Bienvenidos a este análisis de final de temporada de Better Call Saul. Lamentablemente esta temporada se fue tan rápido que apenas pudimos disfrutarla. Nos han entregado una gran serie con una excelente dirección, hermosas puestas en escena, magníficas actuaciones, un guión impecable… en pocas palabras una serie perfecta. Es más, Guillermo del Toro en su cuenta de twitter, expresó hace unas semanas atrás, su fascinación por Better Call Saul considerándola incluso mejor que Breaking Bad.
A small reflection in the middle of BETTER CALL SAUL's new seasson: I like it even more than BB, not to be a contrarian but because the evident stakes seem smaller but the moral downfall strike me as deeper, more poignant… pic.twitter.com/DGIJg7MLL0
Este final de temporada no fue para nada apresurado. Dejaron tramas abiertas para la próxima temporada que evidentemente no se podían resolver estos últimos episodios. Entre estas tramas tenemos la de Lalo Salamanca, quien parece no tener ni idea de como se manejan los negocios de su familia porque no debería andar estrellando coches y atravesando barreras causando daños que podrían llamar la atención. Aunque parece estar seguro de si mismo, resultó ser un imbécil. No tiene ni idea con quien se metió. Estamos todos ansiosos y esperaremos con mucha paciencia como Mike Ehrmantraut le dará su merecido y como será su plan maestro para quitárselo de encima a él, y a Fring.
Aguas Termales
Nunca imaginé que el destino de Werner Ziegler sería la muerte. Ziegler era un hombre bueno sin pizca de maldad, solo que acabó en el lugar equivocado. Su deseo de ver a su esposa no se cumplió, pero el fue muy impaciente. Su impaciencia le costo la vida. Lo que nunca esperé es que el mismo Mike fue quien se hizo cargo. Veía a Ziegler de regreso a la Lavandería Brillante para terminar su trabajo junto a sus hombres. Pero esto no sucedió. En su lugar Gus Fring llamo a Gale Boetticher.
El Karaoke
El episodio también fue emotivo, Jimmy revivió momentos con su hermano Chuck. Las primeras escenas tratan de una fiesta donde Ernie cantaba terrible en un karaoke. Después paso a cantar Jimmy mientras Chuck le observaba, pero no conforme con esto Jimmy lo invito a cantar The Winner Taker It All de ABBA. Resaltemos dos cosas: la primera es que el episodio se llama Ganador y la letra de la canción está relacionada, la segunda es que Chuck cantó muy bien y por supuesto mucho mejor que Jimmy y Ernie. Hay que hacer referencia que el actor Michael McKean además de actuar también es músico por tanto tenía cierta ventaja.
Todo esto llevo a que Jimmy usará el poco aprecio que su hermano le tenía para recuperar su licencia de abogado. Intentar convencer a los jueces de que estaba afectado por la muerte de Chuck. Le puso su nombre a una biblioteca, entregó becas, hizo mil y una triquiñuelas y finalmente Jimmy lo logró, consiguió su objetivo. Solo que luego Kim no parecía del todo convencida con el resultado a pesar de que ella estuvo en cada momento ayudando a Jimmy. Kim no es nada estúpida y siempre sospechó que había algo por detrás. Me encanta esta serie.
De ahora en adelante Jimmy usará otro nombre para identificarse como abogado. En su reincorporación como abogado pidió registrarse con otro apellido. Es obvio que aunque no lo hayan mencionado, a partir de la quinta temporada Jimmy pasará a llamarse Saul Goodman. Por fin.
Recuerdo que estamos hablando de una serie de la cual tenemos referencias posteriores, y ya sabéis a que me refiero. Hablamos de una serie que aunque podamos saber que vendrá después no importa porque lo interesante es como te lo cuentan, y lo que nos narran y los personajes que intervienen en la misma son casi insuperables. Y si además eres fan como lo soy yo la serie la vas a disfrutar más. Reconozco que cuando me propusieron hacer la serie para Las cosas que nos hacen felices tuve dudas porque sabía que no podía ser imparcial. Pero mis ganas y entusiasmo me llevaron a decir que sí, y no me arrepiento. Esto evidentemente es una despedida después de estar con vosotros y esta serie durante 10 semanas, pero seguiré escribiendo en la web y os espero el próximo año con la siguiente temporada, que será la quinta. Sin duda es un tópico, pero como pasa el tiempo.
Hoy estamos aquí gracias a Damien Chazelle y su nueva película, First Man, escusa perfecta para divagar un poco sobre la industria cinematográfica. Pero antes de nada pregunto: ¿Qué cabría esperar de su nuevo proyecto? Sinceramente en lo primero que pensé al oír, ya hace tiempo, que estaba preparando una nueva película, fue en un director de orquesta frustrado que se gana la vida como buenamente puede tocando el violonchelo en una sinfónica dirigida por su antiguo compañero de Escuela cuya vida es envidiablemente mejor. Algo así. Música y drama. Chazelle en estado puro. Gran sorpresa al enterarme de First Man, nunca se me hubiera pasado por la cabeza ver al reciente ganador de un Óscar dirigiendo ciencia-ficción. Pero el proyecto prometía, un biopic aparentemente interesante y Gosling de nuevo en plantilla (haters de Gosling, evitad comentarios al respecto, ya sé que existís).
‘Whiplash’, la ópera prima de Chazelle
Si habéis leído la crítica de mi compañero Pablo, que os la recomiendo fervientemente (libre de spoilers, por supuesto), sabréis que Chazelle no ha olvidado la música y que ésta juega un papel en su nueva película, no evidente como en Whiplash o La La Land, pero sí bastante plausible. Sin embargo, no me centraré en First Man hoy, sino que trataré en cierto modo la llamada carrera espacial aplicada en el ámbito cinematográfico.
First Man, su lugar de origen
No sorprendería a nadie si digo que a los estadounidenses les encanta fardar de Estados Unidos: “que si somos el país más grande, el país más avanzado, el país más libre,…” la repanocha, vamos. Sería entrar en debate, y no es el momento ni el lugar, el discutir si presumen solamente de la verdad o les gusta permitirse el lujo de inventar o modificar lo que les conviene, dejando su impoluta reputación por las nubes -véase el 99% del cine bélico o western hollywoodiense, por no decir el 100, que tampoco es plan-. De hecho, no es nada raro ver en cartelera alguna película estadounidense que trate parte de su historia, y me parece estupendo, puesto que el cine es un medio interesantísimo -quizás hasta más que la literatura- para acercar a la sociedad ciertos acontecimientos o períodos históricos; es más, los españoles deberíamos tomar nota, porque teniendo una historia tan jugosa y compleja como la nuestra -que a compleja no nos gana nadie-, es bastante triste que no se aproveche.
El primer ejemplo que se me vino a la cabeza, ‘Pearl Harbour’. Fijaos en el fondo del póster, es que no tienen remedio…
No quiero confundiros; digamos que First Man sí tiene en cierta medida ese contenido histórico, pero para nada, lo cual es digno de aplaudir, pretende ser una demostración patriótica de la grandeza estadounidense. Al ser un biopic sobre Armstrong, alguien cuyo sentimiento era más universal que americano, es lógico que se haya evitado. He aquí el tema que puede abrir confusión: cuando hablo de pretencioso amor propio incluyo al groso de la industria americana, que entrará en contexto más adelante; no estoy incluyendo a Chazelle ni a su nueva película, que son todo lo contrario.
I. La carrera espacial
Resulta que el año 1969, año en que Neil Armstrong pisó la Luna, entra en un período bastante movidito en lo que a contexto de la Guerra Fría se refiere, y en parte porque la guerra fue más allá de lo bélico, valga la expresión. Se extendió a múltiples aspectos, entre ellos, el cultural. Si alguien tiene algún interés en el ajedrez conocerá la llamada partida del siglo, en la que los dos mastodontes ajedrecistas Bobby Fischer, estadounidense, y Boris Spassky, soviético, se enfrentaron bajo la tensión del conflicto internacional y de los máximos dirigentes de ambas naciones. Nunca una partida de ajedrez, y creo que de nada, tuvo tanta importancia social; de hecho, hay quien dice que esta fue la primera gran victoria estadounidense en la Guerra Fría. Y como era de esperar, existió también una cierta batalla cinematográfica.
En general, la década de los 60 fue una década centrada en la exploración espacial, y las dos grandes potencias del momento, EEUU y la URSS, combatían por ser la pionera en cualquier avance tecnológico relacionado con el sector aeroespacial. Los primeros potenciales avances aparecieron de parte soviética: fueron ellos los inventores del satélite Sputnik y quienes lo pusieron en órbita, quienes enviaron al primer ser al espacio (la mona Laika) y al primer humano, Yuri Gagarin, en 1961. Ante esto, Kennedy respondió con un gran y emotivo aviso: proponía, orgullosamente, la puesta en marcha de un sprint en I+D para conseguir llevar un hombre a la Luna antes de final de década. Este desafío caló hondo en la población y se tomó completamente en serio, de hecho, el conseguir llevarlo a cabo fue un asunto de dignidad, superación y sentimiento patriótico (he aquí lo antes comentado) estadounidense sin parangón.
Ryan Gosling como Armstrong en ‘First man’
II. 2001, el contraataque cinematográfico
Todo esto hizo que el interés por el espacio aumentara sorprendentemente, y fue en ese momento en que Stanley Kubrick presentó, con la intención de renovar el maltratado género de la ciencia-ficción espacial en el cine, el proyecto Journey Beyond the Stars a la Metro-Goldwyn-Meyer. Su anterior película, Mr.Stangelove, conocida en España con el horripilante nombre ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú, fue un éxito de masas, así que la confianza en Kubrick era evidente. Esa fama y el hecho de que su nuevo proyecto partía de la idea del descubrimiento espacial, planetas y quizás, seres extraterrestres, algo de moda en la época y que la gente demandaba por el evidente interés que había sobre el espacio, hicieron que la MGM aceptara sin miramientos. Con la ayuda de Arthur C. Clarke (escritor), Robert O’Brien (productor y principal apoyo) y la NASA (que aportó información científica), ese proyecto se convirtió en una de las grandes obras maestras del cine y uno de los mejores filmes de ciencia-ficción, que llevó finalmente el nombre 2001: A space odyssey. Se podría decir entonces que el interés general por la carrera espacial ayudó a que Kubrick pudiera realizar la película y que la película sirvió a EEUU para proyectar su poderío tecnológico en lo relativo a la exploración espacial (la NASA se convirtió en uno de los organismos del gobierno más importantes). Ambos salían ganando, aunque sinceramente, creo que a Kubrick, mientras desarrollaba la película, le importaban lo mismo los delirios y deseos de Kennedy que a un esquimal inuit el Ibex 35.
Stanley Kubrick dio un giro de 180 grados al concepto que se tenía de ciencia-ficción. ¿Cuál fue el impacto de 2001? Las críticas, tanto de prensa como de público, fueron bastante dispares. Hay quienes la tacharon de locura aburrida y sinsentido y hay quienes la consideraron una obra maestra instantánea, pero en lo que todo el mundo estuvo de acuerdo fue en que lo que acababa de crear Kubrick era un espectáculo único, una posibilidad de acercase y poder ver el espacio como nunca antes se había visto. Y dio de que hablar, por todo el mundo fue tema de conversación durante meses. Neil Armstrong dijo de ella: «2001 es una producción de calidad con una excepcional y acertada descripción de las condiciones de vuelo espacial y efectos visuales».
¿Cómo sentó en la URSS? En general fue admirada por la crítica. El famoso periódico soviético Pravda elogió el trabajo de Kubrick, pero no solo por el resultado de 2001, sino por su capacidad (y en esto los soviéticos aprovecharon para atacar a su constante enemigo EEUU) para proyectar metafóricamente el interés por la ciencia de la sociedad rica americana para seguir enriqueciéndose y no para conseguir el bienestar ciudadano, que vive entre «polución y pesadilla». Alexei Leonov, el primer hombre en salir al espacio (salir fuera de la nave y estar en medio del vacío espacial) manifestó públicamente que tras ver 2001 sentía «como si hubiera estado en el espacio dos veces». Oficialmente, los soviéticos tenían envidia.
La grandeza visual de 2001
III. Solaris, la URSS responde
En cierto modo, 2001 había generado cierto interés por parte del gobierno soviético para realizar una obra cinematográfica de ciencia-ficción capaz de plantar cara a los estadounidenses. No querían ser menos, y después de que Neil Armstrong pisara la Luna, necesitaban poner el puño sobre la mesa de nuevo. Así, a pesar de que Andrei Tarkovski no tenía interés alguno en que su próxima película fuera tal, el gobierno vendió Solaris como esa respuesta espacial de sci-fi, pero realmente nunca lo fue y nunca lo será (se cree que si no hubiera tenido elementos espaciales, la censura la hubiera prohibido).
El cineasta ruso fue un gran admirador de la novela de Stanislav Lem, y a principios de los años 70, tras el sinuoso camino que recorrió su segundo largometraje, Andrei Rublev, decidió llevar a cabo una adaptación cinematográfica de la misma. Digamos que la peculiaridad que reside en esta cinta es que se llegó a realizar sin convencer verdaderamente a nadie, y con nadie me refiero a Lem, que odió los tres guiones propuestos por Tarkovsky, y al mismo Andrei, que confesó públicamente su descontento con el resultado final. Básicamente, este sentimiento agridulce hacia su propia obra se basa en que el cineasta quería conseguir una película más humana, pero había demasiada ciencia-ficción, lo cual consideró un error porque nunca quiso que Solaris se catalogara como tal. Aquí se comprueba la gran estupidez y poco sentido cinematográfico que tenían los censores y gobernadores rusos, que creyeron que el contenido de Solaris mantenía alguna relación con el de 2001 o la exploración espacial.
Esta pasillo de la nave es prácticamente lo único que tiene ‘Solaris’ de ciencia-ficción
Solaris tuvo un éxito notable en todo el mundo (algo menor en la Unión Soviética, paradójicamente), ganó el Gran Premio del Jurado de Cannes y cautivó al mismísimo Stanley Kubrick. No podría decirse lo mismo del caso contrario, ya que para Tarkovski, 2001 carecía de fuerza emocional, algo a lo que él de daba infinita importancia. Comentó también que era «una película errada en numerosos aspectos, incluso para los especialistas. Para lograr una verdadera obra de arte, se debe eliminar la falsedad».
No me cabe duda de que ambas obras son un hito en la historia del cine, dos obras de arte únicas e irrepetibles. Ambas pudieron realizarse gracias a las ingenuas decisiones gubernamentales de sus países, algo a lo que, por raro que parezca, debemos dar las gracias. No sé si en lo relativo a lo político valieron la pena, pero sin duda alguna, en lo relativo a lo cinematográfico lo han valido, y mucho. Aquí termina este breve recorrido por lo grueso de la carrera espacial cinematográfica que First Man me ha hecho recuperar,
22 de julio es el regreso de Paul Greengrass al género del docudrama tras estar un tiempo alejado del mismo y es que Hollywood lo encumbró como el nuevo mesías del cine de acción tras la segunda parte de la saga de Bourne. Antes Greengrass nos había regalado dos joyas en forma de docudramas, Domingo sangriento y United 93. La pregunta obligada es ¿Está 22 de julio a la altura de sus predecesoras? Acompáñenme a lo largo del artículo para comprobarlo.
22 de julio, fatídica efemérides para el pueblo noruego.
El 22 de julio de 2011 era un día que amanecía como otro cualquiera en el Distrito Gubernamental de Oslo y en el islote de Utoya, pero Anders Behring Breivik se encargaría de que dicha fecha pasase a los anales de la historia. Primeramente puso una bomba en dicho Distrito Gubernamental, provocando 8 muertes y 209 heridos. Posteriormente el terrorista coge un Ferry hasta el islote de Utoya, donde había una multitudinaria convivencia de jóvenes del Partido Laborista Noruego. Allí con una pistola y un rifle semiautomático comienza a abrir fuego asesinando a 69 personas e hiriendo a 110 personas. Cuando la policía llega a Utoya, Anders tira sus armas y no opone resistencia, siendo arrestado.
La mirada de Paul Greengrass.
Paul Greengrass lo ha dicho en varias entrevistas. Se acerca a una historia cuando cree que puede aportar algo. En este caso ha habido una serie de patrones que desencadenaron la matanza de Noruega. La crisis de 2008, y los consecuentes movimientos migratorios que generaron un aumento de la extrema derecha en Europa. Así Greengrass se acerca al atentado de Noruega para hacer una reflexión más global. El auge de la ultraderecha en países como Alemania, Suecia, Reino Unido o Italia. A partir de aquí el director decidió con el largometraje aportar su visión del asunto.
Quizás el primer arco de la película sea el que más difícil haya sido de rodar para el director y de ver por el espectador. La matanza de Utoya todavía está muy reciente y debe ser muy desagradable para los noruegos en particular presenciar dichas escenas. Son cuarenta minutos hasta que acaba el atentado, si bien Greengrass no se regodea en las escenas al mostrar una violencia gráfica explícita no deja de ser duro presenciar dichas imágenes.
El segundo arco del filme se centra en el terrorista y en el viaje físico y emocional de uno de los supervivientes, Viljar. Desde el punto de vista del terrorista vemos por ejemplo lo duro que fue para su abogado el día a día. Amenazas de muerte, cambiar a los niños de colegio, etc. Por otra parte conocemos más a Anders Behring, joven que vive con su madre, la policía encuentra que el terrorista tenía en su ordenador un manifiesto (he leído por internet que inspirado en el manifiesto unabomber) de 1.500 páginas que publicó en Internet con el título «2083. A European Declaration of Independence» bajo el seudónimo Andrew Berwick.
Por parte de los supervivientes, Greengrass decide optar por contar la odisea post-atentado de uno de ellos, hablamos del joven Viljar. Herido por cinco proyectiles es salvado por los médicos del Hospital, aunque las secuelas físicas y psicológicas son bastante evidentes.
El último acto es el juicio al terrorista y el careo de algunos de los supervivientes para con el terrorista. Sin duda alguna el alegato a la vida de nuestro superviviente es de lo mejor de la película, lo más emocionante:
… No sabía si iba a morir o a vivir y vivo atrapado allí (el islote) desde entonces, pero ahora me doy cuenta que tengo elección, porque todavía tengo familiares y amigos… y recuerdos… y sueños, esperanza… y amor. Y él no. Él está completamente sólo y va a pudrirse en la cárcel mientras que yo he sobrevivido y elijo vivir.
Mi valoración
La verdad es que esperaba un drama potente viniendo de Paul Greengrass, pero lamentablemente nos encontramos ante un frío relato de los hechos con poca emoción, entendiendo emoción en todos sus conceptos. Adolece del pulso narrativo del autor, del ritmo frenético que impone a sus películas, no sé si queriendo o es que pretendía hacerlo así pero cierto es que ha quedado como un relato de los hechos sin más. Cinematográficamente hablando es muy discreta y como película basada en acontecimientos reales no aporta nada más a lo que ya sabíamos. Por ello creo que la película es fallida porque emocionalmente hay pocas escenas que te conmuevan y porque como cine se hace pesada y es que sobrepasa con creces las dos horas de duración, siendo esta otra de sus taras, la película dura 140 minutazos. En definitiva estamos ante un docudrama fallido viniendo Greengrass de darnos dos obras magistrales anteriores como fueron Domingo sangriento y United 93. 22 de julio como reconstrucción de los hechos puede valer no obstante para el desconocedor de los acontecimientos.
Ya tenemos las novedades del mes de octubre de Medusa Cómics. Como siempre esta pequeña gran editorial española nos ofrece material selecto.
El pdf después del texto que nos ha facilitado la editorial.
Como todos los meses, os escribo para enviaros el boletín de novedades de Medusa Cómics, en esta ocasión con las referencias nuevas que publicamos para el mes de noviembre. Todos estos títulos comenzarán su distribución a partir del próximo lunes 22 e irán llegando durante los siguientes días a las librerías.
Como siempre, os comento los lanzamientos del mes:
-Grapas del mes
Seguimos con las siete series que tenemos abiertas ahora mismo en este formato. Quiero destacar entre ellas el evento Harbinger Wars 2, el evento más importante del año en el Universo Valiant.
-Segundos tomos de Faith y X-O Manowar. Las series con las que empezamos nuestra publicación de Valiant continúan con nuevos arcos.
-Primer tomo de Savage. Un nuevo personaje muy esperado que se estrena en el Universo Valiant. Os invitamos a descubrir esta historia llena de acción, aventura… ¡y dinosaurios!
De momento, es todo.
Quedo a la espera de vuestras peticiones para reseña. Tenemos la campaña de navidad ya encima y estamos preparando títulos muy jugosos para entonces.
Damien Chazelle había pasado del anonimato total a la exposición e interés crítico con Whiplash, y de ahí a la cima comercial y de crítica generalista con el fenómeno de masas La La Land. Su siguiente proyecto, el que sería su tercera película (cuarta si contamos como largo ese primer proyecto fallido que fue Guy and Madeline on a Park Bench) nacería bajo la presión incesante de las altas expectativas. First Man es esta nueva película y hemos podido despejar las dudas tras su primera proyección mundial como apertura del septuagésimo quinto Festival de Cine de Venecia.
Transición musical
Hasta la fecha, los intereses mas básicos de Chazelle parecían poder resumirse en dos. El primero, puramente formal, la integración explicita de la música a la narrativa del cine mas allá del refuerzo atmosférico; un elemento a través del cual desarrollar los cambios en los personajes (fondo constante en Whiplash y contrapunto casi exclusivo de La La Land) al estilo de los musicales mejor trasladados a la pantalla —nada nuevo, pero poco común en el Hollywood actual. El segundo, simplemente tonal, era un gusto repetido por adornar de falsas expectativas felices relatos que eran en su núcleo esencialmente tristes. Ambos elementos se han mantenido de forma escrupulosa en First Man, ahora revestidos con el barniz de una superproducción épica nacida del Hollywood mas controlador. El primero, lo musical, aparece ahora de forma mucho menos explícita —sin dejar de ser obvia— con canciones diegéticas convertidas en leitmotivs, repeticiones muy medidas de ruidos y sonidos de aparatos que conforman ritmos y melodías identificables en la banda sonora y un uso expresivo del silencio en el espacio que va mas allá del recurso gastadísimo y casi normativo que aparece sin excepción en todo el cine generalista que sale del planeta Tierra. Lo hace de forma satisfactoria, hasta cierto punto aconvencional (siempre que nos mantengamos cuidadosamente en el cine americano), pero también esporádica; no es, en ningún caso, un recurso habitual que vertebre la película de la forma en que ocurría con sus otras cintas. Esto es en gran medida lógico, teniendo en cuenta que el contexto, el tipo de película y la mera evolución creativa pedían ciertos cambios formales.
El segundo elemento identificable, el tono, pasa también a ser menos evidente sin desaparecer de la superficie. No lo hace por las mismas razones que el gusto musical, sino que se disuelve en un conjunto de escenas en las que no se da pie a contrapunto feliz o esperanzador alguno, diluyendo así el efecto de los golpes finales en un drama mas homogéneo. Se puede argumentar, sin embargo, que el contrapunto se encuentra precisamente en el conocimiento previo e inevitable de la realidad histórica que abarca la totalidad de la película: el hecho de que al final, Neil Armstrong llegará a la Luna. El mayor defecto que se puede achacar a la película nace precisamente de este ultimo elemento: era innecesario integrar en la película un incesante torrente de escenas puramente informativas, contexto vacío casi explicativo, al ser de sobra conocidos los huecos que sembrarían la película de haberse prescindido de tanto contexto. No son, por tanto, recordatorios necesarios a un nivel narrativo (la historia se centra en una trama individual con tratamiento universal y la estructura concluye perfectamente sin aludir ni servirse de estos recordatorios) ni tonal (el ritmo, lejos de verse beneficiado por ellos, se estanca irreversiblemente ante la reiteración informativa mas banal). Al final, la mitad del metraje es eso: contexto.
Polémica extraterrestre, política y perfiles
No es First Man una película especialmente política. De hecho, centrándose a nivel individual y personal en la figura del Armstrong mas cotidiano, lidiando entre prueba y prueba con sus decrecientes habilidades sociales y su humanidad más domeéstica, Chazelle elimina casi por completo cualquier conclusión política que se podía extraer de un relato en el que hace presencia por razones obvias el pulso americano-soviético que caracterizó la carrera espacial. Sin embargo, la polémica ha estado servida tan pronto como se produjo la primera proyección de la cinta: varios sectores periodísticos americanos, mayoritariamente de corte republicano, han puesto el grito en el cielo por una decisión concreta y llamativa de la película en su tramo final. Se trata, nada más y nada menos, de omitir el momento en que se planta la bandera estadounidense en el suelo lunar. Los propios Chazelle y Gosling, director y protagonista, han respondido a las quejas esgrimiendo el carácter universal (frente a nacional) de los valores de la cinta y afirmando que el propio Arsmstrong no se consideraba a si mismo un héroe americano en el sentido literal de la palabra. Cabe hacerse varias preguntas a este respecto: la primera, si la familia de Armstrong se ha mostrado satisfecha con estas explicaciones. La respuesta es afirmativa. La segunda, y mas importante si cabe, es la siguiente: es esta omisión consciente una decisión estéticamente coherente y acertada en el contexto que plantea la película? La respuesta es, una vez mas, contundentemente afirmativa.
Que el propio Buzz Aldrin —cabe mencionar que no sale muy bien parado del retrato que de el hace la película— haya decidido sumarse a la indignación con un encendido post de twitter es hasta cierto punto irrelevante. Con sus aciertos y sus errores, Chazelle ha decidido omitir de forma voluntaria un momento de sobra conocido que, lejos de intentar manipular la historia, solamente intenta reforzar la sensación de llevar la narrativa de una película sobre el evento al terreno personal. Es conveniente recordar que no hace lo mismo con todos los elementos contextuales, anteriormente mencionados, de los que podría haber prescindido. Y cabe argumentar que el propio hecho de omitir un texto político es, en si mismo, una decisión eminentemente política. Pero al final, valorar la pelicula en base a los mismos estándares politicos que rechaza identificar es, cuanto menos, absurdo. First Man funciona a tramos como drama personal (los escasos momentos de brillantez vienen en las secuencias mas aisladas de la épica repetitiva y estandar) y satisfará las expectativas de quien busque entretenimiento a gran escala en un biopic ligero sobre la llegada del hombre a la Luna.
Estreno: fechas
First Man llegará a las salas estadounidenses este 12 de octubre de 2018, y a las españolas —sorpresa— un día antes, el 11 de octubre.
¡Sean bienvenidos! Sí visitas este artículo es porque extrañas la serie Gotham que terminó hace cinco meses. Traemos buenas noticias. En el New York Comic Con del pasado fin de semana, fue presentado el primer tráiler de la quinta temporada de Gotham. Este tráiler solo consiste en un resumen de las 4 temporadas anteriores teniendo apenas un minuto con nuevas imágenes de la quinta temporada. Aunque no han publicado la fecha definitiva de estreno, se rumorea que será para el mes de marzo del 2019 posiblemente el día 15, pero aún no hay nada oficial.
Desde hace ya varias semanas, se filtraron imágenes de rodaje. La mayoría de estas imágenes las podemos apreciar en este tráiler, por ejemplo Bárbara Kean conduciendo un gran automóvil junto a un grupo de hombres. En la temporada pasada Bárbara lanzó su declaración de guerra contra los hombres, pero aquí la podemos ver con un grupo de ellos. De todas formas ésto puede ser un encuentro entre ambos grupos enemigos o quién sabe.
Se confirmó la aparición para esta próxima temporada del villano Bane, interpretado por Shane West. Al mismo tiempo este actor podría ser el Rey Serpiente (Edmund Dorrance) porque este es el padre de Bane, pero en la serie este tal hijo de Dorrance no existiría porque la época de la trama no lo permite. Además de la posible incorporación de Lady Shiva, Los Mutantes, Scarface y el Ventrílocuo.
Entre los otros personajes que se pueden ver en las nuevas escenas son el Pingüino con un nuevo despacho, un contraluz de Riddler (obvio que lo revivirán) Gordon y Bruce observando el caos luego de la destrucción de Gotham y un vistazo rápido a Ecco con su característica máscara y Man-Bat a quien también pudimos ver.
En el panel Gotham del New York Comic Con, se hicieron numerosas revelaciones sobre lo que pasará en la temporada 5 como por ejemplo la evolución de Bárbara, el futuro de Tabhita, los enfrentamientos que ocurrirán, y lo mas importante, el desenlace de Bruce Wayne como Batman. A pesar que desde un principio la serie se enfocaba en Jim Gordon, es posible que de ahora en adelante el centro de la serie sea Bruce.
No hay mucha información sobre Jeremiah Valeska, pero el actor Cameron Monaghan a publicado en sus redes sociales algunas imágenes de su personaje luciendo un vestuario influenciado por El Joker.
Temo por el poco espacio que tiene la serie para desarrollar una trama tan compleja y extensa en 10 episodios, aún así tengo la esperanza de que no nos decepcionará en absoluto y tendremos un regreso de la serie con mucha acción.
Los espero para las próximas novedades de la siguiente temporada. Saludos.
Por fin ha llegado el día más señalado para los amantes de la serie de ficción más longeva de la historia -whovians- la undécima temporada se ha estrenado con uno de los cambios más grandes que se recuerdan en la serie, y es que, por primera vez una mujer se pone en la piel del Doctor. A continuación comentaré el primer capítulo intentando no hacer ningún gran spoiler, pero recomiendo haber visto el capítulo sobre todo en la parte en la que comento el episodio.
Por cierto, adelantaré que esta temporada es un posible punto de inicio para ver la serie aunque no hayas visto anteriormente nada de Doctor Who, seguramente sea el reinicio más grande y más asequible para nuevo público que hemos tenido en la serie moderna. Han querido atraer a nuevo público y no creo que esta temporada tenga grandes conexiones con el lore anterior, más allá de los típicos guiños. Ya han comentado que no aparecerán antiguos villanos como Daleks o Cybermen.
Espero que os guste y no olvidéis comentar con vuestra opinión.
¿La doctora? ¿La Doctor? Época de cambios.
Todo esto es nuevo para ustedes, y lo nuevo puede asustar
Con esta frase The Doctor resume en gran parte muchos de nuestros sentimientos sobre esta nueva temporada. Sin duda el gran acontecimiento de esta nueva temporada es la nueva actriz que caracterizará al Doctor. Jodie Whittaker ha sido la escogida, una actriz que conocemos de la serie Broadchurch, dónde coincidió con el décimo Doctor y el nuevo showrunner de la serie, y es que el cambio de protagonista no ha sido el único cambio y al mando de la serie sustituyendo al polémico Moffat, tenemos a Chris Chibnall, conocido showrunner de Torchwood, guionista de Broadchurch y varios capítulos de Doctor Who entre las temporadas 3 y 7. Pero esto no son los únicos cambios, y es que tenemos nuevo logo, nuevo compositor, nuevo destornillador sónico ,nuevo composito nuevo día de estreno -los domingos- y tres nuevos companions. Aun no hemos visto la TARDIS, pero podemos intuir que tendrá algún cambio.
A muchos pilló por sorpresa el cambio de género del Doctor, incluso llegando a tal extremos de personas que han dejado de ver la serie ante este cambio. Doctor Who, siendo una serie familiar y teniendo limitaciones al ir dirigido a un público amplio, siempre ha intentado ser una serie moderna a su época. En el universo de Doctor Who no hay lugar para mentes cerradas ni para personas que tiemblen ante la diversidad, y creo que la mayoría de fans les parece bien el cambio o simplemente les causa indiferencia. Otra cosa es que la actriz y el personaje estén a la altura.
No voy a entrar en temas espinosos, no voy a entrar en debates sobre si ahora -según algunos- las productoras buscan el aplauso fácil o cambiar de género o etnia los personajes para ganar audiencia, tema del que siempre defenderá la diversidad. Pero dejando este tema, creo que no hay ninguna serie en la que esté tan bien justificado el cambio de sexo como en Doctor Who. El Doctor puede reencarnarse en una mujer, un chino, adolescente o persona de cualquier característica. Él no elige su futuro aspecto, aunque por temas lógicos siempre tiene características base como la bondad. Aunque ese tema sobre si el Doctor es bueno o malo da para otro artículo. En definitiva, lo injustificable sería más bien como es posible que de 13 reencarnaciones conocidas, solo hemos tenido una mujer en 55 años.
He querido dejar para el final mi opinión sobre la nueva actriz. Creo que la mejor crítica que se le puede hacer a cada nuevo actor o actriz que coge el testigo es simplemente que al verla he visto al Doctor, da igual si es femenina o masculina, simplemente lo ves. Whittaker está fantástica en lo poco que hemos podido ver, tiene en ella todo eso que le pides al Doctor, esa excentricidad, esa manera de no actuar ni durante un segundo, ese análisis de situación milimétrica fruto de tener que caracterizar a una persona con miles de años de conocimiento. No olvidemos que The Doctor es un extraterrestre. La nueva Doctor tiene carisma, energía y se nota que es una actriz talentosa que da un soplo de aire fresco a la serie. Incluso al inicio de su presentación vemos como imita al Doctor de Capaldi, como si aún quedaran vestigios de él. No sé si he sido el único que le ha recordado al Doctor de Tennant, espero que me dejéis vuestra opinión sobre esto en los comentarios.
Los nuevos compañeros
Hacía muchos años que no teníamos tantos acompañantes junto al Doctor. Lo cual es otro cambio respecto a otras temporadas. En este primer capítulo hemos visto que los companien tenían más o menos relación entre ellos, lo cual agilizaba el ritmo de las interacciones, cosa que se agradece. Obviamente en un único capítulo -y de presentación- es complicado hacer una valoración sobre estos tres personajes, pero al menos intentaré hacer una presentación.
Ryan Sinclair (Tosin Cole). Este adolescente vive con su abuela y el marido de esta. Trabaja como mozo de almacén y quiere llegar a ser mecánico. Durante el capítulo vemos que intenta conducir su bicicleta, pero debido a una dispraxia, una clase de enfermedad motriz no puede hacerlo correctamente. Ryan es un personaje interesante, aunque creo que no hemos visto todo su potencial en este capítulo. Será interesante ver como desarrolla su relación con su abuelastro.
Graham (Bradley Walsh). Graham es un antiguo conductor de autobuses. Además, es el marido de Grace, la abuela de Ryan, a la cual conoció cuando era su enfermera para un tratamiento contra un cáncer que tuvo. Es un personaje algo huraño y menos cercano a simple vista . Creo que dará la experiencia y experiencia al equipo. Aun no sé el porqué, pero de los tres es el que más me llama la atención.
Yasmin Khan (Mandip Gill). Es una policía en prácticas que está harta de poner multas de tráfico y de casos menores. Ella quiere más acción y creo que ha conocido a las personas indicadas. Fue compañera de clase de Ryan, y parece que tiene miraditas con él. La verdad es que de los tres personajes, es el que menos me ha agradado en este capítulo, habrá que esperar a su desarrollo.
11×01. The woman who fell to Earth
Por primera vez -al menos que yo recuerde- un comienzo de temporada, sin contar con los especiales de navidad, tarda tanto en presentar al Doctor, y es que los primeros minutos del capítulo sirven para presentarnos los nuevos companiens.
El episodio nos sitúa en Sheffield, donde Ryan se encuentra con su abuela Grave y el marido de esta, Graham, intentando montar en bici. En un arrebato de furia al no conseguirlo, Ryan tira la bicicleta por un barranco. Al ir a buscarla, se encuentra con una especie de ñordo alienígena que emite un frío que daña al contacto. La policía en prácticas Yasmin va a verlo junto a Ryan, pero este recibe una llamada de su abuela. Un monstruo ha atacado el tren en el que se encuentran y van en su ayuda. Por suerte, en el tren entra en escena la Doctor, que cae desde el cielo -donde lo dejamos en el anterior especial de navidad- para salvar la situación. Es genial esta parte, en la que la Doctor no recuerda su nombre -suponemos que no recuerda quien es, mejor dicho- pero sí recuerda sobre la TARDIS y cómo crear un nuevo destornillador sónico al que define como una navaja suiza multiproyecto. Un destornillador sónico bastante churro, por cierto. Una vez que la Doctor tiene su nueva herramienta está preparada para lucha contra los monstruos, uno de ellos coleccionista de dientes. Que es de lo más decepcionante del capítulo, no me han convencido ninguno de los monstruos que han aparecido y espero que no sean habituales. En una especie de batalla final, la Doctor se lanza contra el monstruo coleccionista de de dientes después de un magnífico discurso, recordando por fin quien. Finalmente logra engañar al bicho coleccionista de dientes, aunque este se teletransporta en el último momento. Espero que para siempre.
Pero no ha sido un final feliz, ya que desgraciadamente Grace muere. Una pena, ya que era un personaje que me recordaba a Donna y me hubiera gustado que entrara en el grupo. Una de las cosas más llamativas del capítulo son la cantidad de muertas que hemos tenido. Unas muertas quizás mal elaboradas y con demasiada carga emocional forzada. Por último podemos ver como la Doctor elige su nueva ropa, la cual me ha encantado, con todos los detalles: los tirantes como Matt Smith, la gabardina de Tennant y muchos más detalles que se me escapan. En el final del capítulo vemos como en un intento de comunicarse con la TARDIS, la Doctor y los tres acompañantes son transportados al espacio, finalizando el capítulo con este cliffhanger.
El capítulo no ha sido de lo mejor, pero creo que todos estaremos de acuerdo en que tiene un aprobado alto. Lo mejor del capítulo sin duda es la nueva doctora y los companien. Las dudas las tengo sobre Chris Chibnall.El showrunner me hace dudar sobre si será capaz de dirigir la temporada adecuadamente. Otro de los aspectos negativos que me gustaría señalar es la falta del compositor Murray Gold. La nueva banda sonora no me convencen, y aunque está mezclada con el tono original de 1963, suena demasiada electrónica.
Está claro que esta temporada tiene muchos cambios, hemos podido ver un episodio mucho más cinematrográfico, que bien podría ser una película propia, recordando las películas de los 80 estilo The Thing o Attack the Block. Por otro lado, a pesar de que los efectos visuales están a un nivel superior de otras temporadas, si la comparamos con otras series, pueden resultar cutres, aunque esto ha sido una eterna característica de la serie. Para ir acabando con las impresiones del capítulo, creo que otro de los puntos negativos es lo mal que resuelve el cliffhanger del anterior especial de navidad, dónde dejamos a la Doctor cayendo desde una altura considerable, acabando por aterrizar sin sufrir ningún rasguño en el tren que aparece en este capítulo. Se nota que el equipo es nuevo y han querido alejarse del antiguo guión.
Creo que será la serie con un gran protagonismo para los companion, creo que veremos a una Doctor con una mayor relación familiar con sus acompañantes que en el resto de temporadas. La importancia de la familia, y es que la soledad de The Doctor, así como la pérdida de sus seres queridos siempre han sido temas recurrentes en la serie. Será interesante ver como la Doctor interactua con este nuevo grupo de acompañantes.
Bueno, aquí termina mis impresiones sobre este capítulo, espero que os guste y no olvidéis comentar.
La noticia es de cine y además la mezclo con mi opinión personal sobre el tema. Hace unos meses, cuando el verano estaba golpeando fuerte en el hemisferio norte nos enteramos, un día cualquiera que James Gunn, uno de los directores estrella de Marvel fue despedido por poner tuits fuera de tono y de lugar entre 6 y 10 años atrás. Si, parecía de chiste. No porque James Gunn fuera intocable o aquí defendiéramos sus idas de cabeza y su mal gusto, sino porque eran tuits de hacía incluso más de una década. Disney ya le contrató cuando esos escritos estaban en la red. No fueron posteriores. Y James Gunn dejó de hacer gracietas, (repito que para mi de mal gusto e injustificables) hasta su despedido. Desde Las cosas que nos hacen felices hice un artículo de opinión alegando que estaba en contra de esta caza de brujas. Os resumo.
Pues ahora resulta que James Gunn ha fichado por DC, la competencia directa de Marvel para ser el guionista del Escuadrón Suicida 2 y con muchas posibilidades de ser además su director. ¿Suena bien? Para mi suena a gloria santa, gloria bendita porque yo fui una de las voces que en Internet se quejaron de su despido por lo que me gané muchas críticas, y también muchas alabanzas. Y repito que no es que esté a favor, ni mucho menos de los tuits de Gunn, sino que creo que ni son formas ni maneras de tratar a una persona. Disney se arrugó ante las presiones mediáticas del sector más radical de Estados Unidos por unos comentarios que ya estaban en la red cuando la propia Disney le contrató. Y creerme, amigos míos, Disney era consciente de esos «detalles» que los dejó pasar para contratar a un director/guionista con talento. ¿O pensáis que se le pasó a Disney? Vamos, no seamos ingenuos. A cambio de esto el propio gunn empezó a comportarse «bien» y en su etapa Disney estuvo muy moderado.
¿Ahora de nuevo llegará Mike Cernovich y dirá a Warner (los dueños de DC) que hace 10 años el director fue irreverente en RRSS? Los de Warner le dirán: «si, ya lo sabemos». Desde Disney dirán: «hemos perdido a un director con talento, se lo hemos entregado a nuestra competencia gratis y además Guardianes de la galaxia 3 se retrasará un tiempo indefinido». Realmente este es el panorama actual. ¿Significa que por esos tuits de hace 10 años no vas a ir a ver una película? Cuando se estrene Escuadrón Suicida 2 serán tuits de hace 12 años. Iremos al cine con los amigos o nuestras parejas y diremos: «Vamos a ver Escuadrón suicida 2» y nos dirá alguien: «No, hace 12 años el director de la película escribió unos tuits (que la mayoría ni ha leído) de mal gusto». Pues que queréis que os diga. Seguro que alguna persona en España o en alguna parte del mundo lo dirá pero para mi eso es una auténtica gilipollez.
Lo que si que puedo decir es que aunque esto parezca una tontería, aunque parezca una mota de polvo dentro de la maquinaria Disney, para mi esto se convirtió en una grieta en su estructura y quizás la primera de muchas. La Casa del ratón es la líder del mercado pero tampoco puede jugar con la vida de sus empleados tan alegremente. El elenco de actores de Guardianes de la galaxia se han posicionado tan a favor del director que más de uno, incluyendo Bob Iger habrán pensado que quizás hace meses se precipitaron en sus formas y en su proceder. ¿Ahora que Gunn está en DC, en que lugar deja a Marvel?
Yo lo tengo claro, pero seguro que muchos de vosotros no pensáis igual que yo.
PD. ¿Ahora Disney retomará Guardianes de la Galaxia 3 y para no quedar mal o atrás dirá que ya tienen director y fecha de estreno?
Hoy en día, estamos ya mucho más acostumbrados a ver en pantalla conceptos atrevidos y canallas, capaces de sacrificar audiencia o impacto mediático con tal de sacar su historia a la luz. Pero no siempre ha sido así y, especialmente en la televisión, la ficción se ha visto históricamente condicionada y coartada por intereses privados e incluso políticos. La Comfort TV es el otro lado del espectro, una televisión más conformista por definición, que gusta más a anunciantes y políticos, y cuyo único objetivo es el de hacer sentir bien al espectador. Pero muchas veces, esto viene dado por un sacrificio en la calidad del relato y caer en la previsibilidad. Con el auge de estos productos en la actualidad, es inevitable hacerse una pregunta: ¿Es la Comfort TV el fin de las series de calidad?
¿Pero qué es exactamente la Comfort TV?
Comfort TV (Televisión de confort), es un término que se acuñó en Estados Unidos para definir un tipo de televisión que busca deliberadamente hacer sentir bien al espectador, tomando los menores riesgos posibles y sirviendo así como una agradable abstracción de la realidad. A pesar de que el término continúe sirviendo para definir y agrupar a todo un abanico de productos, tanto modernos como de los inicios de la etapa televisiva, los tipos de serie asociados al Comfort TVhan ido mutando y adaptándose a la sociedad de cada momento, y que ha tenido un especial crecimiento en los últimos años, suceso que también suele estar relacionado con los momentos históricos que vivimos –en este artículo de Vultre, hablan de la subida de audiencia de algunas series consideradas Comfort TV a raíz de la victoria de Trump–. Pero para ver este tipo de televisión con la mayor perspectiva posible, conviene hacer un breve repaso a la historia.
El cambio de paradigma y la consolidación de la Comfort TV
Tras la era de las antologías en los años 50 -donde los autores empezaban a reivindicar las posibilidades de la televisión-, los productores e inversores en los 60, empezaron a interesarse por el medio al ver su auge en popularidad. El problema era que con la masiva llegada de la publicidad y los patrocinios, el poder creativo se terminaba delegando por completo a productores y anunciantes, resultando en series inocuas e inocentes, cuyo único propósito era el de atraer al máximo número de espectadores posible para así amortizar su nuevo escaparate.
Paul L. Klein –director creativo de NBC a mediados de los 60 y los 70– definió esta tendencia con la teoría de Least objectionable programming (programación lo menos objetable posible). Por suerte, y con el paso del tiempo, se terminaron cambiando las tornas, aunque no fue hasta la gran huelga de guionistas del 88, que no se les volvió a dar la importancia que merecían los autores. Pero volvamos a la cuestión del artículo tras esta digresión y analicemos los tipos de Comfort TV.
Ejemplos y tipos de Comfort TV
Inicios: En los primeros años de la televisión, vino en forma de culebrones y soap operas que buscaban atraparnos con las desgraciadas y exageradas vidas de sus personajes para así hacernos sentir bien con las nuestras, normalmente más afortunadas y sin tanto dramatismo. Los primeros sitcoms, también vinieron de la mano de la Comfort TV, hasta el punto de que llegaron a monopolizar prácticamente la pantalla en los años 60, protagonizando junto al creciente poderío de los patrocinadores y productores, la nueva manera de hacer televisión que más tarde bautizó Paul L. Klein, volviendo a sumergir la televisión en la consideración popular de la caja tonta.
Guiding Light, la soap opera de mayor duración de la historia (de 1952 al 2009)
Reformulación clásica: Esta tendencia no se empezó a revertir hasta principios de los 70, cuando el mismo Klein, números en mano, demostró que importaba más sector demográfico de la audiencia que el número, lo que viene siendo calidad vs cantidad. A partir de este momento, se empezó a romper la tendencia de los 60 y dominio total de los sitcoms, reivindicándose así otra clase de productos. La Comfort TV, a partir de aquí, empezó las hibridaciones haciendo copias ligeras de los dramas de éxito de la época, marcando la tónica de los años que estaban por venir y poniéndose en plena vigencia series que abusaban de la misma fórmula repetitiva de los culebrones, pero ahora adaptada a nuevos escenarios como hospitales, juzgados o investigaciones criminales entre otros.
Contemporánea: Y llegamos al último eslabón de la Comfort TV, que ha empezado a marcar tendencia en la actualidad y que representa el mestizaje más sólido hasta el momento. Este tipo de series, ya no consisten en la estructura del soap opera cambiada de contexto, aquí lo que se toman son los pilares en los que se sustenta la Comfort TV y las características de sus personajes para insertarlos en el formato de serie dramática, alejándose de las totémicas e inagotables temporadas de incontables capítulos. Por supuesto, se sigue basando en la familiaridad, pero los conceptos capitales en los que se fundamentan son la bondad de sus personajes y en la reafirmación de una idea o sentimiento como correcto y bueno por encima de todo, normalmente algo universal y capaz de aludir al gran público.
Tomemos por ejemplo algunas de las más recientes y relevantes reinterpretaciones de la Comfort TV para ver cómo, a pesar estas nuevas temáticas y reivindicaciones, todas terminan pecando de lo mismo: En This is us, la familia siempre está por encima de todo y por muchos pequeños baches emocionales por los que puedan pasar algunos de sus personajes, sus buenas intenciones y los lazos familiares siempre terminan prevaleciendo por encima de todo; en Sense8, la familia en el sentido de la amistad como vínculo unificador y sentimental, terminó haciendo de una serie con un concepto aparentemente original y reivindicativo de los colectivos, previsible y lastrada por el “buenismo” de la mayoría de sus personajes y carencia de conflictos internos, estando la mayoría de problemas externalizados en la sociedad o villano de turno. Pose, como Sense8, busca exponer las dificultades y trabas de determinados colectivos en un ambiente más histórico, pero, salvo una pequeña excepción, termina pecando de lo mismo, haciendo previsible muchas veces la resolución de la mayoría de conflictos y restando contundencia y crudeza en pos de la creación de un clima agradable y familiar.
¿Es la Comfort TV el fin de las series de calidad?
No creo que la Comfort TV sea el fin, pero es un fenómeno curioso que ha ido evolucionando con nosotros y con el mismo formato televisivo, adaptándose a los cambios en la sociedad y modificando ligeramente y de manera acorde su discurso. Ya sea por Trump o por la controversia de lo políticamente correcto y la libertad de expresión, la televisión de confort está en pleno auge y eso siempre arroja toda una serie de incógnitas al futuro. Precisamente por su deliberada y descarada intencionalidad de aludir a nuestros sentimientos y hacernos sentir bien, muchas veces eso conlleva el sacrificio de capacidad crítica o calidad argumental, puesto que los desenlaces suelen ser previsibles y el desarrollo de personajes escaso.
Pero la Comfort TVsiempre va estar ahí siempre. Somos humanos y la realidad muchas veces es demasiado dura. En el arte y entretenimiento, encontramos siempre una cierta evasión de nuestros problemas y la televisión de confort es solo la manera más descarada de hacerlo. Mientras estos productos no se conviertan en una abrumadora mayoría y terminen siendo nuestra tónica serial en el panorama contemporáneo, tenemos que asumir que forman parte del espectro de la ficción y, como tal, tienen su función: confortar.
Allá por mayo de 2017 se estrenó la mejor película del Universo Cinematográfico de DC. Una cinta fresca, divertida, visualmente impecable y con una protagonista femenina que nació para el papel. Nuestra crítica aquí. Meses más tarde y con el éxito arrollador de Wonder Woman se estrenaba Wonder Women y el profesor Marston, una película biográfica dramática sobre el psicólogo William Moulton Marston, creador del personaje. Guionizada y dirigida por Angela Robinson, Wonder Women y el profesor Marston está protagonizada por Luke Evans, Rebecca Hall y Bella Heathcote.
El trío protagonista
Una vida para ser trasladada al cine.
Cuando accedemos a ver un biopic es porque esperamos que el personaje ha trascendido, ha hecho algo para que merezca que su vida sea llevada a la pantalla. Recientemente la vida de Joe Shuster ha sido magníficamente llevada al cómic, como magnífica fue la reseña de mi compañero. Podéis leerla aquí. Sin duda las tribulaciones que pasa Shuster son ante todo personales, pero es el creador de Superman y sus dificultades y desgracias giran en torno a dicha creación. En el caso de Marston no podemos decir que Wonder Woman fuese el catalizador de sus problemas, máxime cuando él si se cuidó de agenciarse sus derechos sobre el personaje. No obstante a Hollywood le gusta las grandes historias de superación, así no hace falta ser un Picasso para que te trasladen al cine, vale con que seas un boxeador que tenías a tu familia y a tí mismo famélicos perdidos en época de la gran depresión como ocurre en Cinderella Man, por ejemplo. Como decía una historia de superación. Tampoco es el caso de Marston. William Moulton Marston es una persona inteligente, siempre con la cabeza ocupada, inventor, investigador, profesor e incluso historietista. Sin embargo cuando uno ve la película se da cuenta del motivo del traslado de su vida a la gran pantalla. Hablamos de una persona que rompió los convencionalismos de una América tradicional, familiar, propia de los años cuarenta.
Olive, dando ideas a Marston
El poliamor fue el origen de Wonder Woman.
William Marston es de todo menos el típico profesor de Universidad, psicólogo y teórico del campus universitario femenino de Radcliffe (la cual más tarde se incorporaría a Harvard), sus ocurrencias e ideas siempre tienen en vilo a sus alumnas. Elizabeth, su mujer, no está en el aula como esposa desconfiada, sino que debido a la discriminación de género ella no tenía derecho a plaza propia en la Universidad, así que debe conformarse como profesora ayudanta. Junto a su marido crearon el prototipo de lo que será posteriormente el detector de mentiras, con el fallo de vender la idea y no tener derecho ninguno a la postre, cosa que aprenderá en el futuro cuando cree a la mujer maravilla. Vemos que la relación entre el matrimonio Marston es idílica pero todo cambia cuando entra en escena una alumna, Olive (Bella Heathcote). Pronto surgirá una química muy especial entre los tres que a la postre desafiará los conservadores convencionalismos de la típica familia americana y es que William, Elizabeth y Olive comienzan una relación poliamorosa, basada en el amor, la sinceridad y la confianza entre los tres.
Elizabeth y Olive
Dicha relación fructíficó en varios hijos que fueron criados conjuntamente con aparente normalidad hasta que finalmente son descubiertos por los vecinos y posteriormente denunciados. A partir de aquí todo serán dificultades en la relación. Prefiero que vean la película antes de seguir contando spoilers.
Y nace Wonder Woman.
Fruto de este poliamor nacerá Wonder Woman. Detrás de la creación del personaje hay muchas inquietudes por parte de Marston. El profesor fue creador, como veremos en la película, del DISC, modelo de conducta social y emocional que consta de los siguientes pasos: Dominio, Influencia, Sumisión y Conformidad. Relacionadas dichas conductas Marston las vinculó en el sexo al sadomasoquismo y al bondage. Cuando crea al icónico personaje pone en práctica todas sus inquietudes en el personaje, una superheroína que está basada en la personalidad de sus dos mujeres. Pronto topará con la censura y es que las primeras historietas de Wonder Woman son muy sensuales y transgresoras en una época donde todo estaba controlado. Las aventuras de Wonder Woman fueron tachadas de inmoral por mostrar al personaje en situaciones de tintes sadomasoquistas y bondage, amén de aparecer en situaciones de ataduras con cadenas. Marston, feminista reconocido, se refería a dichas escenas como simbólicas ya que Wonder Woman escapaba siempre de sus ataduras para alcanzar la libertad contra los hombres.
Sin duda alguna William Marston nos ha legado para la posteridad a un personaje icónico, que si bien ha evolucionado, mantiene las características iniciales de su autor. Una superheroína que come en la misma mesa de los dos personajes más importantes de DC, Superman y Batman, con permiso de la Amazona más famosa del mundo.
Saludos una vez más estimadas/os internautas. Como sabéis, o si no lo sabéis os lo digo, la tercera temporada de la serie Daredevil de Netflix se estrenará a mediados de octubre. Desde esta web queremos aprovechar la cercanía del estreno para dedicar algunos artículos al cuernecitos más famoso de Marvel. Aunque por lo que se ha dejado ver en el tráiler, y habida cuenta de cómo fue el final de Los Defensores para Matt Murdock, la trama de la tercera temporada apunta a adaptación del famoso «Born again» de Frank Miller y David Mazzuchelli, mi interés es hablaros hoy de otra etapa del personaje, muy alejada en espíritu y tiempo de edición de la de Miller. Dicha etapa es…la de Mark Waid.
Aquí empezó la etapa Waid.
¿Qué hace memorable esta larga etapa? Para empezar quiero resaltar que para un servidor es memorable, no tiene por qué haber causado el mismo efecto en quienes también la hayáis leído, pero en mi opinión merece y mucho la pena leer este material. Dicho esto, una de las primeras cosas buenas del Daredevil de Waid es que está muy cercano en espíritu y luminosidad al originario de Stan Lee. Es decir, como se indica en el prólogo del primer tomo de la colección, llamado «La sonrisa del diablo», Daredevil venía de ser sometido sistemáticamente de una jugarreta a otra por los guionistas que escribían sus historias. Parecía que ya no se quisiera hacer nada diferente, sino reincidir en la misma sádica y masoquista línea de actuación, que además implicaba tener siempre hundido psicológicamente a Daredevil.
Con Mark Waid asistimos a un cambio radical. Ya no se trata de que Matt Murdock pase peores o mejores situaciones, sino de la forma en que las afrontará. Porque sí, Matt también tiene un lado optimista y puede ver las cosas de otro modo. Tendrá una vida más o menos llevadera, pero también se pueden afrontar lo que venga con una sonrisa y no con lágrimas, porque lo ideal es el equilibrio, y no siempre el extremo. Es por eso que hay vida más allá de Frank Miller, y también la hay más allá de la oscuridad. Por eso desde las primeras historias de Waid se olfatea ese aroma clásico y fresco, que desde sus inicios hizo el Daredevil de Stan Lee interesante.
Un paseo con Matt Murdock.
Por otra parte, y a nivel de narración, esta etapa nos dejará muchas cosas interesantes. Por ejemplo, la revelación de la identidad secreta de Matt Murdock, provocando que todo el mundo sepa ya quién es Daredevil, y haciendo que Matt deje de tener miedo por haberse descubierto públicamente. Pero habrá más cosas interesantes, como la enfermedad que afectará al mejor amigo de Matt, Foggy Nelson, y que dará pie a tramas nostálgicas, dramáticas, pero también cargadas de la esperanza de que también se puede salir adelante de una enfermedad si se lucha contra ella (y luchando también puede quedarse uno en el camino, pero al menos se habrá intentado cambiar las cosas). También aparecerá una nueva compañera sentimental de Matt, que le hará volver a sentirse enamorado a pesar haberse cerrado a esa posibilidad por tantas pérdidas que ha sufrido en el pasado.
Además, y debido a ciertos sucesos relacionados con el sistema judicial en el que trabaja Matt Murdock, seremos testigos del cambio de lugar de residencia del personaje, que dejará Nueva York para ir a San Francisco. Habrá una revelación sobre el pasado de la madre de Matt, que explicará el por qué se convirtió en monja. Y no faltarán las típicas apariciones de otros personajes del universo Marvel, que de un modo u otro tendrán que colaborar con Daredevil por diversas causas. Y también pasará algo curioso, y es que un personaje querrá que se publique un libro autobiográfico de Daredevil, y Matt terminará aceptando que se haga.
¿Qué legado nos deja la etapa? En cuanto a material de lectura, un total de 8 tomos publicados con la etapa completa, quedando ordenados así: 1) La sonrisa del diablo / 2) Corazones en la oscuridad / 3) Calor / 4) El hombre con miedo / 5) El camino del guerrero / 6) El diablo en la bahía / 7) Pecado original / 8) La autobiografía de Matt Murdock.
En cuanto a sensaciones, y como decía antes respecto a las que a mi me dejó leer esta etapa, fueron muy positivas. Disfruté altamente con todos y cada uno de los tomos de la colección, así como con las andanzas del cuernecitos. Aburrido de un tono totalmente oscuro y de tragedia como era el que llevaba el personaje en anteriores etapas, fue una grata sorpresa sentir desde el principio que Waid no iba a repetir el camino por esa senda, sino a resucitar en muchos sentidos al personaje.
Buscando algo bajo tierra.
¿Estamos ante la mejor etapa de Daredevil? Eso es muy complicado de decir, porque al final nuestras opiniones a veces cambian no solamente con las lecturas y relecturas de los cómics, sino también por el modo en que vemos y valoramos las cosas en distintas fases de nuestra vida. En cualquier caso, sí que me atrevo a afirmar que la etapa de Waid merece y mucho la pena para ser leída, y que no dejará indiferente a nadie. Te podrá gustar más o menos si la lees, ya sea de forma parcial o completa, pero verás que un Daredevil optimista no es ya una utopía, y que sí se puede disfrutar del personaje como en sus inicios. Para ir terminando, quiero decir que no hace falta haber leído antes nada del personaje (como siempre, si has leído algo de Daredevil te permitirá reconocer las alusiones a cosas del pasado), porque es una fantástica forma de empezar a introducir la cabeza en el universo Daredevil.
Para quienes habéis leído esta etapa, ¿qué os parece, os gustó? ¿Es una de vuestras etapas favoritas del personaje?
Para quienes no la han leído… ¿por qué no le dais una oportunidad?
Se trata de una de las sagas fantásticas más famosas de los videojuegos, un icono del rol por turnos, un referente de la estrategia… y sin embargo está de capa caída. Analizamos su historia.
Era el año 1995 y el rol lo estaba petando. Los herederos de los ochenta estaban gestando cosas como Warcraft: Orcs&Humans, Fallout o el sacrosanto Baldur’s Gate (¿Habrá algún artículo de juegos de rol que no mencione este juego?). Y sí, a falta de Warhammer Total War, surgió una estrategia que aunaba gestión, trama y fantasía. Heroes of Might and Magic: A Strategic Quest era simple pero efectivo, y gustó. Como tuvo una buena recepción un año más tarde salió la segunda parte, que también gustó.
Pero seamos sinceros: de Heroes of Might and Magic II y su expansión The Price of Loyalty nadie se acuerda. Fueron precedentes sí, pero ni todo el mundo tenía un ordenador entonces, ni todo el mundo que tenía un ordenador entonces podía hacer correr ese juego, ni todo el mundo que tenía un ordenador que pudiese hacer correr un juego moderno estaba interesado en ese género. Fue una continuación interesante, sin más.
Nacimiento de un clásico
Pero entonces llegó Heroes of Might and Magic III y la cosa cambió. Cuando hablamos de la tercera parte estamos hablando de un clásico, un título mítico que aún se recuerda con cariño y como una de las mejores propuestas de 1999. Conjuntaba todo: trama, buena banda sonora, mejores opciones que los títulos anteriores y una gran cantidad de razas jugables. Fortaleza, Mazmorra, Castillo, Forja, Torre, Infierno… un montón de opciones que invitaban a pasar horas y horas delante del ordenador. A esto se sumaron dos expansiones: Armageddon’s Blade y The Shadow of Death, que ampliaban la propuesta enormemente. La opción multijugador, que permitía jugar a varios en el mismo ordenador –cosa que parece que se ha olvidado- reunión a miles de grupos de amigos que, compitiendo, buscaban el grial o trataban de aniquilarse entre ellos. Magnífico y fascinante. Y aún conserva una nota de 9’2 en metacritic. En el 2015, visto la caída de la saga, Ubisoft puso en venta una edición HD para recuperar parte de los viejos jugadores y el prestigio perdido (de lo que ya hablaremos más adelante). Pero no gustó porque simplemente era una puesta al día para los nuevos ordenadores y porque los aficionados esperan más de una saga que nunca volvió a brillar tanto como entonces.
Entonces llegó Heroes of Might and Magic IV, junto con las expansiones The Gathering Storm y Winds of War. No nos engañemos: eran títulos correctos. El problema es que venían después del Héroes III y las expectativas eran altísimas. Con un apartado sonoro brutal (esa banda sonora es la mejor de la saga) decidieron apostar por el continuismo sin aportar nada nuevo más que mejor apariencia estética. No gustó y es recordado como un juego de paso.
Con Heroes of Might and Magic V la saga recuperó fuelle. Se trata, junto con la tercera parte, de la mejor propuesta de la saga. Gráficos preciosistas, ciudades en 3D muy trabajadas y una gran cantidad de facciones nunca vista: Infierno, Cielo, Academia, Necrópolis, Fortaleza, Silvanos… a lo que hay que sumar orcos y enanos, que vinieron con las expansiones: Hammers of Fate y Tribes of the East. Gustó, gustó muchísimo y la gente recuperó las expectativas. Se trata de uno de los mejores juegos del 2006.
Comienza la debacle
Y entonces vino el desastre. Para el 2011 anunciaron que resucitarían la saga con la sexta entrega. Promovieron un gran seguimiento en redes del proceso de creación, incluyendo nuevas razas como esos extraños elfos de agua y apostando por el 3D preciosista como en la anterior parte pero con unas ciudades a modo de dibujo con en el Heroes III de 1999. La trama era floja, incompleta y lo peor de todo: aburrida. Habían prometido mucho y sin embargo fue un producto hecho con pereza y sin encanto. Además incluyeron un sistema de registro online y progreso que no gustó a absolutamente a nadie. La cosa no era el juego en sí, era que después del III y el V la sensación de estar ante algo mediocre era enorme. Algo que no corrigieron ni con tres expansiones: Pirates of the Savage Sea Adventure, Danse Macabre y Shades of Darkness… Fue decepcionante y dejó un sabor amargo de ser un sacacuartos. Nada más. Pero lo peor no había llegado.
Might & Magic Heroes VII llegó en el 2015, mal y rápido, tratando de paliar el desastre que había provocado la anterior parte en la saga. Y lo empeoró. Ni con la expansión Trial by Fire del 2016 lograron arreglar nada, por mucho que aportasen enanos, que eso siempre está bien. Gráficos mediocres (aunque el mapa para elegir campaña era interesante, eso sí), historia pobre, pocas facciones, ningún aporte nuevo, bugs… Si el anterior tenía un 6 en Metacritic, este no llega ni al aprobado: un 4,9. Quizás el problema es que la evolución de un juego como este puede ser limitada, pero la gestión de esta saga es un buen ejemplo de lo que no hay que hacer: tomar por tonto al fan. Le pasó a Assassin’s Creed tras un mediocre Unity y un abobinable Syndicate. A veces hay que tomarse un tiempo para que las cosas respiren, para hacer autocrítica y sobre todo para tomar con ganas, esfuerzo y cariño un producto que en su género cambió la historia de los videojuegos.
¿Qué pasará en el futuro?
Veremos un Heroes of Might and Magic VIII. Seguro. Pero no sabemos cuándo y bajo la firma de qué estudio. Limbic, responsables de los dos últimos, han demostrado no ser muy talentosos a la hora de afrontar los retos que esta saga supone, así que Ubisoft deberá buscar otra pareja de baile en este caso ya que ya ha rescindido el contrato con ellos. Pero ojo, la culpa es de los dos, no sólo del estudio. Y necesitarán tiempo para ver cómo recuperar el apoyo de unos fans que cada vez están más cansados.
Bienvenidos al análisis número 9 de Better Call Saul. Este es el penúltimo episodio de la temporada 4, así que la quinta temporada seguramente la veremos alrededor del 2019-2020. El episodio no fue nada sorprendente, pero mantiene rígido su guión y no hay nada fuera de lugar. Tenemos un poco más sobre la relación entre Jimmy y Kim, una inesperada reacción de Ziegler y un Hector Salamanca más parecido al que conocimos en Breaking Bad.
Tenemos aún material para la siguiente temporada, que aunque evaluando los avances de estas cuatro temporadas, probablemente sea la última. A pesar de ser una gran serie por estar muy bien hecha en todos sus aspectos, alargarla mucho no será necesario. Por experiencia propia de los que somos fanáticos de las series, sabemos que una serie muy extendida sin necesidad se convierte en una porquería (este no seria el caso de Better Call Saul). Así que como su padre Breaking Bad, cinco temporadas es suficiente.
Entre Kim y Jimmy creció la tensión. A Jimmy le negaron recuperar su licencia de abogado, a pesar de hacer lo posible en su entrevista, los jueces olieron mal la honestidad de Jimmy. Algo totalmente injusto, pues aunque Jimmy es de quiénes como abogado vela por clientes de mala monta, le encanta lo que hace. Esto provocó que su ánimos y su humor estuvieran al tope y generara una discusión donde deja a Kim como alguien que desconfía de él desde siempre. Kim alega que ella siempre ha estado ahí para él, a estado apoyándolo sobretodas las cosas. Jimmy molesto le responde que ella esta siguiéndole la corriente para escapar de su aburrida rutina. Jimmy fue muy duro con Kim pues ella tiene razón y esto fue un acto muy desagradecido de su parte hacia Kim, pues desde luego que Kim ha estado siempre para Jimmy.
Ambos están convencidos de juntos pueden ingeniárselas para salir adelante elaborando planes astutos para arreglar muchos asuntos. Entre ellos el del intercambio de los planos de Mesa Verde, que con un montaje de una abogada con un esguince y su torpe hermano, buscaron destruir los planos de una sucursal y poner otras copias con diferente información.
Esperamos que Jimmy pueda recuperar pronto su licencia de abogado. No esperaba que esto pasaría. Queremos ver mucho más de Saul Goodman.
¡Ding! ¡Ding!
La legendaria campanita de Don Hector ya hizo su aparición. Pues esta serie no es solo sobre la evolución de Jimmy a Saul sino también el de muchos otros personajes conocidos de Breaking Bad como Hector Salamanca, Gus Fring, Nacho Varga y Mike Ehrmantraut . Pues de las manos de Lalo pudimos conocer el origen de la molesta campanita de Hector Salamanca. A estas alturas no se ha elaborado el patrón de comunicación de Don Hector con el resto a través del uso de la campanita como lo conocemos de Breaking Bad donde ciertas cantidad de toques a la campana significan sí o no. Lalo se queda a solas con Hector y quien sabe que tanta información pudieron compartir, el hecho es que Lalo sabe cosas sobre Fring y quien sabe que estará planeando. Don Hector no es una persona que sea de perdonar, algo como que Hector esta agradecido de Fring por rescatarlo de su decaída no parecen cosas suyas. ¿Algo estará tramando Lalo?
Wiedersehen
Investigando por medio del traductor, la palabra alemana wiedersehen significa reencuentro, reunirse de nuevo o hasta la vista. Esta palabra está escrita en la pared que el equipo de Ziegler planean demoler. Algo sale mal durante el proceso de demolición y Ziegler decide ir a solucionarlo. Bajó a sótano donde estaba la dinamita preparada, pero Ziegler parece ser victima de una ataque de ansiedad. Quizás el pánico de estar tan lejos de su esposa y no saber si podar verla de nuevo debido a los riesgos que debe correr, lo hacen sufrir. Una decisión apresurada fue la que tomó, al aventurarse a escapar del encierro al que ha estado sometido durante largos meses. A pesar de que pudo conversar con su esposa por teléfono, esto no fue suficiente para él. Su prisa de regresar a Alemania con su esposa le hicieron abandonar su labor en al sótano de Lavanderia Brillante.
Bienvenido todo el mundo a una nueva serie de análisis de los capítulos la última temporada de The Walking Dead. Recordar que el artículo está lleno de spoiler así que ya sabéis, mejor leerlo después de haber visto el primer episodio.
La serie ha ido perdiendo interés y espectadores con el paso de los años. Las razones son varias y a las normales propias del agotamiento por el paso de los años hay que sumarle otras cómo el alargamiento hasta el infinito y más allá de las tramas (más de dos temporadas para solucionar el tema de Negan), dispersión en múltiples personajes (alguno de los cuales no importan a nadie) o historias secundarias sin sentido.
Además hay que añadir la propia estructura de las temporadas, que siempre empiezan bastante bien, van decayendo hasta llegar al parón de mid-season, vuelve con fuerza y acaba con un par de episodios buenos. Esto hace que el público se desenganche, al final sólo hay cuatro o cinco buenos episodios y el resto es morralla.
En el Santuario la situación es complicada
Nos han prometido que todo va a cambiar en esta temporada con la llegada de una nueva showruner, Angela Kang. Gracias a ella sabemos queRick va a dejar la serie, que las mujeres van a tener más protagonismo y que la trama va a ser más dinámica. Vamos a ver si desde este primer episodio lo han conseguido.
La cabecera del programa ha cambiado, subrayando el hecho de que corren nuevos tiempos y que estamos ante un punto y aparte en la serie. Luego viajamos a las localizaciones a las que estamos acostumbrados (Hilltop, Alejandría, El reino y el Santuario) para ver como el paso del tiempo y la resolución del conflicto con los Salvadores las ha hecho prosperar. A todas menos al Santuario.
Privados de su líder y afincados en una fábrica, sin suelo fértil, dependen de los demás para subsistir. Y este parece que va a ser uno de los conflictos de la nueva temporada. Una partida encabeza por Rick, Michonne, Daryl y Maggie viaja al Smithsonian de Washington D.C para sacar de allí semillas y un arado para que se pueda sembrar en el Santuario. Dejando de lado el curioso hecho de que a todas las misiones peligrosas siempre van los líderes (con el peligro que conllevan no tiene demasiado sentido), al final se consigue el objetivo pero muere Ken, el hijo del herrero de Hilltop.
Todos de excursión al Smithsonian buscando cosas para trabajar la tierra
Esta muerte hace que se encrespen los ánimos en el asentamiento donde manda Maggie, y es aprovechada por Gregory (cómo siempre) para sembrar discordia en su beneficio, siendo el instigador de un intento de asesinato de la líder que por supuesto sale mal. Al final vemos unos de los mejores y más perturbadores momentos del episodio, cuando Maggie decide que ya está bien de dar segundas (y terceras o cuartas) oportunidades a un gusano como Gregory y le ahorca delante de todos sus conciudadanos para según ella «hacer cumplir la ley» (en mi opinión este personaje debería haber muerto mucho antes).
Tenemos aquí varios de los focos de atención que tendrá esta temporada. Por un lado el resquemor de los habitantes de Hilltop hacia los Salvadores, en una clara metáfora de la situación que se vive en EE UU, la gente de Negan son unos parias a los que no se tiene claro que haya que ayudar, como si fueran inmigrantes en la América de Trump (incluso Gregory se presenta como el mandatario que piensa primero en HIlltop, cómo el America Frist del presidente norteamericano).
Por otro lado Maggie se muestra como una líder dura, segura de sí misma y que piensa en sus conciudadanos y en hacer cumplir la ley. Se separa de la sombra de Rick para tomar sus propias decisiones aunque contravengan a las de amigo y antiguo líder. Y mientras Daryl se encuentra como jefe del Santuario. Posición que ya no quiere ejercer más, está agotado de cuidar de esa gente y quiere volver con sus amigos, concretamente a… Lo habéis adivinado, a HIlltop con Maggie.
Maggie dará un pasó al frente.
Ya vimos al final de la octava temporada que Maggie y Daryl no estaban muy contentos con la decisión de Rick de dejar con vida a Negan y parece que esa divergencia de ideas va a ir a más y quién sabe cómo acabará.
También hay tiempo para mostrarnos nuevas relaciones y es que Carol ha iniciado una relación romántica con Ezekiel, “El Rey” del Reino. Desde el final de la temporada anterior se habían ido sembrado situaciones que podían abocar a un romance entre estos dos personajes, así que nada que objetar. El problema viene cuando Carol toma la decisión de suceder a Daryl al frente del Santuario justo después de que Ezekiel le proponga matrimonio. Él cree que está huyendo del compromiso pero ella le dice que no, que ahora sabe lo que quiere y que sabe que le está esperando y quiere volver después de cumplir sus obligaciones. Este amor promete ser uno de los puntos de interés de la serie ya que Carol y Ezekiel son dos de los personajes más complejos de la misma.
Carol y Ezekiel la nueva pareja de The Walking Dead
Al final del episodio vemos los planes de Rick y Michonne para los asentamientos. Quieren que se firme un acuerdo entre todos para que queden claro los deberes y obligaciones de cada uno y como se tienen que relacionar entre sí. Algo que recuerda poderosamente a una Constitución. Tiene mucho el sentido ya que estamos ante la refundación de un nuevo mundo, pero se antoja muy complicado por la situación de dependencia de los Salvadores, derrotados y dejados con vida por unos vencedores que se están empezando a cansar de ayudarlos.
Cómo punto final señalar que esa idea de la refundación entronca perfectamente con el tono de western que parece que va a tener la serie a partir de ahora, con una escenografía que recuerda a ello y reforzado por situaciones cómo el ahorcamiento de Gregory o los asentamientos como poblados del lejano Oeste, con sus caballos, carromatos y demás. Por contra constamos el hecho ya conocido de que los zombies importan cada vez menos y su presencia (y amenaza) es casi anecdótica, quedando como los enemigos a sortear en las misiones de abastecimiento. Una pena en un serie que se sopones es “de zombies” .
¿The Walking Dead o un Western?
En definitiva estamos ante un arranque correcto, sin los fuegos de artificio a los que nos tenían acostumbrados los primeros episodios de cada temporada. Esperemos que esto signifique que han aprendido que todos los capítulos tienen que ser interesantes por sí mismos. Hace falta más para que The Walking Dead recupere al público perdido, pero al menos, el paciente progresa adecuadamente.
RECUENTO DE MUERTES: Ken, hijo del herrero de Hilltop (presentado este mismo episodio y por lo tanto tampoco nos dice nada) y Gregory, ex líder del mismo asentamiento (sólo puedo decir una cosa ¡Por fin!).
