Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos las novedades de Astiberri Ediciones, previstas para este segundo mes del año. Vienen abundantes y además … ¡Vuelve Jeff Lemire!
Vamos a echar un ojo …
Novedades de Astiberri Ediciones de febrero de 2024
Cuando hablamos de Astiberri entre los amigos del «mundillo», siempre decimos que «Astiberri siempre lo hace bien y nunca falla». Nos gustarán más unas obras que otras o unos géneros más que otros, pero lo cierto es eso: «Astiberri siempre lo hace bien«.
Dicho esto, vamos a comentar lo que más nos llama la atención, entre las novedades de la editorial vasca, de las novedades que nos tienen previstas para enero.
«Dom es un camionero de larga distancia que intenta escapar de su trágico pasado, marcado por una familia desestructurada y el consumo de drogas.
Cuando una noche se detiene tras presenciar un accidente de tráfico, conoce a Birdie y su vida da un vuelco.
Entre los restos, hallan un objeto que le pone la quinta marcha a sus vidas.
De pronto, lo que aspiraba a ser uno más de sus viajes nocturnos se convierte en un periplo frenético a través de un mundo surrealista donde Dom y Birdie se ven transformados en presa de extraños e imposibles monstruos».
Tendremos disponible esta nueva serie de Jeff Lemire y nuestro querido Gabriel Hernández Walta, el 15 de febrero de 2024.
También os queremos dejar un avance de esta obra a continuación:
Y hasta aquí nuestras recomendaciones de Astiberri Ediciones, correspondientes al mes de febrero de 2024.
Más abajo, os dejo el pdf completo con todas las novedades de este mes de Astiberri. Echad un ojo, disfrutad y …
Tras el éxito de One Piece, Netflix se atreve a un nuevo live action, en este caso Avatar: La Leyenda de Aang (Avatar: The Last Airbender), basado en la homónima serie animada de Nickelodeon. Ya tenemos el segundo tráiler y se advierte en el tono la intención de apartarse de la película de M. Night Shyamalan de 2010.
Estrenada en 2005 por Nickelodeon, Avatar: La Leyenda de Aang se ha convertido en una serie que ha cosechado fans a lo largo y ancho del mundo dando lugar incluso a spin-offs, novelas, cómics, juegos de rol y una poco feliz película live action.
Avatar: La leyenda de Aang se desarrolla en un universo en el cual hay cuatro naciones que hacen referencia a cada uno de los cuatro elementos de la naturaleza (tierra, agua, aire y fuego), dentro de las cuales hay a su vez maestros que se especializan en dominar cada uno de los mismos. Aang, personaje principal de la historia, es un niño que es justamente Maestro del Aire, pero que además posee la virtud de ser el Avatar que domina los cuatro.
Desde que en 2018 se anunció que Netflix desarrollaría una serie live action sobre ese universo, las expectativas crecieron a la par de los temores. No obstante, el hecho de que los autores originales de la serie original estuvieran involucrados hizo alentar esperanzas, pero Michael Dante DiMartino y Bryan Konietzko terminaron bajándose del proyecto por diferencias creativas con la plataforma y ello reavivó los miedos.
Sin embargo y teniendo ya los dos tráileres a la vista (el primero, poco más que un teaser, se dio a conocer en noviembre y pueden verlo aquí), hay que decir que la adaptación creada por Albert Kim pinta bien por dos razones: por un lado, luce visualmente imponente y por el otro pareciera repescar la alegría y optimismo que irradiaba la historia original en contraposición al tono que M. Night Shyamalan diera a su película de 2010, que no contó con buenas críticas ni el beneplácito de los fans.
Por otra parte, hay que recordar que Netflix viene de un gran acierto con One Piece (aquí análisis de un servidor) y si bien es cierto que Avatar: La Leyenda de Aang no es manga ni anime, sí comparte mucho de la estética y temática de ambos.
En la historia que se cuenta, el mundo está siendo arrasado y desolado por la Nación del Fuego y el Avatar ha desaparecido hace muchos años. Habrá que encontrarlo y despertarlo del estado de congelamiento en que se halla ya que es el único que puede detener a Ozai, el malvado Señor del Fuego.
Nos acercamos al final de la quinta temporada de Fargo y analizamos el noveno y penúltimo episodio cuyo título es La Mano Inútil. La serie, creada por Noah Hawley, puede ser vista por FXy para España por Movistar+.
Hola fargueros. ¿Cómo vienen viendo esta quinta temporada de Fargo a falta de un único episodio? La novena entrega ha estado cargada de tensión y no ha dado respiro, pero a la vez es cada vez más clara la intención de privilegiar mensaje sobre historia y poco tiene eso que ver con el tono que hiciera distintiva a la serie en temporadas previas. Y lamentablemente, no da impresión de que pueda haber algún sustancial en el único capítulo que nos queda.
Pero veamos pues qué nos ha dejado este noveno episodio no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.
Ojo por Ojo
En el episodio anterior habíamos visto a Munch en el asiento trasero del coche patrullero de Gator y, al iniciarse este, ya lo tiene atrapado en una casucha en medio del hielo, atado a una silla y pidiendo clemencia. El incauto joven, en su desesperación, le ofrece dinero o chicas, pero nada de eso interesa a Munch: lo suyo, bien sabemos, va por otro lado…
Con lenguaje críptico y metáforas místicas, le habla de madres y conejos mientras Gator, en su muy básica comprensión, no entiende palabra hasta que lo ve calentar un cuchillo al fuego y acercarlo a sus ojos. Sea donde sea que se encuentren, nadie escuchará en esa soledad el alarido de dolor…
Tigre en el Sótano
La otra recluida es por supuesto Dot, que sigue aguzando su ingenio para escapar y parece increíble que, después de tanto momento MacGyver, Roy no le haya hecho poner una vigilancia permanente. Intenta alcanzar un clavo que está cerca del techo y le puede servir para abrir sus esposas pero la cosa acaba en caída y el catre metálico rompe de las tablas del piso…
Ese hecho fortuito, sin embargo, le hace tomar conciencia de que hay un sótano y puede ocultarse allí, por lo que se dedica a terminar de romper las tablas. En el exterior, Roy confiesa a Bowman que por ninguna mujer sintió lo que por ella y acto seguido le da orden de matarla o mejor dicho, sin tanto trámite, que la entierre…
Pero cuando este entra en el lugar de encierro, no ve rastro de Dot por ningún lado, pues ella se ha ocultado en el sótano y cubierto el agujero con el catre y la manta. Creyendo que ha escapado, Bowman regresa con la noticia a Roy mientras Dot, que siempre encuentra exactamente lo que busca, halla en el sótano un tornillo que la puede ayudar a liberarse y hay que ver con qué facilidad lo hace…
La Habitación del Dolor
Escapando de su escondite, Dot logra llegar al cuarto de Roy y se le nota turbada por volver a ver el mismo lugar en que ocurrieron los violentos episodios del pasado y encima el sheriff, como luego sabremos, lo ha mantenido prácticamente igual. Encuentra un teléfono, pero en lugar de llamar a la policía o a los federales, llama a Wayne (???).
Tanto este como Scotty se alegran de oírla y de que esté bien, pero Dot no llega a decirles mucho ni darles alguna ubicación porque en ese momento entra a la habitación Karen, furiosa y rifle en mano…
Luciendo un ojo negro, la acusa de haber traído nuevamente el pasado a la casa. Dot intenta hacerla reflexionar y sonsacarle las circunstancias en que él le hizo ese golpe. Busca convencerla de que juntas podrían acabar con tanta violencia y mandar a prisión a Roy. Por un momento pareciera conmoverla, pero Karen termina concluyendo que si así fuera, también ella acabaría presa, por lo que, haciendo oídos sordos, se dispone a matarla de una buena vez…
Su momento de vacilación, no obstante, fue aprovechado por Dot para acercársele y en cuanto la tiene suficientemente a tiro le quita el arma y la deja inconsciente de un golpe. Hay que ver con qué facilidad…
Nuevo Empleo
Así como vimos sin trámite ni anestesia que Gator había sido atrapado y maniatado por Munch, del mismo modo nos encontramos ahora con que Indira ya trabaja para Lorraine con traje, auricular y todo: está claro que ha terminado por aceptar su ofrecimiento y dejado la policía, al punto de incluso decirle en una conversación telefónica a Witt que ahora está “en otro bando”.
Lorraine está nerviosa por no tener noticias de Danish, pero triangulando sus últimos llamados, Indira determina que debe estar en el rancho Tillman o en sus cercanías, lo que hace a la anterior ponerse de inmediato en comunicación con sus contactos de gobierno y las fuerzas federales (considerando que estamos en 2019, es probable que esté hablando con alguien del entorno de Donald Trump).
Momentos después, suena el teléfono y es Dot, que esta vez ha mostrado mejor criterio al elegir a quién llamar. Indira le pasa el llamado a Lorraine, cuyo rostro se ensombrece ante la noticia de que Danish está muerto (soberbia una vez más Jennifer Jason Leigh). A pesar de la conmoción, busca calmar a su nuera y la pone al tanto de que ya está en camino la ayuda.
Dot le pregunta por qué ahora sí y antes no, ante lo que Lorraine solo desliza que “ese entrometido” (obviamente por Roy) tocó a quienes no debía. Le dice que se prepare para luchar, pero Indira, por el contrario, sugiere a Dot ocultarse en algún sitio hasta que todo pase…
Equipo de Rescate
Mientras Munch lleva a Gator a campo traviesa con una soga al cuello y una venda sobre sus ahora ausentes ojos, los federales van camino del rancho y Roy, puesto al corriente, emite en vivo un comunicado convocando a las milicias que, por fuera de cualquier injerencia gubernamental, ha venido armando por cuenta propia. Les remarca que si lo asesinan, irán luego por ellos…
La respuesta no se hace esperar: desplegando equipos y armamentos dignos de un ejército, los milicianos van llegando en masa al rancho Tillman mientras, en divertido contraste, suena de fondo Village People con YMCA: la mejor utilización de esa canción desde Divina pero Peligrosa (Harald Zwart, 2001, conocida en Latinoamérica como Un Ángel Seductor).
Cuando llegan las fuerzas federales, Roy sale a recibirlas o, mejor dicho, a informarles que nada tienen que hacer en su propiedad. El jefe a cargo de las mismas se comporta de modo socarrón y como sobrando la situación: se me ocurre que puede terminar mal…
Roy, en tanto, se muestra impasible cuando le mencionan a Danish Graves e incluso, como lo hiciera cuando este aún vivía, vuelve a bromear con el nombre. Su expresión, sin embargo, cambia por completo cuando le preguntan por Dot o, como Witt corrige, por Nadine…
La situación está tensa y presagia lucha o más bien batalla. Roy no está dispuesto a entregarse ni a dejarles pasar: vuelve a citar la Biblia y habla de Lot convirtiéndose en estatua de sal. Cuando da media vuelta y vuelve a su rancho, los federales se abocan a diagramar los pasos a seguir, pero son entonces puestos al tanto de que hay una rehén. No es posible, dicen Joaquín y Meyers, entrar simplemente a sangre y fuego poniéndola en riesgo porque es testigo clave en cualquier acusación que se vaya a librar contra Roy.
A pesar de ser un simple policía patrullero entre tanto cuerpo especializado, Witt se ofrece a conducir un equipo de rescate para sacarla del rancho y se justifica en que está en deuda con esa mujer por haberle ella salvado la vida. Hay que ver con qué facilidad se lo permiten…
Fantasma en la Niebla
En la casa, Roy descubre señales del paso de Dot. Ve el cuerpo de Karen tendido en el piso de la habitación, pero poco le importa. Distinta es su reacción cuando encuentra, en el cuarto de Gator, el bolso con el dinero que antes le diera a Munch: rápidamente entiende que su hijo, una vez más, ha metido la pata y esta vez en grande…
Sus hombres, en tanto, están a la caza de Dot, pero no logran dar con ella. Él sospecha que puede estar en algún lugar donde supone que nunca la buscarían y, a tal fin, envía a Bowman y los suyos a la tumba de Graves (valga la redundancia) mientras él se dirige al refugio. Ninguno de los dos sabe que se cruzará con Munch, pero así será en ambos casos…
Roy no halla rastros de Dot y para colmo una intensa niebla se ha apoderado del lugar: en medio de la misma ve avanzar dos siluetas, en las cuales reconoce a Munch y Gator. Apretados los dientes y arma en mano, pregunta qué le pasó en los ojos pero Munch, al igual que él, cita la Biblia: habla de eliminar la mano que ha robado.
Arrojándole a Gator encima, desaparece en la niebla como un fantasma mientras Roy, abandonando a su hijo con el argumento de que ahora es inútil del todo, se marcha.
Dot, siguiendo el consejo de Indira, ha optado por buscar dónde esconderse y decide hacerlo en el foso donde echaran el cuerpo sin vida de Danish. Al hacerlo, deja el rifle olvidado arriba: increíble con lo minuciosa que parece ser en todo. Tal como es de prever, Bowman llega con sus hombres y encuentra el arma. Descorriendo el falso tanque que cubre el foso, reconoce a la luz a Dot y está a punto de dispararle cuando es súbitamente muerto por la retaguardia. Y allí está Munch…
“No es una pelea justa si el tigre está enjaulado” manifiesta este mientras la ayuda a salir y Dot, que no sabe si temerle o no, comprueba que los alrededores del foso están sembrados con los cuerpos sin vida de Bowman y sus hombres.
“Ahora el tigre es libre” cierra Munch tras hacerle entrega del recuperado rifle y antes de desaparecer nuevamente en la niebla mientras, ya con los créditos finales, comienza a sonar gloriosamente el riff de Whipping Post en la versión original de los Allman Brothersde 1969.
Balance del Episodio
Ya nos queda una única entrega para cerrar la temporada y se sigue acentuando el mensaje obvio y sin sutilezas que tanto hace chirriar los dientes y por momentos, hay que decirlo, subestima nuestra inteligencia. Por si todavía no entendiéramos que no podemos simpatizar mínimamente con Roy, vemos ahora que también golpea a su actual esposa y ni se mosquea cuando la ve sin sentido en el piso. Y si con eso no nos alcanzara, nos muestran además sobre el final del episodio que también es capaz de abandonar a su propio hijo. ¿Es necesaria tanta obviedad?
Son llamativos, por otra parte, algunos cambios de situación sin anestesia. No tanto en lo tocante a Munch y Gator, donde poco importa de qué modo procedió el primero a capturar al segundo, pero hubiera sido bueno que nos contaran siquiera algo del proceso de asimilación de Indira a los Lyon en lugar de mostrárnosla súbitamente y de buenas a primeras trabajando para ellos como si lo hubiera hecho durante toda su vida.
También son desconcertantes las acciones de Dot, contradictorias por cierto con la inteligencia y sagacidad que durante toda la temporada nos hicieron creer que tiene. La persona que se las ha ingeniado para esconderse de Roy durante años, burlar a sus esbirros y escapar cada vez que tuvo oportunidad es la misma que, torpemente, deja el rifle fuera del foso o llama a su esposo en lugar de hacerlo a la policía. Ni qué hablar del absurdo intento de matar a la gente de Roy dejando abiertas las llaves de gas, tan inconducente que ni siquiera me pareció que valiera la pena mencionarlo en la reseña.
Son demasiados además los momentos en que los protagonistas, y particularmente Dot, logran salir de situaciones embarazosas merced a una simple acción que, por lo general, requiere algo de estupidez del otro. Es del todo increíble que Roy tenga a su servicio a tipos tan inútiles que no pueden encontrar a Dot mientras se mueve prácticamente a sus anchas por todo el rancho o que el FBI permita que un cuerpo especial de rescate sea liderado por un policía local de calle al que ni siquiera conocen.
La trama de Munch, en cambio, sigue siendo la más Fargo. Era realmente impensable que fuera a matar a Gator sin más y, en efecto, le ha hecho quizás algo peor, pero lo interesante e imprevisible no ha sido eso sino el discurso con que se justifica. Parecía en principio no encajar que le quitara los ojos tras hablar de cercenar una mano, pero en su lenguaje lleno de metáforas tiene sentido, ya que ve precisamente al joven como la mano de Roy y, de hecho, la mano inútil…
Además, su presencia fantasmal de ángel vengador que aparece y desaparece todo el tiempo entre la niebla agrega un toque entre fantástico y surrealista también característico de la serie. Sería bueno que su personaje pudiera darnos algo más, pero habrá que ver si el episodio que nos queda alcanza para ello y ya de por sí no parece que vaya a ser él quien acabe con Roy pues por algo liberó al tigre…
En fin: la quinta temporada de Fargo tiene una trama entretenida, atrapante y cargada de contenido, pero a falta de una única entrega nos está debiendo mucha de la imprevisibilidad que nos ha hecho seguir la serie y que solo aparece en pinceladas y por momentos. Las actuaciones, no obstante, son siempre magníficas y los diálogos nos siguen dejando frases gloriosas del tipo “¿De qué sirve ser multimillonaria si no puedes conseguir que mates a alguien?” (Lorraine), o “¿Eres Hitler en el Reichstag o Hitler en el búnker?” (de Odín a su yerno Roy).
Pero yo sigo esperando más y ojalá el último episodio logre al menos sorprendernos. Hasta la próxima y sean felices…
Se dieron a conocer hoy las nominaciones a los Premios Oscar. Como se veía venir, Oppenheimer es la más ternada y le siguen Pobres Criaturas, Los Asesinos de la Luna y Barbie. La española La Sociedad de la Nieve consigue ser nominada en dos categorías.
Finalmente no hubo grandes sorpresas. Desde el Samuel Goldwyn Theatre de Los Angeles y con Zazie Beetz y Jack Quaidcomo presentadores, la Academia de Hollywood dio a conocer hoy oficialmente los nominados para la 96° edición de los Premios Oscar que tendrá lugar en marzo. Como era de esperar, Oppenheimer (aquí nuestra crítica) fue, con trece nominaciones, la más ternada, estando además presente en todas las categorías principales.
Detrás quedaron Pobres Criaturas con once, Los Asesinos de la Lunacon diez y Barbie con nueve: un escenario que no hace prever grandes novedades con respecto lo que ha venido ocurriendo en las entregas anteriores que tuvieron lugar este mes, como las de los Globo de Oro (aquí artículo) y de los Critics Choice Awards.
De hecho, se puede decir que la única sorpresa en los Globo de Oro había sido el triunfo de El Chico y la Garza, película animada japonesa de los estudios Ghiblique se impuso fuera de todo cálculo ante tanques como Elemental o Spider-Man: Cruzando el Multiverso. ¿Repetirá en los Oscar?
Otro dato de interés es que Napoleón no se quedó esta vez sin nominación, pues el filme histórico de Ridley Scott, ausente por completo en todas las ternas de los Globo de Oro, logró esta vez al menos tres nominaciones, aunque ninguna en los rubros principales.
Por último pero, por supuesto, no menos importante, la película española La Sociedad de la Nieve, que recrea la tragedia de los Andes (aquí nuestra crítica) aparece nominada como mejor película internacional, lo cual era de prever, pero además el filme de J. A. Bayonase llevó una nominación en maquillaje.
En fin, a ver cómo quedó el listado con todas las nominaciones…
Mejor Película
Oppenheimer
Pobres Criaturas
Los asesinos de la luna
Los que se quedan
Barbie
American Fiction
Anatomía de una Caída
La Zona de Interés
Vidas pasadas
Maestro
Mejor Dirección
Christopher Nolan (Oppenheimer)
Martin Scorsese (Los Asesinos de la Luna)
Jonathan Glazer (La Zona de Interés)
Alexander Payne (Los que se quedan)
Yorgos Lanthimos (Pobres Criaturas)
Greta Gerwig (Barbie)
Justine Triet (Anatomía de una Caída)
Bradley Cooper (Maestro)
Celine Song (Vidas Pasadas)
Cord Jefferson (American Fiction)
Mejor Actor Principal
Paul Giamatti (Los que se quedan)
Cillian Murphy (Oppenheimer)
Bradley Cooper (Maestro)
Jeffrey Wright (American Fiction)
Colman Domingo (Rustin)
Leonardo DiCaprio (Los Asesinos de la Luna)
Andrew Scott por (Desconocidos)
Mejor Actriz Principal
Lily Gladstone (Los Asesinos de la Luna)
Emma Stone (Pobres Criaturas)
Sandra Hüller (Anatomía de una Caída)
Margot Robbie (Barbie)
Carey Mulligan (Maestro)
Annette Bening (Nyad)
Fantasia Barrino (El Color Púrpura)
Mejor Actor Secundario
Robert Downey Jr. (Oppenheimer)
Ryan Gosling (Barbie)
Robert De Niro (Los Asesinos de la Luna)
Sterling K. Brown (American Fiction)
Mark Ruffalo (Pobres Criaturas)
Mejor Actriz Secundaria
Da’Vine Joy Randolph (Los que se quedan)
Danielle Brooks (El Color Púrpura)
Emily Blunt (Oppenheimer)
America Ferrera (Barbie)
Jodie Foster (Nyad)
Mejor Guion Original
Justine Triet & Arthur Harari (Anatomía de una Caída)
David Hemingson (Los que se quedan)
Bradley Cooper & Josh Singer (Maestro)
Samy Burch & Alex Mechanik (Secretos de un Escándalo)
Celine Song (Vidas Pasadas)
Mejor Guion Adaptado
Cord Jefferson (American Fiction)
Greta Gerwig & Noah Baumbach (Barbie)
Christopher Nolan (Oppenheimer)
Tony McNamara (Pobres Criaturas)
Jonathan Glazer (La Zona de Interés)
Mejor Fotografía
El Conde
Los Asesinos de la Luna
Maestro
Oppenheimer
Pobres Criaturas
Mejor Montaje
Anatomía de una Caída
Los que se quedan
Los Asesinos de la Luna
Oppenheimer
Pobres Criaturas
Mejor Música Original
American Fiction
Indiana Jones y el Dial del Destino
Los Asesinos de la Luna
Oppenheimer
Pobres Criaturas
Mejor Canción Original
The Fire Inside” (Falmin’ Hot)
Im’ Just Ken (Barbie)
It Never Went Away (American Symphony)
Wahzhazhe (Los Asesinos de la Luna)
What Was I Made For (Barbie)
Mejor sonido
The Creator
Maestro
Misión: Imposible – Sentencia mortal
Oppenheimer
La Zona de Interés
Mejor diseño de producción
Barbie
Los Asesinos de la Luna
Napoleón
Oppenheimer
Pobres Criaturas
Mejor Diseño de Vestuario
Barbie
Los Asesinos de la Luna
Napoleón
Oppenheimer
Pobres Criaturas
Mejor Peluquería y Maquillaje
Golda
Maestro
Oppenheimer
Pobres criaturas
La Sociedad de la Nieve
Mejores Efectos Visuales
The Creator
Godzilla Minus One
Guardianes de la Galaxia Vol. 3
Misión: Imposible – Sentencia Mortal
Napoleón
Mejor Película de Animación
El Chico y la Garza, de Hayao Miyazaki
Elemental, de Peter Sohn
Nimona, de Nick Bruno & Troy Quane
Robot Dream’, de Pablo Berger
Spider-Man: Cruzando el Multiverso, de Joaquim Dos Santos, Kemp Powers & Justin Thompson
Mejor Película Documental
Bobi Wine: The People’s President
La Memoria Infinita
Four Daughters
To Kill a Tiger
20 Days in Mariupol
Mejor Película Internacional
Yo Capitán, de Matreo Garrone (Italia)
Perfect Days, de Wim Wenders (Japón)
La Sociedad de la Nieve, de J.A. Bayona (España)
Sala de Profesores, de Ilker Çatak (Alemania)
La Zona de Interés, de Jonathan Glazer (Reino Unido)
Mejor cortometraje de acción real
The After
Invincible
Knight of Fortune
Red, White and Blue
The Wonderful Story of Henry Sugar
Mejor cortometraje de animación
Letter to a Pig
Ninety-Five Senses
Our Uniform
Pachyderme
War Is over! Inspired by the Music of John & Yoko’
Mejor Cortometraje Documental
The ABCs of Book Banning
The Barber of Little Rock
Island in Between
The Last Repair Shop
BearNǎi Nai & Wài Po
Y eso es todo de momento. Solo queda esperar al 10 de marzo cuando en el Dolby Theatre de Los Angeles tenga lugar la ceremonia para saber quiénes se quedan finalmente con las preciadas estatuillas. Habrá que ver si lo que la tendencia pareciera indicar se confirma o, por el contrario, hay alguna sorpresa. Más probable lo primero que lo segundo…
Hace casi cinco años, cuando terminaba de escribir el análisis del último episodio de la tercera temporada de True Detective, dejé bien clara mi opinión sobre la debacle de una serie cuya primera temporada alcanzó un estatus casi mítico en el imaginario popular y me pregunté si habría una cuarta temporada. Ahora, en enero de 2024, damos la bienvenida a True Detective: noche polar.
En 1959 fueron encontrados muertos nueve excursionistas soviéticos desnudos en extrañas circunstancias. Aunque cinco de ellos habían muerto de hipotermia, varios de ellos tenían huesos fracturados por potentes golpes y quedaba claro que habían fallecido mientras huian despavoridos del campamento que les guarnecía. El conocido como incidente del paso Dyatlov aún sigue generando teorías para intentar explicar qué fue lo que ocurrió. Y, como imaginaréis, es la mayor inspiración de la cuarta temporada de True Detective.
A PARTIR DE LA IMAGEN, SPOILERS DEL SEGUNDO CAPÍTULO DE TRUE DETECTIVE
No dejan de pasar cosas en este segundo capítulo. Al fin y al cabo, hablamos de un temporada más corta que las anteriores y el misterio no se va a resolver solo.
La trama se dedica a avanzar dando más detalles sobre el misterio al que se enfrenta la pareja de detectives y comenzando a tejer una red sobre el conflicto que subyace en la pareja protagonista y en el pueblo. Y esto se realiza con luces y sombras.
Queda claro que las mujeres protagonistas de la serie tienen conflictos personales propios y entre ellas que insisten en reprimir.
Por un lado, Danvers continúa con la investigación. Su templanza frente a la dantesca estampa de los investigadores congelados da a entender que era una investigadora que aspiraba a algo más que Ennis. Algo ocurrió. Y a lo largo del episodio conocemos detalles de su pasado. Sobre su antigua pareja, con la que vivía feliz y contenta, pese a que su relación estaba marcada por la inestabilidad y, entre parón y parón, mantenía un affaire con su jefe, que posteriormente le destinó a Ennis. También sobre su hija, a la que vemos en un flashback mientras suena el Twist and shout de los Beatles que tanto se empeñó en apagar durante el primer episodio.
Además, como buena protagonista de thriller televisivo, no hay absolutamente nadie que la aguante. Aunque Jodie Foster realiza un gran papel, he de decir que su detective Danvers no deja de ser una detective más de las muchas que pueblan el género. Es decir, que es un personaje excesivamente tópico. Mujer fuerte, decidida, con mal carácter y sola, con rencores generados con medio pueblo.
Por otro lado, Navarro es un personaje marcado por ser una indígena, pero esto queda únicamente en la creencia de poder comunicarse, de alguna manera, con los muertos. Al inicio del episodio mantiene una conversación con Rose Aguineau, una mujer peculiar con tendencia al contacto espiritual. Al fin y al cabo, fue guiada hacia los cadáveres por Travis, el marido que decidió abandonar su vida en el hielo antes que lidiar con la leucemia. Navarro se pregunta (lógico) si su hermana tiene la misma capacidad que Rose, que inmediatamente desecha la opción y considera que la patología mental es distinta de la espiritualidad. Loable, pero no da una explicación al respecto.
Por lo demás, tanto Navarro como Danvers son mujeres más parecidas de lo que aparentan. De hecho, son iguales. Mujeres independientes, empoderadas que consiguen lo que desean al momento. Y discuten todo el rato acerca de que no quieren trabajar juntas cuando está claro que lo harán. Nuevamente, tópico. Son demasiado parecidas, más allá de su sistema de creencias, marcado por el carácter indígena de Navarro frente al desprecio de esta cultura por Danvers.
La investigación pronto se centra en Clark, el jefe de la estación de investigación. Un hombre que se tatuó una misteriosa espiral en el pecho que ya tenía Annie, la indígena asesinada. De hecho, parece que ambos tenían una relación que iba más allá de la amistad y que, tras la muerte de esta, Clark fue cayendo progresivamente en la locura.
Navarro encuentra la caravana de este y es un macabro escenario repleto de objetos rituales y un gran muñeco vudú rodeado de fotos de Annie.
¿Qué pudo volverle loco? Aunque las detectives buscan una causa mundana, no podemos rechazar la vertiente sobrenatural. Los investigadores intentaban encontrar un microorganismo aparentemente extinto, anterior a la raza humana, para poder encontrar la cura a distintas enfermedades. Para más inri, la estación está financiada por la Tuttle United. Por si no habéis caído, la familia Tuttle era la líder del culto al Rey Amarillo que investigaron los detectives de la primera temporada de True Detective. Dado el interés de la familia Tuttle en lo sobrenatural, no sería extraño que tuvieran objetivos de carácter lovecraftiano y que los investigadores, profundizando en seres anteriores a los humanos, hayan encontrado su final.
De una forma u otra, la grotesca escultura helada revela un secreto al derretirse. Clark, el líder, el hilo del que tirar en este caso, no está. ¿Seguirá vivo? ¿Será el asesino?
IMPRESIONES DE ESTE SEGUNDO EPISODIO.
Luces y sombras. Lo mejor y más intrigante de la serie es el misterio, a medio camino entre lo sobrenatural y lo terrenal. Desgraciadamente, todo lo demás parece más convencional que lo que originalmente prometía. Y eso no es lo propio de una antología como True Detective. Las protagonistas hacen lo que pueden con sus personajes pero resultan demasiado previsibles y vistas en tantas otras series policiacas.
Puede que True Detective: Noche polar cuente un misterio interesante, pero su envoltorio carece de lo extraordinario de su primera temporada. Ojalá que mejore.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Dentro de nada, vamos a dar comienzo al segundo mes de 2024 y Nuevo Nueve Editores nos presenta sus novedades previstas para este mes de febrero.
Novedades de Nuevo Nueve. Febrero de 2024.
Este mes, Nuevo Nueve nos trae una nueva obra de Víctor L. Pinel. Este mes de febrero, la editorial madrileña nos presenta …
Piezas
«La vida es como el ajedrez. Fácil de aprender, divertido de jugar, difícil de ganar…
¡Imposible de controlar! Las puertas de un tranvía se abren y un joven se enamora de una mujer a la que nunca volverá a ver.
Este es el punto de partida de esta historia coral donde los protagonistas, todos fracasados en sus relaciones personales, son como piezas de un juego de ajedrez.
Los peones se preguntan si no será el momento de sacrificar una pieza para seguir avanzando. Alfiles que se cruzan sin encontrarse realmente. El caballo, libre, capaz de saltar sobre las demás piezas, pero vulnerable porque, por esquivo que sea, un caballo puede ser tomado por un simple peón.
Todos avanzan, se enfrentan, cruzan sus vidas como en un tablero de ajedrez. Todos están conectados sin siquiera saberlo y van a jugar un juego que cambiará sus vidas».
Tendremos disponible esta obra, el 13 de febrero de 2024 y contará con un P.V.P. de 25€. Esteremos muy atentos a su fecha de salida.
Justo más abajo, os dejamos el pdf completo con las novedades de Nuevo Nueve Editores, previstas para este mes de febrero. Echad un ojo, disfrutad y …
Hace tan solo unas horas que Netflix ha estrenado el tráiler de Ripley, nueva adaptación de la saga escrita por Patricia Highsmith que sigue las andanzas del estafador y sociópata Tom Ripley, que utiliza cualquier medio a su alcance para vivir una vida que sería inalcanzable por otros medios.
La miniserie, adaptada por Steven Zaillian, guionista de La lista de Schindler y creador de la magnífica The night of (serión que tenéis en HBO max), estará protagonizada por Andrew Scott, que acaba de protagonizas Desconocidos junto a Paul Mescal (sí, el de Gladiator 2) pero al que siempre recordaremos como el Moriarty de Sherlock. Junto a él, le acompañan Johnny Flynn y Dakota Fanning.
Scott interpreta a Ripley, que por azares de la vida es contratado por el padre de Dickie Greenleaf, un joven que vive una vida de auténtico lujo en Europa. Al encontrarlo, pronto comenzará a envidiar su ritmo de vida.
Este es el argumento de la primera novela de la saga, que ya fue adaptada en 1960 con el mítico Alain Delon en A pleno sol. Personalmente, me quedo con la magnífica El talento de Mr. Ripley, peliculón de 1999 con Matt Damon, Jude Law y Gwyneth Paltrow.
‘La flecha ardiente’ se trata de una obra que rinde homenaje al universo de Edgar P. Jacobs, el creador de Blake y Mortimer, y que recupera a los personajes y el escenario de su primera obra: El rayo “U”. Una obra que, a su vez, se inspiraba en las aventuras de Flash Gordon, el héroe de ciencia ficción creado por Alex Raymond en los años 30 interpretado por Sam J. Jones y su pelazo en 1980 para el cine.
El mundo está al borde de la destrucción. Los estados rivales de Austradia y Norlandia se disputan las escasas existencias mundiales de uradio, un mineral que solo se encuentra en el remoto archipiélago de las Islas Negras. Allí, a la sombra de un volcán aún activo, se librará una guerra sin cuartel para conquistar el secreto del mortal rayo «U».
La flecha ardiente es un cómic que bebe de esas obras clásicas del pulp que tanto nos gustan a algunos . Ramalazos a King Kong, por esos lugares exóticos y misteriosos repletos de criaturas gigantescas, dinosaurios y tribus ancestrales con ritos chamánicos que suelen tener sacrificios de por medio. Por este tipo de cosas triunfó Indiana Jones, pues nos traía esos misterios de civilizaciones antiguas a la gran pantalla con mucha acción y protagonistas icónicos.
Mi referencia inicial a Flash Gordon no era aleatoria, ya que tiene ese puntito a aquellas obras que leía la generación anterior y que inspiró al propio George Lucas para crear Star Wars. Es en esa nostalgia donde se instala esta obra, pero sin abandonar todo lo que nos regalaban esos títulos: Aventuras, acción, diversión y la capacidad de sorprender al lector con esos lugares tan exóticos y misteriosos que he mencionado.
En ‘la flecha ardiente’ se nos sitúa en un mundo en el que dos grandes naciones, Austradia y Norlandia, están en guerra por hacerse con las reservas mundiales de uradio.
El uradio, tal y como aquí nos presentan, es un mineral que sólo se encuentra en las Islas Negras. Un material que convertirá al país que lo controle en una potencia militar sin rival. Pero su uso también supondrá un avance tecnológico sin precedentes, que pueda hacer avanzar a la civilización, aunque también pueda acabar con ella. Un tema que no nos es muy ajeno, ya que hemos asistido a guerras que se han comenzado en nombre de la paz y la libertad y que en realidad se estaban llevando a cabo por el ‘oro negro’.
Este cómic, como ese cine de aventuras que rinde culto al pulp, va a tener personajes bien escritos gracias a muy buenos diálogos que ofrecen intriga y humor, además, lugares también plasmados de una forma sobresaliente.
Obviamente tendremos giros de guion bastante interesantes para mantenernos pegados a sus páginas y que las aventuras y desventuras de los protagonistas sean más interesantes.
En el apartado gráfico, sus dos dibujantes, Étienne Schréder y Christian Cailleaux, hacen un trabajo increíble para darle un toque ‘retro’ muy fiel a los personajes, pero también con la modernidad necesaria para que todo fluya mejor y eso es de agradecer.
Conclusión
‘La Flecha Ardiente’ de Jean Van Hamme (Thorgal), y los dibujantes Schréder y Cailleaux es un cómic que merece la pena leer, tanto si eres fan de Jacobs y de su obra, como si simplemente buscas una buena historia de aventuras y ciencia ficción.
Es una obra que te hará viajar a un mundo fantástico, lleno de peligros y maravillas, y que te hará disfrutar como un niño. Si el ‘pulp’ es tu segunda casa, debes tener ‘La Flecha Ardiente’ en tu colección.
Un número más fieles a nuestra cita aquí estamos con la reseña de un nuevo número de la revista Giallo, la seis. Acompañadme a este mundo de miasmas, pesadillas y gore con historias salidas de las profundidades del terror popular italiano.
La revista se compone en esta ocasión de cuatro historias en blanco y negro alternadas con dos artículos que funcionan a modo de columnas.
Para la reseña de este artículo procederé a hacer un breve comentario a cada historia, para acabar con una idea general sobre la obra. Vamos al lío.
Luz de luna, de Enrico Nebbioso Martini y Giancarlo Brun
Las leyendas locales hay que escucharlas y respetarlas y más en un pueblo pequeño como es Carpanea. Y eso es lo que hacen los dos amigos, respetar la leyenda local y para ello dejan en la orilla del pantano su correspondiente ofrenda, porque el mal se cura con el mal y aunque la gente de Carpanea prefiera vivir en la ignorancia, estos dos amigos calmarán un año más a la criatura para que el pueblo sigue disfrutando en la ignorancia.
Lo del pantano, de Alberto Avallone y Nicola Izzo
La naturaleza humana es violenta, salvaje y de alguna manera ha contagiado al bosque, a la propia naturaleza per se. Ahora es el bosque quien tendrá que saciar sus instintos.
Eucaristía, de Alessandro Ginori y Niccolo Fontanelli
Hora de comer. Hoy la feliz pareja ha invitado al Padre Don Sergio. Pero los anfitriones tienen una sorpresa para el cura, quieren practicar la eucaristía durante el almuerzo, o sea transustanciar el pan y el vino en el cuerpo y la sangre de Cristo. Esta comida se va a ir de las manos…
Una serpiente de mármol negro (Parte uno), de Davide Aicardi y Tommaso Catone
Una historia que hace honor al nombre de la revista. La historia continúa y nos deja sin duda alguna con ganas de más.
Consideraciones finales
Muy satisfecho me ha dejado este número. Sobre todo en la parte de los guiones, me han gustado las cuatro historias, pareciéndome muy entretenidas y sobrecogedoras.
Como hice en anteriores reseñas voy a decantarme por una historia favorita. En esta ocasión la elegida va a ser Una serpiente de mármol negro, por reunir los elementos del Giallo y por ese magnífico cierre a modo de cliffhanger.
Y acabo estas conclusiones destacando la portada. Ya os he comentado en anteriores reseñas lo que me encantan las portadas de la revista y esta sinceramente me ha encantado, no se si la acabo de entender pero la considero muy atrayente y magnética.
GIALLO – número 6
7,00 €
La sangre llueve a raudales en este nuevo año y con esta nueva entrega del Color del Miedo, el terror totalmente italiano vuelve para penetrarte como agujas hasta los huesos, desgarrarte la piel y taladrarte aterradoras pesadillas en el cerebro.
Que empiece la matanza, ¡el Giallo vuelve un nuevo año!
Libro de bolsillo
blanco y negro/tonos grises
88 páginas
17×26 cm
Varios autores
Podemos decir que la revista Giallo ya está consolidada y solo nos queda esperar a marzo para su siguiente número. La espera se nos hará sangrientamente larga.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Ya hemos dado comienzo a 2024 y en este segundo mes del año, Dolmen Editorial quiere poner a prueba nuestros bolsillos, sacando cosas que deseamos. Vamos a verlo …
Novedades Dolmen Editorial de febrero de 2024.
Este mes (como todos los meses) vienen títulos de muchísima calidad. Obras muy esperadas, pues hace mucho … muchísimo tiempo, que no están disponibles.
Como el catálogo de Dolmen viene tan cargado, vamos a intentar seleccionar los títulos que más nos llaman la atención.
«Entre 1987 y 1991, antes de comenzar a colaborar en Marvel Comics y convertirse en uno de los dibujantes más importantes y conocidos del mercado del cómic USA, Carlos Pacheco dio sus primeros pasos como ilustrador en Comics Forum. A lo largo de cinco meteóricos años, los lectores españoles disfrutaron de las portadas y posters del dibujante gaditano.
Aquellas cubiertas protagonizadas por Zabú, Magneto, Lobezno, Nick Furia y otros tantos héroes de la Casa de las Ideas permitieron a Carlos Pacheco rendir homenaje a sus grandes ídolos, desde Neal Adams a Steve Englehart pasando por Roy Thomas, Chris Claremont o John Byrne. Y gracias a ello, él se convirtió en el referente para toda una generación de lectores Forum que hoy en día recuerdan con cariño y nostalgia aquellos artefactos de cultura pop de los cómics Marvel en España.
Treinta años después, Dolmen presenta una recopilación de aquellas portadas, y posters que firmó Carlos Pacheco durante sus “Años de Forum”. En estas páginas se encuentran muchos originales en blanco y negro de aquellas portadas y posters, pero también pruebas de color, bocetos descartados e ilustraciones que nunca llegaron a ver la luz…
¡Hasta ahora!»
Pinchad aquí para obtener más información sobre este pedazo de libro.
«Con su icónico traje azul y su inseparable pajarita roja, Gil Pupila es un joven licenciado en Derecho dirige su recién fundada agencia de detectives en París con la humilde misión de defender y proteger a los indefensos y apostar por la inteligencia antes que por la fuerza.
Pronto se cruzarán en su camino su secretaria Cerecita, el tímido y a la vez involuntariamente cómico inspector Corrusco y el antiguo delincuente Libélula. Entre todos ellos un equipo formidable en la lucha frente a contrabandistas de droga y criminales.
A lo largo de su vida, Maurice Tillieux no solo fue publicista, escritor, dibujante y guionista, sino que dejó huella para siempre en la historia del cómic europeo, introduciendo el humor en la historieta policíaca tras crear en 1956, para la revista Spirou, a este elenco de personajes que conquistó inmediatamente el corazón de los lectores.
En una serie de cuatro volúmenes, esta edición recopila íntegramente Gil Pupila junto a gran cantidad de extras que permitirán conocer en profundidad este indiscutible clásico y la trayectoria de su autor».
He aquí uno de los cómics más esperados de 2024 (nuestra lista de los cómics más esperados de 2024 aquí). Lo tendremos disponible el 22 de febrero de 2024.
«En un mundo más allá de otros mundos, entre las lejanas galaxias en las llanuras cubiertas de estrellas del universo, el joven Heros, hijo de Otan, el Padre de Todos, reflexiona melancólico sobre la vida, antes de que todo cambie.
Al día siguiente le espera una boda concertada con la princesa Celestra, para sellar un vínculo entre los reinos de Todos Los Mundos y Orgasma.
En la que puede ser su última noche de soltero y en la compañía de su primo Manosraras, Heros cruzará su camino con la princesa Adastra, dando inicio a una aventura por los confines del universo… y la misma naturaleza de los dioses.
Diseñado como un gran homenaje a Jack Kirby, Jóvenes Dioses forma parte de Storytelller, el experimento creativo, gráfico y emocional creado por Barry Windsor-Smith (Monstruos, Arma-X, Conan el Bárbaro) a mediados de los años noventa. Una propuesta cautivadora repleta de humor, aventura, reflexiones y una sofisticada narrativa visual de primer nivel».
Es imposible que se publique una obra de Barry Windsor-Smith y no recomendarlo. Además, la anterior edición de esta obra data del año 2005 (si no recuerdo mal). Enhorabuena a Dolmen (nuevamente) por su gran labor de recuperación.
Dolmen Editorial nos está recuperando obras del maestro Barry Windsor-Smith. Ya reseñamos The Freebootersaquí. También os dejo aquí el enlace directo a la web de Dolmen de The Freebooters (aquí) y del Premio Eisner que obtuvo Monstruos (aquí).
Y hasta aquí nuestras recomendaciones del mes de febrero de las novedades de Dolmen Editorial.
No obstante, justo un poco más abajo, os dejo el pdf completo con todo el catálogo de Dolmen, previsto para este mes de febrero.
Con motivo del estreno de una nueva serie basada en el personaje, hacemos repaso de La Máscara del Zorro (1998), filme de Martin Campbell que consagrara definitivamente a Antonio Banderas en Hollywood y marcara un punto de quiebre para el despegue de la carrera de Catherine Zeta-Jones.
En pocos días más, Prime Video estrena Zorro, nueva serie dedicada al legendario justiciero en la cual Miguel Bernardeau es el encargado de dar vida al mismo. Más allá de que pronto tengamos en esta web el análisis correspondiente de mi compañero Pedro, ello nos da inmejorable oportunidad para repasar La Máscara del Zorro, filme de 1998 en el que otro español, Antonio Banderas, se calzara la capa y el antifaz del célebre personaje.
Al igual que Robin Hood y otros justicieros de arraigo popular, El Zorro nunca existió como tal y aun cuando pueda presentar y fusionar características de varios que realmente existieron, fue en realidad un personaje ficticio creado en 1919 por el escritor y periodista Johnston McCulley.
En el cine conoció versiones tanto mudas como sonoras y de las más variadas nacionalidades, adquiriendo algunas estatus de clásicos y otras, de tan bizarras, ameritando para mostrario de rarezas, pero ya habrá algún otro momento para hablar de eso. En televisión, fue únicamente encarnado por Guy Williams en la serie hoy mítica que los estudios Disney produjeran a finales de los cincuenta y que nos dejara marcados a fuego unos personajes tan icónicos como memorables y una inolvidable canción de apertura.
Pero para los noventa, el personaje llevaba ya larga ausencia en pantalla: la épica de los espadachines había quedado atrás ante el avance arrollador de la acción frenética y los efectos especiales. Sin embargo, el éxito de taquilla de Los Tres Mosqueteros(Stephen Herek, 1993), alentó a Amblin Entertainment y TriStar Pictures a dar impulso a un proyecto al que Steven Spielberg venía dándole vueltas desde el año anterior para rescatar una vez más para la pantalla grande al mítico héroe latino.
En un primer momento, la idea era que Spielberg fuera el director, pero se fue relegando por sí solo a la producción ejecutiva y desde diciembre de 1993 el proyecto quedó en manos del danés Mikael Salomon. Sean Connery fue designado para el papel de Diego de la Vega, en tanto que se hablaba de Andy García para el de Alejandro Murrieta y la cantante colombiana Shakira para el de Elena: vaya que cuesta hoy imaginar ese trío…
Pero Salomon se bajó y con él también Connery. Spielberg recurrió entonces a Robert Rodriguez y este trajo a Antonio Banderas, que ya había actuado a sus órdenes en Desperado (1995). Para ese entonces ya había sido descartada Shakira por su poca experiencia actoral y se hablaba, en cambio, de Salma Hayek, otra con experiencia junto a Rodriguez.
Discusiones presupuestarias, sin embargo, hacieron que este acabara también bajándose (no puedo negar que me tienta pensar qué película hubiéramos visto en sus manos) y se contrató a Martin Campbell, que venía de GoldenEye (1995). Con él, llegaron al elencoAnthony Hopkins y Catherine Zeta-Jones, cuya mayor experiencia cinematográfica habían sido una adaptación francesa deLas Mil y Una Noches (compartiendo cartel con Vittorio Gassman) y el fracaso de taquilla The Phantom, pero que había impresionado gratamente a Spielberg con su trabajo en la miniserie Titanic.
Así quedó conformado el equipo definitivo y en enero de 1997 comenzó el rodaje de La Máscara del Zorro, mayormente en México y con un presupuesto inicial de sesenta millones de dólares que acabó estirándose hasta noventa y seis.
La Historia
La película nos ubica en el nacimiento del México independiente y ocaso del dominio colonial español. Rafael Montero (Stuart Wilson) es el tiránico gobernador de California que, con tal de mostrar poder, es capaz hasta de hacer fusilar campesinos al azar. Odiado por desfavorecidos y masas rurales, tiene su mayor enemigo y peor pesadilla en el Zorro, justiciero enmascarado al que justamente ellos glorifican y arruina sus ejecuciones públicas interviniendo en el momento justo.
Pero es un Zorro próximo a retiro: don Diego de la Vega (Anthony Hopkins) ha cumplido ese rol durante años pero, ya añoso y cansado, cree que sus días de justiciero han terminado y prefiere guardar capa y antifaz para dedicarse a su esposa Esperanza (Julieta Rosen) y a su pequeña hija Elena, de apenas meses.
Sin embargo, Montero descubre su identidad e interviene en su residencia, no solo haciéndole detener sino también llevándose a su hija para criarla como suya e incluso, en desafortunado episodio, provocando la muerte de Esperanza, de la que siempre estuvo enamorado.
Nos encontramos después con que han pasado veinte años y Elena (Catherine Zeta-Jones) es ahora una mujer adulta de gran belleza que, obviamente, ha crecido creyendo que Montero es su padre. Este, a su vez, ha conseguido reacomodarse a la nueva realidad sociopolítica para seguir teniendo el poder: su maquiavélico plan es convertir a la Alta California en república independiente merced a comprársela al general Santa Anna con oro de su propio territorio, pero haciéndole creer que el mismo procede de España.
Para ello y mientras explota a pobres y marginales haciéndolos trabajar prácticamente como esclavos en la extracción del preciado metal, tiene como mano derecha al capitán estadounidense Harry Love (Matt Letscher), aun más desalmado y despiadado que él.
Alejandro y Joaquín Murrieta, por su parte, son dos huérfanos que han crecido como ladronzuelos; en su infancia idolatraban al Zorro y hasta incluso le han ayudado alguna vez. Ya adultos, son rústicos bandidos rurales buscados por la autoridad. Es el capitán Love quien los detiene, terminando la cosa con Joaquín (Victor Rivers) muerto y Alejandro (Antonio Banderas) escapando.
No es el único: también Diego de la Vega ha logrado escapar de prisión tras dos décadas de encierro y el destino hará que se termine cruzando justamente con Alejandro, de quien se convertirá en mentor y dedicará grandes e ingentes esfuerzos a convertirle no solo en hábil jinete, diestro espadachín y luchador acrobático, sino también en caballero gentil y capaz de exhibir buenos modales cuando la situación lo requiere: lo que él llama “encanto”. Lo que busca, en definitiva, es alguien a quien legar antifaz, capa y espada para que el Zorro cabalgue de nuevo…
Los dos cargan con pérdidas y cuentas personales que saldar. Alejandro quiere vengarse del capitán Love por haber matado a su hermano y don Diego del gobernador Montero por haber hecho lo propio con su esposa. Técnicamente, no es así en ninguno de los dos casos, pero no importa: es como si lo fuera. Y en el medio, por supuesto, la nueva versión del Zorro se cruzará con la bella hija de su mentor dando así lugar a un consabido romance que no escatimará en duelos de esgrima.
Zorro y Zorro
Si han visto la película o leído detenidamente mi resumen de la trama, habrán notado que lo primero que se destaca es que tenemos dos zorros, situación hasta ese momento inédita en la pantalla que yo recuerde.
Me viene, sí, a la memoria un episodio de la serie de los cincuenta en que el siempre leal Bernardo se calzaba el traje para hacerse pasar por el Zorro y salvar así de la condena a muerte a un don Diego arrestado bajo acusación de serlo. También una película muda de 1925 en la cual, como hijo de don Diego, Douglas Fairbanks tomaba el relevo de su padre, a quien él mismo diera vida en la cinta igualmente muda de 1920, primera en llevar el personaje a la pantalla.
Pero aquí tenemos una relación Yoda–Skywalker bien diferente: de un lado, un zorro prácticamente jubilado oficiando como mentor y del otro uno que, tosco e inexperto, deberá adquirir como pueda las habilidades de su nuevo oficio.
Además, hay un elemento extra que hace atractiva a la historia y es el jugar con personajes que realmente existieron, como Joaquín Murrieta que, según se dice, fue en efecto asesinado por el capitán Love (vaya ironía el apellido) y, como en la película, guardada su cabeza en un jarro que este exhibía con orgullo (aunque algunos afirmaban que era un engaño y la cabeza era de otro).
El guion de John Eskow, Ted Elliott y Terry Rossio logra, por lo tanto y con eficacia, combinar ficción y realidad. Pero no hay que interpretar que La Máscara del Zorro sea una película de pretendido realismo histórico porque en ningún momento lo es ni quiere serlo. Es más bien un enorme entretenimiento que busca reflotar las viejas historias de espadachines que en el cine clásico fueran interpretadas por actores míticos como el mencionado Douglas Fairbanks o el legendario Errol Flynn, que nunca dio vida al Zorro, pero perfectamente podría haberlo hecho y de todas formas sí se la dio a unos cuantos piratas, así como a Robin Hood y al mismísimo don Juan.
Las coreografías de esgrima son magníficas: de hecho Banderas, siempre tan profesional, entrenó con el equipo español olímpico de esgrima y tanto él como Hopkins y Zeta-Jones recibieron además entrenamiento de Bob Anderson, reconocido esgrimista profesional que fuera doble de Darth Vader en dos películas de la franquicia Star Wars. No faltan, por cierto y como en los antiguos filmes, las consabidas acrobacias y cruces de diálogo en pleno combate, ni el clásico paso por sobre las cabezas del enemigo colgándose de una araña de techo. Errol y Douglas hubieran sonreído con orgullo…
Las escenas de persecuciones a caballo también son grandiosas y, obviamente, homenajean al western clásico, siendo la mejor, sin dudas, la del Zorro de pie sobre lomos de sendos corceles a los que lleva por las bridas como Ben-Hur en imaginaria cuadriga. Y hasta se permite un salto de rana en pleno galope para sortear una gruesa rama que se interpone en su camino.
Desde ya que parte del encanto de la película reside en que no hay que tomar nada de ello en serio. Carece de sentido plantarse en que eso no podría ser hecho por el mejor jinete del mundo ni por el más hábil espadachín porque es algo que ya sabemos (aunque la realidad es que los dobles de riesgo, gloriosos por cierto, lo hacen).
Un Trío Épico
Siempre digo que el Zorro es el más hispánico de los héroes de Hollywood y era justo que le diera vida un español. La elección de Banderas, que ya venía de varios papeles en dicha industria, es incuestionable a la luz de los resultados, como también que La Máscara del Zorro es la película en que se gradúa definitivamente de héroe de acción (mucho más que en Desperado).
No caben dudas de que el malagueño sabe darle carisma al personaje y, además, dada su versatilidad y especial experiencia en comedias, aporta el equilibrio justo entre épica y humor. Durante la mayor parte de la película construye un Zorro que, al estilo Spider-Man, no sabe cómo lidiar con el hecho de ser un héroe y se le ve torpe en un rol que pareciera no cuadrarle ni terminar de asumir.
Anthony Hopkins entrega también un gran trabajo, pero decir eso nunca es novedad. Es cierto que su tipo físico no se ve muy hispánico ni latino pero su talante británico, parajódicamente, da al personaje la dosis justa de hidalguía y sentido del honor que busca transmitir a su discípulo.
Catherine Zeta-Jones impacta con su belleza y aunque no es todavía la actriz que será en La Trampa, Traffic o Chicago, ya muestra condiciones. Cierto es que su personaje presenta algunos rasgos que no lo hacen del todo creíble, siendo, por ejemplo, una contradicción que diga saber manejar una espada desde los cuatro años cuando momentos antes su falso padre la ninguneara en público refiriéndose con sorna a “las opiniones políticas de una mujer”. ¿Quién la entrenó entonces en la espada? ¿El mismo que por su condición femenina la descalifica de ese modo? No parece lógico…
No obstante, Catherine muestra con Antonio una gran química que sostiene en gran medida la película y se manifiesta especialmente en tres escenas: la del confesionario en que él finge ser sacerdote para oír sus pecados, la del baile mezcla de andaluz con tango fuera de época y, desde ya, la del sensual duelo de espadas en que las prendas van cayendo en jirones. No es que sean escenas de alta originalidad y hasta tienen bastante de cliché, pero la química entre ambos, repito, les da especiales fuerza y encanto.
Los villanos son quizás lo más débil. Por mucho que esta sea una historia en la que se baten el bien contra el mal y hay que diferenciar los bandos, podrían haberles dado algo más de matiz, especialmente al capitán Love, que es terriblemente liso y el trabajo de Matt Letscher no aporta mucho al respecto. El gobernador Montero, en la interpretación de Stuart Wilson, está algo mejor pero tampoco es que mucho. En definitiva y haciendo analogía con la serie clásica, ninguno de los dos le llega a la punta de la bota al tan odiado como genial capitán (o comandante) Monasterio al que diera vida Britt Lomond.
De todas formas y ya que hablamos de aquella serie, hay algún que otro guiño puntual, como el Zorro saludando desde el brioso corcel con el sol de fondo (en la apertura de la serie era un cielo tormentoso) y no faltan referencias fugaces a las distintas películas del personaje: sin ir más lejos, el propio título en inglés (The Mask of Zorro) juega bastante con The Mark of Zorro (El Signo del Zorro o La Marca del Zorro según las traducciones), tal como se titulaba aquella primera película de 1920 y también la que, ya en etapa sonora, interpretaraTyrone Power en 1940.
Me hubiera gustado algún cameo, pero lamentablemente todos los grandes actores que habían hasta allí interpretado al personaje estaban ya muertos: el más reciente Guy Williams, en 1989. Quien sí vívía aún era el antes mencionado Lomond y hubiera sido un gran impacto nostálgico tener a Monasterio en la película, pero… en fin, no se hizo y el actor terminó falleciendo en 2006.
La fotografía de Phil Méheux (que ya había trabajado junto a Campbell en GoldenEye) es más que correcta y sabe adaptarse a los requerimientos del cine de aventuras, lo mismo que la banda sonora de James Horner con su toque deliciosamente andaluz, aunque también es cierto que se reitera demasiado en el leitmotiv principal durante las algo excesivas dos horas y cuarto de metraje.
Por último, no deja de ser significativo que, siendo una producción estadounidense, tenga como trío principal de actores a dos galeses y un español, además de un director neozelandés.
De hecho, los Estados Unidos no quedan muy bien parados en la historia, pues todo el tiempo pareciera darse por sentado que la Alta California (hoy parte de su territorio) pertenece por derecho a México y, de hecho, el capitán Love, único personaje al que identificamos con tal origen, termina siendo el villano más odioso. Quizás alguien se lo haya marcado después a la producción porque lamentablemente en La Leyenda del Zorro (secuela de 2005) buscaron “corregir esos problemas” y no del mejor modo.
Valoración y Legado
Son reiteradas las veces en que vuelvo a ver un filme después de muchos años y le termino dando una valoración superior a la que le había dado al momento de su estreno. A pesar de todas las virtudes que he destacado en La Máscara del Zorro, voy a confesar que me ocurrió lo contrario: quizás haya sido por haberlo hecho en el cine, pero cuando la vi en 1998 me pareció espectacular y de haber tenido la oportunidad de puntuarla, le hubiera dado seguramente cinco estrellas. Hoy me parece exagerado…
Pero eso no quiere decir en absoluto que sea una mala película sino todo lo contrario. La Máscara del Zorro es una aventura épica enteramente disfrutable que nos remite a aquellos viejos filmes de sábados por la tarde.Y es una historia sobre el honor, mucho más fácil de relacionar con un combate a espadas que con las a veces cobardes armas de fuego.
No es ni de cerca una historia que se caracterice por su originalidad, pues uno está tan familiarizado con los personajes a través de tantas versiones que ya sabe más o menos cómo puede terminar cada uno o que el bien, a la larga, acabará triunfando sobre el mal.
Pero de alguna forma es como ese cuento que don Diego le cuenta a la pequeña Elena al inicio de la película o Alejandro a su recién nacido hijo Joaquín ya sobre el final. Uno que sabemos de memoria, pero que siempre queremos volver a oír…
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a El cómic de la semana. Hoy reseñamos Noches Oscuras: Metal. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
Noches Oscuras: Metal de Grandes novelas gráficas del universo DC
Noches Oscuras: Metal es uno de los cómics «modernos» de DC que más veces se está publicando en Estados Unidos y España. ECC Cómics está sacando esta macrosaga en varios formatos, y ahora toca el de Grandes novelas gráficas del Universo DC. Y esperamos próximamente otras continuaciones o spin-offs como Death Metal, La resistencia de Gotham o Caballeros oscuros, que yo recuerde. También es cierto que esta gran saga tuvo mucha conexión con números de series regulares DC, pero que como en todas las grandes sagas hay algunos cómics buenos, otros malos y la mayoría regulares.
En este tomo que nos concierne tenemos un cómic en tapa dura, formato de lujo podríamos decir, con toda la parte central (y más que suficiente) de la saga. Aquí viene todo lo que tienes que saber para entender todo este batiburrillo que se nos viene encima.
Y es que parecía que DC se quitó de encima, se quitó de en medio, de un plumazo el Multiverso con Crisis en tierras infinitas en los años 80. Hay que recordar que hasta los años 80 DC tenía versiones de los héroes y de grupos repartidos en diferentes universos y no sabían como unificarlo todo. Esto causaba mucho dolor de cabeza entre los lectores hasta que finalmente, con la saga Crisis, anteriormente mencionada, todo se simplificó en un único universo. Así el universo DC dejó de ser un galimatías para el lector y se convirtió en una bendición para los antiguos y nuevos lectores. Y ojo, ya que en la época no todo fueron flores, pero con el tiempo, la saga y el resultado final convenció a propios y extraños.
Pero pasó el tiempo, y pasaron las décadas y no olvidemos que todo es un eterno retorno. Y se volvió a los orígenes. Recuerdo a principios de siglo una novela gráfica de Tierra-2 dónde la liga de la Justicia era más mala que el demonio. En ese momento era algo casual, pero esas licencias de «otras Tierras, otros universos» se fueron ampliando hasta que incluso se desarrolló una gran saga con la Liga de la Justicia de New 52 con esa Tierra-2. Finamente se volvió al multiverso gracias al maestro Grant Morrison y su historia de eso, del multiverso. Una historia un tanto fallida, pero que abrió el concepto que se cerró décadas atrás.
Y ya con el campo abierto, Scott Snyder, junto al mega dibujante Greg Capullo, partícipes de las historias de Batman contemporáneas más famosas con el Tribunal de los Búhos o Final del Juego se adentraron más para crear la parte oscura del Multiverso, una parte donde no todo era bonito, sino al revés, los mayores temores de los héroes salían desde lo más profundo de ellos mismos. La creación del Batman que ríe, es un gran ejemplo, y un personaje actual que se ha ido introduciendo poco a poco en los cómics de DC. Y es que esta saga ha dejado muchas partes en el olvido, pero muchas otras vigentes hoy en día. Noches Oscuras: Metal no es la gran obra de DC, pero es la mejor saga de los últimos años.
Edición original: Dark Days: The Forge número 1, Dark Days: The Casting número 1, Dark Nights: Metal números 1 a 6, Batman: Lost número 1, Hawkman: Found número 1, Dark Knights Rising: The Wild Hunt número 1, Dark Nights: The Batman Who Laughs número 1, Dark Nights Metal: Dark Knights Rising publicados en USA por DC Comics.
¡Vinieron del Multiverso Oscuro! La Liga de la Justicia acaba de regresar a la Tierra tras haber derrotado a Mongul… pero ni Batman ni sus compañeros sospechan que Hawkgirl y los Blackhawks van a darles una noticia pésima: nos están invadiendo unas fuerzas malignas llegadas del reverso oscuro del Multiverso, incluido el malvado Batman Que Ríe.
Noches oscuras: Metal reúne de nuevo al guionista Scott Snyder y al dibujante Greg Capullo, responsables de la historia principal de esta exhaustiva recopilación que ofrece una experiencia completa en la que también participan Bryan Hitch, Jorge Jiménez o Jim Lee, entre otros muchos autores.
¿Queréis saber lo que os deparará el 2024? Pues el cine ya lo ha hecho por tí. Vamos a ver algunas películas que se han ambientado en 2024 y como han visto ese año. ¿Te apuntas a este viaje? Comencemos.
Más allá de la barrera del tiempo (1960)
Sinopsis:
Un piloto de pruebas atraviesa la barrera del sonido y viaja al futuro, al año 2024, encontrando una civilización subterránea diezmada por una plaga apocalíptica que los convierte en sordomudos estériles. Una vez que se convence de la realidad de su situación, intenta regresar a su época para advertir a sus contemporáneos del peligro de las pruebas atómicas, y evitar así el desastre atómico.
¿Cómo ven el futuro?
Un típico futuro de plagas y de mutantes que hemos visto en multitud de historias de viajes en el tiempo. Además con la típica moraleja de los filmes de los 50 y 60 sobre las pruebas atómicas.
Os dejo con el enlace a la película.
UCM (Black Panther Wakanda Forever (2022), Viuda Negra (2021), Eternals (2021), Doctor Strange y el Multiverso de la locura (2022), Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos (2021), Spider-Man: Far From Home (2019), Spider-Man: No Way Home (2021) y “Venom: Habrá Matanza” (2021)
Sinopsis:
Todas estas películas transcurren en 2024, cinco años después del chasquido de Thanos.
¿Cómo ven el futuro?
Bueno, es la línea temporal en la que se ambienta así que no hay cambios; eso sí nos encontramos una población diezmada por el chasquido.
2024 Apocalipsis nuclear (A boy and his dog) (1975)
Sinopsis:
En el año 2024, en un futuro post-apocalíptico indeterminado, un adolescente (Don Johnson) y su perro telépata intentan sobrevivir en un mundo casi destruido tras una nueva Guerra Mundial. (FILMAFFINITY)
¿Cómo ven el futuro?
Pues tenemos una tercera guerra mundial que ha devastado el mundo. Nos encontramos una civilización destruida por una guerra nuclear. Lo de que el perro sea telépata imagino que es derivado de la radiación. Nada nuevo bajo el sol.
Os dejo con la película.
No respires 2 (2021)
Sinopsis: Años después de la invasión mortal de su hogar, Norman Nordstrom vive tranquilo y cómodo hasta que sus pecados del pasado lo alcanzan.
La película se desarrollaba unos años después de la primera parte.
¿Cómo ven el futuro?
Nada, es un presente inmediato.
Godzilla vs Kong (2021)
Sinopsis: Godzilla y Kong, dos de las fuerzas más poderosas de un planeta habitado por todo tipo de aterradoras criaturas, se enfrentan en un espectacular combate que sacude los cimientos de la humanidad. Kong y sus protectores emprenderán un peligroso viaje para encontrar su verdadero hogar. Con ellos está Jia, una joven huérfana con la que el gigante tiene un vínculo único y poderoso. En el camino se cruzan inesperadamente con el de un Godzilla enfurecido que va causando destrucción a su paso por el mundo. El choque épico entre los dos titanes -provocado por fuerzas invisibles- es solo el comienzo del misterio que se esconde en las profundidades del núcleo de la Tierra. (FILMAFFINITY)
¿Cómo ven el futuro?
Pues básicamente es un presente inmediato pero con kaijus y criaturas enormes pululando por la Tierra.
Los Inmortales 2: El desafío (1991)
Sinopsis: Katana es el dictador del planeta Zeist del que procede Connor Mcleod. Este último tiene setenta y cinco años, y espera en la tierra que le llegue su hora calmadamente tras una larga e intensa vida. Pero los problemas vuelven a surgir en su vida cuando el autoritario Katana quiere acabar con él. Para poder hacerle frente, recurre a un extraño conjuro que le convierte en un joven de treinta años y que consigue hacer volver a Ramírez, su amigo. (FILMAFFINITY)
En el año 2024 el escocés Connor McLeod ha envejecido hasta ser un anciano y cuando parece estar en sus últimos días, comienza a recordar su origen extraterrestre. En el planeta Zeist, el general Katana, molesto por la existencia de Connor, transporta a dos de sus guerreros a la Tierra como inmortales para intentar matarlo, pero fallan y es McLeod quien los decapita. Al absorber el poder (quickening) de uno de ellos rejuvenece y recupera su inmortalidad. El quickening del segundo lo utiliza para invocar desde la muerte al difunto inmortal Ramírez, su mejor amigo y mentor, quien resucita en Escocia, desde donde viaja a reunirse con él.
Si no la habéis visto eso que os ahorráis, es patéticamente mala. En serio, ya la primera lo es pero estaba Queen y Queen lo mejora todo. Mi compañero Juanma hizo retroanálisis de la primera.
¿Cómo ven el futuro?
Complicado de explicar viendo solo el tráiler, la película puede hacer más de 25 años que no la veo, pero está a caballo entre un futuro distópico, ciudad avanzada y futurista y por otro lado parece el Bronx a medianoche. Y es con cuatro pesetas, mucho no podían hacer…
Illang: La Brigada del Lobo (2018)
Sinopsis: Basada en el anime japonés «The Wolf Brigade» (1999). En el año 2029, tras anunciar los gobiernos de Corea del Norte y del Sur un plan quinquenal para unificar el país, las naciones más poderosas del mundo imponen unas fuertes sanciones que paralizan la economía y conducen a un periodo de caos infernal. Tras la aparición de un grupo terrorista armado llamado La Secta que se opone a la unificación, el presidente crea una nueva división policial, la Unidad Especial, a la que otorga un poder considerable. Pero el servicio de inteligencia, al ver decaer su propia influencia, trama un plan para aniquilar a la Unidad Especial. En medio de esta sangrienta lucha entre dos instituciones tan poderosas, surgen rumores sobre una «brigada del lobo» secreta que se está formando en el seno de la Unidad Especial. (FILMAFFINITY)
¿Cómo ven el futuro?
Pues totalmente distópico, una locura vaya. Tenemos un grupo de élite, las Fuerzas Especiales. Si a esto le añadimos la tensión política de las altas esferas dentro de las mismas Fuerzas Especiales se crea la Brigada del Lobo, grupo que se dedicará a eliminar sigilosamente a miembros corruptos del poder. También está el Secto, un grupo terrorista que se opone a la unión de las dos Coreas.
Sinopsis: Año 2024. Han pasado dos años desde que una pandemia mundial asoló el mundo. El virus COVID23 ha sufrido una nueva y peligrosa mutación con un 50% de mortalidad que obligó a los Gobiernos a ordenar un nuevo confinamiento mundial. Nico (KJ Apa) es un repartidor que ha desarrollado una poco común inmunidad al virus, lo que le permite seguir trabajando. Nico quiere estar junto a su novia Sara (Sofia Carson), pero para ello deberá superar la ley marcial y enfrentarse a gente peligrosa, poderosa y muy desesperada.
¿Cómo ven el futuro?
Pues jodido por el COVID, con campos de cuarentena incluidos. Sinceramente es una propuesta de mal gusto, un filme realizado en pleno año de la pandemia.
Nivel 13
Sinopsis: Hannon Fuller, un magnate de los negocios y empresario emprendedor, muere en extrañas circunstancias. Su amigo y mano derecha, Douglas Hall, se ve lanzado a un mundo de crímenes y decepciones, llegando a descubrir que Fuller llevaba una peligrosa doble vida que se movía entre dos mundos paralelos: uno en 1937 y otro en el presente… (FILMAFFINITY)
Recuerdo haber visto en su momento esta película y haberla disfrutado bastante. Visto el tráiler ahora, parece un cruce entre Matrix y Avatar. La volveré a ver.
¿Cómo ven el futuro?
Pues futurista, tienen una máquina que les permite viajar como a mundos paralelos. Así que de 2024 van a 1937.
Underworld: El despertar y Underworld: Guerras de Sangre
Sinopsis: Después de haber pasado quince años en un estado similar al coma, la vampiro Selene (Kate Beckinsale) descubre que tiene una hija de catorce años, mitad vampiro y mitad licántropo. Cuando consiga encontrarla, tendrá que evitar que Biocom cree una raza de Super-Licántropos que acabaría con ellas. Cuarta entrega de la saga Underworld. (FILMAFFINITY)
Madre mía, no recordaba yo una cuarta y quinta parte de Underworld y seguro que las he visto.
¿Cómo ven el futuro?
Pues imaginarse. Guerra de hombres lobos contra vampiros. Está la cosa complicada.
El tiempo contigo
Sinopsis: Hotaka Morishima es un estudiante de secundaria que se muda a Tokio para dejar atrás su vida en una isla aislada del mundo. Allí conocerá a Akina Amano, una chica con el misterioso poder de manipular y controlar el clima a su antojo. Dirigida y escrita por Makoto Shinkai («Your Name»). (FILMAFFINITY)
¿Cómo ven el futuro? Pues es un futuro inmediato.
Pues ahí tenéis un repaso de lo que os espera en este año, parece que no va a ser nada alentador, no desesperéis, como ya sabéis la realidad acaba superando siempre a la ficción, uajajajajajajaja (risa malévola)
Como spin-off y a la vez secuela de la inmortal novela Oliver Twist, Disney+ estrena hoy para España The Artful Dodger (El Maestro de la Evasión), propuesta australiana inspirada en el universo y personajes concebidos hace más de ciento ochenta años por Charles Dickens. Su primera temporada consta de ocho capitulos y la serie está creada por James McNamara, David Maher y David Taylor para Sony Pictures.
A siglo y medio de su desaparición física, la vigencia y el legado de Charles Dickens parecen inacabables. Hace poco y también por Disney+ (Star+ para América Latina) hemos conocido una nueva adaptación en formato de serie de su novela Grandes Esperanzas y ahora nos llega The Artful Dodger, que funciona como spin-off de Oliver Twisty tiene como personaje principal a Jack Dawkins, cuyo apodo, que da título a la serie, suele ser en las traducciones de la novela llevado al español como “príncipe de los ladrones” o “pillastre”.
No es la primera vez, por cierto, que una serie echa mano de ese personaje: con el título de Dodger, la BBCya estrenó hace dos años otra que giraba en torno a él con la diferencia de ser precuela. La que hoy nos ocupa, en cambio, transcurre pasados quince años de los sucesos del final de la novela.
Desconozco la razón de tanto revival, pero si sirve para revisitar a Dickens o atraer a los jóvenes a su obra, bienvenido sea.
Sin embargo, hacer un spin-off de la misma implica extremar cuidados para no destruir ni tergiversar su esencia ya que, en definitiva, si el autor es tan grande, lo es por algo. De lo que se trata es de pensar como Dickens, pero sabiendo a la vez que se está haciendo un producto para el siglo XXI: menuda tarea. Y no es que no haya habido buenas experiencias en esa línea: Black Sails, magnífica serie precuela de La Isla del Tesoro (aquí nuestros análisis), estuvohecha con tanto respeto por la obra de Stevenson que casi conducía naturalmente a ella.
Pero The Artful Dodger no es precuela y ello conlleva un problema mayor: es más difícil concebir un futuro para los personajes que construirles un pasado, pues en ese último caso ya se sabe cuál es el resultado final imaginado por el autor y hacia el cual hay que dirigir la historia.
Digamos que, en tan difícil tarea, The Artful Dodger logra captar el espíritu dickensiano a medias, pero termina siendo de todos modos positivo el resultado final y acertada la elección para el papel principal de Thomas Brodie-Sangster (Juego de Tronos, Gambito de Dama, Maze Runner), ya que su rostro eternamente aniñado (¿jamás crece este muchacho?) ayuda a que, a pesar de los años supuestamente transcurridos, sigamos viendo al adolescente que imaginábamos en la novela.
¿Y qué pasa si nunca has leído Oliver Twist ni tan siquiera a Dickens? Pues la historia se entiende igual. Se puede, sí, perder algún guiño o impacto emocional como la sorpresa de los episodios finales, pero no es impedimento para ver ni entender la serie…
La Historia
Estamos en Port Victory, Australia, hacia donde quince años atrás dejáramos embarcado a Jack Dawkins en el final de Oliver Twist. Nos enteramos que después de eso ha formado parte de la marina y desarrollado habilidades de cirujano con las que ahora se gana la vida en la colonia.
Lo suyo es más autodidacta que académico, pues sabe leer muy poco y se guía mayormente por las ilustraciones de los libros. Su superior es el profesor Alistair McGregor (Kim Gyngell), médico de avanzada edad y próximo a su retiro, a cuyas órdenes se desempeña también su principal competidor: el doctor Rainsbord Sneed (Nicholas Burton), quien sí se jacta arrogantemente de su formación académica y aspira a ser cirujano jefe una vez que Alistair haga efectivo su retiro.
Las intervenciones quirúrgicas son prácticamente montadas como un espectáculo, con gradas e incluso apuestas sobre quién lo hace más rápido. A propósito, las apuestas son precisamente un gran problema para Jack, que se ha endeudado jugando a los naipes y perderá su mano si no paga (me viene al recuerdo Shakespeare con El Mercader de Venecia).
En medio de ello, se encuentra con un viejo conocido al que creía largamente ahorcado y nosotros también: Norbert Fagin (David Thewlis), quien en la novela era su mentor. Como tantos en esos años, ha ido a parar a Australia en condición de recluso, pero Jack consigue liberarlo como su “ayudante convicto”. No es que le guste su presencia, pero necesita que no revele el pasado delictivo que con él comparte y que en su caso personal quiere dejar atrás.
Además de pobres y marginales, en la colonia hay una minoría gobernante y ocupan especial lugar el gobernador Edmund Fox (Damien Garvey) y su familia, integrada por su esposa Lady Jane (Susie Porter) y sus dos hijas.
De ellas, Fanny (Lucy Rose-Leonard) es conservadora y casamentera; acepta con felicidad el lugar que como mujer le han dado y aspira a casarse con algún caballero de familia distinguida. Belle (Maia Mitchell), por el contrario, es rebelde y muestra pasión por la medicina, algo que ni sus padres ni la sociedad de su época ven bien en una mujer. Se interesa especialmente por las revolucionarias técnicas de América como el uso de anestesias y las “operaciones sin dolor”, así como por Pasteur y los estudios sobre gérmenes.
Cercano a la familia está el capitán Lucien Gaines (Damon Herriman), quien maneja la seguridad colonial con estilo firme y represivo. Desprecia a trepadores y advenedizos que buscan insertarse entre las clases distinguidas y asume como causa propia la preservación del estilo de vida británico, al punto de afirmar que la soga (por la horca) ayuda a mantener la cohesión social.
Fagin quiere ayudar a Jack con sus deudas, pero sus soluciones implican siempre delito, lo cual pone a este en la difícil situación de tener que optar entre regresar al camino que ha abandonado o mantener el que ha elegido aun a riesgo de perder una mano. Para colmo, no siempre Fagin lo consulta y Jack termina viéndose obligado a encubrirlo para protegerlo y protegerse.
En particular, el robo de un collar de rubíes en casa del gobernador pone a ambos en la mira de Gaines y allí es donde entra Belle, que protege a Jack bajo condición de que la tome como asistente cirujana (no enfermera). De más está decir que hay romance, aunque el proceso es lento y conflictivo, sumado a que en el medio Jack y Fagin volverán una y otra vez a verse envueltos en situaciones embarazosas o delictivas.
Acercándose a Dickens
Como dijimos al principio, meterse con un autor como Dickens no es fácil, pues quienes sean lectores de su obra podrán ver blasfemia o herejía. ¿Pero qué tanto de él hay en esta historia? Intentemos repasar algunos tópicos habituales en su obra…
Desigualdad Social: en Dickens es preocupación permanente. No por nada y a pesar de que nunca se declaró socialista (lo suyo era más bien reformismo basado en la moral), Karl Marx y Friedrich Engels fueron admiradores suyos. En la serie se aprecia nítidamente la distinción entre clases y cómo los más desfavorecidos se ven muchas veces empujados al delito por necesidad o falta de lugar en la sociedad.
Personajes Bizarros y Grotescos: otra debilidad de Dickens y aquí abundan. Desde el boxeador y sepulturero Aputi (Albert Latailakepa) hasta el oriental Flashbang (Aljin Abella), especialista en fuegos artificiales que siempre termina provocando una explosión no buscada. O Darius Cracksworth (Tim Minchin), quien tiene a su cargo el puerto y vive entre prostitutas, ladillas y sífilis. O el padre Cruikchanks (Huw Higginson), sacerdote capaz de creer en la santidad de un hueso de coxis con rubíes incrustados (robados, desde luego).
Sentido del Humor y de la Ironía: marca registrada de Dickens también presente en la serie, más allá de un cariz más oscuro y siniestro acorde a los tiempos. Un cadáver puede estallar en una lluvia de vísceras o un arrogante médico recibir una bala perdida en la pierna como daño colateral de un duelo. Cierto es que a veces hay también alguna broma inconducente y más propia de sitcom de hoy en día.
Buena Información Médica: Dickens demostraba en sus obras alto conocimiento al respecto aun cuando, paradójicamente, despreciaba a los médicos por representar el saber institucionalizado y anquilosado. Ambas cosas están presentes: la información sobre enfermedades o técnicas quirúrgicas es muy fidedigna y adecuada a los conocimientos de la época, como también hay una élite médica poco proclive a aceptar cambios. Eso sí: el cloroformo que deja inconsciente a una persona en pocos segundos parece ser ya un lugar común imposible de erradicar de la pantalla (en realidad, requiere unos minutos).
Además hay guiños no solo a Oliver Twist sino a toda la obra de Dickens. “Vivieron el mejor de los tiempos y el peor de los tiempos”, dice Fagin parafraseando el inicio de Historia de Dos Ciudades mientras reflexiona en un cementerio sobre quienes allí yacen. O detalles que remiten a la propia historia familiar del escritor, cuyo padre estuvo embarcado en la marina y pasó un tiempo en prisión por deudas.
Alejándose de Dickens
Pero estamos hoy en otro tiempo, no sé si mejor o peor, lo que hace inevitable la inclusión de elementos más contemporáneos: sin ir más lejos, la banda sonora. No hablo de las secciones de cuerdas que encajan casi a la perfección, sino de la música de rock que, deliberadamente anacrónica, se deja oír sobre el inicio y el final de cada episodio. En parte recuerda a Peaky Blinders, pero aquí se trata de bandas y artistas predominantemente australianos como Wolfmother, Sarah Blasko o Spiderbait.
No hay noticias, en cambio, de Nick Cave (que paradójicamente interpretaba el tema de apertura en Peaky Blinders), ni tampoco de AC/DC, Men at Work, Midnight Oil o Silverchair, grandes bandas de Australia a las que quizás no se haya podido incluir por cuestión de derechos. La que sí está presente es INXS, aunque en versión de cámara y arreglo de cuerdas paraDevil Inside (una de mis canciones favoritas de ellos).
Por otra parte, estamos en un entorno diferente: los lóbregos y neblinosos callejones ingleses son aquí reemplazados por la permanentemente soleada Australia. Sin embargo, la serie no cede ante la paisajística que de ello pudiera derivarse y busca mantener, en cambio, el clima urbano y opresivo de las historias de Dickens.
Otro punto que no encaja es el feminismo: el personaje de Belle no solo se ve fuera de época en su rebeldía, sino también poco dickensiano, ya que el autor, contrariamente, ha sido a veces acusado (injusta y anacrónicamente) de misógino por el tratamiento de las mujeres en sus obras. Al parecer, ello tenía que ver con su propia historia familiar y, particularmente, la traumática relación que de niño mantuvo con su madre. Pero las mujeres malévolas y manipuladoras de Dickens brillan aquí por su ausencia, quizás con la sola excepción de Lady Jane, sobre todo con su evolución de los episodios finales.
Un Sólido Elenco
Pero más allá de todo anacronismo, Belle termina siendo un personaje interesante en su interacción con Jack: son opuestos que se atraen. Sus visiones sobre el rol del médico en relación con el paciente difieren por completo: para él, se trata de “tomar la mano de alguien y acompañarlo a la otra vida”, mientras que para ella es brindarle esperanza y hacer que se aferre a la que tiene. Ese antagonismo acabará tocando a la pareja en carne propia, pero no diré más al respecto…
Por último, son para destacar las actuaciones. De manera especial, David Thewlis se lleva las mayores palmas aun cuando su Fagin sea algo más querible que el de la novela. Y Thomas Brodie-Sangster, a quien hasta ahora había visto actuar siempre más o menos igual, hace también un gran trabajo, sobre todo en los episodios finales cuando se ve atrapado en una encrucijada trascendental sobre la cual tiene que decidir. Maia Mitchell está también sólida como Belle, un personaje atravesado por conflictos éticos y morales ligados muchas veces a su condición de clase.
Y a los fines de anotación personal, dejo para el final a Hal Cumpston, a quien me cansé de elogiar en The Walking Dead: World Beyond (aquí mis análisis) y hay que ver lo diametralmente distinto del personaje que aquí interpreta. Si no lo mencioné antes fue justamente para no revelar la identidad de su personaje, pero guarda muchísima relación con la novela de Dickens.
Balance de Temporada
En concreto, The Artful Dodger se mueve de manera pendular entre acercarse a Dickens para captar a sus lectores y alejarse de él para atraer a un público que puede no haberlo leído nunca. Se trata de un terreno peligroso porque se corre el riesgo de no satisfacer a unos ni a otros aun cuando, como dije al principio, el saldo final sea positivo.
La temporada va de menor a mayor: hasta la mitad y aún después, le cuesta encontrar un eje y se dilatan mucho algunas subtramas, particularmente las que tienen que ver con los robos y problemas de ello derivados. Sin embargo, en los dos o tres episodios finales parece por fin vertebrarse y articular muchas de esas subtramas, al punto de que entendemos recién allí por qué se dio tanto tiempo a algunas que parecían inconducentes. Y el final emociona…
¿Habrá segunda temporada? Pues con estas series de época nunca se sabe: la ambientación, tanto en escenografía como en vestuarios, está muy bien lograda y ello hace elevadísimos los costes, por lo que es válido preguntarse si los números de audiencia serán tan buenos como para justificarla. En lo personal, desearía que la hubiera y no solo porque me gusten las segundas oportunidades sino porque además, repito, la serie pareciera, sobre el final de la temporada, haber encontrado el rumbo y dejado varios caminos abiertos que sería bueno que pudieran cerrarse.
En definitiva y volviendo a las analogías, The Artful Dodger no es Black Sails, pero ha asumido la osada tarea de continuar a los personajes magistralmente creados por Dickens y, considerando lo tamaño de la empresa, no se puede decir que salga mal parada…
