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Plan Editorial Panini Comics 2025

Ya tenemos el Plan Editorial Panini Comics 2025. Os dejamos la nota de prensa y el PDF completo con todas las novedades para 2025.

Cada 28 de diciembre, Panini Comics anuncia su Avance del Plan Editorial Marvel.

Panini entra en su vigésimo año como editora de Marvel en España con un espíritu continuista, que apuesta por profundizar en los planteamientos del llamado Back to Basics, cuya implantación se ex­tenderá a la mayoría de publicaciones a lo largo del año, con títulos veteranos como CAPITÁN AMÉ­RICA IRON MAN cambiando de formato por el ya conocido comic-book trimestral con lomo, mien­tras que las series fundamentales mantienen la pe­riodicidad mensual.

2025 será también un año muy importante para Los 4 Fantásticos, con gran número de lanza­mientos alrededor de La Primera Familia, ade­más de un evento transversal que afectará a todo el Universo Marvel, como consecuencia de CAZA SANGRIENTA. Se trata de UN MUNDO BAJO MUERTE, por el que asistiremos a la toma de po­der del peor villano del Universo Marvel.

Otro evento, GUERRA DE VENENO, gira alrede­dor de los simbiontes y traerá cambios fundamen­tales para el Protector LetalEddie Brock y quie­nes le rodean, con un nuevo personaje asumiendo el papel de huésped del simbionte. Continúa ade­más el relanzamiento de los mutantes, con las series satelitales en formato trimestral, y con una apuesta decisiva para que las miniseries mutantes, así como otras relativas al resto de La Casa de las Ideas y aquellas relacionadas con los diferentes eventos, aparezcan en nuestro formato más económico.

En lo que a material atemporal se refiere, mantene­mos los tres lanzamientos mensuales de MARVEL PREMIERE, incorporando las series restantes pro­tagonizadas por Conan de su segundo periplo por Marvel, el ciclo del Doctor Extraño que empezara con su muerte o la llegada de LOS 4 FANTÁSTI­COS DE RYAN NORTH o de EL ASOMBROSO SPIDERMAN DE ZEB WELLS. En diciembre, se sumará además ULTIMATE INVASION, lo que marca el desembarco de la nueva era Ultimate en esta línea.

La configuración tradicional de MARVEL SAGA en tapa dura llega a su fin, para ser sustituida por nuevas series en MARVEL SAGA TPB que se su­man a la ya existente de EL ASOMBROSO SPI­DERMAN. Son los casos del CAPITÁN AMÉRI­CA DE ED BRUBAKER o de EL VIEJO LOGAN.

En cuanto a las dos líneas de clásicos más veteranas, MARVEL GOLD MARVEL HÉROES, alcanza­mos nuestro propósito de racionalizar sus salidas. Ambas se alternarán, con seis lanzamientos cada una de ellas, alternos y que por lo tanto no se sola­parán. En la primera de ellas, destaca LA IMPOSI­BLE PATRULLA-X 12, con la conclusión de la eta­pa de Chris Claremont (que no de la colección en MARVEL GOLD propiamente dicha), y el lanza­miento de X-FORCE, lo que abre de lleno la puerta de los mutantes a los noventa en este formato.

En la segunda, brilla la llegada de DAREDEVIL DE DENNY O’NEIL 1, primero de los tomos con los que apostamos por recuperar todo el DD posterior a la etapa de Frank Miller en este mismo forma­to, de manera que en años sucesivos se sumarían el siguiente tomo de O’Neil, los tres en los que pre­vemos dividir la etapa de Ann Nocenti, o las pos­teriores que vieron la luz originalmente en los años noventa.

BIBLIOTECA MARVEL continúa con fuerza, con tres nuevos volúmenes cada mes y aproximándonos ya al final de los años sesenta, lo que supone que nos encontremos en el apogeo de una era dorada para La Casa de las Ideas.

Asistiremos, además, al final de una de las series, NICK FURIA, AGENTE DE S.H.I.E.L.D., y al arranque de otra, ESTELA PLATEADA.

Además, BIBLIOTECA CONAN. CONAN EL BÁRBARO espaciará sus salidas al pasar a bimes­tral, lo que no impedirá que supere el centenar de entregas USA publicadas.

Hay mucho más en el Plan Editorial, así que en­tramos en detalles a continuación.

Novedades de Dolmen Editorial de enero de 2025. Empezamos el año con Archie el Robot.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Dolmen Editorial quiere empezar muy fuerte este año 2025 que está a punto de entrar. En este comienzo del año, vamos a tener de todo en todas las líneas editoriales y muy bueno. Echemos un ojo.

Novedades Dolmen Editorial de enero de 2025.

La editorial mallorquina nos ofrece uno o más títulos, correspondientes a sus distintas líneas editoriales. Es decir, lloverá para todos los gustos.

Pero como no podemos comprar todo el catálogo mensual, vamos a seleccionar los títulos que más nos llaman la atención …

1.- Archie el Robot y la máquina del tiempo.

Dolmen

«Originalmente construido por el Profesor C.R. Ritchie, el ser mecánico conocido como Robot Archie fue empleado para combatir injusticias a lo largo de todo el mundo, especialmente en las selvas de África y Sudamérica.
Ahora, el héroe de acción ha trabajado con el Profesor para crear «El Castillo», una máquina del tiempo.

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Junto al sobrino del Profesor, Ted Ritchie, y su mejor amigo, Ken Dale, el Robot Archie se dispone a embarcarse en un viaje a través del tiempo que le llevará a enfrentarse a caballeros medievales y a un futuro distópico en el que la Tierra ha sido conquistada por alienígenas».

Por fin tendremos disponibles las aventuras del Robot Archie, a lo largo del mes de enero del nuevo año. Si deseáis más información, Podéis pinchar aquí para acceder a la web de Dolmen.

Y la segunda de nuestras recomendaciones es …

2.- Papyrus 2002-2004.

Dolmen

«La odisea de Papyrus y sus amigos les conduce hasta el puerto cananeo de Dor, donde descubren que su amigo Puan ha sido entronizado como soberano… pero se trata de un regalo envenenado que esconde una terrible amenaza.
De regreso a tierras egipcias, la reina encarga a Papyrus una misión secreta: encontrar al hermano gemelo de Teti-Sheri, que fue raptado al nacer por los sacerdotes del templo de Kom Ombo.

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En el último episodio de este volumen, la impresionante arquitectura de los templos egipcios sirve de marco a una serie de hechos sorprendentes que obligan a Papyrus a enfrentarse con el mismísimo Seth, el dios maldito.
Como complemento, los extras incluyen un recorrido por la historia de los cómics ambientados en el antiguo Egipto».

Esta nueva entrega de Papyrus, estará disponible en nuestras librerías el 9 de enero. Pinchad aquí para obtener más información en la web de la editorial.

Y hasta aquí nuestras recomendaciones de la editorial mallorquina para este mes.

Más abajo, os dejamos el pdf completo, para que podáis consultar todas las novedades de Dolmen Editorial, previstas para el próximo mes.

Echad un ojo, disfrutad y sobre todo …

¡Sed Felices!

Análisis de Outlander. Temporada 7: Parte 2. Episodio 13

Continuamos analizando la séptima tempora de Outlander, hoy con su decimotercer episodio. La serie, creada por Ronald D. Moore sobre los libros de Diana Gabaldon, es emitida para España por Movistar+ y para Latinoamérica por Disney+.

Hola otra vez, forasteros y viajeros del tiempo. Aquí estamos para desbrozar un nuevo episodio de Outlander, en este caso el decimotercero, cuyo título, como una famosa canción de los Beatles, es Hello, Goodbye, obvia referencia al encuentro fugaz entre Roger y su padre que termina siendo también despedida.

Y mientras no sabemos nada de William, tenemos boda entre Ian y Rachel, en tanto que Jamie se prepara para alistarse a las órdenes de George Washington, pero no deja de sentirse culpable por el posible destino de John Grey.

Pasemos pues a ver qué nos ha dejado este capítulo, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.

Portal en las Montañas

Comenzamos con Buck y Roger, que siguen en 1739 tras la huella del padre de este último. Observando las montañas, Buck se sorprende de que todo esté igual que en su época y ello lleva a Roger a pensar que en los ochenta toda esa zona estará llena de agua por la represa…

Uniendo cabos con la historia que Brianna le contó acerca de haber percibido un portal en los túneles de las minas cuando, para gastarle una broma, el resto de los trabajadores la dejaran allí encerrada, supone que puede estar allí la clave para explicar la desaparición de su padre en la guerra. Bajo la poco sutil amenaza de romperle el cuello, un niño acaba dándoles datos clave sobre un extraño que no ha sido bien tratado en el pueblo y se hallaría oculto en el bosque.

Frío… Tibio… ¡Caliente!

Hablando de Brianna, que permanece en los ochenta, tiene maniatado en el sótano a Cameron, quien ha vuelto en sí después del golpe de sartén que ella le propinara en el episodio anterior. Por mucho que le amenace de muerte, él no suelta palabra sobre el paradero de Jeremiah y es lógico: si ella lo mata, nunca sabrá dónde está el niño. Tienes que ser más sádica, Brianna: cortarle un pie o algo de eso…

De todos modos encuentra la forma de resolverlo. ¿Cómo? Pues saliendo en auto a recorrer los alrededores en compañía de la pequeña Mandy, que percibe la presencia del niño y va guiando a su madre mediante el clásico “frío-tibio-caliente”.  Créanme que a veces cuesta seguir mirando…

La pesquisa da resultado y Mandy acaba llevando a Brianna hacia las minas y, más específicamente, adonde alguna vez esta fuera encerrada. ¿De verdad no lo habías pensado, Brianna? ¿No caía de maduro que era ese el lugar más obvio tratándose de Cameron? De todas formas, Jeremiah ya ha logrado salir de los túneles pues, como buen hijo y niño observador, recordó minuciosamente cada detalle del relato de su madre cuando le contó cómo había encontrado la salida. Una vez en la ruta, solo por milagro no es embestido por Brianna, quien alcanza a frenar a tiempo el auto para, un instante después, reencontrarse y abrazarlo…

Noche de Bodas

No tenemos idea de por dónde anda William, pero Ian y Rachel se están casando. Jamie y Claire les dan respectivos consejos sobre la vida conyugal (no sé si son los más indicados) y, cumplida la ceremonia, los flamantes esposos tienen su noche de bodas.

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Se trata de uno de los más banales momentos de erotismo que nos ha dado la serie, con Rachel sacando a relucir un extraño y desconocido erotismo cuáquero que hasta le permite elogiar el trasero a su marido.

Cameron desaparecido

Una vez que Brianna ha rescatado a Jeremiah, regresa a casa junto a sus hijos y escolta policial, pues ha hecho una denuncia contra Cameron. Sin embargo, al llegar al cuarto en que lo dejó, el mismo se halla vacío y con la puerta extrañamente cerrada, lo que hace que los agentes no le crean demasiado a Brianna, que pasa a ser ahora la sospechada e interrogada. No tiene, claro, demasiadas respuestas para dar o al menos no que suenen creíbles: cuando le preguntan por su esposo, por ejemplo, dice que está en Boston…

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En definitiva, nada sabe del paradero de Cameron y no tiene pruebas ante la policía para pedir una investigación, por lo cual ella y sus hijos quedan librados a su suerte. Temiendo pues por ellos y estando las líneas telefónicas cortadas, los lleva a casa de los tíos Ernie (Ciaron Kelly) y Fiona (Iona Claire), mientras ella decide permanecer en Lallybroch y dice tener un arma por si Cameron decidiera hacerle una nueva visita. Definitivamente, lo de la sartén la ha envalentonado…

La Cama de la Discordia

Mientras Ian y Rachel tienen su escena de alcoba, Claire y Jamie tienen también la suya propia, aunque muy distinta. Él, con la eterna expresión de ceño fruncido que de un tiempo a esta parte le caracteriza cuando algo le desvela, no puede evitar pensar en John Grey, pues Denzell (único familiar de Rachel presente en la boda) le ha puesto al tanto de que le ha visto y ayudado a escapar.

Pero además de ello, Jamie dice que ya no puede dormir en la cama donde él y su esposa intimaron, a lo cual ella responde con su reiteradísima sonrisa que no terminamos de saber si es de lástima, de dolor, de comprensión, si está a punto de llorar o qué…

Él, por otra parte, se está aprontando para alistarse junto a las fuerzas de George Washington, lo que Claire ve con un orgullo patriótico algo insólito para ser inglesa, pero bueno, es adonde los misteriosos caminos de la serie la han llevado…

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Hola, Adiós…

Roger y Buck llegan hasta las piedras que, efectivamente, están en donde luego estará la represa. Un niño malcriado tiene en su poder un kit de supervivencia de la segunda guerra mundial y, con la poco sutil amenaza de romperle el cuello, termina dándoles información sobre un sujeto que, vistiendo raro, no ha sido muy bien tratado en el pueblo tras robar una oveja y, por tal razón, se encuentra prófugo en los bosques.

Cuando por fin lo encuentran, el tipo (Nicholas Ralph) luce, en efecto, chaqueta de aviador y no hay dudas de que es Jeremiah: el otro Jeremiah, digamos… Está paranoico y a la defensiva, lo cual es comprensible. Roger busca convencerlo de que él también proviene de otra época: le habla de Winston Churchill y le pone al corriente de que la guerra terminará siendo ganada gracias a hombres como él…

Hay emoción y, otra vez, ribetes de patriotismo, aunque en este caso más justificados por el origen de ambos. No obstante, Roger no se atreve a decirle que es su hijo y prefiere callar. Jeremiah le cuenta que se estrelló allí regresando de una misión de reconocimiento de campos de concentración en Polonia, tras lo cual se acercó a las piedras verticales y lo demás es historia conocida, aunque Roger se ocupa de aclararle el nexo entre una cosa y otra.

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Así, y mientras los captores le vienen a la saga, Jeremiah es llevado de vuelta a las piedras por Roger y Buck para devolverlo a su época. No entendí bien eso: se suponía que estaba desaparecido; ¿no debería pues seguirlo estando? Si Roger ha salvado a su padre o bien le ha devuelto a su época, está entrando en modo Flashpoint y las consecuencias de ello deberían ser desastrosas para la línea temporal e incluso para sí mismo, pero no creo que nada de ello vaya a ocurrir…

Una vez que Jeremiah se ha marchado, Roger le cuenta a Buck que al tocar las piedras pensó en su padre y posiblemente esa haya sido la razón de que haya ido a parar a la misma época que él. Siguiendo la misma “lógica”, dice que pensará en Jeremiah al momento de volver a cruzar…

Balance del Episodio

¿Vieron esos meses en que no hay fútbol y los programas deportivos no saben cómo ni con qué rellenar el tiempo? Pues esa es la sensación que deja Outlander mientras la guerra de independencia americana pareciera estar en un extraño compás de espera que no sé bien a qué se debe o en qué contexto histórico encaja.

Hasta la trama del secuestro de Jeremiah, que despertaba algún interés y pintaba central con el cliffhanger de mitad de temporada, ha terminado siendo un relleno banal resuelto de manera torpe y apresurada aun cuando todavía falte determinar qué ha pasado con Cameron: espero que no haya un portal en Lallybroch…

No sé qué ha sido mayor disparate: si Brianna buscando al pequeño Jeremiah utilizando a Mandy como brújula o la explicación final de Roger pretendiendo arrojar “luz” sobre el comportamiento de las piedras con respecto a los viajes en el tiempo…

¿Piensas simplemente en alguien y vas entonces a parar a su época? Ok, concedamos esa licencia romántica, pero podemos repasar las siete temporadas y hallar montones de momentos en que eso no ocurrió ni por asomo. Los viajes en el tiempo han sido un misterio desde el inicio de la serie y, para dar “explicaciones” así, sería preferible seguirlos manteniendo como tales…

Lo de Brianna valiéndose de Mandy como guía térmica supera todos los límites del ridículo, lo cual sería genial si la idea fuera esa, pero no lo es y pretenden presentarnos tal descalabro como algo convincente. Además, no llamó a la policía por tener las líneas cortadas. ¿No podía llegarse a la seccional? No da impresión de estar tan lejos y seguramente habrá perdido más tiempo dando vueltas en auto por los bosques, sin mencionar que no haya imaginado que Cameron hubiera llevado al niño al lugar más obvio posible.

Pero no se preocupen: cuando la serie no encuentra su rumbo ni siquiera con la guía de Mandy, allí están las escenas de alcoba que, merced a un falso erotismo, buscan mantener prendida a una platea mayormente femenina cuya inteligencia es subestimada por completo, como si bastase con mostrarles escenas de amantes entre sábanas diciéndose cosas levemente sucias para que se olviden que no hay de fondo una historia ni mínimamente sustanciosa, como viene ocurriendo desde el reinicio de temporada.

No, señores guionistas y productores, no se confundan: que el público de la serie es mayormente femenino es cierto y sabido, como también que quizás les guste el culebrón o el culo de Sam Heughan. Pero de ahí a pensar que es un público idiota que no se da cuenta que no estás siquiera contándole una historia hay un largo trecho…

Perdón si sueno demasiado categórico, pero ofende a mi inteligencia y a la del público que nos intenten vender espejitos de colores con episodios de relleno que no conducen a ningún lado. Porque, en definitiva, se supone que estamos yendo hacia la segunda etapa de la guerra de independencia americana. ¿Algo de cuánto hemos visto aquí es útil para ello? Nada…

Y, por otra parte, pareciera que la serie no funciona sin alguien desaparecido: puede ser Jamie en la presunción de que su barco se hundió, o el pequeño Jeremiah tras ser secuestrado, o el adulto Jeremiah por haberse perdido su avión, o Cameron tras haber escapado de Lallybroch, o William no se sabe por qué, pero tampoco de él sabemos nada en este episodio. En otras palabras: fórmulas manidas, utlizadas y agotadas. Y Jamie no se habrá hundido con aquel barco, pero la serie viene haciéndolo desde hace rato…

En la esperanza cada vez más vana de que haya un golpe de timón (perdón: me gustó la metáfora náutica), les espero para analizar el próximo episodio. Hasta entonces y sean felices…

Las cosas que nos hacen felices opinan: los mejores mangas de 2024

A medida que nos acercamos al final de 2024 y entramos en época navideña, es el momento perfecto para reflexionar sobre los mejores mangas que nos han dejado un gran sabor de boca. En este artículo nos hemos unido varios entusiastas del manga para compartir nuestros títulos favoritos y aquellas lecturas que nos han sorprendido, cautivado y emocionado.

Aquí vais a encontrar de todo tipo de cómics japoneses que son dignos de ser recordados y dados a conocer a quien desea unas buenas lecturas o para regalar a esa persona que disfruta con este arte. Obras que han comenzado en este 2024 y otras que han acabado antes de la llegada del nuevo año.

Así que, sin más preámbulos, aquí están los mejores mangas de 2024 según mi humilde opinión. ¡Esperamos que disfrutéis de nuestras recomendaciones tanto como he disfrutado de estos increíbles mangas!

Adabana

mejores mangas de 2024

‘Adabana’ es un manga seinen que sigue la historia de Mizuki Aikawa, una estudiante de bachillerato que se declara culpable del asesinato de su amiga y compañera de clase, Mako Igarashi. A medida que la policía investiga se descubre que su historia no concuerda y que hay algo más de tras de esa muerte. Durante el avance de la trama se muestran detalles oscuros sobre la vida de Mizuki y su relación con Mako, incluyendo temas de abuso y violencia.

Este manga destaca por su historia perturbadora, potente y capaz de mantenernos enganchados a cada una de sus páginas. ‘Adabana’ no es apto para todos los públicos debido a sus temas oscuros que trata y lo explícito de algunas situaciones, pero para aquellos que disfrutan de los thrillers psicológicos y duros es una lectura más que imprescindible. La trama está repleta de giros inesperados que te mantendrán el interés hasta el final.

Actualmente se han publicado 2 de los 3 tomos que componen la serie.

Este cómic está siendo publicado por Distrito Manga, aquí os dejo la web donde encontrarlo.

Smiley

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‘Smiley’ es un manga que combina elementos de misterio y horror y que nos adentra en el oscuro y turbio mundo de las sectas en Japón y el poder que tienen. La historia sigue a un protagonista que, busca averiguar la verdad sobre la desaparición de su esposa y para ello se infiltra en una misteriosa secta que tiene como forma de vida el estar siempre sonriente. A medida que avanza la trama, va descubriendo secretos oscuros y peligros que ponen en riesgo su vida.

Con ‘Smiley’ también tenemos una crítica social a la forma de vida japonesa, a esa adicción a ser los mejores en todo y a llevar una vida ‘de cara a la galería’ que es todo fachada y que esconde muchos problemas psicológicos.

Este manga destaca por su atmósfera de intriga y tensión y la capacidad para mantener el suspense y desarrollar una trama que se va descubriendo muy compleja.  Es una historia que avanza muy lentamente, pero sin dar un paso atrás o detenerse. La serie promete un desenlace emocionante, y cada nuevo tomo añade más profundidad a la trama.

Actualmente se han publicado en España 5 de los 11 tomos que componen las serie.

Este cómic está siendo publicado por Arechi Manga, aquí os dejo la web donde encontrarlo.


EN CF: TODOS LOS CÓMICS QUE PUEDES ENCONTRAR RESEÑADOS EN NUESTRA WEB


Assassin’s Creed: Dinasty

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Reconozco que aquí hay trampa, pues esto no es un manga, es un manhua, pero me ha gustado tanto que debía entrar en la lista sí o sí. ‘Assassin’s Creed: Dynasty’ nos transporta a la franquicia de videojuegos creada por Ubisoft y a una ambientación mínimamente explotada: la antigua China.

Aquí seguiremos las aventuras de Li E, un joven asesino que se une al credo con la idea de cambiar el curso de la historia. La trama se desarrolla en un momento crucial para el imperio, con traiciones y conflictos que parecen encaminados a a desatar una guerra civil y un cambio de gobierno.

Lo más interesante de este manhua es que hay personas tan interesantes, potentes y carismáticos que la escasa aparición de ‘los ocultos’ no la echas en falta.

‘Assassin’s Creed: Dynasty’ es un ladrillo que ayuda a construir el emocionante al universo de Ubisoft y tiene el suficiente buen guion para brillar con luz propia y no parecer un mero apéndice. La ambientación histórica está bien lograda, y los personajes están muy bien desarrollados. Los fans de la franquicia van a amar las referencias y la fidelidad al material original, mientras que los nuevos lectores se van encontrar con una trama repleta de acción, intrigas y que no necesita conocimiento previo de esta saga de videojuegos. La narración es atractiva y los dibujos son impresionantes, capturando la realidad de la época y los conflictos internos de los personajes.

Este cómic está siendo publicado por Moztros Editorial, aquí os dejo la web donde encontrarlo.

Buscadores de cadáveres

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Buscadores de cadáveres’ es un manga de suspense juvenil que sigue la historia de Isshin y sus amigos, quienes deciden investigar la desaparición de una compañera de clase ocurrida hace varios años. La única pista que tienen es una foto de alguien con una máscara de tengu y una torre de electricidad. A medida que avanzan en su camino hacia esa torre van a ir descubriendo que el caso está relacionado con una serie de secuestros infantiles que han ocurrido en la zona.

Aunque pueda parecer una trama al más puro estilo de ‘Los Goonies’, no estamos ante un manga para niños.’ Buscadores de cadáveres’ es un viaje en un ambiente de misterio y tensión, con unos jóvenes enfrentándose a peligros mientras buscan la verdad.

Este manga tiene la capacidad para combinar elementos de aventura y thriller con un toque de nostalgia. Recuerda, como he mencionado a clásicos como «Los Goonies» y «Cuenta conmigo», pero con un enfoque más moderno y oscuro. El dibujo de Housui Yamazaki es espectacular y consigue atrapar tanto la inocencia de los protagonistas como la oscuridad de la trama.

‘Buscadores de cadáveres’ es una lectura adictiva desde el primer tomo hasta el último, con giros inesperados y una historia potente.

Actualmente la serie se ha publicado al completo en España con una duración de 4 tomos.

Este cómic está siendo publicado por Arechi Manga, aquí os dejo la web donde encontrarlo.

Los viajes de Nicola por el mundo demoníaco (Bonus Track)

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Si ya he hecho trampa con Assassin’s Creed. Dinasty, con ‘Los viajes de Nicola por el mundo demoníaco’ ya se me está viendo el plumero. Este manga vió la luz en España en diciembre de 2023, pero me ha gustado tanto que no podía dejarlo en el olvido.

Este cómic sigue las aventuras de Nicola, una niña humana que se encuentra atrapada en un mundo lleno de demonios y criaturas sobrenaturales. A lo largo de su viaje, Nicola debe enfrentarse a diversos desafíos y peligros mientras busca una manera de regresar a su hogar. Lo que puede arecer una premisa de terror se convierte en un manga con mucho corazón y repleto de momentos emocionantes y personajes únicos que ayudan a Nicola en su travesía.

No puedes más que amar a esa dulce e inocente niña y como su forma de ser afecta al mundo que la rodea.

Los dibujos son impresionantes, con un estilo artístico que captura perfectamente la atmósfera oscura y mágica del mundo demoníaco y ese tono de fábula y cuento que nos traslada a nuestra niñez. Nicola es un personaje cariñoso y valiente, y su desarrollo a lo largo de la historia es uno de los puntos fuertes del manga. ‘Los viajes de Nicola por el mundo demoníaco’ me conquistó y me enamoró desde su primera página y por eso está aquí en los mejor de 2024, pese que se comenzó a publicar el año anterior.

Actualmente la serie consta de 4 tomos y ya está cerrada.

Este cómic ha sido publicado por Milky way, aquí os dejo la web donde encontrarlo.

Hasta aquí los cinco mangas que más he disfrutado en este año que se acaba, espero que este ‘Top’ os haya servido de ayuda para conocer algunos títulos.

¡Un saludo y felices fiestas!

‘Creature Commandos’. Episodio 4 | Una mente rota perseguida por el pasado

El cuarto episodio de ‘Creature Commandos’ ha destacado como un capítulo emotivo y sorprendente y esta serie va creciendo con cada uno que se estrena. Este episodio no solo profundiza en el personaje de Weasel, sino que también desvela un giro inesperado en su trasfondo.

Desde el principio, Weasel ha sido un personaje incomprendido y tachado de asesino de niños y desquiciado. Su apariencia y comportamiento excéntrico han hecho que lo veamos como el alivio cómico e incluso insignificante. Sin embargo, este episodio cambia por completo esa percepción al ofrecer una mirada conmovedora a su pasado y lo que sucedió con esos niños.

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A través de una serie de flashbacks inteligentemente intercalados con la historia principal, como ya ha hecho con los personajes anteriores, James Gunn nos regala un viaje emocional al pasado de Weasel.

Estos momentos no solo humanizan a Weasel, sino que también nos permiten empatizar con él de una manera que podría parecer casi imposible. Llegamos a sentir esa vulnerabilidad de alguien que ha sido maltratado por todo el mundo y que cuando se sintió querido, todo acabó mal.

Uno de los aspectos más potentes de este episodio es cómo se nos engañó (desde la cinta de Escuadrón suicida de James Gunn) sobre lo que realmente sucedió con los niños. Durante todo este tiempo, se nos ha hecho creer que Weasel tenía algo que ver con su muerte; las acciones y aspecto del personaje tampoco ayudaban a creer lo contrario. Sin embargo, el cuarto episodio desvela la verdad de una manera típica, pero funcional.

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La revelación de la verdadera historia detrás de lo que sucedió en el colegio con los niños no solo redime a Weasel, sino que también añade una nueva capa de complejidad a un integrante del comando que parecía estar muy en segundo plano.

Toda la parte final durante el incendio está realizada con un buen gusto increíble y nos va a dejar con un muy mal sabor de boca.

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Conclusión

El cuarto capítulo de ‘Creature Commandos’ es otro excelente trabajo más de James Gunn en lo que a narración se refiere. La manera en que se ha desarrollado el personaje de Weasel y el descubrimiento de la verdad sobre los niños son ejemplos sobresalientes de cómo se puede crear una conexión emocional profunda con la audiencia. Este episodio no solo ha elevado la serie, sino que también ha establecido un estándar difícil de superar para futuros episodios. La combinación una acción, humor y emoción funciona como un tiro, además de personajes bien desarrollados y una animación excelente. Sin duda, ‘Creature Commandos’ sigue demostrando por qué es una de las series más emocionantes y bien hechas de la actualidad.

Aquí os dejo la maravillosa intro de ‘Creature Commandos’:

Un saludo y sed felices.

Análisis de Dune: La Profecía. Temporada 1. Episodio 6. Final de Temporada

Con el episodio titulado El Enemigo de la Mano en Alto, hemos llegado al final de la primera temporada de Dune: La Profecía. Algunas de las preguntas han sido respondidas, pero otras no, aunque ello queda compensado por la buena noticia de que tenemos segunda temporada. Creada por Diane Ademu-John y emitida por Max, la serie oficia como precuela del universo de la saga Dune nacido de las novelas de Frank Herbert y recreado por las películas de Denis Villeneuve.

Hola otra vez, duneros. Con la sensación de que debieron ser más capítulos, hemos llegado al final de Dune: La Profecía, aunque por fortuna habrá segunda temporada ya que las cifras de audiencia, según parece, han superado las expectativas. No deja ello de ser una alegría porque este episodio de cierre no ha respondido todas las preguntas que la serie ha planteado y podemos, por lo tanto, esperar más respuestas en el futuro.

Pero pasemos a ver qué nos ha dejado entonces esta sexta y última entrega, además de hacer, por supuesto y hacia el final del artículo, balance general de la temporada. Cumplo en advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA y en recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.

Masacre en la Hermandad

Volvemos a tener flashback. Así, nos enteramos al comienzo del capítulo que algunas acólitas, entre ellas Tula y Kasha, vieron aquel día a Valya usar la Voz para hacer que Dorotea se quitase la vida. A partir de allí hubo un pacto de silencio, especialmente con Tula, que además confesó a Valya estar embarazada de Orry Atreides. A pesar de estar claro que ello no cae bien a Valya, se compromete a apoyarla si quiere tener el niño y ambas se juramentan ser “hermanas por sobre todo”, parafraseando ligeramente el lema de la Hermandad.

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Pero resulta que las discípulas de Dorotea jamás se creyeron el cuento del suicidio por no condecirse con la personalidad de la fallecida líder y están a punto de sublevarse contra Valya, quien, sin embargo y valiéndose de la Voz nuevamente, provoca una masacre masiva haciendo que todas se quiten la vida y le quede así allanado el camino para controlar la Hermandad, incluso con el apoyo de la hermana Avila, única a quien perdona la vida y que parece más guiada por el terror que por la lealtad.

Dorotea regresa

En la actualidad, Tula está investigando el virus encontrado por Raquella durante su corporización como Lila. A través de la transmutación, encarga tal tarea a Nazir (aquella que alguna vez llegó para investigar la muerte de Kasha, pero no aportó mucho). Sin embargo, ello solo activa el virus al punto que, para espanto de Tula, Nazir se termina quemando. Antes de morir, turbada por visiones, alcanza a decir que vio al gusano y que los ojos no son humanos.

Tula está apesadumbrada y llena de culpas, pues es la segunda vez que uno de sus experimentos cuesta la vida de una acólita. Preocupada y teniendo ya suficiente información, parte de inmediato hacia Salusa Secundus.

En su ausencia, Lila, quien es mantenida atada debido a sus últimas experiencias, consigue mediante engaño que Jen la libere. Al llegar ante el resto de las acólitas, estas se sorprenden de verle con vida, pero resulta que no es Lila sino Dorotea, quien no solo las pone al tanto de lo ocurrido con ella y sus seguidoras (a las que encuentra muertas en el fondo de una piscina), sino que además les enseña la inteligencia artificial que controla la memoria genética y, junto a ellas, se aboca a destruirla.

Plan de Rescate

Desmond Hart somete a torturas a Kieran Atreides para que delate al resto de los rebeldes, pero este se mantiene firme. Poco le importa que pretenda convencerlo (no sin razón) de que ha estado siendo un idiota útil de la Hermandad, pues el maestro espadachín dice odiar al Imperio más que a la misma. Devuelto a la celdas de suspensión, la princesa Ynez intenta liberarlo, pero es sorprendida por Natalya y acaba arrestada.

A Javicco no le gusta nada enterarse de ello y ya no cree tan ciegamente en Hart. En privado, se sigue revolcando con la reaparecida Francesca y ello introduce un eje de conflicto en la corte que podría servir a la Hermandad para reposicionarse nuevamente.

De hecho, la fuerza de la impronta es tan grande que el emperador está planeando sacarse de encima a Natalya para devolverle su lugar a Francesca y a las Bene Gesserit, lo cual, obviamente, preocupa tanto a su esposa como a Hart. El plan de Francesca, por otra parte, incluye valerse de su influencia para sacar a Ynez de las celdas de suspensión y reinstalarla otra vez en la línea sucesoria para que las cosas vuelvan al rumbo planeado.

Pero resulta que el plan de Valya es ya para esa altura otro. Javicco ha revelado ser un emperador débil y manipulable, por lo cual lo mejor es quitarlo de en medio y acelerar los pasos para que Ynez llegue al trono. Eso, claro, le crea conflicto a Francesca, quien ha desarrollado con él un fuerte vínculo más allá de la tarea asignada.

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Valya urde entonces un plan para entrar en las celdas de suspensión y rescatar a Ynez. Sorprendiendo al emperador sentada en su trono, le pone al tanto de que siempre ha estado bajo los designios de la Hermandad y que Francesca ha sido solo una herramienta en el proceso.

La noticia es para él devastadora y acaba haciéndola arrestar, lo cual es exactamente lo que Valya esperaba que hiciera para poder llegar a prisión. Una vez allí, usa la Voz para hacer que los guardias actúen en su defensa o bien se maten entre sí. Hart, enterado de la presencia de Valya en el lugar, llega con más efectivos, pero es herido en el vientre por uno de sus guardias que se revela en realidad como Theodosia, el danzarín rostro.

Valya se lleva a Ynez dejando en su lugar a Theodosia para que tome su forma, pero la princesa no quiere marcharse de allí sin Kieran, así que tienen que llevarlo, aun con todo lo que cueste a Valya salvar un Atreides.

Dune: Prophecy' Episode 6 Recap: “The High-Handed Enemy” (Season 1 Finale)

Mientras Ynez y Kieran se abren paso a pura espada, Francesca va a ver a Javicco y, dolida, le manifiesta que el vínculo que tenían era real. Pero la crisis existencial de no ser dueño de su vida ha hecho ya presa en el emperador que, de modo trágico, decide poner en práctica el único acto posible regido por su libre albedrío: quitarse la vida. Francesca, desconsolada, se arrodilla a su lado y una aguja mortal le es ensartada desde atrás por Natalya que, decepcionada con su esposo, ve a ambos agonizar en el piso…

Arrakis

En Salusa, el combate entre Valya y Hart tiene terribles consecuencias para ambos. Está claro que la Voz no funciona ante él y, mientras ella comienza a quemarse, se le cruzan imágenes de su hermano Griffin, de cuya muerte se culpa. En ese momento y por demás oportuna llega Tula para auxiliarla diciéndole que no intente luchar contra el miedo, sino que, por el contrario, deje que la atraviese: cantinela muy Bene Gesserit por cierto, aunque quizás algo adelantada en el tiempo…

Valya logra recuperarse, en tanto que a Hart, caído y vencido mientras se consume por dentro, se le cruzan imágenes de máquinas pensantes extrayéndole un globo ocular para reinstalárselo nuevamente. Un flashback nos muestra cómo, a los fines de evitar que fuera utilizado por Valya para sus propósitos, Tula le entregó prácticamente a sus enemigos y le reemplazó por un bebé nacido muerto.

Cuando Valya está a punto de acabar con Hart, Tula la pone al tanto de que es su hijo y decide quedarse junto a a él mientras el resto parten, decisión que su hermana termina aceptando. A pesar de haber abrazo de encuentro entre madre e hijo, Hart, ya repuesto, hace arrestar a Tula sin complejo alguno.

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En la escena final, vemos llegando a Arrakis a Ynez, Kieran y Valya, quien les dice que es allí “donde inician el camino hacia sus enemigos”.

Balance de Temporada

Como decíamos al principio, algunas preguntas han sido respondidas pero no todas. No se podía esperar otra cosa cuando le restaba a la temporada un único episodio y quedó clarísimo que seis fueron pocos, habiendo incluso algo de apresuramiento o apretujamiento en este último a pesar de su duración de ochenta minutos.

Por lo pronto, sabemos el origen de Hart y podemos formarnos una opinión acerca de qué tan justificado o no pueda estar su resentimiento pues, después de todo, su madre actuó para protegerlo: no deja de sonar algo banal, de todas formas, que el destino de una galaxia quede atado a un trauma infantil. Pero seguimos todavía desconociendo el verdadero carácter de su interrelación con el virus y más aún con el shai-hulud, que se le aparece en cada visión.

También hemos conocido más en profundidad el conflicto interno de la Hermandad, así como el modo sangriento en que se las arregló Valya para convertirse en Madre Superiora. Está claro que hacer participar a Lila de la Agonía acabó por ser un acierto a la vez que un error, pues así cómo permitió contactar a Raquella para conocer mejor al virus y su comportamiento, también terminó trayendo de vuelta a Dorotea y me pregunto si la del “ajuste de cuenta” no será ella, aunque no se la ve muy cerca de ojos mecánicos o máquinas pensantes, salvo para destruirlas.

Por cierto, la invasión corporal por parte de antepasadas es lo que en los libros se conoce como “abominaciones” y sabemos que en el futuro estarán prohibidas. Se me ocurre que la historia de Lila pueda entonces llegar a tener que ver con esa futura prohibición, así como que quizás veamos en algún momento una guerra entre Raquella y Dorotea por el control de Lila y, por ende, de la Hermandad.

Hemos tenido a lo largo de la temporada grandes actuaciones y hay que decir que quienes interpretaron a las versiones juveniles de Valya y Tula (Jessica Barden y Emma Canning) han estado a la altura de las adultas (Emily Watson y Olivia Williams), al punto incluso de hacer por momentos más interesante su trama: sin ir más lejos, el tercer episodio, básicamente un flashback, ha sido a mi juicio el mejor. Y la química entre hermanas, tanto en una versión como en la otra, ha sido formidable y hecho que el lema “la hermandad por sobre todo” adquiera en su caso un significado diferente…

En cambio, quienes no han estado a la altura son los antagonistas. Jamás Desmond Hart generó demasiado interés y ahora que conocemos el origen de sus resentimientos, menos. A ello hay que sumar un Travis Fimmel que ha estado bien en Vikingos pero sobreactuado aquí: si no hablé antes de él fue porque esperaba que me sorprendiera con la evolución de su personaje, como lo hizo Chloe Lea (Lila), por ejemplo. No ocurrió…

Y ahora tenemos una nueva antagonista a quien dábamos por muerta (y de hecho lo está), pero tampoco es que hayamos conocido tanto a Dorotea como para que terminemos de captar su personaje. Sabemos que odia a las máquinas y que tiene una venganza pendiente, pero no es alguien que tuviera gran desarrollo antes de ser llevada por Valya a quitarse la vida. La hemos conocido tan poco que hasta me costó determinar si Chloe Lea la estaba emulando igual de bien que a Raquella al ser cuerpo de Lila invadido por ella.

Más allá de disparidades, exceso de personajes y lo apretujado de su desarrollo, Dune: La Profecía ha sido una serie correcta, aunque no brillante. Por establecer una comparación con otra serie basada en una afamada saga literaria de ciencia ficción, no alcanza todavía la dimensión de Fundación (aquí los análisis de quien suscribe), pues por mucho que esta última se haya apartado de los textos de Isaac Asimov, no se puede negar que ha sabido construir una historia sólida y capaz de ser seguida incluso por quien nunca se ha cruzado con los libros.

En Dune: La Profecía (al menos hasta aquí) no ocurre eso. La cantidad de referencias a los libros o a las películas generará siempre un plus y provocará las delicias de los fans, pero falta ese eje que termine de hacer a a historia independiente del material de origen. Dune: La Profecía es una serie para fans o lo que podríamos llamar “de nicho”, pues no solo la comprensión sino el compromiso emocional de la historia está casi exclusivamente ligada a conocer el material de origen.

La buena noticia, como hemos dicho, es que hay segunda temporada y eso siempre es motivo de alegría al tratarse de series que, por su presupuesto, corren peligro de cancelación en cuanto los números de audiencia (seguramente excelentes para una sitcom) no corren a la altura de los gastos. Por suerte, parece no ser el caso y ello nos permite abrigar esperanzas de que las preguntas pendientes se respondan finalmente. Me estremece pensar que se hubiera pensado originalmente en Dune: La Profecía como miniserie porque de ser así, estaríamos hablando ahora del peor final imaginable…

Pero bueno, de momento estamos ante una serie de nicho, pero decente, correcta y con posibilidades de mejorar si los guionistas toman nota de algunos errores de esta primera temporada que acaba de finalizar.

Nos encontraremos pues aquí cuando llegue la segunda. Hasta entonces y sean felices…

Nosferatu (2024) | Un aspecto visual que se come a la propia historia

La película ‘Nosferatu’ de 2024, era una de las cintas más esperadas de este año por ver que podía realizar Robert Eggers con este clásico del expresionismo alemán, y no ha decepcionado, al menos en parte. Desde la primera escena, queda claro que Eggers ha desplegado todo su talento para rendir homenaje a la película de 1922, mientras aporta una frescura y modernidad y eso se come a la propia película en algunos momentos.

Si tengo que destacar algo de esta propuesta es, sin duda, su apartado visual. Eggers ha demostrado una vez más su habilidad para crear atmósferas inquietantes, opresoras y envolventes, el cineasta tiene un curriculum envidiable en lo que a eso se refiere y aquí pone toda la carne en el asador. Cada plano está meticulosamente diseñado, con una atención al detalle que es simplemente extraordinario y casi enfermizo. Los juegos de luces y sombras nos transportan a la cinta de Murnau con una paleta de colores desaturada y gótica contribuyen a crear un efecto de opresión y misterio.

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EN CF: RETRO-ANÁLISIS: NOSFERATU, UNA SINFONÍA DEL HORROR (1922), OBRA CUMBRE DEL TERROR EXPRESIONISTA


El gran problema con ese apartado impecable, sobresaliente y perfecto es que sirve para contar una historia de la que ya hay demasiadas versiones en casi todos los géneros cinematográficos. Por mucho que pueda (y lo voy a hacer) alabar el trabajo del cineasta, esta propuesta no es más que otra forma de contar el mito de Drácula, excelentemente envuelta, pero es lo mismo y eso es lo más flojo de ‘Nosferatu’.

La dirección de actores de Robert Eggers es otro punto fuerte de la película. No conocía el trabajo de Lily-Rose Depp hasta el momento, pero con lo realizado aquí me ha sorprendido desde el primer momento. Depp interpreta a Ellen, la protagonista femenina, con una mezcla de fragilidad y fuerza que resulta seductora. Su expresión corporal a la hora de regalarnos momentos que nos van a recordar a ‘El Exorcista’ es perturbadora. Habrá que seguir de cerca a esta joven actriz con potencial para ser una estrella.

Nosferatu 2024

Y obviamente su contrapartida no podía ser otro que Bill Skarsgard, que tras el fiasco de ‘El Cuervo’ se mete en la piel del Conde Orlok de una forma brutal. Es Nosferatu desde el primer momento y su presencia en pantalla (aunque escasa) es siempre la que levanta la cinta en momentos en los que se decae el ritmo. Nunca veremos su figura completa hasta el final de la película, pero el trabajo vocal y gestual del actor es sobresaliente y aterrador en cada fotograma.

Las sombras de Depp y Skargard son tan alargadas que el resto del elenco no llega a estar a la altura de lo que ellos proponen. Incluso el gran Willem Dafoe y su ‘Van Helsing’ quedan muy opacados por estos dos portentos.

La banda sonora viene de la mano de Robin Carolan (la tenéis completa en youtube y la estoy escuchando mientras escribo esta crítica) y debo reconocer el gran trabajo que se ha realizado para ensalzar la propuesta visual de Eggers, aunque esta opaque la partitura del compositor por momentos. Carolan consigue perturbar con una cajita de música o enamorarnos con un violín.

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EN CF: RETRO-ANÁLISIS DE NOSFERATU, VAMPIRO DE LA NOCHE (1979), CUANDO EL PLACER ABSOLUTO LLEVA A LA MUERTE.


Conclusión

‘Nosferatu’ de 1922 son zapatos muy grandes para ser llenados, pero Robert Eggers lo consigue con el apartado visual sobresaliente que lo hace único, aunque también es cierto que la falta de originalidad de la historia le resta a esta cinta. La trama de Drácula ha sido adaptada y reinterpretada cientos de veces que es imposible sorprender al público con una nueva versión, aunque sea del clásico de Murnau. Algunos espectadores pueden sentir que ya han visto esta historia antes y que la película no ofrece suficientes novedades para mantener su interés.

Estamos ante un producto que no es para todos los públicos, tanto por algunos momentos perturbadores explícitos, como por la lentitud con la que avanza la trama. La cinta tiene ‘momentos valle’ que parecen la fosa de las Marianas y eso puede pesar mucho, ya que en esas escenas solo nos queda la potencia visual del director, ya que incluso la historia la conocemos de sobra.

A pesar de esto, ‘Nosferatu’ de 2024 sigue siendo una película que vale la pena ver en pantalla grande.  La combinación de un apartado visual extraordinario, unas interpretaciones excepcionales por parte de la dupla protagonista y una dirección de actores perfecta hacen que esta película sea una experiencia cinematográfica memorable. Eggers ha logrado capturar el terror gótico y ha conseguido una cinta que es tanto un homenaje al clásico original como una reinterpretación moderna que brilla con luz propia.

Aquí os dejo el tráiler de ‘Nosferatu’:

Un saludo y felices fiestas.

Todo lo que sabemos sobre «La Odisea» la futura película de Christopher Nolan

Hace un par de días, uno de los directores más famosos e influyentes de la actualidad, Christopher Nolan anunció que su próxima película tras la galardona Oppenheimer sería una adaptación de «La Odisea» de Homero, la continuación de «La Ilíada» y de como Ulises (Odiseo) vuelve a casa, a Ítaca con su mujer Penélope y su hijo Telémaco.

El 17 de julio de 2026 será el estreno de la película, al menos así lo ha reflejado en las RRSS, Universal Pictures, y además ha añadido eso de «exclusivamente» en cines, para que sepa la gente que no se podrá ver en streaming hasta pasados unos cuantos meses. Habrá que ver en que fecha se estrena esta película en España y en el resto de países hispanohablantes, pero todo apunta a que no se separarán mucho en el tiempo más allá de esa fecha.

La Odisea

Otra nota que han hecho saber desde los estudios Universal es que se va a rodar con la última tecnología de IMAX por lo que la experiencia en este formato puede ser grandiosa. Y además ya dejan caer que las localizaciones les van a llevar por todo el planeta.

«Es una epopeya repleta de acción, rodada a lo largo del globo con la última tecnología IMAX»

Todo esto ya nos va diciendo que La Odisea se antoja una película de gran presupuesto, bastante cara. Por lo tanto Universal Pictures parece estar apostando todo a esta gran película. Pero visto las reacciones de la gente en Internet, la expectación es enorme. Esperemos que sea un éxito.

Y además, para asegurarse no sólo a los espectadores más veteranos y a todos aquellos que conozcan los clásicos de Homero, sino también a las nuevas generaciones, Nolan cuenta con un reparto abrumador de grandes actores jóvenes, salpicados de otros más veteranos y queridos por el gran público. A continuación os dejo el elenco de actores y su papel

  • Matt Damon de 54 años de edad, como Ulises (Odiseo)
  • Tom Holland de 28 años de edad, como Telémaco
  • Anne Hathaway de 42 años de edad, como Penélope
  • Zendaya de 28 años de edad, como Atenea
  • Charlize Theron de 49 años de edad, como Circe
  • Lupita Nyong’o de 41 años de edad, como Calipso
  • Robert Pattinson de 38 años de edad, como Poseidón

Un saludo y sed felices.

Análisis de Star Wars: Tripulación perdida. Temporada 1. Episodio 4: No recuerdo ningún At Attin

Nuevo episodio y nuevo análisis de Star Wars: Tripulación perdida. Y de nuevo un episodio de apenas 30 minutos (si descontamos resumen y créditos). No da mucho para analizar ni para escribir pero se hara lo que se pueda. Os dejo con el enlace a los análisis anteriores y vamos al lío.

Un mundo parecido

Tras obtener las coordenadas de su planeta en su visita a Kh’ymm, los miembros de la tripulación perdida aterrizan en un planeta que ellos suponen At Attin pero pronto se verá que es más bien su reverso tenebroso. A su llegada, podemos observar que alrededor del planeta orbitan los satélites que formaron parte de la Operación Ceniza. Se trata del último desafío de Palpatine, quien tras su muerte tenía previsto devastar planetas como venganza, mediante el uso de satélites que provocarían una devastación climática.

satelites orbitales

Como curiosidad, al avistar lo que creen es At Attin, Jod Na Nawood blasfema «por el fantasma de Rennod», que curiosamente es «Donner» al reves, en clara referencia al director Richard Donner, artífice de la película que es la principal inspiración de la serie, Los Goonies.

Tras aterrizar, Jod Na Nawood (o Crimson Jack) se queda en la nave al cuidado de SM-33 y el resto se adentra en un planeta que es prácticamente clavado al suyo. De hecho, al encontrar las ruinas de una ciudad similar a la suya en At Attin, los niños encuentran una casa destartalada que se parece mucho a la de Fern.

La casa tiene exactamente el mismo diseño, con un gran mural que parece representar a los fundadores de los planetas perdidos de la Antigua República y un árbol en el centro de la escalera de caracol, aunque muy cubierto de vegetación. 

Eso en cuanto a los edificios y su distribución pero este planeta está muy alejado de la paz que ellos conocieron. Aquí la población se ha dividido en facciones que luchan entre ellas por los pocos recursos que tienen. Incluso los niños se ven obligados a combatir.

kids in at achrann ruins

Reclutados por una facción que ha perdido parte de su ganado, los chicos deben demostrar su valía entrenando como guerreros. Todos excepto Neel, que es uno de los personajes más entrañables de la serie. Neel no está muy por la labor de pelear y vivir aventuras sino más bien por volver a casa y dejarse de guerras.

Su relación con Hayna es la que centra todo el episodio. Dos niños que a pesar de vivir una realidad muy distinta, consiguen entablar amistad.

Por su lado, Jod Na Nawood y SM-33 son capturados por el clan rival. El episodio realiza una elipsis brutal y no volvemos a saber de ellos hasta que los chicos, que pensaban iban directos a la batalla, se los encuentran de frente, con el ganado liberado por Nawood a cambio de los créditos de la república que Wim guardaba en la nave.

tripulación

Los planetas perdidos

Sin embargo, el meollo de la trama principal está escondido en el Santuario Caído, el edificio que en At Attin se conoce como la torre del Supervisor y a dónde se dirigen los protagonistas al final del episodio. A estas alturas ya sabemos que el planeta donde han aterrizado es At Achrann y que ambos forman parte de los planetas perdidos de la antigua república que Kh’ymm mencionaba en el episodio anterior.

En el Santuario Caído conocemos el resto de planetas: At Aytuu, At Arissia, At Aravin y At Acoda. Todos tienen sus coordenadas galácticas disponibles excepto At Attin, que han sido borradas. La sorpresa viene al descubrir que quién borro esas coordenadas fue SM-33, quien se ha pasado todo el episodio repitiendo que no recordaba ningún At Attin.

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SM-33 borró las coordenadas de At Attin por orden de su antiguo capitán. Además, recibió la orden de matar a todo aquel que le preguntase por dichas coordenadas, lo que le lleva a intentar matar a los chicos, hasta que Jod Na Nawood lo apaga.

Quién era el antiguo capitán de SM-33 y por qué borró las coordenadas de At Attin es uno de los misterios de la serie, una serie que en este episodio me ha recordado especialmente a El planeta del tesoro, el ya clásico de animación de Disney, con ese robot al que SM-33 recuerda cada vez más.

Y hasta aquí llegamos. Nos leemos en el siguiente episodio. Un saludo, sed felices.

Las mayores decepciones de 2024

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En esta época de echar la vista atrás, uno no puede quedarse solo con lo bueno. También hay que repasar lo que no ha ido tan bien como paso indispensable para aprender de ello y avanzar. Por eso, en Las cosas que nos hacen felices repasamos también aquello que no nos ha hecho tan feliz, nuestras decepciones de 2024. Aclaro que en esta lista no tiene por qué haber solo malas producciones, sino también aquellas que no han cumplido con las expectativas.

Comenzamos.

  1. La trampa, de M. Nigh Shyamalan.

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Lo peor que le pudo pasar a M. Night Shyamalan fue estrenar El sexto sentido al inicio de su carrera. Porque, desde aquel lejano 1999 (madre mía, como pasa el tiempo), el director se ha dedicado, básicamente, a competir consigo mismo y a intentar alejarse lo máximo posible de la película que le hizo grande.

Y, sin embargo, Shyamalan sigue generando interés en el público, aunque los espectadores sigan esperando un nuevo El sexto sentido que, seamos sincero, nunca llegará.

Porque el director, desde la juguetona La visita, aquella peliculita de terror con abuelos no tan abuelos, ha decidido dejar de tomarse en serio su propio cine, dando pie a notables películas como Múltiple, Tiempo o Llaman a la puerta.

Esa tendencia creciente se cortó con La trampa, película con un punto de partida interesante, el de un asesino en serie que se ve acorralado por la policía en un concierto al que ha llevado a su hija, cuya trama se va deshilachando a medida que avanza la película. Shyamalan es un virtuoso con la cámara pero esta vez se ha pasado con una trama invadida por la incredulidad.

Eso sí, Josh Harnett se merece volver a la primera línea cinematográfica. Él es la mejor noticia de esta fallida La trampa.

Nuestra crítica de La trampa

  1. Furiosa, de George Miller.

9

Mad Max: Fury road es, probablemente, la mejor película de acción del siglo XXI. No solo por su estructura de persecución incansable de ida y vuelta, sino por toda esa mitología con Ciudadelas, ciudades de las balas o del combustible.

Con Furiosa, Miller pretendió alejarse radicalmente de su anterior película con una precuela que narra los orígenes de Imperator Furiosa, el mejor personaje de la película.

Desgraciadamente, aunque es loable el querer enfocarlo de una forma distinta, no siempre se cambia a mejor. Furiosa es más lenta, en el peor sentido de la palabra, que Mad Max: Fury Road. Y su historia y mitología se ve limitada por su condición de precuela. Es decir, sabemos lo que le va a ocurrir a la mayoría de los personajes y lo que vemos nos suena a ya visto.

Aclaro, Furiosa no es una mala película. De hecho, es notable. Pero como precuela de una de las películas más importantes de los últimos años, su resultado es decepcionante.

Nuestra crítica de Furiosa

  1. Gladiator II, de Ridley Scott.

7

A sus 86 años, Ridley Scott es, probablemente, el director veterano al que las productoras más reverencian. Ni Martin Scorsese (en Apple) ni Clint Eastwood (con un estreno relegado a unos pocos cines y condenado a las plataformas de streaming).

Con Gladiator II, parece que el bueno de Ridley quería hacer una de romanos de las de antes, de las cutres italianas llenas de torsos desnudos, violencia desatada y toda la perversión y el exceso que podía ofrecer la antigua Roma. Todo lo contrario que Gladiator, con su trama casi shakespeariana y cargada de seriedad.

Porque lo único serio de Gladiator II es el desaprovechado personaje de Pedro Pascal. Lo demás es un despiporre de violencia por momentos aburrida en la que emerge un desatado Denzel Washington, lo mejor de una película en la que echamos de menos tanto el carisma de Russell Crowe como la potencia musical de Hans Zimmer.

Nuestra crítica de Gladiator II

  1. El ministerio de la guerra sucia, de Guy Ritchie.

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Mira que me cae bien Henry Cavill, pero el actor no termina de cuajar su carrera desde su presencia en The witcher y su papel en Misión Imposible: Fallout.

El ministerio de la guerra sucia era una nueva oportunidad del actor para demostrar su carisma. Guy Ritchie a los mandos en una historia Pulp con militares británicos cazando nazis.

Sin embargo, su estreno directo a Prime Video fueron los primeros presagios de una película tan esquemática y previsible que no genera ningún tipo de emoción. Una película que es peor que mala. Olvidable.

Nuestra crítica de El ministerio de la guerra sucia

  1. The regime (TV), de Stephen Frears.

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Menudo añito que ha echado la antigua HBO, ahora Max. Avalada por la presencia de Kate Winslet, que ya lo reventó con las estupendas Mildred Pierce y Mare of Easttown, The regime prometía ser una brillante sátira política sobre una dictadora en un país remoto en la Europa del Este.

Desgraciadamente, The regime es un auténtico desastre que navega sin sentido entre la comedia negra, el thriller político y el romance intenso entre dictadora y devoto soldado que, poco a poco, van invirtiendo sus papeles.

En su intento por querer abarcar distintos tonos, The regime ni aterra ni desata las incómodas sonrisas. Todo un fracaso que da fe del dudoso cambio de rumbo de HBO tras convertirse en Max.

Nuestra crítica de The regime

  1. Partir las temporadas de Cobra Kai (Netflix) e Invincible (Prime Video).

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Hablo de las dos series que he visto en las que se ha empleado este formato, pero está claro que ni a la segunda temporada de Invincible ni a la última de Cobra Kai les está beneficiando este separar la temporada en distintos arcos con un tiempo de espera de meses.

Básicamente porque muchos esperarían hasta el estreno de todos los capítulos para verlas, lo que se traduce en un fracaso de audiencias. Pero, es más, su impacto narrativo es menor. Al fin y al cabo, se supone que una temporada de una serie es un arco narrativo con un inicio, nudo y desenlace que aquí se fragmenta y que ha lastrado a dos de las series más destacadas de los últimos años. Un rizar el rizo de las plataformas que ojalá que no continúe.

Análisis de Cobra Kai Temporada 6 parte 1 y parte 2

Análisis de la segunda temporada de Invincible. 

  1. Wolfs, de Jon Watts.

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El director de la trilogía de Spiderman se estrenaba en Apple TV con uno de los grandes reencuentros actorales de los últimos años. El de George Clooney y Brad Pitt desde Quemar después de leer en 2008 y la trilogía Ocean´s.

El primero andaba semi retirado de la actuación y dedicado a dirigir películas de medio pelo alejadas de sus ambiciosas primeras películas. Y el segundo de absoluta y rigurosa moda desde su Óscar al mejor actor de reparto por Érase una vez en Hollywood.

Y la verdad que ojalá que no se hubieran reencontrado. Sí, su química es innegable, pero el guión de esta Wolfs, en la que dos profesionales de la limpieza de las escenas de un crimen se ven obligados a trabajar juntos, es un sin dios. No hay quien se entere de lo que ocurre y la película insiste en todo momento en que veamos a los dos actores más que a los personajes que interpretan. Fallida.

Nuestra crítica de Wolfs

  1. La casa del dragón, 2º temporada (TV)

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La primera temporada de La casa del dragón fue un soplo de aire fresco para el universo de Canción de Hielo y fuego, con una serie de capítulos a la altura de alguna de las mejores temporadas de Juego de tronos.

Esta segunda temporada no es que sea mala, que no lo es, sino que ha perdido el fuelle de la primera temporada, con sus personajes principales perdiendo protagonismo y sin nadie que les sustituya porque los que buscan adquirirlo no están lo suficientemente bien desarrollados.

Encima, pese a la inversión económica en la producción, no pasa nada. Apenas. No hay escenas memorables más allá de la batalla de Refugio del grajo y algunas de las tramas se alargan hasta convertirse en mero relleno, como la de Daemon o la insistencia de Rhaenyra en no combatir. Todo queda pendiente para una tercera temporada que espero analizar pero que ya no me genera interés.

Análisis de la segunda temporada de La casa del dragón

  1. El simpatizante (TV), de Park Chan Wook.

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Lo tenía todo para ser la serie del año. El sello de calidad, ya caído en desgracia, de HBO. La dirección de Park Chan Wook, director de Oldboy o Decision to leave, entre otras. La adaptación de una novela ganadora del Pulitzer y la implicación, a todos los niveles, de Robert Downey Jr. en su pequeño periodo alejado del cine superheroico.

Tras un inicio fulgurante con la huida del régimen de Saigón por el Vietcong, la serie divaga por los conflictos internos de un hombre sin nombre que se irá relacionando con distintos personajes de la sociedad americana, todos ellos con el rostro de un Robert Downey Jr. desatado. Un sinsentido sobre el papel fagocitador de Estados Unidos con todos los países a los que “ayuda”, pero un sinsentido, al fin y al cabo.

Análisis de El simpatizante

  1. Argylle, de Matthew Vaughn.

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El tráiler prometía. La nueva película del director de la saga Kingsman, con Henry Cavill (otra vez), John Cena, Dua Lipa, Samuel L. Jackson y otros grandes nombres. Una historia de espionaje con la maestría en las escenas de acción de Vaughn. Un verdadero desastre.

Argylle es puro clickbait hecho cine. Porque ni Henry Cavill ni John Cena Ni Dua Lipa ni la mayoría de los grandes nombres del reparto son actores protagonistas. De hecho, son prácticamente cameos. El resto de la película es una parodia del cine de espías con escenas de acción que rozan el ridículo y una escena poscréditos que busca reventar cabezas pero que a mi me pone de mala leche.

Nuestra crítica de Argylle.

¿Y vosotros? ¿Cuál ha sido vuestra mayor decepción de este 2024?

Equipaje de Mano es el exclusivo thriller de Netflix para estas Navidades

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Equipaje de Mano es una intensa película de suspense dirigida por Jaume Collet-Serra

Netflix ha estrenado un thriller aseado con una correcta factura técnica, que se ha posicionado velozmente en el número uno de lo más visto de la plataforma. Equipaje de Mano sirve para hacer la competencia directa a todas las comedias románticas navideñas, comedias que copan ese listado durante estas fechas festivas.

La historia de Equipaje de Mano nos sitúa en la vida de Ethan Kopek (Taron Egerton), un agente de seguridad de bajo rango en el aeropuerto de Los Ángeles. Mientras lidia con la decepción de no haber entrado en el cuerpo de policía, descubre que su novia está embarazada. Espoleado por la noticia intenta buscar un ascenso en el día menos indicado. Al sustituir a un compañero en un control de escáner de seguridad, le llega un auricular misterioso. Al colocárselo recibe un amenazador chantaje por parte de una misteriosa voz (Jason Bateman), que le indica que tiene que dejar pasar una maleta por el control sin ser detenida.

EQUIPAJE DE MANO el éxito de las navidades

Equipaje de Mano es una película dirigida por Jaume Collet-Serra, siendo el guionista TJ Fixman. La película está protagonizada por Taron Egerton, Jason Bateman y Sofia Carson. La BSO está compuesta por Lorne Balfe (quien compone la BSO de Misión Imposible-Sentencia Mortal cuya crítica podéis leer aquí). Es una producción de DreamWorks Pictures para su distribución en la plataforma de Netflix.

En primer lugar, comentar que Equipaje de Mano funciona como un thriller compacto y funcional, que juega con la adrenalínica mortalidad del tiempo, tiempo que se va diluyendo en una cuenta atrás para evitar que el malo se salga con la suya. El director sabe exprimir la casi única localización del aeropuerto, gracias a una narrativa frenética que mide al milímetro el ritmo concentrado en un solo día. Lo consigue gracias a un guion que exprime las claves del suspense, sin ser original, pero sabiendo extraer toda la tensión de este vertiginoso juego del gato y el ratón.

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Jaume Collet Serra logra empaquetar unos entretenidos y prefabricados fuegos artificiales, que deslumbran gracias a una puesta en escena eficaz. Se nota que el curtido director se mueve como pez en el agua con este tipo de películas, basadas en la elección que debe tomar un hombre frente al chantaje. Un dilema que funciona, ya que la respuesta depende del contexto, de la puesta en escena y de la agilidad de la historia para captar la atención del espectador.

Equipaje de Mano es un thriller artesano narrado con oficio, siguiendo todas las pautas del suspense clásico. En su deber, se echa de menos una apuesta un poco más arriesgada en su planteamiento y en la resolución del conflicto. Por momentos, la acción resulta demasiado genérica y hay algunos instantes en los que parece que estás viendo a Liam Neeson correr por el aeropuerto. Otro punto débil, es que todo su primer acto tarda en despegar, con algunas escenas que se podían haber recortado.

Sin embargo, para un thriller lo principal es romper la monotonía y en eso sí que logra acertar la película. Equipaje de Mano tiene un ritmo envolvente que mantiene la curiosidad y en alerta todos los sentidos del espectador. Sorprendiendo con sus giros de guion y su apuesta por una tensión creciente, que ayuda a obtener un clima eficaz y satisfactorio.

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En cuanto a sus actores, Jason Bateman parece ser una evolución oscura de Martin Byrde (personaje de Ozark), que por fin se ha decidido a abrazar la maldad. En cuanto a Taron Egerton demuestra su versatilidad como actor, gracias a una composición del hombre sencillo abrumado por las circunstancias, un personaje que le ofrece la oportunidad de demostrar ser un perfecto héroe de acción, vulnerable, resolutivo y carismático. El resto de personajes cumplen con su misión de NPC para darle continuidad a la narración.

A continuación os dejamos el tráiler de Equipaje de Mano:

Conclusión

La película se disfruta gracias a una colección de imágenes que se devoran al ritmo que comes palomitas, y el tiempo se pasa tan rápido, que cuando te das cuenta ya tienes el cubo vacío. Un ritmo vertiginoso que ayuda a no pensar demasiado para detectar posibles fallos, sino que como hacen los magos con sus trucos, te obliga a centrarte en lo que estás viendo. Un truco prestidigitador que logra concebir un film ameno y entretenido.

Retro-análisis de Nosferatu, vampiro de la noche (1979), cuando el placer absoluto lleva a la muerte.

Desde la imagen mítica del conde con el rostro de Bela Lugosi a la sexualización el personaje con Christopher Lee o el romanticismo de Gary Oldman, el conde Drácula es, con el permiso de Sherlock Holmes, el personaje más adaptado en la historia del cine. Sin embargo, también es el que tiene una adaptación apócrifa fundamental en la historia del séptimo arte. Hablamos de Nosferatu, película de 1922 que, el día de Navidad de 2024 tendrá remake a cargo de Robert Eggers.

Es por eso que, dado que Nosferatu ya tiene su propio retroanálisis en esta sacrosanta web, voy a hablaros de la primera adaptación que se hizo de esta historia: la de 1979 a cargo del director Werner Herzog.

Retro-análisis de Nosferatu, de 1922

Las 20 mejores películas de vampiros

Comenzamos…

LA BASE ORIGINAL. DE DÓNDE PARTE NOSFERATU Y EN QUÉ SE CONVIRTIÓ.

No voy a entrar mucho en detalles porque, para eso, ya tenemos el magnífico retroanálisis del Nosferatu original. Básicamente, Nosferatu es una adaptación apócrifa de la novela Drácula, de Bram Stoker. El motivo de no adaptar fielmente el libro fue para no tener que pagar los derechos de autor.

Sin embargo, la calidad de la película se elevó por encima del material original hasta convertirse en una de las más influyentes en la historia del cine de terror y cumbre de la principal corriente cinematográfica germana de la época, el expresionismo alemán. Es decir, el empleo de luces y sombras, así como espacios arquitectónicos picudos y abigarrados para reflejar la opresiva alma humana de un pueblo derrotado tras la Primera Guerra Mundial.

A diferencia de otros países, como Estados Unidos o Francia, la creatividad cinematográfica alemana se vio frenada por el auge del nazismo y la Segunda Guerra Mundial. No fue hasta los años 60 que apareció una nueva generación de directores alemanes, entre los que se cuenta Werner Herzog.

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Para Herzog, Nosferatu era la película más importante de la historia de Alemania. Y es fácil adivinar el porqué. A diferencia de los intrincados interiores de las películas expresionistas, Nosferatu se caracteriza por el uso de exteriores y una visión naturalista del vampiro.

Exteriores y naturalismo.  Las señas de identidad de Herzog, capaz de rodar en Perú con poquísimos actores la odisea de Aguirre, La Cólera de Dios. Un director cuyos rodajes eran un infierno debido a su obsesión por plasmar la realidad rodando en los sitios en los que se basaban sus historias, sin importar los recursos que tuviera para hacerlo.

Así que Herzog afrontó la adaptación de su película favorita. Y consiguió hacerlo desde el más absoluto respeto sin dejar de aportar su propia huella.

UN NOSFERATU QUE DA PENA.

Aunque nadie rueda los paisajes con la épica de Werner Herzog, Nosferatu se rodó con un equipo completo de 16 personas. Por lo tanto, no esperéis un enfoque épico de la historia del vampiro sino, más bien, un retrato intimista de un ser que anhela lo que no se puede anhelar.

A Herzog le caracteriza la presencia de antihéroes empeñados en una misión prácticamente imposible que les acaba abocando a la locura o a la destrucción. Le ocurrió a Aguirre en su determinación de rebelarse contra Felipe II encontrando El Dorado o a Fitzcarraldo en su obsesión por implantar una ópera en plena selva amazónica.

El conde Orlok no es un cazador de hombres como sí lo era el del Nosferatu original. Aunque el actor Klaus Kinski (todo un personaje con el que el director llegó al enfrentamiento físico) está maquillado exactamente igual que el original Max Schreck, con incisivos afilados en lugar de colmillos, su personaje poco tiene que ver con el vampiro de la película de 1922.

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El Orlok de Herzog es un ser tan pálido que resulta enfermizo. Es inmortal, pero eso no ha parecido otorgarle poder sino cansancio. Su sed de sangre solo parece confirmar lo exhausto que se encuentra. Porque no es sed, es necesidad. Es un adicto en la fase más avanzada de su adicción, aquella en la que la vida se basa en un camino entre el anterior consumo de sangre y el próximo. Él lo sabe, y sufre por ello.

Así se lo dice al pobre Jonathan Harker: “yo ya no le doy importancia a la luz del sol ni a las fuentes brillantes que tanto ama la juventud; me gustan la oscuridad y las sombras donde puedo estar solo con mis pensamientos…”.

Este Nosferatu no es aterrador, sino patético.

Hasta que contempla el retrato de Lucy, la mujer de Jonathan. Y aparece un chispazo de deseo, la descongelación del iceberg en el que se ha transformado su vida. Un chupito de sangre que puede darle algo más que ganas del siguiente chupito de sangre.

En su empeño por encontrar a Lucy, el vampiro trae la desgracia a un pueblo en forma de miles y miles de ratas que portan la peste con ellas.

LA RESPUESTA DEL PUEBLO. LA DECADENCIA DE EUROPA.

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Frente a un pueblo asolado por una tragedia aparentemente natural sin igual, nadie hace nada (¿Os suena?). Es más, los dirigentes no buscan soluciones, sino que se entregan a una muerte segura. Mientras están asolados por miles de ratas (Herzog trajo 11.000 ratas que se acabaron reproduciendo en el pueblo hasta, ni más ni menos, que 30.000), el pueblo se dedica a comer y bailar de forma depravada en las plazas.

La única persona que es capaz de detectar lo que ocurre es Lucy Harker, la mujer de Jonathan, encarnada por la bellísima Isabelle Adjani. Tan bella que su palidez acaba hermanada con la de Nosferatu, tan enfermiza como la respuesta de su propio pueblo a la amenaza de la peste.

Y, sin embargo, Lucy intuye el origen de la misma e intenta acabar con ella sin ayuda de nadie. Así, la protagonista se sacrifica dejándose morder (y seducir) por el vampiro, en una de las mejores escenas de la película.

Sigmund Freud, padre del psicoanálisis, afirmaba que no existía el placer absoluto, que este era imposible porque, sencillamente, supondría la muerte del individuo. La fusión inevitable del Eros (el placer) y Tánatos (la muerte). En esta escena, Orlok se deja llevar por el placer que le da la sangre de Lucy, alcanzando un éxtasis por el cual es incapaz de darse cuenta del impacto de los primeros rayos de sol en su cuerpo agonizante. En el mismo segundo, el que ocurre justo al amanecer, Eros abre los ojos de Nosferatu y Tánatos se los cierra.

Nosferatu

Puede parecer que el bien ha ganado. Pero, en el final más pesimista de todas las adaptaciones de la novela de Stoker, las autoridades no se enteran del fin de Nosferatu, detienen a un trasunto de Van Helsing y dejan libre a un Jonathan Harker convertido en vampiro que cabalga hacia un horizonte incierto, probablemente dispuesto a propagar la decadencia por toda Europa. La misión de Orlok y Lucy ha fracasado.

CONCLUSIONES

En definitiva, Nosferatu es un notable ejemplo de lo que debería ser un remake. Adaptando la misma historia que la película de 1922, Werner Herzog se aleja del expresionismo alemán para rodar una película que muestra el enfrentamiento entre la imponente naturaleza y la pesimista alma humana, ejemplificada en un ser cansado de no morir y que acaba consiguiendo el éxtasis y la muerte en un mismo segundo.

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¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

El cómic de la semana: Crisis Oscura en Tierras Infinitas

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a El cómic de la semana. Hoy reseñamos Crisis Oscura en Tierras Infinitas. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Crisis Oscura en Tierras Infinitas, otro gran evento de DC, pero esta vez muy entretenido.

Cuando era pequeño y me leí las Secret Wars, las originales, claro está, fui muy feliz. Aunque realmente era pequeño (eso dice mucho de mi edad) me gustaron, pero me faltaba algo para redondear la historia. Por aquel entonces yo, como la gran mayoría éramos más de Marvel que de DC. Marvel siempre se había vendido mejor en España, mi país de origen, y tenía mucho más arraigo que la Distinguida Competencia. Para mi leer DC, publicada por la extinta editorial Zinco era salir de mi burbuja. Yo era de La Patrulla-X (X-Men) hasta la muerte, casi literalmente y leerme los Titanes de Pérez era como irme a la competencia. Y ojo sigo pensando que la Patrulla-X de Claremont es lo mejor de la historia de superhéroes, pero también pienso que los Titanes son magníficos. Pero a lo que voy, salí de mi zona de confort porque algunos amigos me hablaron de Crisis en Tierras Infinitas, y flipé. Bien es cierto que no conocía a muchos personajes ni tampoco la mitad de las referencias, pero me encantó. Crisis en Tierras Infinitas me pareció (y me sigue pareciendo) la mejor macrosaga de una editorial de superhéroes de todos los tiempos.

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Y desde aquellos lejanos años 80, en DC se han ido sucediendo decenas de eventos anuales o cada cierto tiempo, intentando recrear esas Crisis Infinitas. Por ejemplo el año siguiente se publicó Legends, que me parece muy buena miniserie (sólo fueron 6 números) pero fue eso, un buen evento menor. Y recalco menor, sin menos tramas e implicaciones, algo más local, algo menos universal. Pero desde Legends en adelante se han intentado recrear las pasadas Crisis quedándose a años luz de las mismas.

Aparte de decenas de macrosagas con distintos nombre, villanos y situaciones extravagantes, han pasado por mis manos varias Crisis, hasta llegar a estas Crisis Oscuras en Tierras Infinitas. Y claro esta, ya os lo digo aquí, no tiene ni la fuerza ni la transcendencia ni la relevancia de las originales, pero puedo decir que Crisis Oscuras en Tierras Infinitas es una buena macrosaga. Al menos a nivel pijamero, a nivel de superhéroes dándose mamporros. Si hablamos de un cómic filosofal que quiere cambiar la industria del 9º Arte, estás en un lugar muy alejado.

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Y es que además de intentar recrear una crisis creíble y universal, una crisis que se lleva mascando hace tiempo en el Universo DC, la amenaza, que como he dicho antes es legítima en la continuidad de la editorial, hace que todo sea más creíble. Ahora, en Crisis Oscuras en Tierras Infinitas nos quedamos sin los grandes pesos pesados de siempre, pero no hay que preocuparse porque hay una nueva generación de héroes que se puede encargar de la amenaza de manera honesta. Una saga que mantiene a Paria como nexo de unión con la crisis de los 80. Una crisis que sin ser el Watchmen del año merece pena porque es un evento palomitero que lo disfrutas desde la primera página. Por eso hemos pensado en meter Crisis Oscuras en Tierras Infinitas como el cómic de la semana.

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¿Qué será del mundo sin la Liga de la Justicia? Superman, Wonder Woman, Green Arrow, Batman… El grupo más poderoso del Universo DC ha muerto, y Black Adam es el único superviviente. Mientras Green Lantern y Flash mantienen la esperanza de que sus amigos estén vivos en alguna parte, los demás héroes empiezan a organizarse con Jon Kent y Nightwing a la cabeza. Y es que Paria, el único superviviente de otra dimensión, tiene un plan para recuperar su hogar, y todo pasa por desencadenar la Gran Oscuridad. Joshua Williamson y Daniel Sampere presentan Crisis Oscura en Tierras Infinitas, un homenaje a la rica tradición de DC Comics que demuestra que, a falta de sus principales defensores, a este mundo no le faltan héroes que se sacrifiquen por él.

Debajo de estas líneas os dejo la portada de la edición española de ECC y el enlace a la editorial pinchando aquí.

Crisis Oscura en Tierras Infinitas

Un saludo y sed felices.

Chris Evans podría regresar a Marvel junto a Robert Downey Jr. en Vengadores: Doomsday

Chris Evans podría regresar a Marvel, más concretamente al Universo Cinematográfico Marvel para aparecer, como Robert Downey Jr. en Vengadores: Doomsday.

Según The Wrap, Chris Evans regresará (lo afirma) junto a Robert Downey Jr. en Vengadores: Doomsday. Nosotros lo hemos puesto como «podría regresar» porque hasta el rabo todo es toro. Pero parece casi una realidad para mayor gusto de los fans. Eso si, lo que aún no se sabe es si lo hará como el Capitán América o como otro personaje. Recordemos que en Deadpool y Lobezno (Wolverine) sale Chris Evans como invitado especial pero lo hace en el papel de La antorcha humana, no en el del Capitán América. Y el propio Robert Downey Jr no aparecerá en las nuevas películas de los Vengadores como Iron Man, sino como el Doctor Doom o Doctor Muerte, como se le conoce en los cómics en España.

Chris Evans podría regresar a Marvel

Y es que no se puede olvidar la presentación de Robert Downey Jr en la SDCC de 2024. Fue brutal y espectacular. Aquí os dejamos el video, apadrinado por los directores de la película, Joe y Anthony Russo, los hermanos Russo, que tantas alegrías nos dieron en el pasado con sus películas.

Y es que parece que Marvel, después de sus batacazos con las últimas entregas no quiere que pase lo mismo con Vengadores Doomsday y Vengadores Secret Wars, y están tirando la casa por la ventana. Espero que merezca la pena.

Un saludo y sed felices.