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Crítica de Pet Sematary: Bloodlines (Cementerio de Animales: El Origen, 2023), una aburrida precuela que aporta muy poco

Se acerca Halloween y las plataformas sacan a relucir títulos de terror, lo que hace que el maestro Stephen King esté inevitablemente entre las opciones. Pet Sematary: Bloodlines, no adapta sin embargo una historia suya sino que, basándose en un capítulo no incluido en la novela más algunas referencias tangenciales contenidas en la misma, construye una precuela para una de las más celebradas y terroríficas obras del genio de Maine, como es Cementerio de Animales. Bueno, lo intenta…

Nos venimos encontrando seguido con Stephen King en esta web. En parte es lógico por el sitial de honor que ocupa dentro de la literatura de terror y sus adaptaciones, pero más todavía por las fechas en que nos encontramos. Hace unos días y con motivo de ser incorporada a Disney+, fue el turno de El Hombre del Saco (The Boogeyman) y ahora le toca a Pet Sematary: Bloodlines (Cementerio de Animales: El Origen), película que, dirigida por Lindsey Anderson Beer con guion de ella misma y de Jeff Buhler, acaba de ser estrenada para América Latina por Paramount + y debería serlo inminentemente para España, presumiblemente por SkyShowtime.

No siempre es bueno el Regreso

A veces, la muerte es mejor”…

Esa consigna, repetida como latiguillo hasta vaciarla de contenido, es el leitmotiv que guía esta nueva adaptación de Cementerio de Animales que, a diferencia de las dos que habíamos conocido, no adapta la novela homónima, sino que se basa en un único capítulo que, escrito por Stephen King para la misma, decidió finalmente no incluir. Y el que se titule Pet Sematary: Bloodlines (Cementerio de Animales: El Origen), evidencia con bastante obviedad que la idea es contar cómo empezó todo, cosa que el filme, sin embargo, consigue en muy poca medida.

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Recordemos que, publicada en 1983, Cementerio de Animales es una novela ya llevada al cine dos veces con distinta suerte: la primera, en 1989, dirigida por Mary Lambert y con el propio King en el guion (a la que siguió una secuela bastante olvidable que ya no lo tuvo a él involucrado); la segunda, de 2019, a cargo de Kevin Kolsch y Dennis Widmyer, no estuvo a la altura y, si lo desean, pueden leer la crítica hecha al momento de su estreno por mi compañero José.

Ya allí tenemos el primer problema, pues esta película se basa justamente en esa segunda adaptación y, de hecho, está también producida por Lorenzo di Bonaventura: difícil esperar una buena precuela a partir de un filme que hacía más aguas que el pantano Little God.

La historia, ambientada esta vez en 1969, nos lleva de vuelta a Ludlow, Maine, la pequeña comunidad a cuyas afueras se halla el fatídico cementerio en que todo aquello que entierras vuelve a a la vida, pero de modo distinto y nada simpático. Nos encontramos con tres jóvenes que han sido amigos de infancia o, al menos, eso se nos dice, ya que ningún flashback lo muestra.

Uno de ellos nos es ya conocido, pues se trata de Jud Crandall (Jackson White), personaje que aparece en la novela y al que hemos visto respectivamente interpretado por Fred Gwynne y John Lithgow en las adaptaciones de 1989 y 2019: el mismo se halla a la espera de ser reclutado para Vietnam, pero la citación nunca llega y, en cambio, es convocado para el Cuerpo de Paz, al cual está a punto de partir junto a su novia Norma (Natalie Alyn Lind).

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Entre sus amigos, tenemos a Manny (Forrest Goodluck). De ascendencia indígena, tanto él como su hermana Donna (Isabella Star LaBlanc), parecen metidos en la historia con calzador solo a los efectos de establecer algún puente con la mitología aborigen ligada a los orígenes del cementerio. Fuera de ello, fuman marihuana entre los girasoles y a él se lo advierte deprimido por la inminente partida de Jud, mientras que ella, artista, intenta convencerle de abandonar Ludlow, una constante para varios personajes en la película.

Y nos queda Timmy (Jack Mulhern), de quien sus amigos se han enterado que regresó de la guerra, pero no lo saben todo. En efecto, una de las primeras escenas de la película muestra a su padre Bill (David Duchovny) arrastrándole ya muerto y enterrándolo en el místico cementerio que los nativos consagraban a ahuyentar a los males del bosque. ¿Cómo murió? Vaya uno a saber. El guion no especifica si se suicidó, llegó muerto de Vietnam o qué, pero ya sabemos que, una vez sepultado, volverá de forma diferente…

De ello se percatan Jud y Norma cuando, en plan de marcharse de Ludlow, encuentran sucio y maltrecho al perro de Timmy y al llevárselo de vuelta, lo encuentran muy cambiado: hosco, violento y resentido por haber sido el único de los tres a quien tocó ir a la guerra: una queja que, al parecer, tiene que ver con que Dam Crandall (Henry Thomas), padre de Jud, ha sobornado funcionarios para que su hijo no fuera reclutado.

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No quiero decir mucho más sobre la historia, pero ya está claro que el revivido y su perro se convertirán en un serio problema para la comunidad, provocando muertes y mutilaciones que llevarán a que los descendientes de los miembros fundadores deban unirse para combatir el mal, reviviendo así una función que, según un flashback nos ilustra, vienen cumpliendo desde los orígenes mismos del poblado. De hecho, nos enteramos que los colonos británicos fueron los primeros en encontrarse con la maldición aborigen y el cementerio de los no-muertos.

Poco para decir

Uno de los principales problemas de Pet Sematary: Bloodlines es el débil retrato de sus personajes, algo que debería haber sido tenido en cuenta si se quería dotar a la historia de elementos que hicieran recordar a Stephen King. Falta algún flashback sobre los años de infancia de los jóvenes involucrados y no tenemos, por lo tanto, forma de empatizar con sus sentimientos o conocer la química que mantenían entre sí…

No se alcanza a entender, por ejemplo, si el malestar de Manny con la partida de Jud es el de un amigo deprimido o el de un amante despechado al verle irse con su nueva novia (parece más lo segundo). Tampoco sabemos cuál era el carácter de Timmy antes de su muerte y enterramiento, así que mal podemos percibir qué tan cambiado lo encuentra el resto y, como fue dicho, ni siquiera sabemos cómo murió…

Por otra parte, tampoco es que el origen del cementerio maldito esté en 1969, sino mucho más atrás, por lo que la mayoría de las respuestas que el filme da al respecto siguen siendo parciales o incompletas, sin agregar demasiado a lo que sabíamos.

Hay, eso sí, un interesante flashback que nos lleva al siglo XVII y a cómo lo pasaron los primeros colonos al entrar en contacto con la maldición, pero lamentablemente ocupa muy pocos minutos en el metraje y es una pena porque es lo mejor de la película y lleva a pensar si no hubiera sido mucho mejor centrarla en esa historia.

Pero además, imperdonable en una propuesta de terror, el filme carece por completo de atmósfera y termina siendo aburrido, algo que en general no ocurre ni con la peor película de clase B. Cada vez que pareciera estarse generando clima, el mismo se difumina en detalles argumentales que no conducen a nada, como la sangre en los girasoles, el ave estrellada contra el parabrisas o las respectivas heridas en la mano de Manny y el antebrazo de Norma.

Y lo que podría haber sido un gran elemento a explotar, como es la ausencia de música en muchas de esas escenas, acaba por no cumplir función alguna mientras todo se desarrolla de manera previsible si hemos leído la novela original o visto las anteriores películas.

Ni siquiera se puede decir que esté bien aprovechado el contexto de época, pues sacando los vehículos y alguna canción de Creedence Clearwater Revival o The Platters (en realidad más representativos de los cincuenta que de los sesenta), no hay nada que haga pensar que estamos en la era de Acuario o de las flores, aunque más no sea en una versión pueblerina y rural.

El elenco cumple con corrección, pero nadie se destaca particularmente salvo, quizás, Forrest Goodluck, a quien tal vez recuerden en El Renacido.  En cuanto a Isabella Star LaBlanc, pueden ubicarla componiendo uno de los personajes principales en la cuarta temporada de True Detective y si se devanan los sesos pensando dónde vieron antes a Natalie Alyn Lind (como me pasó a mí), es posible que la hayan visto con algunos años menos en The Gifted o en Gotham.

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Pero está desaprovechada la nostalgia cinéfila que podría haber brindado el conficto entre Bill y Dam al estar ambos respectivamente interpretados por quienes fueran el agente de X-Files y el niño de E.T. Lo mismo Pam Grier, actriz de blaxploitation bien de los setenta que fuera muchísimo mejor rescatada por Tarantino en Jackie Brown.

Balance Final

Si la adaptación de 2019 había sido innecesaria, esta precuela lo es doblemente. Se inscribe, se puede decir, dentro de la tendencia actual a sobreexplotar a Stephen King, algo también patente en El Hombre del Saco (The Boogeyman), película de la cual he dejado crítica días atrás y que a pesar de todos sus problemas termina siendo, en comparación, mejor que esta: al menos tiene un par de buenos sustos y algo más de clima.

Lo que subyace de fondo es presentar a Ludlow como una comunidad de la cual los jóvenes quieren irse, pero no es fácil marcharse y menos aún en la medida en que sus propios padres ofician allí como una especie de guardianes.  Pero esa idea, que pintaba interesante, no está suficientemente desarrollada y se diluye con el resto.

Se podría haber hecho algo bastante mejor si, como he dicho antes, se hubiera dado mayor relevancia al flashback de la colonización americana o bien explorado de mejor manera las características de los personajes y sus vínculos entre sí. O, uniendo un poco todo ello, alternar tres líneas temporales: una en el siglo XVII, otra en la infancia de los personajes y una tercera en los sesenta.

Pero, claro, sería analizar otra película y no la que fue, de la cual solo puede decirse que acaba aportando muy poco como precuela a una de las mejores historias de King. Puede sonar a obviedad y pido disculpas por ello, pero quizás lo mejor sería seguir las enseñanzas del cementerio maldito y dejar de revivir muertos.

Por cierto, la directora Lindsey Anderson Beer está trabajando en el guion de otra película que involucra animales, aunque de muy distinto tono: el live action de Bambi, a estrenarse en 2025.  Habida cuenta de lo dicho sobre revivir muertos, hay motivos para preocuparse o bien, siendo más optimistas, quizás allí esté en lo suyo porque aquí claramente no lo está.

Hasta la próxima y sean felices…

Crítica de Papás a la antigua, la comedia que pedíamos, que necesitamos y que nos merecemos

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Netflix ha estrenado Papás a la antigua, traducción un tanto sui generis de Old Dads; es decir Papás viejos, un título mucho más acertado y fiel a lo que plantea la película dirigida, escrita y protagonizada por Bill Burr.

No entiendo este mundo

Papás a la antigua cuenta la historia de Jack Kelly (Billy Burr), un papá de 51 años que pronto repetirá en su paternidad. Junto a sus amigos Connor (Bobby Cannavale) y Mike (Bokeem Woodbine) ha decidido vender su empresa de camisetas y trabajar para los nuevos dueños, quienes ponen a un milenial al frente.

El estilo y la mentalidad de Jack chocarán no sólo con su nuevo jefe sino con toda la sociedad que le rodea, un mundo que ya no entiende, lleno de contradicciones y tiquismiquis que no aguantan una broma o un comentario.

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Si, es lo que parece. Papás a la antigua se burla de lo políticamente correcto, de la generación milenial, del feminismo y de todo lo que hoy en día desata la furia en las redes sociales. Jack, Connor y Mike están cortados por el patrón de la generación del baby boom y no encuentran su sitio en este nuevo mundo repleto de gilipolleces.

¿Nos sentimos identificados con los personajes? Hombre, pues si. No lo vamos a negar y tampoco pediremos perdón. La película no deja de ser una parodia que pone en solfa ciertas actitudes y modas que a todos nos han chirriado.

En nuestro descargo diremos que por mucha mala leche que destile la cinta (y destila mucha) al final los personajes se redimen gracias, una vez más, a esa gran institución americana que es la familia (y también gracias a la gran paciencia y comprensión de sus respectivas mujeres).

¿Vale la pena?

Bueno, la película tiene sus momentos pero no es la nueva gran comedia americana. Eso si, cuantos más días pasan desde que la vi, más me rio al recordar algunas escenas (que le vamos a hacer, a uno le puede este tipo de humor). La de Jack llegando dos minutos tarde a recoger a su hijo y la directora echándole la bronca delante de todos los padres milenials, con la reacción de Jack llamándola de todo, no tiene desperdicio.

Igual que el personaje de Connor, interpretado por el gran e infravalorado Bobby Cannavale, quien vive literalmente acojonado por su mujer y que se ve obligado a escribirle cartas a Jack cuando se halla sentado en el retrete, a oscuras, vigilando a ver si su esposa lo pilla.

Bobby Cannavale

Por si había quedado claro, en Papás a la antigua los milenials son los malos de la película. Y se lo merecen. Bill Burr es considerado uno de los mejores comediantes en vivo de todos los tiempos y no deja milenial con cabeza, retratados como unos auténticos quejicas de fiel demasiado fina que no hacen más que mirarse el ombligo.

Y para los despistados, Papás a la antigua no es una película familiar ni para todos los públicos. Personajes mal hablados y escenas más que políticamente incorrectas, le han supuesto un 17% de aprobación de la crítica en Rotten Tomatoes. Vamos, que se han ofendido por lo que Burr estará encantado. Misión cumplida.

Al mismo tiempo tiene un 90% de aprobación del público. Como decía Papás a la antigua no es la nueva gran comedia americana pero si la comedia que necesitábamos. Lo malo es que, al final, Bill Burr parece caer en los mimos malos hábitos que pretende criticar, dándole a sus personajes una redención total para que Netflix pueda satisfacer a todos sus  espectadores suscriptores. Después de arrearle a casi todo (repito, con más razón que un santo) parece arrepentirse. Un saludo, sed felices.

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Reseña de Sniper Elite, Resistencia, de cARTEm Cómics

Muy buenas, hoy os traigo la reseña de un cómic de cARTEm repleto de acción, se trata de Sniper Elite, Resistencia. Vamos al lío.

«Karl Fairburne, un francotirador legendario de la Dirección de Operaciones Especiales, ha de lanzarse en paracaídas sobre la Francia ocupada con la misión de destruir un arma secreta. No obstante, en vez de con una sencilla misión de sabotaje, se encuentra con que la Resistencia local vive una situación comprometida y con que las SS le están esperando»…

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Adaptación de una saga popular de videojuegos

Hablar de Sniper Elite es hablar de una saga mítica y legendaria de los videojuegos creada por Rebellion que actualmente va por la quinta parte, además de una versión bastante libre como eran Sniper Elite: Nazi Zombie Army’ y su secuela, ‘Sniper Elite: Nazi Zombie Army 2’.

Ahora la saga da el salto al noveno arte con un cómic lleno de acción, sabotajes, agentes dobles y muchos nazis que recibirán disparos certeros de un fusil francotirador. Todos los condimentos que hicieron mítica a la saga de videojuegos.

Sniper Elite, Resistencia: Trepidante cómic de acción bélica

«Sniper Elite: Resistencia» se ambienta en la Francia de junio de 1941, durante los turbulentos días de la Segunda Guerra Mundial. Tras la devastadora invasión alemana en 1940, el país se halla bajo el yugo del Tercer Reich, que ha instaurado una férrea ocupación militar en todo el territorio francés. Las Schutzstaffel (SS), una temida organización paramilitar y de seguridad del partido nazi, son las responsables de imponer el férreo control del régimen.

En este contexto conoceremos a Karl Fairburne, un francotirador que forma parte de la prestigiosa Dirección de Operaciones Especiales, se prepara para embarcarse en una arriesgada misión en territorio ocupado en Francia. Su objetivo principal: neutralizar un arma secreta capaz de cambiar el curso de la guerra. Sin embargo, lo que en un principio parecía ser una misión de sabotaje convencional se convierte en una situación desafiante y sumamente compleja.

Al lanzarse en paracaídas sobre la Francia ocupada, Fairburne se da cuenta con rapidez de que la situación de la Resistencia local es desesperada.

A partir de entonces asistiremos a las clásicas historias de la Segunda Guerra Mundial: traiciones, sabotajes, agentes dobles y duelos de francotiradores como en Enemigo a las puertas.

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Keith Richardson y Patrick Goddard

Respecto a los autores tenemos en el guion a Keith Richardson, suponiendo Sniper Elite, Resistencia su primera incursión en el medio. Del dibujo se encarga Patrick Goddard, artista británico que ha trabajado en la serie «Tank Girl», colaboró también en el cómic «Savage», una serie de ciencia ficción creada por Pat Mills y publicada en la revista «2000 AD». Esta serie se desarrolla en un mundo postapocalíptico y sigue las aventuras de Bill Savage. Goddard también ha trabajado en cómics relacionados con el universo de Warhammer 40,000, que es un popular juego de mesa y franquicia de juegos de estrategia.

Si bien la historia no deja de ser una más del género, el cómic brilla especialmente en el arte de Goddard que junto al color de Quinton Winter, nos ofrece unas escenas de acción bastante conseguidas siendo lo mejor de este cómic.

Consideraciones finales

Sniper Elite, Resistencia es un cómic de acción y aventuras que adapta la popular saga de videojuegos. Destaca sobre todo por las escenas de acción y violencia bélica. Recuerda a las novelas de Sven Hassel en ese sentido.

Si te gustan las clásicas historias ambientadas en la Francia ocupada por los nazis, este cómic te resultará bastante entretenido.

La edición de cARTEm Cómics es en formato cartoné, el cómic consta de 96 páginas, que se complementa con galería de portadas y de bocetos de Patrick Goddard.

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Un saludo y sed felices.

Novedades de Dolmen Editorial de noviembre de 2023. La apisonadora de Dolmen.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos el abrumador catálogo de novedades de Dolmen Editorial, previsto para este mes de noviembre. La apisonadora mallorquina, nos trae un potentísimo repertorio en este final de año.

Novedades de Dolmen Editorial de noviembre de 2023

Un mes más, tendremos serios problemas para discernir qué título es el que no vamos a comprar. Vamos a intentar seleccionar lo que más nos llama la atención de Dolmen, para el mes que viene.

1.- Nemesis the Warlock 1.

Dolmen

«¡Sed puros! ¡Sed conscientes! ¡Sed buenos!

Terrapoder, planeta capital de un cruel imperio galáctico, es gobernado por el retorcido Torquemada, quien intenta purgar toda la vida alienígena de la galaxia.

Para hacer frente a este déspota intergaláctico y sus Terminadores, se erigirá una resistencia liderada por el alienígena warlock de aspecto demoníaco conocido como Némesis, quien representa todo lo que Torquemada odia y teme.

Dos caras de una misma moneda y encerrados en un duelo sin fin, su enfrentamiento afectará al destino mismo de la humanidad».

Nemesis the Warlock es una de las series más importantes y reconocidas de 2000 AD. En este primer tomo, tendremos recogido el origen de esta saga, creada por Pat Mills (Marshal Law) y Kevin O’Neill (La liga de los hombres extraordinarios).

Una vez más, Dolmen Editorial en su encomiable labor de recuperación del noveno arte, nos trae una serie inédita a nuestro país. Saldrá a la venta el 30 de noviembre.

2.- El Imperio de Trigan 5.

Dolmen

«¡El fin de una era!

El emperador Trigo, su sobrino Janno y el fiel científico Peric deben reunirse varias veces más para proteger a los ciudadanos del imperio de amenazas internas y externas.

La rutina, tranquilidad y diversión en los dominios de Trigo se verán interrumpidas por nuevas invasiones alienígenas, conspiraciones de quienes aspiran a hacerse con el trono, y una misteriosa niebla verde que amenaza con corromper la mente y las tierras de los protagonistas.

En este volumen se incluyen los dos últimos años de la serie (1975-1977) correspondientes a la etapa de Don Lawrence.

Diferencias laborales con sus editores impulsaron a Lawrence a abandonar las aventuras de Trigo publicadas en la revista Look and Learn, convirtiendo su estatus de leyenda en mito, y dejando a la cabecera huérfana de uno de los mayores talentos del cómic británico».

Aquí concluye la mítica etapa de Don Lawrence a cargo de la serie. Y aquí finaliza Dolmen esta serie, que es una de mis favoritas de la ciencia ficción de todos los tiempos.

3.- Bill y Bolita 1967-1969.

Dolmen

«Desde su aparición en un mini-relato, el intrépido niño y su cocker se han convertido en los compañeros de aventuras de varias generaciones.

Bill y Bolita se inscribe en un género ampliamente desarrollado en los Estados Unidos, pero la serie no es únicamente otra variación sobre la vida cotidiana.

Jean Roba, su creador, ha querido que sea una crónica doméstica vista a través de los ojos de un perro. Y no de cualquier perro, ya que se trata de Bill, su propio cocker, acompañado de su hijo Philippe, apodado Boule (Bolita). Es un ejemplo de cómo llegar a una obra universal a través de lo más personal.

Este tomo reúne los gags aparecidos en los álbumes, las ilustraciones, cabeceras de portada y publicidades publicadas entre el 23 de febrero de 1967 y el 14 de agosto de 1969″.

Saldrá a la venta el 2 de noviembre.

Y sintiéndolo mucho, hasta aquí las recomendaciones de Dolmen Editorial para este mes de noviembre.

Más abajo, os dejo el pdf completo con todas las novedades de Dolmen, previstas para el próximo mes.

Echad un ojo, disfrutad y …

¡Sed Felices!

Cadáveres (2023), ¿la nueva ‘Dark’ de Netflix?

Cadáveres llegó a Netflix con una premisa muy interesante: convertirse en la nueva ‘Dark‘. La serie se estrenó el jueves 19 de octubre del 2023 y cuenta con ocho episodios que prometen llenarte de los mismos sentimientos que tuvimos mientras veíamos la mítica serie alemana allá en el 2017.

La nueva serie producida en Reino Unido de Netflix, tiene un reto bastante atrevido y nada difícil. Convertirse en la heredera de una serie que rompió moldes con su innovadora historia capaz de ‘volver loco‘ al espectador más cuerdo con sus mundos paralelos y viajes en el tiempo que lo mezclaban todo consiguiendo un cóctel del que no éramos capaces de quitar nuestros ojos.

¿Conseguirá Cadáveres algo parecido?

Cadáveres

Un asesinato y cuatro investigaciones.

Empecé a ver Cadáveres sin muchas expectativas. De hecho, no había leído nada sobre ella, y solo sabía de la serie la breve descripción que Netflix nos da cuando le das a ver la información: En 2023, la inspectora Hasan descubre un cadáver en Longharvest Lane (Whitechapel). Mientras tanto, en 1890 y 1941, otros dos investigadores encuentran el mismo cuerpo.

Como amante del género de investigación policial, me llamó la atención su sinopsis, así que le di al play con cierto escepticismo (Netflix suele hacerme sentir así).

¡Sorpresa! Vi los dos primeros episodios sin casi parpadear y me causó muy buena impresión, aunque no podía fiarme, ya que aun quedaban seis episodios para echarlo todo por tierra. Así que, manteniéndome alerta y al día siguiente, proseguí con el visionado de la serie. Y debo decir que la acabé de tirón y que Cadáveres me ha gustado.

Sin llegar al grado de intensidad y complicación de Dark, la serie inglesa basada en la novela gráfica Bodies, del fallecido Si Spencer, es capaz de mantener al espectador pendiente de la pantalla con una historia de líneas temporales que se cruzan y se mezclan en esta historia que nace en torno a la aparición de un cuerpo de hombre desnudo en un mismo lugar y en distintas épocas.

Cadáveres funciona en gran parte gracias al trabajo de sus actores, que consiguen hacer creíble esta historia donde la ciencia ficción es clave para la trama. La inspectora Hasan es interpretada por Amaka Okafor, y será la que nos lleve a descubrir el cadáver en el año 2023.

Cadáveres

En 1890, el inspector Alfred Hillinghead (Kyle Soller) será quien lleve la investigación del caso; mientras que en 1941, será el inspector Karl Whiteman (Jacob Fortune-Lloyd) en quien recaiga la responsabilidad de descubrir qué sucedió. En 2053, será la joven sargento Iris Maplewood (Shira Haas) la que encuentre el cuerpo.

En realidad, la trama es sencilla, y eso lo descubrirás cuando llegues al final de Cadáveres. En cuanto hayas desenmarañado todas las líneas temporales y todo se ponga en su sitio, te encontrarás con una historia simple que tenía que complicarse para hacerla atractiva al espectador. Quizá por ese ‘encubrimiento‘, algunas veces veremos cómo la trama gira sobre sí misma y se complica la existencia en lugar de seguir su camino de forma más natural.

Pero, incluso con esos pequeños traspiés que pareciera dar el guion, Cadáveres sabe reafirmarse y encontrar su esencia para continuar con la historia como si no hubiera pasado nada.

La serie británica consigue una adaptación aceptable a cada una de las cuatro épocas por las que nos va a llevar en esta intrigante trama. No solo viviremos su atmósfera sino que también sentiremos el momento histórico que se vive en cada año al que iremos viajando mientras van tejiendo esta historia que podría tener una segunda temporada, dependiendo todo de las cifras de estos primeros ocho episodios.

Por mi parte, puedo decir que si hay luz verde a una segunda temporada de Cadáveres, no me la voy a perder cuando la estrenen.

Qué dice Netflix de Cadáveres.

Cuatro investigadores. Cuatro épocas. Un cadáver.

Cadáveres, basada en la alucinante novela gráfica de Si Spencer, es una serie de investigación policial con un toque especial. En 1890, 1941, 2023 y 2053, se encuentra un cadáver —siempre el mismo— en Longharvest Lane, en el East End londinense, y un investigador de cada época se encarga del caso.

Los investigadores empiezan a ver conexiones a través de las décadas y descubren que sus pesquisas están relacionadas. Además, un enigmático líder político —Elias Mannix (Stephen Graham)— cobra cada vez más peso en la trama. ¿Tuvo algo que ver en el asesinato? ¿O hay algo más siniestro en juego? Para resolver el misterio, los cuatro investigadores deben colaborar y destapar una conspiración que tiene más de 150 años de vida.

Tráiler de Cadáveres.

 

Crítica de Los asesinos de la luna (2023), el antiwestern de Martin Scorsese.

2023 es un año distinto. El primero desde hace muchos en el que ninguna serie parece convertirse en un fenómeno, ninguna película de superhéroes es particularmente esperada y las dos producciones más ambiciosas de lo que queda de año son producidas por Apple y estrenadas parcialmente en las salas de cines. Pero también el año en el que el séptimo arte nos está regalando grandes experiencias en una frecuencia que hace años que no se contemplaba.

Y claro, 2023 es el año del regreso de Martin Scorsese, un director cuyos proyectos deberían ser considerados eventos en sí mismos solo por los 80 años que atesora. Dicho de otra forma, cada película que estrena Scorsese bien podría ser la última de toda su carrera. Y solo por eso ya merece toda nuestra atención. Como así la ha tenido Los asesinos de la luna, desde ya otra de las obras maestras de su director y firme candidata a mejor película del año.

Crítica de El irlandés, la anterior película de Martin Scorsese para Netflix.

Los asesinos de la luna sitúa su acción en Oklahoma en los años 20. La nación india de los Osage, recluida en una mísera reserva dentro del estado, se ha convertido en el pueblo más rico de la Tierra tras encontrar petróleo dentro de su territorio. En este contexto, Ernest Burkhart (Leonardo DiCaprio), veterano de la Primera Guerra Mundial, acude a la reserva Osage para buscar trabajo con su tío William Hale (Robert De Niro), el cacique blanco de la reserva. Mientras tanto, una serie de asesinatos de indios sacuden a la zona sin que ninguna autoridad tome medidas al respecto.

Dirige Martin Scorsese, probablemente el mejor director en activo del mundo. Le avalan los más de cuarenta años de obras maestras que lleva regalándonos. Y, pese a ser un cinéfilo empedernido y, con ello, un amante del western, Los asesinos de la luna es la primera película que puede enmarcarse dentro de este género.

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Sí, se sitúa en los años 20, lo que lo alejaría del marco habitual del Oeste americano. Pero hay ranchos, cowboys,  indios y el omnipresente conflicto entre la salvaje tradición de los indios americanos y el arrollador paso de la civilización abanderada por el hombre blanco.

De todos los géneros cinematográficos, el western es el más puramente americano de todos ellos. Creado cuando muchas de sus leyendas todavía estaban vivas, el western ha ayudado a cimentar la imagen de un pueblo americano nacido de la colonización, la valentía, el trabajo duro y el emprendimiento. Y, frente a ellos, los salvajes indios, con sus costumbres aberrantes y su empeño en traicionar los tratados que pacíficamente habían pactado con el gobierno norteamericano.

Todo mentira.

En su primer (y, probablemente, último) western, Martin Scorsese ajusta las cuentas con el mito fundacional de su propio país. Sí, hay colonos. Pero estos son los que encerraron a los nativos en reservas de tierra improductiva. Y hay emprendedores. Porque el hombre blanco es capaz de hacer cualquier cosa con tal de robarle el petróleo al indio. Y hay cowboys, unos cuantos. Pero estos son brutos incapaces de caminar al paso de los tiempos y que malviven con trabajos de poca monta que les permitan ir subsistiendo.

El director invierte tres horas y media, la película más larga de su carrera, no para narrar la investigación de los asesinatos en serie de la nación Osage. Esto solo se reserva a una parte del filme. Los asesinos de la luna se centra en profundizar en la comunidad, en la atmósfera que rodeó a todos estos asesinatos. Y lo hace sin buscar la lágrima fácil ni posicionar al espectador. Porque, entre otras cosas, es muy fácil posicionarse moralmente simplemente atendiendo a los hechos que ocurrieron. De hecho, es una película en la que es muy difícil empatizar con prácticamente todos los personajes.

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Empezando por DiCaprio, más actor de método que nunca, con gestos que recuerdan al Brando de El padrino. Su papel es tremendamente desagradecido porque interpreta magníficamente a un personaje que no tiene nada de interesante. Es un mentecato, un tipo estúpido y manipulable que, si tiene dobleces morales, deja que otros le digan cuáles son esas dobleces. Muchos afirman que es el mejor papel de su carrera. No puedo estar más en desacuerdo. DiCaprio es un maestro y lo demuestra en cada una de sus películas, pero ni el papel que interpreta ni la interpretación que consigue, siendo magníficos, están a la altura de El lobo de Wall Street o Érase una vez en Hollywood.

Luego tenemos a De Niro, otro de los actores a los que habría que celebrar tener en pantalla con la edad que tiene y entre tanta mala producción en la que actúa. Qué voy a decir. No le cuesta nada bordar uno de los papeles más desagradables de toda su carrera, lo que ya es decir mucho. Y aparecen otros actores, como Brendan Fraser (oscarizado por La ballena), John Lithgow o Jesse Plemons. Ninguno destaca por encima de los demás porque esta no es una película de interpretaciones, sino de situaciones.

De todos ellos, la única que aporta luz a la película es la desconocida Lily Gladstone. Toda una mona lisa, una esfinge de dignidad que apenas se sostiene en pie frente a lo que le está ocurriendo a su familia…pero que se sigue sosteniendo, pese a todo.

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Olvidaros del Scorsese de El lobo de Wall Street o Uno de los nuestros. Tratándose de una película basada en hechos reales, no esperéis el montaje rápido marca de la casa del director. Está tan comprometido con lo que quiere contar que se toma su tiempo…sin detenerse. No es lenta, pero sí solemne. Como un metrónomo cuyo ritmo está destinado a hacer crecer poco a poco la indignación en el espectador.

En definitiva, Los asesinos de la luna es un milagro cinematográfico, otro más,  marca de la casa Scorsese. Es el antiwestern por antonomasia. Una película perfecta en la recreación de su época y en su ritmo cadencioso, perfecto para conseguir el calado de su mensaje. Un disparo a quemarropa al vientre del mito fundacional americano y un tratado sobre la Maldad, con mayúsculas. Es la película que los oprimidos nativos americanos necesitaban y, por encima de todo, es una brutal obra maestra.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Memento Mori (2023) 1 Temporada en Prime Video.

Prime Video estrena el 27 de octubre del 2023 una de las series españolas más esperadas del año: Memento Mori, basada en la primera novela de César Pérez Gellida, uno de los mejores escritores de novela negra y de investigación policial de la actualidad.

Así que si te gustan los géneros de investigación policial, con una historia truculenta y oscura que incluye a un asesino en serie, añade Memento Mori a tu lista para ver que desde aquí te digo que no te va a defraudar.

Eso sí, aviso de que su primera temporada se queda para continuar y que te va a dejar con unas ganas tremendas de conocer el resto de la historia. Pero incluso con eso, merece la pena darle al play y dejarse llevar por esta trama absorbente, que no está exenta de giros y sorpresas.

En lascosasquenoshacenfelices, y gracias a nuestra colaboración con Prime Video, hemos tenido la oportunidad de ver Memento Mori, y aquí os contamos que nos ha parecido, sin spoilers.

Memento Mori

Memento Mori: queremos más.

Lo primero que tengo que decir es que no he leído la trilogía en la que se basa esta adaptación de Prime Video, así que no voy a caer en compararla con la novela. Personalmente, Memento Mori me ha gustado muchísimo, tanto que cuando ha acabado he dado un salto en la silla pensando en cuanto nos hará esperar la plataforma de streaming para estrenar la continuación de esta primera parte.

Tengo que decir que la forma en que nos cuentan la historia te atrapa, y eso es más que un plus ya que normalmente lo que mantiene a los espectadores pendientes de una serie del género de investigación policial es descubrir quien es el asesino, pero en el caso de Memento Mori eso lo sabemos desde casi su inicio. Así que conseguir atraparte del modo en que lo hace, es más que meritorio.

Y esto lo consiguen gracias a una historia que roza lo macabro, y que es la que empieza toda la trama, y desde ya te aviso que ese sentimiento de repulsión (bien entendida) lo vas a volver a tener a lo largo de sus episodios, y que se va a mezclar con otro de empatía que te va a dejar cuanto menos con una sensación inquietante. Lo oscuro e incomodo se mezcla con una historia con giros incluidos que te dejará con ganas de saber más.

Memento Mori

Memento Mori: Unos protagonistas con carácter.

Tenemos que hablar de sus protagonistas, es algo obligado, ya que todo el peso de la credibilidad de esta historia llena de sentimientos cae sobre ellos. Son la pieza más importante de todas, ya que una mala interpretación podría haber hecho que toda la trama se desmoronara y quedara en algo caótico y sobreactuado, algo que no sucede en Memento Mori.

Y aquí es cuando digo que me he encontrado confundida, sintiendo empatía por quien se supone que no debía de tenerla, lo que me lleva a pensar en la fuerte carga psicológica que tiene ese personaje y en poder casi afirmar que gracias a él y a Carapocha, Memento Mori se convierte en una de esas series que se quedan grabadas en tu cabeza.

Y no menciono al personaje, pero si has leído la novela sabrás de quien hablo, y si eres de los que como yo no la había leído, en cuanto empieces a ver la serie, también sabrás a quien me refiero.

Inspector Sancho.

Interpretado por Francisco Ortiz (¡García!). Intuitivo y perspicaz, Sancho no es un analista sino un agente de campo capaz de valorar una situación o una persona de un solo vistazo. Su tenacidad es su mayor virtud, y el manejo de las emociones es su talón de Aquiles. Valladolid es su ciudad y el territorio donde se mueve como pez en el agua.

Armando Lopategui ‘Carapocha’

Será Juan Echanove quien de vida a este tipo socarrón y afable en apariencia, pero en realidad en mucho más de lo que nos deja ver. Su interés por comprender el comportamiento humano fue lo que le motivó a estudiar Psicología. Por su experiencia en asesinos en serie incluso fue reclutado por la KGB para realizar perfiles psicológicos.

Será parte importante de Memento Mori ya que ayudará al inspector Sancho a entender el modus operandi del asesino.

Memento Mori

Augusto.

Un dandy del siglo XXI; culto e inteligente, su vida sigue liturgias obsesivas y se dedica al cultivo de bonsáis, el piragüismo, la música, la literatura… y la muerte. Un sociópata frío y calculador capaz de modificar su estado de ánimo según le conviene para sus fines poco ortodoxos.

Con problemas de adicción por sus traumas de la niñez, ha encontrado en asesinar un modo de escape que le produce un placer inigualable, al mismo tiempo que lo convierte en alguien a tener en cuenta. Está interpretado por un impresionante Yon González.

Violeta.

Una joven inteligente, preparada, brillante y extremadamente audaz. De mirada enigmática, belleza exótica y una personalidad compleja, a la que da vida Olivia Baglivi. Además de un carácter perturbador que deja ver sus problemas psicológicos. Su relación con Augusto parece ser lo único que la mantiene a raya, pero ¿qué pasaría si se le va de las manos?

Martina.

Es una reputada psicolingüista que colabora con el inspector Sancho en la investigación. Es una mujer inteligente y sensible, con un conocimiento de la cultura clásica que le confiere un profundo entendimiento de la naturaleza humana. A pesar de tener una forma de ser muy diferente a la de Sancho, pronto nacerá entre ambos una complicidad visible. Está interpretado por Manuela Vellés.

Tráiler de Memento Mori

Qué dice Prime Video de Memento Mori.

Memento Mori, está basada en la primera novela de César Pérez Gellida, de la trilogía Versos, canciones y trocitos de carne. Los seis episodios de la serie, protagonizada por Yon GonzálezFrancisco Ortiz y Juan Echanoveestarán disponibles en exclusiva en Prime Video el 27 de octubre en España y Portugal como parte de la suscripción Prime.

Producida por Zebra Producciones (Grupo Izen), la serie arranca cuando el cadáver de una joven con los párpados amputados aparece en Valladolid. El inspector Sancho (Francisco Ortiz) presagia una cadena de homicidios, y con el apoyo de “Carapocha” (Juan Echanove), uno de los mayores expertos en asesinos en serie, sigue el rastro de cadáveres que Augusto (Yon González), un sociópata de gustos refinados, va dejando por la ciudad. Pronto descubren que se encuentran ante un asesino que comete crímenes con banda sonora y firma los cuerpos de sus víctimas con poemas. Lo que no sabe Sancho es que la persecución se convertirá en un duelo muy personal.

La serie está protagonizada por Yon González (Las chicas del cable, El Internado), Francisco Ortiz (¡García!, El Cid), Juan Echanove (DesaparecidosAlatriste), Olivia Baglivi (Libélulas, Brigada Costa del Sol), y Manuela Vellés (Historias para no dormir, Citas Barcelona). Completan el reparto Juan Fernández (El Cid, Lucía y el sexo), Fernando Soto (La casa de papel, Celda 211), Carlota Baró (Las chicas del cable, Amar es para siempre), Javier Varela (El secreto de puente viejo, As bestas), Juanma Lara (La mancha negra, El Príncipe), Alicia Sánchez (Sky Rojo, Hospital central), Unax Hayden (20.000 especies de abejas, Irati), Rodrigo Poisón (Parot, Orígenes secretos), Ana Villa (Infiesto, El Cid), y Pau Romero (Presos en el extranjero).

Los seis episodios de 45 minutos de duración están producidos por Zebra Producciones, con Jose Velasco, Sara Fernández-Velasco, Luis ArranzMarco A. Castillo e Ibón Celaya en la producción ejecutiva, Marco A. Castillo y Fran Parra en la dirección,  guion de Germán Aparicio, Abraham Sastre y Luis Arranz, y banda sonora original a cargo de Alfonso González AguilarMemento Mori ha contado con el apoyo del Ayuntamiento de Valladolid a través de la Sociedad Mixta de Turismo y la Valladolid Film Commission. La empresa de distribución Newen Connect perteneciente a Newen Studios (TF1) es la responsable de la distribución internacional de la serie.

Retro-Análisis | ‘Metal Gear Solid 3: Snake Eater’ (2004), el James Bond de Kojima

‘Metal Gear Solid 3: Snake Eater’ es otro hito en la industria del videojuego, una obra maestra que fusiona una historia impactante y personajes memorables con una jugabilidad magistral. Este título posee una trama intrigante ambientada en la Guerra Fría, un protagonista carismático y unas mecánicas de juego innovadoras. Todo esto convierte a‘ Snake Eater’ en el mejor juego de la saga ‘Metal Gear Solid’ y uno de los mejores títulos de todos los tiempos.

La historia de ‘Snake Eater’ se desarrolla en medio de la Guerra Fría: encarnamos a Naked Snake, más tarde conocido como Big Boss, en una misión para infiltrarse en la Unión Soviética y detener la amenaza de una nueva arma nuclear. La trama está repleta de giros sorprendentes, alianzas cambiantes y traiciones, manteniendo a los jugadores en vilo desde el principio hasta el final.

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‘Snake Eater’ destaca por una amplia variedad de personajes, cada uno de los cuales podría haber sido sacado de una película de James Bond. Naked Snake es un protagonista carismático y con una determinación inquebrantable, lo que lo hace perfectamente adecuado para el papel de agente secreto. Al igual que Bond, Snake muestra una mezcla de valentía, ingenio y lealtad que lo hace inolvidable.

Personajes como The Boss, Ocelot y Volgin son complejos y carismáticos, lo que los convierte en adversarios dignos. Sus motivaciones y personalidades enigmáticas se asemejan a las de los villanos de las películas de Bond, lo que añade una capa adicional de intriga a la trama.

Pero hay dos personajes secundarios que se roban el espectáculo y destacan sobre el resto: Eva y The Boss. La primera de ellas es una chica Bond adaptada al presente con mucho de ‘femme fatale’ y de una valentía, sensualidad e inteligencia que va a cautivar al jugador desde el comienzo. ‘The Boss’ es esa mentora, dura a la par que maternal que nos va a hacer cuestionarnos todo y que será la chispa que cambie a nuestro protagonista.

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Aunque la trama de esta tercera entrega es compleja y con giros argumentales potentes, sí hay que reconocer que se simplificó con respecto a lo visto en ‘Sons of liberty’.  No por ello abandona esos diálogos ácidos y mordaces que hacen especiales a los títulos de esta saga.

Uno de los aspectos más destacados de la narrativa es su profundidad. La trama explora temas como la lealtad, la manipulación y las consecuencias de nuestras acciones. El personaje de Naked Snake se desarrolla de manera significativa a lo largo del juego, pasando de ser un soldado obediente a un individuo cuestionador y decidido.  ‘Snake Eater’ es el nacimiento del villano futuro.

El juego también se distingue por su estilo cinematográfico, lo cual a Kojima encanta y sabe hacer de forma magistral. Las cinemáticas están hábilmente dirigidas, lo que le otorga una calidad similar a la de una película.

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‘Snake Eater’ introduce mecánicas de juego innovadoras que añaden profundidad y realismo a la experiencia. La supervivencia desempeña un papel fundamental, ya que Snake debe cazar, comer y curar sus heridas para mantenerse en plena forma. Esta mecánica añade un nuevo nivel de estrategia, ya que los jugadores deben considerar factores como la flora y fauna de la selva para sobrevivir.

Las heridas necesitan ser curadas de diferente forma dependiendo de ellas, ya sean quemaduras, cortes, heridas de bala. Todo un acierto para que el enfrentamiento directo sea la última opción y que los jugadores abracen el sigilo.

Por ello, justamente, el sigilo es esencial en el juego. Los jugadores deben esconderse, moverse en silencio y utilizar el entorno a su favor para evitar ser detectados por los enemigos. Para ello se creó un sistema de ocultación mediante camuflaje que nos indicaba el tanto por ciento de ‘invisibilidad’ que poseíamos. Esto nos obligaba a ir cambiando de ropa, de camuflaje y de maquillaje dependiendo del entorno.

Aunque el combate no sea la prioridad, el juego ofrece una amplia variedad de armas y dispositivos, lo que permite a los jugadores personalizar su enfoque en el combate. La lucha contra los jefes es particularmente impresionante, con encuentros memorables que desafían la creatividad y habilidad del jugador.

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Desde el centenario ‘The End’ hasta ‘Sorrow’, todos tenían una personalidad muy diferenciada y atractiva. Otro punto en el que este título se asemeja a las cinta del espía inglés.

Gráficamente, ‘Metal Gear Solid 3: Snake Eater’ exprime al máximo los gráficos de Playstation 2 y consigue una inmersión brutal, tanto en sus escenarios exteriores como interiores. Es una maravilla visual de la época.

Conclusión

Metal Gear Solid 3: Snake Eater’ es un ejemplo sobresaliente de cómo los videojuegos pueden emular y expandir la experiencia de las películas de espionaje. Su narrativa envolvente, personajes carismáticos y mecánicas de juego innovadoras lo convierten en un título que se siente como una película interactiva de James Bond. La Guerra Fría, la intriga y el sigilo se entrelazan para crear una experiencia única y memorable que transporta a los jugadores a un mundo de espionaje clásico.

El resumen, ‘Snake Eater’ es el James Bond de Hideo Kojima y su mejor título de la saga. Esta tercera entrega es la cima y no hubo nada después que lo haya superado.

Para dejar aún más claro de donde le vienen la inspiración al japonés para este videojuego, os dejo los títulos iniciales de ‘Metal Gear Solid 3’, que os van a recordar mucho a los del famoso espía.

Un saludo y sed felices.

El cómic de la semana: Spawn Edición integral XII

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”Hoy destacamos Spawn Edición integral XII. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Spawn Edición integral XII

Spawn sigue rompiendo barreras. Spawn se convirtió, superando la cifra de los 300 números, en el cómic más longevo (y vendido) de la historia de Estados Unidos fuera de Marvel y DC. Cuando este artículo sale a la luz, Spawn está cerca de alcanzar el número 350 en Estados Unidos, lo cual sigue empequeñeciendo las demás series americanas, incluyendo a la mayoría de las dos grandes, que constantemente no hacen otra cosa que renumerar sus colecciones por falta de ventas. Y lo mejor de Spawn es que la serie principal sigue su curso con mano firme, y parece que dejará muy atrás el número 350. Veremos con el tiempo.

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Además de toda esta parafernalia que te estoy contando, Spawn ha engendrado (perdón por el mal chiste en torno a la traducción) tres series spin-off que por el momento gozan de buena salud en ventas y en calidad. Hablamos de otras series como Spawn Rey, Spawn Scorched y Spawn GunSlinger. Para todos los fans de la serie prometo hacer próximamente una crítica de Spawn Rey, que es la única colección que no he tocado en la web.

Este tomo Spawn Edición integral XII cuenta con los números 197 al 224 americanos y ya se acerca a las cifras de récord que comenté al principio del artículo. Y lo más importante para la edición de Planeta Cómic es que este cómic ya contiene números inéditos en España, lo cual hace una compra y lectura obligatoria. Por tanto, si te gusta Spawn este tomo tiene que entrar en tus planes, lo quieras o no.

En España, Planeta cómic esta haciendo actualmente una edición impecable de la serie Pero impecable. Pero ojo al detalle de «actualmente».

Desde el Universo Spawn, donde se redefinió el personaje y se escindió la serie principal en otras 3 series, la editorial española está publicando todas las series en tomos recopilatorios de tapa dura. Y como hay 4 series (incluyendo la principal) y cada tomo contiene 5-6 números, casi mensualmente tenemos nuestra ración de Spawn. Una maravilla.

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Pero todo no fue así antes. Desde el número 251 al 318 americanos, la serie de Spawn vagó en España en tomos de formato rústica (tapa blanda) que a mi no me convencían. Pero gracias a estos tomos (como este) de la edición integral que publican las aventuras del antihéroe de McFarlane, poco a poco vamos cerrando el círculo. Y no sólo estamos ahora con este Spawn Edición integral XII y un futuro integral XIII con los números inéditos hasta alcanzar el número 250; sino que espero que la edición española pueda seguir hasta el 318 en la edición integral. Así tendríamos todos los tomos en tapa dura, y Planeta Cómic habría editado la mejor colección de Spawn fuera de Estados Unidos. ¿Es mucho soñar?

Sin duda Spawn Edición integral XII es un cómics que tienes que comprar. Este tomo contiene la primera parte de los cómics dibujados por Szymon Kudranski, su segunda parte alcanzará hasta el 250 americano y que se publicará íntegramente en el integral XIII. Además el guion se desarrolla entre Will Cartlton y el mismísmo Todd McFarlane, además de que este último junto a otros autores de renombre hacen intervenciones en el guion o dibujo como Erik Larsen, Robert Kirkman, Michael Golden

La celebración del número 200 y el desarrollo siguiente de sus consecuencias hacen de este tomo inédito hasta la fecha, un must-have.

spawn 224 f1db9edefd Siguen las aventuras oscuras del antihéroe creado por McFarlane.

¡En este duodécimo integral llegamos a material completamente inédito! La etapa entre FIN DEL JUEGO y RESURRECCIÓN quedará completa en los integrales 12 y 13, quedando así toda la serie publicada en castellano.

En 1992, el legendario guionista y dibujante Todd McFarlane creó a su icónico anti-héroe Spawn y el mundo fue testigo del cómic independiente americano más exitoso de la historia. Este integral prosigue la recuperación de las historias que cimentaron el legado de Spawn.

Este volumen recopila los Spawn #197-224.

Debajo de estas líneas os dejo la portada de la edición española de Planeta Cómic y el enlace a la editorial pinchando aquí.

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Un saludo y sed felices

Análisis de The Walking Dead: Daryl Dixon. Temporada 1. Episodio 6. Final de Temporada

Con el episodio titulado Coming Home (Volviendo a Casa), único en toda la primera temporada de The Walking Dead: Daryl Dixon que no ha llevado título en francés, ha llegado a su conclusión la misma y analizamos lo que nos ha dejado. La serie, creada por David Zabel, es emitida por AMC+.

Hola otra vez, caminantes del apocalipsis. Bienvenidos sean a un nuevo análisis de The Walking Dead: Daryl Dixon, correspondiente en este caso al sexto episodio de la primera temporada con el cual la misma llega a su fin. No hemos avanzando demasiado en algunas respuestas que quedan pendientes para la próxima, pero el giro más importante (aunque no inesperado) ha sido la aparición de Carol en el final. No tuvimos, en cambio, noticias de Judith a pesar de que Cailey Fleming apareciera en el reparto, de lo que debemos concluir que su inclusión aludía únicamente a su voz en off o a algún fugaz flashback que hemos visto.

El cliffhanger final, por otra parte, deja a Daryl ante una encrucijada decisiva acerca de qué camino tomar. Pero pasemos ya a analizar lo que nos han dejado tanto este episodio final como la temporada al completo, no sin antes dejar de advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni de recordar que, pinchando en los respectivos links, pueden leer nuestros análisis previos tanto de esta como de las demás series de la franquicia.

Análisis de The Walking Dead: Daryl Dixon

Análisis de The Walking Dead

Análisis de Fear The Walking Dead

Análisis de The Walking Dead: World Beyond

Análisis de Tales of the Walking Dead

Análisis de The Walking Dead: Dead City

Combate y Fuga

Extrañamente comenzamos con una escena de guerra y salta a la vista que estamos en Normandía, lo cual nos retrotrae casi ochenta años con respecto a los sucesos de la serie. Un soldado agoniza sobre la playa y, mientras alguien pide un médico, alcanzamos a oír que es aludido como Dixon y eso, en efecto, reza su identificación.

Sin entender demasiado y vueltos rápidamente al presente, vemos a Daryl en el centro de la arena y caemos en la cuenta de que la voz que lo alude es la de Codron anunciándole que morirá por lo de su hermano.

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Acto seguido y como viéramos al final de la anterior entrega, le sueltan al zombie rápido y poderoso que, por suerte para Daryl, es bastante torpe. Alcanza a clavarle el hacha pero debe soltarla al sentir que sus manos se queman y el enfrentamiento recién acaba cuando, muy simbólicamente, le atraviesa el cráneo con una bandera que hay en el lugar. La multitud ruge.

Desde el palco, Genet no puede ocultar su decepción, pero hay más. Quinn es introducido a la arena y encadenado a Dixon. Interpretan ambos que deben luchar entre sí, pero hay otros planes… Se encienden reflectores y en cada una de las puertas hay un zombie en cadenas: la cosa pinta mal y, desde las gradas, Laurent echa a rezar…

Los caminantes son inyectados con el suero que les pone a mil, pero se les va la mano con uno cuya cabeza explota como grano de pus, pero en rojo. Otros dos se trenzan entre sí y de pronto solo quedan dos. Trabajando en sociedad y en escena que remite bastante a Gladiador, Daryl y Quinn logran dar cuenta de ellos y con la cadena cortan la cabeza del último que queda en pie. Recogiéndola, Daryl la enseña a la multitud como trofeo y la arroja a Genet en abierto desafío.

Esta ha perdido la paciencia y renuncia a todo espectáculo. Da orden a sus hombres de que lisa y llanamente fusilen desde lo alto a los reos, pero los disparos que acaban sonando en el lugar no son de ellos, sino de Fallou, Sylvie y Emile. No sé cómo se habrán infiltrado, pero su desaparición en la entrega anterior presagiaba que les veríamos de un momento a otro.

Entre la batahola, Genet huye con sus guardias llevando cautivos a Isabelle y Laurent, que son dejados en una celda. Está furiosa de que los de la Unión de la Esperanza hayan logrado entrar y exige a sus subordinados explicaciones que no tienen y nosotros tampoco. Daryl, en tanto, consigue cortar la cadena que le une a Quinn, quien parece atravesar un momento de culpa por su posesivo comportamiento para con Isabelle. Será su última confesión porque son atacados por zombies y acaba muerto.

Daryl consigue llegar hasta Isabelle y Laurent, pero están tras una reja y nos viene a la mente aquella visión con que se iniciara el cuarto episodio. De hecho e ignorando al niño, un caminante se abalanza sobre Isabelle y resulta ser Quinn. Desesperado, Daryl le pasa un hacha a Laurent, pero este está en conflicto al ser el zombie su padre. Venciendo, sin embargo, su parálisis, acaba incrustándosela en la cabeza y salvando a su tía. Luego dirá que eso ya no era su padre y que de todas formas nunca lo había sido.

El Nido

Tras despedirse de los de la Unión, Daryl, Isabelle y Laurent se ponen en marcha en un vehículo que les han conseguido e incluso se les suma Sylvie a pesar de haber anunciado en su momento que se quedaría con Emile. Hay, desde luego, una emotiva despedida entre ambos y Daryl la tranquiliza con que lo cuidarán bien. Cuando ella le pregunta si alguna vez ha estado enamorado, él nada responde…

Un desperfecto mecánico les obliga a hacer un alto y mientras Daryl se dedica a reparar el vehículo, le cuenta a Isabelle que la historia se repite. No solo porque él fue criado por un padre que no tuvo padre sino porque justamente su abuelo murió allí mismo, en Francia, lo cual explica la escena inicial del desembarco en Normandía.

Pero mientras él está bajo el chasis y ella no contesta, han caído al lugar los hombres de Genet y entre ellos Codron, en quien la líder ha confiado por tener un motivo para matar a Daryl. Hay un forcejeo e Isabelle termina herida. La orden es matar a los tres, empezando por el niño. Codron parece dispuesto a cumplirla, pero por alguna razón se detiene cuando Laurent le dice que Dios lo ama…

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Súbitamente, desvía su blanco y acaba con sus compañeros, tras lo cual dice a Daryl que no morirá hoy, sino la próxima. Les indica cómo llegar al Nido y les recomienda quemar la camioneta para no dejar rastro. El grupo escapa y él regresa con Genet para contarle que fueron emboscados y es único sobreviviente. Sin embargo, ella dice diferenciar los ojos que mienten de los que no, así que rápidamente se da cuenta de lo ocurrido y le hace detener. Por más que le pregunte dónde está el Nido, nada dice…

El grupo, en efecto y siguiendo las instrucciones que él les dejara, llega hasta El Nido, que se halla en la abadía medieval que ocupa la cima del monte Saint-Michel: hasta donde sé es una isla, pero parece ser que ahora estuviera unido a la costa y separado a lo sumo por marismas.

Allí se encuentran con la comunidad que espera por el mesías y con su líder Losang (Joel de la Fuente), quienes les reciben con honores y atienden médicamente a Isabelle. Desde ya que, como todos en esta serie, Losang habla inglés, aunque en este caso tiene algo más de sentido por ser oriundo de New Jersey.

Habida cuenta del arreglo previo que tienen con Daryl, anoticia a este de que a dos días de camino le recogerán unos pescadores que le cruzarán hasta Dover, desde donde podrá embarcarse a Terranova y emprender el retorno a su hogar. Intenta, no obstante, convencerle de que se quede, con el argumento de que a veces, al dejar nuestro hogar, encontramos uno nuevo. Algo parecido le plantea Isabelle, pero no hay forma de convencerle, por más que ella insista en el vínculo especial que ha desarrollado con Laurent y en recriminarle el repetir el camino de su padre al abandonarle.

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Tras despedirse del Nido, Daryl llega a una costa en la cual, hecha jirones, flamea una gastada bandera estadounidense en recuerdo del desembarco. Se queda viéndola, pensando seguramente en que simboliza para él su regreso a casa. El lugar está sembrado de tumbas que corresponden, obviamente, a los caídos en el Día D.  Recorriéndolas casi como Eli Wallach en El Bueno, el Feo y el Malo, logra encontrar la de su abuelo y a eso llamo puntería o suerte, pues tengo entendido hay más de nueve mil tumbas en lo que fuera Omaha.

El barco que debe recogerlo aparece a la distancia y él les hace señas que son correspondidas: van en su búsqueda. Pero de las dunas emergen zombies por docenas y ello le obliga a abrirse caminos reventando cráneos a pura maza. Consigue llegar a la playa, pero alguien lo llama por su nombre y en lo alto de un antiguo puesto de vigilancia, ve a Laurent agitando los brazos. Daryl se debate entre quedarse en tierra y tomar su barco…

Oh, Carol…

En la escena final, cruzamos el Atlántico y estamos en las cercanías de Freeport, Maine, donde un motero con aspecto de rudo es perseguido por un misterioso Mustang. El sujeto dispara contra el mismo y le da en el radiador. Apunta luego al presunto conductor, quien desciende con las manos en alto y sus blancos cabellos le delatan de inmediato como Carol (Melissa McBride), de la cual volvemos a tener noticias después de aquella comunicación por radio.

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Le ordena abrir el maletero para ver si lleva algo de valor, pero en una distracción Carol le golpea y la cosa acaba al revés: el cautivo es ahora él. Ella quiere saber por qué tiene la moto de Daryl y simplemente responde que la cambió por porquerías a unos marginales. Dejándole maniatado en el maletero, Carol parte con la moto a la búsqueda de los mismos mientras de fondo suena Seconds, temazo casi olvidado de U2 que integrara su tercer álbum War

Balance de Temporada

El episodio que cierra la primera temporada deja unas cuantas preguntas sin responder, entre ellas cómo lograron los de la Unión de la Esperanza infiltrarse entre la gente de Genet o, más importante aun, a qué se debió que Codron terminara por no matar a Laurent e incluso dejarles escapar: o tiene, como Negan, un límite moral cuando se trata de niños, o bien Laurent ejerce sobre él algún tipo de poder, en cuyo caso deberíamos concluir definitivamente que es especial.

Paradójicamente y a pesar de no haber una respuesta certera al respecto, esa decisión de Codron da algo de interés a un personaje que hasta ahora venía como villano bastante liso y sin desarrollo. Habrá que ver si sigue evolucionando en la próxima temporada o simplemente Genet decide despacharlo a mejor (o peor) vida…

A propósito de Genet, hasta aquí es un villano bastante decepcionante y ni siquiera demuestra demasiadas condiciones de liderazgo por mucho que intente aparecer como una especie de Robespierre con gustos de emperador romano. Y aquel leve atisbo de humanidad que le viéramos al alzar y calmar un bebé abrió un camino que no ha sido retomado, así que seguimos sin conocer mucho de su origen o motivaciones.

Quinn, a decir verdad, me ha parecido un personaje casi de relleno a pesar de su redención final y ni siquiera sabemos en qué momento se produjo en su interior el clic que le hizo arrepentirse de su conducta hacia Isabelle. Podríamos pensar que también sobre él ha ejercido influencia el niño, pero hasta aquí no se había notado demasiado. Al igual que Codron, quedará como otro de esos personajes que toman decisiones misteriosas, con la diferencia de que en su caso ya no creo que podamos esperar respuestas.

Laurent sigue siendo una intriga, que nos hace dudar todo el tiempo sobre las cualidades que sus seguidores le adjudican. De hecho, ha habido en el episodio un par de momentos en que le hemos visto rodeado de caminantes, pero a la larga no le atacaron. Tenemos, en contrario, aquella escena bajo la Torre Eiffel del tercer episodio, pero a la larga tampoco ninguno le mordió. Y si además ejerce sobre los sobrevivientes algún tipo de influjo, todo apunta a que hay algo de él que aún no sabemos y que posiblemente esté ligado a su origen, con ese nacimiento tan especial en el que fuera sacado del vientre de una mujer ya zombificada.

Y si hablamos de influjo del niño, ¿qué tanto ejerce sobre Daryl? Creo que el suficiente para que, en ese debate interno entre la bandera y el niño, termine optando por el segundo, como creo que acabará haciendo. Está también, desde luego, la posibilidad de que lo lleve con él, pero no lo creo: el dato de que su abuelo murió allí no es irrelevante y posiblemente Daryl interprete que ese deba ser también su destino.

La reaparición de Carol fue la gran noticia final y no por inesperada. Pero uniendo aquella comunicación de radio con la desesperada búsqueda de Daryl en que ahora le vemos inmersa, la sensación es que algo ha ocurrido en la Comunidad y no parece bueno. Por algo necesita ir tras él. Y si logra llegar a Francia, puede presentarse un interesante triángulo con Isabelle.

En fin, creo que a pesar de todas las dudas y de la repetición de algunos recursos ya utilizados en otras series, sobre todo en Dead City, hemos visto una primera temporada que aprueba, con un episodio (el tercero) destacándose especialmente sobre el resto, pero saliendo en definitiva airosa por el marco especial que da Francia al apocalipsis zombie y por el indudable carisma de Daryl como personaje, mostrando incluso una evolución que nos lleva a verle más introspectivo, aun cuando cada tanto reflote a la superficie la versión que más le conocemos.

Además, es bueno que hayamos salido un poco de la regla de que cada nueva comunidad de sobrevivientes que aparecía en la franquicia terminara siendo peligrosa.  Por lo menos hasta aquí, la Unión de la Esperanza nos cae bastante simpática.  Quizás en Francia no sea igual que en América.  Y si hablamos de particularidades, a no olvidar la increíble orquesta en Angers, al comienzo del tercer episodio.

El cliffhanger final es lo suficientemente motivador como para esperar con ansias la próxima temporada, sin olvidar que entremedio, claro, tendremos The Walking Dead: The Ones who lives, la serie que sigue a Rick y Michonne cuyo estreno está pautado para febrero de 2024 y que quizás traiga también algunas respuestas relacionadas. Seguramente nos encontraremos otra vez cuando llegue.

Hasta entonces y sean felices…

Crítica de Upon Entry (la llegada), la oculta joya española de 2023.

No suelo ser amigo de frases rotundas, pero a nadie, absolutamente nadie, le gustan los aeropuertos. Sí, a muchos nos gusta viajar, conocer otras culturas. Incluso volar (esto a menos gente). Pero no nos engañemos. Facturar equipaje. Los controles de seguridad. Retrasos. O, como no, las temidas cancelaciones.

Y esto, que ocurre en cualquier aeropuerto, se puede convertir en algo inquietante en determinados países, ya sea por su condición dictatorial o, sencillamente, porque se creen tan superiores al resto que ven a todo recién llegado como poco menos que un ser agradecido por pisar la tierra que están visitando o, directamente, permanecer en ella.

Por ello, es fácil empatizar con el argumento de La llegada, película española que no vio absolutamente nadie pero que, gracias al boca a boca, está teniendo reconocimiento desde su estreno en Filmin.

Enlace a Upon Entry (la llegada) en Filmin. 

Diego, urbanista venezolano, y Elena, bailarina de Barcelona, son una pareja que se marchan a vivir a Estados Unidos. Tras varios meses de preparación y cargados de papeles procedentes de la embajada, llegan a Nueva York donde, sin previo aviso ni aporte de información, son llevados a una sala de interrogatorios destinada a averiguar qué intención tiene la pareja al entrar en Estados Unidos.

Lo primero que sorprende de La llegada es la nula relación entre su temática y su producción española. Se trata de una crítica al sistema de entrada al país más poderoso de la Tierra, Estados Unidos, en la que se habla castellano, inglés y catalán.

Probablemente, el principal motivo sea que Alejandro Rojas y Juan Sebastián Vasquez, directores y guionistas de esta película, son venezolanos afincados en España. Es decir, procedentes de un país con una relación ambivalente con Estados Unidos. Por un lado, muchos de sus habitantes desean marcharse al país de las oportunidades en busca de una vida mejor. Por otro, es prácticamente imposible entrar en Estados Unidos únicamente con la nacionalidad venezolana.

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En este contexto se desarrolla La llegada, una película con una concepción muy americana: La trama se desarrolla en un único espacio. Sí, muchas habitaciones y un avión, pero la inmensa mayoría de la hora y cuarto que dura el largometraje transcurre en un espacio impersonal, en tierra de nadie, donde los protagonistas son sometidos a un escrutinio acerca de sus intenciones en el país al que han venido a prosperar.

Crítica de Malcolm & Marie, amor y desamor en una única habitación. 

Crítica de Reality, otra de interrogatorios en 2023

Él está asustado, tenso. Ya desde el principio de la película está sometido a juicios de valor por ser venezolano. Y sabe que cualquiera de sus derechos puede ser vulnerado en nombre de la Seguridad Nacional. Ella, catalana de buena familia, se intenta rebelar, se muestra retadora. Procedente de un país desarrollado, no concibe que se le trate como a una sospechosa sin pruebas.

Frente a ellos, dos agentes estadounidenses. Hombre y mujer. Ella, de origen hispano (brillante decisión argumental). Al final, no es algo personal. Solo hacen su trabajo. No pueden consentir que alguien se instale en su país con malas intenciones. Y, si hace falta, quebrantarán la confianza que une a la pareja, sacando a la luz sus intimidades aun cuando no sean el lugar ni el momento.

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La premisa podría pecar de teatralidad, pero los directores aportan dinamismo gracias a un guión que, salvo pequeñas escenas, no es nada efectista y apuesta por el realismo. Y claro, sus actores. Los cuatro están espectaculares, pero lo de la pareja protagonista es de otro nivel. Ambos deberían ser candidatos al Goya.  Alberto Ammann (Celda 211), por su fragilidad expuesta por los agentes. Bruna Cusí (Verano de 1993) por su fortaleza destrozada por estos.

En definitiva, lo mejor que se puede decir de La llegada es que cumple plenamente con su función, introduciendo la tensión en el cuerpo y haciéndonos empatizar con una situación que podría pasar a cualquiera. Su corta duración se pasa en un suspiro gracias al buen hacer de sus directores y la interpretación de sus actores. Para poner un pequeño pero, algunas decisiones de guion pecan de excesivamente increíbles y no ayudan a resaltar el mensaje que sus directores quieren dar. Porque claro, aquí nadie tiene nada que ocultar. Pero, ¿Por qué nos preguntan cómo si lo tuviéramos?

¿Por qué tantos muros y tan pocos puentes?

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Crítica de La conferencia (2023), un slasher a la sueca

Netflix ha estrenado La conferencia (Konferensen), un slasher que mezcla gore y crítica social y que, por momentos, parece una gamberrada más de Alex de la Iglesia. Pero no, aunque parezca mentira estamos ante una película sueca. Ay, si Ingmar Bergman levantara la cabeza… igual le gustaba. Vamos al lío.

Que buenos son los funcionarios que nos llevan de excursión

En La conferencia un grupo de funcionarios suecos realiza un escapada / reunión de trabajo en un campamento de cabañas, cerca de un pueblo donde va a construirse un centro empresarial que no ha pedido nadie. Se ve que en Suecia los funcionarios no son como aquí y se relacionan con la Administración como si fueran empleados de una empresa privada. Eso no es obstáculo para que fluya la corrupción (¿qué pensabais? ¿que Suecia es el paraíso? pues va ser que no) y tres de ellos intenten beneficiarse de un proyecto destinado al fracaso.

El caso es que la construcción del susodicho centro comercial no ha sentado bien a alguien y en justa venganza cazará a todos los funcionarios uno por uno, y de propina a los trabajadores del campamento por haber apoyado el proyecto.

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A partir de aquí, como en todo slasher que se precie, asistiremos a las muertes del funcionariado en sus más grotescas y sangrientas variantes. Por supuesto, desde el minuto uno sabemos quién va a parmarla y quién sobrevivirá. Es más, hay tres funcionarios que están pidiendo a gritos que alguien lo mate y los remate, por corrupto, por pelota y por ser la jefa. No sentimos nada de pena por ellos, la verdad.

En ese sentido, La conferencia presenta la particularidad de que la muerte de sus protagonistas no sólo no nos dan pena sino que nos dan igual (excepto, quizás, el del funcionario joven con gafas; si, no me he aprendido ni los nombres). Ahí han estado finos en su elección porque los funcionarios tienen mala fama y cargan con todo lo negativo de la Administración (nota: los males del sector público no provienen de los funcionarios sino de los políticos pero ese es otro tema).

Así pues, lo que nos pica en La conferencia es ver cómo mueren y en qué orden. Lo malo es que la variedad de muertes deja mucho que desear. La mayoría mueren por golpes, algún tajo y poca cosa más a manos de un asesino tirando a garrulo y demasiado previsible en todo, incluso en su identidad. Tenemos también a una funcionaria que ahorcada, lo que ya es bajar el listón. Para ver originalidad y glamour a la hora de matar y morir, mejor pasarse por La caída de la casa Usher.

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Mezcla géneros, que algo queda

Esa es la premisa del director Patrik Eklund y su co-guionista Thomas Moldestad. La película empieza como una comedia con toques de crítica social y deriva en un slaher de medio pelo que al principio te acojona un poco pero que acaba por provocar risa. A medida que avanza la historia, los personajes devienen cada vez más en un cliché y eso hace que nos importen entre poco y nada. Es una lástima porque un grupo de funcionarios, aunque sean suecos, podría haber dado mucho más de si.

Esa deriva, ese no saber muy bien a qué carta quedarse, convierte La conferencia en una cinta algo irregular y fallida. La mejor manera de verla es no tomársela en serio, ni en el sentido de crítica a la corrupción y la especulación inmobiliaria, ni en el de película de género. ¿Quizás cómo parodia? Si, por ahí disfrutaremos más, sobre todo en su tramo final. Menos mal que apenas dura una hora y media. Un saludo, sed felices.

Análisis de Nada (2023), la miniserie de Disney+ que combina costumbrismo, gastronomía y… Robert De Niro

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Disney+ acaba de estrenar Nada, miniserie argentina de cinco episodios que, creada por Mariano Cohn y Gastón Duprat, constituye un entrañable paseo culinario por las costumbres de Buenos Aires con las sólidas interpretaciones de una leyenda local como Luis Brandoni y una estrella invitada de lujo como Robert De Niro. El resultado es altamente recomendable.

Manuel Tamayo Prats (Luis Brandoni) vive en Buenos Aires y es un crítico gastronómico de avanzada edad con un estilo de vida en decadencia que a duras penas logra sostener gracias a su ama de llaves Celsa (María Rosa Fugazot). Tiene un amigo en New York llamado Vincent Parisi (Robert De Niro), al cual no ve más de una o dos veces al año, pero ello no va en detrimento, dicen ambos, de la calidad del vínculo. Ese es básicamente el argumento de Nada, miniserie argentina que acaba de estrenar Disney+ (Star+ para América Latina) y que, en clave de comedia dramática, ofrece un paseo culinario por el costumbrismo porteño.

Está creada por Mariano Cohn y Gastón Duprat, quienes también ofician como directores y guionistas, acreditando en su haber esa joya del cine argentino de los últimos tiempos que fue El Ciudadano Ilustre, otra fuerte parodia sobre el estilo de vida argentino, pero más pueblerino que urbano.

Y la presencia de Robert De Niro no es dato menor ya que, salvo un par de cameos haciendo de sí mismo, es su primera experiencia en series. Su personaje, un prestigioso escritor y periodista neoyorquino ganador de dos Pulitzer, oficia como narrador, ya sea en off o en pantalla, hacia el principio y hacia el final de cada episodio para terminar adquiriendo importante participación en el último al viajar a Buenos Aires por requisitoria de su amigo.

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Venido a Menos

El oficio de Manuel no es justamente de los baratos de ejercer y le implica sostener un nivel de consumo que ya hace rato está por fuera de su capacidad económica. Por mucho que Celsa se empeñe en remarcárselo, se niega a ver su propia decadencia y ni siquiera es capaz de entregar una sola página de un libro que ha prometido a su editorial y por el cual ya ha percibido dos adelantos.

Pero si su vida es ya de por sí difícil con Celsa, ni qué decir cuando esta fallece repentinamente y le deja una carga de quehaceres cotidianos que le sobrepasan y a los que no sabe cómo responder. Por consejo de Grace (Silvia Kutika), amiga suya y ex amante, contrata a una nueva empleada muy joven y de origen paraguayo llamada Antonia (Majo Cabrera), quien no tiene la más mínima idea del trabajo, pero lo necesita desesperadamente y dice que puede aprender. Al principio, la relación es difícil, sobre todo de parte de él, pero poco a poco y a fuerza de voluntad, la muchacha irá ganando su empatía y haciendo que deje de compararla odiosamente con Celsa.

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En el Horno

Luis Brandoni (Esperando la Carroza, El Cuento de las Comadrejas, Cien Veces no debo) es un especialista en recrear de manera magistral a personajes bien porteños, denominación que se suele dar a los habitantes de la ciudad de Buenos Aires y que incluso el propio De Niro explica en un momento. Pero además, se lleva de maravillas con personajes que pueden ser molestos, altaneros o repelentes a la vez que queribles y entrañables. Su difícil relación con un mundo que cambia y al que no se adapta da lugar a situaciones de lo más hilarantes o diálogos ocurrentes, como el que sostiene con la camarera de un restaurante en torno al concepto de “vacas felices”.

La historia que cuenta Nada es esencialmente gastronómica, algo que viene teniendo en el último tiempo bastante ruedo con series muy celebradas como The Bear, también disponible en la plataforma y de la cual pueden leer en esta web los análisis de mi compañero Pedro. Y no falta el homenaje a Ratatouille (Brad Bird, 2007), inevitable siendo una serie de Disney con un protagonista que es crítico gastronómico.  Narda Lepes, prestigiosa cocinera argentina, ha supervisado cada aspecto junto al chef Francis Mallmann y el periodista Federico Oldenburg, especializado en gastronomía.

La comida sirve de metáfora al estilo porteño: una mezcla de culturas tan difícil de definir como el propio personaje, quien consultado en una entrevista acerca de si se definiría como crítico, gourmet, escritor o periodista, termina diciendo “nada”.

Ese concepto, el serlo todo y a la vez nada, es algo que invade toda la serie que, por cierto, consiste en solo cinco episodios de media hora, con lo que verla demanda el mismo tiempo que una película o quizás menos. De hecho, bien podría ser una, pero creo que hubiera perdido la segmentación, que es esencial a la historia. “Nada” es no solo la autodefinición del personaje: es también lo que lleva escrito para el libro que le vienen reclamando y lo que lleva puesto encima en la foto de portada una vez publicado el mismo. Y define bastante bien el tipo de relación que sostiene con Vincent, con quien se ven muy poco.

El Amigo Americano

Todos los episodios tienen títulos que hacen referencia a dichos muy argentinos, pero siempre relacionados con lo gastronómico, encargándose el propio De Niro de explicar el sentido de los mismos: Estar en el Horno, Remar en Dulce de Leche, La Verdad de la Milanesa, Comerse un Garrón y Tirar Manteca al Techo. Es gracioso oírlo a De Niro desbrozar no solo tales conceptos, sino también los más emblemáticos insultos argentinos, cuya esencia busca explicar casi filosóficamente.

Por cierto, el prestigioso actor americano aporta su talento habitual y en ningún momento parece estar allí solo por el cheque. De hecho, la propia amistad que los personajes tienen entre sí, esa en la cual se ven muy poco, es analogía de la que en la vida real sostienen los propios actores involucrados. Y así como Parisi tiene dos premios Pulitzer, De Niro tiene dos Oscar: otra analogía.

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El resto del elenco cumple también con creces: Guillermo Francella, otro comediante local de raza, da vida a un vendedor de autos poco escrupuloso.  María Rosa Fugazot es una leyenda de la actuación argentina con pergaminos largamente ganados.  Y Majo Cabrera es una absoluta revelación: no es su primera experiencia ante cámaras pero casi y también aquí hay analogía ya que, como el personaje que interpreta, es paraguaya y ha llegado a Buenos Aires en busca de horizontes laborales. Y en ningún momento demuestra sentirse acomplejada por la presencia de De Niro en las escenas que les toca compartir.

La cuestión de los orígenes y las nacionalidades, por cierto, es parte importante en la historia, sobre todo en lo referente a la comunicación. Manuel habla muy pocas palabras en inglés y lo mismo Vincent en español, por lo que se comunican habitualmente en italiano, que ambos conocen, pero no dejan de producirse divertidos cruces lingüísticos como cuando, hablando por teléfono, Manuel dice a su amigo “estoy con el mio editore y another people”. También es muy graciosa Antonia cuando se enfada e insulta en guaraní.

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No faltan las ironías geniales sobre el mundo de los críticos: Manuel sostiene que las críticas más exitosas son siempre las negativas y cuanto más destructivas mejor. El problema, claro, es que quizás los propietarios de restaurantes dejen de estar interesados en que siga comiendo gratis para después destruirlos: eterna dicotomía del periodista especializado que hace recordar al crítico cinematográfico de la película Splendor (Ettore Scola, 1989) y, por supuesto, a la serie animada The Critic.

Si tengo que señalarle un único defecto a Nada es que el final no tiene la fuerza necesaria, algo que también ocurre en El Ciudadano Ilustre. Y que el mensaje del filme es puesto en palabras, otro mal endémico de la cinematografía argentina aunque el que De Niro aparezca como permanente narrador puede darle en este caso mejor contexto o sentido, ya que es su personaje justamente quien emite veredicto sobre su amigo.

No se trata de un final triste ni alegre; más bien, bastante abierto aunque, como dijimos, con un mensaje claro que pasa por reencontrarse con lo simple, eso que por el camino se ha perdido y que otra vez me remite a la cinematografía italiana, con ejemplos como La Dolce Vita (Federico Fellini, 1960) o Maccaroni (Ettore Scola, 1984); de algún modo también a Ciudadano Kane (Orson Welles, 1941) aunque, claro, en todos esos casos el mensaje no es enunciado de manera explícita.

Balance Final

Es posible que al ser Nada una miniserie sobre costumbrismos argentinos, pueda ello generar prejuicio en quien desde otras latitudes esté pensando en verla. A no equivocarse: la idea argumental tiene la suficiente universalidad como para poder ser disfrutada en cualquier lado y la presencia de De Niro es un ingrediente extra en tal sentido.

También puede pensarse a priori que una serie sobre un crítico gastronómico pueda ser aburrida, pero otra vez es un error: el guion está hábilmente manejado y es lo suficientemente ágil para que los cinco capítulos sean devorados quizás en una única tarde o noche.

Nada es una propuesta que hace reír a la vez que emocionar y que marca historia al ser la primera serie en que actúa De Niro. No solo eso: además constituye un desafío contra los cánones actuales al tener a dos octogenarios como dupla protagónica principal. Las actuaciones, por cierto, contribuyen a un resultado final querible y que ojalá siente precedente.

Muy recomendada. Hasta la próxima y sean felices.

5 autores de novela negra y sus personajes para disfrutar este veroño

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El final del verano llegó y tu partirás pero el calor se queda. Ya no se ni en que estación estamos. ¿Y qué mejor para sobrellevar este veroño que una buena novela negra? Vamos con nuestras recomendaciones. Muy personales, eso si. Como todas las listas, esta es muy subjetiva, así que se admiten observaciones y recomendaciones en los comentarios. Al lío.

5 – Michael Connelly – «Harry» Bosch

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Michael Connelly está de moda. Al reciente éxito en Netflix de El abogado del Lincoln (basada en sus novelas protagonizadas por el personaje de Mickey Haller) se une la más que recomendable serie en Amazon Prime basada en su principal creación, el detective Hieronymus «Harry» Bosch.

Las novelas de Connelly se ambientan en la ciudad de Los Ángeles y su estilo es breve y conciso, con escasas descripciones y diálogos ágiles que hacen avanzar la acción. De todos los autores de la lista, es el que más se acerca a lo que entendemos por un best seller puro y duro, novelas sin demasiadas pretensiones literarias pero que cumplen de sobra con su cometido: contar una buena historia y entretener al lector.

La lista de novelas escritas por Connelly es larga y casi se puede empezar por cualquiera, que ya se cuida el autor de no hacer demasiados spoilers de las anteriores. Buenas opciones son El eco negro, protagonizada por Bosch, o El inocente, con Mickey Haller a la cabeza.

4 – Jo Nesbo – Harry Hole

Jo Nesbo

Músico antes que escritor, Jo Nesbo ya es en si mismo un personaje. El autor noruego descubrió un filón en el personaje de Harry Hole, policía noruego que en sus novelas se bebe hasta el agua de los floreros. En el cine tuvimos la adaptación de su novela El muñeco de nieve, con Tomas Alfredson en la dirección y con Hole encarnado por Michael Fassbender en una adaptación bastante floja, por ser generosos.

El estilo de Nesbo es muy nórdico y bastante parecido al de Connelly, sólo que el noruego se explaya más en las descripciones, especialmente cuando Hole se agarra la cogorza de turno, llegando a ser desasosegante en más de una ocasión. Hole bebe porque le da la real gana, porque ya dice él que no tiene muchos motivos para hacerlo, lo que hace que no nos caiga especialmente simpático. Paradójicamente empatizamos más con el personaje cuando el mismo empatiza con las victimas que no cuando le da a la botella.

En las dos primeras novelas, El murciélago y Cucarachas, Nesbo traslada al personaje a Australia y a Bangkok y no será hasta la tercera, Petirrojo, cuando se impregne de ese espíritu nórdico que agobia a todo detective que se precie.

3 – Petros Markaris – Kostas Jaritos

Petros Markaris

Con una calidad literaria un peldaño por encima de los dos anteriores, el escritor, dramaturgo y guionista Petros Markaris es el creador de Kostas Jaritos, policía ateniense de la vieja escuela, de esos que se mueren de ganas por dar de guantazos al sospechoso pero que se aguantan porque han cambiado los tiempos.

Malhumorado, gruñón, violento, algo rancio y machista (casado con Adrianí, ama de casa de las de toda la vida, de esas que tienen que pedirle dracmas al marido para hacer la compra) al principio Jaritos no despierta mucha simpatía pero se va ganando al lector porque, en el fondo, tiene muy buen corazón, un profundo sentido de la justicia y sus reflexiones están cargadas de cinismo y mala uva.

Markaris escribe novela negra pero eso le sirve de excusa para radiografiar la sociedad griega en particular y europea en general, algo que debería ser común en toda novela negra. Su primera novela con el personaje, Noticias de la noche, ya trata temas peliagudos como la inmigración en Grecia y el papel de los medios de comunicación en la sociedad de la época.

2 – Henning Mankel – Kurt Wallander

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Henning Mankel nos dejó en el 2015 y su muerte supuso una gran pérdida para todos los aficionados. Mankel, al igual que Petros Markaris, usaba la novela negra para retratar y criticar la sociedad sueca como ningún otro.Su estilo literario se asemejan, aunque personalmente aprecio más las descripciones y el tratamiento de personajes que hace Mankel.

Su personaje fetiche, el inspector Kurt Wallander debutó en Asesinos sin rostro. Considerado a menudo un alter ego del promio Mankel, envejece a la par que él a medida que transcurren las historias. Si Harry Hole bebe porque le da la gana, Kurt Wallander bebe porque es sueco, tiene frío y es melancólico por naturaleza, lo que hace que le tengamos más simpatía.

De todos lo que aparecen en este post, Wallander es el que más ocasiones ha transitado por la pequeña y la gran pantalla, destacando las adaptaciones protagonizadas por Krister Henriksson para la televisión sueca y Kenneth Branagh para la BBC. En Netflix hemos tenido una precuela, El joven Wallander, que ha durado tres temporadas.

1 – John Connolly – Charlie Parker

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¿Por qué va John Connolly en el primer puesto de la lista? Pues porque la hago yo y es el que más me gusta.

John Connolly encontró un auténtico filón en el personaje de Charlie Parker, un ex-detective ex-alcohólico que ve fantasmas por todos lados. Literalmente. La mujer y la hija de Parker murieron de forma violenta y macabra a manos de El Viajante, un asesino en serie al que Parker persigue en la primera novela de la serie, Todo lo que muere.

En Todo lo que muere, los elementos sobrenaturales se filtraban entre líneas. Parker veía a los fantasmas de su mujer e hija en momentos de estrés, cuando estaba malherido o a punto de morir. ¿Será verdad o imaginaciones suyas?, nos preguntábamos en las primeras novelas.

Todo eso se disipó con el tiempo, a medida que los elementos sobrenaturales cobran protagonismo y Parker se convierte en algo así como un ángel vengador cuyo destino es luchar contra el mal, aunque sea ayudado de Louis y Ángel, un asesino profesional y un experto ladrón, amigos y amantes que le sacan de más de un lío.

Si algo caracteriza a Connolly y sus personajes es que el autor se posiciona claramente a favor del bien en una lucha eterna en la que cree fervientemente. John Connolly concive la existencia del mal como algo real, incluso físico. No en vano sus villanos muestran deformaciones físicas que evidencia que la podredumbre interior se refleja en el exterior.

El estilo de Connolly anda a la par de Mankel, aunque lo alcance de forma diferente, intercalando abundantes descripciones sacadas de enciclopedias (Parker vive y trabaja en Maine y Connolly casi ni sale de Dublín), referencias musicales, diálogos mordaces que hacen avanzar la trama y un exceso de hemoglobina que le ha llevado a encabezar lo que se llama hardboiled. Por si sirve de algo, cada vez que he recomendado la lectura de una novela de John Connolly me han dicho que era demasiado fuerte y que cómo podía leer estas cosas.

Y hasta aquí hemos llegado. El post lo tenía pendiente y ya hemos cumplido. Espero que haya servido para que os entretengáis y encontréis un nuevo autor favorito. No hay más pretensiones. Un saludo, sed felices y disfrutad del verano.