El día 27 de octubre, Paco Plaza estrenó en Netflix su última película Hermana Muerte. Se presenta como una precuela de Verónica, película del año 2017 que dio mucho que hablar en redes sociales. Así que esta cinta sirve para desvelarnos la historia de la carismática monja ciega que pudimos ver en dicha obra
Estamos en la España de 1949. Después de la devastación y los horrores de la guerra, un antiguo convento de clausura reabierto recientemente se ha convertido en un internado para niñas. La poco más que adolescente Sor Narcisa (Aria Bedmar) fue enviada por el obispo como profesora de literatura española, para alegría de la madre superiora.
La mujer espera con inquietud a la que, en su infancia, había sido definida como la ‘Niña Santa‘, ya que en el pueblo donde nació todos estaban convencidos de que había sido el epicentro de un milagro, y que fue capaz de comunicarse con la Virgen.
Sin embargo, una vez llega a su celda y asume su rol de maestra, la protagonista pronto comienza a vivir extraños y siniestros fenómenos que la llevan, poco a poco, a descubrir los oscuros secretos del convento y a conocer la terrible historia de Sor Socorro (Almudena Amor).
Hermana Muerte. La monja española.
Pues si, tenemos ante nosotros una película de terror protagonizada por una monja. Nada nuevo en el horizonte… y es demasiado fácil que esta nueva película de Paco Plaza nos recuerde a La monja del prolífero James Wan.
Aunque esta vez, nuestra monja va vestida de un blanco impoluto, nos volvemos a meter de lleno en los misterios de un convento con muchos secretos entre sus paredes, a la que sumamos una protagonista con un halo de inocencia mezclado con unos pensamientos oscuros, que inquieta.
Y justamente esa es la palabra que me viene a la cabeza para describir Hermana Muerte: inquietante. De nuevo vamos a tener ese terror psicológico, que nos encontramos en La abuela, gracias a que la película nos deja tomarnos tiempo para conocer a la joven novicia Narcisa y a todos sus miedos. Algo que empezará a hacer que el espectador más aprensivo empiece a removerse en su asiento.
Pero si eres de los que les gusta el terror en su pura esencia, aquí no lo vas a encontrar. Hermana Muerte juega con algún que otro susto fácil y con sucesos paranormales que tienen más fuerza gracias a las protagonistas más pequeñas, algo que siempre funciona en las películas de terror.
A esto unimos que la película tiene una historia previsible y poco sorpresiva que será la que tendremos que ir desentramando para entender los sucesos paranormales que ocurren en el convento.
Y ¿eso es malo? Pues depende de los ojos que la miren, como todas las cosas. Personalmente, he pasado un rato entretenido viendo Hermana Muerte. Es verdad que los personajes que acompañan a la joven novicia son muy muy planos y que parecen muñecos de relleno, algo que no ayuda a que el espectador sienta el poder del final de la película.
Para contrarrestar eso, tendremos una claridad visual espectacular, casi de foto, con momentos muy íntimos en que los gestos dicen más que las palabras, como debe suceder en toda película de miedo que se precie. Algo que mantendrá al espectador atento, esperando un susto de un momento a otro.
Así que, si buscas una película para pasar una noche de terror con amigos o amigas, Hermana Muerte debe de estar entre las elegidas.
Alguien en la productora Blumhouse debió pensar que era buena idea mezclar en una misma película Screamy Regreso al Futuro. Una verdadera estupidez pensareis. Normal, yo pensaba lo mismo. Pero ha sido ver Sangrientos Dieciséis, recién estrenada en Prime Videoy cambiar totalmente de idea. Me ha parecido una de las películas mas divertidas que he visto este año.
Estamos en Halloween y por eso las plataformas se esfuerzan en estrenar series y películas de terror, que es lo que se lleva en esta época. Fruto de este afán Prime Video estreno el pasado 6 de octubre Sangrientos Dieciséis, una cinta que podría parecer la típica historia de jóvenes perseguidos por un asesino en serie sin más.
El argumento nos presenta el típico pueblecito estadounidense que intenta dejar atrás una gran tragedia ocurrida hace 35 años. Tres jóvenes murieron asesinadas salvajemente cuando cumplieron los dieciséis años sin que el asesino pudiera ser atrapado ni volviera a actuar nunca más. En este lugar la joven de diecisiete años Jamie Hughes (Kiernan Shipka) intenta vivir su vida mientras soporta la sobreprotección de su madre Pam (Julie Bowen), que conoció en el instituto a las tres chicas asesinadas.
Jamie Hughes es una chica de armas tomar
El problema llega cuando Pam es asesinada por el mismo hombre que mató a sus amigas hace tantos años, algo que trastoca la vida de Jaime. Más aún cuando el asesino la ataca y huyendo de él acaba en una maquina del tiempo viajando al pasado, justo antes de que las chicas sean asesinadas. Así que decide que les salvará para evitar así que su madre acabe muriendo en el futuro.
Visto así, el argumento es bastante simple y tiene muchas inconsistencias. La primera, ¿cómo es posible que una joven (la mejor amiga de Jaime) pueda construir una máquina del tiempo? Pero aquí hemos venido a jugar, así que si pasamos por alto estas cosas lo cierto es que la historia de Sangrientos Dieciséis funciona perfectamente. Y lo hace porque sabe lo que quiere contar y como. En ningún momento oculta que el andamiaje de la trama es una mezcla entre Halloween y Screen por un lado y Regreso al Futuro por otro.
Pam Hughes y sus amigas en los ochentas
Sólo hace falta ver la mascara del asesino para acordarse de Michael Myers. Y ese nivel de violencia física cuando ataca, recibiendo el propio asesino una buena cantidad de golpes, no puede si no remitirnos a Ghostface. Y tampoco esconde la influencia de Regreso al Futuro. Es más, la propia Jamie pregunta a la gente de los años ochenta que si ha visto la película para explicar su situación. Y en muchas ocasiones se pone como ejemplo de las consecuencias de los viajes en el tiempo.
La película tiene una mezcla perfecta entre terror y humor que mantiene al espectador pegado a la pantalla. El choque cultural que se produce cuando Jamie, una joven de su tiempo, empieza a ver cómo nos comportábamos en los ochenta, es divertidísimo. Hay infinidad de gags sobre la incorrección política y burocrática de esos años, sin olvidar el típico tema de los estatus sociales en el instituto. Algo que es aún más divertido cuando nuestra protagonista descubra que su madre, tan educada y buena persona ella, era una verdadera arpía de joven.
Un asesino con máscara, todo un clásico
Así la película trascurre entre bromas, chascarrillos, sangrientos asesinatos y explicaciones seudocientíficas sobre los viajes en el tiempo. Siempre con un ritmo perfecto que nos lleva de un escenario de los asesinatos a otro mientras vemos como se las apaña la pobre Jaime en los ochenta.
Pero para que una cinta de este tipo funcione, es necesario tener una protagonista carismática, algo que sin ninguna tenemos en Sangrientos Dieciséis. Kiernan Shipka, conocida por dar vida a Sally Draper en Mad Men, y a Sabrina en Las escalofriantes aventuras de Sabrina, esta esplendida. Las caras que pone cuando se encuentra con alguna peculiaridad de los años ochenta o lo bien que funciona en las escenas más físicas subrayan un trabajo de interpretación magnifico. Bien podría decir que esta Jamie Hughes es una más que digna heredera del mítico Marty McFly.
En resumen, Sangrientos Dieciséis es una muy grata sorpresa perfecta para las terroríficas fechas en las que estamos. Es una película que no engaña a nadie pero que ofrece todo lo que promete y mucho más. Una cinta ideal para visionar sin prejuicios y sentarse a disfrutar de la sangre que salpica la pantalla, de las leches que lleva el asesino y de lo salvajes y divertidos que eran los ochenta.
Con dirección de José Manuel Serrano Cueto, Osario Norte: Los Últimos Días de San Valentín investiga y deconstruye el ocaso del actor Jorge Rigaud para ofrecer una estremecedora y aguda reflexión sobre el olvido como mal social.
No parecería en principio pensable que un actor consagrado en las cinematografías de por lo menos seis países diferentes acabe con sus restos en una fosa común. Tampoco que quien ha interpretado a personajes entrañables que han calado hondo en la estima del público termine sus días en la soledad y el olvido. Sin embargo, ese ha sido el triste destino de Jorge Rigaud y a ello precisamente apunta este documental tan bello como desgarrador deJosé Manuel Serrano Cueto que es Osario Norte: Los Últimos Días de San Valentín y que acaba de ser estrenado en el 18° Festival de Cine Inusual de Buenos Aires.
De hecho, no deja tal circunstancia de ser un guiño al propio origen del actor, ya que fue justamente esa ciudad la que le vio venir al mundo un 11 de agosto de 1905 como Pedro Jorge Rigato Delissetche. Con una trayectoria cinematográfica que muchos quisieran tener (de nada menos que cincuenta años), fue estrella en la época de oro del cine de su país (años cuarenta y cincuenta), para luego desfilar por las cinematografías española, francesa, italiana, británica e incluso la de Hollywood, a veces como Jorge y otras como George o Georges e incluso, según se llega a apreciar aquí, con el apellido cambiado a Rigaut.
De asombrosa versatilidad, transitó por los más variados géneros, desde la comedia romántica hasta el terror, pasando por el western, el péplum, la ciencia ficción, el thriller psicológico o el cine de aventuras. Y mientras que en su cinematografía de origen interpretó sobre todo a personajes oscuros o psicóticos, en España se le conoció generalmente por personajes de tipo elegante y señorial, quedando indisolublemente ligado a San Valentín, querible ángel que bajaba a la Tierra para recomponer relaciones de parejas en conflicto, al que diera vida en El Día de los Enamorados (1959) y su secuela Vuelve San Valentín (1962), ambas dirigidas por Fernando Palacios.
Además, no solo desfiló por la pantalla de cine, sino también por la de televisión, así como por las tablas de teatro y hasta la publicidad, convirtiéndose, de hecho y según aquí se dice, en el primer actor de carrera en grabar spots publicitarios para la televisión española.
Pero Osario Norte no es un mero documental biográfico ni una cronología de su carrera, sino un poderoso llamado de atención: una estocada directa sobre las culpas que como sociedad cargamos al sumir en el olvido a aquellos que nos han hecho pasar grandes momentos y, muy especialmente, a los artistas.
De hecho, comienza por el final: anoticiándonos tristemente de que los restos del celebrado actor descansan hoy en un osario común del cementerio parroquial de Leganés sin siquiera placa o identificación (aunque los créditos finales nos ponen al tanto de que quizás alguna tardía justicia haya llegado gracias a este documental).
Es a partir de ese dato inicial tan devastador que Serrano Cueto desarrolla un profundo y exhaustivo trabajo de investigación a puro pulmón y voluntad pues, tal como se aclara, el filme no tiene subvenciones ni aportes de ningún tipo y, según se aprecia a medida que lo vamos viendo, tampoco demasiado apoyo o respuesta de parte de organismos oficiales para los fines investigativos.
Rigaud falleció un 17 de enero de 1984 en un hogar asistencial de Leganés, después de haber sido atropellado pocos días antes por una motocicleta en la Gran Vía y de haber pasado por un hospital que, en aras de liberar camas, le dio simplemente el alta en una mezcla de indiferencia, abandono, negligencia y desidia. De allí fue a parar una modesta tumba y, después de diez años sin que amigo o familiar alguno intercediese, a un osario junto a otros cuerpos sin identificación. Tal el triste camino que el filme desbroza.
Y allí está justamente lo más importante para destacar de Osario Norte que, como decíamos antes, no es una mera película biográfica. El propio subtítulo Los Últimos Días de San Valentín nos dice a las claras que la intención es deconstruir lo ocurrido en ese tramo final de su vida y tratar de entender cómo habrá lidiado con la cruz del olvido.
Para ello, se recurre a testimonios de quienes le conocieron o le admiraron, destacándose particularmente el del actor Pedro Casablanc. También el de ex empleados de la institución en que tuvo lugar su triste final o bien gente común de Leganés que, al ser interpelada y aun sabiendo de su trayectoria, muestra sorpresa al enterarse que Rigaud murió en su propia comunidad.
Y si bien el propósito declarado del documental es que el actor termine teniendo su justa placa recordatoria, el caso suyo es usado como testigo para llevarnos a reflexionar sobre el trato que damos a nuestros mayores, a nuestros seres queridos y, muy especialmente, a nuestros artistas. Y lo interesante es que no busca la respuesta certera ni la moraleja fácil, sino que en nuestro fuero íntimo nos preguntemos por qué actuamos de ese modo.
De hecho, el del filme es un planteo que perfectamente se puede traspolar. Me fue imposible, mientras lo veía, no relacionar con Beatriz Bonnet, prestigiosa actriz también argentina de vasta trayectoria en cine, teatro y televisión a cuyo funeral, hace unos años, no asistió absolutamente nadie (literal: nadie) y hasta tenía el nombre mal escrito. Uno de los asistentes al estreno, con quien estuve hablando, me transmitió la misma asociación aun sin habérsela yo mencionado.
Ni qué hablar de Laurel y Hardy, increíble dúo cómico americano del cine mudo y sonoro que, sin embargo, fue solo una vez invitado a la televisión de su país y mucha gente se sorprendió de que estuvieran vivos. O Los Tres Chiflados, el trío cómico más grande que haya existido (increíblemente y hasta donde sé nunca emitidos en España), cuyos integrantes acabaron sus días en la pobreza o en asilos.
Balance Final
Para los griegos, la mayor condena que se podía imponer a alguien no era la muerte, sino el destierro, porque ello significaba que tu sociedad te daba la espalda. Pero, claro, lo hacían con quienes habían cometido una falta o delito hacia la comunidad mientras que nosotros, contrariamente y vaya a saber por qué, condenamos al cruel olvido a quienes nos han hecho felices.
Sobre ello, precisamente, nos hace reflexionar Osario Norte, que es al mismo tiempo homenaje, reconocimiento y llamado de atención. Si hay algo peor que la muerte es el olvido y filmes como este constituyen una pequeña, pero a la vez enorme contribución para sacar del mismo a quienes allí hemos arrojado. Pues si, como vemos aquí, la sociedad no se ha percatado de que alguien querido y admirado ha muerto, que al menos se percate de que ha vivido…
Hoy en nuestro retro-análisis hacemos repaso de Cool World, una Rubia entre Dos Mundos, filme de Ralph Bakshi que, combinando animación con live action en clave de policial negro con toques de erotismo, incluía en su elenco a Kim Basinger, Brad Pitt y Gabriel Byrne. El resultado quedó lejos de lo que podía hacer suponer ese cóctel explosivo.
Bienvenidos otra vez a nuestra sección de retroanálisis, hoy para hablar de Cool World, filme animado de 1992 conocido en España como Cool World: Una Rubia entre Dos Mundos y en América Latina como Mundo Coolo El Mundo de Holli, según países. Cuesta creer que la carrera de un realizador talentoso, pionero e irreverente como Ralph Bakshi pueda haberse prácticamente truncado con una sola película, pero fue así. En su descargo hay que decir que las culpas no fueron todas suyas…
Cuando decimos pionero, nos referimos a que Bakshi lo fue decididamente en la animación para adultos, atreviéndose a meter en sus películas sexo, masoquismo, drogas o violencia sin el menor reparo y casi siempre con algún discurso social y mucho de sátira: todo lo que hoy está de moda, en definitiva…
Ya El Gato Fritz (1972) había revolucionado el avispero al ser la primera cinta animada de la historia en llevar calificación X (aquí la crítica de mi compañero Máximo). Algo semejante ocurrió con la también exitosa y controversial Heavy Traffic (1973), precursora de la que hoy nos ocupa al incluir tanto live action como animación.
También fue responsable, aunque hoy se recuerde poco, de la primera adaptación cinematográfica de El Señor de los Anillos (1978) y de esa gema en colaboración con el maestro Frank Frazettaque fue Tygra: Hielo y Fuego (1982), de la cual pueden leer aquí nuestro retro-análisis. Incluso fue convocado por los Rolling Stones para dirigir el videoclip de Harlem Shuffle, aquel de los gatos en el callejón que quizás sea el recuerdo más grato de un flojo álbum de la banda (Dirty Work, 1986).
La Sombra de Roger Rabbit
Si a los impresionantes pergaminos de Bakshi sumábamos en un mismo elenco a Gabriel Byrne, Kim Basinger y Brad Pitt, solo podía pensarse que la cosa prometía y tenía que funcionar. La realidad fue la contraria y el fracaso de crítica y audiencia tan grande que prácticamente terminó con la carrera del director en lo que a cine animado se refiere.
Se trataba de unir animación y actores en un contexto noir con fuerte impronta erótica. Pero uno de los mayores problemas era que cuatro años antes se había estrenado ¿Quién engaño a Rogger Rabbit?, quellevaba a inevitables comparaciones por haber dejado la vara muy alta. El otro problema era Frank Mancuso Jr., quien, como productor (y sobre todo como hijo de quien era en esos momentos director de Paramount), quería justamente llevar al filme en la línea del de Zemeckis y que tuviera calificación de trece años, como finalmente fue.
La Historia
El filme se inicia en LasVegas en 1945, cuando aún era una población de mala muerte en medio del desierto sin casinos ni neón. FrankHarris (BradPitt) regresa del frente de combate en Italia y se reencuentra felizmente con su madre, a quien enseña una moto que ha ganado apostando e invita a dar un paseo. La cosa termina mal: un conductor ebrio e imprudente se los lleva por delante, haciendo que su madre pierda la vida y que él, atormentado por ello, caiga en estado de inconsciencia.
Desde ese momento y sin que se sepa cómo, aparece en CoolWorld, mundo animado que se presenta como sórdido ambiente urbano en que pululan mafiosos, prostitutas y grupos marginales, siendo él allí el único humano de carne y hueso. El extraño portento ha sido provocado por un científico animado que se apellida Whiskers y que está probando un particular objeto que permite romper la separación entre ambos mundos.
De allí nos vamos a Las Vegas, pero en 1992, y nos encontramos con Jack Deebs (Gabriel Byrne), autor de cómics que purga en la cárcel por haber asesinado al amante de su esposa, pero que está próximo a salir. Su objeto de deseo es su propia creación en tinta: la voluptuosa rubia Holli Would (fonética prácticamente igual a Hollywood).
Por alguna razón indeterminada, también él va a parar a Cool World y se encuentra con Holli, quien se desempeña como bailarina y cantante en un club nocturno al tiempo que sueña con triunfar como MarilynMonroe. Desde el momento en que se conocen, ella solo quiere hacer el amor con él, motivando así el recelo de Frank Harris, quien sigue en ese mundo y, como detective de policía que ahora es, brega por evitar todo posible contacto sexual entre humanos y caricaturas ya que, al parecer, es peligroso…
Los Méritos
Antes de hablar de lo que no funciona en Cool World, hablemos de lo que sí. Como no podía ser de otra forma en un filme de Bakshi, la animación, al menos mientras no interactúa con el live action, está muy bien lograda y remite a las caricaturas de Chuck Jones de los años treinta y cuarenta, pero con un toque más contemporáneo, asfixiante y apocalíptico.
Se lucen particularmente los diseños callejeros de Milton Knight, cuyo entorno urbano de neón con edificios retorcidos y espiralados crea un conjunto poblado de detalles expresionistas o cubistas en que parecieran confluir Blade Runner y El Gabinete del Doctor Caligari.
Holli, como personaje, es otro logro: sensualidad pura a la que la rotoscopia da realismo. Y cuando, después de hacer el amor, se corporiza en Kim Basinger, el ojo del director no la desatiende sino que sabe explotar su potencial al punto que en ninguna otra película luce tan sexy (sí, créanme: en ninguna).
La banda sonora es otro punto alto, pues el renunciar a arreglos orquestales clásicos en favor de sonidos electrónicos, dance o rockeros, encaja de perlas con lo alocado del entorno y lo frenético de la historia. Está compuesta por Mark Isham y Billy Duffy, cuya banda The Cult suena en el filme junto con Moby, Thompson Twins o David Bowie, autor e intérprete del tema Real Cool World que, compuesto especialmente para el filme, se deja oír en los créditos finales.
Y dado que Cool World es un mundo que pareciera vivir en una permanente década de los cuarenta, no faltan arreglos de jazz o momentos crooner. Basinger, por cierto, se desempeña muy dignamente al cantar Let´s make Love o, por lo menos, bastante mejor que Frank Sinatra Jr., quien hace con ella dúo sin dar impresión de saber en dónde está o por qué…
Las Deficiencias
¿Qué es lo que no funciona entonces? En primer lugar, Mancuso. Como dijimos, quería otra Roger Rabbit y las reescrituras acabaron siendo insoportables. No solo suyas sino también de la propia Basinger que, como si nunca hubiera hecho Nueve Semanas y Media, quería dar a la película un tono familiar que, en propias palabras, entretuviera a los niños en los hospitales: fin encomiable, desde luego, ¿pero qué tenía que ver con Bakshi?
De hecho y aunque parezca mentira, la idea original de este era hacer “la primera película de terror animada de la historia”, pero el proyecto acabó trastocándose por completo y el sello personal de Bakshi difuminándose.
Las similitudes con Roger Rabbit son harto evidentes: Holli remite mucho a Jessica Rabbit, mientras que Jack y Frank tienen elementos de Eddie Valiant, el detective que interpretara Bob Hoskins. Sumemos el clima de policial negro, la ambientación de época y la presencia de dos universos paralelos, uno real y otro animado.
Es cierto que la película va un paso más allá en erotismo: en donde Jessica Rabbit sugería e insinuaba, Holli es bastante más lasciva, muestra anatomía y quiere acción. Pero aun así, se queda lejos del erotismo casi subversivo de los filmes de Bakshi y el resultado acaba por ser un híbrido que, intentando satisfacer a públicos diferentes, no conforma a ninguno.
En medio de todo eso, grandes ideas se pierden y diluyen: a nadie se le había ocurrido antes el sexo entre personajes animados y live action, pero cuando ello ocurre pasa a segundo plano por preferir la película centrarse en los insufribles ayudantes del detective Harris, quienes buscan espiar la habitación en plan voyeur. Y por más sensual que luzca Holli en formato real, no muestra tanta piel como su versión animada y no es que lo estemos reclamando (bueno, quizás un poco sí), pero es una traición a la esencia de Bakshi…
La historia, por otra parte, es bastante caótica y llena de detalles que no se explican: no terminamos de saber si Cool World es un mundo creado por Jack o siempre existió y lo que hizo él fue captarlo y llevarlo al papel. Tampoco si en el mundo real Frank murió, desapareció o se halla en estado de coma, ni qué tipo de vínculo guarda con Holli o qué rol cumple en la historia su novia Lonette. Hay allí un triángulo totalmente desaprovechado y los supuestos giros del final son más bien deus ex machina…
Pero las mayores chapuzas tienen que ver con la interacción entre animación y live action, que es donde más se siente la carga del precedente de Roger Rabbit. Los actores caminan por entre decorados ampliados que parecieran estar en otro planeta y ni siquiera miran a los ojos de las caricaturas con quienes dialogan. Si la idea era copiar el filme de Zemeckis, podrían al menos haberlo hecho bien…
Y no es tampoco que los actores compensen con talento escénico. Brad Pitt está lejos de hacer un trabajo como los que hará después y para el público era, en ese momento, el ladrón sexy de Thelma y Louise . Gabriel Byrne, que tenía más trayectoria y demostrada solvencia, nunca acaba de calzar en el filme y salta a la vista que no tiene idea de cómo relacionarse con personajes que no están, por lo cual cae en sobreactuación. Y Basinger, definitivamente y aun cuando después haya evolucionado, no era Meryl Streep…
A ello hay que sumar unos animalejos antropomorfos que, quitando clima, se cruzan todo el tiempo en primer plano y muchas veces por delante de los eventos principales. Es cierto que también en Roger Rabbit había algo de ese frenesí, pero la diferencia es que allí veíamos desfilar a personajes que ya conocíamos largamente, mientras que aquí nos son totalmente desconocidos y ello deviene en que nos resulten indiferentes y hasta molestos…
Valoración Final
La impresión que deja la película es de oportunidad desaprovechada. Si se hubiera dado totallibertad creativa a un realizador talentoso como Bakshi, el resultado hubiera sido seguramente otro y podríamos ahora estar hablando de una película que marcó época. Pero mamarrachos de producción, historia mal ejecutada e imperdonables errores técnicos hacen que no sea así.
Quedan para el rescate los diseños urbanos, la banda sonora o la animación, por lo menos cuando permanece como tal y no interactúa: solo por eso es que no le doy una calificación peor. Todo lo demás hace aguas y, de hecho, parece haber sido para el director una experiencia bastante traumática porque en lo sucesivo se dedicó únicamente a largometrajes live action y solo volvió a transitar la animación en cortos o en la serie Spicy City que, con una única temporada de seis episodios, se emitió por HBO entre julio y agosto de 1997.
Cool World termina siendo, lamentablemente, una muestra de lo que ocurre cuando se pretende captar a dos públicos diferentes, pero no se atrae a ninguno: si se quiere tener el cerebro de Einstein y el físico de Rambo, siempre se corre el riesgo de acabar con el cerebro de Rambo y el físico de Einstein…
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Mazinger Z Integral. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
No apto para todos aquellos que pintamos canas. Este Mazinger Z Integral tiene las aventuras, las primera aventuras del robot más famoso de nuestra generación. Recuerdo que originariamente estos álbumes se publicaron por la editorial Grijalbo a finales de los años 70. Y fueron 6 tomos llenos de magia y alegría para todos los niños nacidos en los años 70, y alguno de los 80.
Mazinger Z era y es un icono social y cultural que transcendió barreras hasta llegar a occidente, y asentarse como un fenómeno de masas. Pero lamentablemente para alguien de la época, que programaba los dibujos de la televisión, debió ser algo violento y finalmente cerró la emisión en España.
Pero como de todo se sale, mientras no llegue la muerte, de alguna manera u otra se las apañaron para sacar 6 álbumes en 1978. Y esos tomos eran como la 8ª maravilla del mundo. Y digo esto porque el fenómeno de Mazinger se extendió como la pólvora, y no dejaron de llegar sucedáneos de robots que, aunque estéticamente parecidos, poco tenían que ver con el original. Y claro, en el mundo del cómic la cosa no podía ser diferente, y también empezaron a surgir, como setas, otro tipo de «monstruencos» de acero pero que no tenían nada que ver con nuestro viejo amigo de la aleación Z.
Y visto lo visto estos cómics son una maravilla, pero ojo sólo para gente de más de 40 años. Estoy casi convencido que si no viviste la época de Mazinger por la tele, este Mazinger Z Integral te va a gustar menos que recibir una patada. Porque son cómics de otra época y porque son recreaciones de la serie original, con sus defectos y virtudes.
Hablamos de un dibujo algo tosco, inherente a la época, con un dibujo clásico, pero añejo, antiguo y al cual mucha gente no llegará a acostumbrarse. Y eso sin contar con el entintado, que sobre todo el primer tomo poseé unas líneas muy gruesas, como si se estuviera experimentando con el dibujo. En fin, hablamos de una edición de hace 45 años publicada de nuevo en 2023. Más no podemos pedir.
Mirando en los títulos de crédito y luego como referencia en Whakoom he visto que los autores son españoles, cosa que desconocía. José Garcia aparece como el guionista, que parece adaptar los capítulos del anime al cómic. Y en segundo lugar aparecen Garmendia y Güell Cano como dibujantes, dejando a Marutxi como el entintador, el que antes dije que experimentaba.
Y en estos tomos nos narran la primera historia de todas, en la que se habla de la aleación Z, y en la que vemos como el Doctor Infierno y el Barón Ashler intentan conquistar el mundo comenzando con Japón. Vemos fugazmente al Doctor Kabuto, el mismo de la aleación Z y abuelo de los niños, incluyendo a Koji, que se acaba convirtiendo en el piloto del robot. Y así vamos pasando por varias historias míticas y clásicas y… porque no decirlo, maravillosas hasta la última donde finalmente Mazinger consigue las famosas alas de combate que le permiten volar y hacerse casi invencible. Un punto de ruptura que sirvió para cerrar esta colección de 6 tomos décadas atrás.
Mazinger Z integral es una maravilla para nostálgicos, pero quizás no la mejor elección para nuevas generaciones.
Contiene una antología de las historietas de la serie Mazinger Z publicadas en 6 álbumes en 1978 por la editorial Grijalbo / Junior.
Mazinger! Planeador abajo! Con estas tres palabras comenzaba, el 4 de marzo de 1978, la emisión en España de una de las series más revolucionarias de dibujos animados. A partir de ahí, muchos fueron los productos que se comercializaron relacionados con Mazinger Z, entre ellos una colección de seis álbumes donde se adaptaron algunos de los mejores episodios del robot dirigido por Koji Kabuto. Este volumen integral incluye los seis álbumes.
Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez.
Resident Evil es divertido. En su versión original tal cual vino en 1996, en su versión HD Remaster de 2015 (la que está en Steam) y en las mil versiones más que hay del juego. Ya se ha dicho muchas veces que el control de los personajes está totalmente desfasado, y es verdad. Ya se ha dicho muchas veces que bebe del juego de NES «Sweet Home» y también de la genialidad francesa de «Alone in the dark«.
Que si el juego que asentó el género de los videojuegos de miedo/de survival horror/etc. También hay mucho escrito sobre batallitas del abuelo Cebolleta sobre el momento en que vimos al primer zombi girando la cara y mirar a cámara. Y no faltan las proclamas al buen hacer de los Resident Evil clásicos, sus cámaras fijas y su tensión en comparación con los Resident Evil más modernos, repletos de acción y un poco hechos como un tren de la bruja.
Desde este humilde pero viril sitio creemos sinceramente que todo eso está más que contado y sobado. Lo que quizás no esté tan hablado es todo lo que tiene que ver con lo más básico, la raíz de tantos artículos y videos subidos de juegos de la saga. Es decir, el porqué Resident Evil es divertido.
Al final, como en casi todo, con Resident Evil hubo mucho de suerte. De casualidad. De tirarse a la piscina y resultar que había agua. La época de la que hablamos (principios-mediados de los 90) era la de los inicios del 3-D en los videojuegos como algo normal y asumido: todo tenía que salir ya en 3-D, abandonando lo que se decía y creía obsoleto como eran las dos dimensiones.
El problema es que aunque la tecnología para hacer juegos en 3D existiera y fuera viable económicamente nadie tenía experiencia en hacer videojuegos en 3D. Nadie sabía muy bien qué hacer con la cámara, qué tipo de controles usar, cómo hacer que los juegos no sean imposibles ni muy fáciles y muchas más.
En esa época se fueron a la basura no sabemos cuantas compañías por no haber dado con la tecla de la transición al 3D. El cementario de elefantes puede uno verlo en el catálogo de videojuegos de la primera Playstation, auténtica galería del horror videojueguil en la que había muchísimo horrible y también cosas increíbles, sin una clase media (que hoy sí hay) clara.
Lo de la pantalla de carga con la puerta fue un apaño para disimular que los tiempos de carga eran numerosos. La cámara fija fue un apaño, una tirita, hasta el punto que cuando a Mikami le felicitan por su uso él mismo dice que se avergüenza y suele responder que fue algo para salir del paso.
En perspectiva podría decirse que él quería hacer Resident Evil 4 ya en 1996, pero que sus ideas estaban muy por delante de lo que podía hacerse. Luego lo terminaría haciendo en 2005 y arrasando a niveles increíbles hasta nuestros días.
La base de Resident Evil fue la gestión de la escasez. Los videojuegos podía tener inventario, pero las limitaciones aquí eran enormes. Un personaje llevaba como mucho seis objetos y el otro ocho. Esto implicaba que el jugador se encontraba constantemente con cosas que quería llevarse, pero no podía al no tener espacio. Tenía que volver a una habitación donde tenían los objetos en una caja.
Al volver la atmósfera te mantenía tenso la primera vez, más aún cuando de vez en cuando pasaban cosas nuevas. No es verdad que ir y volver por la mansión del primer videojuego fuera pesado: las primeras veces sabías que te habías dejado un zombi o un perro o demás y que tendrías que esquivarlo o matarlo.
Es decir, los reflejos realmente no eran importantes y sí la planificación a medio plazo de qué llevar, qué hacer y si te ibas a arriesgar mucho llevando poco para volver menos sobre tus pasos o no te arriesgas y asumes que vas a regresar mucho por donde has venido. La elección está en el jugador, pudiendo funcionar perfectamente con varios estilos de afrontamiento distintos.
Este acierto en el diseño va unido a otro: no solo gestionas la escasez es que todo es escaso. El primer Resident Evil no te agobia con 10 o 12 enemigos de golpe. Es muy normal enfrentarse a uno solo, hay bastantes veces con dos enemigos y raro cuando hay tres o más. Pero cada enfrentamiento es imprevisible hasta cierto punto: al entrar en cada estancia con enemigos estos tienen internamente una tirada de dados oculta en la que se determina cuanta vida tendrán.
Puede que con pocas balas caigan, puede que un solo zombi se coma un cargador entero. Quizás tengas mucha suerte y de un disparo se le vuele la cabeza. Hay un punto en el que la planificación se te puede ir al garete o sorprenderte para bien.
Esto funciona en Resident Evil también con los ataques que te hacen los enemigos. Hay una parte mínima de daño que pueden hacerte y luego se añade una variable. Puede pasar perfectamente que si juegas con Jill Valentine en dos bocados se acabe el juego. O con Chris Redfield puedes aguantas a saber si seis o siete.
Ella aguanta menos de base (tiene menos puntos de vida) pero la variabilidad en los puntos de vida que pueden quitarte es otro elemento de sorpresa, de horror y de nuevo de buen diseño: nunca sabes si el siguiente ataque te dejará tiritando.
En realidad los juegos de los años 90 seguían esa senda de que cada golpe contara muchísimo, como sucedía también en los juegos de lucha en comparación con lo que sucedería conforme pasaran los años, en los que cada golpe era menos decisivo. Las batallas con los jefes finales de Resident Evil en realidad se decidían en pocos golpes/disparos de escopeta, ya fueran del jefe o de nuestro personaje.
Al final, si nos ponemos serios, la verdad es que hay munición para matar a prácticamente todos los enemigos de Resident Evil. Justo, pero sí debería dar. Está medido al detalle, de tal modo que tengamos muchos momentos de auténtica escasez de munición y tengamos que pensarnos lo de esquivar o incluso que nos muerdan alguna vez para no gastar munición. De nuevo el diseño original primaba el pensamiento a medio plazo.
En estos pensamientos estratégicos estaba metida el diseño de la mansión Spencer, protagonista del primero de todos los videojuegos. Con varias plantas y varias rutas para llegar a las mismas habitaciones en muchos casos, la mansión abría la posibilidad a dejar enemigos molestos en alguna zona y hacer rodeos para guardar recursos.
De nuevo, el juego a veces nos daba la vuelta a la tortilla haciendo que nuevos enemigos rompan las ventanas y se metan o aparezcan nuevos tipos de enemigos cuando volvemos a la mansión, pero ese pensar en las distintas plantas, los distintos caminos y las distintas maneras que podemos usar para avanzar en la aventura contribuían a que nos sintiéramos los protagonistas con plena capacidad de decisión de Resident Evil.
Y, en eso, los personajes protagonistas ayudaban. Eran los clásicos protagonistas de videojuego japonés sosos y sin mucho carácter propio, el cual ya fueron teniendo con el paso de los juegos de la saga.
Al fin y al cabo aquello era un sentido homenaje a las películas de serie B de miedo, y encontrábamos lo que se suponía que tenía que haber: mucha gente no sabiendo actuar, gente sobreactuada y protagonistas tirando a olvidables. Precisamente esa falta de sustancia ayudaba a las mecánicas jugables, tan agradecidas con la flexibilidad del jugador. Al fin y al cabo si alguno de los dos personajes jugables, Chris y Jill, hubieran estado muy definidos en su forma de ser o expresarse nos hubiera condicionado mucho más.
Y sí, jugablemente era más difícil jugar en Resident Evil con Chris: menos espacios de inventario, más puntos de vida, más enemigos y algunos puzzles que te facilitaban la vida no podía hacerlos o necesitaba ayuda de alguien para sacarlos adelante. Era realmente distinto jugar con Jill o con él. Esto unido a los distintos finales y a los eventos que pueden pasar o no en función de las cosas que vayamos haciendo hacían de Resident Evil algo muy rejugable. Incluso en pleno 2023 lo es.
Con todas estas decisiones pudieron hacer una base jugable demoledora y divertidísima, que fue la que sostuvo tantas improvisaciones y tiritas (cámaras estáticas, no primera persona, puertas abriendose en pantallas de carga muy abundantes, un guion que tampoco era nada del otro mundo, control ortopédico para salir del paso). Tiempo habría de, como dijimos, cumplir los sueños de Shinji Mikami muchos años después con Resident Evil 4. Achicaron mucha agua y debajo había un tesoro.
Recientemente os hablaba del inminente estreno de Fargo, podéis leerlo aquí. Pues ya queda menos y para saciar la espera tenemos tráiler.
Fargo en esta ocasión está protagonizada por Jon Hamm y Juno Temple. Os recordamos que la serie se estrena el 29 de noviembre enMovistar+. La trama nos lleva al 2019 presentándonos a una ama de casa que, sinceramente, no es lo que parece.
Esta es la quinta temporada de una serie antológica basada en la película de los Hermanos Coen, aunque no comparte con la misma ni trama ni personajes.
A día de hoy las dos primeras temporadas me siguen pareciendo las mejores con diferencia y obras maestras de la televisión.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos las novedades de Nuevo Nueve Editores, previstas para este mes de noviembre. Como siempre ocurre con la editorial madrileña, tendremos obras de grandísima calidad, a un precio muy competitivo.
Novedades de Nuevo Nueve en noviembre de 2023
Un mes más, la editorial Nuevo Nueve nos presente su catálogo de novedades y desde aquí, queremos destacar lo que más nos llama la atención (sin desmerecer el resto del catálogo, eso sí).
1.- El último rebelde. Una aventura de Tex.
«Detrás de las numerosas acciones criminales que siembran el terror en el Estado de Virginia, se esconde una conspiración armada por un grupo de ex soldados sureños que sueñan con cambiar los destinos de la Guerra Civil, fomentando una revuelta contra los vencedores del norte.
Llamado por un pez gordo del gobierno, Tex solo tiene una forma de detener el loco plan del general Jackson: ganarse la confianza de uno de los hombres del general y ayudarlo a escapar de la penitenciaría en la que está encerrado.
Después, nuestros protagonistas deberán infiltrarse en sus filas y tratar de desbaratar el complot antes de que ocurra un baño de sangre.
Wilson presenta un diseño dinámico, gracias a su experiencia en trabajos como ‘La juventud de Blueberry’ o ‘El Juez Dread’».
Este volumen saldrá a la venta el 13 de noviembre, con un P.V.P. de 30€. En mi opinión, es un tomo imprescindible para cualquier aficionado al wéstern, cualquier aficionado al cómic de aventuras o cualquier aficionado el noveno arte en general.
Podéis reservar el cómic desde la página de Nuevo Nueve, pinchando aquí.
2.- T´Zée. Una tragedia africana.
«En el fondo del bosque ecuatorial, en el palacio de T’Zée, crece el rumor. El viejo dictador habría sido asesinado. Mientras el país se hunde en el caos de una guerra civil, los miembros del clan presidencial experimentan los últimos momentos de un régimen corrupto que está desapareciendo.
El destino de Hippolyte, hijo de T’Zee, se cruza por última vez con el de Bobbi, la joven esposa del desaparecido dictador: se revela un amor imposible y monstruoso.
Todas las carencias del África postcolonial (corrupción, tribalismo, neocolonialismo por parte de las potencias occidentales…) se describen en este álbum de forma magistral. Las escenas mezclan presente y pasado sin confundir a los lectores».
Ricardo Esteban siempre nos ha traído a España las obras de Brüno. Autor muy interesante en todas sus obras y este T´Zée no va a ser una excepción. El volumen saldrá a la venta el 6 de noviembre, con un P.V.P. de 25€.
Podéis reservar el tomo desde la página de Nuevo Nueve, pinchando aquí.
Y hasta aquí nuestras recomendaciones de Nuevo Nueve Editores, para este mes de noviembre.
No obstante, justo aquí debajo, os dejo el pdf completo con todo el catálogo de nuestra querida editorial madrileña, previsto para ya mismo.
Amazon Prime Video sigue adelante en su empeño de llenar nuestras pantallas de terror aprovechando la llegada de Halloween. Después de ver la divertida Sangrientos Dieciséis ahora toca reseñar Cosecha Oscura (Dark Harvest), adaptación de una novela de Norman Partridge con guion de Michael Gilio y dirigida por David Slade, entre cuyos trabajos anteriores destacan la estremecedora Hard Candy y 30 días de oscuridad.
Como viene siendo habitual en los últimos tiempos, esta película parte de una premisa original que se aleja de las típicas historias de terror de las que parte, como sería en este caso por ejemplo Los Chicos del Maíz.
Richie, el protagonista de la historia, con sus amigos
El argumento de Cosecha Oscura es el siguiente: En un pueblo maldito del medio oeste de EEUU, la cosecha anual se convierte en una brutal batalla por la supervivencia. En Halloween de 1963, Jack Dientes de Sierra (Sawtooth Jack), una terrorífica leyenda, surge de los campos de maíz y amenaza a los jóvenes del pueblo. Pero los chicos están sobre aviso y se preparan para ser ellos los que den caza y maten al monstruo, algo que deben hacer antes de que llegue a la iglesia del pueblo y pase la media noche.
El joven que acabe matando a Jack Dientes de Sierra se convierte en el héroe del pueblo y él y su familia serán recompensados con una casa fantástica para los padres y un Corvette para que el chico pueda irse a ver mundo. Pero en esta ocasión hay un problema. Richie, el hermano del último ganador, quiere participar en la cacería, algo que no tiene permitido ya que hay que dar la oportunidad a otras familias de ganar el premio. Pero nuestro protagonista se empeña en dar muerte al monstruo, algo que tendrá funestas consecuencias y que sacará a la luz secretos largo tiempo escondidos.
Richie frente a la iglesia del pueblo
Este original planteamiento, en el que los jóvenes son los encargados de cazar al monstruo, es el principal gancho de una película que a ratos recuerda un poco a La Purga. Tres días antes de Halloween los chicos son encerrados en sus habitaciones, sin comer ni beber, para que sean poco más que bestias salvajes a la hora de enfrentarse a Jack Dientes de Sierra. Esto produce situaciones muy violentas ya que los jóvenes no se controlan y se atacan entre ellos o asaltan los locales de comida del pueblo, con situaciones muy violentas y sangrientas.
Los responsables de la película se permiten también tratar temas tan tópicos en el cine de terror como el pueblo maldito, la leyenda aterradora, la localidad de la que no se puede salir, la realidad oculta por los adultos y el sometimiento colectivo a «lo que hay que hacer», algo que se subraya con el marco temporal del relato, unos años 60 donde el sueño americano era algo a lo que había que aspirar, pero siempre dentro de un orden. Por eso también hay críticas al machismo o al racismo que se solventa a través de una chica de color que será el principal apoyo de Richie en su misión. Todo sin olvidar el fenómeno de las pandillas juveniles tan propio de la época y que también queda perfectamente reflejado.
La compañera de Richie en la caza
Todo esto da una personalidad propia a la película que la hace interesante. La ambientación, el trasfondo de la historia y las escenas violentas y gore de la caza están muy bien, pero la película acaba fallando un poco al final ya que deja de lado un aspecto muy importante.
La historia pasa muy de puntillas por las razones de que el pueblo tenga esta maldición, esta obligación de cazar todos los años al mismo monstruo. Nunca queda del todo claro porque la gente no se marcha del pueblo, o de donde viene la maldición. Además, sólo hay un escueto diálogo entre dos personajes que nos dice que pasaría si los chicos no matan a Jack. La cinta se centra tanto en los jóvenes que deja prácticamente de lado a los adultos, de tal manera que el trasfondo de la historia queda bastante cojo, más allá de menciones un tanto cripticas al Gremio de Cosechadores que domina con puño de hierro al pueblo.
El final al menos se empeña en dar un poco de contexto a la figura de Jack Dientes de Sierra dando un cierre coherente a la historia, que incluso deja abierto el camino para una posible secuela.
En resumen, Cosecha Oscura es una película interesante que tiene una original visión sobre un tema muy trillado, ideal para ver en Halloween. Aunque se queda un poco lejos de lo que podría haber sido si hubiera sabido equilibrar la trama de la caza con unas coherentes explicaciones sobre el trasfondo de la historia.
Después de tres largos años por fin hemos podido ver el primer capítulo de la nueva temporada de la magnífica 30 monedas. Sólo puedo decir que la vuelta de la serie de Álex de la Iglesia es tan apabullante que me ha dejado sin palabras, sin poder quitar los ojos de la televisión disfrutando de una historia que apunta a ser mucho más grande y que tiene momentos realmente espectaculares. Pero vamos a dejarnos de historias y centrarnos en el análisis este primer episodio, titulado El pueblo fantasma.
La acción comienza justo donde acabó la temporada pasada, con los miembros de la secta cainita reunidos en Pedraza luchando entre ellos para hacerse con alguna de las 30 monedas después de que el padre Vergara (Eduard Fernández) se precipitase al vacío desde un balcón con el Cardenal Santoro (Manolo Solo). Parece que la unidad no es una de las claves de esta secta porque no veas como se matan entre ellos, con que saña y con que gusto, ante la mirada bovina de los habitantes del pueblo, que recordemos estaban siendo controlados mentalmente.
Los cainitas acaban huyendo del pueblo y luego vemos como la anciana bruja del lugar se lleva los cuerpos de Vergara y Santoro para someterlos a un macabro ritual. Lo próximo que volvemos a ver de Vergara es que se despierta en un sitio muy peculiar. El mismísimo infierno, que luce espectacular de la mano de Aléx de la Iglesia. No sabemos muy bien por que Vergara puede deambular libremente por el Reino de los Condenados pero mola mucho.
El padre Vergara asomado a uno de los balcones del infierno
Luego es hora de conocer a uno de los nuevos personajes de esta temporada. Se trata de Haruka (Najwa Nimri), una influencer dedicada a los programas de misterio en internet que llega a Pedraza con su socio para hacer un especial sobre lo que pasó en el pueblo. Pero una vez allí ven como unos misteriosos hombres secuestran a un pueblerino y se lo llevan al castillo, que ahora esta cerrado a la espera de convertirse en un hotel. El socio de Haruka saca un dron para ver que pasa dentro y ven que hay gente buscando algo dentro del castillo. Pero pronto pierden el control del dron que acaba volviendo a ellos para clavarse de manera brutal en el pecho del hombre. Haruka acude a la guardia civil pero cuando llegan, el cuerpo no está y dentro del castillo no hay nadie. Así que la pobre mujer decide quedarse allí a vigilar cuando se van los guardias.
Ahora es el momento de ver que le ha pasado a los viejos conocidos de la serie. La agente Salcedo (Nuria González) está siendo evaluada por sus superiores, aunque estos no se creen nada de lo que cuenta (normal por otra parte). Paco (Miguel Ángel Silvestre) cuida de una comatosa Elena (Megan Montaner) ingresada en un hospital. Lagunas, el guardia civil del pueblo (Pepón Nieto) y Antonio, el «tonto del pueblo» (Javier Bódalo) se han escondido en un aerogenerador mientras investigan los sueños y recuerdos de un Antonio que parece que puede ser clave.
El alma de Elena está en un lugar muy caliente
Antonio parece interesado en un misterioso personaje llamado Barbrow (Paul Giamatti) a quien conocemos mientras puja por un obelisco antiguo. Acabará llevándoselo, pero pagando un elevado precio por las contrapujas de Ángelo (Cosimo Fusco).
Una vez que la serie nos ha mostrado a los principales protagonistas es hora de poner en marcha la acción. Haruka ve a la vieja bruja de Pedraza y decide seguirla. Descubre el ataúd donde está el cadáver de Vergara y justo después la anciana la ataca con una guadaña. Cuando todo parece perdido para Haruka llega Salcedo (que parece que la conoce de algo) y la salva. Después, las dos mujeres deciden irse a investigar al psiquiátrico donde están ingresados los habitantes de Pedraza después del trauma por lo sucedido. Queda claro que el equipo de médicos oculta algo y que el hospital puede tener que ver con la organización que está construyendo el hotel en el castillo de Pedraza donde murió el socio de Haruka. Pero lo escalofriante es ver como nuestros viejos conocidos del pueblo niegan estar locos y parecen saber muy bien lo que pasa, señalando que Salcedo también lo sabe y debería estar allí con ellos. Mención aparte merece un matemático danés ingresado con ellos, el único en toda la sala que no es de Pedraza, y que también parece saber algo de todo lo que está pasando.
Haruka y Salcedo con los habitantes de Pedraza
En la última escena del capítulo vemos que el alma de la comatosa Elena está encarcelada en el infierno, a donde acude a liberarla el padre Vergara que luchará contra dos espeluznantes demonios que parecen sacados de la imaginación de Clive Barker. Vergara le pone a Elena un objeto en su mano y le dice que es lo más importante que existe y deberá protegerlo cuando sienta la experiencia más dolorosa de su vida (presumiblemente cuando su alma salga del infierno y despierte). Después el sacerdote atrae a los monstruos y vamos a fundido en negro.
Valoración del capítulo
30 monedas ha vuelto por todo lo alto, con un episodio magnífico que se ve en un abrir y cerrar de ojos. Álex de la Iglesia y Jorge Guerricaechevarría presentan de manera muy ágil la nueva situación en la que están los personajes de la serie a la vez que introducen alguno nuevo que pinta que será muy importante. Lo hacen de una manera muy amena, saltando de un escenario a otro sin que el espectador pierda el hilo y guardándose algunos ases en la manga de cara a un futuro que parece ser muy prometedor.
Los demonios de 30 monedas dan muy mal rollo
Parece que el escenario de Pedraza va a quedar de lado ya que la serie crece volviéndose mucho más global. La conspiración que investigan Lagunas y Antonio tiene alcance mundial, con el infierno extendiendo sus tentáculos por todos los sitios, con situaciones de crisis en todas las partes del mundo (algo que no está tan alejado de la realidad si vemos las noticias). Incluso visitamos lugares como Nueva York para conocer a nuevos personajes como Barbrow.
El escenario del infierno que vemos en la serie es grandioso. Pocas veces se ha visto un Reino de los Condenados tan bien plasmado y tan espectacular (solo se me viene a la cabeza los episodios de Sandman). Y genial también los demonios que lo pueblan y la pelea con Vergara, con un Eduard Fernández que ha hecho suyo al personaje y que esta muy bien en las escenas de acción.
En cuanto a las nuevas incorporaciones, poco podemos decir del Barbrow de Paul Giamatti ya que apenas si aparece. La que me ha encantado ha sido Haruka. Najwa Nimri hace un trabajo magnifico con este personaje que también hay que decirlo, es muy agradecido. Su personalidad arrolladora e irónica y ese look tan personal hacen de este personaje todo un caramelito para cualquier actriz.
En resumen, la segunda temporada de 30 monedas ha arrancado de manera explosiva, con un capítulo genial que sirve para sentar las bases de lo que está por venir y presentar una historia que promete ser mucho mayor que la primera temporada sin dejar de lado sus señas de identidad: terror, acción y personajes carismáticos y bien perfilados que nos van a llevar a adentrarnos en las sendas más oscuras del infierno.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos las novedades de Norma Editorial, previstas para este mes de noviembre. Tengo que decir, que viene la cosa fuerte y … ¡Vuelve Blacksad!
Novedades Norma Editorial de noviembre de 2023
Mes tras mes, tenemos un aluvión de novedades por parte de todas las editoriales que publican en nuestro país. Por ese motivo, nos gusta hacer alguna o algunas recomendaciones del catálogo de cada editorial.
En este caso, vamos a intentar seleccionar algunas recomendaciones, del catálogo de Norma Editorial, previsto para este mes de noviembre. Va a ser difícil, la verdad.
1.- Blacksad. Todo cae – Segunda parte.
«El regreso de Alma Mayer ha puesto patas arriba la vida de John Blacksad, reviviendo un amor que este creía olvidado.
Además, Alma está relacionada con el asesinato de Iris Allen, del que Weekly es el principal sospechoso. Los indicios, sin embargo, apuntan al poderoso magnate Lewis Solomon, que está levantando un puente inmenso, un puente edificado sobre los huesos de varios muertos.
Juan Díaz Canales y Juanjo Guarnido nos traen de vuelta a John Blacksad en la esperadísima conclusión de Todo cae, una historia en dos partes que nos recuerda por qué esta serie es considerada el mejor noir del noveno arte».
Este tomo, saldrá a la venta el 22 de noviembre.
2.- Ataque a los Titanes. Integral 1.
¡VUELVE ATAQUE A LOS TITANES EN UNA EDICIÓN DEFINITIVA!
En un mundo dominado por el miedo a los titanes, la raza humana, convertida en mero alimento para esos seres, se protege de la invasión confinándose tras altísimos muros y aislándose del mundo exterior.
Sin embargo, esa paz aparente se rompe con la aparición de un titán que, tras destruir el muro, inicia una nueva contienda que decidirá, de una vez por todas, quién se hará con la hegemonía en el mundo».
Esta edición definitiva, contará de once volúmenes, de casi 600 páginas, en un tamaño de 14,8 x 21 cm y un P.V.P. de 24,50€. Y todos conocemos cómo edita sus integrales Norma Editorial ¿no es así?
No soy aficionado al manga. Recientemente me estoy haciendo con varios títulos como Tokyo Revengers. Esta es una magnífica ocasión de hacernos con esta mítica Ataque a los Titanes. Saldrá a la venta el 22 de noviembre.
Y estas han sido nuestras dos recomendaciones de Norma Editorial, para este mes de noviembre.
No obstante, más abajo, os dejo el pdf completo con todo el catálogo de la editorial barcelonesa, previsto para este mes de noviembre. Echad un ojo, disfrutad y …
En plena era de la globalización, si hay un país que ha revolucionado el cine en estos veintitrés años de lo que llevamos de siglo XXI ha sido Corea del Sur. Hasta el punto de que Parásitos, la última película de Boong Joon-ho, ganó el Óscar a mejor película y a mejor película internacional, algo absolutamente inédito en la historia del cine. Joon-ho llevaba años asombrando al mundo con sus películas y Parásitos fue la culminación de su carrera. Pero, dentro del cine coreano, también tenemos a directores como Kim Ki-Duk (director de Hierro 3) o, sobre todo, Park Chan-wook, el primero en asombrar a medio mundo desde Corea con Oldboy, uno de las películas de culto más reconocidas de la historia del cine. Hoy hablaremos de Decision to leave, su última película, estrenada a principios de año.
Hae-Joon es un veterano detective, metódico y muy involucrado en su trabajo, hasta el punto de tener una pared de su casa dedicada a los casos sin resolver, que le acompañan y le angustian hasta el punto de generarle insomnio. Al principio de la película tendrá que investigar la muerte de un hombre que se ha precipitado de una montaña. Mientras intenta dilucidar si ha sido un accidente, un suicidio o un asesinato, Hae-Joon entablará una relación con la mujer del fallecido, Sore, una mujer china que se casó con este por conveniencia.
Lo primero de todo es que, teniendo una filmografía muy admirada por la crítica, he asistido a Decision to leave únicamente conociendo la famosa Oldboy. Una película desquiciada, innovadora en su enfoque de la acción y con una trama increíble en su punto de partida y en sus giros. Es decir, todo lo contrario que Decision to leave.
Queda claro que Park Chan-wook es lo que los críticos llaman un esteta. Es decir, de los que dirige películas que, cuando uno las ve, sabe que hay alguien moviendo la cámara. A todos nos ha pasado. Vemos películas, buenas o malas, en las que lo que más nos llama la atención es la interpretación del tal actor o lo que está ocurriendo. Pero ni nos paramos a pensar en cómo está nos están contando lo que está ocurriendo.
Park Chan-wook es capaz de utilizar todo tipo de recursos fílmicos para, en el caso de Oldboy, impactar. En lo que respecta a Decision to leave, la gran cantidad de zooms, rimas estilísticas, uso del color, transparencias o travellings están destinadas a que cada fotograma de la película tenga una belleza atemporal.
Y esto ocurre porque, a diferencia de la tan conocida película de su director, Decision to leave es una historia tremendamente clásica. Tanto como para que al ver la película a uno le resuenen los nombres de Alfred Hitchcock y Max Ophuls, directores del periodo más clásico de la historia del cine.
Decision to leave parte de una concepción del cine negro clásico de los años 40, con su femme fatale y todo. Por ahí he leído que la película recuerda a Vértigo pero a mí me venía a la mente El proceso Paradine, aquel Hitchcock menor con un abogado que se enamoraba perdidamente de la mujer a la que debía defender.
En sí, la historia es poco original y la hemos visto unas cuantas veces. Lo que mantiene el interés es el uso de la cámara de Chan-wook y las interpretaciones de los actores. Él, que con muy poco es capaz de expresar la lucha interna entre el deber y la pasión. Ella, absolutamente indescifrable.
Sin embargo, poco a poco la intriga se va difuminando y va dejando a paso a lo que verdaderamente le importa a su director. La historia de amor imposible entre Hae-Joon y Sore, entre detective y sospechosa, entre un hombre coreano y una mujer china con ciertas dificultades en el idioma.
Y el interés comienza a crecer. De hecho, lo que menos atrae de esta Decision to leave es, precisamente, su punto de partida. A medida que la relación entre los protagonistas se estrecha y la trama cambia de tiempo y espacio, el director comienza a atraparnos y atraparnos…hasta destrozarnos en su final.
Aquí es donde Decision to leave resuena a Max Ophuls, uno de los directores que mejor ha sabido extraer la emoción en una sala de cine. Es decir, uno de los cineastas más románticos de la historia.
En la suma de la elegancia y versatilidad de la puesta en escena a lo Hitchcock y en la capacidad de hacernos vibrar el corazón a lo Ophuls tenemos Decision to leave.
Lástima de que la película se haga un poco larga en su primer tercio, porque cuando atravesamos ese primer acto ya es difícil apartar la vista de lo que nos cuenta Park Chan-wook.
En definitiva, Decision to leave es una de las películas del año. Un elegante thriller noir que exuda clase por todos sus poros pero que es capaz de hacernos emocionar con su desesperada, imposible y tóxica historia de amor fou. Y es que sus personajes solo son capaces de dejar atrás lo que se ama cueste lo que cueste…o no abandonarlo nunca más, cueste lo que cueste.
Y a mí me ocurre un poco lo mismo con el final de esta película. Puede que el famoso giro final de Oldboy sea ese bofetón que nadie espera, pero los últimos minutos de Decision to leave es ese frío constante que, poco a poco, cala. Que, al igual que Hae-Joon y Sore, no se puede dejar atrás.
El Guardaespaldas de Masud es una de las últimas novedades de cARTEm Cómics y es a la vez el primer número de la colección Historias de la guerra.
El guion es de Jean-Perre Pécau, el dibujo de Renato Arlem y el color de Thiago Rocha.
Historias de la guerra
La verdad es que cARTEm Cómics ha hecho muy bien en poner ese título a la colección, más explícito no puede ser, al menos en lo que concierne al número que tenemos entre manos.
¿Y quién es Masud? Antes de contestar conviene meterse en un contexto histórico. El cómic está ambientado durante la invasión soviética de Afganistán en la década de los ochenta del siglo pasado.
La guerra de Afganistán, fue consecuencia de la invasión soviética en la Navidad de 1979, dentro del contexto de la Guerra Fría. Y es que Afganistán entablaba negociaciones con Estados Unidos. Este conflicto fue para los rusos su propio «Vietnam», ya que además de enfrentarse a una potencia en su propio territorio, tenía también el apoyo de los americanos y países árabes.
Pues en este contexto cabe ubicar El guardaespaldas de Masud, donde el auténtico protagonista de la historia es un soldado ruso llamado NiKolai Bystrov.
Bystrov es un soldado que será apresado por las fuerzas afganas pero los avatares del destino provocarán que se gane la confianza del mismísimo Masud.
El joven Bystrov pese a su juventud no ve clara la participación soviética en el conflicto y acepta trabajar como guardaespaldas de uno los principales jefes militares de la resistencia durante los años de la ocupación soviética (1979 y 1989). Masud frenó hasta siete ataques a gran escala por parte del ejército soviético en el valle de Panshir, lo que le valió el sobrenombre de “León de Panshir”.
Una biografía carente de romanticismo, es la guerra.
La vida de Bystrov está marcada por la guerra. Su vinculación al lado afgano le hará convertirse al musulmán cambiando su nombre a Islam-ad-Din. Su apego a Masud fue bastante grande por lo que pondría su vida en peligro con tal del protegerlo.
La historia de Pécau es dura, áspera, no hay lugar para el optimismo pero es que estamos en medio de un conflicto, de una invasión, en definitiva de mucho odio. Bystrov no obstante conocerá el amor, el cual pondrá a prueba la lealtad de Bystrov para con Masud.
El arte de El guardaespaldas de Masud.
Si bien la historia es atrapante por lo directa que es, hablamos de un cómic de 60 páginas, es de destacar el dibujo de Renato Arlem, impecable en todos los aspectos. Es digno de admirar los uniformes militares y las armas con unos primeros planos asombrosos donde se ve el detallado estudio del armamento militar de aquella época. Igualmente destacar las localizaciones, sin duda alguna un aspecto muy cuidado.
Consideraciones finales
El guardaespaldas de Masud es el primer número de la colección Historias de la guerra a la que se le une La insurgente de Varsovia, de la cual os traeré en breve su correspondiente reseña.
Esta lectura es sobre todo para los ávidos lectores de historias bélicas y de corte histórico. Además de comprender que es lo que provoca una guerra, deshumanización, barbarie, pobreza, etc.
En la presente edición de cARTEm CÓMICS se incluye un dosier con contexto para disfrutar al completo de la obra donde se expone la historia de Moscú en ese momento por Lasha Otkhmenzuri.
LA HISTORIA REAL DE NIKOLAI BYSTROV, PRISIONERO SOVIÉTICO Y GUARDAESPALDAS DEL COMANDANTE MASUD.
Bystrov llegó a Afganistán en 1983, donde la guerra con la URSS hacía estragos. Hecho prisionero por los muyahidines, y convencido de que iba a morir, se ganó la confianza del comandante Masud e incluso se convirtió en su guardaespaldas.
Muy buenas. Lo prometido es deuda y vengo con la reseña de La insurgente de Varsovia, segundo número de la colección Historias de la guerra, publicada por cARTEm Cómics.
Jean-Pierre Pécau, como ya hiciese en El guardaespaldas de Masud, muestra una historia bélica inspirada en el artículo n.º 21 de la revista Guerres & Histoire.
El alzamiento de Varsovia
Pongamos un poco de contexto histórico. El AK (Ejército Nacional) de Polonia, lucharía hasta la extenuación en la Segunda Guerra Mundial contra la Alemania nazi.
El Alzamiento de Varsovia se produjo entre el 1 de agosto y el 2 de octubre de 1944, dentro de la Operación Tempestad, aunque se esperaba que la Unión Soviética acudiera al rescate, los polacos preferían perecer si hacía falta en pos de la libertad que ser rescatados por los soviéticos.
La insurgente de Varsovia
En este contexto conoceremos a nuestra protagonista, la polaca Maria Sabina Devrim, una joven de 21 años que luchó entre las ruinas de Varsovia en el año 1944 durante el levantamiento contra los nazis protagonizado por la resistencia polaca.
La Insurgente de Varsovia está guionizado por Jean-Pierre Pécau, profesor universitario y autor de un buen número de álbumes dedicados a este conflicto y se nota. Va al grano y la exposición de los hechos es muy clara, entendiéndose con pocos textos explicativos, por lo que no le hace falta caer en dramatizaciones para reflejar la crueldad del pueblo polaco.
En el aspecto artístico, el croata Dragan Paunovic, consigue trasladar los horrores cometidos por los nazis, mostrando como sería una ciudad arrasada por los bombardeos.
Esta es una historia dura que se muestra de forma aséptica, no hay héroes, solo supervivientes que luchan por sobrevivir un día más.
El tomo se complementa con unos extras que nos dan un mayor y mejor contexto de lo que ocurrió y nos presenta al personaje principal.
Como nota un tanto negativa, decir que la historia transcurre demasiado abrupta debido al número de páginas, 60, lo que provoca que vaya la historia directo al grano en la mayor parte del relato.
Consideraciones finales
La insurgente de Varsovia es un cómic ideal para los fanáticos a la Historia y a la II Guerra Mundial, donde destaca ante todo el arte de Dragan Paunovic.
Descripción:
La lucha incansable contra la opresión nazi
En 1944, mientras el Ejército Rojo se acercaba a Varsovia, la valiente resistencia polaca dio inicio a un levantamiento contra las fuerzas alemanas. Los combatientes insurgentes se enfrentaron con coraje y determinación a las temibles SS durante tres largos meses. Entre ellos, se encontraba Maria Sabina Devrim, una joven de tan solo 21 años en ese entonces, quien se unió a la resistencia con una férrea determinación. A lo largo de aquel conflicto, María luchó incansablemente hasta el final, eludiendo de manera milagrosa la cruel mano de la muerte. Posteriormente, tras haberse exiliado en Francia, decidió compartir su inspiradora historia con el mundo.
Colección Historias de la guerra
Una historia inspirada en el artículo y la entrevista a Lasha Otkhmezuri publicados en el n.º 21 de Guerres & Histoire (2014), publicado originalmente por la editorial Delcourt en 2021.
