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Análisis de Succession. Temporada 4. Capítulos 4 y 5.

Fernando Vílchez
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Análisis de Succession. Temporada 4. Capítulos 4 y 5.

El principio del fin ha llegado. Por fin HBO Max ha estrenado la cuarta y última temporada de la mejor serie en emisión del momento. Sentaros en el sofá. Encended la televisión. Los Roy han vuelto. Bienvenidos a Succession.

Enlace a artículos de Succession.

A partir de aquí, spoilers del cuarto y quinto capítulo de Succession.

EL FUNERAL

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El rostro del sucesor

Una vez muerto Logan Roy, el siguiente capítulo se sitúa en el funeral del patriarca, donde por un lado contemplamos como los carroñeros se acercan al cadáver para obtener su tajada y, por el otro, queda ¿claro? Quien es el sucesor de Logan.

Los primeros minutos del episodio reflejan a la perfección la esencia de Succession. Tres hermanos destrozados que lloran a su padre desde sus áticos de la Gran Manzana. Encima, con una sorprendente revelación: la de que Shiv está embarazada.

La última vez que Succession trató este asunto fue con Shiv cediendo a la presión de Tom en la tercera temporada más por enfrentarse a su madre que por su propio deseo. Lógicamente, el que Tom traicionara a los hermanos y siguiera fiel a Logan desechó esa idea. O lo mismo sí que dio tiempo a algún que otro intento…eso dando por hecho que Tom sea el padre.

El cadáver de Logan Roy es pasto de sus más allegados durante el funeral. Tras estar meses desaparecida, Marcia vuelve aclarando una y otra vez que mantenía una conversación diaria y fluida con Logan. Y despreciando a Kerry, que ni siquiera tiene un mínimo espacio para llorar a Logan.

En cuanto a Tom y Greg, luchan por sobrevivir mientras cada capítulo deja más claro que el segundo se va a convertir en alguien mucho peor que el primero. Y luego está esa teoría que circula de que, finalmente, Greg será el sucesor de Logan al final de la serie…

El gran giro del episodio sucede cuando se desvela un documento de Logan en su caja fuerte en el que aparece subrayado (o tachado) el nombre de Kendall Roy como sucesor de la empresa. Claro está, ese documento no tiene vinculación legal porque no ha sido entregado a un abogado.

Al enterarse los hermanos, aparecen los primeros resquicios de fisuras entre ellos. Sobre todo Shiv, muy afectada por el nombramiento de Kendall, y el mismísimo sucesor, desconcertado por la elección que quiere creer que hizo su padre.

Finalmente, los tres toman la decisión que marcará el funcionamiento de la empresa. Kendall es nombrado director de operaciones mientras Roman, que ya constaba como director económico, también se mantiene como líder de la empresa. Ambos asumirán el mando público mientras contarán con Shiv, que no tiene sitio, al menos por el momento. Lo que la deja bastante fastidiada, por otro lado.

NORUEGA

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Al límite

Apenas dos días después de la muerte de su padre, toda la plana mayor de la empresa debe desplazarse con premura  a Noruega para unirse a la cúpula de Gojo, la corporación liderada por Matson, el que promete ser el gran villano de esta temporada. Aunque villanos son todos, que quedan pocas personas buenas en esta Sucession.

En este episodio se aborda tanto la relación de Matson con los tres hermanos en una especie de casting indirecto para designar al mejor sucesor de Logan Roy; como el contraste entre los altos ejecutivos de una empresa tradicional americana y los jóvenes emprendedores europeos en Noruega.

Tanto la vieja guardia de la empresa, los ejecutivos de Logan Roy, como los hijos de este, se encuentran en territorio hostil e incómodo en una farsa que parece tener el objetivo de poner al límite a cada uno de los Roy.

Matson, interpretado por un increíble Alexander Skargard cuyo papel me recuerda al que hizo en Big Little Lies (cuya reseña tenéis en este misma web), es un tiburón tan impredecible como Logan Roy, aunque distinto. No necesita elevar el tono ni insultar a nadie. Su voz es monótona, pero su lenguaje no verbal es el de un depredador. Siempre inclinado hacia delante, con los brazos semiabiertos como el que va a soltar un bofetón. Inicialmente, es capaz de desarmar tanto a Kendall como a Roman.

Del primero queda claro que, por mucho instinto empresarial que tenga, toda su mala leche es un escudo que utilizar para esconder el sentirse tremendamente pequeño. Un ser a la sombra de su padre.

Al segundo consigue llevarlo tan al límite que, por primera vez en la serie, lo vemos en una reacción visceral contra el sueco, reventando el acuerdo porque no quiere vender la empresa a alguien a quien desprecia tanto, por mucho que eso suponga perder dinero. Claro está, a Matson, por mucha chulería que demuestre, le interesa el acuerdo, por lo que, a la vista de perderlo por haberse pasado de la raya, decide ofrecer más dinero ante la incredulidad de los hermanos. Personalmente, dudo que el sueco haya dicho su última palabra.

En cuanto a Shiv, ella demuestra ser la más astuta al no entrar en el juego de Matson. El sueco no solo parece hacerle caso a Shiv (prueba de ello es que Matson saca de la lista negra a aquellos de los que Shiv le ha hablado bien), sino que incluso se abre a ella con una turbia historia de abuso psicológico y físico del jefe a su propia directora de publicidad.

Finalmente, tras estos dos capítulos hemos podido ver como Waystar Royco ha conseguido vender todas sus acciones, incluida la cadena ATN, a Gojo. Todo un éxito de los hermanos. Sin embargo, poco a poco, vemos como cada uno se toma su camino. En concreto, Kendall con su iniciativa de reventar la memoria de su padre para proponerse como savia nueva y Shiv con su ambigua relación con Matson. Veremos en qué queda todo.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Análisis de Riverdale. Temporada 7. Episodio 4

Rodolfo Del Bene
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Análisis de Riverdale. Temporada 7. Episodio 4

Nuevo episodio de Riverdale y, por lo tanto, nuevo análisis. Cuarto de esta temporada final o, para quienes así lo prefieran, capítulo 121 del listado total: su título es Amor y Matrimonio. La serie creada por Roberto Aguirre-Sacasa es emitida por The CW y para España por Movistar+.

Bienvenidos una vez más, riverdaleros, para analizar otro episodio de Riverdale que sigue con nuestros personajes en esa particular burbuja espacio-temporal que les mantiene en una versión alternativa de los cincuenta y sin noticias de viajeras cronoquinéticas, cometas o apocalipsis.

La entrega tiene un delicioso tono de comedia romántica de otros tiempos y continúa mostrando que las verdaderas esencias de los personajes persisten en aparecer y, poco a poco, en todos. Por cierto, éramos pocos y llegó “Vughead”…

Pasemos ya mismo a analizar el episodio no sin antes advertir, como siempre, que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis anteriores.

En Busca de Coartadas

Comenzamos con Jughead y Ethel detenidos tras el hallazgo, en el vagón del primero, del cómic y la ilustración que les comprometen. La pareja necesita un informe de forense que determine que la hora de muerte de los padres de Ethel coincide con el momento en que Jughead estaba en el baile descalzo. Por un momento, tuve la esperanza de que volveríamos a ver a nuestro doctor Curdle en alguna de sus versiones, pero no…

Lo cierto es que Veronica mueve sus contactos para conseguir el certificado de defunción y ello da a Jughead la coartada necesaria para que lo liberen, pero no así a Ethel, quien, recordemos, no asistió a aquel baile. La razón por la cual no fue, según cuenta a Jughead, es que en el camino y mientras esperaba el bus, se apareció Julian Blossom ofreciéndose a llevarla. Después intentó propasarse con ella en el auto, hubo forcejeos y finalmente Ethel se bajó y emprendió el retorno a su casa.

Sabiendo esto, Jughead aborda a Julian en el colegio pues necesitan su testimonio para liberarla. Sin embargo, el hermano de Cheryl, como sobrando la situación, dice que no piensa quedar pegado a Ethel ante todo el colegio, ya que ello le bajaría puntos de prestigio.

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Jughead lo impacta directo a la mandíbula y, créanme, hemos tenido montones de puñetazos a lo largo de la serie y hasta escenas de boxeo, pero ningún golpe como este…

El resultado es que Julian acaba declarando y Ethel, liberada, regresa con los Cooper…

Test de Cupido

Finalmente, nos habíamos (o nos habían) engañado con lo de Cheryl y Archie. Todo indicaba que habían tenido sexo, pero no: al parecer, no llegaron “hasta el final”, aunque ella dice que sí y pide a Archie que la cubra; lo necesita ante su familia para que la dejen de perseguir con la cuestión de su sexualidad. El problema es que puesta al tanto Mary, tanto ella como los padres de Cheryl dan por asumido que los jóvenes deben casarse, pues el asunto ya goza de estado público y Cheryl podría quedar “en deshonor”….

Hay cena en casa de los Blossom y Archie se siente bajo escrutinio todo el tiempo. Clifford Blossom, que en esta versión es alcalde de Riverdale, pide a Archie opinión sobre los rusos y la guerra fría, ante lo cual, sin demasiada idea, este no tiene más remedio que responder con frases hechas que parecieran dejar conforme al alcalde: macartismo en el ámbito doméstico…

Pero lo peor es que la pareja es sometida por el doctor Werthers a una prueba de compatibilidad vulgarmente conocida como “test de Cupido”. Las preguntas son igual de inconducentes que las respuestas, pero aun así el facultativo determina que los jóvenes son compatibles. Mary se sorprende del resultado por lo diferentes que son. Penelope, más simple y pragmática, lo justifica en que ambos tienen hermoso y abundante cabello rojizo: irrefutable…

Lo cierto es que Archie y Cheryl parecen estar atrapados en una relación que no manejan por sí solos y en la cual, al menos de momento, no hay amor, lo cual no quita algo de atracción mutua y hasta un beso sobre un puente en una bella y “burtoniana” escena…

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Sorpresa…

Betty cree que ya es hora de pasar con Kevin a algo más físico pero, contrariamente a lo imperante en la época, es el varón quien prefiere esperar al matrimonio para hacerlo. Ella dice estar cansada de que todas las decisiones sobre su relación sean tomadas por él, así que rompe la misma.

Devastada, va a hablar con Toni que, intentando consolarla, la lleva al Cuarto Oscuro para tener una charla más profunda café de por medio. Mala idea: apenas llegar, encuentran a Kevin bailando con Clay y por más que Toni intente que Betty no lo vea, la rubia lo hace y queda boquiabierta…

Orient Express

Jughead quiere regresar a su vagón, pero después del allanamiento ha quedado patas para arriba e incluso Hot Dog ha sido llevado a la perrera. Veronica se ofrece a ponérselo a nuevo mientras él va por Hot Dog y, en efecto, Jughead casi no reconoce el lugar al regresar: afirma que parece el Orient Express, pero rápidamente aclara que “sin asesinato” al darse cuenta que no es el mejor momento para esa analogía.

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Lo que está claro es que, poco a poco, “Vughead” va apareciendo también en este tiempo alternativo y Jughead dejando de ser convidado de piedra en la medida en que comienzan a despuntar afinidad y atracción mutua con Veronica…

Devolución Fallida

Alice le ha encontrado a Betty el libro sobre sexo y está escandalizada, pero Ethel le salva la ropa a su amiga al decir que el libro es suyo, cosa que a Alice no sorprende. La atención de Betty, no obstante, está ahora puesta sobre todo en Kevin y decide ir a verlo, pues al parecer y según dice, ha estado leyendo justamente en el libro sobre gente como él y lo acepta.

Al ser abordado por ella, él comienza diciendo que el baile con Clay fue solo una broma, pero al ponerse ella más inquisitiva y a la vez más comprensiva, termina reconociendo la relación y muestra pesar por el modo en que ella ha tenido que enterarse. Le cuenta que, de todas maneras, fue recién en esa noche que tuvo su primera relación con Clay, dejando claro así que nunca le fue técnicamente infiel pues ya habían roto.

Ella considera que debe devolverle la insignia, pero él no la acepta y, además, le dice, pertenece en realidad a Alice. Anoticiada entonces Betty de que su madre ha estado impartiendo consejos a Kevin sobre su relación con ella, va a verla montada en cólera y, para peor, se encuentra con que Ethel ya no está allí pues, tras el incidente con el libro, Alice ha decidido destinarla a la institución de las Damas de la Misericordia…

El Test de la Rana

Fangs, entretanto, está preocupado por su novia Midge, de quien teme que esté embarazada. A tal fin, Toni le hace el test de la rana que, en efecto, lo confirma. Para quienes no supieran nada del mismo antes de ver este capítulo, les comento que fue un método muy popular por esos años y, si quieren saber más, les dejo link con artículo de la BBC al respecto.

Pero cuando Fangs decide ir a ver a la familia de Midge para hacerles el anuncio y formalizar la relación, se encuentra con que le mandan de paseo pues, claro, él es poca cosa para ella y las Serpientes, ya lo sabemos, carecen de buena prensa….

El Precio de la Pimienta

Los padres de Cheryl han prácticamente organizado la vida futura de la joven pareja; entre otras cosas, quieren que ella y Archie se instalen en Thornhill, pero a él no le gusta ni un poco la idea y le propone, en cambio, escapar hacia el oeste y ser libres. Cheryl se lo comenta a Toni, pero a esta, obviamente, no le gusta la idea y le dice que en algún momento deberá enfrentarse con quien verdaderamente es…

Es así que cuando todo parece listo para que la pareja se largue e incluso Archie espera por Cheryl en la parada del autobús, ella, en glamorosa imagen, llega con su descapotable y le dice que no podrá acompañarlo, que no es la chica para él y que posiblemente la tenga al lado de su casa, en clara alusión a Betty.

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Cheryl va una vez más en busca de Toni, que, en definitiva y aunque no lo diga, es su razón para permanecer en Riverdale. En conversación con ella, reconoce que se lleva bien con Archie, pero tácitamente admite que lo que siente por él no es amor, algo muy semejante a lo que Betty, antes, le sonsacara al propio Archie al decirle que “una cosa es salvar a una persona y otra es amarla”.

Toni le termina regalando un ejemplar de El Precio de la Pimienta, de B. Harper. Si no reconocen el libro, les diré que es ficticio, pero hace clara referencia a uno muy real que es El Precio de la Sal, posteriormente reeditado bajo el título Carol y cuya autora, la célebre escritora policíaca Patricia Highsmith, publicara originalmente bajo el seudónimo de Claire Morgan. La novela presentaba la relación amorosa entre dos mujeres en la New York de los cincuenta con la novedad para la época de que ninguna de ambas era villana ni acababa muriendo.

Hola “Vughead”…

Archie, tras las palabras de Cheryl, está convencido ahora de ir por Betty y, de hecho, le ha escrito un poema que está pensando en entregarle. Sin embargo, cuando está a punto de hacerlo, su madre le dice que ha venido alguien de visita para hacerlo recapacitar sobre sus actos y no es otro que el tío Frank, por cierto con cara de pocos amigos…

Jughead, mientras tanto, está preocupado por Ethel, pues conoce el prontuario psicótico de la institución en que la han metido y necesita sacarla de allí. En la escena final del episodio, Veronica le brinda consejo y consuelo, tanto que se terminan besando. Bienvenido Vughead a los cincuenta…

Balance del Episodio

Está comprobado que Riverdale es una serie a la cual le caen bien los escenarios alternativos o por fuera de la línea temporal. Lo hemos comprobado en la temporada anterior, con aquellos cinco primeros episodios ubicados en Rivervale, lo mismo que cada vez que nos vimos llevados al pasado con Archie y sus amigos interpretando a sus propios padres o en aquella magnífica entrega que nos contara los orígenes de Hiram Lodge (temporada 5, episodio 12).

Lo de ubicar a nuestros personajes en una década de los cincuenta alternativa viene funcionando bastante bien y está claro que la cuestión del cometa fue solo una excusa para hacerlo y bienvenida sea pues, por lo menos hasta aquí, la temporada no derrapa. No sabemos hasta cuándo se prolongará ese escenario, pero ojalá que por bastante tiempo.

Este cuarto episodio, en particular, ha tenido un delicioso clima retro de comedia romántica con toques de drama y por más que la historia se ubique en los cincuenta, el abordaje está hecho con la visión que de esa década se tenía en los ochenta o primeros noventa.

Ayudó a ello la fotografía que nos ha dejado momentos bellísimos como el beso sobre el puente con un entorno muy a lo Tim Burton, al igual que la selección de la música que, en este caso particular ha recalado más de una vez en el clásico Unchained Melody, de The Righteous Brothers que, aunque muy cincuentero, es ya para esta altura asociado inequívocamente con el filme Ghost, más allá del Amor (Jerry Zucker, 1990).

La sexualidad sigue teniendo centralidad en la historia, pero en esta entrega con un cariz menos erótico que en la anterior y más enfocado en el romanticismo, el prejuicio social y, obviamente, la aceptación, ya sea la propia, como con Kevin que ya la ha asumido y Cheryl que va camino de hacerlo, o bien la del otro, como con Betty, que termina por aceptar la de Kevin.

A la larga, la personalidad de todos sigue emergiendo en este escenario alternativo lo mismo que sus historias cruzadas y ello hacía inevitable que en algún momento el triángulo Archie-Betty-Veronica se convirtiera en “triángulo de cuatro” con Jughead.

En cuanto a Mary, nos está cayendo, en esta versión, cada vez más antipática al pretender controlar cada aspecto de la vida sentimental de Archie y erigirse prácticamente en árbitro de la moral. Y la llegada del tío Frank, al parecer promovida por ella, anuncia un escenario complicado que nos hace pensar hasta dónde pueda llegar en esto de “proteger” a su hijo.

No menos escabroso se presenta el panorama para Ethel, ahora que ha sido recluida en una institución especial y si bien damos por descontado que Jughead irá en su “rescate”, habrá qué ver qué tan bien cae en ella la flamante relación con Veronica nacida en su ausencia: temo que también le termine apareciendo su “verdadera” personalidad y ello no puede presagiar nada bueno…

Si tengo que elegir un episodio, me sigo quedando con el anterior, pero hasta aquí ninguno de los que hemos visto en esta temporada ha bajado de aceptable. Quizás este haya tenido menos humor e ironía (aunque tuvo sus momentos, como el test de la rana o el comentario de Penelope sobre el cabello rojizo), pero en líneas generales me sigue gustando esta versión cincuentera que, repito, sienta bien a los personajes y ojalá se mantenga algún tiempo antes de que lleguemos a la despedida final del cierre de temporada.

A ver qué nos trae la próxima entrega. Hasta entonces y sean felices…

Análisis de Perry Mason. Temporada 2. Episodio 8. Final de temporada

Pedro Pérez S.
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Análisis de Perry Mason. Temporada 2. Episodio 8. Final de temporada

Perry Mason ha llegado al final de su segunda temporada. El episodio cierra el caso de los hermanos Gallardo y resuelve las preguntas planteadas, aunque también deja alguna pendiente. Os dejo el enlace a los análisis anteriores y vamos al lío.

Capítulo 16

El episodio se abre con una Camilla Nygaard perturbadora, sometiéndose a una sesión de rejuvenecimiento facial a base de aguijones de abejas, o avispas, que tampoco somos expertos. ¿Qué queréis? Los ricos son así, llenos de excentricidades.

Della se niega a creer que esté implicada en el asesinato de Brooks McCutcheon hasta que Paul y su mujer le traen la prueba de que la mujer de Melville Phipps es la drogadicta que buscaban y que es el abogado quien contrató a los Gallardo.  Viéndose acorralado por Mason, Della y Paul, Phipps acaba por colaborar con ellos.

Aquí debo decir que me perdí. No relacioné a la pianista que aparece en los primeros episodios con Phipps. No recordé que era su mujer, o quizás es que no lo dijeron. Vete a saber. Habría que rebobinar, pero a estas alturas ya no es necesario.

El caso es que entre el testimonio de Melville Phipps, el de Ozzie Jackson, el arma del crimen, el robo de fotografías y negativos donde salía Burges y la decisión del juez, Mateo Gallardo se declara culpable, Rafael sale libre para ir a la academia de arte, los malvados no reciben su justo castigo y Perry Mason acaba en chirona. Ya me diréis si no es un bajón.

Incluso si ganas, pierdes

Ese es el mensaje de la temporada si nos atenemos a las declaraciones de Michael Begler, uno de los showrunners de la serie. Según Begler:

«Anteriormente, Lydell le dice a Perry: «Incluso si ganas, pierdes». Y creo que nos gustó darle la vuelta al final de la temporada, diciendo: aunque Perry pierde de una manera, gana. Ganar significa que entiende ahora qué quiere decir luchar y lo que conlleva, y ese síndrome del impostor que existe al principio de la temporada se ha ido casi todo al final y puede mantener la cabeza alta. Puede colgar esa foto de él y su hijo. Es casi una manera de decir: este es a quien necesito enseñar lo que es la justicia real, lo que es la moral real. Pienso que lo cree en su corazón y creo que eso es lo que nos atraía realmente. Cuando comenzamos la temporada, es un abogado verde. Aún es realmente novato, por lo que no podíamos ir a toda pastilla en llevarle al Perry Mason que todos esperan y creo que ha llevado toda la temporada llegar ahí, lo que es importante.»

De aquí podemos deducir que se han planteado la segunda temporada de Perry Mason al estilo de la trilogía de Spiderman de Tom Holland, en el sentido de que hay un Perry Mason begins en la temporada anterior y una especie de redención y asunción de responsabilidades al final de esta. Aunque insisto, es un final anti-climax y más si tenemos en cuenta que ni ellos mismos saben si tendrá continuidad.

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Valoración final de la temporada

Perry Mason nos ha entregado una segunda temporada brillante en cuanto a calidad artística y técnica, destacando su recreación de Los Ángeles en la década de los 30. Igual no era exactamente así como lo pintan pero nos da igual. Cinematográficamente, es lo que nos gusta y lo que buscamos. Nada más podemos añadir en ese aspecto. En cuanto a la historia, ahí si que podemos puntualizar algunas cosas.

En mi opinión, Perry Mason es una serie que podría perfectamente ser lanzada de un tirón. Es de esas que salen perjudicadas en cuanto se lanzan los episodios a uno por semana y no por falta de ritmo (que lo tiene) sino porque al final, como buen producto de género negro, hay en Perry Mason tantos personajes y detalles que es fácil perderse. Cuando llegas al episodio 7 y te sacan un personaje que había aparecido en los dos primeros episodios, más de un mes atrás, ya no recuerdas ni su nombre y hay que tener en cuenta que esto no es una novela, donde “rebobinar” es mucho más fácil.

También nos encontramos con personajes que apuntan a importantes y se quedan en anécdotas, como el caso del Juan Roig, interpretado por Sean Astin; o el del inspector Holbson, del que vemos un atisbo de su vida familiar que no tiene continuación (que queme el casino al final no se acaba de explicar; igual para cobrar el seguro).

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La trama oscila entre el retrato costumbrista de Los Ángeles, el desarrollo de los personajes principales, el whodunit de toda la vida y los discursos políticos y sociales. No hay ningún problema en eso, pero en ocasiones acaban por contradecirse unos con otros, con chocar de mala manera. Por ejemplo, no se entiende que Perry Mason sea masacrado en los periódicos (en algunos episodios, porque luego se olvidan de eso) y Juan Roig ni se inmute, no reaccione ante el hecho de que su abogado sea el tipo más odiado de Los Ángeles (y lo llamo Juan Roig porque se me ha olvidado su nombre y me da pereza buscarlo).

El hecho de que esta segunda temporada de Perry Mason haya sido más coral tampoco ha ayudado mucho al personaje principal, que acaba con sus huesos en la cárcel en una escena final que deja un regusto algo amargo. Y lo hace por una decisión que no se entiende, la de guardar la pistola en la caja fuerte. Es algo que viene dado por forzar la trama, necesitaban que la pistola estuviese en la caja fuerte para que así fuese descubierta y Perry acabase en la cárcel, cuando lo más lógico habría sido deshacerse de ella, devolverla al poblado o hundirla en el mar y mucho mejor para Perry y sus clientes.

Es verdad que estas críticas son algo rebuscadas. La serie tiene calidad para dar y regalar pero al no tener mucho que hacer entre episodio y episodio acabas por darle vueltas a estos detalles. Es lo que dije antes de la emisión semanal, que al final perjudica a la serie. Mucho mejor un maratón.

Con esto terminamos. Gracias a los que nos habéis leído y nos vemos en una tercera temporada de Perry Mason. O no porque aún no se sabe nada y Netflix no tiene la exclusiva en cuanto a cancelaciones. Terminamos con la gran versión que Terence Blanchard realiza en este capítulo del tema de la serie original. Un saludo, sed felices.

Crítica de Ghosting (Ghosted, 2023). Lo siento, Apple, pero no somos máquinas.

Fernando Vílchez
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Crítica de Ghosting (Ghosted, 2023). Lo siento, Apple, pero no somos máquinas.

En los últimos tiempos, la competencia de las distintas plataformas de streaming no solo se queda en las series de televisión, sino también en las películas. Todas intentan copiar el modelo de la plataforma reina, Netflix.  Y Apple TV, que hasta ahora mantiene una elección modélica en lo que a series se refiere, ha apostado por el cine con Ghosting (Ghosted), comedia romántica de acción que prometía ser uno de los grandes éxitos del año.

De hecho, si preguntáramos a cualquier inteligencia artificial por Ghosting, nos aseguraría un éxito absoluto. Y razones no le faltan.

En primer lugar, su argumento. Chico guapo se enamora de chica guapa, pero esta desaparece y el muchacho decide ir tras ella para descubrir que la susodicha es una espía internacional a la que tendrá que ayudar a salvar el mundo.

Como tal, la de Ghosting es la trama de cualquier comedia romántica de aventuras y acción de finales de los 90 e inicios de los 2000 que tan bien funcionaron en taquilla. Seis días y siete noches, Sr. Y Sra. Smith o Noche y día son algunos de los ejemplos más conocidos.

Es más: Ghosting no solo se queda en ese tono, sino que pretende abordar el cómo se enfocan actualmente las relaciones a través de la tecnología. Se habla de ghosting y stalkear, conductas más que reconocibles en l@s solter@s  (y no tan solter@ss) que consisten en, respectivamente, dejar de hablar y “desaparecer” de la vida de una persona a la que estás conociendo y ya no te interesa y, por otro lado, curiosear las redes sociales y rastrear de forma unilateral a la persona que te interesa.

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En resumen, tenemos un argumento propio de un taquillazo de hace unos años combinado con una temática tan actual como el ligar en estos tiempos de Instagram, Facebook o Tinder.

La película está dirigida por Dexter Fletcher, que nos ha dado productos tan notables como Eddie el Águila, simpático biopic de un esquiador británico, y Rocketman, película sobre la vida de Elton John. Además, fue el que terminó Bohemian Rhapsody tras la polémica de Bryan Singer. Un director solvente que parece acertar con cada producto que dirige.

Y claro, sus protagonistas. Dos de los actores más carismáticos (y sin escándalos) del Hollywood actual. Por un lado, la cubana Ana de Armas, que viene de romper a la crítica con Blonde, la polémica falsa biografía de Marilyn Monroe, además de ser una de las protagonistas de El agente invisible, la película de los hermanos Russo para Netflix. Ello aparte de ser chica Bond y estar pendiente de estrenar el primer spin-off de John Wick. Toda una action-woman que, encima, actúa bien.

Nuestra crítica de Blonde.

Nuestra crítica de El agente invisible.

Por otro lado, Chris Evans, uno de los niños bonitos de Hollywood tras ser el Capitán América y que está intentando alejarse de esa imagen desde Endgame interpretando tanto villanos (El agente invisible, Puñales por la espalda) como papeles más dramáticos (la fantástica serie Defendiendo a Jacob, que también tenéis en Apple TV+).

Dos de los actores más de moda de Hollywood, un director notable, una trama diseñada para jugar con las expectativas de los papeles que pudieran interpretar los actores (él como chico desvalido, ella como una luchadora despiadada). Todo hace pensar, sobre el papel o en la mente de una IA, que la película va a ser un éxito.

Pero no.

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Ghosting fracasa. Y no suspende porque no deja de ser una superproducción que, hasta cierto punto, entretiene por la sucesión de situaciones que ocurren y por la autoconciencia de lo que estamos viendo. Es decir, que todos los que participan en ella saben que la película es una enorme chorrada.

Lo que no es malo. No me malinterpretéis. Soy el primero que defiende el cine de evasión sin tantas pretensiones. Pero una cosa es esa y otra que, sencillamente, la historia no ayude a evadirse a nadie.

En primer lugar, porque más allá de los personajes protagonistas, que tampoco es que estén escritos con la profundidad de Freud, el resto de papeles de la película son meros figurantes. Y con eso incluyo al villano Adrien Brody (ay, nuestro pianista de Polanski, para lo que hemos quedado).

Pero lo peor es que Ghosting adolece de lo que jamás debería faltar en una comedia romántica. De tensión. Sexual, claro está. Queda claro que Ana de Armas y Chris Evans son amigos en la vida real (este es el tercer proyecto en el que actúan juntos), pero no hay ni rastro de lo que tendría que darnos más vidilla viendo esta película. Una pena.

Lo que queda claro es que, por mucho que vivamos invadidos por cookies que nos asaltan con anuncios de los productos que hemos buscado en Internet, por mucho que un algoritmo nos diga qué debemos escuchar o qué serie o película ver en tal o cual plataforma de streaming; somos mucho más que una mezcla de gustos que se mete en una batidora y sale un ser humano. Como espectadores, debemos exigir mucho más que un producto tan blando y previsible como Ghosting.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

Barbarella. Un hito del feminismo y la cultura pop europea llegó por fin a España gracias a Dolmen Editorial.

DAve Solis
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Barbarella. Un hito del feminismo y la cultura pop europea llegó por fin a España gracias a Dolmen Editorial.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy queremos hablaros de un cómic que supuso un hito en la cultura pop europea, hace ya más de 60 años. Hoy tenemos el inmenso placer de hablaros de Barbarella.

Antes de entrar en harina, quiero incidir (nuevamente) en la importante labor que está realizando Dolmen Editorial en nuestro país.

Una vez más, deseo destacar la encomiable labor de recuperación de obras de esta pasión a la que estamos enganchados todos: Los cómics. Podemos llamarlo tebeos, historietas, novela gráfica … Como más os guste.

Barbarella

Dolmen Editorial está recuperando obras que habían caído en el olvido, como Las Nuevas Aventuras del Guerrero del Antifaz y la creación de nuevas historias del personaje, o la implantación de su sello Albión, en el que nos recupera obras del cómic inglés con las que algunos crecimos y que no han sido reeditadas desde los tiempos de Vértice.

Pero no quiero enrollarme en exceso. Hoy vamos a hablaros de …

Barbarella

Barbarella

Barbarella es hoy en día, un hito del feminismo y la sensualidad retro en el noveno arte.

Por fin podemos disfrutar en España, de una de las space-opera más sugerentes, imaginativas e inteligentes de la historia del cómic, que ha estado inédita en nuestro país durante más de 60 años.

Barbarella fue una precursora que inspiró personajes femeninos del cómic que sin ella no hubiesen sido posibles, tales como Vampirella, Modesty Blaise o Valentina.

Aunque resulte increíble, Barbarella, cuya versión cinematográfica es aún hoy un clásico del cine kitsch y la cultura pop con un ligero aroma erótico, nunca llegó a publicarse en España en su formato de cómic original.

Un error incomprensible que hoy viene a repararnos Dolmen, con la versión española de la obra de los sesenta, escrita y dibujada por Jean-Claude Forest.

Barbarella

La película, protagonizada por una joven e inconmensurable Jane Fonda, se convirtió de inmediato en un icono de la sensualidad y un clásico de la space-opera, por aquel entonces muy popular.

Este tremendo éxito del film, sepultó para el gran público los numerosos atractivos del cómic homónimo.

Barbarella

Y es que, de hecho, Barbarella, el cómic, sacudió los cimientos de la industria editorial y la sociedad francesa, al enfocarse a un público adulto en un momento en que las publicaciones estaban dirigidas exclusivamente al mercado infantil y juvenil.

Ya en aquellos lejanos años 60′, Barbarella se constituyó como un alegato al empoderamiento de la mujer y en sus historias proclamaba abiertamente la igualdad de ésta frente al sexo masculino.

Forest quiso reflejar la libertad sexual y sentimental de la mujer por sí misma. Esta mujer moderna tenía (y tiene) el derecho a decidir a quién ama y con quién quiere desatar su pasión.

Barbarella

Eran los sesenta, poco antes del que sería el contestatario Mayo del 68, y la intelectualidad de izquierdas del momento acogió esta singular obra al intuir que detrás de la sensualidad y presunta ingenuidad de sus páginas, latía tanto una decidida filosofía política radicalmente opuesta a los movimientos autoritarios, a la vez que brindaba un potente icono feminista.

Nuestra protagonista viajaba por las galaxias, mediando en los diferentes conflictos con los que se encontraba, rechazando cualquier tipo de expresión de violencia.

¡Qué pedazo de personaje!

Una heroína empoderada que no necesitaba supervisión masculina para tomar decisiones y que daba rienda suelta a sus deseos.

En su obra, Forest hace gala de una total libertad creativa inédita en la época, y se deja seducir por el absurdo y el surrealismo tanto a nivel visual, como textual, con hilarantes e ingeniosos juegos de palabras y deliciosas metáforas.

En esta obra, podremos disfrutar de tiburones que planean, piratas que surgen de una medusa, extraños y estrambóticos personajes y un sinfín de cosas que tendréis que descubrir en su interior.

Barbarella

La heroína de Barbarella se convirtió en un referente a nivel mundial que inspiró o hizo posibles otros personajes posteriores que sin su ejemplo no hubieran existido.

Cómics con protagonistas femeninas como Vampirella en los USA, Modesty Blaise en Inglaterra o Valentina en Italia, por poner unos pocos ejemplos.

Dolmen publica ahora los dos primeros álbumes en blanco y negro (lamentablemente, los bitonos originales se perdieron), con un sinfín de extras que ayudan a situar la obra en su contexto histórico y revalorizar su importancia artística.

Barbarella

Espero que esta presentación cumpla con su objetivo, que no es otro que dar a conocer este hito en forma de cómic, hasta ahora casi desconocido para el público español.

Corred a vuestra librería y encargad vuestro ejemplar de Barbarella. Esto es historia viva del noveno arte. Acercaos a saborearla y disfrutadla como estoy haciendo yo.

¡Sed Felices!

Nuevo tráiler oficial de Flash en español

Mario Losada
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Nuevo tráiler oficial de Flash en español

Los mundos colisionan en el nuevo tráiler oficial de Flash. 13 de junio estreno internacional y 16 de junio en España.

Warner Bros. Pictures presenta «Flash», dirigida por Andy Muschietti (las películas de «IT», «Mamá»). Ezra Miller retoma su papel de Barry Allen en el primer largometraje independiente del superhéroe de DC.

Los mundos colisionan en «Flash» cuando Barry utiliza sus superpoderes para viajar en el tiempo con el fin de cambiar los acontecimientos del pasado. Pero cuando su intento de salvar a su familia altera inadvertidamente el futuro, Barry queda atrapado en una realidad en la que el General Zod ha regresado, amenazando con la aniquilación, y no hay superhéroes a los que recurrir. A menos que Barry consiga sacar de su retiro a un Batman muy diferente y rescatar a un kriptoniano encarcelado… aunque no sea el que está buscando. En última instancia, para salvar el mundo en el que se encuentra y volver al futuro que conoce, la única esperanza de Barry es correr por su vida. Pero, ¿bastará con llevar a cabo el sacrificio definitivo para reiniciar el universo?

El reparto de «Flash» también incluye a la estrella emergente Sasha Calle, Michael Shannon («Bullet Train», «Batman vs Superman: El amanecer de la justicia»), Ron Livingston («Loudermilk», «Expediente Warren: The Conjuring»), Maribel Verdú («Élite», «Y tu mamá también»), Kiersey Clemons («Liga de la justicia de Zack Snyder», «Sweetheart»), Antje Traue («Amor Prohibido», «El hombre de acero») y Michael Keaton («Spider-Man: Homecoming», «Batman»).

Será distribuida en todo el mundo por Warner Bros. Pictures y está previsto que su estreno en los cines de España sea el 16 de junio de 2023 e internacionalmente a partir del 14 de junio de 2023.

Confirman a Ricardo Darín para El Eternauta

Rodolfo Del Bene
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Confirman a Ricardo Darín para El Eternauta

Lo habíamos adelantado y ya es realidad. Ricardo Darín será El Eternauta en la adaptación de Netflix.

Lo que había comenzado como rumor (aquí nuestro artículo) finalmente ha quedado confirmado: el propio Ricardo Darín, en entrevista radial, ha declarado que protagonizará El Eternauta. No ha dado precisiones sobre cuál será el papel que interpretará, aunque todo parece indicar que sería el del protagonista Juan Salvo.

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Desde que Netflix anunciara a principios de 2020 (aquí el artículo) la realización de una serie basada en el emblemático cómic de ciencia ficción del (literalmente) desaparecido Héctor G. Oesterheld y Francisco Solano López (aquí nuestra reseña), las noticias han venido y siguen viniendo con cuentagotas pero a paso firme, pues después del paréntesis impuesto por la pandemia, parece que finalmente vamos de cara a la adaptación.

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Está claro que la empresa viene manejando muy bien la cuestión del marketing como para que el estreno no pase desapercibido una vez en la plataforma. Hasta hemos tenido en septiembre del año pasado un cartel (aquí la noticia en su momento publicada) que, con muchas dudas, fue declarado como no oficial por parte de Netflix.

El rumor de que Ricardo Darín estaría en El Eternauta reavivó, desde ya, el interés y no es para menos, pues hoy por hoy es el actor argentino más conocido en el mundo y ha participado de nada menos que cuatro producciones nominadas al Oscar como mejor película extranjera, siendo Argentina 1985 la última y reciente (perdió contra Sin Novedad en el Frente).

Según palabras vertidas por el propio actor para CNN Radio, se trataría de “una versión aggiornada que pretende tener un alcance más allá de las fronteras de nuestro país… La serie estará basada en el cómic, pero hay una nueva versión y estamos todos muy entusiasmados y movilizados… Es una forma de dar a conocer el país en un momento donde a lo mejor las noticias que llegan de la Argentina no son del todo agradables”.

Por otra parte y en cuanto a su personaje, señaló: “Es un trabajo muy arduo. Me estoy preparando porque es de una gran exigencia mental y física. Será algo que no pasará desapercibido”.

La dirección, recordemos, corre por cuenta de Bruno Stagnaro, responsable en el medio local de la aclamada Pizza, Birra, Faso y de la exitosa serie televisiva Okupas. “Bruno es la cabeza de una serie de guionistas y un grupo muy grande que está detrás de esta nueva versión, que probablemente sea de una o dos temporadas y han hecho un trabajo increíble – señaló al respecto Darín -. Y la verdad que lo que nos espera también será increíble…”

Con respecto a los tiempos de realización manifestó: “Estamos por empezar dentro de muy poco. Es un proyecto enorme, enorme, enorme...”

Acompañando y avalando tales declaraciones, Netflix difundió a través de su cuenta argentina de Twitter una imagen con un supuesto cartel callejero que reza: “Sí, Darín va a ser El Eternauta. Que quede entre nosotros”.

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Tal mensaje pareciera confirmar implícitamente que, en efecto, su papel será el de Juan Salvo, ya que dice que “va a ser El Eternauta”. Pero por si todavía quedara alguna duda, el texto que acompaña agrega: “Tengo una bombita. Ahora a Darín le podemos decir Juan Salvo”. Caso cerrado…

No cabe duda de que la presencia del actor dará al lanzamiento la internacionalidad que Netflix pretende aunque, claro, entre los fans del cómic siempre habrá resquemores por el poco parecido físico con el personaje y, sobre todo, por su edad. También puede generar algo de temor el que se insista tanto en que es “una nueva versión”, lo cual podría arrojar dudas sobre qué tanto se respete el material original. Esperemos que lo suficiente.

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Mientras tanto y como lo venimos haciendo desde el primer momento en esta web, seguiremos a la espera de novedades. Hasta pronto y sean felices…

Análisis de Star Trek: Picard. Temporada 3. Episodio 10. Final de la Serie

Rodolfo Del Bene
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Análisis de Star Trek: Picard. Temporada 3. Episodio 10. Final de la Serie

El emotivo final de Star Trek: Picard ha sido no solo una despedida de la serie, sino de toda una etapa dentro la franquicia a la vez que anuncio de una nueva. Procedemos a analizar un cierre que toca en sus fibras más íntimas al mundo trekkie. La serie, ya completa, disponible en Prime Video.

Bienvenidos nuevamente, trekkies y no tan trekkies, esta vez, duele decirlo, para analizar el último episodio de Star Trek: Picard que no es solo cierre de una serie sino de toda una etapa del universo Star Trek, haciendo confluir las series y películas que nos han llevado a este punto. El propio título La Última Generación es suficientemente sugerente…

Se me hizo difícil el visionado sabiendo que estábamos despidiendo a entrañables personajes que han sido parte de nuestras vidas y a veces hasta lo pausaba para que no acabara tan rápido y tener tiempo de procesar tantas emociones…

Aun así, buscaré ser lo más objetivo posible, pues no todo se ha cerrado de modo tan satisfactorio y hay algunas deficiencias, particularmente en la resolución de la trama borg. Pero ello no quita que el balance haya sido altamente positivo y que no podamos olvidar fácilmente esta despedida…

Pasemos pues a este difícil análisis advirtiendo que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA y recordando (ay) por última vez que pueden leer aquí los previos.

No se acerquen a la Tierra…

Mientras Picard y los suyos vuelven a navegar la reciclada y querida Enterprise D, en la Tierra se preparan para una batalla final. Nunca mejor dicho lo de “final”, pues el panorama no pinta alentador: en un sentido discurso, el presidente de la Federación dice tristemente que los jóvenes se han vuelto contra los adultos y las defensas planetarias hacen lo que pueden, pero no se sabe por cuánto tiempo…

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Llama además a que “no se acerquen a la Tierra” (guiño a Star Trek IV: Misión salvar la Tierra) y cita a su padre con que “la esperanza nunca se pierde”… Puede ser delirio de mi parte, pero el tono del discurso me remite mucho al de Salvador Allende a horas del golpe de estado en Chile.

Pero la mayor referencia es que quien habla es Anton Chekov, hijo de nuestro querido Pavel Chekov (el padre a quien cita) y cuya voz, para más impacto, es interpretada por el propio Walter Koenig que diera vida a este último en la serie original…

El nombre Anton, además, homenajea al fallecido Anton Yelchin, que lo interpretara en las películas del ciclo Abrams y, no sé si será casual o deliberado, pero también, con ortografía ligeramente diferente, al célebre dramaturgo ruso Antón Chéjov. Uff, cuánta referencia y van solo un par de minutos…

Lo que empezó hace Treinta y Cinco Años…

En la Enterprise, detectan una señal procedente de Júpiter y, en efecto, allí se dirigen para encontrar un cubo borg y un conducto transwarp en plena mancha roja. Beverly reconoce en la señal a Jack, a quien, al parecer, están usando como nexo…

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La única forma de desasimilar a la flota es cortar esa conexión a cualquier costo: “lo que empezó hace treinta y cinco años termina esta noche”, sentencia Picard y la frase adquiere para nosotros doble significación, pues sabemos que lo que comenzó hace treinta y seis también…

A bordo de la Titan y al frente de un grupo, Siete logra recuperar el puente. Más asimilados son enviados, pero Raffi logra aislarlos enrutando el transportador. “Has inventado el transportador portátil”, la felicita Siete…

Ha sido un Honor servir con Ustedes

Data comprueba que el cubo borg de Júpiter se halla al treinta y seis por ciento de su potencial por usar la mayor parte de su energía en transmitir la señal. Necesitan saber dónde se halla la baliza, pero no encuentran forma…

Deanna percibe que Jack está allí, aunque totalmente consumido por el Colectivo. La señal, por otra parte, es tan poderosa que bloquea los sensores, así que no queda otra que entrar al cubo y desactivarla desde adentro. De pronto y sorpresivamente, los escudos del mismo se bajan y Picard interpreta que es una invitación…

El ordenador encuentra una forma de energía con patrón humano que solo puede corresponderse con Jack, así que Picard pide a Beverly que lo guíe hacia él: “Lo trajiste hasta aquí. Déjame ahora traer a Jack a casa”.

Riker y Worf se ofrecen a acompañarlo y también Data, aunque terminan pidiéndole que permanezca a bordo donde será más útil ante eventuales reacciones del cubo. El mando le queda a LaForge, interpreto que porque Data carece de rango en su nueva versión.

“Ha sido un honor servir con ustedes”, dice Picard a los suyos en tono de despedida y claro guiño a los músicos de Titanic . La tristeza nos invade y tememos lo peor: ¿están pensando cargarse a Picard? Se nos hace un nudo de solo pensarlo…

Ni Derrota ni Despedida

En el cubo borg no hay sonidos ni movimientos y sí cuerpos horriblemente consumidos, aparentemente para mantener a algo o alguien. “Este sitio es una tumba”, sentencia Riker en evidente referencia a El Señor de los Anillos (casi textual al entrar la compañía en las ruinas de Moria).

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Desde la Enterprise, Beverly capta que la señal de Jack procede de un nivel más abajo, por lo que Picard anuncia a sus acompañantes que ha llegado el momento de separar caminos: ellos irán por la baliza y él por Jack, pues ya no es capitan sino padre, lo cual Riker entiende perfectamente por su historia personal con Thad. Otra vez la despedida nos llena de angustia, pero Worf nos brinda cierto alivio de esperanza al replicar que hay dos palabras que un klingon nunca entiende: derrota y despedida…

Bien dicho, guerrero…

Evolución

Beverly comunica a Picard que puede guiarlo hasta el nivel en que Jack se encuentra, pero después deberá continuar por su cuenta por la interferencia. Vuelve el clima de despedida: lejos de aquellas recriminaciones por ocultarle su paternidad, él le reconoce haber hecho absolutamente todo bien al proteger a Jack…

Jean-Luc encuentra a su hijo, atestado de cables y perdida la vista mientras fríamente recita la típica cantinela borg. Le dice que ha venido a llevarlo a casa, pero resuena entonces una estremecedora risa y es la reina borg, con el rostro horriblemente monstruoso y demacrado: replica a Picard que Jack ya está en casa y también ahora él: Locutus…

Cuenta que hasta hace poco no quedaba nada del Colectivo, salvo ella y Jack, de quien dice ser su madre; afirma que el futuro de los borg ya no está en la asimilación, sino en la evolución: ahora pueden procrear, reproducirse. Tal el sentido de la alianza con otra raza con suficientes motivos para odiar a la humanidad: los cambiantes, quienes les han ayudado a introducir su “código máquina” en un código genético.

Somos todo lo que queda

En la Titan, sorprendidos, identifican una señal de la Enterprise-D en proximidades de un cubo borg. Descubren además que la flota está interconectada por una línea de visión y la forma de mantenerse desconectados es permanecer invisible: el mecanismo de ocultamiento del Bounty sigue siendo útil…

Siete da un encendido discurso y nos vuelve a asaltar la acojonante sensación de que alguien va a morir: llama a dar sus vidas no por nada, sino por sus familias e hijos: “Aquí y ahora somos todo lo que queda de la flota”.

Valiéndose entonces del ocultamiento y bajándolo solo para disparar, la Titan maniobra por entre la flota y logra huir, pero les salen a la caza.

El Instinto de Data

En el cubo, Worf y Riker encuentran la baliza y comienzan a enviar las coordenadas, pero son atacados por borg que parecían muertos. Worf abate a un par con su espada. “No sabía que pesara tanto”, se queja Riker al intentar alzarla del suelo cuando en un momento se le cae al klingon. Este le muestra un phaser oculto en la empuñadura y Riker no puede creer que haya combatido sin usarlo; Worf dice preferir la diversión…

Sabiéndose atacado, el cubo borg “despierta” y abre fuego contra la Enterprise. Los escudos resisten, pero no por mucho tiempo más y no queda otra que destruir las torretas.  LaForge no ha tenido tiempo de trabajar en las armas, lo cual significa que habrá que operarlas manualmente: Beverly toma entonces el control de la nave y en “rasante” sobrevuelo, atraviesa el fuego borg y destruye las torretas. “He aprendido cosas en estos veinte años”, explica cuando la miran anonadados…

Comienzan a recibir las coordenadas, pero lamentablemente la baliza se halla en el corazón del cubo: imposible navegar hasta allí. Momento de Data: para estupor del resto, se hace ahora él con el control y pide que confíen en su “instinto”: palabra nueva en su léxico…

Zigzagueando por entre la estructura del cubo con una agilidad de maniobra que desconocíamos en la Enterprise, logra hacerlos llegar a la baliza, pero se llevan la decepción de que se halla interfasada con la subestructura de la nave. En español: si le disparan, provocarán una reacción en cadena que acabará con el cubo completo.

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Se genera pues un debate ético, de esos tan caros a la franquicia: disparar a riesgo de matar a quienes se hallan en su interior o bien no hacerlo y condenar a toda la galaxia…

¿Un Buen Día para morir?

Por mucho que lo intenta, Picard no logra que Jack “despierte”. Involuntariamente, la reina le deja la solución en bandeja al decirle que solo él puede decidir salir de donde está. Jean-Luc toma entonces un cable y se conecta al Colectivo. Una vez más, confrontación psíquica: como la de Data con Lore o la del propio Picard con su padre, pero esta vez con su hijo…

Jack dice sentirse bien allí: no hay sufrimiento, dolor ni soledad. Jean-Luc le explica que la aparente perfección es solo muerte y que también él se sintió en el pasado diferente y abandonado hasta encontrar su familia en la flota, adonde ingresó justamente por no tener una. “Tú eres la parte de mí que nunca supe que me faltaba”…

En la Enterprise y sin más tiempo, dan orden de disparar y solo hay un minuto para que puedan salir quienes están en el cubo, que se sacude mientras la reina se inquieta y Worf dice que es “un buen día para morir con honor”.

Picard anuncia a Jack que tampoco él saldrá de allí, pues ha cambiado su vida para siempre y permanecerá a su lado hasta el final. Mientras lo abraza, desfilan imágenes del pasado y volvemos a preguntarnos si veremos a Jean-Luc morir. Para estupor de la reina, sin embargo, Jack “despierta” y se arranca uno a uno los cables…

Riker, en tanto, se despide de Deanna con un “te amo, Imzadi” y le dice que la esperará junto a su hijo. Otra vez angustia: ¿serán entonces él y Worf los que mueran? Pero a Deanna le ha llegado el mensaje y ahora sabe dónde están. En un nuevo despliegue de inédita maniobrabilidad, ahora es ella quien pilota la Enterprise hasta llegar al lugar y transportar a los cuatro a tiempo para el escape warp. La reina se consume en llamas y el cubo estalla…

Reglas que deberían romperse

A bordo de la Titan, los asimilados intentan recuperar el puente, pero la destrucción de la baliza hace que la asimilación cese. En la Enterprise, Geordie se emociona de saber a sus hijas recuperadas y Jean-Luc da al suyo la bienvenida a bordo.

Beverly, ascendida a jefe de la sección médica, logra contrarrestar la infección borg con el propio transportador, a la vez que detectar irregularidades y capturar a los últimos cambiantes. Afortunadamente, han quedado con vida muchos de sus blancos asimilados, entre ellos Tuvok que, en su verdadera identidad y restablecido, cita a Siete para informarle que se ha decidido perdonar a la tripulación de la Enterprise, pero se ha tomado una determinación con respecto a ella y su insubordinación de desobedecer una orden y secuestrar una nave (otra vez Star Trek IV).

Anticipándose, ella presenta su renuncia, pero él, en emotivo momento, le muestra el reporte que sobre ella diera Shaw en vida destacando su valentía y lealtad más allá de no acatar las normas, pues “sus normas son quizás las importantes y las que rompe son las que deberían romperse”. Cierra recomendando su ascenso a capitán y, consecuentemente, Tuvok informa a Siete que se rechaza su renuncia…

Lo Difícil de ser Humano

Worf encuentra a Raffi llorando y, aclarando que él nunca lo ha hecho (los klingons carecen de sacos lagrimales), dice esperar que sea de felicidad. En efecto, ella ha recibido un mensaje de su hijo Gabe invitándola a conocer a su nieta; su rostro está en todos los noticieros y Worf dice que quien haya filtrado la información ha de ser un “honorable inconformista”. O “un gran amigo”, acota Raffi dando por descontado quién ha sido. Le insta a continuar siendo un guerrero por la paz y se funden en un abrazo…

Data se está sometiendo a terapia con Deanna. Dice que a veces se siente dichoso y otras melancólico, habiendo hasta llorado al ver a un alférez alimentar a su gato. La transición le es difícil y el equilibrio también: está entendiendo que ser humano es complicado…

Los Nombres importan

Un año después, la Enterprise vuelve a ocupar su lugar en el Museo de la Flota. “Si alguna vez hubo evidencia de que el pasado importa, está aquí”, dice Picard en el puente de mando junto a Riker y LaForge. Mirando en derredor con los ojos llenos de nostalgia, caen en la cuenta de que sus vidas hubieran sido diferentes sin esa nave, pero no mejores: las nuestras también…

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LaForge ordena secuencia de cierre y Picard le encarga que la cuide; él responde que lo hará como los cuidó a ellos y mientras las luces se apagan, se nos humedece la vista de saber que dejamos la Enterprise-D por última vez. ¿Será así?…

Jack ha ingresado a la flota por “vía rápida”, lo que su madre ve como un honor y él como nepotismo. “Los nombres no significan nada”, repone Jean-Luc, quien, a medida que la lanzadera se aproxima a la nave asignada a su hijo, comprueba que es la Titan. Sorpresa: ahora, en su honor, es la Enterprise NCC-1701-G… “Los nombres sí importan”, replica Jack ante un padre conmovido a más no poder…

STAR TREK: PICARD S03E10 | The Last Generation : I Had Faith

Ya en el puente, Jack nos engaña dando órdenes como capitán hasta que aparece Siete para poner las cosas en su lugar y reclamar su silla mientras Raffi, su número uno, se le ubica a la diestra. La nave se apronta a partir y hay suspenso por la palabra que elegirá Siete para dar la orden… “La primera línea de su legado”, dice Jack para justificar la importancia del momento y seguramente en referencia a lo que viene. No oímos la palabra de Siete al partir, pero ya lo haremos porque está claro que hay allí una nueva historia por contar…

Póquer del Adiós

Los ex tripulantes de la Enterprise-D se reúnen en el 10 Forward. No vemos a Guinan, pero dicen que les está vigilando. Riker y Troi programan sus vacaciones y Picard tiene a su cargo las palabras finales: citando y parafraseando al Julio César de Shakespeare, dice que “nos mantenemos a flote en la marea y debemos decidir si la corriente nos arrastrará o nos llevará a la aventura”.

Riker agradece las olas que han surcado juntos mientras las copas se alzan y hay brindis. Picard exhibe un as de picas y todos entienden que hay partida de póquer. Riker le pregunta si se siente con suerte y responde que siempre se ha sentido con “las estrellas a su favor”. Los naipes y fichas comienzan a volar sobre la mesa y suena el tema con el que siempre identificáramos a Star Trek: The Next Generation. Difícil imaginar final más emotivo…

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Visitante Inesperado

Momento: hay escena post-créditos. Jack se está instalando en su cuarto con un retrato de sus padres y un modelo a escala de la querida Enterprise-D cuando alguien aparece abruptamente de la nada y solo puede ser…

¿Pero qué hace allí Q, cuando lo hacíamos muerto al final de la temporada anterior?: hasta Jack se lo pregunta… “Esa es una forma muy lineal de verlo”, replica el aparecido y cuando Jack le recuerda que el juicio contra la humanidad ha concluido, repone que solo el de Jean-Luc, pero ahora comienza el suyo…

Balance Final de la Serie

Uff, qué duro llegar a esta parte tras despedir para siempre y de este modo a Picard, Riker, Geordie, Worf, Data, Deanna y Beverly.

Es extraño, porque a algunos ya habíamos dado por sentado que no les veríamos más, pero el tenerles de vuelta y juntos (impensable un par de años atrás) hace que despedirlos sea doblemente difícil y conmovedor.  Y ni qué hablar de cómo han jugado con nuestros corazones ante la incertidumbre de que alguno de ellos pudiera morir de un momento a otro…

Ojo: este episodio final ha tenido sus incongruencias. En el análisis anterior me preguntaba si habría tiempo para cerrar debidamente la trama y dar a las despedidas el justo lugar. Habiéndolo visto, la respuesta es no: han sacrificado claramente lo primero en aras de lo segundo…

La trama borg, especialmente, se ha cerrado demasiado rápido y no de modo satisfactorio. Hubiera sido preferible que, como en algún momento reclamáramos, no estiraran como chicle la revelación de la identidad de Jack y nos mostraran antes a los borg, lo cual habría redundado en un mayor y mejor desarrollo del enfrentamiento…

Por otra parte y si bien fue divertido ver cómo se iban pasando el pilotaje de la Enterprise, no la ubicábamos con semejante capacidad de maniobra, más propia de un viper de Battlestar Galactica o del mismísimo Halcón Milenario…

Y la referencia a Star Wars no es azarosa: el cierre de la trama borg ha sido más propio de esa franquicia que de Star Trek. No es menosprecio: son franquicias distintas y lo que en una se resuelve en base mayormente a la acción, en la otra lo hace sobre la lógica, razón, diálogo e ingenio. Contrariamente, fueron muchas las ocasiones en que nuestros personajes allanaron el camino con sus acciones y no es que no me encante la épica: por el contrario, la celebro y en su justa medida es también parte del universo trekkie, pero hubiera preferido alguna forma ingeniosa de acabar con las torretas o llegar al corazón del cubo, por ejemplo…

Ahora bien: la emoción tiene mucho peso y por mucho que pongamos de relieve esas flaquezas, los últimos veinte minutos, sumados a todos los otros golpes emotivos del episodio y la temporada, acaban poniendo a la serie (muy apropiadamente) por lo alto.

¿Pero deficiencias en el guion más carga emocional no terminan haciendo la misma ecuación que las temporadas anteriores? Hmm, no: la mayor parte de esas deficiencias aparecieron en este episodio final y si hay quien afirma que “no hay que quedarse solo con el final de la película”, no veo por qué no vaya a correr lo mismo para una serie. El componente emotivo, además, ha volado bastante más alto en esta temporada…

Se cierra una etapa: lo que en Marvel llamarían “fase”. Las generaciones se renuevan cada veinticinco o treinta años y así como en su momento la tripulación de Kirk debió dejar relevo, ahora toca a sus continuadores hacer lo propio con los nuevos. En ese sentido, este episodio final ha sido despedida y a la vez presentación, pues por fortuna el universo trekkie continúa y ya publicaremos en próximos días todo lo que se halla esperando a ser estrenado.

Sería un error ver esta tercera temporada de Star Trek: Picard como la octava de TNG. Más bien podría decirse que es la trigésimo segunda de todas las series live action y aun así nos quedaríamos cortos por la cantidad de referencias a las trece películas de la franquicia.

Ha sido muy fuerte ver a Patrick Stewart, Jonathan Frakes, Brent Spiner, Michael Dorn, Marina Sirtis, LeVar Burton o Gates McFadden ponerse nuevamente en la piel de personajes que ya integran nuestra familia. Otro tanto para Jeri Ryan volviendo a interpretar a Siete, Tim Russ a Tuvok o John DeLancie a Q, cuya reaparición final nos ha dado menuda sorpresa…

Por contraste, nos han quedado en deuda con la capitana Janeway, a quien ponía todas las fichas para este último episodio, así como el querido O’Brien, por alguna razón no invitado a la reunión. Y ciñéndonos específicamente a esta serie, me hubiese gustado saber algo de Jurati, que no hubiera desencajado en una guerra civil entre borgs, quizás más creíble que la resolución que hemos tenido. Pero bueno: no se puede evaluar la serie que no fue, sino la que fue…

¿Y qué pasó con Laris y su incipiente relación con Picard? Estaba seguro de que volveríamos a verla en este último episodio, pero ni rastro… Cierto es que no tiene demasiado lugar ahora que él tiene una familia, pero: ¿seguirá esperando en Chaltok IV como dijo que haría?

Si tengo que rescatar momentos emotivos de este episodio final, me quedo con el mensaje póstumo de Shaw, la despedida en el puente de la Enterprise y la partida de póquer, sin perjuicio de que volver a oír la voz de Walter Koenig o ver a Tuvok en su verdadera esencia hayan sido también momentos cargados de emoción.

Y por supuesto la música, que siempre acompañó desde lo referencial y en este último episodio más todavía al pasearse permanentemente por las distintas bandas sonoras de la franquicia.

Hemos tenido una gran despedida y aunque tengamos todavía húmeda la vista, sabemos que el universo trekkie siempre consistió en mirar adelante. Como tal, por suerte y después de seis décadas, sigue vivo…

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Gracias por haberme acompañado con sus comentarios, aportes o simplemente leyendo. Ya nos reencontraremos en algún lugar adonde nadie haya llegado jamás. Hasta entonces: larga vida y prosperidad…

Tráiler de The Equalizer 3: Denzel se enfrenta a la mafia italiana en lo que promete ser una gran despedida de la saga

Carlos María Porras Castaños
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Tráiler de The Equalizer 3: Denzel se enfrenta a la mafia italiana en lo que promete ser una gran despedida de la saga

Gran noticia. Vuelve Denzel Washington con The Equalizer. La tercera entrega nos lleva a Italia, donde nuestro personaje quiere vivir su jubilación. Pero todo se complica cuando la mafia italiana se cruza en su camino. Os dejo con la sinopsis:

Desde que renunció a su vida como asesino del gobierno, Robert McCall ha luchado por reconciliarse con las horribles cosas que hizo en el pasado y encuentra un extraño consuelo en servir a la justicia en nombre de los oprimidos. Sorprendentemente, se encuentra como en casa en el sur de Italia, pero descubre que sus nuevos amigos están bajo el control de los jefes del crimen local. Cuando los acontecimientos dan un giro moral, McCall sabe lo que tiene que hacer: convertirse en el protector de sus amigos enfrentándose a la mafia.

The Equalizer

A Denzel lo acompañan en esta ocasión Sonia Ben Ammar, Remo Girone, Andrea Dodero, Eugenio Mastrandrea, Andrea Scarduzio, Salvatore Ruocco, Daniele Perrone y Gaia Scodellaro. Pero sin duda alguna el gran reclamo es el reencuentro del actor con Dakota Fanning, ambos trabajaron juntos hace 19 años en esa joya que es El fuego de la venganza.

Antoine Fuqua repite en la dirección siendo la quinta vez que actor y director trabajan juntos. Y en el guion volvemos a tener a Richard Wenk.

Es sin duda uno de los grandes estrenos del año. Personalmente disfruto muchísimo con las dos primeras entregas y el carisma del actor. Así que solo queda esperar al 1 de septiembre, fecha del estreno en España.

 

Un saludo y sed felices.

Novedades Planeta Cómic del mes de mayo de 2023.

DAve Solis
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Novedades Planeta Cómic del mes de mayo de 2023.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos las novedades de Planeta Cómic, previstas para el mes de mayo de 2023. Vamos con ello …

Novedades Planeta Cómic de mayo de 2023.

«Menudo mes de mayo nos espera con el plan editorial de Planeta Cómic!

Y es que dos serán las novelas gráficas que se sumarán a la colección: Un mundo feliz (adaptación del clásico de Huxley) y Sistemas ocultos (una obra instructiva perfecta para mentes curiosas y con sed de conocimiento).

El Cómic USA vendrá cargado de atractivas propuestas como la de Mother of Madness, un cómic cocreado por Emilia Clarke, la madre de dragones televisiva de Juego de Tronos.

La literatura galáctica de la saga Star Wars también estará bien surtida con cómics leyendas, canon, una novela y el libro de arte del videojuego Jedi Fallen Orden.

La colección creada para pequeños habitantes, Planeta Cómic infantil y juvenil, contará con nada menos que 4 títulos: Dos libros del exitoso Superpig, más las segundas partes de Enola y los animales fantásticos y Los Embrujos de Zora.

Nadie se queda sin lectura.

Ya en el apartado manga, podremos disfrutar de otra entrega de nuestra revista
Planeta Manga, que ya llevará 18 épicos números a sus espaldas.

El manga puramente japonés gozará de series superventas como My Hero Academia, La Caja Azul, Dragon Quest, One Piece, Naruto o Dragon Ball.

Finalmente, de entre las historias más tiernas, destacarán lo nuevo de la reina Wataru Yoshizumi (Caramelo, canela y palomitas), así como la promoción Shojomanía +, una manera perfecta para comenzar obras shojo, josei o yuri gracias a números uno a un precio muy reducido».

Más abajo, os dejo el pdf completo con las novedades de Planeta Cómic, previstas para este mes de mayo.

Elegid bien y …

¡Sed Felices!

Los 10 villanos más ridículos de nuestro amigo y vecino Spiderman

Carlos María Porras Castaños
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Los 10 villanos más ridículos de nuestro amigo y vecino Spiderman

Muy buenas, hoy venimos con un artículo especial de Spiderman, quizás el superhéroe más conocido tras Superman. Hace ya la friolera de seis años os traje un artículo con los villanos más cutres de Daredevil, el cual disfruté mucho haciendo. Así que siempre tuve en mente hacer otro con superhéroes como Spiderman o Batman. El problema es que no controlo tanto de ambos como si del Diablo de la Cocina del Infierno.

Así que para esta ocasión he hecho un «Team-Up» con Antonio J. Sánchez, uno de los que mejor conoce a Spiderman no solo a nivel nacional, sino internacionalmente y es que es coautor, junto a Francesc Martínez, de esas maravillas de libros que son «Peter Parker, Spider-man. Cronología arácnida» y que consta de 4 volúmenes, habiendo salido tres hasta la fecha de hoy.

  • Peter Parker, Spider-man. Cronología arácnida vol 1
  • Peter Parker, Spider-man. Cronología arácnida vol 2
  • Peter Parker, Spider-man. Cronología arácnida vol 3
  • Peter Parker, Spider-man. Cronología arácnida vol 4 (a la venta a finales de 2023)

Recordaros que este artículo al igual que el de Daredevil, está hecho para echarnos unas risas, tanto Las cosas que nos hacen felices como Antonio J. Sánchez tenemos muchísimo respeto por los autores creadores de los siguientes personajes porque hacen cosas que nos hacen felices, pero este tipo de artículos nos vale también para echarnos unas risas y eso nunca viene mal.

Ahora sí, sin más dilación comenzamos con este listado realizado a cuatro manos. Lo vamos a hacer como cuenta regresiva siendo el 10 el menos cutre y el 1 el más cutre. Al lío:

10. Gran Rueda

Primera aparición: The Amazing Spider-Man #182, (1978). Una creación de Marv Wolfman como guionista y Ross Andru como dibujante.

Descripción y poderes: Jackson Weele era un empresario de Nueva York que había malversado de su empresa. Temiendo que podría ser capturado, contrata a un delincuente juvenil, Corredor Cohete, para robar la evidencia que le incrimina, pero este trata de chantajearle. Weele intenta suicidarse, pero Corredor Cohete lo impide.

Jackson Weele visita al genio mecánico conocido como el Chapucero, quien le crea un engranaje grande de metal que puede trepar edificios, con pistolas y brazos.

¿Por qué está aquí? Empezamos fuerte. ¿No había algo más cómodo para crear? ¿Un traje acorazado por ejemplo? Pues no, va el colega y se hace crear una rueda gigante. Pues hemos de decir que este personaje se le dio por muerto en el número 183 al caer la Gran Rueda al río Hudson, pero volveríamos a verlo…20 años después, eso sí en la célebre serie animada de Spiderman de los 90. No contento con eso el personaje saldrá también en varios videojuegos del trepamuros, a saber, el juego de Game Boy Advance Spider-Man: Mysterio’s Menace, en las versiones de PSP y PS2 de Spider-Man: Web of Shadows y en la versión de Nintendo DS de Spider-Man: Edge of Time.

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9. Gusano Mental

Primera aparición: The Amazing Spider-Man Vol 1 #137 (1974). Una creación de Gerry Conway como guionista y Ross Andru como dibujante.

Descripción y poderes: Nacido como mutante, William Turner mató accidentalmente a su madre a través de su alimentación psiónica vampírica inconsciente, lo que provocó que su padre entrara en un shock emocional y corriera frente a un automóvil.

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Gusano Mental en el momento en el que posee a su madre

El efecto de este incidente fue extremadamente traumático para el joven William. Su poder es alimentarse de las emociones de la gente y volverlos como en la película La invasión de los ultracuerpos.

¿Por qué está aquí? Para ser un mutante que se alimenta de las mentes no es muy listo que digamos. Y después, las jechuritas que lleva el personaje… ¿No había traje de supervillano para él?

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 8. Barro (Mud)

Primera aparición: The Amazing Spider-Man Vol 1 #217 (1981). Una creación de Dennis O’Neil como guionista y John Romita Jr como dibujante.

Descripción y poderes: Esto es durillo de asimilar, os lo aviso. Resulta que Barro es el resultado de una fusión accidental del Hombre de Arena e Hydroman, tras una pelea con Spiderman, Ambos villanos se lanzan contra el héroe, este se agacha y los dos villanos caen al rio en plena tormenta causando una fusión que provoca el nacimiento de Barro. Es un monstruo gigantesco de barro que tiene una fuerza descomunal.

¿Por qué está aquí? Es de las creaciones de villanos más bizarras y absurdas que recuerdo. Entiendo que hay que ir creando villanos a cada momento pero jopeta O’Neil ¿En serio? ¿Barro?

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7. Hombre Mosca

Primera aparición: Amazing Spider-Man Annual Vol 1 #10 es un cómic anual del primer volumen de Amazing Spider-Man Annual, publicado por Marvel Comics en noviembre de 1976. Una creación de Bill Mantlo como guionista y Gil Kane como dibujante.

Descripción y poderes: Richard Deacon es un matón que se ve envuelto en una trifulca con Spiderman. Humillado y con ansias de venganza va al Dr. Harlan Stillwell, quien ya creó a Scorpion. En esta ocasión recurre a la mosca común para experimentar y convertir a Deacon en una mosca humana. Tras el proceso obtuvo superpoderes derivados de las moscas. Para evitar que Stillwell lo traicionara, Deacon mata al científico. Con el tiempo empezaría a mostrar comportamientos similares a los de las moscas (así lo veremos comer basura). Finalmente, su mutación se volvería completa adoptando el aspecto de una mosca humanoide, incluyendo las antenas y los ojos compuestos (puaj, que grimazo).

¿Por qué está aquí?: Aquí está por lo ridículo de la idea, ¿Por qué una mosca y no otro insecto como una avispa que es más peligroso? Lo único que le da una mijita de status es que fuel el villano que dejó en silla de ruedas a Caballero Luna, pero seamos serios, eso no habla bien de este superhéroe.

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6. Canguro

Primera aparición: Amazing Spider-Man Vol 1 #81 (1970). Una creación de Stan Lee y John Romita Sr. como guionistas y John Buscema como dibujante.

Descripción y poderes: Frank Oliver, australiano de nacimiento, siempre tuvo admiración por los canguros. Fascinado con la capacidad de salto que tienen, decidió imitarlos y tratar de saltar como ellos, con la frustración en un principio de no conseguirlo. Con el tiempo dejo el trabajo y se instaló en la selva rodeado de canguros y allí fue perfeccionando la técnica. A ello le ayudaría que al parecer tenía un gen mutante que le dotaría de alguna sobrehabilidad (casualidad). Finalmente su salto quedó perfeccionado y saltaba igual que los animales que admiraba. Debido a que utilizaría sus nuevas habilidades en un combate de boxeo, hiere gravemente a su contrincante por lo que decide huir de Australia. En Estados Unidos pronto se dedicará a la vida de maleante por lo que toparía con Spiderman, que lo derrotaría.

Posteriormente el cirujano Jonas Harrow le mejoraría su ya de por sí portentosas habilidades.

¿Por qué está aquí? A ver, por donde empiezo… ¿Un tipo que quiere ser canguro? Pues oye, me encanta el mensaje que transmite esto, lucha por tus sueños que no son inalcanzables. Desde luego el los consiguió… de un salto.

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5. Grizzly.

Primera aparición: Amazing Spider-Man Vol 1 #139 (1974). Una creación de Gerry Conway como guionista y Ross Andru como dibujante.

Descripción y poderes: Su nombre es Max Markham y también es boxeador. Un día J.J. Jameson lo ve boxear y lo denuncia por sus métodos poco ortodoxos. La comisión lo expulsa y Max busca venganza contra el director del Bugle. Para ello recurre a El Chacal, quien le creó un traje de combate, parecido al de un oso pardo, y con un exoesqueleto que le daba fuerza sobrehumana. El villano sería derrotado por Spiderman que para vencerlo optaría por destrozarle el exoesqueleto.

¿Por qué está aquí? Por el encefalograma plano. Te echan del boxeo, pues te dedicas a otra cosa pero no te dediques al crimen y menos con esas pintas, por dios.

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4. Buscavidas Hipnótico (Hypno Hustler).

Primera aparición: The Spectacular Spider-Man #24 (1978). Una creación de Bill Mantlo como guionista y Frank Springer como dibujante.

Descripción y poderes: Es un criminal de poca monta que con un equipo hipnótico y su banda de música, The Mercy Killers, roban en los locales donde tocan, hasta que una noche dan con Spiderman.
Hypno Hustler resulta ser un criminal, que usa equipo hipnótico para hipnotizar a los administradores de los clubes donde tocan y robar sus cajas fuertes. Él usa la música y a sus cantantes de respaldo para cautivar al público y robarles también. Pero mala suerte para el villano del mes ya que Peter ha salido de marcha ese día y cuando se da cuenta de lo que ocurre se tapa los oídos y se pone el traje. Después de una breve batalla contra Hypno Hustler, Spiderman se da cuenta de que los auriculares que lleva bloquean los efectos de su música. Al quitárselos, Hypno Hustler se convierte en una víctima de su propia música hipnótica siendo fácilmente derrotado junto a su banda.

¿Por qué está aquí? Cuesta argumentar. No, ahora en serio, no ha entrado al podio porque lo que viene a continuación… tela. Dejémoslo en que es un rufián de poca monta pero con buenas ideas hasta que ha topado con Spiderman. Aun así el personaje es mencionado en las versiones de consola de Spider-Man: Friend or Foe. Cuando Spidey se enfrenta a Rhino, él dice: «Realmente les cuesta encontrar villanos decentes. ¿Y luego qué, el Hipnotizador?».

También tiene una aparición en las versiones de PlayStation 2 y PSP de Spider-Man: Web of Shadows. Es un personaje auxiliar que vencerá a todos los enemigos en la zona con su guitarra.

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3. Coneja Blanca (White Rabbit)

Primera aparición:Marvel Team-Up #131 (Julio 1983). Una creación de JM DeMatteis como guionista y Kerry Gammill como dibujante.

Descripción y poderes: No confundir con Harley Quinn, aunque creo que es improbable. Lorina Dodson tuvo una vida de sobreprotección por parte de sus padres El único refugio que hallaba para su tediosa existencia se hallaba en los libros. Solía devorar todo lo que caía en sus manos, y sus favoritos eran las historias de Alicia de Lewis Carroll. Obligada a casarse con un anciano millonario, decide matarlo y quedarse con su fortuna. Con los libros de Lewis Carroll en la cabeza decide crear una supervillana, Coneja Blanca, para ello utilizará el dinero de su difunto marido para crear cachivaches con los que hacer el crimen. ¿Su objetivo? Robar en restaurantes de comida rápida.

Spiderman la derrotaría por primera vez con la ayuda del Hombre Rana (Eugene Patilio).

¿Por qué está aquí? Es un batiburrillo de malas decisiones del guionista. Primero eso de que Alicia en el País de las Maravillas sea tu referente para hacer el mal… Y ya no digamos lo de robar en hamburgueserías. Y eso de que te derrote el Hombre Rana…

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2. Tipógrafo (Typeface)

Primera aparición: Peter Parker: Spiderman Vol. 2 #23 (noviembre de 2000). Una creación de Paul Jenkins como guionista y Mark Buckingham como dibujante.

Descripción y poderes: Gordon Thomas está frustrado por todo lo que salió mal en su vida y decide convertirse en un supervillano, llamándose a sí mismo Typeface. Utiliza un lápiz graso para escribir letras en su rostro, incluida una gran «R» roja en la frente. Typeface usa sus letras gigantes como armas.

¿Por qué está aquí? Si la idea ya es de por sí esperpéntica la trama que tiene alrededor no ayuda. Hay alienígenas y en la lucha de Spiderman contra uno de ellos Typeface acude en su ayuda. Y no hablemos del disfraz y lo de las letras…

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1. Entomólogo (Humbug)

Primera aparición: Web of Spider-Man #19 (octubre, 1986). Una creación de David Michelinie como guionista y Marc Silvestri como dibujante.

Descripción y poderes: Buck Mitty era un científico y profesor de la Universidad. Tenía especial devoción por los insectos.  Cuando se vio sin fondos para acabar su tesis, “Los Insectos son Nuestros Amigos”, Buck se dedicó a la actividad criminal convirtiéndose en Entomólogo.Para ello creó un uniforme con mecanismos capaz de amplificar los sonidos de los insectos para transformarlos en distintas armas. En su primer enfrentamiento con  Spiderman sería derrotado obligándole el trepamuros a usar su armamento contra sí mismo.

¿Por qué está aquí? Hay tantos motivos. ¿Devoción por los insectos? ¿Y encima para conseguir el dinero de la tesis te dedicas a la carrera criminal? Y que decir del traje, una idea más propia de Mortadelo que de un genio del crimen… En fin.

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¿Qué os ha parecido esta galería de villanos? ¿Cuál es el que más os ha llamado la atención? ¿Hubieseis añadido algún otro? Nos vemos en los comentarios. Un saludo y sed felices.

Resident Evil 8 Village: el mieo y el secso son incompatibles

Raúl Sánchez
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Resident Evil 8 Village: el mieo y el secso son incompatibles

Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez.

Todos venimos de lo mismo al jugar a Resident Evil 8 Village. Cómo no empezar a jugarlo, claro. Después de posiblemente haber hecho la entrega que da más miedo de verdad jugándola, la anterior, el listón estaba altísimo. A mí no me miréis, amado Pueblo, ya he comentado por aquí otras veces que yo me compré el primer Resident Evil para PC y me lo pasé íntegro en inglés, sin subtítulos ni nada. Sí, con mi inglés de EGB. Es decir, más amante de los tres primeros, de las cámaras estáticas, del control tanque y de los muñecos que, en palabras de mi hija, parecen de Minecraft no lo vas a ser tú, amado lector. Pero digámoslo así: Resident Evil 7 ha sido el mejor remake en espíritu de Resident Evil 1.

Además, Capcom está en racha. Ha sacado la barbaridad en ventas y crítica de Resident Evil 7, ha seguido arrasando en todos los sentidos con Resident Evil 2 Remake o Resident Evil 4 Remake y, al menos, no ha flojeado mucho con Resident Evil 3 Remake. De nuevo había terror, intriga y dolor de barriga al saber que Resident Evil 8 tendría vampiras, cosas parecidas a hombres lobos y se desarrollaría en Rumanía. En realidad una de las versiones descartadas del mítico Resident Evil 4 tenía una especie de halo sobrenatural, pero bueno. La realidad es que al final, otra vez, la biotecnología y las multinacionales llenas de locos cientíticos la vuelven a liar, así que todo acabó por el cauce pseudocientífico de siempre.

Como llevamos dos párrafos y prácticamente nadie lee mucho en el móvil/tablet lo mejor es que lo resumamos ya: Resident Evil 8 Village es una continuación en casi todos los sentidos de Resident Evil 7, con añadidos de Resident Evil 4, señoras vampiras sexys, mucha más acción, más variedad de enemigos y una dificultad más baja. Al que le gustara la séptima parte del Residente Malvado le gustará, que fue la mayoría. Es más irregular que la séptima parte, eso sí.

Una de las virtudes/defectos de la séptima parte era la sencillez argumental desde el inicio, vinculando el videojuego con la saga en detalles menores (algún cuadro, algún artículo de periódico) o ya prácticamente al final leyendo cosas en un laboratorio. Hay quien encontró eso como refrescante de cara a meternos en la historia desde el principio sin muchas ataduras y primando sobre todo el ritmo de juego, cosa que rozaba la perfección, es verdad. Otros opinaron que la explicación de lo que había detrás de todo era muy de sopetón y demasiado concentrada casi al final, siendo el juego un ir sobreviviendo a cosas muy locas y asquerosas sin saber qué narices estaba pasando. Resident Evil 8 Village es exactamente igual en esta premisa básica del juego: van a ir pasando cosas terribles, agobiantes y terroríficas, teniendo que ir sobreviviendo a ellas hasta dar casi de golpe con toda la explicación.

Capcom no ha querido romperse mucho la cabeza y en este Resident Evil 8 ha dado aún más peso a la acción, los disparos y los enfrentamientos con muchísimos enemigos a la vez de vez en cuando. La anterior entrega era casi casi una pelea contra jefes finales con esbirros no muy variados y no muy frecuentes. Aquí la variedad de esbirros puede que sea la mayor de cualquier entrega, siendo variados no solo en cantidad de munición que nos hacen gastar sino en movimientos, velocidad, comportamiento o ataques. También tenemos más variedad de armas, más capacidad de hacer cosas distintas o la posibilidad de comprar armas nuevas o mejorarlas a lo Resident Evil 4. Aunque los primeros momentos vayamos realmente apurados en cuanto superamos las primeras peleas vamos a ir más o menos sobrados para despachar casi cualquier cosa. Incluídos jefes finales y subjefes, que, quitando alguna excepción, son inmensamente más sencillos que los de Resident Evil 7.

También se ha continuado en Resident Evil 8 por la línea de poner muy pocos puzzles y que sean obvios y sencillísimos. Otra vez se ha hecho enfásis en el ritmo y los altibajos de intensidad de acción antes que en poner cosas del nivel del puzzle de crear la formula V-JOLT en Resident Evil 1 o el puzzle del piano de Silent Hill. Aunque, bueno, sí hay un puzzle de piano, pero ni de lejos algo como lo de la colina silenciosa. En fin, que el crujir de neuronas vendrá de qué items crear, si de curación o de pegar, además de pensar qué gastar, qué vender y qué armas mejorar. El sistema de venta de tesoros es algo menos flexible que Resident Evil 4 (los componentes encontrados se combinan exclusivamente con alguno pero no con ninguno más) lo que hace que haya que explorar mejor, lo cual no es malo. Podemos guardar todas las veces que queramos en dificultad normal, así que realmente nunca se perderá mucha partida. En fin, que el efecto de pensar bien por cual ruta vamos tampoco tiene mucho sentido aquí.

A nivel de diseño Resident Evil 8 es una búsqueda de cuatro partes de una cosa que debemos juntar para darnos de galletas en el enfrentamiento final. Para ello debemos ir a cuatro mazmorras: un castillo, unas cuevas, una casa y una fábrica. Cada una con su enfrentamiento final contra un jefe y a veces con minijefes de por medio. El más conocido y el que ha pasado más a la cultura pop inmediatamente es la gigantesca vampira Lady Dimitrescu, la jefa del castillo, junto a sus vampíricas hijas. La razón es obvia: Capcom se ha pasado el pajillerismo internetero a conciencia. La escena en que Lady Dimitrescu prueba la sangre del protagonista es ya todo un clásico de la sordidez y el pajillerismo internetero todo en uno. La hemos visto todos, pero aquí la dejo otra vez.

El castillo Dimitrescu, inspirado en el castillo Peleș de la Rumanía real, es lo más parecido a la mansión Spencer de Resident Evil 1 o a la comisaría de Resident Evil 2. Puertas cerradas, objetos a poner en sitios para que se abran puertas, pasillos estrechos y subjefes esperando. La propia entrada al castillo no puede ser más inspirada respecto al primero. Ya hemos dicho que Lady Dimitrescu desborda carisma, pero también erotismo. Es algo extraño: realmente hay partes que nos persigue por su castillo a lo Nemesis en Resident Evil 3, pero no consigue inquietar tanto o prácticamente nada. Y esto es así debido a que han hecho al personaje muy sexy, le han puesto escenas desbordantemente pajilleras y eróticas y el miedo es incompatible con la excitación. O una u otra.

Y, claro, no es lo mismo el susto del asqueroso y terrible Nemesis que el de una vampira enorme en traje de fiesta. O del de sus hijas vampiras que huelen tu sangre de manera lujuriosa. Es curioso porque por ejemplo en la película de Drácula de Coppola a Jonathan Harker (Keanu Reeves) le ponían a las novias de Drácula a chuparle la sangre y dejarle débil, dejando una escena erótica y a la vez inquietante…con el mérito de que una de ellas era Monica Bellucci. En fin, que Capcom no ha conseguido llegar al equilibrio casi imposible de Coppola en Drácula.

Pero no todo en Resident Evil 8 es vampiresas y castillo. El pueblo inicial hará de nexo entre las cuatro mazmorras, pudiendo explorar partes nuevas cada vez que regresemos de vencer al jefe de una de ellas. Tras el castillo Capcom nos mete en la casa Beneviento, que es la mejor parte de todo el juego. Digamos que al poco de entrar te dan la vuelta a la tortilla jugablemente y estarás prácticamente indefenso hasta que salgas de allí con vida. Allí sí habrá algún pequeño puzzle más, persecuciones, esconderte como puedas y jugar al escondite de una manera siniestra. El enfrentamiento contra el jefe de la casa Beneviento es totalmente distinto y tiene un punto de originalidad a agradecer, pero que nadie se engañe: es la parte más parecida a Silent Hill de todo el juego. Tiene muchos dejes a la mítica demo P.T de Hideo Kojima.

Las otras dos mazmorras de Resident Evil 8 no están tan inspiradas (era difícil) e incluso la última, la fábrica, es tirando a cansina, por ir directamente al turrón de pegarse disparos demasiado y no bajar el ritmo casi en ningún momento. Esto va a más con cierta parte que controlamos a otro personaje y la cosa desbarra a un Call of Duty puro y duro, aunque es verdad que dura muy poco. El enfrentamiento final puede matarnos alguna vez y sin ser un jefe de Ghost´n´goblins o Dark Souls pues tiene su patrón a descifrar, sin que sea una cosa imposible (incluso el juego tiene pensadas las cosas para dejarnos suficientes items en caso de que hayamos llegado a ese punto hechos polvo).

Al final la trama de Resident Evil 8 tampoco era tan complicada y algún documento vincula lo sucedido no solo a Resident Evil 7 sino al inicio del inicio de toda la saga. Pues muy bien, Capcom, pero no sé hasta cuando vamos a poder rascar más en lo sucedido en el pasado. Con todo Ethan Winters, el protagonista, tiene reacciones totalmente normales para alguien que pasa por cosas tirando a raras. El hecho de que estos dos juegos hayan sido en primera persona han impedido ver su cara y que la gente se identifique más con él, siendo más icónicos los Baker o Lady Dimitrescu, es decir los villanos.

Resident Evil 8 es otro producto estupendo de Capcom, en racha desde Resident Evil 2 Remake. Ha arrasado en criticas y en ventas con justicia. Es continuista de la entrega anterior y ha añadido cosas de su Resident Evil más rompedor, el cuarto. Ha creado otro personaje mítico en la historia de los videojuegos, Lady Dimitrescu y una de las fases más terroríficas de jugar de un videojuego, la casa Beneviento. El ritmo sigue estando fantásticamente diseñado, visualmente sigue todo despampanante y jugarlo es intuitivo.

Pero las mazmorras son desiguales, se dejan caer retazos por aquí y por allá argumentales pero se sigue soltando todo casi de golpe poco antes de acabar el juego. Quizás el pajillerismo al hacer a Lady Dimitrescu nos ha privado de más momentos de tensión en el castillo. De todos modos, otro juegazo de Capcom. Y que dure.

Sed felices.

Novedades Nuevo Nueve Editores de mayo de 2023.

DAve Solis
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Novedades Nuevo Nueve Editores de mayo de 2023.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos las novedades de Nuevo Nueve Editores, previstas para el mes de mayo de 2023. Y creo que tenemos un gran problema … ¡Me tengo que comprar todo!

Novedades Nuevo Nueve Editores de mayo de 2023

Después de leer «Los mejores cómics de 2022» y si habéis podido leer la reseña de Los Demonios de Alexia 1, creo que sabéis de sobra cuál va a ser mi principal recomendación de Nuevo Nueve para este mes de mayo.

Pues sí … Mi principal recomendación será …

Los Demonios de Alexia 2.

Nuevo

«El CRPS, Centro de Investigación de Fenómenos Sobrenaturales, es una discreta institución cuya misión es luchar contra eventos paranormales que puedan alterar el equilibrio de nuestro planeta.

Ante el resurgimiento de fenómenos inquietantes e inexplicables, el Centro decide llamar a una joven exorcista, Alexia.

¡Todos  ignoran, comenzando por ella misma, que desciende de una de las brujas más eminentes de Salem!

El destino de Alexia estará dividido entre su identidad como  exorcista y su herencia como bruja.

Las aventuras se enlazan a un ritmo vertiginoso y no deja ni un minuto de respiro al jadeante lector. La historia oscila entre el thriller oculto y el cuento fantástico contemporáneo».

Estará disponible el 15 de mayo.

Más abajo, os dejo el pdf completo con las novedades de Nuevo Nueve Editores, previstas para este mes de mayo.

Echad un ojo y seleccionad si podéis.

¡Sed Felices!

Los tres Mosqueteros (2011) | ¡¿Barcos voladores, Paul?! Mejor sigue con Resident Evil

Juanma Martín
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Los tres Mosqueteros (2011) | ¡¿Barcos voladores, Paul?! Mejor sigue con Resident Evil

La nueva cinta de ‘Los Tres Mosqueteros’ se ha estrenado hace apenas días y he querido ver (recomendada por mi personalidad masoquista) la película de 2011 dirigida por el incombustible Paul W.S. Anderson. Un cineasta que no estaba contento con acabar con el buen nombre de la saga de videojuegos de Capcom, que se lanzó a por la celebérrima obra de Alejandro Dumas.

Sabiendo que este director se encuentra tras esta adaptación, deberíamos tener claras varias cosas: no va a ser buena película, tendremos a Milla Jovovich realizando piruetas imposibles y la acción estará por encima de la trama.

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Voy a tratar de organizarme para realizar esta crítica porque hay muchas cosas a tener en cuenta.  La historia que nos cuenta es la que todos sabemos sobre la obra de Dumas: la llegada de D’Artagnan a París, su enfrentamiento con Athos, Porthos y Aramis, la misión de recuperar las joyas, la trama del cardenal Richelieu para hacerse con el poder en Francia y la guerra con Buckingham. Hasta ahí, relativamente bien, pero como es Paul W.S. Anderson, pues tiene que darle su toque personal con escenas que no hay por dónde cogerlas y algún que otro ‘tributo’ a otras cintas anteriores.

Todo esto envuelto en un 3D que no era necesario y que no aporta nada a las escenas en las que se «explota». Este director debería ver cómo se implementó esta técnica en ‘Pacific Rim’ de Guillermo del Toro y así aprendería algo.

También debería saber que Zack Snyder solo hay uno y hacer lo que ese cineasta hace (te guste más o menos) tiene su mérito y encaja perfectamente con el estilo global de sus películas. Aquí el señor Anderson se saca de la manga ‘un tributo’ a la escena de Leonidas avanzando entre persas, con esos cambios de velocidad en la escena que a todos nos dejó boquiabiertos en 300.  Algo innecesario, pero que seguramente le hizo alucinar en el cine y se dijo así mismo: ‘Esto lo meto en mi próxima película donde sea, aunque no venga al caso’.

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Pese a estos cambios y un principio diferente en el que nos muestran, muy estilo ‘Escuadrón Suicida’ de David Ayer, qué tan ‘cools’ son los tres mosqueteros y Milady, la primera mitad de la cinta se mantiene cercana a la obra original. El problema llega cuando Anderson y el guion despliegan toda su creatividad y nos presentan al duque de Buckingham llegando a Versalles en barcos voladores: sí, amigos y amigas, barcos voladores que son un trasunto de dirigibles.

Ya notamos que ciertas sustancias habrán pasado por las manos de las personas detrás del guion para que esa idea de los barcos (dicha en voz alta) sonase tan increíble como para entrar en el tratado final y llegar a las pantallas. Además, los efectos especiales son por momentos bastante flojos.

Entremos a hablar de los protagonistas porque ahí hay miga, aunque me voy a tomar la libertad de resumir los siguientes párrafos en esta frase: ninguno funciona y he visto koalas durmiendo con más carisma.

Hay actores y actrices de renombre que pasan por aquí con el piloto automático puesto en personajes que tienen poca o ninguna profundidad. Mads Mikkelsen y Christoph Waltz como Rochefort y Richelieu están respectivamente  por estar y pasan sin pena ni gloria pudiendo haber sido el punto fuerte de la cinta. Muy lejos de sus predecesores.

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Milady de Winters siempre ha tenido un papel relevante dentro de la historia por su juego a dos bandas y su traición a Athos, una deslealtad que marca al personaje y que la hace tener más capas que el resto. Aquí Milla Jovovich hace un ‘copia/pega’ de su Alice de Resident Evil y Anderson pone toda la película al servicio de unas acrobacias forzosamente impuestas. El momento del robo de las joyas es escandaloso e innecesario (palabra muy repetida en este artículo).

Prefiero a Rebecca de Mornay a cualquier hora y cualquier día de la semana como Milady, la actriz le dio un secretismo al personaje al que Jovovich ni se acerca.

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Logan Lerman como D’Artagnan pues me recuerda más a un integrante de una ‘boyband’ más que a un aspirante a mosquetero, no es que su predecesor (Chris O’Donnell) fuese mejor, pero el reparto que tenía a su alrededor lo hizo grande: Charlie Sheen, Kiefer Sutherland y Oliver Platt.

Aparte dejó su historia de amor con Constance (Gabriella Wilde) que es lo más insípido, anodino y carente de química que he visto en mucho tiempo. En ningún plano te crees el idilio que nos plantea el guion y esa subtrama pasa sin pena ni gloria por una película que no debió existir.

Matthew Macfayden (Athos), Luke Evans (Aramis) y Ray Stevenson (Porthos) hacen lo que pueden, pero (teniendo tan fresca la cinta de 1993) he de reconocer que los actores de esta versión de 2011 no llenan los grandes zapatos que son sus personajes.

Quizás lo mejor sea el duque de Buckingham de Orlando Bloom que tiene cierto histrionismo y chulería que lo convierte en lo más recordable de este esperpento.

Los tres mosqueteros

El guion es torpe y de manera forzada nos explica el trasfondo de los protagonistas para no complicarse mucho en crear algo dinámico y coherente; eso mejor lo dejamos para otro momento.

Conclusión

‘Los Tres Mosqueteros’ de Paul W.S. Anderson es un batiburrillo de escenas sin gracia en las que prima que todo quede genial para el 3D y que abandona la esencia de la obra de Dumas al poco tiempo de comenzar para dar rienda suelta a unas ideas estrafalarias.

Por suerte no hubo secuela de esta película (la escena postcréditos la insinuaba), porque todos sabemos lo que ocurre cuando a este cineasta le entregas una franquicia.

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Todo aquí está realizado para que el continente supere al contenido y cuando te estás basando en un clásico, eso es muy difícil de conseguir.

Recomiendo a los amantes de la obra de Dumas que vean la cinta de 1993, la serie de la BBC o ‘El hombre de la máscara de hierro’ antes de lanzarse a ver ‘Los Tres Mosqueteros’ de 2011: me lo van a agradecer.

Le pongo dos estrellas por el reparto tan destacado que tiene, nada más.

Para quitarnos el mal sabor de boca os dejo el tema principal de la cinta de ‘Los Mosqueteros’ de 1993 interpretado por Bryan Adams, Sting y Rod Stewart:

Todos para uno y uno para todos…

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