cumple bien y con el tiempo se convertirá en chica Baywatch.

Y no hay que olvidar que por detrás había algunos secundarios dignos de destacar (o terciarios si nos atenemos a eso de que el principal protagonista es el auto). Es el caso del siempre formidable Harry Dean Stanton encarnando al detective Jenkins y de una Kelly Preston que recién empezaba a despuntar, pero sería pronto parte del llamado “brat pack” de los ochenta (irónicamente, venía de perder años atrás ante Brooke Shields en el casting de El Lago Azul).

Amo a mi elenco en esa película – ha dicho Carpenter -. Keith Gordon era fabuloso y Alexandra Paul… simplemente es una actriz estupenda. Y el gran Harry Dean Stanton estuvo allí… todo un personaje, realmente lo amaba…”

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La Música

Párrafo aparte merece la banda sonora, que fue editada en doble formato: una con la música instrumental e incidental y otra con las canciones incluidas. La primera corría por cuenta del propio director en colaboración con Alan Howarth y hay que decir que, por mucho que se haya reconocido a Carpenter como director, nunca lo ha sido suficientemente como músico y es una gran injusticia, pues ha influido de manera decisiva sobre muchas de las posteriores bandas sonoras de terror o de suspenso.

Las partituras minimalistas de Carpenter son parte inseparable de filmes como Halloween (1978) o 1997: Rescate en Nueva York (1981). Christine (más cerca de la primera que de la segunda) no es por cierto la excepción, con sus secuencias rítmicas que, hipnóticas y machacantes, suenan como mezcla de acería, latido y metrónomo mientras los sintetizadores dibujan por encima sugerentes climas con unas pocas y repetitivas notas. Es increíble lo que logra con tan poco…

En cuanto a las canciones, el álbum que las contenía incluyó solo las que suenan en la radio del auto que, obviamente, responden a estrellas de los cincuenta como Buddy Holly, Little Richard o Larry Williams, aunque el tema principal, a cargo de George Thorogood, es mucho más reciente, ya que Bad to the Bone (para esta altura clásico indiscutido con su estribillo maravillosamente tartamudeado) acababa de ser lanzado en 1982, más allá de que suene blusero, retro y alejado del mainstream de la década.

El álbum no incluye, en cambio, algunas canciones que en el filme suenan en radios de otros autos y que están a cargo de Rolling Stones, ABBA o Bonnie Raitt por ejemplo.

Balance Final

He visto Christine poco después de su estreno y lo he vuelto a hacer hace muy poco. Mientras que aquella vez la vi como una simple película pasatista que se olvidaba pronto, esta vez le he encontrado montones de lecturas que a mis dieciocho años se me escapaban. Toda la cuestión en cuanto a la simbiosis “auto-Arnie” está muy bien llevada, lo mismo que la analogía “auto-chica”. Y no importa demasiado, porque no hace a la sustancia de la película, que el origen de la maldición o la posesión del auto quede algo difuso (increíble que a nadie se le haya ocurrido aprovechar eso para rodar Christine: El Origen o algo por el estilo).

Hemos dicho antes que Carpenter la valoró con el tiempo, pero no ocurrió lo mismo con King, quien todavía en 2003 la definía como “aburrida”, aclarando que para él eso es peor que decir mala. Ojo: el genio de Maine dijo prácticamente lo mismo de una joya cinematográfica como El Resplandor y en parte se entiende. En toda adaptación, el escritor va ser siempre quien la afronte con su idea original en mente y, como tal, difícilmente salga complacido si ha sufrido un proceso de transformación hasta llegar a la pantalla.

De todas formas, que quede claro: Christine no es El Resplandor. Tampoco es la mejor película de terror que se haya hecho ni tan siquiera la mejor de Carpenter o la mejor adaptación de Stephen King. Y, sin embargo, sale bien parada en los tres ítems y ello ha ayudado a que al día de hoy sea vista como clásico de culto. Es un filme que se disfruta y más aún si eres amante de los autos antiguos, pues las tomas son las que precisamente haría un fan de los mismos (aunque también te va doler la cantidad de Plymouth destruidos durante el rodaje).

Por cierto, se está preparando por estos días una nueva adaptación (soy de los que se niegan a decir “remake” cuando se trata de reversionar una misma novela), la cual está producida por Blumhouse y dirigida por Bryan Fuller (Hannibal). Lejos de mostrarse recelosos ante ello, tanto John Carpenter como Keith Gordon se manifestaron optimistas. “Probablemente será mejor”, expresó el director, mientras que el actor, en consonancia con sus palabras, dijo no hallar problema alguno en que la historia sea versionada nuevamente: “podría contarse de otra manera y no ser un insulto a la original”.

En fin, veremos qué tal sale cuando llegue la hora del estreno. De momento, Christine, la de 1983, es una película que ha ganado puntos con los años y que si bien no caben dudas de que, como hemos dicho, no es la mejor adaptación de Stephen King, tampoco las caben de que integra la lista de las buenas que, por cierto, no han sido mayoría.

Hasta la próxima y sean felices…

El cómic de la semana: The nice house on the lake

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a El cómic de la semana. Hoy reseñamos The nice house on the lake. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

The nice house on the lake, una maravillosa historia en cómic

The nice house on the lake es un cómic que deberías leer. Punto. Ya no tengo que decir más. Es una de las mejores series de los últimos años que ahora podemos comprar en un tomo único e integral en tapa dura.

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Una de las características de este cómic es el lenguaje empleado para explicar las historias. Y es que a veces se nos olvida que el cómic es un arte por sí mismo, el llamado 9º Arte. Y no es solo tener un buen guion y/o un buen dibujo; es también el arte narrativo de plasmarlo en las viñetas. Y en The nice house on the lake los autores lo hacen de lujo.  Es que a veces una buena historia se engrandece por cómo te la cuentan, y creo que aquí es labor de Álvaro Martínez Bueno el desarrollo de este álbum.

Estamos en una casa del lago; eso parece evidente por el título, pero la interacción de las RRSS y de los medios de comunicación para ir contando parte de la historia que transcurre fuera de los límites del lago o incluso retazos de la vida de los protagonistas, es bastante curiosa e innovadora. Y creo que el tándem del guionista James Tynion IV, junto con el mencionado artista español, crean una atmósfera absorbente.

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Al leer el cómic y ver a los personajes me da la sensación de que el tipo de diseño de los protagonistas no es tampoco para tirar cohetes. Pero realmente es todo lo contrario: Martínez Bueno es un artista increíble y dibuja como le da la gana. Un monstruo. La composición es espectacular, así como el color de Jordie Ballaire.

Los personajes están perfectamente definidos dentro de esta atmósfera opresiva donde siempre parece de noche con una especie de neblina perpetua. Creo que sí, que definitivamente el dibujo y color de la serie, así como la narrativa, o el lenguaje de contar la historia, elevan este cómic a obra maestra.

Y vuelvo a lo del principio, a lo de que el cómic es un Arte (con A mayúscula), un medio por sí mismo y no tiene que ser una maravilla solo por un buen guion, sino que también influyen más aspectos. Y creo que James Tynion IV nos concede a todos una gran historia aderezada con un perfecto entorno de misterio y terror. Si solo buscas un buen guion, los hay mejores. Si solo buscas un buen dibujo, los hay mejores. Pero si buscas un cómic mejor, tira de hemeroteca porque no vas a encontrar muchos más. Estamos ante un cómic que tienes que leer.

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Edición original: The Nice House On The Lake núms. 1-12 USA

¿CÓMO CREES QUE TERMINARÁ EL MUNDO?

Todos los invitados a la casa conocen a Walter. O, al menos, lo conocen un poco. Tras el año más difícil de sus vidas, nadie iba a rechazar una invitación para disfrutar de una hermosa mansión en el bosque, con vistas a un enorme y precioso lago. Parecen las vacaciones soñadas, pero pronto se convertirán en la peor de sus pesadillas cuando un misterioso desastre asola el mundo. Si consiguen dejar a un lado sus miedos, dudas y diferencias, tal vez logren sobrevivir…

Ganadora de los premios Eisner a la mejor serie nueva en 2022, al mejor guionista y a la mejor colorista en 2023 y nominada en las categorías de mejor serie regular y mejor dibujante/entintador ese mismo año, The Nice House on The Lake consagró al formado por James Tynion IV y Álvaro Martínez Bueno como uno de los grandes equipos creativos del cómic contemporáneo.

Es el momento de descubrir una nueva manera de entender el cómic de terror moderno. De dejarse sorprender por la primera temporada de una serie en la que las grandes ansiedades del siglo XXI adquieren un nuevo y aterrador rostro… que bien podría ser el de la persona en la que más confías.

Sin más os dejo a continuación enlace a ECC Cómics y justo debajo la portada del tomo en España.

The nice house on the lake

Un saludo y sed felices.

Prime Video lanza Tráiler y Póster Oficial del Remake de De Profesión: Duro (Road House)

En poco tiempo más conoceremos la nueva versión de De Profesión: Duro (Road House), remake del clásico de acción de los ochenta que tuviera a Patrick Swayze como protagonista. Jake Gyllenhaal es el encargado de dar esta vez vida al personaje principal, corriendo la dirección por cuenta de Doug Liman (El Caso Bourne, Mr. & Mrs. Smith, Al Filo del Mañana). Hay tráiler…

El cine y el streaming vienen desde hace algún tiempo arrastrados por una oleada de revival ochentero. Además de las secuelas que llegan para continuar sagas largamente interrumpidas y hasta abandonadas, tenemos cada tanto remakes de títulos que fueron clásicos de esa década. Tal el caso de De Profesión: Duro (Road House), película de 1989 que, dirigida por Rowdy Herrington y teniendo en su centro una pareja que eran química pura como Patrick Swayze y Kelly Lynch, alcanzara justamente tal estatus gracias a su éxito en taquilla y a su comercialización en VHS.

Aquel filme apuntaló justamente a Swayze como héroe de acción después de haber estado en títulos icónicos pero alejados del género como Rebeldes (Francis Ford Coppola, 1982) y Dirty Dancing (Emile Ardolino, 1987), del cual pueden leer aquí nuestro retro-análisis.  Patrick interpretaba al guardia de seguridad de un bar de carretera en una pequeña ciudad de Misuri, tocándole allí entrar en conflicto con algunos revoltosos locales y, por extensión, con un mafioso local intepretado por Ben Gazzara.

No me quiero extender demasiado sobre el filme original porque habrá seguramente oportunidad de hacerlo en algún retro-análisis, pero en poco menos de dos meses Prime Video estrenará el remake, vuelto a producir por Joel Silver, pero dirigido esta vez por Doug Liman, de reconocidas credenciales en el género de acción con títulos como El Caso Bourne (2002) y Mr. & Mrs. Smith (2005).

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El personaje antes interpretado por Swayze corre ahora a cargo ahora de Jake Gyllenhaal, reconocido, entre muchos otros papeles, por haber dado vida a Donnie Darko (2001) y a Quentin Beck / Mysterio en Spider-Man: Lejos de Casa (2021). Prime Video acaba de revelar tráiler y póster oficial de la película…

El estreno ha levantado, desde ya, muchas expecativas entre nostálgicos y amantes de la acción, pero también polémica, sobre todo porque el director ha expresado que Amazon no cumplió lo acordado, que era el estreno en cines, sino que por el contrario, el filme irá directamente a streaming.  Recordemos que la producción había sido iniciada por MGM, pero la cosa cambió al ser esta comprada por Amazon.

Si no ponemos películas grandes en los cines, no habrá cines en el futuro – ha manifestado recientemente Liman -. Películas como Road House, que la gente quiere ver en la pantalla grande y que fue hecha para la pantalla grande.” Además, ha expresado que este es su mejor filme y que Gyllenhaal entrega la mejor actuación de su carrera, a pesar de lo cual y en gesto de disconformidad, no asistirá a su primer pase en el festival SXSW.

Además de Gyllenhaal, el elenco incluye a Daniela Melchior, Billy Magnussen, Jessica Williams y Joaquim de Almeida (dato de color: dos portugueses entre los mencionados), así como el luchador irlandés Conor McGregor, entre otros. ¿Habrá un cameo de algún reconocido músico? (recordemos que en la original el guitarrista estable del bar era el gran Jeff Healey).

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Viendo el tráiler, podemos decir al menos que las escenas de acción se ven muy bien.  Habrá que ver el resultado final ya en pantalla, aunque no grande…

El estreno es el 21 de marzo.

Hasta pronto y sean felices…

El Legado de Norman Jewison (1926-2024): director de El Violinista en el Tejado, Jesucristo Superstar y tantas otras…

Se dio a conocer esta semana el fallecimiento, a los 97 años, de Norman Jewison, prestigioso director canadiense responsable de filmes icónicos como En el Calor de la Noche, El Violinista en el Tejado, Jesucristo Superstar, Rollerball, Hechizo de Luna y tantos otros. Vaya a modo de homenaje un repaso sobre su vasta obra…

Norman Jewison había nacido un 21 de julio de 1926 en Toronto siendo, de hecho y con veinticuatro largometrajes en su haber, el director más prolífico de la industria de Hollywood que haya salido de Canadá. Sus primeros pasos, según propias palabras, los dio en el patio de su colegio, donde representaba obras para sus compañeros a dos centavos durante los momentos de recreo.

En 1944 se enlistó en la Marina Real Canadiense y participó de la Segunda Guerra Mundial. Ya de regreso, giró como autoestopista por Estados Unidos y conoció de primera mano la terrible realidad de la segregación racial, recordando especialmente cuando un chofer de autobús le llamó la atención por haber tomado asiento en la parte del vehículo destinada a los negros.

La indignación provocada por aquel episodio le dejó tanta huella que el racismo se convertiría en preocupación frecuente de sus filmes así como, en general, los temas políticos y sociales controvertidos… “Me convertí en una especie de monstruo para los estudios – recordaba en una entrevista de 2016 – porque siempre he creído en la total libertad de expresión…”

Sus primeras experiencias profesionales las tuvo en la televisión canadiense con programas de variedades para la cadena CBC, pero los horizontes eran muy limitados en su país y a la larga terminó migrando a los Estados Unidos. Allí trabajó algún tiempo para NBC y el gran Harry Belafonte lo eligió para dirigir un especial suyo que se convirtió en el primero de la televisión estadounidense dedicado de manera exclusiva a una figura negra.

Contratado por Universal Pictures, su debut cinematográfico llegó en 1962 con la comedia Soltero en Apuros, que tenía a figuras como Tony Curtis, Suzanne Pleshette y Diane Ladd al frente de su elenco.

El firme camino ascendente seguiría con El Gran Desafío (1965), drama interpretado por Steve Mc Queen y Edward G. Robinson en el cual le tocó la enorme responsabilidad de reemplazar nada menos que a Sam Peckinpah después de que este se bajara del proyecto por diferencias con la producción; además, le significó lidiar contra un clima político adverso por trabajar con un guionista (Ring Lardner Jr.) que estaba en la lista negra de la caza de brujas.

A propósito de ello, Jewison tuvo también la irreverencia suficiente para tomarse la Guerra Fría en solfa, tal como lo hizo en ¡Que vienen los Rusos! (1967), parodia que se burlaba de la paranoia norteamericana al presentar un submarino soviético que encallaba accidentalmente en las costas de Nueva Inglaterra y provocaba un pánico generalizado con respecto a una supuesta invasión.

En el Calor de la Noche, de 1968, sería otro importante hito en su cinematografía y también en su compromiso político-social pues, protagonizada por Sidney Poitier y Rod Steiger, contaba una historia ambientada en el racista mundo rural del sur de Estados Unidos a partir de un detective de policía negro que, acusado de asesinato, debía dedicarse por su cuenta a resolver el mismo a pesar de la resistencia de un sheriff local lleno de prejuicios contra su raza. El filme, además, le significaría a Jewison su primera nominación al Oscar como mejor director.

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Su siguiente hito sería El Caso Thomas Crown, de 1968 y protagonizada por Steve McQueen y Faye Dunaway, filme de atracos y amores criminales que, además, fue innovador y pionero en el uso de pantallas divididas.

No le fueron esquivas las adaptaciones de musicales de Broadway y así fue como en 1971 estrenó su adaptación de El Violinista en el Tejado, obra de Jerry Bock, Sheldon Harnick y Joseph Stein que, ambientada en la Rusia imperial de 1905, giraba en torno al drama de las familias judías y la pérdida de sus valores tradicionales. La película no solo le valió su segunda nominación al Oscar como director, sino que además causó tal impacto que llevó a que mucha gente creyera erróneamente que Jewison era judío (digamos que el apellido colaboraba en el error) cuando la realidad es que procedía de una familia cristiana metodista.

Jesucristo Superstar, de 1973, fue la excelente adaptación del musical homónimo de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice, llevando a la pantalla una versión de la historia de Cristo que, en formato de ópera rock y con mucho espíritu de finales de los sesenta, provocó urticarias a las mentes más conservadoras de la época y a las altas jerarquías religiosas, tanto que el propio Papa Paulo VI acabó viéndola en el Vaticano a los efectos de emitir un dictamen y, para asombro mundial, la terminó aprobando.  Y también mi compañero Fernando, al incluirla en su listado de las mejores películas bíblicas.

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Jewison nunca fue, por cierto, un director que se encasillase en género alguno y en 1975 dirigió Rollerball, distopía de ciencia ficción que hizo época y que, protagonizada por James Caan, abordaba temas como los intereses corporativos, los deportes ultra violentos como espectáculo y el individualismo rabioso. A pesar de que la crítica no entendió en su momento el tono de sátira, el filme acabó, con el tiempo y como suele pasar, convirtiéndose en clásico de culto.

Tampoco los conflictos obreros y luchas sindicales fueron ajenos a su filmografía, tal como lo demuestra F.I.S.T. (1978), protagonizada por Sylvester Stallone. Ni la corrupción judicial, como en la exitosa Justicia para Todos (1979) que, con Al Pacino en su papel principal, logró embolsar en taquilla ocho veces su modesto presupuesto.

Y podríamos seguir mencionando Historia de un Soldado (1984), donde volvía a tocar el tema del racismo pero esta vez en el ámbito militar.  O Hechizo de Luna (1987), aclamada comedia romántica que le valió tanto a Cher como a Olympia Dukakis sendos premios Oscar como actriz principal y de reparto.  Y a Jewison su tercera nominación como director…

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O Huracán Carter (1999), en la cual Denzel Washington daba vida al boxeador Rubin Carter, quien pasó veinte años en prisión por un triple homicidio que finalmente no había cometido.

Y aun así estaríamos nombrando solo algunas, pues entre medio hay muchas más. Sus películas se llevaron en total doce premios Oscar, pero no ganó nunca el de mejor director a pesar de haber sido nominado tres veces ni tampoco el de productor, para el que fue nominado en cuatro ocasiones. De todas formas y haciendo algo de justicia, se le entregó en 1999 un Oscar honorífico por su trayectoria.

Por otra parte y a pesar de su éxito en Hollywood, jamás se olvidó de su país natal y fue de los que abogó para que Canadá desarrollara su propia industria cinematográfica de manera independiente a la “Meca” de sus vecinos. A tales fines se convirtió en uno de los fundadores del Canadian Film Center, dedicado a desarrollar directores, actores, productores y guionistas de ese origen. De hecho, al recibir el Oscar honorífico, lo dedicó a dicha institución.

A los 97 años y en su casa de Malibú, California, Norman Jewison murió el pasado sábado según informó este lunes su publicista Jeff Sanderson. Si bien la causa del fallecimiento no fue especificada, la avanzada edad hace pensar simplemente en causas naturales. Lo que es seguro es que el compromiso plasmado en su inmensa obra no requiere de informe médico ni certificado de defunción porque sencillamente… no muere.

Hasta siempre Norman y gracias por tanto…

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Reseña de Batman: «La muerte de la familia». Enésimo enfrentamiento «final» contra el Joker

Muy buenas. Hoy os traigo reseña de mi última lectura, Batman: «La muerte de la familia», del excelente tándem formado por Scott Snyder y Greg Capullo. Sin más dilación me pongo al lío no sin antes dejaros algunas de mis reseñas del Caballero Oscuro.

Reseña de Batman El Mundo (2021) de ECC Ediciones.

Batman/Tortugas Ninja, tomo de ECC que recopila las tres miniseries.

Reseña de Batman: Silencio, de ECC.

El cómic de la semana: La tumba de Batman (2021).

Reseña de Superman, Batman, Wonder Woman: Metrópolis de ECC Cómics.

Reseña de Batman: Origen.

Reseña de Batman: La saga cinematográfica.

Reseña de Batman: El príncipe oscuro.

El cómic de la semana: Batman: Tierra Uno.

Reseña de Batman: Reptil.

Reseña de Batman: El Detective.

Reseña de Batman: El Tribunal de los Búhos.

«La muerte de la familia». Enésimo enfrentamiento «final» contra el Joker

En La muerte de la familia, Snyder y Capullo nos llevan una vez más, como ya ocurriese con El Tribunal de los Búhos, a un Batman al límite y a contrarreloj. En esta ocasión el enemigo es todo un clásico, el Joker. ¿Y qué nos depara esta desventura?

Vamos a tener a un Joker más cruel, asesino y despiadado que nunca. Pero sobre todo llama la atención la caracterización del malvado personaje. En este tomo vamos a ver que a Joker le quitaron el rostro, así como suena. El artífice fue el Muñequero. Pues ahora el Joker un año después de ese acontecimiento, reaparece y vuelve a sembrar el caos.

El cómic, sobre todo gracias al arte de Greg Capullo, nos regala grandes momentos que se quedan en la retina del espectador y que os iré dejando por aquí para captar vuestra atención sobre el cómic.

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Ataca lo que más quiere

Esa es la premisa de este cómic. Joker va a ir a por lo que Batman más quiere, sus aliados. En esta historia Alfred, Gordon, Capucha Roja, Batgirl, Nightwing y Robin son objetivos del payaso. ¿El motivo? Joker los considera culpables del «ablandamiento» de su némesis, por lo que los convierte en sus objetivos.

Eso es lo peor que le puede pasar a Batman, ser amenazado con dañar a la bat-familia. Será precisamente esa amenaza lo que ponga en tela de juicio la relación de Batman con Nightwing y compañía.

Por lo demás iremos asistiendo a un descenso a los infiernos en la lucha entre los dos personajes, con duelo en el Asilo Arkham incluido.

Aunque La muerte de la familia presenta momentos muy dramáticos Snyder y Capullo acabarán en pleno desenfreno en dar marcha atrás lo que provoca un anticlimax en lo que al final de la historia se refiere.

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¿Mirando de reojo a La Broma Asesina de Alan Moore?

Durante toda la lectura no he dejado de pensar en una especie de homenaje por parte de Scott Snyder a la obra del Caballero Oscuro que realizase Alan Moore, La Broma Asesina. En ambas tenemos un «enfrentamiento final» entre los dos antagonistas. Y desde luego el plan orquestado por el Joker en La muerte de la familia es toda una «Broma Asesina«.

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Consideraciones finales

Batman La muerte de la familia tiene momentos terroríficos que quedan en la retina del espectador, pero a la hora de la verdad es un cómic más donde a Snyder se le empiezan a ver las costuras que en posteriores sagas (Dark Knights Metal o en El último Caballero de la Tierra) lo confirmarán como un autor al que se le ha ido de las manos el personaje con sus ideas (algunas muy interesantes) que no sabe como desarrollarlas y en última instancia acabarlas.

Lo que si impresiona es el arte de Greg Capullo quien junto a Sean Murphy son de los mejores dibujantes que han ilustrado al personaje en los últimos años.

Ha vuelto. El Joker irrumpe en la comisaría de Gotham City en busca de un objeto que le pertenece y del que se desprendió hace poco: la cara. Tras sembrar el terror entre la policía local, el villano pone en marcha su nuevo plan. Y el objetivo no es solo Batman sino también toda su familia.

Batman: La muerte de la familia es la primera saga que el guionista Scott Snyder y el dibujante Greg Capullo organizan en torno al Joker. Y lo hacen con el característico toque terrorífico de Snyder y la habilidad narrativa de Capullo, que nos conducirá a algunos de los momentos más perturbadores de la trayectoria del Caballero Oscuro.

Si Snyder y Capullo iniciaron su memorable etapa en Batman presentando al Tribunal de los Búhos, con La muerte de la familia actualizaron la leyenda del Joker con un relato que, por derecho propio, ha terminado siendo una de las obras más importantes de la historia reciente de DC Comics.

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Crítica de Los Tres Mosqueteros: Milady (2024)

Se estrena en España la segunda parte de la saga de Los Tres Mosqueteros, dirigida por Martin Bourboulon. En esta entrega, D´Artagnan se verá obligado a unir fuerzas con Milady para salvar a su amada Constance, quien fue secuestrada ante sus ojos. Pero cuando se declara la guerra, los cuatro mosqueteros volverán a empuñar sus espadas y unir su destino al de su amada Francia.

Primero que nada una advertencia, sino te gustó Los Tres Mosqueteros: D´Artagnan esta segunda parte no mejorará tu percepción. Sigue siendo un film más que aceptable, que tiene algunos momentos bastante entretenidos, pero sigue adoleciendo de una desconexión con la aventura pura, que hace que el espectador no termine de engancharse a la historia. Quizás sea porque no persigue, o no consigue, definirse entre ser un drama histórico o una película de aventuras. No consigue aportar frescura a la trama de esta segunda parte, y eso nos deja con la sensación de visitar un jardín deshabitado por el que sientes indiferencia.

Este intento de renovar el género basado en grandes clásicos literarios, se queda en tierra de nadie, al tratar de trasladar el texto de la manera más fiel posible, el de la novela de Los Tres Mosqueteros de Alexandre Dumas. Se nota el esfuerzo de los guionistas por mantener los puntos principales de la novela, adaptándolo a un lenguaje más cinematográfico. Pero se deja en el camino lo que hace grande a esta historia, la emoción y el sentido de la aventura.

Regresa la leyenda de los mosqueteros

En esta segunda parte se le dará más presencia a Milady de Winter, interpretada por Eva Green. Todo un acierto, porque la actriz logra comunicar la hipnótica presencia que desprende la dualidad de su personaje. Con la mirada es capaz de transmitir ambición y traición, sensualidad y peligro, que la hacen elevarse sobre el resto de intérpretes.

El joven D’Artagnan esta correcto, pero esperaba un poco más de carisma. Se reduce la importancia del resto de los mosqueteros, Athos y Porthos. No ayuda que algunas de sus líneas de diálogo se inclinen hacia la comedia bufonesca. Finalmente Aramis, al igual que Constance, quedan un poco desplazados y olvidados. Algo que adquiere un cariz preocupante con el papel del Cardenal que queda deslucido totalmente.

Sus escenas de acción mejoran con respecto a la primera película de los Tres Mosqueteros, tanto en las acrobacias en general como el encuadre de las escenas. Aunque son pocas, se disfrutan. Desprenden la energía necesaria que las secuencias requieren. Destaca la batalla de La Rochelle, que a pesar de no ser extensa, si es de esos pocos momentos en los que logra sentirse la espectacularidad que se le presupone a una película épica.

Algo en lo que sí destaca, es en su diseño de vestuario, que es magnífico. Así como las escenas rodadas en parajes naturales que hacen lucir los Castillos, salones versallescos y las ciudades. Una ambientación bien elaborada y cuidada con detalle, con el que se consigue un mayor realismo, por ejemplo, como los rostros sucios o el deterioro de la ropa. La fotografía sigue utilizando los tonos ocres de la primera parte, en los que se realza la oscuridad y penumbra de esos tiempos convulsos de la época.

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Esta película de los Tres Mosqueteros falla en la creación de su atmósfera política, con situaciones que terminan por confundir al espectador. Pero eso no priva al film de tener pasajes entretenidos, con algunos chispazos de aventuras que la hacen ligera y accesible.

En resumidas cuentas, Los Tres Mosqueteros: Milady tiene los mismos hallazgos y limitaciones que la primera entrega. Disfruta de una buena factura técnica. Correctas pero no intensas escenas de lucha cuerpo a cuerpo. Una intensidad que sí consigue en la batalla o el duelo final, que da que pensar si se le hubiera aplicado esa energía al resto de la historia. Una Milady seductora, intrigante y perversa, que manipula la película a su antojo. No es una película que destaque por su afán de aventura o de expresar emociones heroicas, sino de contar la historia a través de los momentos en los que se exponen las confabulaciones y las tácticas políticas y militares.

El resultado es un film más que aceptable, por momentos bastante entretenido, con sus buenas, aunque escasas escenas de acción. Una película de bella factura, que no consigue ser demasiado renovadora dentro del género aventurero o de dramas históricos, basados en grandes clásicos literarios. En este caso una de las novelas más grandes que ha dado la literatura, Los Tres Mosqueteros.

Netflix copia a HBO haciendo un Batgirl y cancela una película de Halle Berry ya acabada

Lo nuevo de Halle Berry nos ha sido negado. Esto de los streamings es el peor invento. No tienen reparos en hacer barbaridades como la de HBO Max con Batgirl, Coyote vs Acme o ahora Netflix con The mothership, una película cuya premisa me llamó mucho la atención en su momento.

The mothership era una película protagonizada por la oscarizada Halle Berry, que ha firmado varias películas con Netflix, y que tenía como decía una sinopsis sugerente:

Ha pasado un año desde que el esposo de Sara Morse (Berry) desapareció misteriosamente de su granja rural. Cuando descubre un objeto extraterrestre extraño debajo de su casa, Sara y sus hijos se embarcan en una carrera para encontrar a su esposo, y descubrir toda la verdad.

Del guion y la dirección se había encargado Matt Charman, coguionista de El puente de los espías junto a los hermanos Coen y debutante como director en esta cinta que de momento no verá la luz. ¿Los motivos?

La película que se rodó en 2021 estaba con visos de estrenarse en 2022 en un principio pero luego Netflix programó su lanzamiento para 2023 pero con la huelga del SAG-AFTRA se retrasó su estreno hasta 2024. Y ayer nos enteramos que han decidido enterrarla. ¿Por qué? Al igual que ha hecho HBO, Netflix con la cancelación de la película hace un ardid tributario con lo que consigue una exención fiscal y recupera impuestos o reduce costes.

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No obstante hay un tema también y es que Netflix se encontró con que la película no convencía y que necesitaba unos reshoots que iban ser unos cuantos millones y si a eso le sumamos que han pasado dos años, nos encontramos con un gran problema y es que los actores más jóvenes de la cinta han dado el estirón.

Habrá que ver si Netflix la lanza al cajón del olvido (a ver, que Netflix no deja de ser eso al final con tanto filme estrenado) o la vende y recupera algo.

Un saludo y sed felices.

 

James Gunn compara las próximas películas de DC con Juego de Tronos

El pasado diciembre de 2023, la última película del universo antiguo DC, Aquaman y el reino perdido, se estrenó en los cines. Pero la película, como las últimas de DC, se estrelló en la taquilla del cine. Ahora Gunn compara DC con Juego de Tronos.

Y es que James Gunn y Peter Safran se preparan para lanzar su recién reiniciado Universo DC, comenzando con «Capítulo Uno: Dioses y Monstruos».

DC con Juego de tronos

Mientras, en una reciente aparición en un podcast, Gunn comparó sus próximos proyectos de superhéroes con Juego de Tronos, lo que ha dejado a muchos fans entusiasmados.

¿Qué que son Dioses y Monstruos? Os dejo el vídeo de 6 minutos donde el propio James Gunn nos cuenta de que va esto con subtítulos en español.

Pero volvamos a la entrevista de Gunn en el podcast Inside of You de Michael Rosenbaum.

Gunn explicó que le encantaba la oportunidad de crear una «historia alternativa» para ciudades de DC como Gotham y Metrópolis, estableciendo un paralelismo con el mundo de Poniente. Ya que son ciudades que no existen. En sus propias palabras:

Una de las cosas que me encantan de DC y que me entusiasman de DC es que, en cierto modo, es otra historia alternativa. Es Gotham City y Metrópolis, y Star City y Bloodhaven. Todos estos lugares diferentes en otra realidad. Y en cierto modo se parece un poco a Poniente.

Me encanta eso. Me encanta que podamos crear una verdadera construcción del mundo en DC. No se trata sólo de «vamos a lanzar algunos superhéroes a la Tierra». Creo que esa es, ahora mismo, una de las diferencias clave [entre DC y Marvel]».

En la misma entrevista, Gunn señala que los personajes de DC tienen una naturaleza más fantástica que los del Universo Cinematográfico Marvel. Si has visto las películas del MCU en orden, sabrás que rápidamente acabaron con los alter egos y las identidades secretas (excepto Spider-Man); este es uno de los aspectos significativos que distinguirán al nuevo DCU de su predecesor y de Marvel.

Puedes ver su aparición completa en Inside of You a continuación:

Este año, el Universo DC se embarcará en un nuevo viaje con el estreno de la serie de animación Creature Commandos. Esta serie marca el inicio del nuevo canon del DCU. En un vídeo en el que esbozaba la visión del capítulo inicial del DCU, titulado «Dioses y monstruos», James reveló que había escrito todos los episodios de la serie. La serie cuenta con un impresionante elenco de actores de doblaje, como Frank Grillo, David Harbour e Indira Varma. Está llamada a iniciar este nuevo canon para DC.

Veremos como empieza este nuevo periplo del nuevo Universo DC.

Un saludo y sed felices.

Reseña de Do A Power Bomb! Daniel Warren Johnson sorprende con una historia de lucha libre un poco pasada de vueltas

Norma editorial se ha apuntado un buen punto al publicar en España Do A Power Bomb! la última obra del genial Daniel Warren Johnson, que por si fuera poco aval con el nombre del autor, ha sido galardonada con el premio a “mejor publicación juvenil” en los Eisner del 2023.

DWJ es uno de los mejores autores en el panorama actual del mundo del cómic. Hay están como ejemplo sus espectaculares Murder Falcon, Extremity o Wonder Woman: Tierra Muerta. Sus obras tienen una personalidad muy marcada con un guion apasionante un dibujo apabullante. Y últimamente parece haberse especializado en elegir un tema que le apasiona para desde un punto de partida en apariencia absurdo, contarnos una gran historia rica en matices y emociones, llegando siempre al corazón del lector. Así lo hizo en la citada Murder Falcon con el Heavy Metal, mientras que en Do A Power Bomb! usa el mundo del wrestling (más concretamente la “nueva” lucha libre japonesa) como motor de la historia.

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El resumen de la editorial de este cómic es el siguiente: Lona Steelrose quiere ser luchadora profesional. Pero vive bajo la sombra de su madre, la mejor luchadora que nunca hubo. Todo cambia cuando un nigromante obsesionado con este deporte le pide que se una al torneo de lucha libre más ambicioso de todos los tiempos, ¡y también el más peligroso! ¡Imagina El luchador mezclado con Dragon Ball Z en una historia donde los competidores luchan en combates que nunca hubieran podido imaginar!

Para disfrutar de esta historia no hace falta ser un aficionado a este… ¿deporte? Está claro que si te gusta lo vas a disfrutar una barbaridad, pero al final no es más que un punto de partida y un escenario en el que presentar una historia que mezcla de manera muy divertida el mundo de la lucha libre con escenarios y personajes de fantasía y los grandes torneos de artes marciales al más puro estilo Mortal Kombat.

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La lucha libre japonesa, con el malvado Cobra Sun de protagonista

En Do A Power Bomb! vamos a conocer a Lona Steelrose, una joven que quiere hacer carrera en el mundo de la lucha profesional. Pero tiene un problema. Vive a la sombra de su madre, una gran estrella que murió en combate contra Cobra Sun (el típico personaje encapuchado que hace de villano en la narrativa en la lucha y que se conocen como heel). Lona se verá obligada a hacer pareja con Cobra Sun en un torneo por parejas interdimensional en el que el wrestling no es un deporte falso y coreografiado, sino unas peleas violentas y sangrientas que pueden costar la vida. Pero todo merecerá la pena ya que el premio por ganar es uno al que ni Lona ni Cobra Sun pueden renunciar, aunque para ello tendrán que derrotar a un enemigo final cuanto menos sorprendente.

El autor logra mantener atrapado al lector a pesar de tener como base un escenario en principio tan absurdo como el mundo de la lucha libre. Para ello se basa en ir ofreciendo combates cada vez más espectaculares a la vez que ofrece pequeñas píldoras de información sobre los rivales de los protagonistas que enriquecen la historia. Mientras, vamos a ir conociendo más del pasado de Lona y Cobra Sun y como sus vidas están más entrelazadas de lo que parece al principio.

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¡Es la hora de las tortas!

Más allá de toda la parafernalia que adorna la trama lo principal como siempre con DWJ son los personajes y sus emociones, como lo absurdo de muchas situaciones rocambolescas acaba dejando paso a escenas donde el corazón de los protagonistas toma el control de la historia dejando en ocasiones un poso agridulce en el espectador. La historia es espectacular y divertida, pero a la vez trágica, teniendo los protagonistas que superar una montaña de rivales para superar el trauma que cargan en sus espaldas y al que no pueden destrozar a base de golpes y llaves mortales. Pero la obra acaba ofreciendo un mensaje de esperanza que se basa en la sinceridad y en las segundas oportunidades y saber tanto perdonar como perdonarse a uno mismo.

En cuanto al dibujo, pues poco se puede añadir si ya conoces al autor. Si acaso decir que estamos ante su mejor trabajo y eso es mucho, pero muchísimo que decir. Los diseños de personajes son maravillosos y el ritmo narrativo magnífico. Las composiciones de páginas son espectaculares, con planos picados y contrapicados y viñetas con múltiples recursos gráficos donde poder disfrutar de unos combates de lucha libre vibrantes en los que parece que las patadas y golpes van a salir de las páginas. Por supuesto ayuda y mucho el papel de Mike Spicer, un colorista que logra potenciar más si cabe el arte de un desatado DWJ.

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Un ejemplo de lo bien que se lo ha pasado DWJ dibujando esta obra

Con todo esto, tengo que decir que Do A Power Bomb! habiéndome divertido mucho, me ha gustado menos que el resto de las obras del autor. En el peligroso equilibrio que DWJ tiene que hacer en sus historias para no caer en el absurdo aquí patina un poco. No lo digo por los combates, que me han encantado, ni por lo loco de algunos de sus personajes (el nigromante es genial). Lo digo por el tono general de la obra, en el que hay momentos de una emotividad profunda para luego dar paso a otros momentos de locura que descolocan bastante, como ese combate final con un rival que me parece que no tiene demasiada lógica. Entiendo que tiene que ser la némesis definitiva para que la historia pueda tener un cierre eficaz, pero me sigue pareciendo una soberbia tontería fuera de tono que me saca un poco de la historia.

En cuanto a la edición de Norma solo puedo decir que es magnífica. Estamos ante una edición de auténtico lujo con páginas de gran tamaño (20,5 x 31,3) que permiten disfrutar más aun del dibujo de DWJ. El tomo tiene 196 páginas encuadernadas en tapa dura con sobrecubierta y con bastantes extras, desde una breve presentación de Christopher Daniels (luchador profesional), hasta un prólogo del propio autor en el que nos cuenta como descubrió el maravilloso mundo de la lucha libre japonesa. También se incluyen las portadas de los cómics originales y sus cubiertas alternativas y un breve cuaderno de bocetos en lo que el autor nos explica su trabajo en el diseño de personajes. Todo por un precio de 39,50 euros.

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Un momento trágico que marcará a los protagonistas

En resumen, Do A Power Bomb! es un gran cómic que seguro divierte por sus locuras y sus grandes combates y que a la vez emociona y llega al corazón por la lucha de su protagonista en busca de un objetivo al que no puede renunciar. Es cierto que al final, la parte absurda del relato puede resultar un obstáculo para muchos lectores que acabarán levantando la ceja extrañados, pero aún así merece la pena acompañar a Lona y Cobra Sun en su periplo, un viaje plasmado con unos dibujos realmente espectaculares que dejarán con los ojos abiertos a todo el mundo.

Crítica de Samurái de ojos azules (2023), adulta historia de venganza

Desde el estreno de la sorprendente Arcane, Netflix ha apostado de forma decidida por las series animadas, incluido anime. En el último mes, con el estreno de Pluto u Onimusha, muchos no se han percatado de Samurái de ojos azules, serie que, incomprensiblemente, no recibió el estreno que esperaba y que ahora está teniendo el reconocimiento que se merece gracias al boca a boca. Hasta el mismísimo Hideo Kojima, creador de Metal Gear Solid, ha alabado la serie como la mejor de 2023.

Crítica de Arcane, la serie de League of legends para Netflix

¿De qué va Samurái de ojos azules? Situada en el Japón del siglo XVII, se centra en Mizu, un misterioso samurái inmerso en un camino de venganza contra su padre, el hombre que violó a su madre. El problema es que dicho monstruo es un hombre blanco y solo hay cuatro por todo Japón, dada la política de aislacionismo que reinaba en el país en aquel entonces. Tal era el temor a seres distintos a los japoneses que cualquier rasgo físico alejado del propio del país nipón era considerado como algo demoníaco. Y Mizu tiene uno de esos rasgos: ojos azules como el cielo…

Aunque Samurái de ojos azules sea un anime, ni su producción ni sus creadores son japoneses. Por lo que he podido rastrear en Internet, este es el primer trabajo de Amber Noizumi. Pero el otro creador de la serie, Michael Green, es el guionista de Logan, Blade Runner 2049 o la nueva trilogía de Poirot con Kenneth Branagh como director y protagonista.

No me considero un gran fan del anime, pero me encanta el cine de samuráis y puedo decir que Samurái de ojos azules trata con respeto y profundidad la cultura japonesa, centrándose en las consecuencias de llevar un camino de venganza y en la vida de las mujeres de la época.

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Porque Samurái de ojos azules es muy adulta. No es una serie para niños. No solo por la violencia que impera en todos y cada uno de los capítulos, sino por lo explícito de sus escenas sexuales, tanto las convencionales como las que muestran toda clase de perversiones que se producían en los burdeles de la época.

Eso sí, la historia no se aparta un ápice de lo que se podría esperar en una producción de estas características. Conspiraciones palaciegas, dojos, festividades enmarcadas en la tradición, castillos, teatro japonés, shogun…

El ritmo no decae a lo largo de los ocho capítulos que dura la serie. De hecho, si tuviera que poner una pega a Samurái de ojos azules es que se acelera más de la cuenta en los dos últimos episodios, finalizando con una conclusión algo precipitada y abierta que, eso sí, nos deja con muchas ganas de una segunda temporada.

Especialmente impactante es el arco argumental que abarca desde el cuarto al sexto capítulo. Sin entrar en spoilers, el cuarto capítulo es el más se centra en el papel de la mujer en el Japón del periodo Edo. El quinto retrata una de las historias más trágicas del año al ritmo de una obra de teatro japonés. Y el sexto, dirigido por Alan Taylor (director de algunos de los mejores capítulos de Juego de Tronos) es un brutal asalto a un castillo.

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La animación mezcla los elementos propios del anime con un dibujo deudor del Arcane, todo un fenómeno de la plataforma. Y es espectacular tanto en lo variado de sus paisajes como en los movimientos de los personajes. Y queda claro que la animación permite sobrepasar los límites de la imagen real. Samurái de ojos azules no sería lo mismo en acción real. Y eso que su reparto vocal podría haber sido el reparto real de la serie: Maya Erskine, George Takei o Kenneth Branagh, entre otros.

En definitiva, Samurái de ojos azules es un fenómeno (otro más) de Netflix. Un magnífico anime norteamericano que retrata con crudeza la vida del Japón del periodo Edo, tanto en su aislacionismo como en la vida de las mujeres de la época. A lo largo de ocho capítulos asistimos a un violento camino de venganza plagado de sangre, muerte y sexualidad que no os dejará indiferente.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Hermanos de Sangre (Band of Brothers, 2001): cuando el dolor opaca toda victoria…

Mientras aguardamos con ansias por el estreno de Los Amos del Aire, hacemos repaso de Hermanos de Sangre (Band of Brothers), primera de las miniseries en que Steven Spielberg y Tom Hanks (que ya venían de colaborar en Salvar al Soldado Ryan) abordaron las heridas de la Segunda Guerra Mundial de modo descarnado y sin concesiones, lejos de cualquier épica o triunfalismo nacionalista.

En pocos días más llega a Apple TV+ el estreno de Los Amos del Aire, miniserie bélica con la cual Steven Spielberg y Tom Hanks retoman el tratamiento de la Segunda Guerra Mundial como ya lo hicieran varias veces antes, pero esta vez poniendo el acento en las acciones aéreas sobre Europa. Catorce años han pasado desde The Pacific, serie de HBO de la cual pueden leer aquí la reseña y que, como su nombre indica, se centraba en la guerra en el Oceáno Pacífico. Y veintidós desde Hermanos de Sangre (Band of Brothers) que, también de HBO, es la que hoy y aquí nos ocupa…

Dando por descontado que próximamente estaremos en esta web analizando episodio por episodio Los Amos del Aire, la ocasión es inmejorable para revisitar y recomendar la miniserie que abrió camino y más aún cuando desde hace un par de meses, al igual que The Pacific, está también disponible en Netflix.

Pero para hablar de Hermanos de Sangre hay que ir aún más atrás, cuando en 1998 Spielberg y Hanks oficiaran respectivamente como director y actor principal de la exitosa y elogiada película Salvar al Soldado Ryan. Ya habrá oportunidad de hablar más detalladamente de la misma en algún retro-análisis, pero si algo quedó especialmente de ese filme es el desgarrador realismo bélico de sus primeros veinticinco minutos.

Ello llevó a que la dupla continuara explotando ese camino y crearan Hermanos de Sangre, miniserie que no escatimó en producción ni gastos al punto de convertirse en ese momento y con ciento veinticinco millones de dólares de presupuesto en la más cara de la historia (hoy superada).

Pero mientras que Salvar al Soldado Ryan tomaba como eje el desembarco en Normandía, Hermanos de Sangre elige contar la historia por detrás de ello: la de la compañía de paracaidistas Easy que, también en la Francia ocupada, tocó tierra tras las líneas enemigas con la misión de debilitar desde atrás a las fuerzas alemanas y servir así de apoyo al desembarco aliado.

Se trata de diez episodios que pueden ir de los cincuenta a los setenta y cinco minutos y que, también a diferencia de la película mencionada, no entran a la guerra directo y sin anestesia, sino que comienzan por las rutinas de entrenamiento de los reclutas en Estados Unidos, antes de embarcarse hacia Europa.

Cada uno de los episodios está centrado en un personaje distinto, aunque claramente hay dos que preponderan y permanecen a lo largo de la historia que son el mayor “Dick Winters” (Damian Lewis) y el capitán Lewis Nixon (Ron Livingston).

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La historia, cuyo título está inspirado en Shakespeare y particularmente en la famosa arenga de Henry V, está basada en un libro del historiador Stephen E. Ambrose, quien se dedicó a investigar y seguir el periplo, andaduras e infortunios de la mencionada compañía de paracaidistas. Además, cada episodio echa en su inicio mano del testimonio de reales protagonistas de los hechos, lo cual agrega un elemento más para comprender (o mejor sentir) el horror de la guerra desde adentro.

El realismo es sobrecogedor y de una crudeza hasta entonces nunca vista en televisión. Las escenas de batalla, filmadas muchas veces con cámara “nerviosa” y al hombro, crean una sensación de urgencia y caos en la cual no siempre sabemos qué está ocurriendo, pero esa justamente es la idea: que sintamos en carne propia la angustia y confusión del momento.

En ese sentido, Hermanos de Sangre es una verdadera postal de guerra y, como tal, descarnada. No busca resaltar la épica sino el horror y conviene advertir que no es por lo tanto apta para estómagos débiles o personas impresionables.  Realismo documental dirán algunos, regodeo dirán otros y seguramente los dos con algo de razón.

Pero el triunfo en la guerra, a la larga, acaba en mera anécdota cuando lo único importante es seguir vivo como se pueda y no es lo mismo arrastrarse entre vísceras de animales durante un entrenamiento que hacerlo entre cuerpos humanos despedazados o desmembrados que muchas veces son de tus amigos.

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De hecho, no es una serie en la que convenga encariñarse demasiado con los personajes. Y no se trata simplemente del manido recurso de matar a quien aparece por primera vez o lo ha hecho poco, sino de sentir la inmediatez y fugacidad de la guerra, en la que vidas humanas son descartadas y reemplazadas a cada momento.

Es por eso que no puede haber épica. Por el contrario: la cercanía de la victoria se va desarrollando en la serie de manera directamente proporcional a la sombra en el rostro de los personajes, que van entendiendo que no puede haber celebración alguna con tanta muerte y horror alrededor, ya sea de amigos, desconocidos o incluso enemigos.

La serie sigue a la compañía Easy a través de Francia, Holanda y Bélgica para entrar finalmente en Alemania e incluso luego en Austria. La producción es prácticamente cinematográfica por no decir que lo es del todo. Filmada mayormente en Reino Unido, se montaron ciudades completas en ruinas e incluso se plantaron árboles para recrear los bosques, ya casi inexistentes en dicho país hoy en día.

Y contrariamente a lo que ocurre en muchas producciones de Spielberg en las cuales la música por momentos satura y hasta molesta, aquí la banda sonora compuesta por Michael Kamen está muy bien dosificada y sabe crear la emoción adecuada en los momentos justos, pero las escenas más dramáticas transcurren en silencio o, las más de las veces, con el fragor de la batalla como fondo. Y es un gran acierto el no recurrir nunca a la cámara lenta, que quitaría parte del vértigo y confusión que se buscan transmitir.

Poética y a la vez estremecedora es la secuencia en la cual un cuarteto de cuerdas interpreta a Beethoven mientras la cámara gira en círculo por los rostros de los músicos y nos va así mostrando también la destrucción a su alrededor.

El desempeño de los actores es magnífico, del primero al último. Se destacan obviamente los dos principales, en cuyos rostros vemos el proceso de cambio que van sufriendo a medida que la guerra avanza, pero nadie desentona y los primeros planos, de los que a priori podría pensarse que quitarían clima a una serie bélica, contribuyen por el contrario a que sintamos lo mismo que los personajes.

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Si hubiera que poner algún pero, sería la ausencia absoluta de rostros afroamericanos, algo de lo cual también adolecía Salvar al Soldado Ryan. Es cierto que muchas veces integraban en la guerra batallones separados del resto, pero es difícil de pensar que nunca fueran a cruzarse con los demás y hay incluso montones de fotografías de época en que se les ve mezclados. Ignoro la razón de tal omisión y más viniendo de Spielberg, quien ya ha demostrado con filmes como El Color Púrpura (1985) o Amistad (1997) que comulga bien poco con la segregación racial.

El otro punto débil podría ser la falta de historia previa de los personajes y que, más allá de alguna rutpura amorosa o divorcio a la distancia, no sepamos nada sobre los parientes y amigos que han dejado en América. Sin embargo, cuadra perfecto con la idea es presentar a la compañía como un mundo propio en el cual sus integrantes están prácticamente solos e incluso las grandes noticias (como las muertes de Roosevelt o Hitler), les llegan oídas al pasar y de modo aislado o intermitente. Quienes combaten no son conscientes, por lo general, de aquello de lo que forman parte…

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Hermanos de Sangre termina, en el balance final, siendo una serie inolvidable que mueve a la reflexión acerca de qué tanto pueden el patriotismo o el heroísmo compensar la pérdida de vidas. Una sola escena es suficientemente demostrativa cuando al fallecer uno de los personajes (no diré quién), alguien dice que muy probablemente sea luego recordado en los informes de guerra como un héroe que murió cumpliendo una misión importante, cuando la realidad es que lo hizo en un sótano, sobre una camilla y agonizando ante la mirada impotente de sus amigos.

Quizás resulte paradójico recomendar una serie como esta en una sección que se llama Las Series que nos hacen Felices. Pero es que a pesar de tanto dolor y de la horrorosa realidad de la guerra, no deja de ser motivo de celebración que exista una propuesta que, como Hermanos de Sangre, sea capaz de poner ello en evidencia y movernos a la reflexión antes de salir alegre y despreocupadamente a agitar una banderita la próxima vez que haya una guerra…

Hasta la próxima y sean felices, que de eso se trata todo…

Reacher, temporada 2, la primera gran serie de acción del año

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Casi dos años después de la primera temporada, Amazon Prime nos ha traído la segunda temporada de Reacher, serie basada en las novelas de Lee Child y protagonizada por ese armario ropero que es Alan Ritchson. La primera entrega nos gusto mucho pero esta segundo nos ha entusiasmado. Vamos al lío.

Mala suerte

Esta nueva temporada se basa en la undécima novela del personaje, Mala suerte (Bad Luck and Trouble) y en la serie se sitúa un año y medio después de los sucesos de la primera temporada. Alguien está asesinando a los antiguos miembros de la 110, el grupo de investigadores especiales de la policía militar comandado por Reacher años atrás. Reacher debe dejar de vagabundear por los EE.UU. y descubrir una trama de asesinatos, conspiraciones políticas, terrorrismo y tráfico de misiles. Y no contamos más para que disfrutéis de la serie.

Si tras ver la primera temporada tuvimos alguna duda sobre la calidad de la serie, esta segunda las ha disipado por completo. En contra de la trama de Zona peligrosa, la primera novela del personaje en la que se basa, juega el recuerdo de En el calor de la noche. La trama no es demasiado original y además aun teníamos fresco el recuerdo de Tom Cruise en su encarnación del personaje.

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Ahora no. Zona peligrosa (la novela) es esencial para conocer a Jack Reacher pero palidece en comparación con el resto. Esa sensación se trasladó a la serie pero en esta segunda temporada, una vez presentado el personaje, pueden permitirse ir al grano. Eso refuerza la trama y sobre todo la acción.

Donde esté Alan Ritchson que se quite Tom Cruise

Lo lamento pero es así. Alan Ritchson ha devorado a Cruise como Jack Reacher. Las tramas de la serie y de las novelas no se explican sin que los casi dos metros y más de 100 quilos de Reacher solucionen algunas situaciones y eso Tom no lo tenía. Esas escenas en las que rompe la ventanilla de un coche de un puñetazo o hace que salte el airbag de una patada te las crees porque Ritchson es como es.

Y es en esta segunda temporada donde Alan Ritchson demuestra que puede que no tenga el carisma de Tom pero tampoco le hace falta, por lo menos para interpretar a Reacher. Por cierto, que hay rumores de que quiere interpretar a Batman (Ritchson, no Cruise). Esperemos que no porque no queremos quedarnos sin serie.

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Aunque sea antes de tiempo, se agradece también que nos hayan presentado a los miembros del grupo de investigadores de la 110. La interacción del personaje con sus antiguos compañeros ha resultado más interesante que la que mantenía con los habitantes de Margrave, lugar donde sucedía la primera temporada. Recuperamos a Neagley (Maria Stern) y a Finley y sus trajes de tweed (Malcom Goodwin), aunque este último sea un cameo. Lo compensamos con Serinda Swan, que se resarce aquí de Los Inhumanos.

Esta segunda temporada de Reacher consta de 8 episodios y al igual que en la anterior, la acción no decae. No hay episodios de relleno sino que cada uno cumple con su objetivo, el de hacer avanzar la trama hasta el siguiente. Amazon Prime ha descubierto que tiene un filón entre manos y las ha dosificado a uno por semana, lo que ha incrementado nuestra ansia.

Serinda Swan

Por qué queremos ser Jack Reacher

Lo dije cuando hablamos de la primera temporada y lo reitero: todos queremos ser Jack Reacher. ¿Quién no quiere ser un tiarrón al que no le sopla nadie y que de un bofetón te manda a dormir dos días? En ese punto, no es de extrañar que el personaje haya triunfado. Jack Reacher es un justiciero, alejado del arquetipo de superhéroe pero fiel a los principios del género. Vagabundea sin hipoteca, sin ataduras, sólo con lo necesario.

Sucede que algunos ven en la serie y el personaje una glorificación de la violencia pero nosotros sabemos que esto es otra cosa. Las historias de Jack Reacher nos permiten escapar con él, repartir justicia con él y alejarnos de la rutina, de la cotidianidad de nuestras vidas. Sufrimos con sus heridas y nos alegramos cuando mata al malo. Es ficción y eso es lo bueno. Y una ficción muy buena.

Ya se que estamos a finales de enero pero la segunda temporada de Reacher encabeza la lista de lo mejor del año. La serie ha tomado el testigo de Jack Ryan y es una de las franquicias de Amazon Prime. Su tercera temporada ya está confirmada y si adapta la segunda de las novelas, Morir en el intento, os garantizo que disfrutaremos con ella ya que es una de las mejores del personaje. Un saludo, sed felices.