Aunque ayer mi compañero Álvaro lo daba prácticamente hecho no ha sido hasta hace unas pocas horas cuando se ha confirmado. James Gunn confirma así los nombres de David Corenswet y Rachel Brosnahan para ser Clark Kent y Lois Lane en Superman: Legacy, la nueva apuesta de Warner de relanzar el universo DC.
Accurate! (They are not only both incredible actors, but also wonderful people). https://t.co/1FtwYIDeYj
Ahora a Corenswet y Brosnahan les toca la difícil papeleta de hacer olvidar a Henry Cavill y a Amy Adams.
El estreno de la película Superman: Legacy está previsto para el 11 de julio de 2025, si la huelga de guionistas y la tormenta perfecta con los estrenos últimos del DCEU se apaciguan. Gunn es guionista y director de la cinta por lo que solo nos queda por saber que actores acompañarán a Superman y a Lois y quien se atreverá a suceder a John Williams y a Hans Zimmer.
¿Qué os parece el cast?
Os leemos en comentarios. Un saludo y sed felices.
Tras cinco meses de búsqueda en las montañas de California, se confirmó dolorosamente la muerte del actor británico Julian Sands, de vasta trayectoria, en cine, teatro y televisión.
No por temido y esperado, deja de ser triste. El Departamento de Policía de San Bernardino confirmó que el cuerpo hallado dos días atrás en un paraje de California corresponde al actor británico Julian Sands, quien, recordemos, había sido reportado como desaparecido en enero mientras hacía senderismo en las montañas de San Gabriel, cerca de Los Angeles (aquí la noticia en su momento publicada en esta web).
El desolador hallazgo fue realizado precisamente por otro grupo de senderistas y el que la zona coincidiera con la de su desaparición y el hallazgo de su auto abandonado hacían prever el peor de los finales que, finalmente, queda confirmado.
El hecho de que recién ahora pudiese hallarse el cuerpo tiene que ver con la retirada de las nieves en zonas de altura con la llegada del verano. Sin embargo, aún queda por determinar exactamente cómo murió y aunque se habla de “avalanchas en la región”, será labor para los peritos forenses de ahora en más.
Muy querido, por cierto, dentro del mundo del cine y gran amigo de John Malkovich, con quien se conocieron en Tailandia rodando Los Gritos del Silencio e incluso le presentó a su segunda esposa. No hace falta decir que desde que se conoció su desaparición, Malkovich fue uno de los que se mostró más preocupado en las redes sociales.
“Seguimos teniendo a Julian en nuestros corazones con recuerdos brillantes de él como un maravilloso padre, esposo, explorador, amante del mundo natural y las artes, y como intérprete original y colaborativo”- manifiesta el comunicado dado a conocer por la familia.
Un verdadero día de tristeza para la pantalla. Hasta siempre Julian y gracias por todo…
Flash ha sido un fracaso en taquilla. Eso es una evidencia, y desde Las cosas que nos hacen felices lo sentimos mucho porque somos fans de Marvel y DC. Y es más, la película nos gustó, pero ante una taquilla tan nefasta, desde Warner han decidido plegar velas. No les queda otra.
Una pena, pero hay que asumir responsabilidades. Y aun quedan por estrenar Blue Beetle y Aquaman 2. Esperemos que a estas dos cintas les vaya un poco mejor que a Flash.
El problema es que Flash tuvo un discreto primer fin de semana de recaudación, pero en el segundo la taquilla bajó un 72,5% de venta de entradas, lo cual la convirtió en la caída más grande de la historia de DC, y la segunda en una película de superhéroes moderna, solo por detrás de Morbius. Ante tal panorama Warner quiere sacar algo de dinero y ha anunciado que sacará Flash en streaming el 18 de julio en todas sus plataformas, eso sí mediante acceso por pago. Así espera recuperar algo de sus pérdidas.
¿Cuando saldrá la película en HBO Max y sin gasto ninguno para el espectador? No hay una fecha aún estimada, pero con ¡Shazam! La furia de los dioses, pasó algo parecido. El estreno fue el 7 de abril, pero en HBO Max no salió hasta el 23 de mayo. Más o menos un mes y medio más tarde. Todo apunta a que Flash saldrá en abierto, para sus suscriptores de la plataforma, a finales de agosto o principios de septiembre.
Y todo esto nos lleva a la reflexión de que DC estaba herida de muerte desde hace tiempo, pero aún creíamos que solo era un resfriado. Para nosotros Flash es una película entretenida, a la altura de muchas otras cintas con recaudaciones exitosas, pero parece que se necesita un nuevo enfoque para resurgir el universo DC.
Un lástima, pero al menos pagando podremos ver Flash el 18 de julio. Y esto es lo que hay. Se recordará a Flash como la película con más pérdidas millonarias de la división de superhéroes.
Con la excusa del próximo estreno de Indiana Jones y el dial del destino, seguimos repasando la saga del famoso arqueólogo. Tras En busca del arca perdida es el turno de Indiana Jones y el templo maldito (traducción un tanto tímida de Indiana Jones and the Temple of Doom). Y repetimos: esto no es una crítica al uso sino un intento de homenaje. Abstenerse amargados. Al lío.
«A fin de cuentas, creo que mi película favorita dirigida por Spielberg -de nuevo, con Tiburón tallada en su propio Monte Rushmore- es Indiana Jones y el templo maldito. Es una película tan jodidamente impresionante que creó una nueva categoría en la MPAA [Asociación Cinematográfica de Estados Unidos]».
Quentin Tarantino
Shangai, 1935
Al estilo de su cada vez más indisimulado referente James Bond, la nueva película vuelve a empezar con una aventura a medias, aunque nos sorprende con un maravilloso número musical. Steven Spielberg estaba emperrado en hacer un musical y aquí hizo un amago, aunque no cumplió su sueño hasta hace poco.
La historia nos traslada al Club Obi Wan, donde Indy no tendrá reparos en amenazar a la chica de la película para conseguir el diamante que ha ido a buscar. Es curioso que lo veamos bajar unas escaleras vestido a lo Bond para luego descubrir que el local está en el tercer o cuarto piso. También llama la atención que salgan de Shangai en un avión de Lao Che y no se les ocurra dejar a Indi, a Willie y a Tapón a su suerte hasta llegar a la India. Mira que tuvieron tiempo.
Aquí ya vemos que ni Gloria Katz ni William Huyck son Lawrence Kasdan, que se desentendió de la cinta por considerarla mala, fea y mezquina. Por desgracia, a los (ir)responsables de Howard el Pato, amigotes de George Lucas, se les ven las costuras en ese primer acto. Había que llevar a Indiana Jones de Shangai a la India como fuera y los espectadores aceptamos pulpo. No era para menos porque el frenesí de acción en esos primeros minutos, salto del avión en bote hinchable incluido, es espectacular.
La India
Una vez los tres protagonistas han llegado a la India es cuando parece que Indiana Jones y el templo maldito se centra en lo que quiere contar. Ya dije en un post anterior que lo de menos son las piedras, el macguffinde turno, sino que lo importante son las andanzas de nuestro arqueólogo favorito. Y es en esta película donde se ve más clara una evolución.
Indiana Jones empieza la cinta siendo poco más que un aventurero sin escrúpulos a quien no le importa cambiar las cenizas de Nurhaci por un diamante del que ni sabemos si tiene nombre. Si para eso debe amenazar a una chica de la que no conoce nada, pues se amenaza y tan campantes. Si hay que arrastrarla a la aventura, lo mismo. Las piedras de Shankara despiertan en él una ambición, la de buscar fortuna y gloria.
Sin embargo será otro factor lo que determinará el destino de los personajes en la película: los niños. No es hasta que los ve sometidos a la esclavitud cuando Indiana Jones decide enfrentarse a Mola Ram y sus secuaces. En este sentido, la escena final de Indiana Jones y el templo maldito, aquella en la que Indi, Willie y Tapón regresan a la aldea y los niños aparecen tras ellos, es la más emocionante de la saga y la que determina que, en esta película, hay una clara evolución del personaje que no veremos en películas posteriores (y si la vemos, es tímidamente).
Quizás se pasaron de frenada
Es la mayor crítica que se llevó la película en su momento, la de ser demasiado oscura y tenebrosa. Igual cuando éramos adolescentes no nos dimos cuenta pero vista hoy en día no nos queda otra que decir que sí, que hay escenas que dan auténtico miedito, empezando por los murciélagos gigantes, el banquete de serpientes, víboras y sesos que les ofrecen en el palacio de Pankot, los insectos que reptan por Kate Capshaw y sobre todo el ritual llevado a cabo por Mola Ram, extrayendo el corazón de sus victimas y sujetándolo en alto cuando arden en el pozo de lava.
Con todo, Indiana Jones y el templo maldito, a partir de la escena del banquete, es un festival de set pieces, una montaña rusa de escenas de acción encadenadas con pequeñas escenas que sirven para que el espectador se tome un respiro, escenas que los propios Lucas y Spielberg intercalaron a conciencia. Si en su momento fue considerada la película más floja de la saga, creo que con el tiempo ha subido muchos enteros y se sitúa claramente en segunda posición tras En busca del arca perdida.
Willie Scott vs. Marion Ravenwood
No hablé de Karen Allen en el post anterior y eso me da pie a introducirla aquí. El personaje de Marion Ravenwood es muy especial en la saga. Mujer hecha a sí misma, superviviente capaz de dejar k.o. a su oponente bebiendo chupitos, fue todo un hallazgo en su época. Tanto que regresó para la cuarta película de la saga a darle el sí quiero al personaje y parece que también estará en la última.
El personaje de Wilhelmina «Willie» Scott es su opuesto. Frívola, interesada, chillona y totalmente alejada de Marion, llega a ser un pelín insoportable en la primera parte de la película, aunque al final ya le hemos cogido cariño. Y si es así es por la interpretación de Kate Capshaw, que creo que gana por goleada a Karen Allen. La actriz hizo suyo el personaje y era muy consciente de lo que tenía que ofrecer. Es un pena que siempre se la haya valorado tan poco. Siempre me quedaré con las ganas de saber que fué de Willie, a la que imagino ligándose a un millonario inglés cuando llegadon a Delhi.
Mucho mejor de lo que nos dijeron
Es curioso leer que en su momento la película fue ampliamente criticada. Bueno, más bien la pusieron a caldo. Las comparaciones con En busca del arca perdidafueron inevitables y la película salió perdiendo porque, seamos francos, todas las películas salen perdiendo si las comparas con En busca del arca perdida.
Indiana Jones y el templo maldito tiene muchos puntos que juegan a favor suyo. Para empezar, que estuviese ambientada en un año anterior a la primera película de la saga, desmarcándose completamente de los nazis y los artefactos religiosos judeo-cristianos. Tanto nazi acaba por cansar y pasa factura.
Ya he dicho también que muestra una mayor evolución del personaje y que su partenaire es muy diferente de Marion, a lo que hay que añadir que Tapón es un soplo de aire fresco que no se repetirá (ejem ejem Shia LaBeouf ejem ejem). Ya tiene narices que Ke Huy Quan haya ganado un Oscar y Harrison Ford ninguno pero es lo que hay.
Además de terrorífica y emocionante, la película es divertida, cosa que en su momento no apreciaron ni los propios implicados. Steven Spielberg dijo que «No estoy en absoluto contento con Temple of Doom. Era demasiado oscura, demasiado subterránea y mucho más terrorífica. No hay ni un ápice de mis sentimientos en Temple of Doom». Y añadió que era la que menos le gustaba de su trilogía. Lo siento, Steven, pero yo estoy con Quentin. Indiana Jones y el templo maldito es una de tus mejores películas y de las mejores de la saga. Nos leemos en el próximo post. Un saludo y sed felices.
One piece, la serie de televisión y basada en el famoso manga de Eiichiro Oda ya es oficialmente la serie más cara de Netflix, superando a cualquier otra producción de la compañía. Además a rebasado en precio por capítulo a otras series con recorrido (y míticas) como Juego de Tronosde HBO o elMandaloriano de Disney +.
Precio de 18 millones por capítulo
Cada capítulo ha costado la ingente cantidad de 18 millones de euros cuando por ejemplo el Mandaloriano se paró en 15 millones por episodio. Netflix ha puesto toda la carne en el asador y más cuando One Piece viene precedido por ser el manga más vendido de la historia. Un manga, que por cierto, aún no ha terminado, aunque su autor promete estar ya en la parte final de la saga.
En fin, que ahora mismo el público está dividido porque otras adaptaciones a la pequeña pantalla de mangas famosos como Cowboy Bebop o Death Note has sido sendos fracasos. ¿Qué pasará con One Piece?. Una buena pregunta.
Desde Las cosas que nos hacen feliceshemos hablado en repetidas ocasiones de One Piece y deseamos que la serie sea todo un éxito. Apostamos siempre por las series de calidad y que aporten, y ojalá One Piece lo sea.
Ya sabemos todos que aunque una serie de Netflix tenga éxito, tiene que además venir acompañado con una relacion causa efecto entre el coste de producción y la cantidad de visualizaciones. Por ejemplo Sandmanfue un gran éxito en visualizaciones pero con un coste elevado. La segunda temporada tardó en ser corroborada por las cabezas pensantes de la compañía, pero muchas otras con menos éxito han durado una sóla temporada, tal y como es el caso de Jupiter Legacy.
Por eso, y viendo los costes de producción de One Piece, la serie de televisión o es un éxito total que daría para más y más temporadas, o puede caer en el olvido con una sóla temporada. Parece que no hay medias tintas con esta superproducción, o éxito o fracaso. Nosotros apostamos por éxito, claro esta. ¿Y vosotros?
Os dejo el tráiler de la serie, que os recuerdo se emitirá el 31 de agosto de 2023.
Muy buenas. Hoy os traigo la reseña de una joya de libro. El arte de Milo Manara. Seguramente muchos conoceréis al dibujante italiano por sus cómics eróticos con los que alcanzó gran fama (El clic) y por obras de carácter histórico como Los Borgia o Caravaggio, sin duda estas dos muy recomendables.
Milo Manara ¿Quién es?
No voy a descubrir a estas alturas al dibujante italiano ya que lleva muchas décadas trayéndonos grandes obras. Pero a lo mejor a alguien se le ha podido escapar, al no trabajar para editoriales como Marvel o DC (aunque en realidad el artista italiano ha trabajado en ambas). Al final del artículo os dejaré unos breves apuntes de su biografía. Pero antes de comenzar la reseña me referiré a la célebre polémica en la que se vio envuelto por su dibujo de Spider-Woman.
Tras varias décadas de éxito, Marvel encargó al dibujante que realizase portadas alternativas de varias cabeceras. Una que levantó mucha polvareda fue la de Spider-Woman. Muchos fans la criticaron rápidamente por lo inadecuada que resultaba (vamos que tenía una pose muy sexual). Otros criticaron la baja calidad del dibujo por las exageradas caderas de la superheroína. Obviamente eran voces que desconocían el trabajo del autor. La editorial finalmente metió mano y modificó la portada tapando con el título las zonas más eróticas.
El original de la portada se subastó hace unos años por la cantidad de 39.000$… en fin.
Que Norma haya publicado un libro de Historia del Arte a base de ilustraciones del artista italiano no nos debería de extrañar. Manara lleva más de cuarenta años ofreciéndonos su arte en todas las épocas. Y eso es lo que aprovecha este enorme y precioso volumen,ver la Historia del Arte a través de la mujer. La mujer como modelo de pintores y escultores a lo largo de la Historia.
Bien es cierto que para Milo Manara el canon de belleza femenino es inalterable a lo largo de la historia y nos viene a pintar una mujer ideal de los cánones de estas últimas décadas, a saber, voluptuosa, sensual, largas piernas y bellas facciones. Esto se aleja de lo que hemos visto de la mujer en Historia del Arte a lo largo de sus etapas históricas.
Es en El artista y la modelo donde vemos un Milo Manara meticuloso. Las ilustraciones que pueden ocupar página completa e incluso doble página, se complementan con interesantísimos comentarios que nos cuentan excelentes anécdotas históricas.
Por las distintas páginas tendremos al mismísimo Goya pintando a la maja desnuda, donde se nos cuenta una leyenda que dice que un sacerdote al que llamaban «El Agonizante», (también conocido como Bavi) pidió a Goya que realizase dos retratos de la misma joven, una desnuda y otra vestida. El sacerdote posteriormente montaría los dos lienzos de tal manera que, gracias a un mecanismo, uno cubriría al otro. Pero otra versión dice que Goya era el amante de la Duquesa de Alba, primeramente la pintó vestida y cuando intimaron más la pintó desnuda. El caso es que un sacerdote llamado Bavi fue ejecutado mediante garrote vil por haber asesinado a una joven. El caso es que en la residencia de la marquesa Bermejillo del Rey hay un curioso marco doble vacío, dotado de un mecanismo de bisagra de dimensiones idénticas a las de las dos Majas.
Y otra historia que me ha encantado es la de Friné, la modelo del escultor griego Praxíteles, llevada ante un tribunal por conducta licenciosa, cuya pena podía ser la muerte en caso de culpabilidad. Su abogado Hipérides no declamó ningún argumento, ni palabra alguna, limitándose con un impactante gesto a desnudar a la bella mujer ante los jueces. Friné fue absuelta. Además de salvar la vida de esta sublime mujer, y de no privar a Praxíteles de su modelo favorita, los jueces establecieron mediante esa deliberación que la belleza es una virtud.
La segunda parte del tomo son únicamente de ilustraciones, siendo un recorrido temático de la obra del autor, donde tendremos una galería sugerente histórica, otras de ciencia ficción y por supuesto otras más modernas y sexuales.
Consideraciones finales.
Decía al principio que este libro es una joya. Y lo es por varios motivos, primeramente como fan de Manara vas a disfrutar de cantidad de ilustraciones. Y luego para los aficionados a la Historia del Arte, este libro es una forma muy curiosa y excitante de acercarse por el tratamiento de la figura femenina.
Os dejo con una breve biografía:
Manara descubre los cómics gracias a la esposa francesa de Berrocal, de los cuales nunca había sido un gran seguidor en su infancia o adolescencia. Inmediatamente queda fascinado por el carácter de producción en masa del medio, que se desvía de la singularidad de la obra de arte pictórica relacionándose así mas estrechamente con la literatura. Manara ve en los cómics la posibilidad de construir un papel en la sociedad y, por lo tanto, decide tratar de involucrarse con este lenguaje.
En 1978 creó su primer exitoso personaje, firmando también el guión, HP y Giuseppe Bergman, donde HP es una clara referencia a su maestro y mentor Hugo Pratt, transformado en uno de los protagonistas de la historia; en los años siguientes, Manara publica otros episodios dedicados a Giuseppe Bergman.
Entre finales de la década y principios de los ochenta, participó en la creación de Comic Story of Italy por Enzo Biagi y creó, por encargo de la revista Playmen, Il gioco, una historia con una alta densidad erótica que alcanza un éxito mundial extraordinario e inesperado por el propio autor.
Fellini pone su mano en uno de sus proyectos más personales y juntos dan vida al Viaje de G. Mastorna. Manara también produce los carteles de la película La voce della luna de Fellini.
A principios de los noventa, entre las muchas colaboraciones internacionales, ilustra Fantasex, una colección de historias de erotismo y ciencia ficción, seguida de la transposición de tres clásicos de la literatura: Gulliveriana, Kamasutra y L ́asino d ́oro. Luego dibuja tres historias de contenido social: Ballata in si bemolle, Rivoluzione, sobre la barbarie generada por la televisión, y Tre Ragazze nella nete inspiradas en el mundo de Internet.
Después de muchas publicaciones en Francia, es el turno de los Estados Unidos, gracias a una colaboración con DC Comics para su sello para adultos Vertigo, para el que realiza la historia de Desiderio en el libro Sandman Notti Eterne. Unos años más tarde, hace para Marvel Comics con guión de Chris Claremont X-Men: Ragazze in fuga.
Con la expansión de la comunicación multimedia, las actividades de Manara se diversifican, y también se centran en la creación de guiones gráficos y consultoría para campañas publicitarias, como las de Chanel, para Luc Besson.
Sinopsis oficial de El Arte de Milo Manara:
Un libro de arte con las mejores ilustraciones del gran maestro del erotismo. Armoniosa y bella, la obra de Milo Manara tiende un puente entre las esferas del cómic y de las bellas artes. Creador de su propio ideal de belleza femenino, Manara nos entrega en este libro un exhaustivo ejercicio de ilustración que rinde homenaje a la Historia del Arte, a las modelos que la hicieron posible y, por encima de todo, al mundo de las mujeres.l arte de Milo Manara reúne en un volumen imprescindible dos recopilaciones de ilustraciones: Mujeres y El pintor y la modelo, con una introducción del especialista Asier Mensuro y un prólogo del propio Manara.
Superman Legacy, la película dirigida por James Gunn que dará un nuevo enfoque a Superman en DC es noticia, contando con el actor estadounidense oriundo de Filadelfia, David Corenswet, como finalista junto a los candidatos Nicholas Hoult y Tom Brittney para interpretar a Clark Kent.
Estos actores, junto con Emma Mackey, Rachel Brosnahan y Phoebe Dynevor, quienes compiten por el papel de Lois Lane, se presentaron el fin de semana pasado en las oficinas de Warner Bros para realizar las audiciones. En las últimas horas han surgido nuevos rumores en línea insinuando que Corenswet podría tener asegurado el puesto y que sucedería a Henry Cavill como el Hombre de Acero dentro del multiverso de DC.
Corenswet saltó a la fama por su papel como River Barkley, un carismático estudiante de secundaria que capturó el interés y la atención de los demás personajes en la serie de Netflix «The Politician«. Además, ha participado en series como «House of Cards», «We Own This City», «Hollywood» y otras más. Su actuación recibió elogios de la crítica y le permitió destacar en la industria del entretenimiento.
Con 29 años de edad, Corenswet posee una presencia física que encaja con la del superhéroe. Su altura, complexión atlética y aspecto clásico podrían convertirlo en la versión más cercana hasta ahora de Superman en la pantalla grande. Sin embargo, será un desafío llegar a la forma física que lucía su predecesor, Henry Cavill, que para muchos sigue siendo el Superman ideal.
Tendremos respuestas en la próxima Comic Con de San Diego, donde Warner presumiblemente revelará a los actores elegidos para la película.
«Superman Legacy» tiene planeado su lanzamiento para julio de 2025 y cuenta la historia de un «Superman que intenta conciliar su herencia kryptoniana con su educación terrícola como Clark Kent en Smallville, Kansas». La película promete traernos al Superman más clásico, un héroe de la justicia, bondad y el estilo de vida americano.
Ante el inminente estreno de Indiana Jones y el dial del destino, nos liamos la manta a la cabeza y repasamos las películas del arqueólogo más famoso del celuloide. Aunque la película ya la sabemos de memoria, intentaremos resaltar los puntos más significativos de En busca del arca perdida, primera aparición de Indiana Jones en la gran pantalla. Que vaya por delante que esto no es una crítica sino más bien un homenaje más que merecido (y dentro de nuestras limitaciones, que son muchas) a una de las mejores películas de todos los tiempos. Vamos al lío.
Corria el año 1981…
… y en los cines se estrenaba Raiders of the Lost Ark, un título original mucho mejor que En busca del arca perdida, cuyo traductor tiró por lo fácil. No había internet ni avalancha de tráilers y los que acudimos al cine sin saber bien que esperar salimos entusiasmados. Recuerdo perfectamente que yo no quería ir, que prácticamente me llevaron a rastras y que salí agitando un látigo invisible que se enredaba en todos lados.
No resulta extraño el éxito de la película y del personaje. En busca del arca perdida cuenta la historia de cómo el profesor, arqueólogo y aventurero Indiana Jones es reclutado para conseguir el arca de la alianza antes que los nazis.
A la mezcla de malvados muy malvados (los nazis eran la encarnación del mal antes de que la posverdad lo colapsara todo), elementos religiosos (gracias a mis padres por no meterme en la asignatura de «ética» porque así la historia no me pilló fuera de juego), una historia que recogía elementos del cine de aventuras más clásico pero pasado por el tamiz del director de moda (Tiburón y Encuentros en la tercera fase ya eran clásicos modernos) y acción a raudales se unía un personaje que venía para quedarse, a la vez que rompía con el canon de héroe clásico.
Jones, Indiana Jones
El éxito de En busca del arca perdida no se entiende sin el personaje principal, sin ese Indiana Jones que etuvo a punto de ser encarnado por Tom Selleck y su bigote y que gracias a Magnum, P.I. y al empeño de Steven Spielberg, acabó en manos de Harrison Ford, lanzando su carrera al estrellato. Tanto es así que el resto de películas de la franquicia siempre empiezan su título por Indiana Jones y(añádase el macguffin de turno).
Si, aunque duela o no se reconozca, no importan el arca de la alianza, las piedras de shankara, el santo grial o la calavera de cristal. Lo que verdaderamente importa es que Indiana Jones luche, mate, sufra, ria o llore. De hecho, a lo largo de cuatro películas no ha conseguido quedarse con un solo artefacto de los que buscaba.
Y a pesar de que se tiende a considerar al Doctor Jones (junior) como un aventurero clásico, como un personaje protagonista digno de elogio o admiración e incluso un ejemplo a seguir (son muchos los casos en los 80 de jóvenes metidos a arqueólogos pensando que vivirían aventuras a lo grande), la verdad es que dista mucho de serlo.
Nacido al albor de los seriales televisivos que tanto George Lucas como Spielberg devoraban en su infancia y adolescencia y concebido como un James Bond en la década de los 30, Indiana Jones rompe con el héroe clásico que se había visto antes en el cine, en películas donde Humphrey Bogart, Clark Gable o Stewart Granger ejemplificaban lo que debía ser un aventurero.
En En busca del arca perdida, Indiana Jones roba, expolia, trata a las mujeres como objetos (si no llega a ser por el medallón, a Marion que le den y a Willie Scott ni os cuento) y mata sin miramientos. La escena que mejor define al personaje y que rompe totalmente con sus predecesores aventureros es aquella donde se enfrenta a un árabe armado con una cimitarra.
Las reglas del fair play habrían obligado a Stewart Granger a ejercitar sus dotes de esgrima; Indiana Jones simplemente saca la pistola y le pega un tiro. Aunque la escena fue concebida como un intento de ahorrarse costes (que lo de luchar a espada es complicado) y aunque el público se partía de risa con ello, no deja de retratar a un tipo a quién le importa poco disparar a sangre a fría. ¿Ya hemos dicho que el ejemplo era Bond?
Tampoco se entiende a Indiana Jones sin Harrison Ford. El actor ha declarado en numerosas ocasiones que es su personaje favorito, muy por encima de Han Solo, a quien ya quería cargarse en El retorno del Jedi. Aunque puedan parecer iguales, la verdad es que el contrabandista del espacio, con su socarronería y su pose de sinvergüenza, resulta más entrañable que el arqueólogo, un personaje con muchos más matices y aristas.
La escena inicial presenta a un personaje que dista de ser simpático, un ladrón de tumbas, un saqueador que escapa por los pelos de todas las trampas a su paso pero en la siguiente escena tenemos a todo un Clark Kent, un tipo con americana y pajarita y gafas de empollón dando una clase y afirmando que la arqueología es algo totalmente distinto a lo que le hemos visto practicar.
Sin un pero
Se han cantado enormes alabanzas sobre En busca del arca perdida y no seremos nosotros quienes la critiquemos. La película es perfecta en todos los aspectos, desde la dirección a sus actores, pasando sobre todo por el guion. Lawrence Kasdan construyó una historia perfecta a partir del relato de George Lucas, una set piece constante que modernizaba totalmente el género de aventuras. El escritor y director le cogió el gusto a eso de la modernización y siguió en ese senda en sus propias películas.
Por aquello de querer ser originales, me gustaría destacar un aspecto que a veces se diluye entre tanta alabanza y es el diseño de producción. Vista hoy en día, En busca del arca perdida no ha perdido un ápice de frescura pero uno se detiene en algunos detalles y no puede evitar admirarse por ese vestuario, por la ambientación y sobre todo por el diseño del personaje principal, sombrero, cazadora de cuero, barba de tres días y látigo en ristre. La de veces que no me he afeitado pensando que quedaba guay cuando en realidad parecía un pobre vagabundo. Moraleja: lo que a Harrison Ford le queda bien, al resto nos queda como el culo.
Y por supuesto la música, esa banda sonora de John Williams que acentúa todas las escenas, con esa melodía que ya es historia del cine. .
Nada más que añadir. En busca del arca perdida es de esas películas que duele no poder ver otra vez en la gran pantalla. Por el momento la tenemos en SkyShowtimey en Disney+ para disfrutarla una vez más. Nos leemos en la próxima aventura. Un saludo, sed felices.
Nuevo episodio de Outlander y nuevo análisis. Hoy nos toca el segundo episodio de esta segunda temporada cuyo título es El Lugar Más Feliz del Mundo. La serie, creada por Ronald D. Moore a partir de la exitosa saga de novelas de Diana Gabaldon, es emitida por Starzy puede ser vista en España por Movistar+ y en Latinoamérica por Star+.
Hola otra vez, forasteros y viajeros del tiempo. Nos volvemos a encontrar para analizar una nueva entrega de Outlander, en este caso la segunda de esta séptima temporada. Un episodio que ha venido con una carga emocional realmente intensa en la que se mezclan reencuentros y despedidas, pero que a la vez ha cerrado de modo insólitamente apresurado la historia que nos venían contando.
Pero basta de prólogo y pasemos a analizar lo que nos ha dejado esta entrega no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.
Caso Cerrado
Comenzamos con Claire reflexionando tras la muerte de Christie acerca de lo que nos dejan quienes se van. Su sacrificio, dice, le ha sido inspirador para apreciar los momentos de la vida como si no hubiera un mañana. Suena a demasiado para estar hablando de un fundamentalista religioso que, más allá de que no haya asesinado a su hija, condenó a su propia esposa por brujería. Pero supongo que debe ser entendido desde la culpa que Claire siente por el hecho de que él se haya autosacrificado por ella. Eso sí: caemos en la cuenta de que finalmente fue ajusticiado en off…
Lo que no nos esperamos es la presencia en el lugar de Allan, el hijo de Tom de quien hacía rato nada sabíamos y que no está llorando junto a la tumba de su padre sino a la de su hermana Malva… y tiene un arma. Cuando dice que la amaba y que ella debía ser solo para él, el rostro de Claire se ensombrece y comienza a entender todo…
Tal como nos muestra un flashback, existía una relación incestuosa entre los hermanos y el hijo que ella esperaba era de él, pero para proteger a ambos, la obligó a decir que era de Jamie. Tras ello, la relación con Ian fue demasiado para Allan y la degolló: ella no podía ser de otro. Historia escabrosa como pocas, demasiado para que nos la suelten en tan pocos minutos y apenas iniciado el episodio.
Allan siente que su vida ya no tiene sentido sin Malva y se lleva la pistola a la sien para ponerle fin, pero Claire lo detiene: no sé si hace bien, pero tampoco debe querer que le vuelvan a endilgar una muerte. De todos modos es en vano: Ian, que escuchó todo, dispara una flecha a la espalda de Allan y este cae sin vida. Con ayuda, terminan sepultándolo en el bosque…
Encuentro en Wilmington
Casi como si hubieran borrado de un plumazo la historia que nos tuvo pendientes durante la temporada anterior y el primer episodio de esta, pasamos rápidamente a otra sin solución alguna de continuidad. Es cierto que sabíamos de sobra que Brianna estaba por dar a luz, pero era una trama marginal y ahora pasa a ser la principal: el niño ha llegado o, mejor dicho, la niña, cuyo nombre es Amanda.
Todos están felices de que la familia crezca y particularmente Jamie, quien lleva a su nieta en brazos a los establos para mostrarle (obviamente no lo ve) al potrillo que acaba de nacer: toda una alegoría sobre la vida que se renueva permanentemente y, además, le anuncia que será una gran jinete.
Pero la felicidad es fugaz. Por un tono azulado en las uñas (?), Claire deduce que la niña padece de conducto arterioso persistente (!). Si no tienen idea de qué es eso, les comento que he buscado en Google y puedo decirles que se trata básicamente de un vaso sanguíneo que cumple una función cuando el bebé está en el útero pero que después del nacimiento no se cierra como debería: ello provoca flujo de sangre hacia los pulmones y una carencia de sangre oxigenada por todo el cuerpo.
La noticia es devastadora. Brianna pregunta a Claire si la niña morirá y le responde que muy posiblemente. Sin embargo, dice conocer a alguien que podría ayudarlos pero, claro, está en otra época. Ello implica un nuevo viaje en el tiempo y no habría necesidad de viajar a Escocia ya que hay un círculo de piedras en el lugar por donde cruzó Diente de Nutria: el problema es el riesgo que conlleva y la falta de gemas.
Brianna quiere asumir el riesgo de cruzar con el bebé sin exponer al resto de la familia, pero Roger no piensa dejarla sola y se pone firme en que irán los cuatro. Ello implica conseguir gemas, pues solo tienen una y han descubierto que la niña reacciona bien a la misma.
Deben ir a Wilmington por más y se produce un inesperado encuentro al cruzarse Brianna con Lord John, a quien tanto ella como nosotros suponíamos en Inglaterra. El motivo de que siga en las colonias es que su hijo William se ha alistado en el ejército para combatir por los “casacas rojas”. Estamos, hablando, claro, del medio hermano de Brianna, con quien por primera vez se ven las caras.
Él le pregunta si se conocen y ella lo niega: dice solo haberlo visto en un retrato. Jamie ve la escena de lejos y acusa recibo pero, sin acercarse ni dejarse ver por sus hijos, saluda simplemente a John con un asentimiento. Una vez que William se ha marchado, Brianna intenta convencer a John de que algún día revele a su hermano la verdad: lo fundamenta en su propia experiencia, pues ella no dejó de querer a su padre adoptivo Frank al saber de la existencia de Jamie. John da impresión de tomar nota…
También hay encuentro entre este y Jamie, quien manifiesta sentirse satisfecho solo con haber visto a sus hijos juntos por una vez en la vida. Pero se nota que internamente le preocupa el alistamiento de William por conocer el resultado final de la revolución. Allí hay una nueva piedra de conflicto porque padre e hijo podrían combatir en bandos rivales…
La Partida
Todos saben que el momento de la despedida se acerca. Jamie y Brianna comparten una bella caminata entre luciérnagas que a ella le recuerdan a Disneylandia. Como él, obviamente, no sabe de qué le habla, le explica que es un lugar mágico en el que la gente se saca fotos junto a un ratón del tamaño de una persona. Más allá del innecesario aviso publicitario (recordemos que Starz y Disney tienen un acuerdo desde 2022), se produce un momento divertido cuando él pregunta cómo permiten que los niños se acerquen a una rata gigante. Ella recuerda sus momentos familiares allí con la sensación de estar en “el lugar más feliz del mundo”. Seguimos facturando…
Ya tienen las cuatro gemas, pero Jamie posee una más y se la ofrece a Claire, quien, casi ofendida, la arroja lejos (madre mía, con lo que cuesta conseguirlas). Le deja en claro que lo ama y permanecerá junto a él aunque tenga que renunciar a su hija. No sorprende: ya alguna vez renunció a su esposo…
El momento de la despedida es fuerte y lleno de emociones, teniendo cada uno sus momentos individuales. Saben que lo más probable es que se estén despidiendo para siempre, aunque Claire le recuerda a Brianna que ya otras dos veces pensó lo mismo (creo que hay que tomar nota de esa frase).
Jamie le encarga al pequeño Jeremiah que le envíe saludos al ratón “Miguel” si llega a conocerlo. Besa después a Amanda cuyo corazón, dice, es fuerte al combinar Fraser con Mackenzie. El momento más intenso es obviamente con Brianna que, en un giro einsteniano no del todo entendible, le dice que siempre estará y que nada se ha perdido: “solo ha cambiado”…
Y así la pareja con sus hijos marcha hacia las piedras para cruzar al otro lado. Vemos que lo hacen sin problemas, aunque dudan si estarán realmente en época. Pero mientras Jeremiah corretea jugando con su avión de madera, uno real surca el cielo y les da la confirmación de que sí…
En el otro escenario, Claire llora sin consuelo al llegar la noche. Su historia junto a Jamie está llena de pérdidas y han vuelto a sufrirlas. Jamie la abraza y le dice que estará para ella cuando haya dejado de llorar. Con los días, sin embargo y según nos dice la voz en off de Claire, se van consolando en la idea de que quienes se han ido no han muerto, sino que siguen vivos en otro lado. Además, dice, “construimos recuerdos cada día” y, en efecto, la vida sigue: el potrillo de Jamie ya anda trotando y Lizzie ha dado a luz un niño.
Cerillos y Gases
Cuando parece que hemos llegado a la conclusión del episodio, otra vez encuentro inesperado y trama nueva. Regresando a su casa, Jamie encuentra a Wendigo Donner encendiendo los cerillos de Brianna. Se ha liberado por cuenta propia después de que Roger se negara a ayudarlo y quiere saber qué hace mal al intentar viajar en el tiempo, pues no lo consigue.
Irritada por su presencia (recordemos que no la ayudó en el incidente con los Brown), ella le responde que no hay reglas exactas, pero que debe concentrarse en el lugar hacia el que quiere ir o en la persona a quien quiere encontrar. Y no beber porque debe estar concentrado. Dicho esto, le conmina a marcharse…
Pero Wendigo tiene otros planes. Necesita una gema para hacer el viaje en el tiempo y ha oído que ella tiene una (te dije, Claire, que podías necesitarla). Sabiendo que se la negaría, ha traído para buscarla a un par de amigos que han golpeado y reducido a Jamie. En la desesperada búsqueda, unos frascos de éter caen al piso y se hacen añicos. La casa es invadida por gases que dificultan la respiración y, para hacerla aún peor, Wendigo enciende uno de los cerillos a los efectos de iluminar y buscar mejor…
Una gran explosión se produce con el consecuente incendio. A primera vista, la sensación es que nadie podría salir vivo de allí. A segunda, Jamie y Claire no pueden morir…
Balance del Episodio
Más allá del fuerte e indudable valor emotivo, ha sido una entrega extraña en su estructura, casi como si hubiéramos visto tres episodios diferentes…
Seis minutos es lo que les llevó cerrar la trama que nos tuvo pendientes durante nueve episodios. La revelación de Allan sobre la naturaleza de su vínculo con Malva ha sido verdaderamente impactante, pero cayó de la nada y antes de que nos diéramos cuenta de algo ya estaba enterrado. Desconozco el porqué de tanto apresuramiento. Se me ocurre que los recortes por pandemia más la noticia de que la octava temporada sería la última, pueden haber contribuido a acelerar algunos tiempos. Lo que sí sé es que la historia de los Christie daba para un final bastante más satisfactorio…
De hecho, a partir de ese momento, el resto del episodio transcurre como si esa historia jamás hubiera tenido lugar. Y no es por regodeo, pero no hubiera estado mal ver el proceso interior de Tom entre el momento en que se entregó y el de su supuesta ejecución. ¿Y qué pasó con Brown? ¿Fue muerto entonces por Jamie? Ni siquiera se habla de él en todo el capítulo, salvo por una mención aislada de Wendigo sobre el final…
En cuanto a la segunda trama, que es la que ocupa la mayor parte del episodio, ha sido muy intensa en emociones y seguramente a muchos se nos habrá aflojado algo al ver partir a Brianna y su familia. Las buenas actuaciones, especialmente de Sophie Skelton y Caitriona Balfe, han colaborado a ello.
No es una muerte, como bien dice Jamie, pero doscientos años de separación no son poca cosa y dan carácter de adiós definitivo. De todos modos, la frase que Claire dice a su hija nos hace abrigar esperanzas de que los volveremos a ver juntos. Lo importante, de todas formas, es que viva la pequeña Amanda.
La otra cuestión importante dentro de esa segunda trama es la reaparición de Lord John y el encuentro entre los medio hermanos. Como hemos dicho, un nuevo escenario conflictivo se avizora en la medida en que la revolución avanza y Jamie parece ya haber elegido bando, pero ahora resulta que en el otro está su hijo… y él sabe que serán derrotados. Ya ha perdido a su hija: ¿podría soportar otra pérdida?
En cuanto a la tercera trama, se parece a la primera en el sentido de que ocupa unos pocos minutos y, otra vez, todo es apresurado y vertiginoso, en claro contraste con la mayor parte del episodio, que es pausado e intimista. Queda desde luego por ver de qué modo lograrán los esposos Fraser sobrevivir a esa conflagración que nos han mostrado, lo cual, en principio, no da visos de ser posible. Lo llamativo del asunto es que pareciera un cliffhanger de final de temporada; quizás originalmente estaba pautado para serlo.
En definitiva, una entrega extraña y de ritmo cambiante a la que, a pesar de su fuerte carga emotiva, le ha faltado cierto criterio de unidad como para que tengamos la sensación de haber visto un único episodio y no tres de duración desigual. Ah, y la fotografía, casi olvido decirlo, como siempre impecable y cada vez mejor…
A ver qué nos trae el próximo. Hasta entonces y sean felices…
Prime Video estrenó el día 2 de junio dos episodios de la serie australiana Deadloch. Se trata de una comedia de investigación policial, con un humor bastante peculiar que nos lleva a conocer a los habitantes de un pueblo justo cuando da comienzo un festival bastante importante y que por desgracia, coincidirá con el hallazgo de un cuerpo en las orillas del lago llamado justamente como el título de la serie.
Así que si eres amante de este género, no dudes en añadir Deadloch, que consta de ocho episodios, en tu lista para ver. Este artículo se ha escrito después de ver los cinco primeros episodios que Prime Video está estrenando todos los jueves.
Como amante de este género, tengo que decir que acogí con los brazos abiertos esta nueva propuesta que nos trae Prime Video. Sentía cierto interés por ver esta serie australiana que cuenta entre su reparto con actores muy conocidos en su país de origen. Además, el hecho de que la plataforma de streaming la calificara como comedia también aumentaba más mi intriga.
Y justo eso es lo que encontré nada más empezar a verla, por que la verdad es que empieza metiéndonos de lleno en la acción. Y será de este modo conforme iremos conociendo a los personajes que intervienen en Deadloch, mientras investigan este asesinato.
He de decir que estos primeros momentos de intriga y misterio me gustaron, y que también me gustó la forma de presentarnos a los protagonistas siempre a través de este personaje hallado sin vida en las orillas del lago. Todo entraba dentro de lo previsto para este género, y entonces es cuando entra en escena Eddie, una inspectora enviada allí para hacerse cargo del caso.
Eddie es peculiar, por decirlo de forma educada, por que lo cierto es que es un personaje cargante que, hasta que te acostumbras a su humor, te saca mucho del contexto de la serie. Me gusta la comedia en los whodunits, pero este humor es demasiado absurdo y ridículo, por eso el personaje de esta detective no acababa de encajarme dentro de Deadloch.
Pero todo es acostumbrarse. Lo cierto es que en el episodio tres ya me había hecho a esa forma de ser de la detective y esta se había mezclado con la trama formando parte de ella, aunque de vez en cuando su humor volvía a sacarlo todo del tiesto. Así que si te pasa lo que a mi, paciencia, todo mejora con el paso de los episodios.
Una serie de mujeres.
Deadloch es una serie donde todos sus protagonistas son mujeres. Es lo que hay. Aparece algún hombre, pero sus papeles son tan tan secundarios que casi ni te vas a fijar en ellos. Primero tenemos a la concienzuda inspectora de policía Dulcie, una mujer que dejó atrás la vida en la capital para irse a ese pequeño pueblo en compañía de su mujer: la dicharachera y un poco cotilla, Cath.
Por otra parte tenemos a la joven Abbie, la despierta y ávida de aventuras ayudante de Dulcie. La joven está preparando su boda con James (Nick Simpson-Deeks) el patólogo que ejerce como forense del pueblo, pero está más emocionada por descubrir pistas y atrapar al asesino que por casarse.
Y por último tenemos a Eddie no le gustó que la mandaran a investigar el crimen a ese pueblo alejado de todas partes. Y eso lo demostraba continuamente, haciendo de ella un personaje realmente desagradable. Pero, poco a poco cambiará su carácter, y sus primeras hipótesis en las que se veía claramente que solo quería cerrar el caso y volver a su casa, darán paso a una investigación muy interesante.
El resto del elenco también está mayoritariamente formado por mujeres. De hecho, el pequeño pueblo presume de ser uno de los que más parejas cuyos dos integrantes son mujeres, tiene como vecinas. Un pueblo inclusivo (precisamente el festival que celebran se basa en eso) al que no dejan de aparecerle cadáveres que parecen haber sido cruelmente ejecutados por la misma persona.
Si decides darle una oportunidad a Deadloch, te invito a que nos dejes en comentarios que te ha parecido. Y de paso, aprovecho para invitarte a que te unas a nosotros en Facebook o en Twitter.
Jarripoter: El mago cabezón es una creación de Enrique V. Vegas, uno de los grandes nombres del cómic en España. El artista segoviano ha logrado algo al alcance de muy pocos, tener un estilo propio totalmente reconocible que le ha permitido hacerse un hueco en el modesto mundo del cómic de nuestro país.
Todo aficionado patrio conoce a sus cabezones y nada más echar un vistazo a una de sus páginas ya sabe de que autor estamos hablando. A pesar de que esos personajes parecen nacidos para el humor, se ha podido dar el gusto de hacer obras serias con un tono más adulto que también han funcionado bien como son los casos de Kobeo Leinad.
Pero no es menos cierto, que donde siempre ha logrado pegar el pelotazo ha sido en el género paródico como es el caso de la obra que nos ocupa, Jarripoter: El mago cabezón, publicada por Dolmen, la editorial de cabecera de Enrique V. Vegas.
Con este título queda bastante claro el objetivo del humor de Enrique V. Vegas en esta ocasión, ni más ni menos que el famosísimo niño mago Harry Potter, fruto de la imaginación de J. K. Rowling y al que podemos leer en una de las sagas literarias más exitosa de los últimos tiempos y en sus correspondientes adaptaciones cinematográficas que han mantenido el éxito de los personajes para varias generaciones.
A diferencia de otras ocasiones como cuando parodio La Guerra de las Galaxias, Enrique V. Vegas nos ofrece su visión de Harry Potter en un único libro y no en una adaptación por película.
El autor hace un remix en Jarripoter, con la historia completa de toda la saga de Harry Potter, centrándose sobre todo en el primer libro ya que sirve de presentación de los personajes, para luego ir dando su versión paródica de todo lo que le ocurre al bueno de Harry (Jarrypotter en este caso) a lo largo de su estancia en la escuela de magia de Hogwarts (Joguards) y en su enfrentamiento contra Lord Voldemort (aquí Condemort, chiste fácil pero inevitable homenaje al gran Chiquito de la Calzada).
El guion no es nada del otro mundo, y tampoco es que sea necesario. Vamos a ir viendo como Jarrypoter va viviendo las aventuras que ya hemos visto en los libros y películas, pero desde un punto de vista humorístico que harán las delicias de los espectadores más atentos.
Jarripoter: El mago cabezón. Una parodía de la saga de Harry Potter de Enrique V. Vegas
Porque las viñetas de Jarripoter están llenas de referencias simpáticas pasadas por el tamiz del humor socarrón y divertido de Enrique V. Vegas. Así el cáliz del torneo de los tres magos es un puchero mágico, Cedric Diggory al final de este torneo se asusta y se transforma en, o mil cosas más que los amantes del personaje original van a reconocer enseguida.
Y ojo a uno de los elementos más descacharrantes del cómic: los nombres de los hechizos que usan los protagonistas, mucho mejores sin duda que los aburridos originales.
Pero además el autor aprovecha para introducir guiños a otras obras populares que hacen que la historia gane en interés. Por ejemplo, los dementores tienen la careta de Scream o el perro Cervero recuerda muy mucho al Ideafix de Astéris y Obélix.
Sin olvidar las «apariciones especiales» de Viggo Mortensen, Bart Simpson, Yar Yar Binks o Hellboy. Incluso hay referencias a frases de películas míticas que todos conocemos y amamos como «la vida es como una caja de bombones» o «Todo gran poder conlleva una gran responsabilidad».
En cuanto al apartado artístico, Jarripoter nos trae poca sorpresa. Habrá para quien conozca el estilo que ha hecho famoso a Enrique V. Vegas. Sus cabezones son marca de la casa y con su enorme expresividad permiten al lector saber siempre que están pensando y sintiendo los personajes siendo uno de los puntos fuertes del dibujo.
Además, su línea clara y sencilla en blanco y negro permite una narración fluida muy necesaria ya que, al haber múltiples destalles graciosos escondidos en las viñetas, vamos a estar todo el rato parándonos a mirar estas con atención.
La edición de Jarripoter de Dolmen es tan cuidada como siempre en las obras de Enrique V. Vega. La historia viene recogida en un volumen de 144 páginas en blanco y negro en tapa dura con sobrecubierta que incluye como extras algunos bocetos de personajes a cargo del propio autor. El precio de venta es de 15 euros en su versión normal y de 19 en una nueva edición con un tamaño superior (17×24).
En resumen, Jarripoter: El mago cabezón es una obra que hará las delicias de los fans de Enrique V. Vega, sobre todo si además les gusta la saga de Harry Potter. De todas maneras, aunque no conozcas al autor y a los personajes, vas a encontrar una obra muy divertida, con multitud de referencias a la cultura popular y unos dibujos encantadores y «cuquis» que hacen que sus personajes sean adorables.
Bienvenidos amantes del VHS y de la era analógica a otro Retro-Análisis más en esta sección semanal que os trae joyas (o no) del siglo XX que me gusta rescatar para que los más jóvenes las conozcan y los más veteranos las recuerden.
‘Titanic’ de James Cameron se estrenó en 1997 y rápidamente se convirtió en un fenómeno cultural, convirtiéndose en la película más taquillera de todos los tiempos. A lo largo de tres horas, la película cuenta la historia del trágico hundimiento del RMS Titanic, entrelazada con el romance de dos personajes principales interpretados por Leonardo DiCaprio y Kate Winslet.
Uno de los aspectos más destacados de ‘Titanic’ es su increíble puesta en escena y dirección artística. James Cameron ha recreado con éxito el majestuoso transatlántico y su destino hasta el más mínimo detalle. Los efectos visuales y especiales utilizados en la película son excelentes y, tras su estreno, fue elogiada por su innovación técnica. Desde la majestuosidad del barco hasta la escena del hundimiento, cada escena está cuidadosamente diseñada y ejecutada para transportar fascinantemente al espectador al mundo del Titanic.
Todo el comienzo de la cinta con el grupo de ‘exploradores’ (encabezados por el personaje interpretado por Bill Paxton) es uno de los arranques más potentes que se pueden ver en un blockbuster. Sabe mezclar ese misticismo de la búsqueda del tesoro con la emotividad de la historia de Rose anciana. Si a esto le sumamos que la transición entre presente y pasado se hace de forma magistral, podemos afirmar que el trabajo de Cameron es sublime y que tenía muy claro como enganchar al público.
El elenco de ‘Titanic’ también merece mención. Leonardo DiCaprio y Kate Winslet ofrecen interpretaciones sólidas y convincentes como los personajes principales de la historia de amor, Jack y Rose. Su química en la pantalla es palpable y transmite con éxito la emoción necesaria para dar vida al romance. Aunque es cierto que DiCapdrio no está al nivel de su compañera. Además, el elenco de apoyo, incluidos actores como Billy Zane, Kathy Bates y Frances Fisher, también brindan excelentes actuaciones y agregan profundidad a la historia.
Hay que reconocer que el personaje de Billy Zane (Caledon Hockley) es un villano muy plano y no tiene ningún tipo de peso mas allá de ser quien se interponga en la historia de amor entre Jack y Rose.
‘Titanic’ tiene sus puntos fuertes y débiles. La principal crítica de esta película es su previsibilidad, y no me refiero a que todos sabemos que el transatlántico acabaría en el fondo del mar. Desde un principio, se dibuja una historia de amor entre dos personas de diferente clase social a bordo del Titanic, algo que tiene poca o ninguna originalidad.
La historia de amor central es efectiva (y efectista) y puede crear una conexión emocional con el espectador, pero su desarrollo es demasiado predecible. Los momentos de tensión y conflicto se resuelven convenientemente sin sorpresas ni acontecimientos impactantes. En todo momento se nota que James Cameron estaba más interesado en el hundimiento y esta trama es solo la excusa para llegar a ese momento.
El cineasta se imbuyó de todas las historias de los pasajeros del Titanic y se palpa el cariño que puso en la recreación de las mismas: La orquesta tocando hasta el último momento, la insumergible Molly Brown, la muerte de Thomas Andrews y del capitán Smith con el barco.
A día de hoy, Cameron ha descendido 33 veces al pecio del Titanic y ha producido documentales de gran éxito al respecto. El amor del director a todo lo que sucedió esa noche de 1912 es más que evidente y eso fue plasmado perfectamente en esta película.
Quizás la duración de la película puede ser demasiado larga para algunos espectadores. Si bien creo que es la justa y necesaria para tomarse el tiempo para explicar el contexto histórico y presentar a los personajes, aunque es cierto que hay momentos que nos hacen pensar que la trama no avanza y se encuentra casi estancada. Algunas escenas podrían haberse acortado sin afectar la narrativa o el impacto emocional de la historia.
‘Titanic’ es conocida por instantes que ya son parte de la historia del cine, como la escena de Jack y Rose en la proa, la tabla en la que ‘no cogían dos personas’ o el momento del dibujo. Aunque hay que reconocer también que hay ciertas líneas de dialogo que son muy melodramáticas y cursis que acaban restando valor al impacto de alguna escena.
La banda sonora compuesta por James Horner (Braveheart) es sublime y poco se puede decir que esta obra más que elogiarla y concederle un hueco entre las mejores de la industria cinematográfica.
No quiero olvidarme que el tema principal interpretado por Celine Dion (My heart will go on) fue todo un éxito y es uno de los sencillos más vendidos de todos con más de 15 millones de copias, ganó 4 Grammys y el Oscar a mejor canción original.
Conclusión
‘Titanic’ es una película que ha dejado su huella en la industria cinematográfica y la cultura popular. Sus efectos especiales han envejecido muy bien para haber pasado 26 años por ellos.
Visualmente la cinta de Cameron es un portento y mezcla perfectamente efectos prácticos con escenas generadas por ordenador. También es cierto que en sucesivas ediciones en ámbito doméstico, el cineasta ha mejorado dichas escenas y cambiado otras para que se adecuen a nuevos descubrimientos.
‘Titanic’ fue todo un fenómeno, más allá de haber recaudado casi 2300 millones de dólares, su éxito se debe al buen hacer de su director y su capacidad de impactarnos con esta historia.
Es cierto que las mayores pegas que se le pueden poner a la película vienen por el lado de la parte emotiva que, pese a que funciona, resulta mucho más descuidada que la recreación que se realizó del transatlántico de la White Star.
Aquí os dejo el video musical de Celine Dion para ‘Titanic’:
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a El cómic de la semana. Hoy reseñamos El Sexto Revólver Vol 4.
La publicación por parte de Norma de la genial El Sexto Revólversigue su marcha tocando ahora el turno al cuarto volumen, sin que la calidad decaiga en lo más mínimo. Cullen Bunn y Brian Hurtt (con las colaboraciones especiales al dibujo de Brian Churilla, Tyler Crook y Bill Crabtree) siguen disparando balas de perdición a diestro y siniestro mientras añaden nuevos elementos a la trama general de la serie.
El resumen de la editorial de este libro es el siguiente:Las fuerzas de la oscuridad han perseguido a Becky Montcrief desde que tocó el Sexto Revólver por primera vez. Ahora, Becky y sus aliados planean plantar cara a sus enemigos. Su objetivo: ¡destruir los revólveres malditos de una vez por todas! Pero la Bruja Gris tiene sus propios planes y prepara un contraataque brutal.
Adicionalmente, descubre una historia inédita de los Seis. Bill Sumter “El sangriento”, Ben Kinney “El sucio”, Will Arcene y Silas “Sierra Amarga” Hedgepeth eran los más violentos de los seguidores del malvado General Oliander Hume. Los secretos de estos malhechores son revelados cuando estos cuatro jinetes se separan tras la muerte del General. Pero cada uno de ellos posee uno de los Seis, y sufre sus terribles consecuencias.
Como de costumbre este tomo contiene dos arcos argumentales. En el primero de ellos, No es la bala, es la caída, vamos a ver como el grupo que se había formado alrededor de Drake y Becky se desmorona por el ataque de la Bruja Gris y su ejército de hombres serpientes comandados por Jesup. La madre del General Hume demuestra ser un enemigo mucho más formidable de lo que llegó a ser la malvada Miss Hume, acabando con ella y llevando la guerra al pueblo de Brimstone, donde nuestros protagonistas habían llegado para recobrar fuerzas. En la gran batalla que tiene lugar allí hay de todo, desde traiciones más o menos esperadas a sacrificios heroicos. Al final Drake y Becky tienen que huir acompañados de una Nidawi poseída por el espíritu del poderoso chaman Cuervo Aullador mientras lamentan que sus más preciadas posesiones hayan caído en manos de sus enemigos. Y como epilogo, el espeluznante relato del origen de la Bruja Gris, la mujer conocida por el nombre de Griselda.
El segundo arco, Hijos del revolver, supone un paréntesis en la historia que los autores nos están contando ya que se dedica a contarnos que fue de los secuaces del General Hume cuando su jefe cuando fue traicionado por Drake mientras ellos estaban en otra misión. Vamos a conocer un poco más a cada uno de estos malvados personajes y las motivaciones que tienen y el precio que pagan por portar las poderosas armas que llevan al cinto. Una visión que nos sirve para ponernos en antecedentes del precio que deberán pagar Drake y Becky más adelante.
La primera historia del tomo sigue con el tono al que Bunn nos tiene acostumbrados. Acción a raudales y una batalla espectacular se dan la mano con un brillante desarrollo de unos personajes que no dejan de crecer página a página. Y es que el escritor no da puntada sin hilo. Ya habíamos anticipado que la Bruja Gris podía convertirse en una antagonista de cuidado, pero viendo como su ataque logra acabar con el grupo de nuestros «héroes» queda claro que será el enemigo más peligroso al que Drake y Becky tendrán que hacer frente. Y mención aparte merece Jesup, que después de parecer un villano random sin más, de esos conectados al pasado de Drake, aquí se torna en un formidable rival que logra asestar un durísimo golpe a nuestros protagonistas.
En cuanto a la segunda historia, lo primero que hay que comentar es que se trata de una miniserie a parte de la principal escrita a cuatro manos por el propio Bunn y Brian Hurt, el dibujante de la serie hasta ahora. Los autores presentan una historia muy interesante que profundiza en unos personajes secundarios que que podían dar más juego del que dieron al principio, cuando por las circunstancias del relato quedaron eclipsados por los protagonistas. Aquí se permiten brillar con luz propia dejando claro el tipo de personas que son mientras los autores dejan de manera brillante pistas que pueden afectar al futuro de la serie principal mientras nos cuentan una historia con un ritmo tan frenético y tan entretenida como nos tienen acostumbrados.
Y lo mejor de todo es que la historia sigue creciendo de manera orgánica con un ritmo trepidante sin dar un momento de respiro al lector y con múltiples sorpresas que hacen que el interés no decaiga en ningún momento.
En cuanto al apartado gráfico, nada nuevo que comentar sobre el brillante trabajo de Brian Hurt. Si acaso lo genial que luce su dibujo en las escenas de acción que abundan en el primer arco del tomo. Es remarcable como el dibujante dota sus páginas de una enorme espectacularidad sin perjuicio de una narrativa grafica sencillamente perfecta que traslada los ojos del lector de una viñeta a otra sin un momento de confusión.
Tyler Crook, el dibujante con el que Bunn trabaja en Harrow County, su otra gran obra, ofrece un trabajo correcto en la historia de origen de la Bruja Gris mientras que Brian Churilla, con un estilo más similar al de Hurtt, se encarga de ilustrar la miniserie del final realizando un buen trabajo, brillando sobre todo su diseño de monstruos y la forma en que retrata visualmente a cada uno de los cuatro jinetes del General Hume.
Por lo que respecta a la edición de Norma solo puedo decir que es tan buena como en los volúmenes anteriores. El contenido corresponde al de la edición original del cuarto tomo integral de serie que, en esta ocasión, además de los números que tocan de la colección principal (del 36 al 41), se incluye como ya hemos comentado la miniserie El sexto revolver: Hijos del revolver. Viene como siempre encuadernado en tapa dura y consta de 376 páginas incluyendo muchos extras como una breve historieta a modo de introducción a cargo de Stan Sakai (autor de la magnífica Usagi Jojimbo), el guion completo del número 41, múltiples bocetos y portadas variantes y una breve semblanza de los autores. El precio de venta es de 39,95 euros.
En resumen, El Sexto Revólver vol. 4 mantiene el gran nivel al que los autores nos han acostumbrados añadiendo como siempre nuevos elementos que lejos de servir para estirar la trama sin más, son un apoyo perfecto para una historia apasionante en la que los personajes no dejan de crecer y evolucionar mientras la acción trascurre a un ritmo altísimo.
Netflix añadió a su catálogo la serie española del año 2023, producida por RTVE, La caza. Guadiana. Se trata de su tercera temporada y está protagonizada por la guardia civil Sara Campos (Megan Montaner). Con un total de ocho episodios, esta vez nos llevará a un pueblecito cercano a la frontera con Portugal donde el río Guadiana es parte de su geografía.
Moviéndonos del pasado al presente, La caza. Guadiana, nos presenta la investigación de un caso sucedido en 2022 donde ha desaparecido una joven muy querida por el pueblo: Alicia (Claudia Galán). Todo parece indicar que su secuestro tiene que ver con unos trágicos hechos sucedidos hace 10 años, cuando resultaron muertas tres personas a manos del joven Mario (Kevin Medina).
Fue en 2019 cuando pudimos ver la primera temporada, o la primera parte, de esta serie de investigación criminal española. En aquella ocasión nos llevaban hasta un pueblecito en la montaña, en el norte de España, donde hacía unos años habían desaparecido dos niñas perdiéndose toda esperanza de recuperarlas con vida. Años después, una de ellas aparece y el caso vuelve a abrirse con la intención de encontrar a Lucía, la niña (ahora adolescente) que sigue desaparecida.
Fue entonces cuando conocimos a la guardia civil Sara Campos, una joven que empezaba a investigar este tipo de crímenes y que tenía la suerte de hacerlo de la mano del experto Santiago Baín (Francis Lorenzo). Durante estos primeros episodios conocerá a Víctor (Alain Hernández), un hombre que se convertirá en alguien muy importante en su vida.
Aquella joven nos dejó entrever sus serios problemas mentales, algo que va a ser más patente en su segunda temporada: La caza. Tramuntana, que nos llevaba hasta la isla de Mallorca, donde conocíamos a Ernesto Selva (Félix Gómez), un teniente de la guardia civil a cargo de un caso que Sara ha llevado y dejó sin concluir.
Siguiendo las notas de la mujer, Ernesto hará un perfil sobre la personalidad de la agente mientras investiga el crimen de uno de los hombres más importantes e influyentes de la zona. Todo ellos mientras Sara ha desaparecido y podemos ver más de cerca esos problemas psicológicos que ya nos dejaron caer en la primera temporada.
Y ahora, en esta tercera temporada, La caza. Guadiana, nos encontramos con que Sara ha dejado el cuerpo de la Guardia Civil y además está embarazada. Espera una niña dentro de tres meses y su padre es Víctor, con quien Sara ha roto recientemente.
Sara regresará a Frontera de Guadiana, un pueblo que conoce bien ya que llevó un caso allí hace diez años: Mario, un joven retraído, mató a escopetazos a tres personas. Cuando se le preguntó el motivo, dijo que quería matar a Duarte, pero que este era capaz de cambiar de persona en persona.
La caza Guadiana. Los problemas mentales y la trata de personas, expuestos.
Empezamos La caza. Guadiana, viajando al pasado. Santiago y Sara investigan un triple homicidio cometido por un joven con claros trastornos mentales. Este caso impacta mucho en Sara, ya que se ve reflejada en Mario, el joven que acabará preso en un psiquiátrico, culpado del triple crimen.
Mario no distingue la realidad de la ficción y en su declaración nombrará a un tal Duarte que solo conseguirá que los psiquiatras refuercen aun más su diagnóstico. Sara entiende a las víctimas, pero siente apego por aquel joven encarcelado y su familia, motivo por el cual no perderá el contacto con ellos.
Ahora, en el 2022, un nuevo misterio sacude el tranquilo pueblo ficticio de Frontera de Guadiana. Esta vez, ha desaparecido Alicia, la chica con la que Mario estaba obsesionado. Y casualmente, hace solo 15 días que él ha sido liberado y se encuentra viviendo con su familia en el pueblo.
¿Estará relacionado Mario con la desaparición de Alicia? Parece que los habitantes del pueblo ya han dado su veredicto… Mientras, Víctor y Ernesto se dedican a investigar las escasas pistas que ha dejado atrás el secuestrador. Ambos contarán con la ayuda de Sara, que aunque está retirada, viaja al pueblo en cuanto la noticia llega a sus oídos.
La caza. Guadiana, nos trae una nueva historia de investigación criminal, con giros inesperados que cierra el círculo abierto con su primera temporada, le pese a quien le pese.
