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Guía básica para entender el universo de Doctor Who para sobrevivir a la temporada 11

Toni CE
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Guía básica para entender el universo de Doctor Who para sobrevivir a la temporada 11

¿Tienes a Doctor Who como pendiente desde hace años y no sabes como empezar? ¿Tienes un cacao mental con todas las temporadas, todos los diferentes doctores?  Debido al reciente estreno de la temporada 11, dónde tendremos una nueva doctora -mujer, por primera vez en la serie- he decidido hacer un artículo con conceptos básicos de la serie, enfocados generalmente a personas que no han visto nada de la serie, o muy poco de ella. Por otro lado, hablaré principalmente de la etapa moderna de la serie, ya que creo que es la que tiene mayor relevancia actualmente y es la puerta de entrada más accesible para empezar la serie.

La serie de Doctor Who: La etapa clásica y La etapa moderna.

Iremos directos al grano, incluso antes de explicar los conceptos básicos whovians -sí, así nos llamamos los fans de la serie- creo que es importante explicar varias cosas muy básicas que según mi propia experiencia y la que he podido observar en el resto, una de las mayores preocupaciones para atreverse a iniciarse en la serie son las dudas por dónde tenemos que empezar.

Doctor es la serie de ficción más longeva de la historia, con más de 800 episodios. Se estrenó en el año 1963. situándonos en el año en el que Hitchcock estrena Birds y pocos días después de que Kennedy fuera asesinado, y siguió en antena hasta el año 1989, después de unas temporadas en declive.  En el año 2005 Russell T. Davies y la BBC volvieron a retomar una de las series insignia de la cultura británica, esta vez con un éxito arrollador, que dura hasta la actualidad y que estrena la temporada 11 esta semana.

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Por lo tanto tenemos la serie de televisión se puede dividir en la etapa clásica, desde 1989 hasta 1963 y la etapa moderna, iniciada en el año 2005 hasta la actualidad. Además a esto le tenemos que sumar varios spin off, programas de radio, cómics, libros, videojuegos, etc…En conjunto un universo rico y grandioso. ¿Es necesario ver todo esto para seguir todo esto? Rotundamente no. ¿Hay que empezar por el primer episodio de Doctor Who del año 1963? Por supuesto que no, y no debes. Al igual que si me preguntaran si aconsejo por comenzar Amazing Spiderman por su primer número diría que no, quizás la etapa de straczynski sea mejor. En Doctor Who es inabarcable la cantidad de material que hay, además si a esto le sumamos que muchos de los capítulos de la etapa clásica están perdidos, nos vemos que es prácticamente imposible que podamos ver todo. No te agobies y disfruta.

¿Por dónde empiezo? Sin duda, la etapa moderna.

Doctor Who es una serie muy compleja, pero que el 90% de los capítulos puedes ver teniendo la idea básica siguiente: Doctor Who es una alien con forma humana que viaja por el espacio tiempo-tiempo viviendo aventuras. Realmente la serie no suele contar demasiado sobre la historia de los protagonistas, y muchos de los conceptos básicos se han ido adaptando a lo largo de los años. Doctor Who es básicamente el personaje del Doctor teniendo situaciones con terceras personas. Es una serie no demasiado lineal, y aunque hay personajes que mueren u otros que reaparecen, no es demasiado compleja de seguir independientemente. Además, la etapa moderna tiene en cuenta a los espectadores nuevos, y cada vez que sale un elemento o personaje de la etapa clásica lo explican perfectamente.

Puedes empezar por prácticamente cualquier Doctor y la mayoría lo puedes entender bien, ya que con cada nuevo Doctor, la serie tiene una especie de reseteo. Ahora bien, yo no recomiendo esto, es una serie que merece saborear cada temporada de la etapa moderna. Yo recomiendo empezar por la primera temporada de la etapa moderna, la que inicia en el año 2005. Quizás la primera temporada no es la mejor, y Christopher Eccleston no es el Doctor más popular, pero es dónde creo que es más lógico empezar. Una vez que has terminado la etapa moderna, si te gusta,  quieres conocer y ampliar tus conocimientos sobre el universo del Doctor, puedes picotear en la etapa clásica, o verla entera ¿por qué no? Pero no es necesario en absoluto ver la etapa clásica y para muchos puede ser duro ver algunas temporadas que han envejecido mal. Si te ves con ganas de seguir la etapa clásica, yo recomiendo ver los mejores capítulos que recopilan en diferentes webs o seguir seriales con tus villanos o personajes preferidos para conocer más sobre ellos. ¿Qué quieres comenzar con esta temporada 11 que da comienzo con una nueva doctora y nuevos acompañantes? Es una opción válida, pero que como dije antes, yo no recomiendo.

¿Quien es el Doctor?

Ahora empieza lo bueno, la chicha. Doctor Who viene protagonizada por el Doctor. ¿Quien es este? Pues aunque pueda parece que sabemos mucho de él, realmente no es así. Básicamente El Doctor es un Alien con dos corazones que toma forma humana y que viaja por el espacio-tiempo en su máquina del tiempo en forma de cabina azul, la TARDIS, acompañado de otros personajes, a los que llamamos compainons o acompañantes. El Doctor pertenece al planeta Gallifrey, dónde viven Los señores del Tiempo, una de las razas más poderosas del universo y que tienen el poder viajar por el tiempo. Esta raza puede vivir miles de años, ya que tienen el poder de regenerar su cuerpo en caso de que este sufra graves daños o producir su muerte.

-Las reencarnaciones. Este es el motivo del porqué hablamos de Doctores cuando hablamos de El Doctor, y es que gracias a su habilidad de regenerarse, a lo largo de la serie hemos conocido varios actores que han caracterizado al Doctor. A pesar de esto, el Doctor no es inmortal y su concepto de regeneración ha cambiado a lo largo de la serie según el guionista de turno, por lo que hay cosas que no están del todo claras. A lo largo de la serie hemos tenido 13 doctores -y una última doctora- siendo en esencia el mismo personaje, que debido a circunstancias extremas, el Doctor ha tenido que hacer uso de su regeneración para sobrevivir. Además, el cambio no solo es físico, ya que cada Doctor tiene gustos diferentes y ciertas particularidades según cada regeneración, aunque todos tienen características básicas del Doctor como la bondad y una gran inteligencia. La manera más cómoda de dividir las sub-etapas de Doctor Who es dividirlas por Doctores. 

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Acompañantes

O comúnmente conocidos como companions son unos personajes que acompañan al Doctor en sus aventuras. A lo largo de la serie hemos tenido un gran número de ellos, alrededor de 35. La figura del acompañante es muy importante, y su relación con el Doctor suele cambiar según la etapa, que va desde la paternal, profesor-alumno e incluso la amorosa. Suelen ser un apoyo para el Doctor, algunas veces más de ayuda y otras veces metiéndose en líos, pero son las personas que mejor conocen al Doctor, muchas veces mejor que él mismo. Aunque suelen ser mujeres, normalmente están alejadas del concepto de mujer florero, siendo jóvenes intrépidas y aventureras, y en ocasiones teniendo mayor protagonismo que el propio Doctor.

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VILLANOS

¿Qué serie de una serie de ciencia ficción sin sus villanos? En Doctor Who tenemos un gran número de villanos, que podrían abarcar un artículo o enciclopedia -de hecho la hay- por sí misma. Cuando se estrenó Doctor Who, uno de los motivos de su éxito fue su variedad en cuanto a villanos, siendo una época en la que no estaban demasiado acostumbrados a ver monstruos en una serie de televisión. Su villano más importante y el enemigo por antonomasia del Doctor son los Daleks. Estos son unos Cyborgs tanques -el interior lo tendrás que descubrir por ti mismo- creados por un científico sin capacidad de compasión y con el objetivo de dominar el universo. Al principio pueden parecer ridículos, y aunque en parte lo son, son uno de los elementos más importantes de la serie.

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Otro de los villanos más característicos son los Cybermen, unos cyborgs humanoides pertenecientes al planeta Mondas, los Angeles llorosos, Zyfgons, Guerreros del hielo, El silencio o mi preferido, The Master. Estos y el resto, tendrás que descubrirlos por ti mismo.

 

HERRAMIENTAS Y HABILIDADES DEL DOCTOR

Una de las grandes características del Doctor es que no posee habilidades físicas sobrehumanas como muchos de los protagonistas de la ciencia ficción ni tiene ningún poder en especial por sí mismo, más allá de la reencarnación. Su gran arma siempre ha sido su extrema inteligencia, y gracias a ella -casi- siempre logran vencer al enemigo o salir de las situaciones más extremas posibles, salvando al universo en varias ocasiones.

El Doctor odia las armas, se podría decir que su única herramienta física es el destornillador sónico, que sostiene el Doctor y que se ha convertido en un icono de la serie. El destornillador sónico es multifuncional, normalmente es usado para abrir cerradores, comunicarse con la TARDIS, acceder a sistemas informáticos o rastrear materia orgánica. Las funciones y aspecto del destornillador sónico suele cambiar según el guionista, siendo en ocasiones una herramienta increíble.

Pero si hay algo icónico de la serie es sin duda la TARDIS (Time And Relative Dimensions In Space), una nave que usa el Doctor para viajar por el espacio-tiempo, siendo tecnología avanzada de Los Señores del tiempo .Si se encuentra en buenas condiciones y es pilotada adecuadamente, puede transportar a sus ocupantes a cualquier punto del universo y del tiempo. Debido a que su sistema camaleónico está atascado en forma de cabina de policía de los años 60. Además se caracteriza por ser mucho más grande -realmente nadie sabe cuanto- por dentro que por fuera.

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Bueno, espero que te haya gustado el artículo, no olvides dejar tu opinión en los comentarios. Por último y un poco a modo de expansión me gustaría dejar unos consejos para los iniciados en esta gran serie.

  • No te agobies con saber todo de la serie, esto es imposible. Simplemente disfruta y ten paciencia.
  • Dale una oportunidad. No dejes una serie tan extensa en los primeros capítulos, dale una oportunidad sobre todo si te atrae la ciencia ficción.
  • No odies a ningún Doctor. obviamente todos tenemos personajes que nos gustan más que otros, pero creo que todos los Doctores tiene que ser vistos como un todo. El fanatismo tóxico no es bienvenido en esta serie.

Disfraces para Halloween: La lista de la compra basada en cine de terror

Miguel de Lys
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Disfraces para Halloween: La lista de la compra basada en cine de terror

¡Una de las fiestas del año ya está aquí! Halloween se aproxima a gran velocidad y parece que fue ayer cuando estábamos celebrando la fiesta de los muertos. ¡Ya han pasado 12 meses y tu disfraz ha quedado anticuado! ¡No puedes repetir! Si quieres sorprender te recomendamos que eches un rato en este catálogo de Halloween en Disfrazzes, donde podrás encontrar la mejor lista de la compra basada en cine de terror.

¿Te gusta el cine de terror? Pues en este concepto puedes inspirarte para tu disfraz de Halloween. ¿Saldrá tu película favorita? Pues sí, sin ninguna duda, porque la oferta es muy amplia. El payaso de IT, el lobo de Teen Wolf, Drácula o zombies de Walking Dead, que están muy de moda. Y, si quieres cosas más para el público juvenil o infantil, quizás para tus hijos o los más pequeños, también hay opciones como Gremlins o HellBoy. ¡Si por trajes de Halloween no será!

miles de opciones
¡Que de opciones para Halloween!

Lo que está claro es que parte de esta fiesta implica marcar la diferencia y destacar con algo único, con un disfraz de Halloween que no sea típico y que mezcle de un vistazo el concepto de terror con el de originalidad. Y todo ello por un buen precio porque entendemos que es algo que puede preocuparte también. Pero los precios en esta tienda son muy asequibles y más si tenemos en cuenta la calidad de los productos, que es muy alta. Las máscaras que te harán parecer un monstruo o un zombie están cerca de los 20 euros, y si quieres algo más elaborado que te valdría hasta para salir en una película, como la máscara de Jason o de Terminator, por 60 euros lo tienes. Pero ojo, si crees que lo tuyo es montar una fiesta temática hay descuento para grupos, por lo que te recomendamos que te informes porque puedes conseguir precios mucho mejores.

¿Y si lo que te preocupa es no llegar a tiempo? ¡No te preocupes! Aunque no lo creas con que hayas sido un poco precavido puedes tener una opción con la que conseguir un buen disfraz para Halloween. Y es que en esta tienda se mueven por plazos muy rápidos: entre 24 y 72 horas. Aunque estamos avisando con semanas de antelación es bueno saber que tienes aún unos días para pensártelo y que vas a pasar la noche del 31 de octubre de una forma adecuada. Y decimos que esta opción es perfecta porque ha pensado en absolutamente todos los contextos: una celebración con amigos, jóvenes dispuestos a aterrorizar en la noche o incluso familias en las que incluso los bebés van bien preparados. Por último añadir que también contamos la posibilidad de tener decoración a la altura, desde las clásicas calabazas y telas de araña hasta sangre falsa y esqueletos, pasando por candelabros de lo más tétrico. Si además tienes un jardín en tu casa o urbanización, con estos precios y los descuentos, podrás crear un sitio único en el que seguramente todos quiera repetir el año que viene.

One Piece 919/920, viajeros en el tiempo

Mario Fernández Filloy
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One Piece 919/920, viajeros en el tiempo

Bienvenidos una vez más, fieles adeptos de Oda, a un nuevo análisis de One Piece. En esta ocasión, de los capítulos 919 y 920 del manga. No sé si estaréis de acuerdo conmigo en esto, pero creo que Oda ha hecho una de las jugadas de guión más sorprendentes de todo One Piece incluyendo un elemento intrínseco de la ciencia-ficción que nadie esperaba encontrar en un manga como éste. Y ahí dejo la introducción, porque creo que esta revelación eclipsa todo lo demás. Comencemos.

Adoctrinamiento a niños

A través de las razonamientos que se dan una maestra y sus alumnos, Oda consigue matar dos pájaros de un tiro: en primer lugar nos explica el sistema político que existe en el país de Wano y en segundo, nos muestra el adoctrinamiento que ejercen Kaido y sus súbditos sobre la población, en gran medida sobre los pequeños, educados ya en ese sistema putrefacto.

Wano es un país aislacionista desde que Kaido (o debería decir el actual shogun. No sé, pero ambos juegan al mismo juego) se alzó gobernador-tirano, y hace creer a la gente que la grandeza de un país se haya en su aislamiento para poder proteger a su gente. Creen todos, engañados, que tener las fronteras abiertas permite a las personas e ideales malvados dominar el país y que hay muchos países que ansían lo que Wano tiene. Oden y sus nueve vainas rojas, hace veinte años, trabajaban por mor del bien tratando de establecer unas fronteras abiertas y tener pacíficas relaciones con el exterior (como dato es destacable que en la mayoría de las historias de este estilo, muy presente en One Piece, el mal es de ultra-derechas y el bien de ultra-izquierdas), pero fueron «asesinados» (supongo que ya entendéis el porqué de las comillas) por el actual shogun, Kurozumi Orochi.

La maldición de los enemigos, bendición

Eras como la luna que no conoce el amanecer. Si existiera un deseo apasionado que pueda ser cumplido entonces deberá ser el único donde nueve sombras tomen forma, unidas a través de 20 años de noches iluminadas por la luz de la luna. Sólo entonces conocerás el resplandor del amanecer. 

Eso fue lo que dijo la mujer de Oden hace 20 años frente al castillo en llamas, tras el asesinato de su marido y los vainas rojas. Profetizó el regreso de los nueve al finalizar ese espacio de tiempo, o el regreso de sus fantasmas. ¿Y cuándo acaban exactamente esos 20 años? Efectivamente, justo ahora. Ciertamente empieza a resultar un poco cansino que siempre se utilice este recurso, se cumplen los períodos profetizados en el justo momento en que los mugiwaras aparecen, y digamos que hace tiempo que dejó de ser creíble.

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La madre de Momonosuke y mujer de Oden

¿Y quiénes son esos fantasmas? Las tumbas que pudimos ver en el capítulo anterior son las tumbas de los personajes que ya conocemos: Raizo, Momonosuke, Kin’emon,… Son ellos. Fueron «asesinados» hace veinte años y la profecía los ha devuelto. Pero la realidad es algo diferente.

Arriba en el cementerio terminan reuniéndose todos. Aparecen los mugiwaras desaparecidos tras el accidente con el barco y los fantasmas de los samuráis, confirmando éstos la sospecha inicial: vienen del pasado. Entonces podemos concluir que no son fantasmas aparecidos de la nada como tal, sino que los propios cuerpos, de carne y hueso, han viajado al presente desde el momento previo a su supuesto asesinato.

La historia de Oden

La mayor parte del capítulo 920 es la historia de Oden, y sería bastante innecesario repetirla de nuevo aquí cuando todos la habéis leído al completo (todo el capítulo es una narración con principio y final), pero apuntaré ciertos datos que quizás sean importantes.

Siendo hijo del shogun de Wano, fue un chico problemático y lo exiliaron a un lugar donde los criminales campaban a sus anchas, un basurero humano. Allí consiguió hacerse respetar y restableció un orden entre bandidos, que entraron de nuevo a la civilización. Oden consiguió unir a la gente de nuevo, lo admiraron grandes figuras como Shirohige o Roger, pero la putrefacta justicia lo ejecutó por criminal.

La mujer de Oden tenía el poder de viajar al futuro, y se dice que provenía de un pasado muy lejano. Cuando ella y su hija ardieron en el castillo por culpa de Kaidou, entregó a su hijo Momonosuke a los samuráis y amigos de su marido y los llevó al futuro 20 años. Y a partir de ahí es la historia que ya conocemos, más o menos.

Aliados y el plan

Los aliados contra Kaidou y el shogun de Wano son: los mugiwara, los piratas de Trafalgar Law, los dos grupos de la tribu Mink y un grupo de samuráis todavía fieles a Momonosuke. Lo que pretenden, reunir información solapadamente y tomar la cabeza del comandante dentro de dos semanas, en la noche del Fire Festival en el lugar donde reside Kaidou.

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Y hasta aquí el análisis de esta semana, nos vemos en el 921, en el ínterin, sed felices.

Crítica de Malevolent: Una de terror de Netflix

Carlos María Porras Castaños
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Crítica de Malevolent: Una de terror de Netflix

Recientemente realicé para la web el artículo Próximos grandes estrenos cinematográficos en Netflix. En él destacaba que Netflix iba a quitarse ese halo a lo Ed Wood de positivar y darle el visto bueno a todo lo que se le pone por encima de la mesa. Con Malevolent ha vuelto el espíritu Ed Wood… a medias y es que os adelanto ya que la película no me ha disgustado, cumpliendo con los cánones habituales del género que gustan al espectador.

Si sois fan de las películas de terror os recomiendo la lista que recientemente elaboró Jaime: Top 25 mejores películas de terror de todos los tiempos donde no encontrarás a Malevolent.

Os presento a Malevolent

Lo reconozco, no soy fan del género de terror desde Se lo que hicisteis el último verano. A partir de ahí y Scream las veía todas cortadas por el mismo patrón, igualmente me pasa con la reciente Expediente Warren que tampoco me gustó nada y genera oleada de películas clonadas. Así que Malevolent, una película original de Netflix no parecía lo más adecuado para mí, pero he aquí que la premisa del tráiler me llamó la atención. Cuatro chavales que se hacen pasar por «cazafantasmas» y crean un numerito en casas donde supuestamente hay espíritus, se aprovechan en definitiva de gente que con la trágica pena de no superar la pérdida de un familiar creen que el espíritu sigue albergando en la casa. Todo muy bien hasta que dan con la casa y la persona equivocada.

Decía que la premisa me parecía interesante y más o menos está bien ejecutada. Sobre los jóvenes poco que destacar. Es la típica pandilla de pardillos que no nos van a simpatizar especialmente y que presumiblemente siguiendo los clichés de las pelis habituales del género van a caer como moscas, lo típico como decía. Tenemos al listo del grupo, Jackson, que en la película aparte de caernos mal nos dejan intuir que tiene problemillas con gente, aunque esto está metido con calzador. Luego tenemos a su enigmática hermana Angela interpretada por Florence Pugh, sin duda alguna la mejor intérprete de los cuatro jóvenes. Cierran el grupo el cámara y la compañera que supuestamente «interpreta» los sonidos de las casas.

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Malevolent un producto menor made in Netflix que entretiene

Malevolent no es el desastre que por momentos uno piensa que va a llegar a ser. Dirige Olaf de Fleur Johannesson y guionizan  Ben Ketai y Eva Konstantopoulos, nombres desconocidos. Tanto el director como los guionistas parecen que visitan lugares que conocen y no patinan en exceso. La mayor virtud que tiene el filme es su ajustada duración de ochenta minutos que sinceramente me parecen bien llevados. La peli si no eres quisquilloso entretiene. Su mayor defecto es que tarda en arrancar. La casa donde nuestros protagonistas van a sufrir de lo lindo no se nos muestra hasta los cuarenta y cinco o cincuenta minutos. Hasta entonces no es que nos hayamos aburrido pero si es verdad que la historia es un poco sosa y uno ya está deseando que la pandilla lo pase mal. Es en la visita a un antiguno orfanato donde la película muestra su mejor baza. En dicha casa están los espíritus (supuestamente) de unas niñas asesinadas brutalmente, con la boca cosida. Los ha contratado el ama de llaves la señora Green (Celia Imrie, sin duda lo mejor de la película). Y es aquí como decíamos donde transcurren los mejores minutos. Angela, «la medium», cree ver a las niñas además de que nada es lo que parece en ese orfanato. Y aquí es donde paro para no caeros en spoilers.

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En definitiva Malevolent es mejor de lo que parece, a mi por lo menos me parece una buena mala película, que no es poco. Y teniendo en cuenta la poca publicidad que Netflix le ha dado tiene más mérito, apenas cuatro días antes del estreno sacó el tráiler. Puede valer como aperitivo al siguiente proyecto de terror de Netflix, la serie La maldición de Hill House que estrenará su primera temporada el próximo 12 de octubre. Os dejamos con el tráiler:

https://www.youtube.com/watch?v=f0jatpTaSug

Un saludo y sed felices.

Crítica de Gigantes, el nuevo referente

Pablo Ferrer
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Crítica de Gigantes, el nuevo referente

Ya no es novedad la más que vitoreada decisión de Movistar + por apostar fuerte en la creación de ficción original de calidad. Pero la realidad fue que ésta, cuando llegó, dejó con el cuerpo frío a más de uno. Sí que era apreciable un cambio de intencionalidad con respecto a la tónica previa en el producto medio, pero la realidad distaba mucho de lo que se esperaba. Tanto La Zona como La Peste, fueron series agridulces que, a pesar de su holgado presupuesto y caché tras las cámaras, se sentían prematuras y dubitativas, ninguna parecía encontrarse del todo cómoda el formato serial.

Más tarde, irrumpieron las primeras comedias con Vergüenza y Mira lo que has hecho, siendo ambas un éxito tanto de crítica como del público y arrojando algo de esperanza en las posibilidades de que la nueva etapa de Movistar + llegara a buen puerto. Y, en cierto modo, sí que empezaron a salir mejores dramas con Félix o Matar al padre pero, a pesar de las muchas virtudes de ésta última, ninguna albergaba ni la calidad ni la presencia como para ser un estandarte y servir como abanderada del nuevo periplo. Pero esta larga espera parece haber terminado con la llegada de Gigantes, el último estreno de Movistar + tras las manos de Enrique Urbizu (No habrá paz para los malvados).

Originalidad y subversión

Como muchos otros productos han hecho antes ya, Gigantes explora las relaciones y trapicheos de la familia mafiosa. En este caso los Guerrero, un clan mafioso que controla una de las principales vías de narcotráfico en España. Pero lo que diferencia la serie de las muchas otras que ya han tratado el tema de manera exitosa, como bien podrían ser Peaky Blinders, Los Soprano o Gomorra; es la subversión de uno de los principales valores sobre los que se suelen sustentar estos productos: la familia.

En Gigantes la familia es el mayor mal. Todos los problemas a los que se enfrentan los personajes y sus carencias como seres humanos, proceden directamente de la familia -del patriarca Abraham Guerrero (José Coronado) si somos más concisos-. Lejos de presentarse si quiera como un elemento ambivalente o generador de dudas, desde el primer capítulo es apreciable el veneno que el patriarca impregna sobre toda su prole, haciendo así del resto de situaciones familiares de la serie momentos incómodos y tensos que, a pesar del más que conocido desprecio que comparten hacia el cabeza de familia, resultan en amarguras ineludibles con las que tendrán que cargar toda su vida.Gigantes 2 MagaZinema

Una verdadera serie de autor

Otro aspecto que prometía la nueva etapa de Movistar + era la autoría de buena parte de estos nuevos productos. Pero a pesar de la aparente uniformidad que pudiesen presentar La Zona o La Peste, nunca se terminó de dar el salto cualitativo necesario como para que esa autoría pasase a un primer plano. Era tal la incomodidad que se desprendía en este nuevo formato serial, que cualquier virtud que pudiese aportar el tener las mismas manos detrás de toda la serie se veía eclipsada por completo. Pero este no es el caso de Gigantes, que presenta una temporada mucho mejor estructurada que sus predecesoras, siendo así capaz de sentar rápida y eficazmente sus bases, generando de este modo un buen balance entre lo interesante de su historia y lo atractivo de su presentación.1538641723092

Y es que la dirección de la serie es fantástica, el mimo que hay puesto detrás de cada plano y su composición es más que notable. Las actuaciones resultan mucho más fluidas que en otros productos de la casa y el trabajo en las labores de iluminación y banda sonora, es también digno de mención. Elementos que, al estar a tan buen nivel y ser tan distintivos, contribuyen a la creación de una atmósfera casi mágica. A pesar de estar rodada en lugares típicos del día a día, las ciudades y paisajes adquieren un cariz distinto, como si albergaran un misticismo perturbador y atrayente. Hecho que, sumado a la impecable violencia marca de la casa Urbizu, consigue la anhelada personalidad y presencia que solo los gigantes del sector albergan.gigantes movistar

El ansiado referente

Gigantes es la serie que Movistar + necesitaba. Un referente sobre el que contrastar, un espejo al que los nuevos productos puedan mirarse. La serie, como ya dijimos en los artículos de La Peste o La Zona, da el paso que tanto se ansiaba desde el pistoletazo de salida en esta mueva etapa, pues recoge los aciertos en la tonalidad de los primeros y construye sobre ellos, mostrando aprendizaje y resultados.

Urbizu nos trae una auténtica sorpresa, una serie con calidad suficiente como para ser equiparada a los grandes referentes internacionales. El paso correcto y necesario para la ficción española y para los dramas de Movistar +. Esperemos que sirva como un punto y seguido y no quede como un espejismo de lo que podría haber sido.gigantes serie enrique urbizu 6

Por qué La Cabaña en el Bosque es la mejor película de su género

Sofia Ricarte
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Por qué La Cabaña en el Bosque es la mejor película de su género

Bienvenidos, hijos de unos Dioses furiosos, a este pequeño y nauseabundo rincón del universo. Hoy vengo animada y, para variar, os traigo una película que, en mi opinión, no puede estar más alejada de mis habituales gustos ligeramente dudosos. Y es que he visto, de nuevo, esta obra maestra, única y brutal, que es La Cabaña en el Bosque. Y vengo a explicaros por qué es tan maravillosa. Esto es así. Solo espero que PGA no me mate después de esto, que es nuestro experto en cine de bien en esta santa casa. Aunque yo si deba matar a un compañero, por haber metido injustamente esta película entre algo llamado El Muro de la Vergüenza. Si alguien ha visto esta película y lo esconde, no merece ni mi desprecio.

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La Trama Mil Veces Vista

La Cabaña en el Bosque, dirigida por Drew Goddard (creador del Daredevil de Netflix) y escrita por el mismo y Josh Whedon, nos muestra un planteamiento que hemos visto no una, ni dos, si no mil millones de veces. Cinco adolescentes deciden pasar el fin de semana en la cabaña que acaba de comprar el primo de uno de ellos, para desconectar tras los exámenes de la universidad. En el momento en que lo vemos, creemos que sabemos exactamente lo que va a venir, pero Goddar y Whedon incluyen una desconcertante escena, en la que un grupo de trabajadores prepara algún tipo de prueba para lo que parece una multinacional.

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Si os recuerdan a Sccoby Doo, es normal

Y ahí empieza un juego desconcertante, en el que uno no sabe muy bien que está viendo. Conforme los jóvenes avanzan la noche, vemos como van pareciéndose cada vez más a esos clichés de películas de miedo adolescentes. Incluso, en algún momento, uno de los personajes lo dice abiertamente, haciendo que empecemos a sospechar que puede haber sido mucho más intencionado de lo que parece.

Personajes y Personas

Otros de los encantos de La Cabaña en el bosque, son si duda, los personajes. Como os he comentado antes, los personajes van cayendo en clichés tan típicos, que no acabamos de entenderlo. Pero, de vez en cuando, las casi rupturas de la cuarta pared nos dan a entender que las cosas podrían no ser tan simples. He detectado ligeras referencias a 1984 de Orwell, o a Battle Royale, incluso. Y ese rollito del bien superior también me huele un poco a Bradbury. Quizá las formas de expresar estas referencias no son todo lo correctas que debieran, pero tampoco voy a engañaros, es una buena película, no una obra maestra.

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A pesar de todo, no deja de ser lo que es… SANGRE A CASCOPORRO

El caso es que, al final, los personajes acaban despertando una gran cantidad de sentimientos encontrados en el espectador. Por un parte, sentimos una empatia muy ligera al inicio, que creemos que se va a ir desvaneciendo, pero resulta oscilante durante todo la película. A veces quieres gritarles que corran, y otras les pegarías tu mismo en la cabeza, porque crees que los científicos tienen razón. Pero lo entiendes. Entiendes todo el rato a las dos partes. Y eso, amigos, es tremendamente maravilloso.

La Opinión de Sofía

El problema de La Cabaña en el Bosque no lo tiene la película. Lo tienes tú. Porque puedo entender que pienses que es igual que todas las demás, si fuera solo otra película de miedo. Pero no es nada de eso. El la película de miedo original, la que explica todas la películas de miedo hechas antes y después, todas las historias de campamento, todos los mitos… Es la película que explica por que las películas de miedo estadounidenses solo asustan a los estadounidenses, y porque en España hemos repetido Los Otros hasta morir de extenuación, y nos sigue fascinando (¿Habéis visto El Orfanato y nos ha parecido haberla visto antes?).

La Cabaña en el Bosque no es una película de terror. Es un ensayo bien construido sobre la cultura del miedo en cada rincón del planeta, sobre las decisiones y el destino. Sobre como un porro lo cambia todo, y sobre como las peores decisiones parecen ser las únicas que la vida nos deja tomar. Es un ejercicio de auto-consciencia, de intentar ir más allá. Y lo consiguen. Así que, desde este mi humilde espacio del mundo, sobre los Antiguos, tengo a bien echaros la bronca. No estáis apreciando La Cabaña en el Bosque como deberíais.

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Josh Wheddon siempre piensa en mí

Dicho lo dicho, alquilad esta película (de forma legal siempre), vedla otra vez, y volved aquí a contarme que os ha parecido. Yo, mientras tanto, volveré a mi cine de mierda, y a traeros malas películas y peores críticas. Hasta entonces… sed felices.

Lo mejor de la semana en cine y TV: Películas que aspiran a los Oscar, Hellboy entusiasma en la NYCC, Ruffalo desvela título de Avengers 4 y mucho más

Carlos María Porras Castaños
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Lo mejor de la semana en cine y TV: Películas que aspiran a los Oscar, Hellboy entusiasma en la NYCC, Ruffalo desvela título de Avengers 4 y mucho más

Bienvenidos una semana más a Lo mejor de la semana, sección donde comentamos las noticias más relevantes acontecidas en estos 7 días. Sin más dilación nos ponemos al lío.

Muere Scott Wilson, Hershel en ‘The Walking Dead’, a los 76 años.

Noticia tristísima con la que nos hemos despertado hoy. Scott Wilson, Hershel en The Walking Dead, ha fallecido ayer tras padecer una penosa enfermedad. Al actor lo veremos  en un episodio esta temporada de la serie de zombis que servirá de despedida al personaje de Rick Grimes. Scott Wilson siempre fue un muy solvente actor secundario en cine y televisión. Actor de reparto de grandes clásicos como En el calor de la noche, A sangre fría o El gran Gatsby. Descanse en paz.

«Scott siempre será recordado como un gran actor y nos sentimos afortunados de haberlo conocido como una persona todavía mejor.  Su personaje fue el centro emocional de la serie». Comunicado de AMC.

muerte scott wilson the walking dead

El Capitán América se despide y Mark Ruffalo comienza su show filtrando el posible título de Avengers 4.

Concluyó el rodaje de Avengers 4 y Chris Evans se ha despedido con un emotivo tweet. Esto no hace más que confirmar los rumores de estos últimos meses que hablaban de que el actor sopesaba desligarse del UCM tras ocho años desde que protagonizase Capitán América: El primer vengador.

«Oficialmente, he acabado Avengers 4. Ha sido, como poco, un día emotivo. Interpretar este papel a lo largo de los últimos ocho años ha sido un honor. A todos delante y detrás de la cámara y en la audiencia, ¡gracias por los recuerdos! Eternamente agradecido».

Por su parte Mark Ruffalo que se caracteriza por ser uno de los más charlatanes en las entrevistas, dando lugar a filtraciones de las películas, ha vuelto a ser protagonista tras visitar El show de Jimmy Fallon. Allí ha soltado la perla de las perlas, el supuesto título de Avengers 4 y este sería Annihilation. De todas formas esto hay que tomárselo como una más que posible campaña de marketing de la franquicia.

La divertida respuesta de los Hermanos Russo no tardó en llegar: «Estás despedido».

Impresiones del primer tráiler del nuevo Hellboy.

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Los asistentes a la New York Comic Con han visto el primer tráiler de Hellboy. La película que se estrena el 17 de mayo de 2019 en España recibió un atronador aplauso tras la exhibición del mismo. Las impresiones de los críticos y del fandom son todas entusiastas y positivas.

https://twitter.com/RealJackassBC/status/1048597309263687682

Dirigida por Neil Marshall la película cambió recientemente su fecha de estreno. Por otra parte Mike Mignola creador del personaje ha hecho declaraciones al respecto de la nueva versión:

“Fuimos de un lado a otro sobre eso, al principio estaba la idea de continuar la trama que había iniciado Del Toro, pero ¿Sería eso justo para un nuevo director? Entonces, decidimos empezar de nuevo. Neil Marshall es un director de terror, entonces la idea era hacer una película más oscura. Si vas a usar al tipo déjalo hacer lo que mejor hace. Estamos haciendo un Hellboy diferente con su propio carácter distintivo pero apegándonos a los cómics”.

Ronda de tráilers: Eastwood y Bale se visten de gala para los Oscar.

Se acercan los estrenos de las películas que aspiran a los Oscar. Una de las sorpresas ha sido la película de Clint Eastwood, The Mule y es que Warner pretende venderla como aspirante a las estatuillas. Ya se habla de que Clint Eastwood aspira a una nominación. El director y actor vuelve a dirigirse diez años después tras esa gran película que es Gran Torino donde la Academia le dio la espalda. En The Mule interpreta en una historia basada en hechos reales a a Earl Stone, un veterano de la II Guerra Mundial, solitario y en la ruina que ve en un trabajo muy sencillo la oportunidad de salvar su negocio y encauzar la recta final de su vida. Se trata de conducir. Pero claro, hay que tener en cuenta que el cliente es el cartel mexicano que tratará de introducir su droga en Estados Unidos. The Mule se estrenará el 14 de diciembre en Estados Unidos.

Por su parte Christian Bale vuelve a hacer una de sus ya habituales bestiales transformaciones físicas para su próximo estreno. Interpreta al controvertido exvicepresidente de la Administración Bush Dick Cheney, hablamos de Vice. Dirige Adam McKay, con un irreconocible Christian Bale en la piel de Dick Cheney, completan el reparto Amy Adams como la esposa de Cheney, Steve Carell como Donald Rumsfeld y Sam Rockwell como George W. Bush.

La verdad es que sorprende muchísimo la caracterización de Christian Bale, creo que es la primera vez desde El maquinista que la transformación física va acorde a la interpretación. Ojo que Bale aspira a todos los premios. Vice se estrenará el 25 de diciembre en Estados Unidos.

American Gods saca tráiler de la segunda temporada.

Felicidades a los fans de la adaptación de la novela de Neil Gaiman. Tras los rumores negativos que circulaban en torno a la producción de su segunda temporada Starz ha salido al paso de la mejor manera que podía hacerlo, con un tráiler de su segunda temporada presentado por el mismo Gaiman. Ian McShane, Ricky Whittle, Emily Browning, Pablo Schreiber, Orlando Jones, Peter Stormare, Bruce Langley y Crispin Glover siguen protagonizando una serie de la que se cayó Gillian Anderson, que no quiso seguir con su personaje de la diosa «Media». De momento solo sabemos que la serie llegará en algún momento del 2019.  Aquí tenéis nuestros análisis de la primera gran temporada que fue American Gods.

https://www.youtube.com/watch?v=JjMKmB3TcJA

Un saludo y sed felices.

El cómic de la semana: X-O Manowar Edición de lujo 1

Mario Losada
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El cómic de la semana: X-O Manowar Edición de lujo 1

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a El cómic de la semana. Hoy reseñamos X-O Manowar Edición de lujo 1 en tapa dura editado en España por Medusa Cómics. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.

La serie estrella de Valiant

En esta casa, en la web de Las cosas que nos hacen felices somos bastante seguidores de las series de Valiant en España y en concreto de X-O Manowar. Vamos, que la seguimos. Mirad, os dejo un enlace de mi compañero y amigo Adrián de la Fuente del primer tomo recopilatorio de la serie actual de X-O Manowar.

¿Ahora os estáis haciendo un lío? Bueno os lo explico que es muy fácil. X-O Manowar tuvo sus orígenes en los denostados años 90 y junto con Ninjak, serie de la cual también hemos hecho reseñas para aburrir pero cuyos enlaces os pondré al final del artículo para no seguir cortando la lectura, fueron las colecciones insignias de la editorial. Valiant cayó en diferentes manos e incluso en el olvido, pero desde 2012 ha vuelto a surgir de las cenizas como el Ave Fénix, y actualmente está editando unas colecciones bastante interesantes que merecen la pena. Incluso tienen su propio universo conexionado que estoy convencido que a muchos os gustará. Yo he caído en sus redes.

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Pues bien. La primera serie del «nuevo» X-O Manowar, la serie de 2012 duró 50 números exactos y acabó en 2016 para que en 2017 naciera la colección actual, la serie de la que antes os he dejado el artículo de Adrián de la Fuente y la serie que puedes seguir en grapa en España.

¿Pero que pasó con la serie de 50 números que duró entre 2012 y 2016? Parte de la colección fue editada en España en tomos por Panini Cómics y Aleta pero no llegó a triunfar. No se si es que no era el momento en España o no era el formato indicado, o las dos cosas. Pero por arte de magia desde 2017 la editorial Medusa empezó a publicar las nuevas colecciones de Valiant y sinceramente parece que han dado en el clavo. Y no es sólo eso, están tirando de fondo de armario con las series de 2012 y las ventas funcionan. Hay más vida de superhéroes más allá de Marvel y DC.

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¿Cual es mejor la serie de 2012 o la de 2017?

Sinceramente, me parece más entretenida la de 2012, la serie que hoy os muestro aquí en la sección de El cómic de la semana pero mejor estructurada la de 2017, la que ahora te puedes comprar en grapa. Básicamente en la serie de 2012, podemos ver el origen de Aric, el portador de la armadura, el héroe de nuestra historia y poder seguir sus aventuras desde el principio en el planeta Tierra y su enfrentamiento con la Vid, los alienígenas hostiles junto a Ninjak. Espero que ya entendáis porque al principio hacía referencia a este personaje del MI-6. Nos cuentan como Aric era un bárbaro del siglo V D.C. y como regresa 1600 años después con la armadura más potente del universo en su poder. El tomo es espectacular con los guiones de Robert Venditti, al que muchos conoceréis por la serie de DC Renacimiento de Hal Jordan y los Green Lantern Corps, y los lápices de Cary Nord (lo conoceréis del Conan de Dark Horse), Lee Garbett y Trevor Hairsine. Sin duda Venditti hace un buen trabajo en las escenas de acción, creo que para eso es un guionista muy válido y la serie de 2012 se basa sobre todo en acción a raudales y de calidad. Cary Nord es un excelente dibujante y es la estrella de este tomo abriendo la saga inicial y la saga final de Planeta Muerte. Lee Garbett y Trevor Hairsine, de los cuales he tenido que buscarles en Wikipedia, son autores mas mediocres que Nord, pero no desvirtúan para nada el tomo, que es de una calidad muy alta.

Lo mismo muchos no conocéis el universo de Valiant, pero si tenéis curiosidad este cómic es una muestra de lo que ofrece esta editorial independiente que vale mucho la pena seguir, leer y recuperar.

Os dejo la portada en España y el enlace a Medusa Cómics y debajo los enlaces a Ninjak como os prometí al principio.

Un saludo y sed felices.

Crítica: Venom. Una película parásito que se consume a sí misma.

Ex colaborador de la web
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Crítica: Venom. Una película parásito que se consume a sí misma.

Venom es uno de los villanos más queridos del universo Spiderman. Tanto es así que hasta ha conseguido su propia serie de cómics e incluso una adaptación cinematográfica. La película de este malévolo personaje se estrenó en España el viernes 5 de Octubre y desde luego las impresiones que ha causado son amplias y diversas por varios motivos. Por parte de los fans más acérrimos de la saga, un profundo sentimiento de vacío, pues muchos de ellos consideran que el villano no tiene madera de protagonista. Por parte de los productores, un rodaje desastroso con una peor posproducción, donde se han tenido que cambiar cerca de 40 minutos del film original para poder cambiar la calificación por edad. Una película que empezó siendo para adultos pero que se ha visto obligada a ser dirigida a un público de más de 13 años. Todas estas cuestiones nos han dado como resultado una cinta difícil de afrontar y analizar, aunque voy a intentar hacerlo de una forma equitativa y resaltando tanto virtudes (las menos) como defectos (la mayoría).

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Póster publicitario original de la película.

No quiero entrar mucho en spoilers, de modo que seré breve. La película abre con la caída de una nave espacial terrestre en Malasia. Esta pertenecía a una gigantesca corporación llamada Fundación Vida que descubre que el grupo de investigadores al cargo de la aeronave ha conseguido encontrar varias muestras de una forma de vida alienígena. Por otra parte Eddie Brock (Tom Hardy) es un despreocupado periodista que convive con Anne Weying (Michelle Williams) una abogada que trabaja para Fundación Vida. Cuando Eddie descubre los secretos que esconde la corporación trata de dejarlos al descubierto, pero esto acaba con su trabajo, su carrera profesional y su relación con Anne. Así pues, en un desesperado intento por conseguir pruebas que respalden sus acusaciones, Eddie acabará colándose en los laboratorios de investigación y entrando en contacto con uno de estos seres extraterrestres llamados simbiontes.

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Venom se nos presenta inicialmente como un parásito, una forma de vida dependiente que necesita de otro organismo para subsistir. Así pues, con el pretexto de la convivencia mutua y el desarrollo de ciertas habilidades, formar equipo con él es realizar un pacto con el diablo, porque a la par que te otorga poderes sobrehumanos te está devorando por dentro.

Algo parecido sucede con la adaptación cinematográfica. Da la impresión, de que en una misma cinta, conviven dos películas distintas. Por un lado hay un cuerpo, un esqueleto, ideado y pensado para ser de una determinada manera, con un guion y una dirección definida, independientemente de su mejor o peor calidad. Sin embargo, esta primera idea sufre continuos ataques, esporádicos y aleatorios por parte de una concepción completamente opuesta de la historia de los personajes y del desarrollo de ambas. De esta manera, lo que en un principio resulta serio acaba con chascarrillos cómicos que no encajan con la dinámica que la película persigue en un principio.

Este trastorno de la personalidad se encuentra presente en todos los aspectos de la película, en especial en el desarrollo de los personajes. Eddie comienza siendo un tipo despreocupado  e irresponsable, pero sin embargo resulta ser alguien que se toma muy en serio su trabajo y sus convicciones personales. Por otro lado está terriblemente asustado por haber entrado en contacto con Venom, pero habla con él como si fuera su colega de toda la vida y estuviese de cañas un viernes por la tarde. Anne por su parte, pasa de completamente enamorada a desencantada y decepcionada en segundos, saltando a la comba con la línea que separa ambas opciones cada vez que le da la gana.

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Un diseño espectacular del simbionte muy poco explotado.

Quizá aquí hay más spoiler, pero nada grave. Por otra parte hay un exceso de escenas de acción innecesarias. Cerca de 10 minutos de la película se dedican a una persecución en carretera que poco o nada nos interesa más allá de lo anecdótico, pero la relación del simbionte con nuestro planeta desaparece a la vez que se muestra el cartel de “6 meses después”, un salto temporal enorme justo al principio de la película. Además, las escenas de Venom como tal son pocas y no terminan de satisfacer. Considero un error no aprovechar uno de los mejores diseños que ha tenido el personaje, o por lo menos el mejor en la gran pantalla. No concibo que en su propia película tenga tan pocos minutos.

Podría seguir enumerando fallos ya que todavía no hemos hablado de lo ridículo que resulta el villano, una persona sin ambición más allá que viajar al espacio con la ayuda de los simbiontes, y a raíz de ahí surge un comportamiento guiado por la maldad absoluta y sin justificación. Es malo porque es malo. Y, claro está, algo que resulta evidente desde el primer momento, es el rol de Venom como héroe/anti héroe en lugar de villano. En lugar de ser nuestro tradicional villano resulta querer jugar a salvar la tierra, decisión que podría ser interesante, si no fuera por el mal tratamiento de guion con el que cuenta.

Hay pocos aspectos positivos a realzar, pero aun así se podría destacar lo impresionante de las escenas en las que aparece Venom, la excelente actuación de Tom Hardy, pisoteada por un guion esquizofrénico, pero convincente tanto en lo humorístico como en lo dramático (y no tanto a la hora de decidir cuando toca qué), una muy buena banda sonora contando con la colaboración de Eminem.

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Tom Hardy logra adaptarse bien a los dos registros que propone el film.

En definitiva, considero a Venom uno de los personajes más interesantes de Marvel y personalmente creo que podría tener madera como protagonista, pero esta no es su historia, si no más bien una cinta infectada por la enorme ola de corrección que es el gran parásito del cine actualmente. Podría ser mucho más de lo que es, pero por el momento es una de tantas que sumar al montón de hostias repartidas sin coherencia por tipos varios en mallas, semidesnudos o derivados.

Análisis de American Horror Story: Apocalypse. Capítulos 3 y 4

Carmen
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Análisis de American Horror Story: Apocalypse. Capítulos 3 y 4

Buenas queridos lectores, y bienvenidos al análisis de los capítulos 3 y 4 de ésta temporada de AHS, en la que la magia, ciencia y realidad se juntan.

En estos capítulos por fin la historia va cogiendo algo de forma, especialmente en el cuarto capítulo, y algunas de las cosas que se veían venir claramente han acabado por pasar, junto a otras que yo en particular no me esperaba en lo absoluto porque lo cierto, y es que en esta serie suele pasar, son un poco random. Pero bueno, eso es parte del encanto de AHS, ¿no?

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Langdon continúa con sus desagradables e intensas entrevistas, en las que por mucho que él diga, yo diría que no es tan bueno para ver el interior de otras personas. Al fin y al cabo, Mallory por fin ha salido del cascarón y le ha dejado con la boca abierta tanto a él como a nosotros. Que fuese a liberarse de sus ataduras, volverse un personaje importante y sobrevivir a toda costa me lo esperaba, pero que fuese a ser una de las brujas no. Así, y tras hacer una muestra de telequinesis, la entrada de las brujas se da por empezada. Y aquí vienen los deux ex machina clásicos de la serie, donde de pronto Ms. Meade, que traiciona y mata a Ms. Venable, es una inteligencia artificial diseñada por Langdon, una «madre» para él y su más ferviente seguidora como el anticristo. Todos los personajes de la casa son envenenados y en efecto, mueren. Al menos de momento.

Sin embargo, y como era de esperar, no todo es lo que parece, y al fin las brujas de Coven hacen su aparición reviviendo a tres personajes: la  poderosísima bruja hechizada Mallory, la idiota de Coco y la misteriosa presentadora de televisión. Pero lo realmente interesante ocurre en el capítulo 4, cuando empezamos a entender cómo se ha llegado a esa situación y el papel de los personajes en la historia.

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Para empezar, nos enteramos de que tres años antes del terrible suceso que destruyó el mundo, existía un aquelarre de hechiceros que vivían resentidos con las brujas porque al parecer éstas son más poderosas que éstos en lo que a magia se refiere. En una búsqueda incesante de un ser legendario presente en una profecía, un hechicero que derrocaría a las brujas y se elevaría como un «alpha», dan a parar con Langdon, del que el grupo tiene opiniones enfrentadas: o es alguien poseído por Satán, un alma demoníaca con un poder inmenso que debe ser destruido, o es el regalo divino que todos estaban esperando. A juzgar por los actos de Langdon, parece estar muy claro que se trata de lo primero, pero más que el anticristo me da la impresión de que es un pobre diablo quiero y no puedo que mantiene una relación con Satán a regañadientes por parte de éste último. Me recuerda más a un Kylo Ren (con perdón de éste) que a otra cosa, con pataletas, sentimientos de amor no deseados y un miedo a ser traicionado que si no roza, entra en lo patológico.

Pero volviendo a lo que pasa, Langdon desde luego es muy poderoso, y así lo demuestra tras sacar a Madison de su infierno personal y a Queenie del infernal hotel Cortez, cosa que la suprema Cornelia, la más poderosa bruja, no pudo hacer. ¿Porqué hace ésto? Para que le reconozcan como hechicero y lo sometan a la prueba de las 7 maravillas, me da la impresión que más por fines personales que por su querido aquelarre de hechiceros, que enfurruñados ante los desdeñosos despechos de las brujas de Coven y compañía andan dando saltos de emoción por lo que se viene, al menos los que confían de este nuevo «alpha».

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En cualquier caso, mientras que las brujas ya han salido y vienen pisando fuerte, los oscuros personajes de la primera temporada siguen en la oscuridad, dándome la impresión de ser más misteriosos y finalmente decisivos en la trama. ¿Dónde andan, qué traman? Parecen estar del lado de Langdon, ¿o quizá vayan por libre? espero que así sea. Y aunque me temo que ésto será ignorado por la serie, ¿quién es Ms. Venable y porqué es igual que Cornelia? ¿Y las brujas negras, dónde están? esperemos que pronto se unan para dar caza a Langdon y salvar a la humanidad, aunque francamente no sé qué humanidad van a salvar, pero bueno. Estoy expectante por ver qué sucederá en próximos episodios, y mientras tanto, me gustaría leer vuestras teorías en comentarios.

Un saludo y sed felices.

Aquaman. Avance exclusivo y alucinante en español de 5 minutos

Mario Losada
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Aquaman. Avance exclusivo y alucinante en español de 5 minutos

Estoy alucinando. ALUCINANDO. ¿Cual es el motivo para que desde Warner nos saquen un Avance o super tráiler de Aquaman de 5 minutos? Os lo voy a decir: Porque el tráiler es espectacular, tanto que hacía tiempo que no me había quedado con tantas ganas de más desde Infinity War. Lo mismo luego la película es muy floja, lo mismo luego me arrepiento de haber hecho este artículo pero estoy convencido que casi el 100% de los que veáis esta avance pensaréis igual que yo.

A continuación os dejo con el tráiler recién estrenado en español, que al menos para mí es también significativo ya que parece que Warner se está poniendo las pilas en cada país donde se va a estrenar en su idioma autóctono.

Os recuerdo que Aquaman se estrenará en Estados Unidos y España el 28 de diciembre.

La película estará dirigida por James Wan e interpretada por Jason Momoa. Otis Dhanji como Aquaman de niño, Amber Heard como Mera, Willem Dafoe como Nuidis Vulko, Yahya Abdul-Mateen II como Black Manta, Nicole Kidman como Atlanna la madre de Jason Momoa, Dolph Lundgren como el Rey Nereus, el padre de Mera y Patrick Wilson como el príncipe Orm Marius / Ocean Master: Medio hermano de Aquaman.

Sólo deseamos toda la suerte a esta cinta como buenos aficionados a los superhéroes que somos.

Para los más curiosos os dejo el enlace directo al tráiler oficial que salió en julio de 2018.

Un saludo y sed felices.

Reseña de Caballas: una mirada intimista a Cádiz y al mar

Carlos María Porras Castaños
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Reseña de Caballas: una mirada intimista a Cádiz y al mar

El mar. La mar.
El mar. ¡Sólo la mar!
¿Por qué me trajiste, padre,
a la ciudad?
¿Por qué me desenterraste
del mar?
En sueños la marejada
me tira del corazón;
se lo quisiera llevar.
Padre, ¿por qué me trajiste
acá?
Gimiendo por ver el mar,
un marinerito en tierra
iza al aire este lamento:
¡Ay mi blusa marinera;
siempre me la inflaba el viento
al divisar la escollera!

Poema de Rafael Alberti.

El documental Caballas vio la luz el pasado 4 de octubre en el clásico Festival de Cine Documental Alcances que ya va por su cincuenta edición. Este festival de arraigo local fue creado por el insigne escritor chiclanero Fernando Quiñones quien ha legado para la posteridad obras de literatura de la talla La Canción del Pirata o Las mil noches de Hortensia Romero, ambos libros finalistas del Premio Planeta.

Una semblanza del director.

Caballas es un documental dirigido por el gaditano José Manuel Serrano Cueto . Licenciado en Dirección de Escena por la Escuela Superior de Arte Dramático de Málaga. Como guionista y director de cine ha dirigido en 2006 el cortometraje «Río seco» y en 2012 estrena su largo documental «Contra el tiempo», nominado al Goya como Mejor Película Documental y a las Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos. Es director también del conocido corto «Pelucas» (2014), del corto documental «Yo quise hacer Los bingueros 2» (2016) y de los cortos con marionetas “El extraño caso del Dr. Toñito” (2017) y “Mr. Rosbif y el secreto de la tortillita de camarones” (2018). Es Miembro de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España. Hecha esta semblanza del director gaditano pasemos a reseñar Caballas.

Caballas, una oda a la familia y a la mar.

Caballas es, como dijo el director de la misma en la tertulia que precedió a la proyección, una película pequeña, pequeña en medios y porque a la vez es una mirada intimista a la pesca de caballas desde el punto de vista de su padre. A lo largo de 10 años vamos recorriendo pasajes de la vida de Rafael Serrano Manzorro, “El Chori”, un veterano “pescaó” que se echa a la mar solo en su humilde embarcación Icaro. Serrano Cueto lo acompaña para la realización de la película, pero él coloca la cámara y se limita a que ella sea nuestros ojos. Somos testigos de todo el ritual de la pesca de la caballa en Cádiz por uno de los clásicos, el Chori. Dicho ritual comienza con la preparación del “anguao”, como decimos en Cádiz o engodo. El anguao es el cebo para atraer el pescado. En una olla lo va preparando nuestro protagonista, está compuesto de arena de playa, tripas de pescado y aceite; removiéndolo todo hasta que queda una pasta homogénea.  Hay que decir que este proceso es fundamental, sin anguao no hay caballas. El Chori comienza a echar el cebo y las caballas aparecen y comienzan a tirar del aparejo. Hoy hay faena.

chori

Otro de los aspectos fundamentales del documental  es el ritual de comer la caballa asada. El director posa la cámara y nos muestras escenas familiares cotidianas en el popular Barrio de la Viña. Allí, en El Rincón de la Morena, el Chori disfruta con su familia de una caballa “asá” (asada) con su piriñaca (ensalada típica de la provincia de Cádiz elaborada con tomate, pimiento verde, cebolla, aceite de oliva, vinagre y sal). Venir a Cádiz en verano y no ir al Barrio de la Viña a comerte su caballita con piriñaca es delito.

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Caballa con piriñaca

Finalmente el director lleva su mirada al final del verano en Cádiz. La idiosincrasia del gaditano queda patente en actos como el que tiene lugar en esa fecha, el entierro de la caballa que simboliza el final del verano en la ciudad gaditana. Para la ocasión se crea una enorme caballa que es sacada en un divertido cortejo funerario que recorre las calles del barrio de La Viña, para acabar con la quema de la misma en la playa de La Caleta.

entierro

Caballas es el Chori, Caballas es Cádiz. Caballas es una mirada a un Cádiz que no debe desaparecer. Es una mirada etnográfica y antropológica de un Cádiz que debe mirar siempre al mar, porque es ahí donde radica su cultura, su historia.

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Cartel del documental Caballas

Con visos a estrenarse a lo largo del año que viene os dejo con el tráiler de Caballas. Un saludo y sed felices.

 

Opinión: Reseña de Jaco el patrullero galáctico

Ex colaborador de la web
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Opinión: Reseña de Jaco el patrullero galáctico

“Soy científico pero mi especialidad no es el espacio. Tampoco me interesaba demasiado. Sin embargo, un día conocí a un extraterrestre.” Esta es la frase que da comienzo a Jaco, el patrullero galáctico, una obra espacial, y en cierto modo también especial. No se puede ignorar el nombre de la portada, aunque su estilo de dibujo ya nos da una clara pista de quien es el creador y artífice de esta obra: Akira Toriyama

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La historia comienza con un peculiar extraterrestre subido a su nave espacial, aunque ligeramente distraído. Tanto es así, que en un giro (nunca mejor dicho) de los acontecimientos acaba chocando contra la luna y aterrizando en nuestro planeta Tierra. Obviamente no cae en España, y como en el desierto de Nevada parecen haber cubierto el cupo de OVNIS que son capaces de recibir, este curioso vehículo y su tripulante acaban aterrizando en una pequeña isla desconocida, cerca de lo que se conoce como Ciudad del Este. Esta isla está habitada única y exclusivamente por Tokunoshin Ômori, un abuelete de 67 años, quien visita periódicamente la tumba de su difunta esposa, y dedica sus horas muertas a reparar una especie de máquina que no termina de funcionar del todo.

Una vez la nave cae, el alienígena logra salir de su interior y presentarse ante el atónito señor. De esta manera, este simpático personaje se nos presenta como “¡¡Un miembro superélite de la patrulla galáctica!!”. Entre posturitas y poses de acción, el morador del espacio le contará a Ômori como su nave ha sido averiada tras el accidente, y también el motivo por el que ha sido destinado a la tierra: El radar de su base identificó un objeto volador que se dirigía a la Tierra y es bastante posible que en su interior se encuentre un ser extremadamente poderoso y despiadado, que acabará con la vida de todos los que lo habitan.B23

Jaco el patrullero galáctico tiene una historia sencilla, sin mucha vuelta de hoja, con sus intrigas obviamente, pero sin complicaciones. Además, si hay algo que realmente aprecio de la obra de Toriyama es como trata la rutina y la cultura japonesa como un ciclo vital. Todo es natural y fluido, todos los personajes son educados y honestos, no existe una maldad profunda en ellos, si no más bien un conflicto de intereses, que en muchos casos acaba con un desenlace amistoso. Es un autor muy agradable de leer, porque te transporta a un mundo inocente, donde te sientes cómodo y libre de viajar y soñar.

La personalidad de sus personajes, se puede dibujar con tanta sencillez como sus contornos. Ômori es un viejo cascarrabias pero con un gran corazón y Jaco un extraterrestre tontorrón y muy orgulloso. No necesita mucho más para que nos encariñemos con ellos. Los secundarios por su parte, tampoco están exentos de carisma, y casi todos cuentan con un rol trascendental para el desarrollo de la obra.

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Pero hablemos seriamente de algo que me tiene francamente preocupado. Y es que cuando se trata de Akira Toriyama, poca gente logra ver más allá del subtítulo: El autor de Dragon Ball. Me parece realmente triste que alguien tan grande como Akira Toriyama, un auténtico referente en la industria del manga, sea reconocido únicamente por crear a Goku y a Vegeta. El japonés cuenta con otras obras geniales como esta, que en la mayoría de los casos son olvidadas o desconocidas. Yo no soy ningún experto en Toriyama, no he leído todas sus obras, pero como otros tantos de vosotros, soy consciente del universo que este hombre ha sido capaz de crear de la nada. Su estilo de dibujo es tan característico, que varias compañías de videojuegos lo contrataron para realizar el diseño de personajes. Y no estamos hablando de juegos pequeños, si no auténticas obras maestras del JRPG como Dragon Quest, Chronno Trigger o Blue Dragon.

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Me ha gustado esta obra, y quiero que se la reconozca por sus méritos propios. Cuando se trata de grandes maestros, reducir su éxito a una sola serie me parece ridículo. Tolkien no escribió solo el Señor de los Anillos, ni Studio Ghibli hizo solo El viaje de Chihiro. Intentemos ver un poco más allá y ser algo más críticos. Ni todo lo que hace Toriyama es genial, ni todo lo que no sea Dragon Ball es basura.

Como conclusión Jaco el patrullero galáctico me resulta una obra muy correcta. Sincera, honesta, divertida e ideal para todos los públicos. Pues cuenta con toda la experiencia de un maestro del manga, pero con la inocencia del niño que todavía habita la piel de Toriyama-sensei.

Cobra Kai, la nostalgia hecha excelencia

Mario Losada
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Cobra Kai, la nostalgia hecha excelencia

Como a mí, al principio te puede interesar más bien poco Cobra Kai la continuación directa de Karate Kid 34 años después. Repito, al principio. Porque una vez empiezas no tiene fin. Lo que parecía una serie de viejas glorias, aprovechando la nostalgia de los años 80 se ha convertido en una serie de culto, bien estructurada con retazos de la época. Y bien es cierto que Cobra Kai juega con nuestros recuerdos y bien que los meten de vez en cuando en la trama con calzador.

Lo hace de tal manera que lo ves como algo lógico y nada forzado, pero lejos de la realidad, su propuesta es esa, es un avance en el tiempo de unos personajes y situaciones actuales con bases, con cimientos sólidos pero antiguos, edificados en los años 80. Los productores, listos como ellos solos, nos traen una comedia con algún tinte dramático para contarnos de forma veraz y honesta como es la vida de dos personajes de ficción que creíamos olvidados, pero que en cuanto los muestran nos damos cuenta que si nos siguen importando. Cobra Kai es una de las series más deliciosas (como dirían los americanos) que he visto en los últimos años.

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El principio es el final y seguimos con paso firme

Todo empieza como acabó, con la patada de Daniel Larusso en la cara de Johnny Lawrence. Y se acabó 1984. Y empiezan nuestros personajes situados en 2018. Bien es cierto que durante la trama nos meten algunos retazos, muy cortos de la película original de 1984, pero creedme que incluso son necesarios y nos atan un poco (o un mucho) con esa nostalgia para que veamos y saboreemos la serie con mayor pasión. Porque Cobra Kai es también eso, es también una serie actual donde se abordan problemas actuales pero no de modo dramático como en Por 13 razones, que se pasa de castaño oscuro o tempoco algo baladí. El tema del bullying en la escuela se cuece en la serie. No hablamos de lo más sórdido de los barrios bajos de Detroit, pero si un bullying que se puede ver en cualquier escuela media, con diferentes tipos de clases sociales. Los más guapos y chulitos pegan e imponen su ley y las guapas y adineradas se ríen de los demás. Además, gracias a William Zabka, el actor que interpreta a Johnny Lawrence (el rubio de Karate Kid) nos damos cuenta de varias cosas que ya sabemos pero que él nos las dice en voz alta. Lawrence es un hombre rudo y chapado a la antigua, con valores más acordes a su personalidad y a otra época. Lawrence se extraña y por tanto se preocupa que ahora los niños se metan con otros en el colegio no sólo físicamente, mirándose a los ojos, sino por Internet o en RRSS. Una manera cobarde de hacer daño a los demás. Sinceramente, comparto la visión del fundador del nuevo Cobra Kai, una escuela de karate para iniciar a todos aquellos que pueden sufrir abusos en el colegio pero donde no sólo te enseñan artes marciales, sino también tu lugar en el mundo.

Porque esa es otra. Si os fijáis uno de los personajes nerd (como les llaman a los no integrados) habla de que ligará «a una chica sexy» cuando estudie, tenga un trabajo y gane dinero. Y puede ser que tenga razón, pero sin embargo su amigo del labio leporino, el Halcón le demuestra que puedes triunfar en la vida simplemente siendo tu mismo, sin complejos, sin ataduras a la servidumbre de que pensarán de ti. Si tienes confianza en ti mismo y te quitas los complejos de la sociedad mal no te va a ir, al menos no serás un nerd toda la vida, porque no te sentirás así. Si tu eres feliz contigo mismo el resto te respetará.

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Aunque el lema de Cobra Kai es un poco fuerte y agresivo, Strike first, strike hard, no mercy, (golpea primero, golpea fuerte, sin piedad) realmente también vale como lección en la vida si la extrapolas en el modo correcto. No tienes que ir por la vida dando palizas a los demás, pero si puedes ir por la vida sabiendo que eres tan fuerte en mente y alma como el guapo o el listo de la clase. Realmente la serie tiene muchas lecturas y una de ellas podría ser esta. Además no sólo nos quedamos con la vida y el enfrentamiento entre Larusso y Lawrence, nos quedamos también con la conexión entre ellos y sus pupilos. Lawrence en su escuela tiene a una especie de Larusso en jóven, Miguel (Xolo Maridueña). Un buen chaval, de familia humilde que sufre acoso en el colegio. Y por otro lado Larusso tiene bajo su dojo a Robby (Tanner Buchanan) que es hijo de Lawrence y odia a su padre por haberle abandonado siendo niño. Y para meter más cizaña a todo este entramado tenemos a Sam (Mary Mouser) la hija de Larusso que es la novieta de Miguel pero que le gusta a Robby.

No adelanto más cosas, ni acontecimientos ni me quiero ir por las ramas. Ya se que Cobra Kai no es la serie más perfecta, ni la mejor hecha, pero es una de las que más me han gustado y me han apasionado no sólo de 2018 sino de los últimos años. ¿Creéis que exagero? Vedla vosotros mismos. Son 10 capítulos de una media hora cada uno. 5 horas de vuestra vida que no os arrepentiréis.

Como postdata os voy a dar unos datos que he recopilado para hacer este artículo. Datos como que la serie se estrenó el 2 de mayo en el canal de Youtube Red y a los 8 días, el 10 de mayo ya se firmó por la segunda temporada. Millones de visitas. En Rotten Tomatoes tiene un 100% de críticas positivas y un 4,7 sobre 5 entre los fans. Quizás esto no te diga nada, pero creo que es un aliciente al menos para empezar a verla. Y el fenómeno seguirá ahora que está en Netflix y habrá tercera temporada.

Un saludo y sed felices

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