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Superman: Por el Mañana, de Brian Azzarello y Jim Lee. (Edición Deluxe)

Muy buenas a una nueva reseña. En esta ocasión el superhéroe más grande de todos los tiempos, Superman: Por el Mañana, escrito y dibujado por Brian Azzarello y Jim Lee, ahí es nada.

¿Qué pueden aportar dos grandes autores a un personaje de 70 años por aquel entonces? Eso es lo que debieron preguntarse Azzarello y Lee cuando se hicieron cargo de la serie regular del personaje para elaborar una maxiserie de 12 números. Jim Lee venía recientemente de Batman Silencio, un cómic de mucha controversia pero que nos regaló grandes momentos. Ya os hablé de esa gran historia aquí.

Superman a lo largo de sus publicaciones ha experimentado de todo, incluido la muerte. Es por ello que el reto al que se enfrentaban nuestros autores no era baladí. Así que ambos optan por una visión del personaje intimista. ¿Y sí la Tierra viese desaparecer de un día para otro a un millón de personas? ¿Y sí Lois Lane estuviese entre los desaparecidos?

Superman: Por el Mañana

Superman duda de sí mismo

Con la desaparición de Lois asistimos a la visión de un héroe con dudas, sus convicciones se ponen a prueba, su moral se tambalea. Para ello El Hombre de Acero busca respuestas en un nuevo «amigo», el Padre Leone. Esta figura nos vale para conocer a Superman desde el prisma de la duda, de una convicción tambaleante ante la pérdida. El punto de vista es desde luego sugerente. ¿Cómo afronta el héroe que todo puede el dolor de la pérdida? El de Krypton descubre que no tener a Lois más en sus brazos es más doloroso que la piedra verde que lo deja sin poderes.

Es sin duda este un buen punto de partida y más teniendo en cuenta que se nos va contando la historia a cuentagotas.

Así poco a poco se nos va abriendo el argumento y vemos que hay una trama relacionada con las desapariciones que nos lleva al otro extremo del mundo.

Es cierto que en cuanto vamos abriendo ese abanico argumental vemos que Azzarello no ha trabajado mucho la historia y el cómic se va viniendo abajo en interés al paso de los números. Es inconcebible por ejemplo que saques a la Liga de la Justicia con tan pobres situaciones y diálogos.

Superman: Por el Mañana

El arte de Superman: Por el Mañana

Cuando la historia parece que va a ir a la deriva encontramos un sostén de la misma y no es Superman, es el dibujante Jim Lee. Tengo que reconocer que a mí personalmente me encanta este dibujante sobre todo en esta obra, en Batman: Silencio o Superman Desencadenado. Un autor al que hay que complacer otorgándole cierta libertad narrativa por lo que suele primar su arte sobre el guion. Para muestras este Superman: Por el Mañana. Me fascinan muchos momentos de este cómic gracias a Lee y a Scott Williams en la tinta.

Aquí radica el interés de este cómic, en su dibujo, y quien se acerque a él por este motivo no se decepcionará. Superman luce de lujo a los pinceles de Jim Lee, ya sea en acción o en escenas más íntimas donde el dibujante hace una anatomía perfecta de Superman sea en el aire o en tierra.

Es en la acción donde Lee brilla sobre todo y la lástima es que cuando esta llega la historia hace tiempo que va a la deriva, encontrándonos con un tercio final bastante cuestionable e incluso risible.

Superman: Por el Mañana

Una edición espectacular

No quiero acabar sin alabar la espectacular edición Deluxe que ECC ha sacado para la ocasión.
Portada en geltex, mayor tamaño, funda de PVC impresa en color y numerosos extras como textos de Jim Lee o bocetos del dibujante y portadas alternativas.

Valoraciones Finales

Es la segunda vez que me he acercado a este cómic y en ambas lo he disfrutado. Las dudas del héroe, su moral tambaleante y el enemigo en la sombra nos mantiene en vilo. Luego el desarrollo de la historia nos demuestra que todo era una cortina de humo para el lucimiento sobre todo de Jim Lee que incluso cuando llega a los dos últimos números gobernados por enormes idas de olla del guionista es capaz de salvar la obra con geniales splash pages que alegran la vista.

Superman: Por el Mañana no será una de las historias que la gente recordará del personaje pero es un cómic entretenido y sobre todo una obra a disfrutar por el dibujo de Jim Lee.

La Tierra ha sufrido una catástrofe sin precedentes que ha dejado tocada a toda la humanidad. Y aquellos que no se han visto afectados directamente quieren saber qué está pasando. Entre ellos, se encuentra Superman. Pero ¿qué puede angustiar a un hombre que es capaz de mover montañas? La búsqueda de respuestas no será fácil y conducirá al Hombre de Acero a enfrentarse a uno de los enemigos más peligrosos de su extensa carrera.

El guionista Brian Azzarello y el dibujante Jim Lee nos traen Superman: Por el mañana, un relato que combina la característica acción de Lee con una reflexión sobre el significado de Superman y su importancia para la estabilidad de la humanidad que lo acogió hace ya muchos años.

Superman: Por el Mañana

Un saludo y sed felices.

Crítica de Siete Reyes deben morir (2023), en Netflix: un digno final para The Last Kingdom

Ha llegado a Netflix, finalmente, Siete Reyes deben morir, película que da conclusión a la excelente serie The Last Kingdom, basada en la saga de novelas de Bernard Cornwell. ¿Nos deja conformes el cierre? Lo analizamos…

Y llegó por fin el esperado desenlace de The Last Kingdom. Bienvenidos entonces nuevamente quienes vinieran siguiendo los análisis de esa gran serie y parece mentira que ya estemos aquí otra vez, en un reencuentro que es al mismo tiempo despedida y con el cual cumplo mi palabra de que nos volveríamos a encontrar para la película… En efecto, aquí estamos para analizar Siete Reyes deben morir (Seven Kings must die), filme que da conclusión a The Last Kingdom y que, dirigido por Edward Bazalgette, acaba de ser estrenado en Netflix.

No puedo obviar que también me estarán leyendo muchos que no vieron la serie. O que lo hicieron pero no siguieron mis análisis o bien no sabían de su existencia. A propósito: ¿se puede ver la película de manera independiente sin haber visto la serie? Sí, se puede, aunque la primera media hora se les hará algo cuesta arriba hasta acomodar las piezas y, además, perderán buena parte del componente emotivo del filme: hay imágenes, frases o sentimientos exteriorizados que, sin alterar la trama principal, de algún modo la complementan y solo cobran sentido al ser puestos en contexto.

Ahora bien:

. ¿Has visto la serie y también la película?: sigue leyendo…

. ¿Has visto la serie pero no todavía la película?: hmm, cuidado; vienen spoilers.

. ¿Has visto la película sin haber visto la serie?: puedes seguir leyendo; habrá algunos spoilers de la serie, pero la propia película los tiene.

.¿No has visto ninguna de las dos cosas?: pues mira, esto viene con spoilers y más bien te recomiendo comenzar la serie, que está también disponible en Netflix y te aseguro que no te arrepentirás.

. ¿Has visto la serie sin saber de nuestros análisis?: te invito a leerlos

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Siguiendo con preguntas: ¿ha sido la película el desenlace que la serie merecía? Digamos que en parte: es un buen filme y un digno final, pero no sé si un gran final. El problema principal es que los libros son trece y la serie los adaptaba a razón de dos por temporada. Ello nos deja con una película de dos horas para contar tres libros, algo sobre lo cual ya un lector nos manifestaba su preocupación en los comentarios de nuestro último análisis.

Hay que decir, sin embargo y una vez superada esa primera hora en que todo parece apretujado, que el director logra construir un buen ritmo narrativo. Donde más pierde la historia es, en cambio, en el desarrollo de personajes, particularmente los nuevos o que recién cobran protagonismo en esta película.

No hace falta decir que Uhtred de Bebbangurg (Alexander Dreymon), el danés criado por sajones, vuelve a ocupar el lugar central y allí reside una de las principales diferencias que The Last Kingdom siempre ha tenido con Vikingos, otra serie ubicada en época similar. Mientras que en esta última, el paso del tiempo y el devenir histórico hacían que los hijos fuesen desplazando a los padres como personajes principales, The Last Kingdom siempre giró en torno a Uhtred y la película no es la excepción.

Más aún: casi diría que se va al otro extremo y, salvo Osbert (Jacob Dudman), el resto de los hijos de Uhtred están totalmente ausentes y ni siquiera hay mención. ¿Qué pasó con Uhtred (hijo), el que, abrazando el cristianismo, se ordenara sacerdote y fuera castrado salvajemente por Brida? Más importante aún: ¿qué pasó con Stiorra, que fue importante en la victoria final de la quinta temporada y, justamente, acabó con Brida?

La ausencia de ambos, cuya razón ignoro, es una pena porque le quita fuerza al principal conflicto interno de Uhtred: su doble origen y su eterna dualidad entre paganismo y cristianismo. Cada uno de ellos era justamente la perfecta disociación gráfica de esa dualidad. Sí están presentes, en cambio, Finan y Sihtric, los leales amigos y compañeros de armas de Uhtred que ya hace largo rato vienen acompañándole, lo mismo que el estratega Aldhelm y el sacerdote Pyrlig, todos personajes muy reconocibles para los seguidores de la serie.

A Rey Muerto, Rey Puesto

La primera novedad importante es que el rey Eduardo está muerto, lo cual debido a la ya mencionada necesidad de adaptar tres libros, ha ocurrido en off. Ello deja terreno a la encarnizada lucha entre sus hijos por la sucesión. Aelfweard es quien gobierna Mercia y a quien nunca agradó en lo más mínimo que Lady Eadgifu (Elaine Cassidy), o Edgiva según traducción, haya reemplazado a su madre y, menos que menos, que un hijo “bastardo” como Aethelstan (Harry Gilby) fuera introducido sin más a la familia real.

Por tal razón, intenta tender a este una trampa atrayéndolo hacia Aegelesberg, pero todo termina al revés y si bien Uhtred intercede para frenar una inminente carnicería y convencer a Aelfweard de rendirse, no logra evitar que este acabe con un cuchillo en el vientre de parte de su propio medio hermano.

Aethelstan, aquel chiquillo triste que decía ser nadie, es ahora un joven crecido cuya conducta atropellada e impulsiva hace recordar bastante a su padre, pero mucho más exacerbada. Sostiene a escondidas una relación homosexual con su consejero Ingilmundr (Laurie Davidson), quien le recomienda estrategias militares sobre la dudosa base de citas bíblicas.

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Lo interesante de esa relación es que llena de culpa a Aethelstan por considerar que viven en pecado, mientras que su consejero le dice que ello se balancea complaciendo a Dios, por ejemplo, en ganar tierras para la cristiandad y convertir a los paganos daneses o, si se niegan, llevarles la guerra.

Ello entra en conflicto con la política conciliatoria que venía buscando Uhtred, de quien recordemos que, tras recuperar Bebbanburg, se negó a incoporar Northumbria a los reinos gobernados por Eduardo, a quien, en cambio, aseguró pagar tributo y encargarse de mantener en paz a sajones y daneses.

Llevado por Ingilmundr, Aethelstan provoca una masacre en tierras de los daneses sin saber que su pérfido consejero juega a dos puntas, pues trabaja secretamente para Anlaf (Pekka Strang), rey danés que, desde Irlanda, está tejiendo alianza con Escocia (ya anticipábamos que Constantino no se iba a quedar de brazos cruzados) y los reinos de Strathclyde, Shetland, Man y Orkney, estos tres últimos insulares y también daneses.

El objetivo real de empujar a Aethelstan a la masacre y a la conversión forzosa de los paganos, es que dichos reyes le vean como amenaza y unan fuerzas para combatirlo en una alianza que sería letal para Wessex, Mercia y Anglia Oriental, los tres reinos que ahora él gobierna. En otras palabras, abrir las puertas a la conquista de Inglaterra: un traidor con todas las letras, bah…

Premonición

En medio de todo eso y dando título al filme, Ingrith, la esposa de Finan, ha tenido un sueño que ambos ven como premonitorio: en su visión, siete reyes van a morir y “perderás a tu mujer amada”.

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Uhtred, en principio, descarta que la “profecía” le incluya, pues técnicamente no es rey y tampoco tiene mujer amada desde que muriera Etelfleda en la última temporada de la serie.

Acabaremos más tarde recalando en que cuando Ingrith dice “perderás a tu mujer amada” no lo hace mirando a los ojos de Uhtred sino a los de su esposo Finan, con lo cual es ella quien termina perdiendo la vida. Y en cuanto a Uhtred, por mucho que él no se considere como rey, la realidad es que sus seguidores le ven como tal…

Y no solo ellos: Lady Eadgifu, la viuda de Eduardo, le ve como “rey usurpador” por haber “traicionado” a su difunto esposo, a pesar de lo cual y temiendo por la vida de su hijo Edmund (tercero y menor de los hijos de Eduardo), no tiene más remedio que pedirle refugio en Bebbanburg. Poco a poco, sin embargo, irá entendiendo que Uhtred no es un enemigo y, de hecho, Edmund se lleva bien con Osfert, quien le entrena en el combate a espada.

Aethelstan es otro de los que considera traidor a Uhtred por no haber entregado Northumbria a su padre y de poco sirve que este se justifique en haberlo hecho para garantizar la paz en el norte. Encima. y para ganar tiempo, vuelve a hacer con él lo mismo al decir que lo aceptará como rey cuando sea ungido formalmente durante la ceremonia, que aún no se ha realizado.

A pesar de ello, entre ambos siempre ha habido un vínculo especial pues, recordemos, Uhtred le salvó la vida siendo niño y fue prácticamente su mentor. Tal la razón por la que el joven rey, incluso, llega a perdonarle la vida en contra de los consejos de Ingilmundr y decide, en cambio, desterrarlo.

La Última Batalla

El destierro sirve accidentalmente a Uhtred para trabar contacto con los daneses y saber de sus planes de invasión y conquista, pero además ve a Ingilmundr en su campamento y descubre que, por lo tanto, traiciona a Aethelstan. De nada sirve que regrese a Winchester para poner al joven rey al tanto: no le cree y lo vuelve a expulsar. El curso de los acontecimientos, sin embargo, acabará mostrándole que Uhtred decía la verdad le y será entonces cuando, triste y apesadumbrado, entienda que ha sido todo el tiempo marioneta de su consejero. A partir de ese momento, la alianza con Uhtred es inminente…

A la larga, los hechos conducen a la batalla de Brunanburh, la cual, librada en 937 d.C., significó la derrota de los daneses y la unión de los reinos que conformarían Inglaterra, sumándose Northumbria al aceptar Uhtred como soberano a Aethelstan. ¿Qué pasa con la profecía de los siete reyes? Pues acaba cumpliéndose, aunque no en la forma lineal que hubiera cabido suponer…

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En la batalla, y como tantas veces durante la serie, una trampa estratégica acaba definiendo lo que parecía una derrota segura y los cinco reyes daneses terminan en pie, pero con sus hijos herederos muertos… No se trataba, por lo tanto, de que morirían reyes en funciones sino quienes estaban destinados a sucederlos. De hecho, el dolor hace a sus padres abandonar la lucha y dejar prácticamente solo a Anlaf, que ya nada puede hacer…

¿Pero quiénes son los otros dos reyes? Bueno, ya teníamos muerto en off a Eduardo, así que él había sido el primero. Solo nos resta uno y termina siendo… Uhtred. En efecto, siempre fue rey aunque él no se viera como tal y, tras agonizar por una fea herida recibida, acaba partiendo con la satisfacción de la tarea hecha mientras, como tantas veces en la serie, asiste a un brindis final, con la diferencia de que quienes ahora están sentados al mismo son aquellos que a lo largo de su vida han ido quedando en el camino. Entre ellos, su amiga de infancia: Brida…

Balance Final

¿Se puede decir que el filme termina siendo un episodio extendido de The Last Kingdom? Sí: de hecho la música, el estilo de presentación y hasta los carteles en que las letras se reacomodan para actualizar los nombres de los lugares responden al mismo modelo. El problema es que, claro, acaba siendo un episodio doble comprimido por la mencionada necesidad de adaptar tres novelas.

No solo la muerte de Eduardo ha transcurrido en off; tampoco sabemos cómo ha llegado Ingilmundr a encumbrarse como brazo de derecho de Aethelstan cuando hasta donde sabíamos era Uhtred quien ocupaba tal rol. Hay, como hemos dicho, un apresuramiento forzoso que nos hace preguntar si no hubiera sido mejor hacer una sexta temporada. Quizás tres libros seguían siendo demasiados considerando que siempre fueron dos por cada una, pero no caben dudas de que diez horas de metraje permitían más desarrollo que dos

De hecho, la prisa lógica de una película hace que las muertes pierdan algo de su fuerza emotiva. En los análisis de The Last Kingdom, un lector nos comentaba lo devastadora que nos había sido la muerte de Etelfleda. Otro tanto puede decirse de las de Osfert o Beocca, a quienes habíamos aprendido a querer. Pero si nos afectaron tanto fue por lo bien explotado de los momentos, con suficiente desarrollo para que, ya fuera en la agonía misma o en el duelo posterior, sintiéramos las pérdidas en carne propia.

Al estar los tiempos más reducidos, no hay tanto lugar para ello. No llegamos, por ejemplo, a sentir lo suficiente la muerte de Aldhelm, mandado ahorcar por Aethelstan: no hay forma de detenerse en ella cuando la película debe seguir, pero en la serie hubiera merecido mucho más desarrollo y no sé si exagero al decir que quizás un episodio completo…

Pero si la de Aldhelm es una muerte que acaba pasando algo distante, más fuerte es que otro tanto ocurra con la del propio Uhtred. Casi no hemos tenido tiempo de verle morir ni de apreciar el impacto en quienes quedan. Desde ya que nos despierta intensa emoción al ser un personaje que nos ha acompañado durante tanto tiempo y el brindis final nos cala hondo, pero me hubiera gustado que nos dieran más tiempo para despedirlo. Fue como llegar a la sala velatoria cuando cerraban el cajón…

Asimismo, algunos personajes no tienen metraje suficiente para desarrollarse, como los casos de Anlaf o Constantino, que había tenido un rol desencadenante en la quinta temporada y aquí está desdibujado.

¿Significa ello que la película es una decepción? No, para nada. Es una buena película: mantiene la intriga, el ritmo y el tono gore de la serie.  Y las batallas están muy bien logradas para no tener los presupuestos de las megaproducciones hollywoodenses.

Los planteos religiosos, tan caros a la serie, están muy presentes y si bien la ausencia de los hijos de Uhtred no permite la disociación, sí vemos a las tradiciones guerreras paganas convivir, más que contraponerse, con la culpa y el perdón cristianos en un sincretismo que va edificando una sociedad nueva.  El mejor ejemplo es Aethelstan, personificación de un conflicto entre religión y sexualidad que la serie no había tocado.

La banda sonora ( John Lunn, Eivør y Danny Saul) ha estado a la altura, al igual que la fotografía (Luke Bryant), aunque a mi gusto personal sigo prefiriendo la de las dos primeras temporadas, cuando la serie todavía pertenecía a la BBC.

Entre las actuaciones, para destacar la irlandesa Elaine Cassidy, interpretando a una Lady Eadgifu atravesada por cambios y dudas, o el británico Laurie Davidson dando vida a un interesante villano y demostrando que hay vida después de Cats, capaz de condenar al olvido al mejor actor. Y a no menospreciar a Alexander Dreymon, siempre sólido en la piel de Uhtred.

Es para celebrar, en definitiva, que The Last Kingdom haya tenido un cierre más que digno en estos días de cancelaciones y series inconclusas. Quizás estemos de acuerdo en que el mismo podría haber sido mejor, pero creo que también en que no podemos quejarnos del pedazo de serie que hemos visto y la dignísima película que la ha cerrado.

A quienes siguieron mis análisis de la serie desde primera hora, les agradezco y espero compartan la satisfacción de haber llegado a puerto: me gustaría, por cierto, conocer sus impresiones y qué tan conformes les ha dejado este final o si, por el contrario, se han decepcionado. A quienes, en cambio, hayan arribado aquí por la película y sin conocer la serie, desde ya que también les agradezco haber leído hasta el final e igualmente me gustaría conocer sus opiniones, ya que me es difícil apreciar la película sin la serie en las retinas y sería bueno tener otra perspectiva.

Hasta la próxima y sean felices…

Novedades de ECC Ediciones de julio de 2023

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os traemos las novedades de ECC Ediciones para el mes de julio de 2023.

Llega el momento de compartir los lanzamientos previstos para junio. Ante el inminente estreno de la película, calentaremos motores con la edición integral de la épica saga Flashpoint escrita por Geoff Johns y dibujada por Andy Kubert, y celebraremos el mes de la diversidad LGTBQ+ con la antología Orgullo 2023.

En ECC Manga os presentamos hasta cuatro nuevas licencias. A la cabeza de todas, Junji Ito y El pueblo del éter, la esperada temporada 2 de El umbral de lo siniestro. Al que se suman los tomos únicos Hinatsugi, el pueblo de las muñecas y Cautivado por ti, así como el inicio de Suzuki solo quiere vivir tranquila.

Seguimos ampliando el catálogo DC Young Adult en el sello Kodomo con la recuperación de Harley Quinn: Cristales rotos y también el sello ECC Cómics con dos debuts: Odio este sitio, el nuevo título made in Skybound y Mañana. Y nos despedimos con Salitre, la historia de dos hermanos cuyo destino estará marcado por una importante decisión que cambiará sus vidas.

Un saludo y sed felices.

Renfield (2023): Una relación toxica sangrientamente hilarante

«Entra libremente y por tu propia voluntad y deja parte de la felicidad que traes contigo»

(«Drácula», Bram Stoker)

 

‘Renfield’ ha llegado este fin de semana a nuestras pantallas y pese que algún que otro tráiler no le ha hecho mucha justicia, me he lanzado al cine a ver a Nicolas Cage desbocado como Drácula.

Dirigida por Chris McKay, a partir de un guion de Ryan Ridley («Rick y Morty») y Robert Kirkman (‘The Walking Dead’ e ‘Invencible’) nos presenta a un Renfield que va descubrir que hay vida más allá de servir como familiar a un conde Drácula egoísta y manipulador. Todo esto acompañado por una agente de policía que trata de llevar a la cárcel a los asesinos de su padre y una familia mafiosa gobernando una Nueva Orleans corrupta.

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El concepto de la trama es muy sencillo y parece ese tipo de ideas pseudo-trascendentales que se nos puede ocurrir en un bar después de varias cervezas, pero funciona. Y funciona porque va a lo va y sabe lo que quiere desde el primer momento y es por eso que no se va a parar a expandir a los personajes secundarios o a darles algún giro dramático.

Incluso el personaje de Awkwafina es uno de los clichés más manidos que nos podamos encontrar en el cine, pero eso no importa porque su química con su compañero Nicolas Hoult consigue que nos olvidemos de eso.

Ambos se comen la pantalla cuando están juntos y nos entregan momentos muy divertidos que consiguen sostener la cinta cuando no está Nicolas Cage en escena. Porque, seamos sinceros, este Drácula ha sido escrito para el actor de ‘Leaving Las Vegas’ y su forma de interpretar. Excéntrico, exagerado y muy consciente de lo que se espera de su forma de llevar a Drácula a la gran pantalla, todo esto sin olvidar a Bela Lugosi.

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Cage es el alma de la fiesta, una fiesta que se abandona a la sangre y la exageración en cada una de las escenas de acción que veremos en ‘Renfield’.  Con su dolorosa fijación por hacer daño en las rodillas de los enemigos.  Y cuando digo ‘exageración’ no me quedo corto, pues a la película no le importa entregarnos gore física y anatómicamente imposible como el empalamiento contra la pared de una persona con el brazo de otra.

En la mezcla del humor con el gore, al más puro estilo del cine de serie B que tanto nos gusta, es donde reside la fuerza de ‘Renfield’.  Con unos efectos prácticos y generados por ordenador que lucen muy pero que muy bien.

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Conclusión

‘Renfield’ es una macarrada sanguinolenta y desternillante que se lanza al vacío de la comedia desenfrenada sin miedo a nada. Con un trio protagonista que se nota que se lo está pasando en grande con los personajes que les ha tocado, sobre todo el señor Cage.

Una cinta de acción gore y trama simple que sabe a lo que ha venido a jugar que no pretende más que divertirnos con un guion muy sencillo que lleva un paso más allá la relación amo-siervo de la historia de Bram Stoker.

Ciertamente la idea central sobre esta relación toxica tampoco daba para más, pero consigue que funcione y que nos olvidemos de los las imperfecciones del guion y nos dejemos llevar por la vorágine de sangre y acción.

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Una acción que nos entrega coreografías bastante más logradas de lo que esperaba y que me han parecido de un gran nivel.

Pese que el título es ‘Renfield’ aquí el que más sobresale es el Drácula de Nicolas Cage, no solo por su vis cómica, sino porque sabe darle al personaje ese tono amenazante cuando es necesario. Estamos ante un spin-off de Drácula que pide a gritos un spin-off del señor Vlad Tepes.

‘Renfield’ llega a los 93 minutos y con la sensación (en algún momentos esporádico) que podía haberse recortado algo más, pero es un divertimento muy recomendable a los amantes del cine gore de serie B y del gran Nicolas Cage.

Un saludo y temed a los hijos de la noche.

Retro-Análisis: Hace un Millón de Años (1966), el absurdo atractivo de una prehistoria imaginaria

Hoy en nuestra sección de retro-análisis, revisitamos Hace un Millón de Años (Un Millón de Años antes de Cristo para América Latina), aventura prehistórica con estética sesentera que elevó a Raquel Welch a ícono sexual y dejó uno de los carteles más célebres e icónicos de la historia del cine.

Esta es una historia de hace mucho, mucho tiempo, cuando el mundo estaba comenzando”. Con esa frase en off comienza Hace un Millón de Años y el propio título entra en contradicción con la misma, pues el mundo es unas tres mil quinientas veces más antiguo que eso.

También se lo puede ver como que estamos a punto de ver una prehistoria que nunca existió: una en la cual los seres humanos convivían con dinosaurios y las féminas lucían tan curvilíneas, peinadas y maquilladas como Raquel Welch. Después de todo, también la obra fundamental de Tolkien se ubica en una Edad Media inventada.

Y el título para España me termina gustando más que el original One Million Years B.C. (en América Latina literalmente traducido como Un Millón de Años antes de Cristo), ya que si bien un millón de años es apenas ayer para la evolución del planeta, también es una cifra importante para que no haya necesidad de referirla a la cronología cristiana y lo de “antes de Cristo” se vuelve irrelevante.

El filme es remake de otro de 1940 que, con idéntico título y dirigido por Hal Roach, contaba a Victor Mature en el rol principal, además de escenas de terremotos y erupciones que serían reutilizadas y recicladas hasta el cansancio para abaratar costos en infinidad de películas y series: hasta Los Tres Chiflados echaron mano de ellas.

Una Producción de otro Tiempo

La idea del remake nació de Hammer Productions, compañía cinematográfica británica que estaba en su mejor momento con títulos de suspenso, ciencia ficción y, sobre todo, terror gótico, pero que por primera vez incursionaba en la prehistoria.

Para dirigirla, se contrató a Don Chaffey, de larga experiencia en filmes fantásticos, en tanto que para los efectos visuales se recurrió a Ray Harryhausen, auténtico especialista en animación stop-motion y quizás primer técnico de efectos en adquirir carácter de estrella: en su haber figuraban La Bestia de Tiempos Remotos (1953), Simbad y la Princesa (1958) o La Isla Misteriosa (1961), además de haber ya trabajado con Chaffey en Jason y los Argonautas (1963) y haberse hecho con un Oscar por El Gran Gorila (1949); si creen que alguien inventó algo con un oso cocainómano, aquí tienen un gorila borracho haciendo desmadres.

Los papeles principales recayeron sobre John Richardson y Raquel Welch (aquí artículo sobre su reciente partida), que venía de rodar el mismo año esa gema llamada Viaje Alucinante (aquí retro-análisis), pero que quedaría a partir de este filme elevada a ícono sexual por más de una década.

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De hecho y a diferencia de lo ocurrido en Estados Unidos, el cartel promocional del Reino Unido (ese que se volvería obligatorio en toda habitación de adolescente), la mencionaba como protagonista principal. Y ya que hablamos del cartel, el mismo tendría también papel central en una historia de Stephen King posteriormente adaptada al cine como Cadena Perpetua, Sueño de Libertad o Sueños de Fuga según los países.

El rodaje se realizó en Islas Canarias, importante diferencia con respecto a la película original y mucho del cine previo de aventuras o monster movies: los paisajes volcánicos de Lanzarote proporcionaron una magnífica belleza natural que, asociada a la eficaz fotografía de Wilkie Cooper, dieron una credibilidad novedosa para la época.

Otra original novedad es que la película evita cualquier lenguaje conocido (en la de 1940 hablaban perfecto inglés) para recurrir a una serie de fonemas guturales que, sin constituir un vocabulario complejo ni extenso, se repiten lo suficiente como para hacernos asociar sonidos a conceptos.

Eso sí: el “diálogo” es tan poco que no había necesidad de dos guionistas (Michael Carreras y William Bast) y menos tratándose de un remake. Tampoco se entiende por qué Luana (el personaje de Welch) utiliza la palabra griega “achelon” para alertar a los suyos sobre la presencia de una tortuga gigante.

La Historia

Después de la frase del comienzo, la voz en off (mismo relator de Espartaco, de Stanley Kubrick) regresa brevemente tras los créditos iniciales y ya no vuelve a oírse, como diciendo: “a partir de aquí, sigues por tu cuenta”.

El mundo prehistórico se muestra convulsivo, caótico y hostil, obviamente sembrado de erupciones volcánicas (el imaginario popular tiende a creer que las había todos los días y a toda hora), enormes criaturas y hordas guerreras, a una de las cuales (la Tribu de la Roca) pertenece Thumak (John Richardson).

Por un conflicto con su padre y su hermano, este acaba expulsado y debe vagar sin rumbo por un peligroso ambiente de fauna prehistórica y otra que no lo es tanto, como iguanas o arañas gigantes que jamás existieron y, según la ley cuadrático-cúbica, tampoco hubieran podido…

Tras atravesar una cueva ocupada por bastante menos evolucionados hombres-mono que coleccionan calaveras, Thumak entra en contacto con la Tribu de la Caracola, cuyos integrantes tienen, a diferencia de su gente, rasgos más suaves y cabello rubio, además de ser más pacíficos, de buenos modales y con una filosofía más valorativa de la vida.

De características bastante avanzadas que poco encajan con la época, practican más la pesca que la caza, usan adornos y joyas, tienen música, arte rupestre y… las chicas usan bikinis (de piel, eso sí), así como peinados y maquillajes de los sesenta.

Entre ellas, obviamente, está Luana (Raquel Welch), quien, tras encontrar a Thumak en la playa cual Nausicaa a Odiseo, le lleva con los suyos. Al principio no lo aceptan, pero la cosa cambia cuando, en impactante escena y a riesgo de su vida, salva a una niña del ataque de un alosaurio: de no existir el poster de la Welch, esa hubiera sido la imagen del filme…

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No faltan triángulos ni relaciones cruzadas: Luana tiene en la tribu un pretendiente celoso (¿solo uno?), lo cual, una vez más, deviene en conflicto y destierro, pero esta vez Thumak parte acompañado, ya que ella decide ir con él. No quiero contar más, pero obviamente se cruzarán con todo tipo de peligros desde dinosaurios hasta las consabidas erupciones volcánicas y, como ya supondrán si no han visto la película, el amor, la armonía y la cooperación terminarán triunfando…

Ensalada de Épocas

Que la cronología es un disparate es algo tan obvio que casi podría omitirse decirlo: fauna jurásica convive con comunidades paleolíticas en transición hacia el neolítico y, a excepción de los hombres-mono, los humanos lucen bastante actuales, a lo sumo algo más peludos, como los de la Tribu de la Roca. Además caminan completamente erguidos y son blancos, algo sumamente improbable hace un millón de años.

Como ya fue dicho, el ser humano jamás convivió con los dinosaurios y, por cierto, pocas posiblidades hubiéramos tenido de desarrollarnos si un gigantesco meteorito no nos allanaba el camino quitándolos de en medio. Sin embargo, siempre nos intrigó pensar cómo hubiera sido la convivencia y el cine se dedicó a juntarlos cada vez que pudo con cualquier excusa: viajes en el tiempo, islas inexploradas, ADN en mosquitos fosilizados o mundos alienígenas reminiscentes del pasado de la Tierra. Lo que sea con tal de dar “lógica” al anacrónico encuentro…

Aquí ni siquiera hay excusa: no importa por qué los dinosaurios siguen allí con sesenta y cinco millones de años de retraso ni tampoco de qué se alimentan en un paisaje árido y desértico que no parece tener una fauna lo suficientemente rica como para mantener una cadena. Tampoco hay mucha vegetación, lo que, además de complicarle las cosas a los herbívoros, nos hace preguntarnos por qué los protagonistas no ven llegar a semejantes criaturas hasta que las tienen encima (y eso que se supone que la columna erguida facilitó otear el paisaje).

De todas formas, quienes hemos visto mucho cine de monstruos o dinosaurios sabemos una cosa: cuando estés a merced de uno de ellos y parezca no haber salvación, siempre aparecerá en escena un contrincante que le robará su atención y te facilitará la fuga. Verne inventó el recurso en Viaje al Centro de la Tierra y el cine lo institucionalizó con el King Kong de 1933

Y el choque clásico, casi el “derby” del fin de semana, siempre era el del t-rex contra el triceratops. De niños mirábamos esas películas tomando partido por uno o por otro y esperábamos ansiosamente el enfrentamiento que, sabíamos, se produciría con toda puntualidad hacia el último cuarto. Pues bien: aquí no es distinto…

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Animales Fantásticos… y no tanto

Para recrear a los dinosaurios y sus movimientos se recurrió mayormente a la técnica de stop-motion, que por esos años era lo “top” en efectos e hizo nuestras delicias cuando faltaban años para Jurassic Park y el cgi. También se recurrió a animales ampliados y superpuestos, como la iguana o la araña gigante. Se me ocurre que fueron puestos allí porque un par de animales reales podían contribuir al realismo del conjunto: ninguno de nosotros ha visto nunca un t-rex en acción, pero sí una araña y si la vemos real, no tenemos por qué pensar que el resto de las criaturas no lo sean.

La historia del que se ve separado de su clan es para esta altura un tópico prehistórico: se la puede hallar en la magnífica En busca del Fuego (Jean-Jacques Annaud, 1981) o en la aceptable Alpha (Albert Hughes, 2018), pero indudablemente debe mucho a Hace un Millón de Años. Es cierto que En busca del Fuego se basa en una novela de 1911, pero allí (a diferencia de su adaptación) no había destierro sino una competencia por encontrar el fuego. Lo que sí es deudor de la historia de J.H. Rosny es lo de las tribus que, con diferente estado de evolución, entran por primera vez en contacto.

Prehistoria Sesentera y Fetichista

Un profesor de la universidad me decía que para comprender la prehistoria es necesario entender primero el siglo XX. Lo fundamentaba en que su estudio ha sido, justamente, el último en aparecer y las herramientas conceptuales y metodológicas para abordarlo nacieron recién durante el siglo pasado. Para encarar el período, se necesita un marco teórico: si vamos a hablar de utensilio, herramienta, comunidad, familia o incesto, primero tenemos que saber qué estamos definiendo como tal. Ello vale, desde ya, para cualquier período a estudiar, pero mucho más cuando no hay testimonio escrito y debemos hacer que los restos hablen.

Hace un Millón de Años es una película de los sesenta con una mirada de la prehistoria anclada claramente en esa década, desde la lucha entre pacifismo y belicismo hasta los ya mencionados peinados y maquillajes e incluso los patrones de belleza, pues difícil es creer que alguien como Raquel Welch fuera considerada atractiva hace un millón de años, ni tan siquiera mil. Ello se ve más claro en El Clan del Oso Cavernario (otra película prehistórica que merece retro-análisis), en la cual el personaje de Daryl Hannah (hermosa para nuestros parámetros) es casi un “patito feo” para la comunidad en que se ha criado.

De lo que no cabe duda es de que la Welch era atractiva para el lobo semental interior de cada uno de nosotros que, desde la butaca del cine, proyectaba en las famélicas miradas de los cavernícolas la suya propia. La película está dedicada a mostrar su cuerpo con un deleite entre el enamoramiento y la lascivia, cubriendo así la deuda que había dejado Viaje Alucinante, en donde no había prácticamente mostrado carne. Alcanza con echar un vistazo a algunas de las frases publicitarias como “¡Vea a Raquel Welch con el primer bikini de la humanidad!” o “Conozca un mundo bestial donde la única ley era… ¡la lujuria!”.

No hay que olvidar que esto es exploitation puro y con mucho de cine B por más producción que tenga. De hecho, el resto de las muchachas no desentonan al lado de Raquel sino que, por el contrario, Lisa Thomas e Yvonne Horner lucen igual de sexies pero con menos cartel.

¿Y qué mayor fantasía podía tener un espectador promedio masculino de los sesenta que encontrarse en la playa con una horda de mujeres prehistóricas? Roger Corman, que de eso sabía bastante, repetiría descaradamente la fórmula dos años después en Viaje al Planeta de las Mujeres Prehistóricas, vampirizada versión de la película soviética El Planeta de las Tormentas (Pavel Klushantsev, 1962), a la que decidió agregar chicas: el exploitation es así…

Hace un Millón de Años no niega al espectador más troglodita ningún placer fetichista: pocas cosas tan mórbidas como Luana suspendida en garras de una hembra de pterodáctilo mientras por debajo suyo, en el nido (sí, un nido, como el de un ave), las ruidosas crías arrojan voraces picotazos en procura de hincar el diente (o lo que sea) en cada parte de su bella anatomía.

ULTRAKiLLBLAST — ONE MILLION YEARS B.C. (1966)

También hay un baile erótico a cargo de Martine Beswick (suprimido en la versión para Estados Unidos) y hasta una escena de lucha entre esta y la Welch en la que solo falta fango…

Por lo demás, la película mezcla ingredientes de monster movie, cine peplum (muy de moda por la época) y hasta épica bíblica, sobre todo en las armonías corales que caracterizan la banda sonora compuesta por el italiano Mario Nascimbene: a veces parece que de un momento a otro fuera a aparecer un sujeto de túnica y cayado por detrás de alguna montaña.

Pero si bien esos elementos la relacionan inevitablemente con otras producciones de su tiempo, hay, como hemos dicho, toques originales e innovadores como el uso del lenguaje, el manejo de la paisajística o la última escena en sepia que pareciera marcarnos el final a la vez que el inicio de una historia nueva y diferente aunque, paradójicamente, muy antigua.

Tras el éxito, Hammer Productions se embarcaría durante los años siguientes en una serie de películas prehistóricas que podían incluir dinosaurios, chicas o ambas cosas. En esa línea se inscribe Slave Girls (1967) que, estrenada en Estados Unidos como Prehistoric Women, reconvertía a Michael Carreras de guionista a director y a Martine Beswick de actriz secundaria a principal.

En 1968 llegaría El Continente Perdido (otra vez con Carreras como director) y dos años después Cuando los Dinosaurios dominaban la Tierra (dirigida por Val Guest y basada muy libremente en una historia de J.G. Ballard). La saga de mujeres de las cavernas se cerraría en 1971 con Criaturas olvidadas del Mundo, que repetía no solo a Chaffey en la dirección y a Carreras en el guión, sino también y de manera casi literal el cartel promocional de Hace un Millón de Años con una Julie Ege que tenía lo suyo pero quedaba lejos de la Welch…

Y la fiebre por las películas prehistóricas no se limitó a Hammer: un maravilloso disparate de Warner llamado El Valle de Gwangi (Jim O´Connolly,1969) se tomó (una vez más con Harryhausen en los efectos visuales) el descarado atrevimiento de reunir dinosaurios y cowboys. Los dinos calzan bien en cualquier lado…

Pero quizás muchos se lleven una sorpresa al saber que Hace un Millón de Años influyó nada menos que a Stanley Kubrick, pues así como el filme echara mano del relator de Espartaco, la influencia se revirtió y se pueden hallar reminiscencias del mismo en la introducción de 2001: Una Odisea del Espacio, siendo notable la similitud de los homínidos con los hombres-mono de la cueva de calaveras. Y no acaba allí: en uno de los delirios alucinatorios de Alex en La Naranja Mecánica se pueden reconocer las explosiones y caídas de rocas del final de la película.

Valoración Final

En algún momento, Chaffey declaró no haber hecho la película para nerds prehistóricos. En una tónica similar, Harryhausen defendió King Kong manifestando que no estaba hecha para profesores de biología que no irían a verla. Si uno pretende ver Hace un Millón de Años con fines educativos, está absolutamente perdido y sería mejor que echase un ojo a algún autor de la cuantiosa y valiosa bibliografía que hay sobre la prehistoria.

Tampoco es apta para quienes, más anacrónicos que la película misma y basados en prejuicios y valores actuales, estén a la caza de panfletos machistas y sexistas. Ni para buscadores de lecturas filosóficas.

Recuerdo haber leído alguna vez una crítica cuyo autor tildaba al filme como “solo para neandertales”, ignorando casi con seguridad que estos introdujeron muchos avances y fueron los primeros en enterrar a sus muertos y colocarles flores. Suele ocurrir que quien pretende jugarla de culto e instruido acaba pasando por ignorante…

Así como hemos dicho que Hace un Millón de Años es una película que no busca excusas para sus anacronismos, tampoco es una que sufra de autoindulgencia o tenga necesidad de pedir disculpas. Es lo que está allí… ¿Te gustan los dinosaurios? Los tienes. ¿Te apetece ver muchachas en escuetos bikinis prehistóricos? Allí están. ¿Quieres ver una historia entretenidísima? Disfrútala. ¿No te interesa nada de todo eso? Vuelvo a recomendarte lo del libro…

Se podrá objetar que está llena de incongruencias o que la Welch no tiene idea de actuación (después mejoró y hasta se llevó un Globo de Oro), pero si lo que quieres es pasar un rato divertido y sin complicaciones, no dudes en hacer este tour por una prehistoria que nunca existió, pero que bien te gustaría que hubiese existido. Hace un Millón de Años es una película sin culpas para ser vista también sin culpas…

Hasta la próxima y sean felices…

El cómic de la semana: Spawn GunSlinger

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”Hoy destacamos Spawn GunSlinger. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

Spawn GunSlinger, otro gran spin-off

Por fin uno de los Spawn más carismáticos tiene su colección propia, hablamos de Spawn GunSlinger, título acertado en castellano lo de poner primero Spawn y luego «lo que sea». Así tenemos las 4 series ordenadas alfabéticamente.

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Tras el Universo Spawn donde se redefinió el actual personaje y sus series nuevas, Spawn vuelve a estar en una nueva edad de oro. No sólo ha llegado a encabezar las listas americanas de los cómics más vendidos del mundo, sino que además tiene 3 spin-offs en forma de series regulares.

La primera de todas, la serie madre, que casi se me olvida comentarla, es Spawn, y sigue siguiendo Spawn. Podemos ir comprando los integrales que empiezan desde el número 1 americano hasta que se cansen. Cuando publico este artículo ya se han editado 11 integrales alcanzando casi el número 200 americano. Espero que al menos lleguen al 318. Luego comento el por qué.

Desde Universo Spawn, se presentaron 3 nuevas series las cuales Planeta Cómic está publicando desde el número 1 y en tomos en tapa dura. Una edición acertada.

La primera de las colecciones fue Spawn Rey, la segunda es Spawn GunSlinger y la tercera, que también comentaremos próximamente en el cómic de la semana es Spawn Scorched. Todas están siendo publicadas en tomos de 6 números en tapa dura y numeradas.

Y ahora vuelvo a la serie regular: Spawn. Spawn tuvo una época en la cual no vendía tanto como antes o como ahora, y Planeta empezó a publicar las historias modernas, a partir del 251 en tapa blanda. En vez de venir numeradas aparecían con subtítulos como «Resurección» o «Las guerras de Satán»… ¿Qué pasó? Qué tras Universo Spawn, Planeta está publicando todas las series de Spawn, incluyendo la principal en tapa dura. Por tanto espero que los Integrales puedan alcanzar en un futuro el 318 americano, que es el anterior a todas las series que surguen nuevas, incluida esta de Spawn GunSlinger.

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Y Spawn GunSlinger es una colección, ojo este dato es importante, guionizada por el mismísimo Todd MacFarlane. Y en Estados Unidos sigue como máximo escriba de la colección. Esto significa todo el cariño que el creador de Spawn tiene por este personaje. Y el dibujante ya es un viejo conocido, el mismísmo Brett Booth, un enorme ilustrador que hace que esta colección sea un espectáculo en el entorno gráfico.

Spawn GunSlinger es otra colección de Spawn, que bebe de los 90, con guiones muy chulos, muy espectaculares, con mucha acción, pero sin mucho transfondo. Hablamos claro, y nos referimos a que se trata de un cómic palomitero, muy entretenido, que se engloba dentro de un universo rico en mil matices, pero lejos de ser transcendental. Yo lo recomiendo, pero sabiendo lo que estamos leyendo.

Además es gracioso, o simpático, según como lo tomes, ver como el pobre GunSlinger, atrapado en su futuro (nuestro presente), tiene dificultades en entender un mundo tan avanzado tecnológicamente. Un plus extra para que la serie aporte algo de humor dentro de ese ambiente tan decadente que ofrecen todas las series de Spawn.

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Un western oscuro.

Desde los altiplanos de Wyoming hasta el desierto rocoso de Yuma, Arizona, se escucha una leyenda. Entre susurros se habla de un hombre que vendió su alma al Diablo para disponer de una oportunidad para vengarse. Vengarse por una familia perdida por la codicia y el salvajismo. La gente dice que un pueblo entero quedó borrado del mapa como pago por su pérdida. A este hombre se le conoce como SPAWN GUNSLINGER.

Ha vagado por los páramos durante años, y nadie se libra de su ira. Ahora, sin embargo, ha sido arrastrado al futuro por una fuerza desconocida y ha quedado varado en un mundo repleto de maravillas, misterio y peligro. Han surgido nuevos enemigos que tratan de reclamar su poder como propio, y criaturas de su oscuro pasado todavía le acechan desde las sombras. Trata de regresar a su hogar, a su época, y descubre que solo hay un hombre con el poder para ayudarle… SPAWN.

TODD MCFARLANE lidera otro destacado equipo creativo entre cuyos miembros encontramos a: BRETT BOOTH, KEVIN KEANE, ADELSO CORONA
ANDREW DALHOUSE. ¡…Y muchos más!

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Debajo de estas líneas os dejo la portada de la edición española de Planeta Cómic y el enlace a la editorial pinchando aquí.

Spawn GunSlinger

Un saludo y sed felices

Crítica de The Offer. La historia del rodaje de El Padrino es una serie que no podrás rechazar

El Padrino es una de las mejores películas de la historia del cine. Eso es así. Una afirmación sobre la que no voy a admitir ninguna discusión. El año pasado se cumplieron 50 años de su estreno (1972) y Paramount, su productora, se animó con la realización de The Offer, una serie de ficción en la que recoge el tortuoso y complicado camino que tuvieron que seguir los responsables de la cinta para poder llevar este proyecto a buen puerto. Y ahora que SkyShowtime, la plataforma de streaming de Paramount, está disponible en España, podemos disfrutar de esta fantástica serie en la comodidad de nuestros hogares.

Retro-Análisis: El Padrino (1972), a 50 años de su estreno

El Padrino: El imperio Corleone, un juego de mesa que no podrás rechazar

A lo largo de 10 capítulos vamos a ser testigos de las experiencias de Albert S. Rudy, productor de la película y principal protagonista de la serie. No en vano en los títulos de créditos se nos recuerda que la serie “está basada en la experiencia de Albert Ruddy al hacer ‘El Padrino'». Y esto es algo que hay que tener en cuenta ya que lo que vemos es el punto de vista del productor, un punto de vista con el que otros responsables de la mítica película no están necesariamente de acuerdo.

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Albert S. Rudy, su secretaria Betty McCartt y Francis Ford Coppola

Una vez puesto en antecedentes, lo primero que hay que destacar es que la serie, como tal, es muy, pero que muy entretenida. Los múltiples problemas a los que se enfrenta Rudy (al que da vida de manera brillante Miles Teller) a la hora de sacar adelante un proyecto tan complicado y cómo los va solventando nos mantienen pegados a la pantalla sin solución de continuidad.

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Marlon Brando dando vida al Don

Y es que no fueron pocos los impedimentos a los que Rudy tuvo que hacer frente. El primero, lograr que le dieran el puesto de productor de la cinta, algo que consiguió camelándose al jefe de Paramount de la época, Robert Evans (Matthew Goode). De hecho, uno de los puntos fuertes de la serie es la relación que se establece entre Rudy y Evans que, con sus altibajos y problemas, acaban conformando una gran amistad. Además, Goode está soberbio dando vida a Evans y comiéndose la pantalla cada vez que aparece.

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Robert Evans defendiendo a Paramount ante Charles Bluhdorn y el consejo de Gulf & Western

Luego había que comprar los derechos de un libro que, aunque fuera todo un superventas, tampoco estaba demasiado claro que pudiera ser trasladado al cine de manera correcta. Sobre todo, porque en los 70 las películas de gánsteres no estaban muy bien consideradas.

Además, Mario Puzo (Patrick Gallo), el escritor, quería ser el encargado de escribir el guion aunque no tuviera experiencia previa. Al equipo acaba uniéndose la última pata del banco que hizo posible la película: el director: Francis Ford Coppola (Dan Fogler), que coescribió el guion junto a Puzo naciendo una gran amistad entre ellos.

De hecho, Coppola siempre se ha negado a trabajar en más partes de la saga sin Puzo, por lo que ahora que este último está fallecido, nos podemos ir olvidando de ver alguna vez El Padrino IV. A estos cuatro personajes se une Betty McCartt (Juno Temple), secretaria de Rudy y mujer adelantada a su época, con un amor por el cine y unos recursos e inteligencia vitales para sus jefes.

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Puzo y Coppola trabajando mano a mano en el guion de El Padrino

Una vez que el proyecto se pone en marcha van surgiendo mil problemas derivados del ajustado presupuesto de la cinta y el choque de intereses que esto supone con la visión artística de Coppola, una visión que Rudy siempre tuvo claro que tiene que prevalecer para lograr hacer una obra maestra.

Hay que señalar que por esa época Paramunt estaba viviendo un momento complicado. La productora pertenecía al conglomerado empresarial Gulf & Western y su consejo de administración valoraba muy seriamente desprenderse de Paramunt por lo que el trabajo de Evans y Rudy llevándose al agua a Charles Bluhdorn (Brun Gorman) y a Barry Lapidus (Colin Hanks), mandamás de Gulf & Western y su encargado financiero, resultó vital. Además, el personaje de Bluhdorn es otro de los que más brilla en la serie por su peculiar forma de ser, estando magnífico cada vez que aparece en pantalla.

Por si fuera poco, la película contó desde el principio con la oposición de la mafia real. No querían verse retratados como unos vulgares delincuentes en pantalla. Así que Rudy tuvo que buscar la forma de aliarse con Joe Colombo (Giovanni Ribisi), un capo con el que acabó trabando amistad y que fue fundamental para lograr que los italoamericanos abrazaran la película como suya.

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Rudy y Joe Colombo: una relación peligrosa

Todas estas situaciones (y más) son las que van dando forma a un relato apasionante en el no faltan las anécdotas de sobra conocidas, como lo difícil que fue convencer a los jefes de Paramount de que Al Pacino (por entonces un semidesconocido) era el actor perfecto para ser el protagonista de la película, o los peculiares métodos de interpretación del mítico Marlon Brandon (incluida la anécdota de los pañuelos de papel en la mejillas para dar vida al Don o su insistencia en no aprenderse los diálogos).

En definitiva, The Offer es uno de esos casos de “cine dentro del cine” que nos enseña lo complicado que es hacer películas y lo satisfactorio que resulta cuando todo sale bien. Contado, además, de una manera amena y divertida que gracias a la gran labor de los intérpretes nos mantiene pegados a la pantalla esperando ver qué nuevos problemas van surgiendo y cómo se van a solucionar. The Offer es, nunca mejor dicho, una serie que no podrás rechazar.

Análisis de Superman & Lois. Temporada 3. Episodio 4. Demasiado cerca

Bienvenidos a un nuevo análisis de Superman & Lois. Esta vez toca el capítulo 4 de la tercera temporada titulado “Demasiado cerca”, en el que vemos como Clark intenta hacer frente a la situación de su esposa mientras descubrimos cómo Bruno Mannheim logró hacerse con la sangre de Superman y cómo Jordan y Jonathan tienen sus propios problemas, unos problemas que acabarán con una invitada especial en la casa de los Kent.

Enlace a los análisis anteriores de Superman & Lois.

La acción comienza con Superman y Jordan intentando detener un incendio forestal, pero Clark se marcha de regreso a casa por temor a que Lois no se encuentre bien. Pero su esposa es una mujer de armas tomar que puede aguantar todo lo que le echen, aunque Clark insista en «tenerla en palmitas» y cuidarla por lo que pide a sus hijos que se porten bien y no le den problemas.

La actuación de Jordan en el incendio forestal tiene consecuencias. Sam se reúne con su nieto y le muestra unas fotos por satélite en las que, aunque no se ve la cara del joven, sí que salta a la vista su característico peinado. Por eso pide a Jordan que sea responsable y se corte el pelo si quiere seguir actuando como un héroe, algo a lo que el muchacho no está dispuesto.

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¿Se reconoce el pelazo de Jordan en esta foto?

Jonathan tiene sus propios problemas y decide enfrentarlos, así que va a hablar con Emmet, el padre de Candice, por el robo de su coche. El problema es que Emmet es un capullo integral y acaba golpeando al pobre Jonathan dejándole una marca que Lois ve cuando llega a casa. A pesar de que se supone que debería estar descansando, hace lo que toda buena madre haría: enfrentarse al agresor de su hijo. Aunque la cosa tampoco es que vaya demasiado bien ya que Emmet acaba amenazando a Lois y a los chicos con un arma.

En el mundo Lang, Sarah sigue viviendo con su padre Kyle. Intenta que su hija haga las paces con Sarah después de que le diera un bofetón. Sarah demuestra lo malcriada que es manipulando a su padre y escondiendo la razón por la que recibió la bofetada. Al final, Kyle descubre lo que pasó hablando con Lana y en una emotiva conversación familiar en la que todos se sinceran logra que las dos mujeres se den otra oportunidad y empiecen a reconciliarse.

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Kyle media entre Sarah y Lana para que hagan las paces

John Henry se da cuenta de que Mannheim está usando su tecnología, obtenida de su fallecida contrapartida de este universo. Acude a Lois y Clark para contárselo y estos confiesan que ya lo sabían, algo que molesta bastante al bueno de John ya que entiende que es «su» vida en la que estaban husmeando y siente que deberían haberlo informado.

Puede que no sea el mismo John Henry de esta Tierra, pero eso no cambia los sentimientos que tiene hacia sus seres queridos. Así que decide encontrarse con «su» hermana Darlene para saber más sobre su contrapartida. La cosa no acaba demasiado bien y además atrae la atención de un Bruno Mannheim que le «invita» a reunirse con él.

El villano sabe que John es Steel y quiere que deje su actividad heroica. Muestra a Darlene atada con una bomba en el pecho, pero nuestro protagonista logra escapar gracias a su armadura y rescata a su hermana desactivando la bomba que tenía la tecnología del John de esta tierra y que incluso se podía desactivar con las huellas dactilares que los dos hombres comparten.

Después de salvar a su hermana, regresa a Mannheim y le advierte para que deje en paz a él y a su familia alternativa. Mannheim, en cambio, sube la apuesta y amenaza a toda su familia, no solo a su hermana. Todo lo que quiere es que John Henry deje de colaborar con Superman y deje de entrometerse en su negocio. Cuando cuenta todo lo que ha pasado a Clark y Lois, quedan entre los tres dejar un poco de lado sus ataques a Manheim hasta que John pueda poner a todos los suyos a salvo.

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Mannheim y John Henry tienen una tensa conversación

Mientras, Superman descubre cómo ha logrado Mannheim hacerse con una muestra de su sangre. Sam le pide que se reúna con él en el Departamento de Defensa y allí le cuenta que tienen guardadas unas reservas de su sangre, en teoría como recurso de emergencia por si Superman fuera herido y se hiciera necesaria. Y de alguna manera, Manheim logró sacar una muestra de allí y sintetizarla para sus propios fines.

A nuestro héroe no le hace mucha gracia y usa su visión calorífica para destruir toda la sangre que quedaba. Pero este no es el único problema al que tiene que hacer frente. Cuando llega a casa, se entera de todo lo que ha pasado con Emmet y se marcha directo a hablar con él en la cafetería de Smallville, donde le encara delante de todo el mundo.

Emmet sigue haciéndose el chulo pero, claro, una cosa es hacérselo con dos chavales y una mujer sometida a quimioterapia y otra con un hombre que además tiene superfuerza. La discusión acaba con Emmet marchándose del pueblo mientras que Lois ofrece a Candice quedarse con ellos hasta que vean alguna otra solución.

En cuanto a Jordan y Sam, el exmilitar decide ser más benevolente con su nieto y le da un traje de incógnito para que pueda seguir con su trabajo de justiciero sin tener que cortarse el pelo. El elemento emotivo es que incluye unas gafas de piloto que el padre de Sam usó en la Segunda Guerra Mundial, acercando un poco más a estos dos personajes. Y es que Sam, en el fondo, es un blandengue.

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El antifaz que usará Jordan a partir de ahora

El episodio acaba con una interesante jugada por parte de Lois y Clark. Dado que ella tiene que seguir con su tratamiento contra el cáncer, deciden que lo haga en el Hospital Hob’s Bay, donde trabaja el Dr. Aleister Hook y que sabemos que está bajo el control de Bruno Mannheim. Es un gran riesgo porque Bruno no es tonto y sabe de sus intenciones, pero es un peligro que merece la pena correr para ver si pueden descubrir algo más de los tejemanejes de su enemigo.

Valoración del episodio

La situación de Lois y el enfrentamiento con Bruno Mannheim tienen un enorme peso en la trama de esta semana y esto hace que el capítulo sea bastante mejor que los anteriores.

Es todo un acierto ver a Lois en el centro de la acción, pasando a tener un protagonismo mayor que el de su esposo. Y todo a través de una idea sencilla que casa a la perfección con el personaje. Cuando su enfermedad podría hacer que se viniera abajo, demuestra que es una mujer muy fuerte y el cáncer no va a poder con ella. Sigue al pie del cañón, afrontando sus responsabilidades como madre y como reportera, sin dejar de perseguir la historia de Mannheim.

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Lois es una mujer de armas tomar

Por su parte, Clark muestra su lado más humano durante la mayor parte de este episodio con todos los errores que comete al tratar de proteger a la persona que más quiere. Eso hace que saque a relucir su frustración en algunos momentos, como cuando destruye su sangre en Defensa o cuando se enfrenta a Emmet. Aunque al final reconoce ante Lois que estaba equivocada, que ella no es una frágil damisela a la que proteger, logrando así una gran caracterización de su dinámica de pareja.

En cuanto a las partes negativas, al menos esta semana hay poco que contar sobre los Lang, aunque Sarah sigue sumando méritos para ser el personaje más odioso de la serie. Por otra parte, las tramas de Jordan y Jonathan están al menos  más equilibradas y permiten que la relación del primero con su Sam y del segundo con su novia crezcan de manera orgánica, sumando a Candice a la dinámica familiar de los Kent. Un añadido que puede dar mucho juego si los guionistas logran que el romance adolescente no se coma a los personajes.

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La reserva de sangre de Superman de Defensa

Otro elemento que no me ha gustado es que los guiones empiezan a tener algunos agujeros que denotan una falta de atención y de cuidado que empieza a ser preocupante…

Bruno Mannheim sabe que John Henry es Steel porque sí, porque es necesario para que la trama avance. Y la reunión de este con su hermana Darlene deja bastante que desear. La mujer se encuentra de repente a su hermano muerto y se lo toma bastante bien (referencia al mundo bizarro incluida) cuando debería morirse del susto. Y John debería saber que no es muy inteligente exponer a sus seres queridos de esta manera porque al final pasa lo que pasa.

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Bruno Mannheim es de lo mejor de esta temporada

En resumidas cuentas, la serie sigue el camino que quedó marcado desde el principio de temporada, con sus cosas buenas y sus cosas malas, buscando siempre un equilibrio  entre sus tramas que unas veces se consigue y otras no. Al menos, esta semana sí puedo decir que me ha gustado bastante y que la presencia siempre amenazante de Mannheim gana enteros mientras que los planes de nuestros protagonistas tienen bastante lógica.

Análisis de The Mandalorian. Temporada 3. Capítulo 7

La tercera temporada de The Mandalorian se acerca a su fin con un capítulo en el que por fin se revelan algunas de las incógnitas planteadas en los episodios anteriores y en el que veremos algunas de las escenas más espectaculares y emocionantes de la serie. La espera ha merecido la pena, con un episodio en el que vuelven algunas caras conocidas y que sienta las bases para un final de temporada que promete ser épico.

El mundo es demasiado pequeño para los dos

Elia Kane avisa a Moff Gideon de las nuevas alianzas forjadas entre mandalorianos, que anticipan la reconquista de Mandalore. Esto pone en peligro los planes que el Imperio tiene en este planeta, así que decide contactar al resto de oficiales para poner en marcha una ofensiva contra un pueblo que podría dificultar sus planes de dominación galáctica.

The Mandalorian

Mientras tanto, las dos tribus de mandalorianos se preparan para descender a Mandalore, con rencillas y tensiones evidentes entre ellas. Una expedición conformada por los guerreros más capaces de ambos pueblos descenderá a su mundo, acompañados por el aprendiz de Mando, con la intención de retomar su lugar en la galaxia.

El Imperio contraataca otra vez

The Spies nos deja claro desde el minuto uno que no se trata de un episodio de relleno, con un Giancarlo Esposito que, sin salirse de su registro habitual, interpreta solventemente a Moff Gideon. A través de sus ojos podremos ver cómo los imperiales huidos reconstruyeron el Imperio durante la época de la Nueva República. Estamos ante los orígenes de la Primera Orden de las secuelas, como confirma la mención del comandante Hux, padre del general Hux de la nueva trilogía, e interpretado por el hermano del propio Domhnall Gleeson. Quienes confiaban en que Filoni descanonizara las secuelas no están de enhorabuena.

También se menciona al Gran Almirante Thrawn, uno de los personajes más míticos del antiguo Universo Expandido, creado por Timothy Zahn. En el nuevo canon, ya ha aparecido en Star Wars: Rebels y en una nueva serie de novelas, pero no había hecho acto de presencia hasta ahora en un producto de acción real. Hará su debut en Ahsoka, interpretado por el mismo Lars Mikkelsen que le dio vida en la animación, aunque aventuro que quizás haga acto de presencia en el final de temporada de The Mandalorian.

The Mandalorian

¿Se convertirá Thrawn en el Thanos del universo televisivo de Star Wars? Todo parece apuntar a ello, y puede salir bien, pero Disney haría bien en atender a las quejas recientes sobre el Universo Cinematográfico de Marvel y dar una mayor autonomía a sus distintos productos.

The Mandalorian vuelve a Mandalore

Pero, especulación aparte, la mayor parte del capítulo está dedicado a los mandalorianos y su causa. Veremos cómo las distintas tribus se unen después de su propia diáspora y cómo surgen tensiones entre ellas por los motivos más triviales. Aquí entra en escena Grogu, que hace algo interesante por primera vez en toda la temporada y separa el conflicto entre dos individuos de su pueblo, convirtiéndose en un nexo de unión entre ambos gracias a las enseñanzas de Luke. Al igual que el fenómeno «bebé Yoda», que unió a Internet en el tan lejano 2019, la adorabilidad del duendecillo ha unido a los mandalorianos.

Pero, antes de reclamar su planeta, la gente de Din Djarin tendrá que enfrentarse a una última prueba: la resistencia imperial, que está utilizando su mundo para minar beskar y equipar a unos soldados de asalto mucho más temibles que los que hemos conocido hasta ahora. Parece que, después de todo, Moff Gideon no contaba con la ayuda de ningún mandaloriano, sino de su propio ejército de stormtroopers inspirado en las costumbres de Mandalore, y hasta de unos guardias imperiales que acaban con la vida de Paz Vizsla.

The Mandalorian

Dado que los soldados de la Primera Orden no tenían beskar (y dado que esta es una serie de Disney), es evidente que los mandalorianos derrotarán a los invasores, pero queda por ver cuál será el precio, y qué hará Din Djarin después de esta victoria. Cuando llegue la cuarta temporada y se hayan cumplido todos sus objetivos, ¿tendremos a Mando como un simple administrativo en esta nueva sociedad, en vez de como un ronin espacial? Lo dudo mucho. Veremos cómo los guionistas hacen frente a este problema.

Conclusión

The Mandalorian nos ha dado un capítulo magnífico en el que el Imperio parece intimidante otra vez y que deja el listón muy alto para el final de temporada. A estas alturas, ya nos imaginamos que el próximo episodio dejará algún guiño a la futura serie de Ahsoka, pero está por ver con cuánta sutileza lo implementan.

Reseña de Crom. Una violenta carta de amor a Robert E. Howard y al heavy metal

Spaceman Project es una plataforma editorial nacida bajo el paraguas de ECC Ediciones con la intención de publicar cómics en varios países de Europa y en varios idiomas. La peculiaridad es que sus obras son presentadas a través de crowdfunding, aunque hay casos en los que la edición de la obra está garantizada se llegue al objetivo de mecenazgo previsto o no. Este es el caso de la obra que nos ocupa, Crom, un cómic en el que Raule, Juanfra MB y Alejandro TM nos cuenta el origen del dios al que adora Conan, la mítica creación de Robert E. Howard y sobre el que ya nos puso sobre aviso nuestro compañero DAve Solis.

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El caso es que Crom debió funcionar bastante bien, tanto en su periplo a través del crowdfunding como posteriormente en retail. Por eso la editorial decidió poner toda la carne en el asador y ofrecer una nueva edición con material adicional, mayor tamaño y encuadernación en tapa dura. Y esa es la edición que ha llegado a nuestras manos y que vamos a reseñar a continuación.

El punto de partida de Crom es sencillo. En 2019, el dibujante Juanfra MB retó al guionista Raule a crear una página diaria a tinta como divertimento durante el mes de octubre, algo que este aceptó encantado. Planteó la idea de narrar un hipotético origen del dios Crom, algo a lo que nadie se había atrevido todavía. Después de dos años de trabajo y la incorporación de Alejandro Torres al color, se pudo ver el resultado de su trabajo.

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Crom es por tanto una historia a caballo entre el cómic y la ilustración que quiere rendir homenaje a la obra de Robert E. Howard y a las bandas de heavy metal que marcaron la juventud de sus tres autores.

El planteamiento de Raule, Juanfra MB y Alejandro TM es ofrecer un viaje a un mundo fantástico  a sus lectores a través de unas páginas con un arte espectacular mediante el que nos cuentan como un simple mortal superó todas las pruebas que se le pusieron por delante para llegar a ser aquel dios duro y cruel que estaba destinado a ser.

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No esperemos por lo tanto una historia complicada y con giros de guion. Aquí se viene a lo que se viene, matar y demostrar ser el más fuerte que hay. A superara unas pruebas que nadie podría superar para llegar a su destino. Nuestro protagonista deberá abandonar a los suyos y enfrentarse a monstruos y brujas de un poder enorme, unos seres invencibles que nunca han sido derrotados hasta entonces. Así conseguirá las reliquias que necesita para enfrentarse los ejércitos de los gobernantes de la noche y llegar la montaña de fuego donde se enfrentará a su destino, y si sale triunfante, coronarse como un dios. Y como detalle añadido, los nombres de muchos personajes y escenarios son nombres que Robert E. Howard incluyó en sus manuscritos, aunque acabaron siendo reemplazados por él mismo antes de publicarse.

La trama que escribe Raule es sencilla y funciona muy bien, gracias en gran medida al arte que le acompaña. Juanfra MB y Alejandro TM nos muestran unos dibujos espectaculares que harán las delicias de los aficionados a los barbaros. La idea de plasmar la historia como si nos estuvieran contando una leyenda, mezclando el formato de novela ilustrada con el de las viñetas de un cómic normal funciona de maravilla y ofrece la posibilidad a los artistas de desmelenarse cuando quieren para ofrecer ilustraciones a pagina completa o composiciones mixtas que lucen realmente bien.

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En cuanto a la edición que nos ocupa, solo puedo quitarme el sombrero ante ella. Un prologo del guionista nos pone en antecedentes de lo que vamos a leer. Luego, gracias al mayor tamaño de esta nueva edición (220×295) cm), vamos a ver unos dibujos que lucen mucho mejor que en la anterior edición. Además, una obra como está bien merece el encuadernado en tapa dura que tiene. El precio de venta es de 18 euros.

En resumen, Crom es una obra dedicada a los fans de la obra de Robert E. Howard a la que los autores homenajean presentado el origen de la deidad a la que reza (a su manera) Conan. Es una historia bebe de los acordes del heavy metal y que se podría leer con una buena banda sonora de ese tipo de música mientras se disfruta de unos dibujos que parecen salir de la página para salpicarnos en la sangre de nuestros enemigos.

Análisis de Star Trek: Picard. Temporada 3. Episodio 8

Ya restan solo dos entregas para que despidamos para siempre a nuestro querido capitán Picard y seguramente también a algunos más de su tripulación. Mientras tanto, analizamos lo que nos ha dejado este octavo episodio de la temporada final de Star Trek: Picard que, con Terry Matalas como showrunner y Patrick Stewart como protagonista, es emitida por Prime Video.

Hola otra vez, trekkies y no tan trekkies. Bienvenidos nuevamente para analizar otro episodio de Star Trek: Picard y nos invade una mezcla de emoción, congoja y nostalgia por adelantado de saber que en solo dos episodios más (salvo quizás cameo en alguna otra serie o película de la franquicia) dejaremos de ver para siempre a nuestro querido Patrick Stewart en la piel del capitán Picard.

Lo curioso es que ya estábamos resignados a haberlo despedido antes de que llegara esta serie, que nos lo trajo de vuelta. Pero la diferencia es que esta vez somos bien conscientes de que es un adiós. Y la felicidad de haberlos recuperado a él y a otros de nuestros queridos personajes aumenta paradójicamente la tristeza de tener que despedirlos. Lo bueno es están teniendo la despedida que merecen.

Rendición es el título del episodio que nos ocupa y, como veremos, ello tiene más de una connotación, pero pasemos de una vez a analizarlo, cumpliendo como siempre en advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA y recordando que pueden leer aquí nuestros análisis anteriores.

Picard-Alpha-Tango

Habíamos quedado al final del episodio anterior con Vadic tomando el control del puente de mando en la Titan y así es como retomamos. Deja a la nave sin ojos ni oídos; corta luz, comunicaciones y aísla corredores. Alardea con que puede incluso dejarlos sin oxígeno y nos viene a la memoria Khan, cuando en aquel icónico episodio de la serie original titulado Semilla Espacial hacía la misma amenaza y la cumplía.

Sin noticias de Jack, Vadic le exhorta a entregarse o, caso contrario, irá matando a los rehenes que tiene en el puente: de hecho, comienza con uno y nos vuelve la imagen de Khan, pero en Star Trek II. Como es regla en estos casos, no conocíamos al muerto.

Mortificado por la culpa, Jack quiere presentarse al puente pero sus padres no están dispuestos a permitirlo e intentan hacerle entender que tampoco hay garantías de que Vadic no mate a todos de un modo u otro.

Star Trek: Picard

Picard tiene un código de anulación que podría revertir el corte de energía en la nave, pero para utilizarlo necesitan llegar al puente y no hay forma. El mismo es 12-11-Picard-Alpha-Tango 75 y nos suena familiar porque alguna vez Jean-Luc (dos en realidad), utilizó Picard- 47- Alpha-Tango en la película Star Trek: Primer Contacto. ¿Y las otras cifras? Pues ya para esta altura le conocemos el juego a Terry Matalas y podemos comprobar que 12-11-1975 es su fecha de nacimiento (recordar que en inglés mes y día van invertidos). Siendo honesto, ya cansa con tanta egocéntrica autorreferencia…

Pero no necesitan ir al puente: Jack les anoticia sobre su poder de ver y actuar a través de otros y Sidney da fe de ello al contar que le salvó la vida. Tomando entonces control de uno de los oficiales cautivos en el puente, Jack aprovecha una distracción de Vadic para comenzar a pulsar el código, pero lamentablemente ella lo descubre e interrumpe el proceso, además de darse cuenta que es él quien ha estado detrás del intento…

Somos nuestros Recuerdos

Habiendo fallado lo del código de Picard, queda la posibilidad de crear otro, pero Sidney dice que demandaría meses a menos que la matriz discrónica de una inteligencia artificial pudiese acelerar el proceso. Ni falta hace decirlo: tanto ellos como nosotros pensamos inmediatamente en Data

El problema es la separación: LaForge ya había advertido que de procederse a la misma, se corre el peligro de perder a Data para siempre, pues no hay modo de saber cuál de las dos partes prevalecerá en el cuerpo cuando deje de estar disociado. Deciden, no obstante, correr el riesgo y asistimos a una gran confrontación en el universo positrónico, en la que Data y Lore compiten por el control del cuerpo que habitan: una verdadera batalla interior…

Lore ridiculiza a Data por su tendencia a aferrarse a recuerdos o “chucherías”, como él los llama. Según él, eso lo torna sentimental y, por ende, lo hace inferior. Data, por el contrario, replica que esos recuerdos son precisamente su identidad: son él

El curso de la contienda, sin embargo, parece dar la razón a Lore que, poco a poco, va asumiendo el control. “Evolución, querido Data” dicta en tono de sentencia parafraseando el “Elemental, mi querido Watson” que Sherlock Holmes hiciera famoso en el cine (no en los libros), pero también el “Elemental, querido Data” que diera título al segundo episodio de la tercera temporada de Star Trek: The Next Generation.

Data admite su derrota y entrega a Lore sus recuerdos, entre ellos el de Tasha Yar, una baraja de póquer y su gata Spot. Lore, paladeando la victoria, los recibe sin saber que se trata de un caballo de Troya. Al darles entrada, está admitiendo que consideraba a esos recuerdos importantes para ser lo que Data siempre fue y él no. En otras palabras, al recibirlos ha resignado su propia personalidad en favor de Data, quien no en vano le había dicho que sus recuerdos son él. Ya no hay división positrónica: ahora son uno y ese uno es Data…

Somos nuestro Dolor

Riker se halla prisionero junto a Deanna a bordo de la Verdugo y ello nos confirma lo que suponíamos: que prefirió entregar a Picard al estar en riesgo la vida de ella. Dice que lo hizo a sabiendas de que Jean-Luc, como siempre, sabría lidiar con el asunto. También nos enteramos que Deanna está allí por haber sido capturada por un cambiante que se presentó en Nepenthe como copia idéntica de Riker: “bueno en la cama, malo en la pizza” dice, en tono de dictamen…

El cautiverio compartido les permite hablar y hay recriminaciones mutuas. Deanna le echa en cara a Riker el haberse ido al otro lado de la galaxia para escapar a la muerte de su hijo Thad mientras ella tuvo que cargar con el dolor de todos. Él, a su vez, le recrimina haber usado el poder betazoide para entrar en su mente y anularle el dolor cuando, justamente, necesitaba sentirlo. Es interesante en este punto la implícita analogía con Data diciendo que sus recuerdos son él; de algún modo, Riker está diciendo que su dolor es él

Según afirma, ese dolor era su última conexión con Thad y, sin embargo, ella quiso borrarlo. Deanna se ampara en que quería ayudarlo pero admite haber olvidado una regla fundamental del terapeuta al pretender ir al final de la sanación sin recorrer el camino. Vaya pedazo de diálogo…

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Un guardia entra de imprevisto, presumiblemente para sumarlos como rehenes en la Titan, pero es sorpresivamente atravesado desde atrás por Worf, quien ha llegado dispuesto a cumplir su promesa de volver con Riker. El Tema Klingon de Jerry Goldsmith suena más épico que nunca…

El reencuentro con Deanna produce un momento incómodo para la pareja, pero especialmente para Riker (recordemos que ella y Worf tuvieron una relación alguna vez). El klingon le dice que contó los días desde la última vez que la vio y que le está en deuda por la autoevaluación y descubrimiento que le llevaron a ser quien hoy es. Riker pregunta si ha venido a rescatarlos o continúa la tortura, con lo que el clima se interrumpe y deben escapar…

Malditos Sólidos

Durante algunos momentos y desconociendo lo que ocurre con su lucha interior, tanto Picard como LaForge, con todo el pesar del mundo, dan por perdido a Data y hasta ven desaparecer del esquema positrónico la parte que ocupaba. Pero sus rostros cambian abruptamente cuando “despierta” y es claramente él. No hay tiempo, sin embargo, para la emoción del reencuentro: la situación exige premura, así que, puesto al tanto de la misma, Data quita rápidamente a Vadic el control de la nave…

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A todo esto, nos enteramos que Worf, junto a Raffi, han llegado a la Verdugo en una lanzadera valiéndose del dispositivo de ocultamiento que Jack y Sidney robaron del Bounty. Para llegar a la misma con Riker y Deanna, se abren paso por los corredores mientras en el puente una desencajada Vadic se entera que han escapado. En ese momento, sin embargo, le avisan que hay alguien en el turboascensor y al abrirse la puerta, se le ilumina el rostro al ver a Jack…

Pero este lleva un explosivo en mano y, sabiendo que es a él a quien quieren, está dispuesto a volarse a sí mismo a menos que Vadic deje salir al resto de los rehenes. Dado que ya no le sirven, ella cumple con la petición y salen todos del puente a excepción de Siete, que a último momento decide quedarse dentro…

Para sorpresa de Vadic, Jack y Siete quedan repentinamente aislados y se activa un protocolo de evacuación, lo cual significa que ella y sus secuaces serán arrojados al espacio en cuestión de segundos… y sin traje. “Malditos sólidos” masculla en un giro de humor negro mientras es despedida al vacío e instantes después se deshace en mil pedazos contra la Verdugo, justo antes de que la misma sea destruida por los disparos de la Titan, en la cual Picard y los suyos han recuperado el control…

El Reencuentro más esperado

El viejo equipo está reunido nuevamente y no hay palabras para la emoción de ver sentados a una misma mesa a Picard, Riker, Worf, LaForge, Deanna y Beverly. Y Data, por supuesto… que ahora es humano. Para sorpresa de LaForge, es capaz de imaginar y hasta tiene sentido del humor (vieja obsesión del androide), pero espera, de todos modos, que Picard siga viendo en él al amigo que antes veía.

El mayor momento de humor, de todas formas, lo aporta Worf al decirles que muchas veces, durante los años transcurridos desde la última vez juntos, pensó en enviarles las cabezas de los enemigos a los que mataba, pero que desistió de hacerlo porque hubiera sido muy “pasivo-agresivo”.

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A pesar del triunfo momentáneo y la emotiva alegría del reencuentro, hay otras urgencias y probablemente, una vez más, una galaxia por salvar. Deanna, que sufre un fugaz aturdimiento, dice que hay mucha oscuridad alrededor y se refiere, obviamente, a los cambiantes que, por miles, han infiltrado la flota. Restan solo dos días para la celebración del Día de la Frontera y ello hace que, en presunción de un inminente atentado, el reloj corra más a prisa…

Deanna se interesa por Jack y lo que le pasa, particularmente su visión de la puerta roja. Él está seguro de no ser un cambiante, pero no consigue determinar qué es exactamente. Ella le ofrece la terapia para ayudarle, de una vez por todas, a cruzar la puerta. Está a punto de hacerlo y se aprecia una roja luminosidad al otro lado cuando el episodio acaba…

Balance del Episodio

Mientras seguimos llorando a cuenta por lo que se viene, hemos visto otra gran entrega. Ojo, con alguna pega, pero el impacto emotivo de ver a siete integrantes de The Next Generation sentados a una misma mesa no tiene precio. Tampoco el volver a ver a Data siendo Data y el hecho de que ahora sea humano no va en desmedro sino todo lo contrario: es solo la confirmación formal de lo que para nosotros siempre fue. Por cierto, su pedido de vivir en contraposición con el que alguna vez le hiciera a Picard de dejarle morir es altamente conmovedor…

Decíamos al principio que el concepto de “rendición” que da título al capítulo adquiere más de una connotación. Por lo menos tres: rendición de la Titan ante Vadic, de Data ante Lore y de Riker ante la muerte de Thad. Pero todas pueden revertirse, lo cual de algún modo nos viene a decir que ninguna suerte está escrita y todo puede cambiar por mucho que sea el duelo o la pérdida, como en el caso de Riker.

Los diálogos adquieren una importancia clave en relación a ello. El duelo entre Data y Lore, para ser honesto y por tratarse de semejantes pesos pesados, lo esperaba más épico y prolongado, pero se resolvió demasiado rápido y hasta de manera algo simplista, lo cual me produce cierto desencanto. No obstante, no es un mal diálogo y deja repicando la reflexión acerca de los recuerdos como parte de nuestra identidad.

Mucho más intenso es el de Riker y Deanna, quizás porque, a diferencia del otro, no se resuelve del todo ni nos permite tomar fácilmente partido. Pero en cualquiera de ambos casos, hay un concepto central que impregna todo el capítulo y es la existencia: qué es lo que nos define

Y lo que nos define, de acuerdo a lo que aquí hemos visto, no es la nada del existencialismo ni la trascendencia espiritual de las religiones, sino las pequeñas cosas como una baraja de póquer o las grandes como la pérdida de un ser querido, pero siempre cosas nuestras, con la que hemos ido llenando nuestra vida y quizás sin querer le dimos sentido: podía no haberlo apriori, del mismo modo que no había más que circuitos en Data, pero ahora lo hay…

Y el interrogante sobre la existencia se hace extensivo a Jack, que todavía no logra determinar qué es… Allí voy a poner una pega: el suspenso por su real identidad se ha estirado demasiado y cada vez que se amagó resolverlo, no ocurrió. Volvió a suceder: Vadic había sonado terminante con que había llegado la hora de que supiese quién es realmente; sin embargo, seguimos sin saberlo y ni siquiera tenemos seguridad de que la puerta roja vaya a dar respuesta o si deberemos, finalmente, aguardar al último episodio…

Vadic terminó de confirmar que se movía por motivaciones propias más allá de a quien obedeciese. El sádico espectáculo que montó en la Titan unido a su delirio de poder nos dicen claramente que sus móviles eran distintos de los de aquellos que le daban órdenes. De hecho, cuando en la entrega anterior se sentó a la silla de capitán, la imagen fue la del empleado de oficina que, siquiera por un día, ha conseguido sentarse al escritorio del jefe. Y ni siquiera sé si debemos hablar de ella en pasado…

En fin, en el balance final un gran capítulo que pone la emoción por las nubes… o por las estrellas. Nos quedan solo dos episodios en los que veremos a la tripulación de Picard salvar por última vez la galaxia.

A ver qué nos trae el próximo. Hasta entonces y sean felices. Larga vida y prosperidad…

Reseña de ‘Noir’ (Relatos de género negro) de cARTEm cómics | Historias cortas que merecen ser expandidas

Hablamos de ‘Noir’ de cARTEm cómics, como amante del género que da nombre a esta obra y después de haber devorado ‘The Fade Out’ de Ed Brubaker y Sean Phillips, no pude evitar lanzarme de cabeza a esta lectura. Esta recopilación proviene de Dark Horse y contiene una colección de historias cortas de algunos de los escritores y artistas más talentosos y conocidos del mundo de cómic: Brian Azzarello, Jeff Lemire, Paul Grist, Joelle Jones y Gary Phillips, entre otros.

Este tomo cuenta con algo más de 90 páginas en las que se nos van contar una gran variedad de pequeñas historias autoconclusivas en las que la temática ‘Noir’ será la dominante aunque los guiones tocarán palos muy diferentes de este género.

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Vamos a tener desde un granjero que te topa con un ladrón de bancos, a un joven a un conserje que vive de primera mano una masacre en su lugar de trabajo, pasando por una historia de dos asesinos profesionales de diferentes generaciones.

Es cierto que hay alguna que se aleja un poco de esta temática, como ‘Fractura’ que nos cuenta como una joven se pregunta qué pasaría si empujase a un vagabundo a las vías del metro.

Como recopilación es muy atractiva, la verdad, pero al tratarse de historias de una duración tan corta, pues me ha sabido a poco y al sintetizar la trama en tan pocas páginas, hay alguna que cojea o se siente como que necesitaba más para ser inolvidable. Demuestran que tenían potencial para haberse alargado algunas páginas más para darle la potencia argumental que necesitaban.

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Mención aparte para ‘La Mala Noche’ de Brian Azzarello que nos va a dar otro enfoque a una escena que es muy familiar para quienes hemos leído cómics o sabemos de ellos.

Se nota que quienes están involucrados aquí tienen talento de sobra, pues esto en manos de otros escritores menos capaces hubiera podido ser un despropósito.

Es cierto que tras haber leído ‘The Fade out’, que se toma su tiempo para contarnos la trama,  las historias de ‘Noir’ me han sabido a poco por sus escasas páginas. También es cierto que ninguna de las tramas que nos cuentan aburre, todo lo contrario, enganchan bastante pero les faltan (como ya he dicho) páginas para ser brillantes.

Incluso tenemos un relato ilustrado en el que la fuerza la tiene las palabras y las escasas imágenes aderezan los hechos.

En el apartado gráfico, ‘Noir’ es una obra que destila cómic independiente por todos sus poros. Todo esto más allá de estar ante un cómic en blanco y negro. El dibujo acompaña perfectamente a las tramas que los diferentes autores nos cuentan y eso le da un plus a este tomo.

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Conclusión

‘Noir’ es una obra interesante pero que se me ha hecho demasiado corta tras haber leído a los maestros en este género con ‘The Fade out’. La calidad de las historias no es cuestionable pero si la escasa duración de las mismas.

Ojalá hubiesen tenido más páginas para expandir la gran mayoría de ellas, ya que  lo merecían por lo interesante de sus guiones.

También es cierto que algunas de ellas consiguen que te involucres y las disfrutes muchísimo, pero yo soy más de las cosas que se cuecen a fuego lento.

De todas formas ‘Noir’ es una obra que es muy disfrutable y los amantes de este apasionante género vana  disfrutar mucho.

Una propuesta que se lee de forma rápida, pero con historias muy intensas.

Aquí os dejo la página web de cARTEm donde encontrar ‘Noir’ y su portada:

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Un saludo y disfrutad del olor de un buen cómic.

Análisis de Perry Mason. Temporada 2. Episodio 6

Bienvenidos a un nuevo análisis de Perry Mason, serie que entra en su recta final. Nos quedan sólo dos episodios más y parece que algunos temas se van aclarando. Por cierto, que este es el primer episodio de la temporada sin que suenen clásicos del blues o el jazz por lo que nos han dejado sin banda sonora, más allá de la original de Terence Blanchard. Os dejo con el enlace a los análisis anteriores y vamos al lío.

Capítulo 14

Empezamos el episodio con las zapatillas de Ozzie Jackson colgando de un cable de la luz. Puede que estén delimitando una zona de bandas, marcando un punto de venta de sustancias no recomendadas o un homenaje al propio Ozzie, que seguramente ha pasado a mejor vida tras la paliza que le dió Paul Drake en el episodio anterior. O puede que todo al mismo tiempo. El caso es que las zapatillas perseguirán a Drake hasta el final del episodio, frustrando su intento de dar con quién ordenó el asesinato de Brooks McCutcheon.

Mientras, el juicio sigue avanzando. El fiscal ha terminado y es el turno de Perry de intentar sembrar una duda razonable. Ha llamado a testificar a Holcomb, quien intenta librarse revelando los negocios sucios de McCutcheon. Para eso y en prueba de su buena fe, le facilita a Perry el historial de Doreen Lawson.

En el juicio, el concejal Taylor se ve acorralado y se descubre que a Brooks McCutcheon se la ponía dura el practicar la asfixia a las mujeres durante el coito. No es nada nuevo. En el tráiler ya se vio una imagen de Della con el cinturón de Brooks y en el primer episodio hay una escena de Brooks con la camarera de su casino flotante que ya indica por dónde van los tiros.

Perry

Lo de Della llevando el interrogatorio… pues vale, aceptamos pulpo como animal de compañía. Se supone que es para que las mujeres del jurado empaticen, para resaltar su papel de mujer emponderada pero a mi me ha sacado un poco de la serie. Ya hablaremos de eso cuando lleguemos al final pero si la serie se llama Perry Mason, el protagonismo debería recaer en ese personaje. De lo contrario habría que pensar en cambiarle el nombre a Perry, Della & Paul, un bufete molón.

En todo caso, el presunto móvil del concejal está muy bien de cara al jurado pero para Perry queda claro (y para nosotros también) que a Brooks se lo cargaron por sus trapicheos y que eso era lo que pretendía ocultar su padre.

Parece que Perry y Della llevan el caso bien encaminado, hasta el punto de que Rafael Gallardo se pone chulo con los guardias pero el fiscal descubre que Perry guarda el arma homicida en su caja fuerte. ¿Quién ha sido el chivato? Aquí hay que rebobinar porque las sospechas de Perry recaen en su pastelito, la señorita Ginny Aimes y si, cuando ella espera fuera es cuando Perry le dice a Della que el arma homicida está en su caja fuerte. Aunque también puede que haya sido Strickland o algún otro hombre de la fiscalía quien lo descubriese.

Perry Mason Season 2 Episode 6 Cast 2

Escenas desenlazadas

Perry Mason siguen mostrando el viaje emocional de su trío protagonista, saltando de una escena a otra y a veces parecen no venir a cuento. Si el episodio anterior se mostraba más redondo, en este tenemos un par de situaciones que igual dan sus frutos en los episodios siguientes. O igual no. Una de ellas es el encuentro entre Della y Camilla Nygaard . Por un momento pensé que la rica petrolera iba a tirarle los tejos pero la cosa se queda un tanto al aire.

Ya está claro que Della está enamorada de Anita y que se va a vivir con ella por lo que esa escena en cuestión creo que no tiene otro objetivo que establecer al abogado Melville Phipps como el principal sospechoso de encargar el asesinato de Brooks. Ya ha dejado caer que está casado y puede que sea su mujer la adicta a las drogas que Ozzie menciona en el episodio anterior.

Della

La escena de los Gallardo en la cárcel tampoco se entiende demasiado, como no sea la de establecer un trágico desenlace para Rafael, quien empieza a dar síntomas de no estar en su mejor momento.

Paul Drake, entre una cosa y otra, también lo está pasando mal. Las zapatillas le persiguen y parece que también el fantasma de Ozzie, lo que le lleva a una tensa situación con su mujer y con su cuñado. Queda por ver cómo se resuelve todo en los dos capítulos que quedan. Nos leemos la próxima semana. Un saludo, sed felices.

Crítica de Air (2023). Un comercial de Nike de dos horas de duración y un antes y un después en los contratos de los deportistas de élite

Muy buenas. He visto el anuncio más largo de mi vida, Air. Bromas aparte, he ido a ver la película de las famosas zapatillas de Michael Jordan y os traigo mis impresiones.

¿De qué va Air?

Air es una película que nos relata un hecho verídico y que tiene que ver con tres factores: la industria de la moda, el marketing y el deporte de élite. Ambientada en los años 80, Nike busca pegar un golpe en la mesa. En ese momento hay dos marcas que están por encima de ella, Converse que es la que viste a la NBA y Adidas. Nike está varios escalafones por debajo.

En la división de baloncesto trabaja Sonny Vaccaro (Matt Damon), un gurú de este deporte que ansía dar la vuelta a la tortilla y llevarse a la NBA, pero es muy complicado con los contratos tan fuertes y cerrados que  hay. Así que decide jugárselo todo a una carta, a un jugador, Michael Jordan, joven promesa egresado de la UNC.

A partir de entonces comienzan a orquestarse el plan. ¿Cómo captar a la joven promesa de la NBA? Pues dándole una idea, un concepto, convertir al rookie en un icono, en un modelo a seguir y conseguir que todo el mundo quiera llevar el mismo calzado que él.

Air es una película que sabemos como acaba pero eso no nos impide que disfrutemos del camino. Y es que ahí radica lo bueno de la película, en la historia que transcurre hasta la firma del millonario acuerdo y en la buena interpretación de un Matt Damon como un visionario ojeador deportivo y del marketing.

Air

Air se fortalece en su montaje y en sus diálogos frenéticos.

Cuando se sabe de antemano el final de una historia hay que saber como contarla. En Valkiria, para mi gusto el bueno de Christopher McQuarrie no conseguía dar con la clave en el guion ni Brian Singer en la dirección. Y la película quedaba como un aburrido documental de los hechos.

En esta ocasión Air si sabe jugar las cartas, por un lado con el montaje y por otro lado con el guion del debutante Alex Convery, que sin ser tan ácido y afilado como el de Aaron Sorkin para ese peliculón que fue La red social, consigue atrapar al espectador durante los 110 minutos que dura el filme.

No me quiero olvidar de Ben Affleck y su dirección. El director sabe posar la cámara, no obstante es su quinta película como realizador y las dos horas de charlas en despachos y las negociaciones entre Sonny y la madre del deportista se nos hacen muy amenas.

Otro factor a sumar es la ambientación. Estamos en los 80 y se ve muy bien reflejado en el vestuario y en las oficinas, también en los establecimientos y por supuesto en la música que suena, desde el Money for Nothing de Dire Straits, de la apertura del filme, pasando por el tema Sirius de The Alan Parsons Project.

El acuerdo de Nike y Michael Jordan cambió las reglas

Viola Davis interpreta a la madre del legendario deportista. Deloris Jordan es la representante del joven jugador y se muestra como una negociadora férrea pero justa. Ella al igual que Vaccaro ve en lo que se va a convertir su hijo Michael y por ello casa con la propuesta de Nike. Pero ella va más allá con una idea que cambiará para siempre el modelo de los contratos de los deportistas de élite y es que demanda unos derechos de imagen para su hijo, algo inexistente e impensable hasta entonces.

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Consideraciones finales

Air se sustenta en el sempiterno sueño americano, sea por parte de los gerentes de Nike o por el deportista y su familia. A la impecable labor de dirección hay que sumar un plantel de actores que eleva la propuesta, Matt Damon, Ben Affleck, Viola Davis, Chris Messina, Marlon Wayans, Chris Tucker y Jason Bateman.

Me ha hecho gracia las apariciones puntuales del legendario jugador, nunca se le ve la cara, lo que me ha parecido un curioso símil a las primeras apariciones de Jesucristo en el cine en las que no le veíamos el rostro. ¿Michael Jordan, el mesías del baloncesto?

Amazon vio mucho potencial en la historia y compró por 90 millones la cinta. Aun así ha decidido estrenarla en cines antes de pasarla por el streaming y Air está funcionando muy bien en taquilla con 31,904,410$ desde su estreno el pasado 5 de abril.

Un saludo y sed felices.