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Reseña de Rogue Trooper de Gerry Finley-Day. Tomo 1. Una de las mejores series de 2000AD.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el inmenso placer de presentaros una de las más míticas series de la legendaria revista británica 2000AD. Hoy os queremos hablar de Rogue Trooper de Gerry Finley-Day. Un pepinazo de serie que nos trae Dolmen Editorial.

Hace ya casi tres años que Dolmen Editorial creó la Línea Albión, cuyo primer título fue Spider (del que tenemos reseña aquí).

Dolmen ha ido añadiendo títulos de la mítica Fleetway como Zarpa de Acero, Kelly Ojo Mágico o Mytek el Poderoso.

También incorporó una de mis series favoritas de ciencia ficción de todos los tiempos: El Imperio de Trigan. Tenemos reseña del primer integral (aquí) y también del segundo (aquí).

INCISO: Algún día tengo que hacer un «Top 10» de las mejores series de ciencia ficción de todos los tiempos.

Pero la editorial mallorquina no se durmió en los laureles y siguió trabajando. Y su trabajo dio un fructífero fruto: La incorporación de los títulos de la Revista 2000AD.

En vuestra web, tenemos reseña de Juez Dredd: Dredd vs. Muerte (aquí) o Juez Anderson: Shamballa (aquí). También tenemos reseña del primer volumen de Perro de Estroncio (pinchando aquí).

¡Vamos! ¡Que nos encanta la Línea Albión!

Rogue Trooper de Gerry Finley-Day. Tomo 1.

Trooper

Rogue Trooper es una alegoría a la Guerra de Secesión americana y a la Guerra Fría. Las similitudes y alusiones a la Guerra Fría son frecuentes en las series de 2000AD.

El Planeta Nu se encuentra arrasado por la interminable guerra entre las fuerzas del Norte y las fuerzas del Sur. Debido a la guerra bacteriológica y nuclear, su atmósfera se ha vuelto inhabitable e irrespirable.

Debido a las hostiles condiciones del Planeta, las fuerzas del norte crearon en sus laboratorios unos soldados de infantería genética (I.G.), diseñados para sobrevivir en ese ambiente hostil.

Debido al alto coste que supone la creación de estos I.G., consiguieron grabar la personalidad de cada uno de estos cinco soldados en unas tarjetas de memoria.

De esta manera, si alguno de ellos caía en combate, sus compañeros podrían extraer la tarjeta de memoria de su cabeza, para posteriormente clonar un cuerpo I.G. e insertar la tarjeta de memoria.

Estos soldados de infantería genética, se encuentran adiestrados para todo tipo de combate cuerpo a cuerpo, el manejo de todo tipo de armamento y entrenados en las diferentes tácticas de combate.

Y como hemos visto a lo largo de la historia, en todas las guerras se han forjado leyendas. Y la interminable guerra del Planeta Nu, no sería una excepción.

En la Batalla de Quartz, los Soldados de Infantería Genética, traicionados por uno de los suyos, fueron masacrados como perros. Pero no murieron todos …

El último de ellos … Rogue Trooper consiguió escapar con vida. Pero antes de huir, consiguió rescatar los chips de memoria de sus tres compañeros y los insertó en su mochila, su casco y su rifle de asalto.

De esta manera, Rogue Trooper se constituyó como un pelotón de un solo hombre cuyo objetivo será descubrir quién les traicionó y hacérselo pagar.

¿Conseguirá Rogue Trooper vengar a sus compañeros y conseguir un nuevo cuerpo para todos ellos?

Trooper

La presente edición de Dolmen.

Las publicaciones de la revista 2000 AD en general han sido injustamente maltratadas en nuestro país.

En España, la extinta MC Ediciones comenzó su publicación en nueve números en grapa (de 32 páginas) y a color. Posteriormente publicó otros cinco números, con nuestro José Ortiz a los dibujos.

En febrero de 2007, Editorial Kraken publicó esta serie en cinco volúmenes en formato rústica. La particularidad es que Kraken lo editó en blanco y negro. Leer esta serie en blanco y negro fue un auténtico deleite visual.

La presente edición de Dolmen, se ha realizado a partir de una remasterización del color por parte de la editorial británica Rebellion, al estilo de lo que hizo Dark Horse cuando adquirió los derechos de Conan el Bárbaro.

Tenemos ante nosotros un tomo en tapa dura, con lomo plano, excelente cosido. Cuenta con un papel poroso con un excelente gramaje y 232 páginas a todo color.

El tomo cuenta con un P.V.P. de 32,90€.

Lo tenemos disponible desde el 2 de mayo de 2024. Si necesitáis más información, podéis consultar la web de Dolmen pinchando aquí.

Trooper

El maravilloso equipo creativo.

Gerry Finley-Day (guionista). Nació en Escocia en 1947. En la actualidad cuenta con 77 años y fue uno de los guionistas británicos más prolíficos de las décadas de los 60′, 70′ y 80′.

Comenzó su carrera profesional DC Thompson. Posteriormente, en 1971 le nombraron editor de títulos femeninos en Tl Media Ltd.

En 1974, fue fichado por Pat Mills para Battle Picture Weekly, publicación que se especializaba en cómics ambientados en la II Guerra Mundial y que posteriormente se fusionó con la mítica revista Eagle.

Finley-Day fue uno de los pilares fundamentales en los inicios de 2000AD. Se especializó en títulos ambientados en historias futurísticas de guerra y escribió unas pocas historias de Juez Dredd.

Trooper

Dave Gibbons (dibujante). Es un artista y escritor británico, nacido el 14 de abril de 1949. Mundialmente conocido por ser el dibujante de esa obra maestra que es Watchmen (junto al guionista Alan Moore).

Comenzó su carrera profesional en 2000AD (¡Qué buenos dibujantes nos ha dado esta revista!), en 1973.

Trabajó con IPC Comics y DC Thomson. Fue director artístico de la revista 2000AD y allí fue uno de los grandes dibujantes de la mítica serie Dan Dare.

En 1982 fue descubierto por Len Wein, que lo fichó para DC Comics, para dibujar Green Lantern. Ha recibido numerosos premios por su magnífico trabajo.

Entre sus trabajos más recientes (para DC) han sido La Guerra de Rann-Thanagar, Green Lantern Corps: Recarga y Los Originales (para el sello Vertigo).

Este primer volumen de Rogue Trooper, ha sido dibujado también dibujado por otros grandes artistas como Colin Wilson, Cam Kennedy, Brett Ewins o Mikey Dorey. Más adelante, también veremos en sus páginas al maestro José Ortiz.

Trooper

Valoración Final de este primer número.

Rogue Trooper es una de mis series favoritas de ciencia ficción de todos los tiempos. Me atrevo a decir que es una de las mejores series de la revista 2000AD. Con permiso de Juez Dredd y Perro de Estroncio.

Sus páginas se encuentran atiborradas de acción a raudales, un ritmo trepidante y un dibujo inigualable.

Ciertamente, cuando una obra es reclamada, aclamada y reeditada más de 40 años de su publicación original … Creo que algo tendrá ¿No creéis?

Tenemos ante nosotros una serie muy entretenida, con mucha acción y un maravilloso dibujo. La edición por parte de Dolmen Editorial es insuperable y su precio (tal y como estamos hoy en día) está muy ajustado para lo que nos ofrece.

La premisa que tiene nos engancha desde el primer momento y la acción comienza en la primera página. Nos enteramos de todo lo que ha acontecido anteriormente a través de las conversaciones de Rogue Trooper con sus compañeros.

Si te gustan los cómics de acción, terror, con un dibujazo y con un ritmo vertiginoso … Rogue Trooper es para ti. No lo dudes.

Adentraos en sus páginas, echadlas un ojo, disfrutad y sobre todo …

¡Sed Felices!

Retro-Análisis: Antes del Anochecer (Before Midnight, 2013), la cruda realidad del amor

Hoy visitaremos Antes del Anochecer (2013), drama romántico dirigido por Richard Linklater y entrega que marcaría el cierre de la trilogía iniciada con Antes del Amanecer (1995) y continuada con Antes del Atardecer (2003), poniendo así fin a la romántica historia de Jesse y Céline a lo largo de los años.

¿Cómo cerrar una historia de amor?

A menudo se dice que es difícil hacer buenas segundas partes y aún más complicado cerrar una trilogía de películas. En 2013 se estrenó Antes del Anochecer, la última película de la trilogía, conocida coloquialmente como «Trilogía Before». La película, nuevamente, se desarrolla nueve años después de su predecesora. Aunque sigue una estructura similar a las dos anteriores, presenta diferencias marcadas, siendo la más evidente que los protagonistas ya no están contrarreloj ni hay una fecha límite: en esta película, Jesse y Céline están finalmente juntos.

La película comienza con Jesse (Ethan Hawke) despidiéndose de su hijo en el aeropuerto de Grecia, ya que este regresa a Estados Unidos con su madre. Tras una despedida algo fría, marcada por la tristeza y molestia de Jesse debido al poco tiempo que tiene para compartir con su hijo, regresa a su coche, donde le esperan Céline (Julie Delpy) y sus dos hijas.

Después de esto, ambos pasan un rato con sus hijas, notándose la unión familiar y la gran relación que tienen con sus padres. Más tarde, regresan al lugar donde se están alojando, una casa en la que vive junto a su familia un escritor al que Jesse quería conocer. Tras charlar y jugar al fútbol, todos se sientan a comer juntos.

Durante la cena, mantienen una conversación en la que se observa el paso del tiempo y cómo afecta también a las parejas, haciendo que cada una tenga una concepción diferente de lo que es el amor. También se tocan otros temas, como la sexualidad, los problemas ambientales, el avance de la tecnología y el amor eterno.

Los amigos de Jesse y Céline les sugieren pasar una noche juntos en un hotel, ya que es el final de sus vacaciones y sería un bonito detalle que disfrutaran de una velada a solas. Aunque inicialmente dudan de la propuesta, finalmente aceptan, dejando a sus hijas al cuidado de sus amigos.

Before Midnight,' Love Darkens And Deepens : NPR

Los protagonistas, recordando las películas anteriores, caminan hasta un pequeño pueblo. En el trayecto, ambos simplemente conversan sobre el paso del tiempo, cómo la perspectiva del presente cambia según los arrepentimientos del pasado y cómo ambos han envejecido. Comparten momentos entrañables recordando su primera noche juntos y se preguntan si dentro de cincuenta años seguirán amándose o llegará un punto en que se cansen el uno del otro.

En el pueblo, visitan una capilla bizantina, una de las más antiguas del mundo, pero adonde las personas siguen acudiendo por su fe. Aquí descubrimos que no están casados y que siguen juntos únicamente por el amor que se tienen, en contraste con el matrimonio de Jesse, que se casó por su hijo y no por amor. Ambos concluyen el día viendo el atardecer sobre la costa.

Al llegar al hotel, suben a la habitación donde pasarán la noche. Tras conversar un rato, ambos tienen relaciones, pero son interrumpidos por una llamada del hijo de Jesse, quien les avisa de que ya ha llegado a Estados Unidos. Esto lleva a una conversación en la que Jesse se sincera con Céline sobre la profunda tristeza que le genera no formar parte de la vida de su hijo y perderse los momentos importantes de su crecimiento. Le menciona la idea de que toda la familia se mude a Estados Unidos.

Al escuchar esto, Céline se enfurece con Jesse, acusándole de querer decidir por la vida de todos. Le recalca que sus errores no son culpa de los demás y que tanto ella como sus hijas tienen una vida establecida en Francia, la cual no pueden abandonar simplemente por la tristeza de él.

Lo que sigue es una fuerte discusión en la que ambos se gritan e insultan, reprochándose cómo se limitan mutuamente, además de descargar todos los resentimientos acumulados a lo largo de los años.  Céline abandona la habitación, pero después regresa para decirle a Jesse que el verdadero problema es que ya no le ama y se marcha enfurecida, dejándole solo y reflexionando.

En el magnífico final de la película, Jesse va a buscar a Céline y le propone un juego, haciéndose pasar por un viajero del tiempo que está allí para evitar que cometan el error de separarse. Le dice que él es la misma persona que conoció en un tren rumbo a Viena. Céline, aún molesta, le pide que deje de jugar y que no soporta que la trate como si fuera un personaje de sus libros. Jesse le responde que solo está intentando arreglar las cosas, pero que no siempre va a estar detrás de ella como un perro. Le dice que, aunque su amor no es perfecto, es real. Esto provoca un profundo silencio entre ambos, con Céline al borde de las lágrimas, pero finalmente se recompone y decide seguir el juego del viajero del tiempo.

 

Love hurts for Ethan Hawke and Julie Delpy

¿Cuál es el motivo de la película?

La segunda entrega de la película tiene un final perfecto para ambos protagonistas y cierra de manera maravillosa una hermosa historia de amor. Entonces, ¿cuál es el motivo de esta tercera entrega? Pues bien, en esta ocasión el director plantea un escenario diferente al de las dos películas anteriores. Poco queda de aquellos dos jóvenes bohemios que se enamoraron una noche en Viena. Aunque siguen estando unidos, ahora se muestra una versión distinta a los treintañeros que intentaban enmendar los arrepentimientos del pasado.

En esta película se ofrece una visión más realista de los protagonistas. Ambos ya lo saben todo el uno del otro y no tratan los temas con tanta delicadeza o preocupación. Se muestran como adultos más sarcásticos, centrados en asuntos cotidianos como sus trabajos o sus hijas. Tratan los temas con mayor crudeza y son más directos, ya que cada uno conoce perfectamente el pensamiento del otro; por fin, su historia es feliz.

La película busca reflexionar sobre cómo las relaciones evolucionan con el tiempo y mostrar que, en realidad, ninguna historia termina con un final completamente feliz. Aunque menos emocionante y asombrosa, siempre hay momentos que marcan una relación.

Lo cotidiano del amor 

Donde muchas otras películas o sagas tendrían su final o un regreso épico y esperanzador, Antes del Anochecer amplía un poco más la historia de los protagonistas. No busca centrarse en momentos emocionantes o empalagosos.

Todo lo que podríamos haber deseado para los protagonistas ya se ha cumplido: sí, se quedaron juntos hace nueve años, Jesse perdió el avión, formaron una vida juntos y ambos son exitosos en sus trabajos. No hay nadie que no haya querido eso para ellos, pero la película le da una vuelta a esta idea. Se centra en un día cualquiera de vacaciones, de las muchas que seguramente han pasado juntos. Se nota que ambos ya han vivido todo lo espectacular que podían vivir y que, aunque su historia probablemente no haya terminado, ha llegado al final de su clímax.

La película, mediante sus diálogos, nos muestra cómo ambos conocen los pequeños detalles del otro, cómo saben que bromear sobre ciertos temas ya no es algo de lo que deban privarse, y cómo esos pequeños detalles son parte de su día a día, mostrando que son libres de decirse lo que quieran.

Esto se refleja de mejor manera en la escena de sexo, la primera que se muestra en toda la trilogía. Y no es casualidad; demuestra que lo que en la primera película significó un momento especial y lleno de amor entre los protagonistas se ha convertido dieciocho años después en algo normal para ellos. Aunque sigue siendo especial, es parte de la cotidianidad en su relación.

Delpy, Hawke still wield their charm 'Before Midnight'

El paso del tiempo en las relaciones

La película plantea diversos temas sobre el paso del tiempo, pero principalmente sobre el amor. Esto se refleja en la escena de la mesa, donde se muestra cómo cada pareja, de diferentes edades, trata el amor de manera distinta. La persona de mayor edad en la mesa habla de cómo, con su difunta esposa, siempre estaban el uno para el otro, pero al mismo tiempo eran independientes, y aun así se amaban y eran felices. Por otro lado, la pareja más joven cuenta cómo se conocieron de una manera similar a la de Jesse y Céline, pero a diferencia de estos,  pudieron mantenerse en contacto gracias a las redes sociales y seguir juntos.

Algunos podrían ver esto como una señal de que la magia del amor se va perdiendo debido a factores externos y a cómo cada generación vive el amor de manera distinta. Sin embargo, creo personalmente que esto resalta aún más la historia de Jesse y Céline. A pesar de todo, lograron estar juntos y, contradiciendo la idea de la segunda película, no solo estaban hechos para pequeños encuentros, sino también para el día a día, soportando el paso del tiempo.

La cinematografía del paso del tiempo 

La cinematografía en esta película es, en mi opinión, la mejor trabajada de todas. Se muestran varios detalles, como el hermoso atardecer lleno de colores rojos y naranjas, que refleja el amor que se tienen Jesse y Céline, y simboliza cómo, a pesar de que su tiempo de apogeo ha pasado, un atardecer sigue siendo hermoso, al igual que las relaciones.

También se evidencia en la habitación del hotel, donde los colores, aunque no están completamente apagados, se muestran más opacos, lo que refleja el estado actual de su relación, en la cual la chispa se ha reducido pero no apagado del todo. Así como los colores de la habitación, más apagados pero no extintos, los sentimientos de la pareja siguen presentes.

Por último, un detalle que me gustaría mencionar es la ropa de los protagonistas, que es de color azul y no de un tono vibrante. El azul, en lenguaje cinematográfico, suele estar asociado a la tristeza, lo que podría representar la de Jesse por la situación con su hijo. Sin embargo, también puede simbolizar confianza y relajación, y creo que este es el objetivo aquí: demostrar que, a pesar de todo, ambos se tienen un amor y una confianza que nunca llegan a desvanecerse.

Richard Linklater Talks BEFORE MIDNIGHT, GROWING UP, Kickstarter, his College Comedy, and More

 

El final perfecto de una trilogía

La película tiene de nuevo un final precioso, retomando temas desde la primera entrega. En Antes del amanecer, Celine le cuenta a Jesse cómo solía escuchar a sus padres pelearse, pero que después de un tiempo ambos terminaban riendo. De forma similar, en Antes del anochecer, Jesse y Celine discuten y dudan de su amor, pero en uno de los mejores monólogos del cine, Jesse se abre completamente con Celine, diciéndole que el amor no es perfecto, pero que es lo más real que tiene para ofrecerle. Reflexionando sobre esto, Celine le perdona y decide seguirle el juego que momentos antes veía como algo absurdo.

El filme transmite un mensaje poderoso al espectador: cómo el amor puede ser algo hermoso, pero que no es fácil ni ideal y mucho menos perfecto. La película presenta el amor tal y como es: algo complicado, que siempre enfrenta obstáculos, y que si no se trabaja, termina desapareciendo. Sin embargo, aunque nadie ama de manera perfecta, el amor sigue siendo el sentimiento más puro que existe y lo más especial que podemos dar a los demás.

La cinta nos enseña que el amor es real y que no deberíamos tener expectativas demasiado elevadas. En lugar de eso, debemos abrazar el hecho de que el amor está ahí, y aunque surjan problemas, puede superar cualquier dificultad cuando es verdadero.

Antes del Anochecer (2013) | MUBI

 

El mensaje de la trilogía 

En entrevistas, Ethan Hawke ha dicho que Antes del amanecer nos habla de lo que pudo ser, Antes del atardecer trata sobre lo que debería ser, y Antes del anochecer nos enseña lo que realmente es.

No creo que haya mejor manera de resumir la trilogía. Es una forma de ver cómo la primera entrega nos muestra lo que podría ser el amor: algo mágico, especial, único e irrepetible. Pero, aunque ese concepto idealizado es bonito, este tipo de amor no triunfa siempre porque la realidad pesa más que los sentimientos.

La segunda película nos habla de cómo debería ser el amor, más fuerte que el paso del tiempo y nunca acabarse. Nos muestra que si realmente amas a alguien, nunca dejas de hacerlo en cierta medida, y las conexiones humanas son más fuertes que cualquier otra cosa. Sin embargo, aunque esta idea sea en parte cierta, sigue siendo una visión idealizada y no siempre del todo real.

Por último, Antes del anochecer reafirma que el amor es hermoso, una de las mejores experiencias que una persona puede vivir, pero también nos recuerda que es mucho más difícil de lo que parece. El amor real está lleno de problemas y dificultades; es complicado, y no todo el mundo lo vive en todas sus facetas. Sin embargo, cuando la conexión es lo suficientemente especial, el amor puede sobreponerse a los obstáculos y aunque no tenga quizás la misma intensidad que al principio, puede llegar a no extinguirse nunca.

Los enigmas de la vida en la trilogía Before - Historiando Cine

A lo largo de los años, hemos acompañado a Jesse y Celine en su viaje. Vimos cómo pasaron de ser dos jóvenes en un tren de Viena que encendieron una chispa entre ellos a seguir manteniendo esa llama en París nueve años después. Dieciocho años después de su primer encuentro, la conexión entre ambos ha sido tan profunda que lograron no dejar morir esa llama.

En mi opinión personal, considero que es una de las mejores trilogías de la historia a la hora de mostrar las conexiones románticas de la manera más humana posible y a través de los momentos más simples, pero a la vez más especiales. Richard Linklater, en esta última entrega, apela al lado más realista del amor, donde se sufre, pero a la vez esa crudeza nos permite apreciar lo hermoso que es.

Por último, decir que la película es la continuación de Before Sunrise (1995) y  de Before Sunset (2004).  De la primera pueden leer nuestro retro-análisis y la segunda integra nuestro listado de las mejores películas que transcurren en un único día o noche, además de tener también su correspondiente retro-análisis al que invito a echar ojo.

 

El cómic de la semana: Marvel Deluxe. Guardianes de la Galaxia de Al Ewing 1

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”Hoy destacamos Marvel Deluxe. Guardianes de la Galaxia de Al Ewing 1. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Marvel Deluxe. Guardianes de la Galaxia de Al Ewing 1, una etapa mejor de lo esperado

No conocía nada de esta etapa de los Guardianes de la Galaxia excepto que era corta y que era de Al Ewing. Y como Al Ewing lleva tiempo siendo uno de los grandes referentes de Marvel, me interesaba leerla. No olvidemos que este autor, por poner ejemplos rápidos, ha sido el guionista de El inmortal Hulk o Ultimates o la Patrulla-X roja. Por tanto contaba con buenas referencias. Sin embargo creía que su etapa en los Guardianes de la Galaxia había sido una etapa interesante pero no tan brillante. Me equivocaba.

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La etapa anterior a la de Al Ewing al frente de los Guardianes de la galaxia es la etapa de Donny Cates. Y esa etapa constó de 12 números y 1 annual, publicándose en el formato Deluxe en España en un sólo tomo. Esta etapa de Al Ewing abarca 18 números, pero también tiene una especie de precuela que es la limited serie de Rocket. Y esos números de nuestro mapache favorito fueron publicados antes que la etapa de Donny Cates, donde el famoso Rocket las pasa canutas. Y en España, Panini te publica esa miniserie también guionizada por Al Ewing, que creo que sirve perfectamente como introducción a la nueva etapa, en el tomo Deluxe que hoy abordamos. Por cierto esta miniserie está dibujada por Adam Gorham, que hace una labor correcta, pero tampoco para lanzar cohetes.

Por tanto entramos a la saga central de Al Ewing a mitad del tomo, con un preludio de bastante calidad, todo tengo que decirlo, pero que no lo esperaba ver en un tomo recopilatorio. Pero una vez leído me ha gustado hacerlo y me parece que esta bien encajado para todos aquellos que queramos leer la obra completa de este enorme autor en la serie.

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La serie de los Guardianes de la Galaxia empieza con buen pie, con el propio Al Ewing a la cabeza y Juann Cabal a los lápices, excepto un número que lo dibujan entre varios autores. Y la verdad es que al menos el dibujo me convence y me gusta ese estilo para los pasajes espaciales de esta serie. En los siguientes números, ya para el siguiente tomo, vendrá Marcio Takara para asumir la parte gráfica de la serie, volviendo más tarde el propio Juann Cabal y Juan Frigeri. Y esto me hace pensar que aún quedan por publicarse 12 números más el Annual. ¿Cabrán todos en un tomo final o los chicos de Panini te lo dividirán en dos tomos?

En este primer volumen de Al Ewing, podemos ver una miniserie de Rocket muy graciosa y a la vez de gran calidad, y una serie central más épica, centrada en personajes, en las relaciones entre ellos y enfocada a enfrentarse a una nueva amenaza intergaláctica de grandes dimensiones, como viene siendo habitual, aunque está vez con personajes nuevos. Personajes nuevos en esta serie que para algunos será un soplo de aire fresco, y para otros un desperdicio por no utilizar a los enemigos de siempre.

Realmente es que da lo mismo. Lo importante es que creo que desde la etapa de Donny Cates, los Guardianes de la Galaxia han cogido un nuevo rumbo, un nuevo enfoque y se refrenda en la etapa que estamos comentado, en la de Al Ewing.

Contiene: Rocket v1, 1-6 y Guardians of the Galaxy v6, 1-5

La etapa completa de Al Ewing al frente de la cabecera de Los Guardianes de la Galaxia. Todo comienza con un golpe: el que lleva a Mapache Cohete a volver a las viejas costumbres criminales. A continuación, el grupo al completo se reúne. Cuando parece que la familia se ha ganado un descanso, las cosas van de mal en peor. Los grandes imperios se tambalean. Las leyes no se respetan. En medio del caos, los dioses del Olimpo han vuelto para una nueva era de guerra. Alguien tiene que guardar la galaxia. ¿Quién aceptará la misión? ¿Quién sobrevivirá a ella?

Debajo de estas líneas os dejo la portada de la edición española de Panini Cómic y el enlace a la editorial pinchando aquí.

Guardianes de la Galaxia de Al Ewing

Un saludo

Time Trap, la película de aventuras que ha dado la sorpresa en Netflix

Time Trap parece haberse tomado a pulso lo de viajar en el tiempo. Es de esas películas que, en su momento, fueron totalmente ignoradas. Es más, ni creo que se estrenase en salas comerciales en España (o por lo menos yo no tengo constancia de su estreno). El caso es que parece haber llegado a Netflix directamente desde 2017 y se ha puesto de moda, situándose entre lo más visto de la plataforma. Y la verdad es que merece la pena.

Los Goonies del tiempo

Time Trap cuenta la historia de un grupo de estudiantes que deciden ir a buscar a su profesor desaparecido, quien a su vez investigaba la extraña desaparición de una familia hippie décadas atrás. El caso es que los estudiantes se adentran en una cueva y a partir de aquí empiezan a suceder cosas extrañas: cuerdas que se rompen, walkies estropeados,… Algo sucede dentro de la cueva. Y no contamos más para no hacer spoilers.

Sí podemos contar que, por lo que ya se deduce del título y como se ve a los pocos minutos de la cinta, el tiempo dentro de ese agujero en la tierra no transcurre de igual forma que fuera. Quizás situar Time Trap dentro de la sección de «viajes en el tiempo» no sea lo más acertado ya que, viajar, lo que se dice viajar, los protagonistas no viajan mucho pero poco importa porque el resultado es bastante apañado.

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Al principio de la película, uno de los personajes le dice a otro «esto no es Los Goonies» (a lo que el otro, un chaval de unos doce años, responde con «¿y eso qué es?») pero poco le falta. Sin desvelar nada, podemos afirmar que Time Trap está imbuida del espíritu de la cinta de Richard Donner: protagonistas jóvenes que se adentran en una cueva y viven una aventura extraordinaria, dejando una buena impresión en los espectadores.

Hacer cine con lo justo y conseguir lo máximo

Al igual que la película de los 80, Time Trap (pese a que en algunos momentos pueda parecer lo contrario, sobre todo tras una trágica muerte) deviene en una película de aventuras para toda la familia pero presenta diferencias importantes con su referente más evidente. La más significativa es su modesto presupuesto, por lo menos para los estándares actuales. Se nota que está hecha con cuatro dólares pero también que están muy bien aprovechados.

De ese presupuesto más que ajustado deriva todo lo demás, empezando por su reparto. Time Trap está protagonizada por jóvenes actores casi casi desconocidos y que tampoco han llegado muy lejos después de esta película. Desde luego, debido a la escasa duración de la cinta (algo más de hora y media) no tienen mucho tiempo para lucirse.

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Sus personajes son más bien planos y el desarrollo de los mismos es nulo pero tampoco importa mucho. Time Trap no pretende ser más de lo que es, una película de aventuras con un planteamiento original y cuya máxima aspiración es hacer pasar un buen rato al espectador. No tenemos nada en contra y menos si se hace con honestidad.

Porque Time Trap juega muy bien sus cartas y consigue enganchar al espectador. A medida que avanza la historia es inevitable tener ganas de saber cómo acabará todo. Por eso no es extraño que el boca a boca haya jugado a su favor y aparezca en el listado de lo más visto de la plataforma esta semana pasada.

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¿Qué cómo me enteré yo? Pues como la mayoría de la gente que nos lee, a través de otra web. Leí la reseña, vi la película (repito: dura poco y eso siempre es un punto a favor) y luego la vi en el listado de las más vistas. Así que aquí estamos, aportando nuestro grano de arena. Time Trap no tiene pretensiones y el resultado final sorprende dada la escasez de medios de sus guionistas, productores y directoras.

Desde luego, su visionado es mucho más satisfactorio que el otras mierdas de Netflix como El Sindicato, donde se han gastado una millonada injustificada en el sueldo de los protagonistas y en una realización más que mediocre. Un saludo, sed felices.

Critica de Robot salvaje (The Wild Robot, 2024), lo especial de las personas o de los… ¿robots?

Dreamworks estrena su nueva película animada Robot Salvaje (The Wild Robot en su idioma original) bajo la dirección de Chris Sanders, quien anteriormente había dirigido para la productora la primera película de la trilogía de Cómo entrenar a tu dragón y Los Croods. Esta vez, como director en solitario y guionista, presenta su nueva cinta. Pero, ¿está a la altura de las grandes películas del estudio?

La película presenta a la unidad ROZZUM 7134, a la que conocemos mejor como Roz (con la voz en su versión original Lupita Nyong’o), un robot de última tecnología que, de manera desconocida, despierta en una isla donde no parece haber rastro de vida humana, pero sí de una vasta naturaleza y una gran variedad de animales.

La vida salvaje se le complica a Roz, ya que es un robot que ha sido programado para ayudar a los humanos y cumplir cualquier tarea que se le asigne. En su búsqueda de una tarea, se enfrenta a los peligros de la naturaleza, que son abundantes y hacen que la búsqueda sea bastante complicada. Hasta que, tras un accidente, cae sobre un nido, matando a un ave y a sus huevos, excepto uno, el cual decide cuidar.

En el camino, conoce a Fink (con voz en idioma original de Pedro Pascal), un zorro que le acompañará en su búsqueda de una tarea, hasta que el huevo eclosione y nazca un pequeño ganso, que verá como su madre a Roz, quien comprende entonces que su tarea es criarlo.

The Wild Robot' Voice Cast Guide: Pedro Pascal, Kit Connor And Others

Desborde de estilo de animación

Robot Salvaje presenta una animación increíble y bastante original, alejándose del realismo al que estamos acostumbrados en las películas animadas. Sin embargo, este estilo le favorece, ya que toma libertades en la representación de la naturaleza y los animales, mostrándonos un lado más exagerado, casi como si de una pintura se tratase . Esto nos permite sentir mejor los sucesos de la película, como la noche y la lluvia, que intensifican la sensación del peligro que supone la naturaleza, o, por el contrario, los atardeceres, que nos transmiten la calma y felicidad de Roz.

Combina una animación excelente con una fotografía increíble, lo que da como resultado una de las mejores películas animadas del año: cada escena tiene algo que la distingue de la anterior y cada toma está pensada para resaltar la belleza de la naturaleza. Cada vez que Roz interactúa con una nueva especie, el entorno cambia para reflejar cómo cada una es diferente. La animación potencia todos los aspectos creativos de la cinta, logrando así que cada escena se quede grabada en la memoria.

The Wild Robot Movie Site | In Theaters Now | DreamWorks

El mensaje para los más pequeños

Para los niños, es una película imprescindible. Tiene un poco de todo, siendo más profunda de lo que puede parecer a simple vista. Roz es una protagonista lo suficientemente carismática como para captar su interés, con momentos de acción muy bien logrados y escenas emotivas que dejan una gran enseñanza. La historia es cautivadora y, junto a una banda sonora y canciones de calidad, contribuye a que la película quede en la memoria de los más pequeños de una manera especial.

El filme muestra cómo los demás gansos no lo aceptan por ser diferente, pero a lo largo de la cinta demuestra que sus cualidades le hacen alguien especial e inclusive le dan ventajas en diferentes aspectos. Esto transmite un mensaje a los niños sobre la importancia de aceptar las diferencias y entender que, aunque todos sean distintos, cada uno tiene características que le hacen único. A veces, al darle una oportunidad a los demás, se puede descubrir algo realmente espectacular.

Reflexión para todas las edades

Aunque es una película animada y, como mencioné anteriormente, está más enfocada al público infantil, Robot Salvaje es más profunda e introspectiva de lo que aparenta. Roz es un personaje que, al inicio de la película, no entiende nada de las emociones humanas y carece de preocupación por los demás, ya que es incapaz de crear vínculos con otro ser. Sin embargo, a lo largo de la historia, vemos cómo evoluciona, aprendiendo constantemente de su entorno y de todos los animales que la rodean.

La película aborda varios temas, pero uno de los principales es el uso de la tecnología. Roz representa todo lo que la tecnología puede llegar a ser: en sus propias palabras, es capaz de hacer cualquier cosa si se le asigna una tarea, pero, aun así, nos muestra cómo es incapaz de hacer algo fundamental para mejorar la vida de cualquier ser: crear un vínculo a través del cual los demás se sientan comprendidos. No es hasta que decide ignorar su programación cuando realmente empieza a cumplir su verdadero propósito.

Cuando Roz deja de seguir su código, demuestra lo que realmente debería ser el objetivo de la tecnología: ayudar a los demás y hacer del entorno un lugar mejor. Esto se refleja en todo lo que hace por criar al pequeño ganso y lo que intenta hacer por los demás animales. A su vez, ello le contrapone con los otros robots que aparecen en la película, utilizados para tareas simples como recoger plantas o ayudar en el hogar.

Además, la película trata temas como la búsqueda del propósito y cómo este puede encontrarse en las pequeñas cosas de la vida. No necesariamente son las grandes acciones las que marcan la diferencia, sino que algo tan simple como cuidar de un ganso puede tener un gran impacto. También plantea un mensaje hermoso sobre la familia: cómo, a veces, podemos sentirnos diferentes y, aunque las personas nos vean de diversas maneras, nuestra familia es la que puede reconocer nuestro verdadero valor. Con apoyo, las diferencias no suponen un problema.

Robot Salvaje resulta ser una gran obra de DreamWorks, que seguramente dará que hablar y podría ser una sorpresa en la temporada de premios. Además, devuelve al estudio a su mejor camino, con una cinta que debería ser el estándar para todas las películas infantiles y animadas. Presenta un mensaje de amor hacia nuestros seres queridos, de aceptación para los más pequeños, y una profunda reflexión para los adultos sobre el uso que hacemos de la tecnología y cómo, por muy avanzada que sea, nunca podrá reemplazar nuestras emociones.

‘Black Squaw’: Valor y Determinación de una mujer en la época de Al Capone

‘Black Squaw’, publicado por Norma Editorial, es una obra que me llamó la atención desde que vi que se iba a publicar este tomo integral. Este cómic, creado por el guionista Yann y el dibujante Alain Henriet, nos sumerge en la fascinante vida de Bessie Coleman, la primera mujer afroamericana en obtener una licencia de piloto. La historia de Bessie es una mezcla de valentía, determinación, aventura y las dificultades de una mujer en la década de 1930 queriendo volar. ‘Black Squaw’ logra capturar todos estos elementos de manera soberbia.

Desde el primer momento, nos vemos atrapados por esa atmósfera única que Yann y Henriet consiguen crear. La historia fluye de forma orgánica y bien estructurada, permitiendo que todo se desarrolle de manera natural y mantenga el interés del lector en todo momento. La vida de Bessie Coleman, marcada por la lucha contra la discriminación racial (no solo por ser afroamericana, sino por ser también Cherokee) y de género, se presenta de una forma que no resulta forzada ni excesivamente reiterativa. Se hace de una manera que permite al lector empatizar con sus desafíos y triunfos.

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La caracterización de Bessie Coleman es otro de los puntos fuertes de este cómic. Yann ha logrado retratar a Bessie como una figura compleja, carismática y multifacética, que navega entre mundos opuestos: el de los blancos, los cherokees y el de los negros, el de los hombres y el de las mujeres, la ley y el crimen, la tierra y el cielo. Esta dualidad en su vida se refleja en sus decisiones y en su lucha constante por encontrar su lugar en un mundo que a menudo la rechaza. La relación de Bessie con otros personajes también está bien desarrollada, añadiendo profundidad y dinamismo a la historia.

‘Black Squaw’ es un cómic que no se centra en la acción, pese a que nuestra protagonista es la piloto contrabandista de Al capone en plena ley seca, es una trama que se cuece a fuego lento y que sabe intercalar recuerdos de la infancia de Bessie para que conozcamos más a esta mujer.

Todo esto sazonado con otras situaciones que involucran al Ku Klux Klan, que parecen algo secundario, pero que acaban teniendo una gran importancia al final de la historia.

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Su parte Cherokee la da un punto muy atractivo al personaje, ya que vemos como las tradiciones de su tribu la llenan de contradicciones, al ser una mujer del siglo XX anclada y lastrada en algunos momentos por situaciones que no llega a entender.

Hay que destacar el apartado gráfico de ‘Black Squaw’. Henriet ha logrado crear ilustraciones que no solo son visualmente impresionantes (como a lo que nos tiene acostumbrado el comic europeo), sino que también complementan perfectamente la narrativa.

Los detalles en cada viñeta, desde los paisajes hasta las expresiones faciales de los personajes, están meticulosamente cuidados, lo que añade una capa adicional de inmersión a la historia. El uso del color es particularmente efectivo, con una paleta que refleja tanto la época como el tono de la historia.

La edición de Norma Editorial es otro punto a favor para hacerse con esta obra. El tomo integral de ‘Black Squaw’ viene en un formato de tapa dura sin sobrecubierta, con un tamaño de página de 23,5 x 31 cm, lo que permite apreciar cada detalle del arte de Henriet en las 248 páginas que componen el cómic. Además, el tomo incluye una extensa sección final con material extra, que ofrece una visión más profunda del proceso creativo detrás del cómic y de la Bessie Coleman real enriquece la experiencia de lectura.

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Conclusión

‘Black Squaw’ no solo es una obra de entretenimiento de gran nivel, sino también una pieza que invita a la reflexión. La historia de Bessie Coleman es un recordatorio de las barreras que muchas personas han tenido que superar para alcanzar sus sueños, y de cómo la perseverancia y el coraje pueden llevar a logros extraordinarios. Este cómic es un homenaje a una pionera que abrió caminos para futuras generaciones.

En resumen, ‘Black Squaw’ es una obra que merece ser leída y apreciada. Con una historia muy inetersante, un arte impresionante y una edición de alta calidad. Ya seas un aficionado al cómic, un amante de la historia o simplemente alguien que busca conocer a un personaje histórico inetersante, ‘Black Squaw’ tiene algo que ofrecerte.

Es una obra que no solo entretiene, sino que también inspira y nos presenta lo dura que fue la lucha de esta mujer para conseguir algo que a día de hoy es normal para alguien como ella.

Aquí os dejo la página de Norma editorial donde encontrar ‘Black Squaw’ y su portada española:

Black Squaw

Un saludo y sed felices.

Descubre la cubierta de Viento y Verdad, la 5ª novela de El archivo de las tormentas de Brandon Sanderson

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El 9 de diciembre de 2024 sale en España la nueva novela de Brandon Sanderson, calificado por muchos como el nuevo Tolkien del siglo XXI. Y ojo porque sólo sale 3 días después de su aparición en Estados Unidos. Ahora gracias a Nova CIFI, el sello de fantasía y ciencia ficción perteneciente a Penguin libros, podemos disfrutar de la cubierta de Viento y Verdad para España.

El archivo de las tormentas es la saga más importante de Brandon Sanderson, su llamada obra magna. Otras sagas importantes del Cosmere son, como no, la saga de Nacidos de la bruma, Elantris o El aliento de los dioses. La acción de las noveles de El archivo de las tormentas transcurre en el planeta Roshar. A continuación os dejo un mega-artículo de Toni CE recomendado para principiantes de la gran saga:

Viento y Verdad tendrá un tamaño de 1408 páginas, haceros una idea del tamaño descomunal de esta saga. Y es un libro clave porque es el final del primer ciclo, por lo tanto si alguien quiero meterse ahora de lleno en este mundo, puede hacerlo perfectamente.

El archivo de las tormentas estará compuesto por 10 novelas divididas en 2 epopeyas de 5 libros cada una. La primera tanda de libros ya está acabada con Viento y Verdad y el orden de lectura es el siguiente:

  1. El camino de los reyes
  2. Palabras radiantes
  3. Juramentada
  4. El ritmo de la guerra
  5. Viento y Verdad

A continuación os dejamos la cubierta de Viento y Verdad, la última portada que hará Michael Whelan antes de retirarse.

Un saludo y sed felices.

El sindicato, el nuevo refrito de Netflix con el que tirar dos horas de tu vida

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Netflix ha estrenado El sindicato, película de aventuras dirigida por un tal Julian Farino y protagonizada por Mark Wahlberg, Halle Berry, J.K. Simmons, Mike Colter y Jackie Earle Haley, todos en plan «coge el dinero y corre». Como suele ser habitual en la plataforma, la cinta pasará a engrosar rápidamente el fondo de armario de películas olvidables y olvidadas. Vamos al lío.

Espías como nosotros

Roxanne Hall (Halle Berry) es una espía buenorra que pertenece a El sindicato, un grupo formado por espías currelas que no pertenecen a ninguna otra organización. No han sido reclutados en Harvard o Yale y más bien parecen empleados de un Mercadona. Vamos, que glamour cero.

En su última misión en Italia, su grupo es masacrado cuando intentan recuperar un archivo que contiene el nombre de todos los espías del mundo mundial. Como es evidente que se ha producido una filtración, Roxanne debe reclutar a alguien ajeno al mundillo y recurre a un antiguo novio de instituto, Mike McKenna (Mark Wahlberg).

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Para que quede claro lo de los espías currelas, Mike tiene sus ya cuarenta y largos años, vive con su madre en su casa de toda la vida, trabaja en la construcción, merienda encaramado a una viga a mil metros de altura o más (o menos, que más da), es de New Jersey y por si no queda lo suficientemente claro su origen proletario, cuando va a trabajar suena The Promise Land de Bruce Springteen a toda mecha.

Atraído por Roxane y sus encantos (ya sabéis, tiran más dos tetas que dos carretas), Mike se apunta a ser agente secreto, compartiendo aventuras con tipos como El Capataz (Jackie Earle Haley), que antes de ser un Q de Hacendado trabajaba de capataz en Amazon, moviendo paquetes de acá para allá. Con estos mimbres ya os podéis imaginar lo que ha quedado.

Un nuevo churro netflixiano

¿»Netflixiano» existe? Bueno, si no da igual. Supongo que se entiende. El sindicato es el enésimo intento de Netflix de facturar una película de acción repleta de actores famosos, haciendo control+c, control+v de aquí y de allá y que al final huele a aceite quemado, como en las churrerías.

Empezamos con el nombre de El sindicato, que en inglés es The Union y que remite (sobre todo en español) al The Syndicate de Misión Imposible: Nación Secreta y seguimos por el personaje de Halle Berry, una Jinx Johnson con menos gracia. Por si fuera poco, la química con Mark Wahlberg es nula, algo habitual con cualquier pareja que le pongas al lado al actor, a quién podríamos intercambiar en cada película por un maniquí articulado y no notaríamos la diferencia.

JK Simmons

Rematamos el plato con diálogos de traca, una trama previsible (que levante la mano quién pensaba que el personaje de Mike Colter la había palmado), con actores desaprovechados (de verdad, que J.K. Simmons ha ganado un oscar; ¿tan necesitado anda de dinero?), escenas de acción del montón y una iluminación y fotografía digna de una serie española de Antena 3 o Telecinco (y por si nos lee gente de más allá de los mares, no, no es un halago).

Y aún así, El sindicato se ha posicionado entre lo más visto de la plataforma, aunque es algo normal. Películas como esta, en Netflix, las tenemos cada mes, llegan a lo más alto y luego a otra cosa. Algún día haremos un ranking: películas de acción de Netflix. Seguro que nos re-encontramos con auténticas joyas.

Mejor será que se dejen de supuestas superproducciones palomiteras y se dediquen a sus series, que últimamente con las de acción habían acertado. Nos leemos en otros posts. Un saludo, sed felices.

La vuelta de Daniel Day-Lewis al cine con la nueva película de su hijo

Daniel Day-Lewis, uno de los actores más galardonados y aclamados por la crítica, vuelve de su retiro después de 6 años. Su regreso se produce a través de la película producida por «Focus Features», que además marca el debut en la dirección de su hijo, Ronan Day-Lewis, con la película «Anemone».

Daniel Day-Lewis ha sido uno de los mejores actores de su generación, comenzando su carrera en los años 80, pero ganando fama y reconocimiento mundial por su actuación en «El último mohicano», una película que ganó importantes premios y recibió varias nominaciones a los Oscar.

En 1990, recibió su primer premio Oscar como mejor actor de reparto por su papel en «Mi pie izquierdo», lo que lo posicionó como uno de los mejores actores de su generación, ganando el galardón con 37 años. Después de esto, se consolidó con otros dos premios Oscar a mejor actor principal por sus actuaciones en «Pozos de ambición», estrenada en 2007, y en «Lincoln», estrenada en 2012. Con esto, Daniel Day-Lewis se convirtió en el actor con más premios Oscar a mejor actor, con un total de tres galardones.

The madness of Daniel Day-Lewis – a unique Method that has led to a deserved third Oscar | The Independent | The Independent

En 2017, realizó su último papel en un largometraje en la película de Paul Thomas Anderson «El hilo invisible», cinta que fue muy aclamada por la crítica y que demostró que, a pesar de los años, Daniel Day-Lewis seguía vigente como uno de los mejores actores de la historia, ganando de nuevo una nominación al Oscar.

Sin embargo, en 2017, tras el estreno de su última película, anunció su retiro de la actuación. El actor no ofreció demasiadas explicaciones sobre su retirada y no dio motivos específicos, lo que dejó muchas dudas. No obstante, en entrevistas posteriores, comentó que antes de actuar en «El hilo invisible» no había tomado la decisión de abandonar su carrera como actor.

A pesar de que al principio no quedó claro el motivo de su retiro, para sus fans fue evidente, ya que Daniel Day-Lewis ha sido conocido por ser un «actor de método». Esto significa que adopta las costumbres y experiencias de sus personajes ficticios y las incorpora a su vida cotidiana. Day-Lewis es uno de los mayores exponentes de este tipo de actuación, ya que siempre ha sido muy selectivo con sus papeles.

Por estas y otras anécdotas, el actor declaró: «Quería trazar una línea. No quería ser absorbido de nuevo por otro proyecto. Toda mi vida he hablado sobre dejar de actuar, y no sé por qué fue diferente esta vez, pero el impulso de dejarlo se arraigó en mí, y se convirtió en una compulsión. Era algo que tenía que hacer.»

Daniel Day-lewis - Turner Classic Movies

Con estas declaraciones, Daniel Day-Lewis dio a entender que su método de actuación le consumía demasiado, y le resultaba muy difícil mantener ese estilo de vida en el que, cada vez que se preparaba para una película, tenía que sumergirse profundamente en su personaje. Por ello, decidió dejar la actuación y llevar una vida más tranquila, sin involucrarse en otros aspectos de las películas.

Pero recientemente, en un comunicado, Peter Kujawski (Presidente de Focus Features) declaró: «No podríamos estar más emocionados de asociarnos con un brillante artista visual como Ronan Day-Lewis en su primer largometraje, junto a Daniel Day-Lewis como su colaborador creativo», lo que confirmó el regreso del actor a la gran pantalla, de la mano del debut como director de su hijo. Aún no se tiene mucha más información sobre la cinta, aparte de las declaraciones del presidente, pero con solo esto ya hay una gran expectativa por su regreso, y todos los cinéfilos esperan con ansias su participación en la película «Anemone».

Cómics. La lista de la compra del mes de octubre de 2024

Bienvenido un mes más a vuestra sección preferida. Como todos los meses, os dejamos dos cómics recomendados por crítico que salen a la venta este mes en España. Espero que os puedan sacar alguna duda y os podamos guiar con alguna joya. También os recuerdo que es nuestra opinión personal y puede no coincidir con la vuestra. Allá vamos con La lista de la compra del mes de octubre de 2024.

Juanjo Avilés

  1. Batman: Un mal día. ECC Ediciones. 56,50 euros. Un mal día es una iniciativa de DC Comics basada en la idea de que basta un mal día para que todo cambie, para trasformar a una persona y llevarla a convertirse en la peor versión de sí misma que sea posible. Los mejores profesionales de la editorial trasladan esta idea al mundo de Batman para mostrarnos el peor día en la vida de los villanos del Hombre Murciélago. ECC recopila en un solo volumen todas las historias de esta iniciativa para presentar justamente las de Catwoman, El Acertijo o Ra’s al Ghul realizadas por autores de primera fila como Tom King, Mitch Gerads, Tom Taylor, Ivan Reis, G. Willow Wilson, Jamie McKelvie, Xermánico y Javier Fernández. En un volumen antológico de este tipo siempre hay historias buenas, malas y regulares, pero en este caso todas rallan a un nivel muy alto, ofreciendo un vistazo a personajes que todos conocemos desde un punto de vista distinto al de siempre.

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2. Patrulla-X 35. Panini. 9,95 €. Ha llegado el momento de cerrar La Era de Krakoa, de echar el cierre a una etapa de los mutantes que no ha dejado indiferente a nadie. Y para ello nada mejor que un número especial escrito y dibujado por el conjunto de autores que han dado forma a la misma. Es el momento de atar cabos sueltos, de resolver misterios y de dejar todo cerrado. Si has estado siguiendo los mutantes el último año, este cómic es indispensable. Y de regalo, un vistazo al futuro de los X-Men.

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Mario Losada

1. Savage Dragon 2. Planeta Cómic. 40 €. Por fin están saliendo los integrales a color de Savage Dragon, la obra magna de Erik Larsen empezada en los años 90 y que sigue su curso en la actualidad, con 275 números publicados en Estados Unidos. Después de Spawn y de Cerebus es la serie con más números fuera de Marvel y DC, aunque parece cerca de alcanzar a la segunda.

Hablamos de una serie que si te gustan los mamporros y las aventuras noventeras te va a encantar. Y además este segundo tomo retoma «la batalla final» contra Overlord. Un clásico.

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2. Las tierras de Ogon 2. Yermo ediciones. 28 €. Las Tierras de Arran, ahora conocidas como el Mundo de Aquilón, amplió sus fronteras con el descubrimiento del continente llamado Ogon. Desde ese momento nos dimos cuenta que Arran era un continente, no el planeta y que hay más aventuras fuera de esos territorios. Justamente unas de esas aventuras son los tomos que engloban el nuevo continente y todo lo que vamos descubriendo está a la par que las leyendas que nos cuentan en Arran. Veremos cómo deriva esta serie, pero por el momento es de sobresaliente.

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Carlos María Porras

1. DCSOS. La saga completa. ECC Ediciones. 72 €. Me encanta Tom Taylor. Me sorprendió con Injustice: Gods among us y lo ha vuelto hacer con DCSOS. No la he leído entera pero lo que llevo me parece que está a un gran nivel. Así que os recomiendo este tomo que recopila la saga completa.

La Ecuación de la Antivida ha salido a la luz. Por fin, tras mucho tiempo buscándola, Darkseid ha encontrado el arma suprema que tanto anhelaba y una parte se encuentra dentro del cuerpo de Cíborg. Así pues, el apocalipsis se desencadena de forma virtual, a través de todo dispositivo conectado a internet. Nadie en la Tierra está a salvo, incluidos sus héroes. Superman, Wonder Woman, Superboy, Batman… Todos corren peligro de sucumbir a esta plaga zombi del siglo XXI tras la cual el Universo DC no volverá a ser el mismo. ECC Ediciones recopila la saga DCSOS al completo, incluidas todas sus miniseries y especiales, escrita por Tom Taylor y dibujada por Trevor Hairsine, Darick Robertson, Laura Braga y otros autores.

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2. República. Planeta cómic. 25 €. Niceto Alcalá-Zamora fue presidente de la segunda República Española entre 1931 y 1936. El día de la proclamación, Fox Movietone filmó todo el evento. Esta cinta estuvo escondida durante décadas detrás de un armario en Priego de Córdoba y en la casa del alcalde Francisco Adame, amigo del presidente de la República.

2014: unos golpes de martillo rompen una pared. Han encontrado un cuarto escondido con material republicano, una cinta en una caja de metal con la bandera republicana pintada en ella y un cuaderno de un niño de 10 años.

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DAve Solis

  1. El Guerrero del Antifaz: Edición 80º Aniversario. Dolmen Editorial. 31,90 €. La editorial mallorquina nos hace partícipes del 80º aniversario de uno de los personajes más míticos de la historieta española: EL Guerrero del Antifaz.  En 1944, Manuel Gago inició las aventuras de este enigmático personaje, el favorito de toda una generación (y puede que más). Esta es una oportunidad única para que cualquier aficionado al noveno arte pueda disfrutar del inicio de las aventuras de nuestro más aguerrido Guerrero de todos los tiempos.

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2. Inspectores Espectrales. Editorial Astronave. 21,95 €. Rara vez podemos ver un título de un cómic para todos los públicos en una lista de recomendaciones. Pero lo cierto es que si pruebas alguno de estos títulos, podrás llevarte una grata sorpresa y descubrir un maravilloso universo.

En este caso, os quiero recomendar este Inspectores Espectrales. Noa y sus amigos de la Uni han decidido crear un programa para registrar encuentros paranormales y así demostrar que los fantasmas existen. Pero hay que tener mucho cuidado con este tipo de cosas. Podemos encontrarnos con algo mucho más grande y peligroso de lo esperado.

¿No os parece un argumento súper interesante?

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Carlos Trujillo

1. Hel´Blar (Integral). Yermo ediciones. 34 €. Llega una agradable sorpresa de la editorial Yermo, una fantástica historia de vikingos en un integral de lujo y con la calidad habitual de la editorial. Una prodigiosa novela gráfica repleta de vertiginosas aventuras, persecuciones angustiosas y el tono sanguinolento que acompaña a la mitología vikinga. Está creada por los hermanos Sierra (el guion es de Sergio A. Sierra y el dibujo de Álex Sierra), combinándose ambos autores para crear una historia prodigiosa.

Los vikingos han sido atacados por unas fuerzas misteriosas; comienza así una persecución por parte de este clan de guerreros tras unos seres desconocidos y virtualmente invencibles. Una persecución que los llevará por un camino cargado de desafíos, combates y desesperación, convirtiendo su aventura en una agonía sangrienta.

Con un apartado gráfico virtuoso y gracias a unos dibujos que cautivan en la presentación de los personajes, su constante dinamismo se traduce en viñetas cargadas de creatividad, como la paleta de colores, cálidos y fríos, que usa para diferenciar a los vikingos de sus enemigos. También cabe destacar un guion que sabe imprimir un ritmo frenético para mantener la tensión en el lector, una historia ágil pero de lectura profunda que cuenta mucho más de lo que parece. Sin duda, una obra a tener en cuenta ya que es una pequeña joya sobre la mitología Nórdica que en muchos aspectos es superior a otras obras de la misma temática.

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2. Clase letal 3 (Edición de lujo). Norma. 55 €. Rick Remender es uno de los mejores guionistas que existen actualmente, y esta es una de las mejores series de cómics del panorama indie de los últimos años. Y es que Clase Letal es mucho más que un cómic de acción: es una crítica mordaz, subversiva y seductora, que radiografía con un cinismo brutal toda una época, la de los años 80 que contenía a la llamada generación X.

La historia nos cuenta cómo un adolescente huérfano con un pasado trágico, es captado por la escuela Kings Dominion, un instituto que tiene la particularidad de ser el centro de formación más emblemático del cosmos criminal, donde se forman a los mejores asesinos a sueldo del país.

Remender logra crea una historia cruda, repleta de una violencia provocativa que nos hace estremecer gracias a un guion que trabaja muy bien temas como las drogas, el fanatismo o la soledad, esa soledad que nos asfixia y nos hace rebasar las líneas de la moralidad con tal de poder integrarnos en un grupo. Una trama incómoda y valiente que atrapa al lector para no soltarlo y le obliga a reflexionar más allá de la lectura.

No podemos olvidarnos del dibujo de Wes Craig (un dibujante que ha ido evolucionando como artista completo hasta crear una pequeña joya llamada Kaya), capaz de lograr nuevas perspectivas en las composiciones que rezuman talento gracias a sus diseños de las viñetas, sabiendo utilizar de manera inteligente tanto los recursos narrativos como la calma que transmiten sus silencios para hacerlos contrastar con las explosiones de actividad y movimiento que genera la violencia de la acción. En definitiva, una obra magnífica que deberías tener en tu colección de cómics.

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Esto es todo por nuestra parte. Para que puedas seguir llenando tu estantería, consulta la lista de la compra de meses anteriores y las novedades de cómics y mangas.

¡Cualquier aportación y/o sugerencia a comentarios! ¡Muchas gracias! ¡Nos leemos!¡ Un abrazo!

Análisis de El Pingüino. Miniserie. Episodio 2

Analizamos lo que nos ha dejado el segundo episodio de El Pingüino (The Penguin), miniserie que, creada por Lauren LeFranc para HBO y emitida por Max, sigue el ascenso del célebre villano de DC como spin-off y a la vez secuela de la película The Batman, corriendo nuevamente la interpretación del personaje a cargo de Colin Farrell.

Hola otra vez, moradores de Gotham. Aquí estamos para analizar una nueva entrega de El Pingüino y hay que decir que este segundo capítulo, cuyo título es Infiltrado, ha superado con creces al primero, además de ahonda en la personalidad de Oz y ofrecer brillantes actuaciones de Colin Farrell y Cristin Milioti.

Sin más trámite, pasemos pues a ver qué nos ha dejado, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni de recordar que pueden leer aquí el análisis del episodio anterior y, si lo desean, también aquí nuestra crítica de la película The Batman, a la cual esta miniserie hace de secuela.

Cambio de Planes

Tal como era de prever, Sofía Falcone no está tan bien como ella dice tras su paso por Arkham. Sufre alucinaciones en plena terapia, carga con traumas del pasado y está obsesionada con la muerte de su hermano Alberto de quien quiere saber quién lo mató y, por cierto, no muestra en Oz la confianza que él pretende.

Razón no le falta, pues Oz sigue jugando hábilmente a dos puntas y, después de la buena impresión que le dejara al entregarle el anillo, contacta una vez más en la cárcel a Salvatore Maroni. Le da información sobre el cargamento de “drop” que recibirán los Falcone y, por intermedio de su esposa Nadia (Shohreh Aghdashloo), Sal mueve los hilos para interceptarlo.

Sin embargo, algo falla en el plan de Oz y es que Luca Falcone (Scott Cohen), quien por poco que le guste a Sofía se está haciendo cargo de los negocios familiares tras la muerte de Alberto, le quiere a bordo del camión, lo cual le dejaría en medio del tiroteo al producirse la emboscada. En efecto, así termina ocurriendo, pero Oz consigue a tiempo y de milagro evitar ser muerto por los matones de los Maroni a la vez que salvarle la vida a Castillo (Berto Colon), hombre de confianza de Sofía. De ese modo, la droga cae en manos de los Maroni, pero él ha logrado congraciarse con ambas familias y, al menos en principio, quedar de pie.

Ahora, los Falcone saben que hay entre ellos hay un informante y, a diferencia de su tío Luca o su ayudante Johnny Viti (Michael Kelly), a Sofía le importa más el daño al honor familiar que la pérdida económica. Por su cuenta, va a ver a Marcus Wise (Craig Walker), corrupto ex detective de policía que en algún momento trabajara al servicio de su padre, pero que ahora navega en la decadencia a puras adicciones.

Tras darle ella dinero para que encuentre al informante, lo que este hace es secuestrar del hospital a Ervad, uno de los matones de Maroni que ha quedado herido tras el tiroteo y que alegremente Marcus muestra a Sofía en el maletero de su auto con sondas, suero y todo…

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Bailando con mi Madre

Un par de escenas nos ilustran la vida de Oz en el “mientras tanto” y, sobre todo, la particular relación mentor-aprendiz que va construyendo con Víctor, a quien primero hace participar de una reunión íntima con Eve y algunas de sus amigas: por cierto, ella sabe perfectamente que Oz mató a Alberto Falcone y la usó a ella como coartada.

El segundo momento es la visita a la madre de Oz, a quien el dueño del edificio dice haber encontrado enfrente en plena noche y sin saber por dónde andaba. Dice verla cada vez más perdida y entiende que requiere alguna atención permanente, a lo que Oz replica disgustado que no le paga por ser médico: por el contrario, le da dinero para que la siga cuidando. Está claro que no quiere saber nada con internarla en una institución geriátrica y que su vínculo con ella sigue siendo muy fuerte, al punto que terminan bailando en el medio del apartamento…

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Segundo Cambio de Planes

A todo esto, el funeral de Alberto es la oportunidad que Oz necesita para hacer su jugada. La idea es llegar hasta el lugar de cautiverio de Ervad para convencerle de que incrimine a John Viti como el informante mientras Victor se encarga de poner en el auto del mencionado las joyas robadas a los Falcone. Y si necesita más ayuda, tiene en su poder fotografías que evidencian una relación secreta entre Viti y la esposa de Luca…

Una vez más, algo sale mal y Oz debe volver a improvisar un plan B. Victor es sorprendido al intentar colocar las joyas y aunque logra escapar y retenerlas consigo, lo de incriminar a Viti ya no tiene sentido. Oz entierra una navaja a Ervar y, descubierto luego el asesinato por los hombres de Luca, este quiere reunidos a todos quienes hayan participado del convoy atacado por los Marioni.

Oz piensa rápido y juega su segunda carta: acusa a Viti de ser el informante y finge una pelea para, en medio del entuerto, plantarle la navaja a Castillo. Descubierta el arma, este apela desesperadamente a la confianza que Sofía siempre depositó en él, pero no tiene tiempo de mucho pues Luca, sin trámite, le limpia de un tiro en la nuca. Aunque por el camino menos pensado, Oz consiguió lo que quería: los Falcone ya tienen a su informante y él sigue en una pieza…

Le encargan entonces el trabajo sucio de enterrar los cuerpos, pero él a su vez lo delega en Victor y, en terrible escena, hace tender al muchacho en la fosa y junto a los cadáveres para que entienda donde terminan quienes vacilan como él lo ha hecho…

La Alianza Impensada

Sobre el final del episodio, Oz mantiene una charla con Sofía en el mausoleo de los Falcone. Ella está resentida de que su familia le niegue liderazgo y su tío pretenda enviarla a Italia. Él le cuenta su historia personal y cómo la muerte de sus dos hermanos le convirtió en hijo único, lo cual rubricó bailando con su madre en el funeral de ambos. ¿Le está dando a entender que la entiende en su frustración o más bien le está sugiriendo allanarse el camino de parientes molestos? Por lo pronto, se compromete a ayudarla en sus aspiraciones…

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Balance del Episodio

Brutal capítulo y descomunal trabajo de Colin Farrell, que nos ha permitido explorar en la personalidad del Pingüino mucho más de lo que se hiciera en The Batman o incluso en la entrega anterior.

Decididamente, Oz está lejos de ser un genio criminal de planes armados y puntillosos que, por lo común, le salen mal. Lo suyo, como este capítulo revela, es más bien la capacidad de adaptación e improvisación para caer siempre parado ante imprevistos o circunstancias cambiantes. Es un genio en el arte de sobrevivir, lo cual es coherente con el proceso que le acabará llevando a ascender en el crimen organizado de Gotham City.

Hemos además echado un vistazo en su historia familiar y en su conflictiva relación con las mujeres, ya sea con Eve o, muy especialmente, con su madre: un vínculo edípico que es coherente con los cómics. Y la mención a los hermanos nos ha hecho helar la sangre porque si la historia es como la conocemos, los mató para monopolizar el amor de su madre. ¿Ocurrió lo mismo aquí? Aún no lo sabemos, pero en la historia que le cuenta a Sofía pareciera estarle aconsejando sacarse de encima a la familia molesta y eso es por demás sugerente.

El otro punto interesante es su relación con Victor. La escena en que lo hace tenderse junto a los cadáveres es verdaderamente fuerte, pero a la vez con un extraño y morboso tinte de amor paternal, pues está claro que lo que quiere es que el muchacho no incurra en las mismas vacilaciones que le llevaron a él en el pasado a convertirse en el ninguneado de la mafia.

También Cristin Milioti ha entregado en este capítulo una actuación formidable, pudiéndose apreciar que definitivamente Sofía no tiene nada resuelto y que hay apenas un velo entre la asesina serial que fue a parar a Arkham y la dama de la mafia que pretende ser, pero su familia le niega. Las visiones durante la terapia son demostrativas de que hay traumas que pugnan por salir y la alianza final con el Pingüino, más allá de ser para este meramente estratégica, preanuncia un interesante doble juego de dupla/antinomia.

Y qué bueno que es siempre volver a ver (y oír) a Shohreh Aghdashloo (The Expanse, Casa de Arena y Niebla), quien siempre aporta su talento interpretativo robando de manera hipnótica cada escena en que interviene, pero además es dueña, al menos en mi opinión, de una de las mejores voces de Hollywood.  Ojalá la veamos y oigamos más de lo que hasta aquí ha estado presente.

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Gran personaje, por último, el detective Marcus, que parece casi sacado de Fargo pero a la vez, aunque quizás muchos no lo recuerden, hunde sus orígenes también en el cómic, habiendo sido creado por el maestro Chuck Dixon. Su forma de resolver el trabajo que le encomendó Sofía ha sido tan torpe como genial.

Lo que sorprende, entre tanta referencia al mundo del cómic, es que la miniserie lleve dos capítulos sin noticias de Batman, ni tan siquiera como Bruce Wayne. Tampoco de Gordon. ¿En dónde están mientras todo esto ocurre? No deja de ser extraño, porque hay mucha alusión a los hechos de la película The Batman y hasta hemos vuelto a tener alguna mención fugaz del Acertijo. Ya sabíamos que el murciélago no aparecería en esta serie, pero de allí a que todo ocurra como si no existiese hay un buen trecho

En fin, un gran capítulo que supera al anterior, no solo en narrativa e intensidad, sinoal parecer también en audiencia, pues de acuerdo a las últimas cifras, ha sido visto en Estados Unidos por dos millones de espectadores más que el primero (si bien es cierto que, a diferencia del mismo, se emitió un domingo y no un día de semana). ¿Seguirán entonces con la idea de miniserie o evaluarán la posibilidad de más temporadas?

Por lo pronto, El Pingüino es hoy por hoy el programa más visto de Max y cuesta creer que vayan a matar a la gallina de los huevos de oro, ni siquiera cuando James Gunn (no olvidar que este es un proyecto previo a su llegada a DC/Warner) muestre escaso entusiasmo por un éxito que no se puede atribuir…

A ver qué nos trae el próximo episodio. Hasta entonces y sean felices…

Star Wars: Yoda | Aventuras entretenidas para conocer mejor al maestro jedi

Yoda siempre ha sido uno de esos personajes muy queridos de la saga creada por George Lucas y se ha paseado por ella como un secundario de lujo, así que encontrarnos este tomo con él como protagonista ha sido interesante.

No es un tomo con una única historia que tenga principio y fin, si no que la trama va a viajar por diferentes momentos temporales de la vida de Yoda antes de su encuentro con Luke Skywalker en el Imperio Contraataca.

Tras el surgimiento del Imperio Galáctico, el maestro Yoda vive en el exilio, atormentado por el pasado. Mientras, una voz extrañamente familiar resuena en los pantanos de Dagobah. Yoda debe revisitar las muchas lecciones que ha dado a lo largo de los años, ¡desde los días de la Alta República hasta el caos de las Guerras Clon!

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Resumiendo, tendremos al maestro jedi en un lejano planeta mediando en una disputa ancestral en la que nos daremos cuenta que ni los buenos son tan buenos ni los malo son tan malos. Nada nuevo en el horizonte y pienso que es la historia más floja de las que se nos cuentan en este tomo. Un arranque que puede hacer que bastantes lectores se replanteen seguir leyendo.

Es cierto que la trama vuelve al final sobre esta historia y tenemos un final que se resarce y nos muestra que difícil es servir al lado luminoso cuando tienes poder sobre alguien inferior.

Creo que el personaje gana enteros cuando se desenvuelve entre el resto de jedis,  sobre todo en la historia en la que se nos presenta a un joven Dooku (aun jedi) y como se ve envuelto en la lucha contra el lado oscuro de uno de los padawans del templo.

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Creo que es la trama mejor construida de las que se nos presentan aquí, con esas visiones, como el miedo va ganando fuerza y como los personajes lidian con eso. No descubre la rueda, pero lo hace muy bien con lo que tiene.

Como he mencionado, este tomo es un viaje por distintas épocas de la vida de Yoda y no podían faltar las Guerras Clon en él. Aunque nos falte la presencia de Dooku, que hubiese sido un buen cierre para la presencia del personaje aquí, sí tenemos al general Grievous para que los fans esbocemos una sonrisa con este coleccionista de sables láser.

Cavan Scott, Jody Houser y Marc Guggenheimno nos traen una historia que no va a ser memorable, pero consigue entretener y que este tomo se lea de forma rápida y no resulte soporífero. Hay caídas de ritmo y partes que interesan menos, pero cumple.

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El apartado gráfico viene de la mano de Luke Ross, Alessandro Miracolo e Ibraim Roberson y es resultón. No es destacable, pero tampoco desluce el guion, así que funciona sin nada que destacar.

Conclusión

‘Star Wars: Yoda’ es una historia que entretiene y poco más, no pasará a la historia del folclore de la franquicia de George Lucas, pero tampoco hace que se quiera borrar del canon.

Un acercamiento interesante al personaje de este maestro jedi, que no es imprescindible para entender mejor a Yoda, pero funciona para darle algo más de trasfondo.

Aquí os dejo la web de Planeta Cómic donde encontrar este tomo de ‘Star Wars: Yoda’ y su portada española:

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Un saludo y que la Fuerza os acompañe.

Análisis de Ciudad de Dios: La Lucha Sigue. Temporada 1. Episodio 6. Final de Temporada

Y llegamos al final de temporada. Con un episodio algo diferente del resto, pero que dejó giros interesantes, un par de cliffhangers brutales y la muerte de al menos dos personajes importantes. Creada para HBO por Andrea Barata Ribeiro y Fernando Meirelles, la serie Ciudad de Dios: La Lucha Sigue está inspirada en el filme Ciudad de Dios (2002) y su primera temporada puede ser ya vista al completo en Max.

Hola otra vez. Bienvenidos a un nuevo análisis de Ciudad de Dios: La Lucha Sigue (para Latinoamérica Ciudad de Dios: la lucha no para), en este caso el último de la temporada, que nos ha dejado nocaut a la espera de la segunda y nos da por pensar qué hubiera pasado si la misma nunca se hubiera confirmado porque la verdad es que el cierre ha sido realmente fuerte y alejado de cualquier final “rosa”.

Hemos tenido el regreso de un personaje que si bien no había tenido muchos minutos en la película de 2002 (aquí retro-análisis), sí había sido desencadenante en la misma. Y hemos visto partir a dos personajes centrales de la serie, que demuestra así no tener concesiones: uno era sobreviviente de la película y la otra llegó con la serie, pero aprendimos a quererla.

Pasemos pues ya mismo a ver qué nos ha dejado esta sexta entrega, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.

La Candidata

Berenice está en campaña para ser concejala aun cuando buscan convencerla de que no tiene carrera política ni tiempo para posicionarse. Comienza un trabajo de hormiga hablando con los moradores de la favela y en su discurso critica tanto a los ricos que criminalizan por igual a toda la población de Ciudad de Dios como a Bradock, en quien no sería bueno que los niños encontraran un referente.

Tiene mucha aceptación e incluso Leka le compone una canción de campaña, pero Bradock está muy disgustado y la hace llevar en su presencia con la cabeza cubierta. Sin embargo y por mucho que la presione a no “envenenar” a la gente en su contra, ella insiste en que él era antes una persona distinta y que “esa mujer” le está llenando la cabeza…

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Se refiere, claro, a Jerusa, quien escucha la conversación y recrimina luego a Bradock el dejarla ir. Él no la oye: está irascible, violento e incluso forcejea con ella. Insiste en que le están traicionando y que encontrará al traidor…

Las Fotos Incriminatorias

Buscapé y Ligia, en tanto, llevan al editor aquellas fotos antiguas que involucraban a Reginaldo con Ze Pequenho más las recientemente tomadas a Jerusa besándose con Israel. Por más que Matheus diga que las fotos son una bomba, ve casi imposible que le permitan publicarlas y de todas formas no hay prueba ni testimonio para acusar a nadie.

En busca de nuevos datos, Buscapé lleva a Ligia a casa de un viejo conocido: el fotógrafo Rogerio Reis  (Gustavo Engracia), aquel que alguna vez le oficiara prácticamente como su mentor en el diario. Al parecer, se ha hastiado de tanta violencia y está viviendo en una casa rodante dedicado a fotografías más artísticas.

Viendo las fotos, relaciona con el tráfico de armas y especialmente con el contrabando, pues ubica a Jerusa como la hija de un “mulo” que alguna vez trabajó para Curió pasando drogas desde Paraguay, pero que fue abandonado por este al ser capturado y murió en prisión: lo de Jerusa, pues, tiene mucho de venganza contra Curió y contra Bradock.

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Sabiendo que necesitan pruebas que la involucren, Buscapé y Ligia ponen en marcha un plan arriesgado y, armados y con pasamontañas, van por el principal patrocinador de Reginaldo para obtener de él la información que necesitan. Enterado Matheus de que obtuvieron testimonio mediante apremios ilegales, no cabe en su asombro pero para sorpresa de todos, desde la editorial deciden finalmente dar vía libre a las fotos.

De una vez por todas, entonces, ven la luz aquellas fotografías que Buscapé decidiera guardarse, así como también las que relacionan a Jerusa con Israel. Reginaldo está furioso y obviamente Bradock también…

Ajustes de Cuentas

Buscapé tiene una reconciliación con Leka tras publicar las fotos. Ella dice estar orgullosa de él y él de ella. Pero el panorama pinta complicado y Ligia propone a Buscapé largarse a España, donde ella tiene trabajo asegurado y, con su currículum, él también. Pero Buscapé no quiere irse: dice que su lugar está allí, como también su familia y amigos por mucho que Ligia le insista en que ellos lo preferirían lejos y vivo antes que cerca y enterrado.

Las cosas, en tanto, no están nada bien para Reginaldo: el gobernador ya no lo quiere a su lado y prefiere fortalecer la campaña política de Israel. Llegados los comicios, este termina obteniendo menos votos que en elecciones anteriores, pero es el tercer concejal más votado. En cuanto a Berenice, ha hecho una gran campaña y quedado novena, lo cual significa que entrará a la Cámara para alegría de sus amigos y partidarios.

En el comité de campaña de Israel hay celebración, pero el entorno está podrido: su padre lo felicita, pero el gesto adusto revela lo poco que le agrada ver truncas su posición política y sus posibilidades de ascenso. Berenice le llama y también le felicita, pero solo es una excusa para acabar con la relación pues durante días no ha tenido noticias suyas y se ha cansado de ser “cordero de sacrificio”.

En la sede de Berenice también hay festejos y Ligia se apronta a partir hacia España. La despedida con Buscapé es emotiva y él se ofrece a llevarla al aeropuerto, pero no saben que Touro les está vigilando. Por el camino les intercepta una motocicleta y su conductor dispara contra ellos. Instantes después y mientras Buscapé llora sin consuelo en desgarradora escena, nos enteramos que Ligia ha muerto…

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Jerusa, en tanto y de manera sorpresiva, va a ver a Bradock y se baja del auto con las manos en alto. Es una distracción: lo que ha hecho es traer a Geninho, de quien hace rato nada sabíamos, pero que está allí a uno de sus secuaces y, tras aceptar dejar ir a Pezinho, dispara contra Bradock y dejándole sin vida. Instantes después y de manera contradictoria, llora junto al cadáver de quien fuera su “hermano”…

A todo esto y en prisión, PQD escucha las noticias que proclaman a Berenice como nueva concejala y su rostro se cubre claramente de rencor y venganza…

Balance de Temporada

Si el episodio anterior se había separado un poco del estilo del resto de la temporada, este todavía lo ha hecho más, pero a la vez ha sido claramente superior, además de muy emotivo y desgarrador. No por esperable, la muerte de Bradock deja de ser impactante y ni qué decir la de Ligia, pues si bien estaba claro que había quedado demasiado expuesta, tuvimos la esperanza final de que lo suyo terminara en un avión y con la perspectiva a futuro de una posible relación con Buscapé. Nada más lejano ni desconsolador…

Fuera de ello, el episodio ha tenido ribetes policiales e investigativos que poco han tenido que ver tanto con el resto de la temporada o con la película original: lo de Buscapé y Ligia, sin ir más lejos y casi como agentes secretos, se vio algo fuera de lugar, aunque a la vez ayudó a sumar matices a los personajes e introducir la duda acerca de si en ocasiones no es correcto hacer lo incorrecto.

Las culpas estuvieron en este último episodio tan presentes como en el resto de la temporada y si bien Buscapé se sacó unas cuantas de encima al dar finalmente a conocer aquellas fotografías, probablemente se cargue nuevas con la muerte de Ligia, aunque más no sea por no haber tomado los recaudos suficientes. De hecho y si vamos a decir la verdad, ambos se movieron de manera bastante descuidada tras la publicación de las fotos…

Y si bien no sabemos si el fin del atentado fue matarle a él o a ella para que él sufra, la novedad es que Buscapé es ahora un objetivo y no un personaje colateral a la trama criminal, algo que no había ocurrido ni en la película ni en el resto de la serie. Su historia será claramente otra a partir de la segunda temporada…

En cuanto a Jerusa, ha sido sin duda la gran vencedora: siempre logró caer parada en su rol de Lady Macbeth y su personaje (soberbia Andreia Horta en esta última entrega) se ha vuelto más interesante a la luz de la historia de fondo que nos contó Rogerio.

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Y ya que hablamos de Rogerio, una alegría volver a verle: no sé ustedes, pero yo me preguntaba qué habría sido de él y abrigaba la esperanza de que alguna vez nos lo cruzásemos en la redacción del diario. No fue así, pero regresó de todas formas y, al igual que en la película original, su participación fue breve pero decisiva.

Queda un panorama incierto y ominoso para la segunda temporada. ¿Los amigos de Bradock dejarán todo así como así? ¿Qué pasará con Geninho y esa demostración de culpa tras haerle matado? ¿Aceptará Reginaldo, con la ambición que le caracteriza, haber sido desplazado de la carrera política por su propio hijo? Lo de PQD tampoco pinta bien y por mucho que Berenice le haya denunciado para salvarle la vida, difícil es que él vaya a verlo de ese modo. ¿Y cuál será la nueva jugada de Jerusa, que ha demostrado ser tan inteligente como artera?

En definitiva, hemos visto una gran primera temporada y si bien pareció por momentos que los dos últimos episodios perdían un poco el rumbo, los últimos veinte minutos ponen las cosas nuevamente en su lugar y nos confirman que estamos ante una serie valiente porque no muchas se atreverían a cerrar una temporada del modo desolador en que esta lo ha hecho. Los cliffhanger finales son del tipo que se suelen usar en un penúltimo episodio de temporada, pero nunca en el último…

Por lo demás y siempre recordando que es absurdo comparar con la película original,  la serie ha sabido rendir tributo a la misma sin repetir arcos, lo cual siempre se agradece y, si no me falla la cuenta, hemos visto a ocho personajes interpretados por los mismos actores,  lo cual ha sido de un fuerte impacto emocional y las actuaciones han ido en consonancia, destacándose de manera superlativa la de Thiago Martins (Bradock).

Esperemos, eso sí, que no haya que esperar mucho por la segunda. Hasta aquí, la serie se lleva un largo aprobado. Hasta la próxima y sean felices…

Segundo tráiler de ‘Nosferatu’ (2024) | La reinvención de Robert Eggers apunta a nuevo clásico del cine

El esperado remake de ‘Nosferatu’ dirigido por Robert Eggers ha lanzado un nuevo y escalofriante tráiler. La película, que se estrenará en las salas de cine de España el próximo 25 de diciembre de 2024, promete llevar el terror a nuevas alturas con la interpretación de Bill Skarsgård como el temible Conde Orlok.

El tráiler muestra una atmósfera oscura y opresiva, característica del estilo de Eggers, conocido por sus trabajos anteriores como ‘La Bruja’, ‘El Faro’ y ‘The Northman’. Los fans del cine de terror y del director estamos encantados por ver cómo ha reinventado este clásico del cine mudo.

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EN CF: RETRO-ANÁLISIS: NOSFERATU, UNA SINFONÍA DEL HORROR (1922), OBRA CUMBRE DEL TERROR EXPRESIONISTA


Con un elenco estelar que incluye a Lily-Rose Depp, Nicolas Hoult y Willem Dafoe, ‘Nosferatu’ apunta a ser una de las películas más grandes de la temporada. El tráiler ha dejado a los espectadores con ganas de más, anticipando una experiencia cinematográfica que promete ser tan aterradora como visualmente impresionante, rescatando ciertos elementos de la original y dándole otros nuevos igual de interesantes.

Aquí os dejo el nuevo tráiler de ‘Nosferatu’ de Robert Eggers:

Un saludo y temed a la noche