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El Daredevil de Frank Miller: la etapa imprescindible del personaje

Los aficionados a los superhéroes, al cómic y a las series en general tenemos marcado en rojo el 19 de octubre por el estreno de la esperadísima tercera temporada de Daredevil, una de las mejores adaptaciones marvelitas y una de las grandes ficciones que tiene Netflix. Gran parte del éxito de la serie se debe a la base original del personaje, uno de los más ricos de Marvel y del que se ha hablado en múltiples ocasiones en esta sacrosanta web:

Análisis de todos los capítulos de Daredevil

Los 10 villanos más cutres de Daredevil

El Daredevil de Mark Waid

Daredevil: La viuda, de Brian Michael Bendis

Daredevil: Bajos fondos, de Brian Michael Bendis

Daredevil: Harcore, de Brian Michael Bendis

Daredevil: Diablo guardián, de Kevin Smith

Daredevil: Born Again, de Frank Miller

Daredevil: El hombre sin miedo, de Frank Miller

Sin embargo, hoy queremos centrarnos en una etapa en particular. En una compañía en la que el nombre de Stan Lee genera sensación de omnipotencia, es curioso que el conocido guionista y dibujante Frank Miller sea el autor al que Daredevil ha quedado intrínsecamente unido. En este artículo dilucidaremos el porqué.

Aunque Frank Miller es el autor de El hombre sin miedo (una especie de Año Uno del personaje), de la inmortal Born Again, de Love and War y de Elektra Lives Again, hoy nos vamos a centrar en su etapa a cargo del personaje, la que va desde el número 158 al 191, aunque no fue autor del guión hasta el 167. En los primeros nueve números, el guionista fue Roger Mckenzie, con quien Miller, por aquel entonces un novato, co-escribió el 165 y 166 antes de asumir la autoría completa del personaje.

Para valorar, con todas las de la ley, lo que supuso la irrupción de Miller en el personaje, debemos de entender quién era Daredevil durante los años 60 y 70. La respuesta es fácil: nada.

Los tristes inicios de Daredevil

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Gene Colan, el único que supo ver los claroscuros del personaje antes de Miller

Daredevil fue el último superhéroe creado por Stan Lee durante la génesis de todos los personajes que hoy conocemos. Básicamente, Lee quería llevar el concepto de “superhéroe con superproblema” al extremo. Así, del adolescente (con problemas de adolescente) Peter Parker o del Dios del trueno que, al alejarse de su martillo, se convertía en un enclenque médico, pasamos a un superhéroe con un defecto físico: la ceguera consecuencia de un accidente radiactivo.

El problema radicaba en que una buena idea no siempre implica un buen desarrollo, y Daredevil jamás encontró su sitio. Parecía un Spiderman de segunda categoría, con sus bromas mientras peleaba con delincuentes, y su galería de villanos (aquí tenéis una lista de los más ridículos) dejaba mucho que desear. Solo podemos encontrar un atisbo de lo que podía ofrecer el personaje en los dibujos de Gene Colan.

Por lo tanto, alejados de opiniones subjetivas, si hay un hecho realmente objetivo es que Miller fue el responsable de moldear a Daredevil, aunque su creador fuera Stan Lee.

Miller llegó como dibujante novato a una colección en horas bajas bajo la batuta de Roger Mckenzie. El guionista (con el que Miller no acabó muy bien que digamos) supo ver el dinamismo de su compañero y adaptó sus guiones (quién sabe si también algunas ideas del novato) a los dibujos de Miller. Cuando el autor de El regreso del caballero oscuro recogió el testigo, comenzó el verdadero asentamiento de la mitología del Diablo de la Cocina del Infierno, esa que también ha quedado reflejada en la serie homónima de Netflix.

Empezar la casa por los cimientos

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Del número 167 al 191, Miller cambia paulatinamente el mundo del personaje, y lo hace de forma inteligente: centra toda su atención en el protagonista y en unos pocos personajes secundarios. Aquí no interesa progresar con la aparición de nuevas figuras, si no cimentar bien las bases del superhéroe.

Así, un hombre que trabaja como abogado de los más desfavorecidos de día y que se ensambla la máscara de noche para llegar a donde la ley no llega no puede ser alguien alegre. El tormento comienza a invadir a Matt Murdock, un hombre cuyo interior es una constante lucha: justicia vs justicieros, fé católica arraiga vs violencia. Al contrario que Batman, con quién se le suele comparar, Matt Murdock es un hombre (casi) siempre llevado por las pasiones, y cuyo mundo se desmorona en la etapa de Miller por esa razón, hasta resurgir de sus cenizas con Born Again.

Por otro lado, Miller aprovecha el pasado poco definido del personaje para crear dos figuras fundamentales en la mitología de Daredevil: Stick, el maestro estricto e ingrato, y Elektra, el loco amor de juventud, el personaje que llevará a Matt Murdock por la calle de la amargura. Como curiosidad, Elektra fue creada por Miller a imagen y semejanza de la mítica Sand Saref, una de las grandes femme fatale del inmortal The Spirit de Will Eisner. Elektra, la asesina fría contra la que Daredevil siente que no puede luchar porque la ama. No le es posible separar el deber de la pasión. El destino del personaje marcará a Matt Murdock para siempre.

La inclusión de estos dos personajes sirvió también para que Miller mostrará su gusto por lo oriental con la aparición de La Mano. Recordemos que fue uno de los primeros autores americanos que introdujo conceptos del manga en Estados Unidos.

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Aunque se puede considera a Elektra como una compleja antiheroína, otro de los méritos de Miller fue encontrar a la némesis definitiva del personaje. Todos sabemos que un héroe es tan grande como amenazante sea su villano, ya que la capacidad de poner en aprietos al protagonista es la mejor forma de poner a prueba su valía. Para ello, Miller “fichó” a un villano menor de Spiderman, un jefe de la mafia que, en manos del guionista de Maryland, se convirtió en el Señor del Crimen de Nueva York: Wilson Fisk, Kingpin.

Miller dotó de una gran profundidad a su personaje. De hecho, comienza su etapa con un Fisk retirado, enamorado de su mujer Vanessa, hasta que se la arrebatan y desatan la furia de un hombre que pocas veces se mancha las manos. Un villano urbano para un héroe urbano. Un hombre que, además, la justicia apenas puede rozar, lo que supone todo un reto para un héroe que, pese a todo, cree en la justicia.

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Daredevil tendrá con Kingpin una relación complicada. No solo apenas puede derrotarle (ni física ni legalmente), si no que se verá obligado a colaborar con él para derrotar a la Mano. Y es que Murdock es alguien que está dispuesto a darlo todo por salvar a su ciudad, aunque las medidas no sean las mejores. Como he dicho antes, sus acciones son guiadas por el corazón, no por la cabeza.

El enfrentamiento físico se llevará a cabo con Bullseye, el segundo gran villano de Daredevil, con quien sí se enfrentará varias veces nuestro protagonista. En esta etapa, Bullseye se convierte en un instrumento a manos de Kingpin, un asesino absolutamente loco, que ve Daredevils en todas partes, debido a un tumor cerebral que está creciendo en su cabeza. Sus continuas derrotas a manos de Daredevil solo le convierten en alguien cada vez más peligroso, ya que para él es una doble humillación: el perder contra Daredevil y el reconocer que sigue viviendo gracias a que el Demonio de la Cocina del Infierno le perdona la vida una y otra vez.

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En definitiva, la etapa de Frank Miller a cargo de Daredevil es imprescindible para todo lector que quiera acercarse al personaje, ya que es la base sobre la que se sustenta toda la mitología del superhéroe que tan bien vemos reflejada en la serie. Pese a ser una colección perteneciente a los primeros 80, el Daredevil de Miller apenas ha perdido vigencia y no ha envejecido. Al fin y al cabo, es la génesis de como un niño ciego se acaba transformando en el héroe más oscuro, urbano y atormentado de Marvel.

Análisis de Doctor Who. Temporada 11. Capítulo 2: El monumento fantasma

Una vez que hemos diferido el piloto de esta nueva temporada, nos llega el segundo capítulo de la temporada, dejando a la Doctor y sus amigos en medio del espacio. ¿Pueden la Doctora y sus nuevos amigos sobrevivir en un ambiente alienígena hostil para resolver el misterio de la desolación? ¿Y quiénes son Angstrom y Epzo?

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El siguiente artículo está poblado de SPOILERS, dando por hecho que habéis visto el capítulo o que no os importan que os destripen la historia.

El Rally espacial

Por fin en este inicio de capítulo tenemos nuestra intro tan esperada, que la verdad es que queda bastante bien. Está animada por John Smith, un youtuber que empezó a hacer montajes en su canal, y que ya colaboró con la intro de la anterior temporada. Y finalmente para esta temporada la colaboración ha sido completa, por lo que supongo que habrá cumplido su sueño. Lo que no entiendo es el hecho de que en el anterior capítulo no tuviéramos opening, pensando que era por la desapareción de la TARDIS, cuando en este nueva intro no aparece por primera vez en la era moderna.

Este capítulo está escrito por Chris Chibnall y dirigida por Mark Tonderai, quien conocemos de series como 12 Monos o Black Lightining. En mi anterior análisis comenté que lo mucho que me gustó Jodie Whittaker como Doctor(a), y que las dudas sobre esta temporada venían del lado de si Chris Chibnal, el nuevo showrunner, sería capaz de montar tramas a la altura. Además, aun no hemos visto demasiado desarrollo de los tres nuevos acompañantes, por lo que también me surgen dudas sobre ellos. Creo que será una temporada más accesible, con menos conexión con villanos y personajes del pasado y más enfocados en un público que se acerca con timidez a esta serie de ciencia ficción. Esto, en principio no tiene porqué ser malo, pero si creo que puede resultar una losa para los veteranos.doctor who capitulo 2 las cosas que nos hacen felices 2

En The Ghost Monument, este segundo capítulo de la temporada, me ha servido para que me surjan menos dudas de lo dicho anteriormente. Es un capítulo muy cinematográfico, bonito visualmente pero una trama que no está a la altura de lo que esperamos. El comienzo del capítulo es frenético y con muy buen ritmo, realmente empieza con buen pie. Nuestro equipo se encuentra dividido, con Ryan y Graham en una nave especial comandada por Angstrom (Susan Lynch), una alien con apariencia de mujer. Por otro lado tenemos a la decimotercera y a Yas en la nave de otro alien de apariencia de hombre llamado Epzo (Shaum Dooler). Con sus más o menos problemas, los dos equipo logran aterrizar en un planeta con tres soles. Allí descubren gracias a la ayuda de un holograma que se encuentran, que Epzo y Angstrom son los dos únicos supervivientes de 4000 participantes de una carrera intergaláctica -en nuestro presente- y que el ganador de esta especia de rally extremo ganará suficiente dinero para vivir cómodamente el resto de su vida. Además descubren que se encuentran en la prueba final, en un planeta letal que se ha salido de su órbita,que además cuenta con un atmósfera peligrosa y agua venenoso. Descubren que el monumento fantasma, la meta de la prueba, es realmente la TARDIS, por la que la Doctor y sus acompañantes se unirán a Epzo y Angstrom en la aventura. Estos no son partidarios del trabajo en equipo, sobre todo Epzo, pero en un lugar tan peligroso lo más sensato es unir fuerzas.

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Hasta aquí el capítulo el capítulo resulta interesante, la trama es simple, pero es emocionante, tiene ritmo y tenemos numerosas dudas sobre como puede acabar. Podría pasar como una película independiente típica de los años 80, algo que también pudimos ver en el anterior capítulo. El problema del capítulo viene a partir de aquí, donde la trama no resulta tan interesante como nos vendieron.

En busca de la TARDIS

Una de las principales quejas que tengo sobre la trama de este capítulo es que si bien es lógico que Epzo y Angstrom no luchen entre sí por el premio, ya que la situación necesita una cooperación de todos, es exactamente lo que nos han vendido al principio, el episodio está construido para la cooperación, en lugar de mostrar una competición, por lo que para mí resulta más predecible y menos interesante. Creo que si querían mostrarnos simplemente una aventura de un grupo cooperando por un fin, deberían de haber buscado otro desencadenante.

Quizás lo mejor que tiene el capítulo en sí son los dos secundarios que hemos tenido: Epzo y Angstrom. Si antes criticaba el hecho de que Chibnall no logra tener una trama interesante, quizás lo mejor que hemos visto de él han sido esta creación de personajes secundarios. Algo que ya hemos podido ver en su paso en Broadchurch. Epzo es un personaje que choca directamente con la Doctor, es un personaje con una filosofía de huraño solitario, de alguien que ha sufrido en el pasado. Muy buena escena cuando cuenta la experiencia con su madre. Y en cambio tenemos a la Doctor, que tiene otra filosofía totalmente diferente, y además parece que ha aprendido una lección de su anterior regeneración, con Capaldi.

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Entre las cosas que me han gustado en este capítulo, este rollo cinematográfico ayuda mucho al tipo de aventura espacial que nos quieren contar. Como dije anteriormente, esta temporada parece que los capítulos serán más independientes. Y si en el anterior capítulo critiqué la cutrez de villanos que encontramos, en este realmente no tenemos villanos, aunque si unos robots muy cutres y ciegos. No hubieran acertado al grupo aunque hubieran sido gigantes. Por otro lado, no podíamos esperar que Ryan muriera después de su momento flipado al estilo Call of Duty. Si tengo que destacar el nivel visual que hemos visto, unos decorados con diferentes iluminaciones y escenarios muy bien hechos redondeado con buen trabajo de fotografía y dirección. Este apartado visual es lo más destacable de este capítulo, una pena que el guión no haya estado a la altura, resultando mediocre en ocasiones.

En cuanto a Jodie Whittaker, en otro capítulo podemos ver que ella es la doctor, no hay dudas. Ya no hay crisis de regeneración, un personaje más desarrollado: pacifista y moralista sintiendo preocupación por el resto de personas. Su acento, sus movimientos, su manera de interpretar. Espero que Jodie se quede muchas temporadas. Por otro lado, en este capítulo el nulo desarrollo de los compainen me ha preocupado más que en el anterior, aunque quizás es demasiado pronto para hacer una valoración acertada. Graham sigue sigue siendo para mí el más interesante, y es el que tiene mayor protagonismo junto a Ryan, quienes tienen convivir con la muerte de Grace. Cuanto más hablan sobre este personaje, más desaprovechado pienso que ha sido. Yo aún mantengo la esperanza. Por otro lado, el desarollo de Yas prácticamente es inexistente, aunque se espera que en próximos capítulos tenga mayor protagonismo.

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Otro de los protagonistas del capítulo es la TARDIS, y por fin podemos verla en un bellísimo plano al final del capítulo. Realmente ha merecido la pena la espera, una gran escena que Jodie sabe llevar a la emoción y sacar una sonrisa cuando se corrige a sí misma, debido a su cambio de género. La nueva TARDIS por fuera es realmente preciosa, por dentro tengo más dudas, ya que parece algo más vacía que otras veces.

Después de un final bastante deus ex machine sin chispa ni emoción, dejamos  nuestros viajeros conociendo la TARDIS en un esta vez sí, emotivo momento. Espero que Chibnall sepa buscar una trama interesante que sepa sacar provecho esos personajes sabe tan bien definir. Hasta la próxima semana, no olvides comentar tu opinión sobre el episodio.

Sed felices.

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Reseña de Transformers Clásicos UK 1. El comienzo de la versión británica de los Transformers

Introducción a Transformers Clásicos UK 1

A la par que la colecciones de Transformers de IDW y el material Transformers  de Marvel, Planeta Cómic publica también una recopilación de los cómics de Transformers, creados y publicados en el Reino Unido, de forma paralela a la colección americana original. El primer tomo, objeto de esta reseña, Transformers Clásicos UK 1, contiene los 44 primeros números de Transformers UK, en su mayoría inéditos en España. Dichos números han sido remasterizados y recopilados en un tomo, con portada original de Andrew Wildman, uno de los más conocidos dibujante de los Transformers de la etapa Marvel. Este tomo, el primero de ocho, en este proyecto de recuperación del material Transformers UK, incluye un  artículo introductorio del guionista James Roberts, gran aficionado a los Transformers y responsable de The Transformers: More than Meets the Eye, una de las dos existosas colecciones de Transformers, editadas por IDW.  Para la otra, The Transformers: Robots in Disguise, tuve ocasión de escribir el post El cómic de la semana: Transformers: Robots in Disguise 4. Segundo reinicio. Volviendo a los cómics de este tomo, decir que cada arco argumental va precedido de un artículo explicando el proceso creativo y las peculiaridades de cada historia.

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El origen de Transformers UK

En los años 50 y 60, nace Marvel UK, resultado de la fusión de varias editoriales británicas. Al principio la editorial solo reeditaba material de la Marvel americana, pero no tardaría en realizar sus propios cómics en Gran Bretaña. Cuando, en 1984, Marvel US lanzó el cómic Transformers, Marvel UK comenzó a plantearse la creación de su versión británica. Decisión de su entonces director ejecutivo, Robert Sutherland, para aprovechar la creciente popularidad de los juguetes de Hasbro, fuente de inspiración de los Transformers y así resarcirse de no haber conseguido los derechos de publicación de la, también popular, Master of the Universe. Si quieres conocer el origen de esta gran franquicia juguetera y de sus cómics en Estados Unidos, te recomiendo mi post Transformers: Cómics de Generación I.

Volviendo a Transformers UK, decir que el resultado de la decisión de Sutherland fue una colección en la que, en cada número, se alternaría el material americano con historias realizadas por autores británicos. Además de caricaturas y artículos. El equipo editorial original estaba formado por la editora Sheila Cranna, el asesor editorial Alan McKenzie y las diseñadoras Theresa Gerorge y Jane Hindmarsh.

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Valoración de Transformers Clásicos UK 1

Quien busque la sofisticación y complejidad, tanto artística como argumental, de los Transformers de IDW en Transformers Clásicos UK 1, no la va a encontrar. Entendida en su contexto, esta colección, como su hermana americana, buscaba promocionar los juguetes en los que se basaba. Pero, además de eso, buscó unas señas de identidad que lo convirtieron en uno de los cómics más vendidos y populares del Reino Unido. Hasta el punto de que superó, en longevidad, a la serie madre, convirtiéndose en la mayor obra de ficción interdependiente de Transformers. A esto contribuyó su cuidada edición, así como la intención de que sus argumentos cuadrarán con la colección original. Por no hablar de la elección de los autores implicados en Transformers UK. De lo mejor de la época. Hablo de dibujantes como John Ridgway, Mike Collins, Jeff Anderson, John Stokes, Barry Kitson, Mark Farmer, William Simpson o Geoff Senior. Algunos de los cuales daría el salto a la Marvel americana. Como también lo haría uno de sus guionistas, Simon Furman. Como escribo en Transformers: Cómics de Generación I, Furman fue el principal responsable de empezar a hacer interesantes a los Transformers, al profundizar en el contexto de los mismos, además de continuar con la humanización de los mismos. Algo que ya había iniciado, tímidamente, Bob Budiansky.

Pues bien, en estos cómics de Transformers UK se puede comprobar los primeros pasos de Furman hacia una mayor elaboración del universo Transformers. Circunstancia que se vió favorecida porque no todos los juguetes Transformers llegaban a Inglaterra por lo que Marvel UK tenía que manejar a los personajes de los que disponía. El no tener que estar metiendo, continuamente, personajes nuevos en sus cómics, para su promoción en las tiendas de juguetes, favoreció que pudieran profundizar algo más en los que ya tenían.

De manera que estos tebeos constituyen un documento histórico importante para los que somos seguidores del trabajo de Furman en Transformers de IDW, trabajo que se comenta en los siguiente posts:

La series de Amazon III: El hombre en el castillo (The Man in the High Castle)

Bienvenidos a una nueva entrega de los post dedicados a los series de Amazon Prime Video. Tras fijarnos en Bosch y en Crisis en seis escenas (ya sabéis, la de Woody Allen) llega el turno a la serie estrella de la plataforma. Serie estrella no porque sea imprescindible (personalmente prefiero la serie de Titus Welliver) sino porque fue la primera serie de su catálogo y en la que pusieron toda la carne en el asador. Salvando las distancias, podemos decir que es su Juego de Tronos. Hablamos de El hombre en el castillo (The Man in the High Castle).

Os dejamos con nuestro análisis en formato vídeo antes de disfrutar del artículo escrito. ¡Si te gusta suscríbete a nuestro canal! 

El hombre en el castillo se basa en la novela homónima de Philip K. Dick, novela de la que ya os habló mi compañero Raúl Sánchez en este excelente post. En dicha novela, Alemania ganó la Segunda Guerra Mundial y conquistó la costa este de Estados Unidos; la costa oeste quedó en manos de los japoneses y entre ambas se situa una zona neutral donde se refugian todos aquellos que son perseguidos por uno u otro régimen. Esta premisa es la que también tenemos en la serie, protagonizada por Alexa Davalos, Rupert Evans, Luke Kleintak, Joel de la Fuente, Cary-Hiroyuki Tagawa y Rufus Sewell. En la producción tenemos a Sir Ridley Scott y como showrunner a Frank Spotnitz, responsable de muchos episodios de Expediente X. Al igual que en la novela, diversos personajes viven su vida como pueden en este nuevo mundo y en su camino se cruza unas misteriosas películas (que sustituyen al libro que aparecía en la novela) que muestran un mundo totalmente diferente, un mundo en el que Alemania y Japón perdieron la guerra. Tras la realización de estas películas está un misterioso personaje conocido como El hombre en el castillo. Qué son estas cintas que muestran un mundo diferente con un realismo imposible de filmar, quién es este hombre y qué pretende es el principal misterio de la serie.

A pesar de la premisa en la que se basa (una distopia en toda regla) y del misterio de las cintas que sobrevuela todos los episodios, estamos ante una serie de personajes donde las relaciones entre unos y otros y sus reacciones a las situaciones a las que se enfrentan pesan más que la acción en sí. La nueva America nazi sirve más de escenario que de elemento que mueve la trama, aunque también aporta su grano de arena. Todo esto lleva a que la serie pueda parecer lenta en alguno de sus episodios, lo que no es sinónimo de aburrida. El que todos los episodios estén disponibles en la plataforma y se pueda ver de un tirón facilita bastante su visionado porque, eso sí, saben acabar cada episodio con un cliffhanger de esos que hacen que pulses en el botón para ver el siguiente.

El Hombre en el castillo protagonistas
Alexa Davalos es Juliana Crain y Luke Kleintank es Joe Blake

Novela vs. Serie

El punto fuerte de la serie es la ambientación. A pesar de que se nota el uso de efectos especiales para recrear la América ocupada hay que decir que ese defecto juega en favor de El hombre en el castillo, dandole un aspecto a medio camino entre lo real y lo irreal que no le sienta mal. Aprovechando que Raúl hizo la mitad de mi trabajo, me instalo en la comodidad y paso a señalar las diferencias entre la novela y la serie, diferencias necesarias para mantener el interés de un show a lo largo de una tanda de episodios, que en este caso son 10 por temporada (dos temporadas disponibles en la plataforma y una tercera anunciada). En su post acerca de la novela, Raúl hablaba de lo anti-epica de la historia y la normalidad que presidía la vida de los protagonistas:

Uno empieza leyendo el libro y se sorprende de lo anti-épica que es la historia. Empiezan hablando del dueño de una tienda de antigüedades americanas, alguien que vende cosas de la cultura estadounidense de antes de la guerra (como relojes de Mickey Mouse) a los japoneses, los cuales se han quedado un trozo de los viejos Estados Unidos. Otra historia es de una mujer que es profesora y tiene una aventura con un camionero. Otro es un burócrata japonés en Estados Unidos. Gente vergonzosamente gris y nada excepcional. No ve uno por ningún lado el habitual grupo de resistentes heroicos, el run-run de la gente que va a alzarse en armas. Nada de nada. Hay normalidad, hay gente que intenta vivir su vida lo mejor que puede.

Esa normalidad también preside la serie pero sólo hasta cierto punto. Al contrario que en la novela, los protagonistas si cruzan sus destinos y si tenemos una facción rebelde que resiste ahora y siempre al invasor, aunque la esperanza de que las cosas cambien no aparece por ningún lado. Es más, sus actos y su moralidad no se diferencian en absoluto de la de los alemanes o los japoneses. Y si bien los japoneses son retratados de forma algo más amable que los nazis, tampoco es que sean unos santos. Incluso consiguen que los nazis nos caigan simpáticos.

Otra diferencia la tenemos en el uso del I Ching y la adopción de las costumbres japonesas por parte de los estadounidenses. Si en el libro es algo extendido, en la serie tan solo un personaje usa el I Ching, el ministro japones de comercio interpretado por Cary-Hiroyuki Tagawa. La mayoría de personajes viven con recelo y sumisión la conquista de su territorio por parte de los japoneses, incluso tenemos un movimiento de resistencia, por lo menos en la costa oeste. De la vida en la costa este, ocupada por los alemanes, se nos muestran menos detalles. Eso si, todo es más limpio, más ordenado, más perfecto; no hay suciedad, no hay rebeldía ni elementos discordantes, ni mental, ni espiritual ni, por supuesto, físicamente. Todos los «defectos genéticos» son incinerados. Las cenizas llueven sobre los supervivientes y nadie mueve una ceja porque es lo mejor para todos, para el Estado. Como bien señala Raúl:

Las masacres, las barbaridades de los estados totalitarios están en el libro, por supuesto, pero como telón de fondo. Se mencionan, pero se como se habla de si llueve o hace sol. Son cosas inevitables.

Nacido para ser villano

O más bien para interpretarlo, por lo menos en el caso de Rufus Sewell, un actor al que solo le recuerdo un personaje positivo en su larga carrera (igual tiene más pero los villanos predominan). Sewell y su personaje, el Obergruppenführer John Smith es de lo mejor de la serie. Presentado como un malvado nazi en el primer episodio, su personaje va evolucionando hasta mostrarnos que es humano, con todas sus luces y sombras. John Smith es alguien que cree en lo que hace, que realmente piensa que el Reich es lo mejor para todos aunque haya tenido que mancharse las manos en el camino. Transmite esa normalidad de la que antes hablábamos y consigue que entendamos perfectamente sus acciones y sus motivaciones aunque no las aprobemos. Realmente uno no sabe si amarlo o odiarlo y eso es algo que consiguen muy pocos.

John Smith
Rufus Sewell es John Smith

Más caricaturesco es el personaje interpretado por otro actor marcado por su rostro villanesco. Se trata de El Mariscal (The Marshall) interpretado por Bur Gorman, un personaje que recorre la zona neutral imponiendo su ley como si se tratase del viejo oeste. El Mariscal es malo, muy malo pero tampoco se entiende que nadie le hay metido una bala en la cabeza porque tampoco es que se un supervillano. La terna de villanos se completa con el personaje del Inspector Kido, interpretado por Joel de La Fuente, la contrapartida japonesa al personaje de John Smith. Ambos buscan desesperadamente al hombre en el castillo pero, curiosamente, el personaje de Kido es retratado como más implacable que el nazi, como alguien menos humano.

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Joel de la Fuente es el Inspector Kido

Ambos ejemplifican la principal diferencia con respecto al tratamiento que Philip K. Dick da en la novela a los japoneses y a los alemanes. Si en el libro los japoneses salen mejor parados que los nazis, en la serie no es necesariamente así. Las atrocidades de unos y otros quedan más o menos a la par. Aunque los primeros son más tolerantes pero igual de racistas y con la misma falta de escrúpulos y de empatía que los segundos. Eso no viene determinado por su nacionalidad sino por ser quienes ocupan el poder, un rasgo que se repite una y otra vez en todos aquellos que imponen sus ideas a los demás con el convencimiento de que las suyas son mejores por eso, por ser suyas.

En resumen, El hombre en el castillo es una buena serie que si se emitiese en otras plataformas seguramente tendría más seguidores, con buenos personajes y el toque justo de ciencia ficción (que es muy poco) como para mantener nuestro interés. Se sacrifican aspectos de la novela y se potencian otros por el bien del show, consiguiendo una buena adaptación siendo conscientes de que el cambio de formato es más que necesario. Una opción más que recomendable para llenar nuestras horas de ocio. Un saludo, sed felices.

Novedades Planeta Cómic Noviembre 2018

Ya tenemos las novedades del mes de noviembre de Planeta Cómic.

A continuación os dejo la nota de prensa con el pdf.

La rueda de 2018 gira incansablemente y ya nos encontramos informando sobre las novedades Planeta Cómic para noviembre. De la saga estelar, llegarán los episodios respectivos de las series abiertas y el tomo recopilatorio de Obi WanPaper Girls, Snoopy y De:Tales abanderarán el cómic anglosajón.

Dos serán los títulos de factoría europea: Un ruido extraño y hermoso (Zep) y Taxi (Alfonso Font). Finalmente, la fiesta manga seguirá con dos nuevas colecciones Dragon Quest, más Dragon Ball, One Piece, Detective Conan, 20th Century Boys…

Más información, en el pdf adjunto.

Un saludo y sed felices.

Análisis de La maldición de Hill House. Temporada 1 (Parte 1 de 2)

Un saludo estimadas/os seriéfilas/os. Usando una de las palabras del título, voy a hablar de una maldita maravilla, pues eso me está pareciendo la serie que hoy nos ocupa, y de la que os voy a hablar en lo concerniente a los 5 primeros episodios de la temporada (que conforman la primera mitad de la serie). Ya desde el inicio no puedo hacer otra cosa que recomendaros ver La maldición de Hill House, serie de Netflix, pues se aleja bastante de la manera de narrar una historia de terror en comparación con otras de los últimos años.

¿Quién está detrás de la serie? La cabeza visible del proyecto en la parcela técnica es Mike Flanagan, que dirige la serie y escribe el guión. Y no es la primera experiencia de Flanagan con la plataforma Netflix, pues el año pasado ya había co-escrito y dirigido El juego de Gerald, adaptando la novela de Stephen King. Además, como Flanagan lleva unos cuantos años como director, en esta serie se rodea de muchos actores y actrices con los que ha ido trabajando en sus distintos proyectos. Por otra parte, tras la serie están las productoras Amblin (la de Spielberg), y Paramount.

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¿Qué habrá tras esta puerta?

¿De dónde viene esta serie, es original o se basa en algún libro? Pues mitad y mitad, es decir, está basada en un libro de igual título de la escritora Shirley Jackson, publicado en 1959. Pero también es una serie que aporta elementos propios, los necesarios para no calcar la novela pero sí para dar una identidad propia a cada personaje y situación. Hay personajes que no existían en la novela pero que están muy bien creados. Por poneros un ejemplo de las diferencias de un medio y otro, en el libro, un científico que estudia las perturbaciones psíquicas que ocurren en las casas encantadas, decide alquilar la casa de Hill House y, junto a un pequeño equipo de personas, vivirá una serie de experiencias insólitas en aquel lugar. Pues bien, en la serie el elemento canalizador es una familia, los Crane, que acaba de adquirir dicha casa para restaurarla y luego venderla, y que pasará un tiempo allí. El matrimonio que la adquiere tiene 5 hijos (2 chicos y 3 chicas), los cuales irán viviendo distintas experiencias en la casa que les marcarán para siempre.

Al hilo de lo anterior, y siempre recordando que mi análisis de hoy se centra en lo que he visto en los 5 primeros episodios, hay que destacar el hecho de que la narración de la serie se hace en pasado y presente de los personajes, dedicando cada capítulo a uno de los 5 hijos que vivió en la casa junto a sus padres.  Y francamente, me parece un gran acierto el que en cada episodio se desarrolle un personaje distinto. Hay interacción de cada hermano con los demás miembros de la familia sí, pero el desarrollo del episodio se centra tanto en los sucesos que cada uno vivió en la casa durante su infancia, como las consecuencias de aquello en el presente. Ninguno de los 5 hermanos sigue viviendo en Hill House, pero eso no quita el hecho de que sus vidas estén marcadas por el tiempo que pasaron allí.

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La familia Crane.

Seguramente esperéis que, tras todo este tochazo que os he estado soltando, empiece a desvelar ahora partes de la trama de la serie o situaciones de la misma más allá de la mera sinopsis, pero en estos casos creo que es mejor mencionar los detalles justos, porque la serie se disfruta más cuando sabes poco de la misma y apuestas todo al factor sorpresa. En mi caso, antes de ver la serie tan sólo sabía que no era la primera adaptación del libro de Jackson, ya que la más reciente hasta la fecha era la realizada en la película de 1999 The Haunting/La guarida. Aquella película, que sí se ajustaba más a la trama de la novela, no es que fuera un desastre, pero supo a poco teniendo en cuenta el interesante reparto con el que contó (con Liam Neeson o Catherine Zeta-Jones a la cabeza), y los medios para elaborarla. Y ya está, teniendo en cuenta que lo que yo recordaba para comparar era aquella película, que optaba por otros derroteros y con otros personajes, ha sido prácticamente como si estuviese viendo por primera vez la historia de Hill House.

¿Qué nos ofrece esta serie? Para empezar, un más que interesante desarrollo de personajes, que nos permite acompañar a todos y cada uno de los hermanos en sus experiencias en Hill House y el camino que ha seguido sus vidas. No estamos ante una serie de terror del tipo slasher, ni gore, ni cosas así, estamos ante una serie que enfila el camino del terror psicológico. Muestra e inquieta, pero no machaca con cada suceso de la casa. El ritmo es lento, pausado, pero no por ello cansino, para nada. Su desarrollo de pasado y presente puede resultar caótico si pensáis que las cosas no están bien hilvanadas, pero tras lo visto en los 5 primeros episodios, os puedo confirmar que la serie sabe dónde va, y no deja nada al azar.

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¿Quién hay dentro?

Mi conclusión es que, para toda persona que disfruta con las series de casas encantadas, terror psicológico, suspense y demás, La maldición de Hill House es una serie fantástica, sorprendente, todo un soplo de aire fresco, que se agradece y mucho en un género tan manido como éste, donde en la mayoría de series se termina ofreciendo siempre más de lo mismo, sin intentar hacer las cosas de otro modo. Así que os animo a darle una oportunidad. El episodio piloto es la mejor manera de saber si queréis adentraros más en los misterios de Hill House.

Y esto es todo por hoy. Cuando vea la segunda mitad de la temporada os compartiré mis conclusiones finales. ¿Alguna/o ya habéis visto la serie? ¿Qué os está pareciendo?

P.D: Como ya vi el resto de la temporada os enlazo aquí mi segundo y último análisis:

Análisis de La maldición de Hill House. Temporada 1 (Parte 2 de 2).

Análisis de The Walking Dead. Temporada 9. Episodio 2

Bienvenidos todos al análisis del segundo  capítulo de la temporada 9 de The Walking Dead. Recordar que el artículo está repleto de spoiler así que ya sabéis, mejor leerlo después de haber visto el episodio.

Análisis del capítulo 1 de la temporada 9

Aquí puedes recordar lo que pasó en la temporada anterior

Empezamos con Rick hablando con otra persona. Cuenta lo que ha sucedido en un día de trabajo y como eso puede afectar al futuro de su comunidad.

¿Y qué es lo que ha ocurrido? Al final del primer capítulo veíamos que el puente que conectaba el Santuario con las demás localizaciones se había derrumbado así que ahora toca reconstruirlo entre todos, Salvadores y habitantes de otros sitios.

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Hay que construir un puente todos juntos, Salvadores incluidos

Este es el que parece ser uno de los temas principales de esta temporada. Hay que trabajar todos juntos para crear un nuevo mundo, un nuevo comienzo que no se va a conseguir con luchas y violencia. Pero esa convivencia no es sencilla, va a tener un precio y va a ser un foco constante de conflictos.

Y esto nos lleva al otro eje central de la historia. Esos roces en la convivencia hacen que Rick, Daryl y Maggie tengan puntos de vista distintos y casi opuestos sobre la situación con los Salvadores. Algo que hemos visto en los dos primeros capítulos y que estamos deseando saber cómo se desarrolla.

Un detalle curioso es que ahora los rebaños de caminantes reciben nombres, al estilo de los huracanes. Han quedado cómo una fuerza de la naturaleza totalmente asumida por unos supervivientes que tratan de controlarlos usando sonidos estridentes. Pero esto no siempre sale bien.

Tanto es así que un rebaño ataca las obras del puente y aunque puede ser eliminado Aaron perderá un brazo en la refriega. Ese grupo de zombies debería haber sido desviado por Justin, uno de los Salvadores más problemáticos (y digo yo, si todo el mundo sabe que es un capullo ¿Por qué se le da esa responsabilidad?).  Cuando Daryl se entera va a darle una paliza y es detenido por Carol. Aunque Justin sigue sin asumir sus responsabilidades y tocando las narices así que Rick no tiene más remedio que expulsarlo. Aunque Rick se siente culpable por lo sucedido Aaron le tranquiliza ya que cree que su brazo es un precio pequeño por el sueño en común de construir un nuevo mundo.

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Justin ha sido un foco de conflictos desde el principio

En cuanto a la situación en Hilltop recordemos que Earl está encarcelado y Maggie no parece tener la más mínima intención de soltarlo. Pero no es tan dura como quiere parecer y tras escuchar la confesión del herrero en torno a su alcoholismo decide dejarlo en libertad recordando a su padre (que también era alcohólico). Después de todo, la gente merece tener una segunda oportunidad en la vida (por eso justifica el ahorcamiento de Gregory, alguien que había tenido muchas ocasiones para redimirse).

Además Maggie acepta dar más provisiones al Santuario y se muestra conforme con la proposición que Michonne le hace sobre la necesidad de crear unas normas de obligado complimiento para todos (algo que la propia Michonne ya había hablado con Rick). Las leyes de una nueva civilización que traerán consigo seguridad en casos como el intento de asesinato de Maggie.

En el capítulo de relaciones seguimos con el romance entre Carol y Ezequiel, la dura superviviente no da su brazo a torcer pero acepta el anillo de pedida del Rey. Y además se nos presenta una nueva pareja sorpresa: el padre Gabriel y Jadis empiezan tonteando para acabar besándose y mostrándose de lo más cariñosos el uno con el otro.

Y sobre Jadis comentar que cuando le toda a ella ser la vigilante por la noche ve a lo lejos un helicóptero. Suponemos que es el mismo que quería que se la llevara al final de la temporada pasada. Esto parece ser la introducción a los que serán los nuevos “villanos” de la serie, Los Susurradores.

Podemos sospechar que todo el conflicto entre las comunidades pacíficas y los Salvadores se solucionará cuando haya que enfrentarse a un enemigo común. Y parece que toda la historia del nuevo mundo, la reconstrucción y demás puede verse cortado de raíz con la intervención de los Susurradores.

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Todos juntos alrededor del fuego después de un duro día de trabajo

Es algo que se está viendo venir y que en mi opinión restaría emoción a la serie ya que lo que creo que esta necesita son más sorpresas y giros inesperados para despertar al público del largo sopor que han producido las temporadas anteriores.

Al final vemos que la persona con la que Rick hablaba era un encarcelado Negan (fácil de adivinar). Le cuenta cómo ha ido el día, un día muy difícil pero que ha acabado bien, ya que al final no todos, pero si bastantes supervivientes de uno y otro lado, han acabado reunidos en torno al fuego. La naturaleza humana es buena y se están plantando los cimientos de un nuevo comienzo y un nuevo mundo que el villano no verá por qué nunca saldará de su prisión. Pero Negan se ríe de Rick y le dice que aunque no lo crea, al final todo se joderá y aunque piense que va a salvar al mundo sólo lo está preparando para él.

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¿Quién es el personaje con el que habla Rick?

Sólo sale unos minutos pero Negan deja claro que aun encerrado sigue siendo una amenaza y una pesadilla para un ilusionado Rick. Puede que su superioridad moral no le esté dejando ver las cosas con claridad.

El capítulo acaba con el desterrado Justin caminando cuando se encuentra con alguien conocido al que saluda. Se conocen, pero sin que veamos quién es, ese misterioso personaje acaba asesinando a Justin ante el desconcierto de su víctima. Esto da pie a un nuevo misterio ya que son varios los Salvadores que han desaparecido sin dejar ni rastro.

Este segundo episodio de la temporada sigue la tónica del primero, mejorando poco a poco. Se nos presentan varios misterios mientras vemos como se acumulan poco a poco los conflictos internos y grupales. Y se plantan las semillas de un posible futuro enfrentamiento con unos enemigos de los sabemos muy poco. El paciente sigue progresando.

 

RECUENTO DE MUERTES: sólo Justin, asesinado no sabemos a manos de quien, todo un misterio propio de las novelas policiacas que puede dar mucho juego.

Crítica: Virtual Hero. La serie de animación de Elrubius

El fenómeno YouTube es algo enorme y gigantesco, que en poco más de una década esta plataforma ha cambiado la industria del entretenimiento, adelantando por la izquierda a una televisión cada vez más pobre. El formato ha cambiado y con el nacimiento de un nuevo medio, nacen también nuevas formas de entretener. Es el caso de los youtubers, famosos por sus excentricidades, sus sueldos desmesurados y llamar a sus seguidores con un nombre inventado que suele terminar en –er. Claro que, esto es una generalización. YouTube es tan plural como la televisión por cable inglesa, americana y española junta. Desde luego la oferta es inmensa: cine, videojuegos, música, moda, maquillaje…

Pero hoy vengo a hablar de anime, como gusto y acostumbro a hacer. Hace unos días tuvo lugar el estreno a nivel internacional de la serie de animación creada a partir de la idea original de Elrubius: Virtual Hero. Empecemos con un poco de contexto.

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Para quien no lo conozca Elrubius es, a nivel de cifras, el youtuber más grande España. Su canal principal elrubiusOMG cuenta actualmente con 31 millones de subscriptores de todo el mundo, y ese contador sigue subiendo día tras día. La historia de este joven adolescente, que recibió una fama desmesurada por jugar a videojuegos y bromear al respecto, parece haber cautivado a muchísima gente, o por lo menos les ha suscitado algo de interés o curiosidad. Tal ha sido el crecimiento de su audiencia, que no son pocos los proyectos en los que se le ha brindado la oportunidad de participar (en muchos, si no en la mayoría de los casos con un interés publicitario enorme detrás). Pues, Virtual Hero nace como una serie de cómics ideados por el youtuber, claro que aquí hay un pequeño problema, pues ni el guion, ni el dibujo son cosa suya. Nada de esto ha parecido importar, pues el número de ventas de los tres volúmenes sacados hasta el momento ha sido inmenso. Quedando pues demostrado que todo aquello que sea firmado por el joven se convierte en oro, se decide crear pues una serie de animación adaptando en mayor o menor medida las viñetas de esta historia. Nace así la coproducción de animación española más grande hasta la fecha, siendo los personajes y fondos dibujados por el estudio Motion Pictures de Barcelona, la animación por el estudio coreano Jaruyi y todo esto revisado por la productora española Zeppelin TV. Desde luego resulta un proyecto ambicioso, y más si tenemos en cuenta que los derechos de la serie son exclusivos de Movistar +, encargándose la empresa telefónica de empapelar la península y parte de las islas con publicidad de Virtual Hero. Pero vamos a lo que importa de verdad, la serie ¿cómo está?

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Una de las diversas imágenes promocionales de Movistar.

El argumento cuenta con la originalidad que puede tener la Roca Johnson en un papel de héroe musculado. La trama comienza con el envío de un paquete a Rubius por parte de algún misterioso desconocido. En su interior se encuentran unas gafas de realidad virtual de una tecnología tan avanzada que permiten al jugador sumergirse en el mundo de un videojuego de fantasía. Sin embargo, por diversas cuestiones queda encerrado en este universo virtual y no puede regresar al mundo real a menos que consiga pasarse el juego. No hace falta que lo acuséis con el dedo, el mismo Ruben ha admitido y reiterado que el argumento es una copia de SAO (Sword Art Online, serie tanto amada como odiada por muchos). Él por su parte, se escuda en que la idea desde un principio era crear su propia versión de la historia de Kawahara, con los personajes de sus juegos preferidos, creando un batiburrillo misceláneo a lo Ready Player One. No se puede negar que esto lo ha conseguido, los personajes son claramente identificables, pero el equipo técnico ha sabido construirlos de manera que en ningún momento salten las alarmas del copyright. De esta manera, los acompañantes de Rubius en su aventura serán una chica zombie llamada Zombirella (con una marcada personalidad yandere y un diseño que evoca casi sin querer a las muñecas Monster High), Sakura (quien tiene un enorme parecido con Katarina, personaje del LOL), Slimmer (un supuesto espectro ancestral idéntico a Slenderman) y G4T0 (una inteligencia artificial en forma de gato azul que recuerda bastante a Happy de Fairy Tail).

Desde luego el chaval no se exprimió en exceso la cabeza, aunque es aquí donde reside parte del encanto de la serie. Mucho de los seguidores de Rubius, se sienten identificados con él, porque tienen la sensación (o al menos quieren creer) que si algún día lograsen alcanzar ese nivel de fama, se comportarían de la misma manera. ¿Quién no ha soñado con tener su propio mundo de fantasía, donde convivir con todos esos personajes de tus series y juegos favoritos?

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Rubius acompañado de diferentes personajes secundarios y villanos.

Los que sí han tenido que darle más vueltas son Lolita Aldea, la ilustradora, y Juan Torres, guionista de la saga. En su manos ha recaído la tarea de convertir en realidad esta fantasía de joven adolescente. ¿El resultado? Bueno, la serie sufre de notables problemas de animación, ya que esta se siente un tanto robótica y forzada. Las expresiones faciales son un tanto básicas, y los recursos escasos, beben mucho del anime básico y en muchas ocasiones da la sensación de que determinadas situaciones están colocadas con calzador. El otro gran defecto es el doblaje. En la serie se mezclan las voces de actores de doblajes profesionales, con personalidades del mundo de YouTube como Rubius o Mangel, con 0 experiencia a la hora de interpretar una voz. Como consecuencia tenemos personajes muy bien doblados conversando con otros con una calidad muy inferior. Este contraste te saca continuamente de la serie, y si lo que se busca es una completa inmersión en este mundo de fantasía, tienes un enorme muro que te lo impide.

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El doblaje es una de las asignaturas pendientes de la serie.

Respecto al guion, la serie es muy simplona. Rubius y sus amigos deben superar una serie de pruebas y viajar por diversos mundos para derrotar al malvado Trollmask. Nada excesivamente serio. Un ritmo bastante rápido, que te presenta a personajes no demasiado complejos, con uno o dos rasgos distintivos que los van a definir a lo largo de la obra. Su desarrollo es ínfimo, pues se cuenta desde un inicio con el factor fan: “Esto es para seguidores de Rubius, hay cosas que no hace falta explicar.” Así pues esta serie no se detiene mucho a contarte qué pasa, si no que más bien se esfuerza en crear situaciones divertidas o emocionantes, que enganchen incluso a la persona más ajena a YouTube. Hay además una pequeña contradicción respecto al target, porque se nos presenta muy infantil, pero se dicen bastantes tacos (nada grave, pero ya deja de ser para chavales de 10 y pasa a ser para más de 12 o 13).

Dentro de lo bueno la serie cuenta con la canción El libro de las Sombras de Mago de Oz para el opening, un gran tema de un legendario grupo de rock español, que se suma a este carro fantástico de sueños adolescentes. Además, no todo el apartado técnico es deficiente. La paleta de colores es muy viva y otorga un dinamismo y una frescura importante para la serie.

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La paleta de colores muestra la frescura que le falta al guión.

Como conclusión, Virtual Hero es un sueño de niño de 16 años hecho serie. Hecha para los fans y para el mismo Rubius, que ha visto nacer su propio universo, aunque sin apenas esfuerzo ni sacrificio por su parte. Por otro lado un masivo evento publicitario, difícil de entender para los más externos al fenómeno YouTube, y una serie deficiente y mediocre para los sibaritas de la animación.

Análisis de Jack Ryan. Episodio 7: El muchacho

Bienvenidos al penúltimo análisis de Jack Ryan, una de las series más entretenidas de Amazon Prime. Os dejo con el enlace a los análisis anteriores y vamos al lío, que está ya cerca de resolverse.

Regreso a casa

Ryan y Greer han regresado a Estados Unidos con Hanin y sus hijas, que permanecen en un piso franco de la CIA adaptándose al modo de vida americano. Con la información conseguida, los jefazos de la CIA planean una incursión en el palacete de Suleiman. Tan sólo queda confirmar que Suleiman está allí. Sin embargo, en el proceso han descubierto a los rehenes que mantiene en el complejo, rehenes con los que ha tenido el detalle de proporcionarles los medicamentos que habían pedido. Como agradecimiento, el doctor Daniel Nadler (Matt McCoy), jefe del grupo, sigue ofreciéndose a tratar a Samir, el hijo de Suleiman, de la diabetes que padece, oferta que es rechazada. ¿Por qué este trato con los médicos? ¿Qué quiere Suleiman de ellos? En un principio pensé que tenía que ver con el desarrollo del arma biológica sobre la que han dejado caer pistas y la verdad es que no andaba desencaminado.

Nadler
El buen doctor no sabe la que le espera

A todo esto, Suleiman permanece ignorante de la muerte de su secuaz Yazid y de que sus mujer y sus hijas están en manos de Ryan. Como buen fanático que es, no deja escapar la oportunidad de adoctrinar a su hijo, haciéndole creer que su madre a muerto a manos de los americanos. ¿Pero acaso el hijo no estaba ya adoctrinado, como le plantean a Jack en una escena? ¿El fanático nace o se hace? Es una buena pregunta cuya respuesta parece hallarse más en lo segundo que en lo primero, a tenor de la evolución del propio Suleiman a lo largo de la serie. Lo que si es cierto es que una vez convertido al fanatismo más radical es muy difícil volver atrás. Pese a que en algunos episodios se nos han mostrado retazos de la humanidad del villano de la serie, al encarar su recta final se nos muestra como un auténtico desalmado.

Una vez confirmada la presencia de Suleiman en su guarida, el presidente da luz verde a la incursión, priorizando el rescate de rehenes. Resulta que, oh casualidad, el doctor Nadler es su amigo íntimo, compañero de Vietnam y ya sabemos como marcan estas cosas a los americanos. En un alarde de boy scout, Jack le pide al presi que rescaten también a Samir, como le prometió a su madre. Petición aceptada. Por el presi que no quede.

Sexo, mentiras y agentes de la CIA

Entremedias, Cathy Mueller es reclamada por el ejército por la alarma acerca de la cepa de ébola que hizo saltar en el episodio anterior. En medio del interrogatorio sobre las posibilidades del desarrollo de un arma biológica, Cathy se entera de que su amigo con derecho a roce es agente de la CIA. La revelación no le sienta nada bien pero Jack sabrá reconducir la situación. Sólo falta Carlos Sobera para que la velada sea completa.

Jack Ryan Cathy Mueller
Venga, que te invito a cenar y arreglamos esto

Entre una cosa y otra, secuaces de Suleiman han llegado a los USA y se hacen con un polvo azul que han traído en un contenedor. Suponemos que es el arma pero la cosa no queda clara. Y Hanin y sus hijas viven el sueño americano: cocina de chef y videoconsolas. Esto último resulta ser una de las mayores cagadas que se le recordarán a la CIA. Aprovechando el chat de un videojuego (¿no han aprendido nada estos chicos?) la hija mayor de Suleiman se pone en contacto con su hermano y, como no, el padre se entera de todo y deduce que el ataque es inminente. De ahí que el equipo táctico de la CIA no encuentre ni rastro de Suleiman y los suyos pero, eso sí, el rescate de los rehenes es un éxito. Un éxito que será efímero.

Y es que el mayor problema de desarrollar un arma biológico usando una cepa de ébola ha sido solucionado. Cathy menciona que la forma de transmisión del virús es lo que hace que sea difícil usarlo como arma ya que se transmite por contacto directo. No puede ser por el aire ya que el oxígeno es letal para él. ¿Es posible desarrollar otro método? Pues si. ¿Recordáis los medicamentos que Suleiman le dio a los rehenes? Pues ahí está. Un arma biológica en pleno centro del poder mundial, cuando el doctor Nadler se reencuentra con el presidente y tose como si tuviera un ligero resfriado. Tras analizar todo lo encontrado en la guarida de Suleiman, Greer llega a una escalofriante conclusión e interrumpe la cena de Jack y Cathy. Queda un episodio y ni idea de como acaba este fregado. Han jugado al despiste de una forma bastante efectiva, dejándonos con ganas de hacer click en el siguiente enlace.

El cuarto Ryan cinematográfico.

Tal y como prometimos, echemos un vistazo al que fue el cuarto Jack Ryan en pasar por las salas de cine, Chris Pine, en la olvidable y olvidada Jack Ryan: Operación Sombra (2014). Dirigida por Kenneth Branagh, quien nunca le hace ascos a un buen cheque, supuso un intento de reboot de la saga (si es que podemos hablar de saga), con un Ryan más joven post-11S, enfrentado al propio Branagh (otro cheque por actuar) y con la ayuda de un Kevin Costner que pasaba por allí. A continuación os dejo con un resumen más amplio de la cinta:

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Quedamos para el próximo y último análisis. Un saludo y sed felices.

Crítica de Searching: Thriller que sorprende por su estilo narrativo y emotividad

Searching, al estilo de Eliminado (2014), basa su narración en el uso de aparatos electrónicos, ya sean pantallas de ordenadores, móviles, televisores, etc. Este recurso, relativamente reciente, consigue que nos sintamos más conectados con los personajes principales debido al gran uso de la cámara subjetiva. En Searching, en numerosas ocasiones, nuestra mirada coincide con la del protagonista, David Kim.

El debut cinematográfico de Aneesh Chaganty nos sumerge en la vida de una familia con unas desgarradoras primeras escenas que recuerdan al comienzo de Up. En este inicio tan emotivo, el espectador es capaz de conocer la dinámica familiar de los protagonistas en apenas unos minutos, consiguiendo así algo que muchos otros filmes no logran en toda su duración: hacer que el espectador comprenda a los personajes y se preocupe por ellos.

Tras una tragedia familiar, la relación entre David Kim (John Cho) y su hija (Debra Messing) no pasa por sus mejores momentos; por lo general, se comunican a través de medios electrónicos que, en este caso, sirven para desconectar a ambos. Un día, Margot deja de responder. El paso del tiempo queda reflejado por esa pila de mensajes sin respuesta. Finalmente David, desesperado, llama a la policía para denunciar la desaparición de su hija. Kim, metódico, intenta descubrir el paradero de su hija y para ello recurre al ordenador de Margot, lugar donde se esconden los secretos de la chica.

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Searching es una película que sorprende por la ingenuidad a la hora de utilizar su herramienta narrativa que, con toda seguridad, ha causado más de un quebradero de cabeza a la hora de elaborar el filme. En ningún momento los creadores rompen sus propias reglas internas y, además, el recurso nunca se hace pesado para el espectador, siempre se aporta toda la información necesaria para que nadie se pierda. Por otro lado, la propia historia del filme no se descuida, Searching es un muy buen thriller, con personajes lo suficientemente desarrollados para que nos importen y con giros argumentales en cada esquina. Es una película muy cuidada en todos los sentidos y llena de pistas. Por todo ello, Searching anima a ser vista de nuevo, es una de esas películas que crea experiencias distintas al verlas por segunda vez.

El filme consigue crear suficiente simpatía por cada uno de sus personajes, a pesar de que en muchas ocasiones quedan en segundo plano para darle importancia a la investigación. John Cho, que está impresionante como padre que va enloqueciendo conforme pasan los días, es nuestro protagonista. A pesar de que no tenemos muchísimos datos sobre su vida, conocemos lo necesario, comprendemos que no puede perder también a su hija porque sería un golpe devastador. Por otro lado, Margot, desaparece a los pocos minutos del comienzo del filme, es por ese motivo por el que las escenas iniciales son clave para explicar el comportamiento de los personajes, y es por estas mismas por lo que el drama familiar funciona tan bien.

No quiero desvelar demasiada información acerca del crimen en sí, pero las motivaciones en ese apartado están perfectamente explicadas, por lo que se crea un mar de claroscuros donde uno no puede más que lamentar los incidentes que ocurren.

El subtexto de la película es las barreras que un padre desesperado está dispuesto a traspasar para recuperar a su hija y cómo un evento tan trágico puede abrir los ojos a las personas y hacer que se den cuenta de que, a veces, ni siquiera conocemos a los que consideramos nuestros seres más cercanos.

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Searching muestra lo bueno y lo malo de internet. Lo presenta como una herramienta que sirve para que David siga pistas acerca de la desaparición de su hija, pero también en parte responsable de lo que le ha pasado. Margot se siente conectada con una comunidad en internet pero a la vez es esta misma herramienta la que agrava su soledad en la vida real y la desconecta del resto de personas. Se consigue transmitir a la perfección la situación actual de este tipo de páginas web, donde no todo lo que se ve se corresponde con la realidad. Realmente hace que nos planteemos si sabemos utilizar la herramienta para nuestro beneficio o deterioro.

En conclusión, Searching funciona a muchos niveles. Es cierto que el misterio no es revolucionario en ningún sentido, pero el método narrativo que se utiliza, el drama familiar y la temática que se presenta es lo que finalmente elevan el filme.

Reseña de Constantine: City of Demons. Gran película de animación del detective de los sobrenatural, John Constantine

Introducción

En octubre de 2018 Warner Bros. Animation ha lanzado otra película de animación de uno de los personajes de DC Comics. Se trata de Constantine: City of Demons (2018), Constantine: Ciudad de Demonios. Los primeros treinta minutos de esta película de hora y media reunen los cinco episodios de la serie de animación del mismo nombre de CW Seed, dedicada al detective de lo sobrenatural John Constantine. Aparte la persona que da voz a Constantine es Matt Ryan, quien ya interpretó al personaje en la serie de acción real Constantine, así como en la cuarta temporada de Arrow y en la tercera de Legends of Tomorrow. Serie, está última, que espero retomar. En principio puedes leer mis posts sobre las dos primeras temporadas de Legends en los siguiente enlace: Legends of Tomorrow (Análisis).

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Por lo demás, en lo que a continuidad de Constantine: City of Demons (2018) se refiere, esta película se enmarca en el universo de Justice League Dark (2017). Otra película de animación dedicada a la liga de personajes sobrenaturales de DC, de la que  John Constantine es miembro y cuya voz es también la de Ryan. Tanto Constantine: City of Demons como Justice League Dark están guionizadas por J. M. DeMatteis, con ayuda de Ernie Altbacker en el caso de la Liga Oscura, pero pueden verse de forma independiente.

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¿Quién es John Constantine y de que va City of Demons?

El investigador de lo oculto John Constantine comenzó como secundario en la colección Swamp Thing, durante la revolucionaria etapa de Alan Moore y Stephen Bissette. Su apariencia, inspirada en Sting, unido a su carácter cínico y sarcástico, que lograba compatibilizar con su deseo de ayudar a los demás, le valió una gran popularidad entre los lectores y  su propia cabecera, John Constantine, Hellblazer. Por ella pasarían algunos de los mejores autores de la industria, gente como Jamie Delano, Rick Veitch, Bryan Talbot, David Lloyd, Grant Morrison, Neil Gaiman, Dave McKean, Mark Buckingham, Sean Phillips, Garth Ennis, Paul Pope, Warren Ellis o Peter Milligan, contribuyeron a convertir Hellblazer en una de las series más longevas y exitosas de la línea Vertigo de DC Comics. Todo un referente para las historias de ficción modernas, en el que se conjugaban las historias de detectives con lo mágico o sobrenatural, despojado de todo romanticismo.

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Precisamente de lo sobrenatural trata Constantine: City of Demons (2018). Un viejo amigo de Constantine, Chas, requiere de sus servicios para ayudar a su hija, Trish, la cual se encuentra en un extraño coma. En el proceso deberá enfrentarse al demonio Beroul, para lo cual no sólo contará con la ayuda de Chas sino también con la de las sensuales Enfermera Pesadilla y Reina de los Ángeles, además de con el sanguinario dios azteca Mictlantecuhtli.

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Beroul posee el alma de Trish para obligar a Constantine a que le sirva. En este tira y afloja descubriremos que Beroul está relacionado con el pasado de John, con sus comienzos en las prácticas de las artes arcanas para ser más precisos. Unos comienzos bastante fieles a los mostrados en los cómics. Lo que ya no es tan fiel es el título de la película con la serie limitada del mismo nombre, John Constantine, Hellblazer: City of Demons (2010-2011), obra de Si Spencer y Sean Murphy. Si bien el título está justificado por las tramas desarrollados en ambos productos.

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Valoración y cierre

Aunque lo que voy a decir va a sonar a tópico no deja de ser cierto. Me da la impresión de que, salvando la inevitable distancia entre las viñetas y la pequeña pantalla, Constantine: City of Demons (2018) es una película que dejará satisfechos tanto a los lectores del personaje como a los que se acerque a él por primera vez. Lo cual nunca es fácil. Es una cinta accesible, que te va presentando al personaje y a su entorno a la vez que avanza la historia, ya que vincula al villano de la misma con el pasado de Constantine. Pero, al mismo tiempo, hace justicia a lo que ha sido John Constantine en las viñetas. Al ser animación para adultos no hay ninguna restricción a la hora de mostrar lo que se tenga que mostrar, de forma inteligente y siempre respondiendo a la trama, como ocurría en la etapa Vertigo del personaje. Tenemos sexo, violencia, moraleja y una clara conciencia de lo que conlleva entrar en el terreno de las fuerzas místicas. Siempre se paga un precio y no es agradable.

El que la acción tenga lugar principalmente en Los Ángeles, sede de Hollywood, la meca del cine, es usado por DeMatteis para hacer un macabro homenaje al cine mudo, así como para señalar el proceso de deshumanización que supone «vender tu alma» por fama. También hay  algún que otro chascarrillo, colocado cuando toca, a la telenovela The Young and the Restless y al Dr.Extraño de Marvel. Os invito a ver la película y descubrirlos.

En definitiva, otra gran película de animación de Warner Bros. Animation que adapta de forma digna a un personaje de Cómic.

https://www.youtube.com/watch?v=SGEAA7bUuSE

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Reseña de Castle Rock: Nostálgica celebración del universo de Stephen King

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Stephen King está de moda. No es una opinión, es un hecho. Si bien es cierto que el maestro del terror no se encuentra en el apogeo de su carrera literaria, su obra va mucho más allá del blanco sobre negro y en los últimos años hemos podido ver una auténtica expansión de su universo a través de los diferentes ámbitos del mundo del entretenimiento.

Últimamente sus clásicos están acaparando la pantalla grande, desde la ‘IT’ de 2017 o la futurible Cementerio de Animales hasta adaptaciones de corte más modesto en plataformas de streaming como ‘El Juego de Gerald’ o ‘1922’, pero es en el ámbito televisivo donde la influencia del ‘Rey’ ha dejado su mayor impronta, con más de una docena de proyectos en diferentes fases de desarrollo y brindándonos temporada tras temporada productos de diversa índole, algunos moderadamente acertados como ‘11.22.63’ o ‘Bajo la Cúpula’ y otros tirando más hacia el desastre absoluto como la última adaptación de su clásico ‘La Niebla’.

Pero no queda ahí la cosa, series punteras como ‘Stranger Things’ no existirían sin la influencia ochentera del señor King y viendo el éxito abrumador de este revival no es de extrañar que el bueno de J.J. Abrams, que tiene el dedo metido en todos los pasteles, decidiera probar suerte con una idea más o menos innovadora: Una serie ambientada en el universo de King, que utilizase localizaciones y personajes de su obra, pero que no adaptase ninguna historia en concreto, algo así como una celebración de la nostalgia que hiciera las delicias tanto de fans irredentos del autor como del público más mainstream. De ahí nace esta Castle Rock, serie ambientada en el pueblo más infame del universo ‘Kingniano’. La pregunta es ¿consigue lo que pretende? Bueno, en parte sí y en parte no.

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Como pasa con Fargo, Castle Rock pretende abordar el formato antológico y contarnos temporada a temporada diferentes historias, unidas a las demás por el hilo conductor del universo King. Como el productor y escritor de la serie Dustin Thomason declaraba en una entrevista: “Stephen King estaba creando un universo compartido en las páginas de sus libros mucho antes que Marvel y DC”, una afirmación cuestionable si tenemos en cuenta los comics, pero acertada en el sentido de que es precisamente esa interconexión la baza que han jugado los creativos de la serie para darle ese ‘algo especial’ a este producto televisivo.

Castle Rock rebosa de guiños y huevos de pascua. Desde la propia ciudad, población donde se desarrollaban historias míticas como ‘Cuenta Conmigo’ o ‘Cujo’ hasta la infame prisión de Shawnshank que os sonará por ‘Cadena Perpetua’ así como referencias al Resplandor, ‘Carrie’, ‘La Zona Muerta’ y otra docena de obras que no cito porque no acabaríamos nunca. Se trata de una celebración absoluta del universo clásico (o mainstream) de King, no de ese multiverso cósmico de la ‘Torre Oscura’ sino del oscuro mundillo de Maine donde pequeñas comunidades como Salem’s Lot, rodeadas por esos profundos e inquietantes bosques, se empapan de un realismo mágico y donde lo sobrenatural acecha siempre al otro lado de la esquina.

La serie se centra en la historia de Henry Matthew Deaver (André Holland), un abogado del corredor de la muerte que se ve arrastrado hasta su pueblo natal cuando un misterioso joven (Bill Skarsgard) es descubierto encerrado en una jaula dentro de los niveles inferiores de la prisión de Shawnshank. Sería bastante injusto afirmar que Deaver es el protagonista absoluto de la serie ya que, si bien es cierto que su relación con este misterioso joven (cuya naturaleza como presencia maligna resulta ambigua) es el elemento que vertebra la trama principal, nos encontramos sin lugar a duda ante una serie coral, un estudio de personajes que hace de la caracterización y evolución de estos su piedra angular. Y es que como en toda buena historia del escritor el peligro no viene siempre de afuera, sino que son las propias sombras de los protagonistas, sus miedos, debilidades, envidias y prejuicios los que conspiran contra ellos.

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Por suerte Castle Rock cuenta con un elenco de actores que hace justicia a sus personajes. André Holland viene de Moonlight con el motor en marcha, pero es solo una pieza más del puzle. Sissy Spacek, la mítica protagonista de la inolvidable ‘Carrie’ del 76, interpreta a Ruth, la madre de Henry que sufre de demencia senil, mientras que Scott Glenn que hace muy poco se marcaba un papelón de cuidado en otra serie de Abrams, The Leftovers’, da vida a un envejecido sheriff Alan Pangborn, personaje recurrente de King que podíamos ver en historias como ‘La Tienda’ o ‘La Mitad Oscura’. Melanie Lynskey por su parte, que a muchos sonará tristemente por su papel como Rose en la malograda ‘Dos Hombres y Medio’, despliega aquí toda su potencia actoral en el rol de Molly Strand, conocida de infancia de Henry que vive atormentada por un ‘don’ de empatía sobrenatural. Y para cerrar el circulo tenemos al joven sin nombre al que da vida un Bill Skarsgard que viene directo de IT para retomar el papel de un ser con tintes sobrenaturales que trae de cabeza a una pequeña comunidad. Puede que su papel no conlleve grandes diálogos, pero su aspecto y actuación corporal resultan encomiables (el actor tuvo que perder más de 12 kilos para el papel).

Tenemos por lo tanto un reparto de gran talento actoral y química envidiable que sabe dar vida a unos personajes muy, muy grises con claroscuros sumamente marcados, y hay que decir que es gracias a ellos que Castle Rock consigue salir al paso de esta primera temporada con la cabeza bien alta porque no, no es ni mucho menos una serie perfecta.

Si bien la serie es sobresaliente en su caracterización, es en la forma de donde cojea. Alguno encontrará irónico mi próximo argumento, ya que King es uno de los adalides de este tópico, pero volvemos a tener en nuestro haber la premisa del ‘forastero en su propio pueblo’, ese pueblerino tornado urbanita con un pasado oscuro que tiene que volver a su lugar natal y afrontar los demonios de su infancia. Un elemento narrativo siempre efectivo, pero algo manido a estas alturas. Hay que admitir, sin embargo, que los guionistas son conscientes de ello y saben sacarle provecho gracias a uno de los temas más candentes en el panorama sociopolítico actual: el racismo. Henry Deaver es un personaje afroamericano en uno de los estados más blancos de Norteamérica, y el realismo de su situación social resulta descorazonador. El color de piel es algo que no solo afectará al personaje de forma anecdótica, sino que se conviertirá en uno de los elementos integrales de la trama dentro de esa dualidad simbólica del bien contra el mal presente en las historias del rey del terror.

Castle Rock temporada 01 Cosas Felices 03

A parte de eso Castle Rock es, lamentablemente, una serie tremendamente irregular. Si bien un servidor no comparte la opinión de algunos otros que la tachan como falta de dirección, ya que la trama principal y los arcos de los personajes se encuentran perfectamente bien definidos, si que es un producto que quiere abarcar demasiado y acaba diluido, dando la impresión de que había que cumplir con esa cuota de los diez episodios reglamentarios. Tenemos una serie que dependiendo del episodio puede llevar un ritmo glacial, dedicar otro capítulo al thriller de acción o perderse metafórica y literalmente en los bosques, destinando una de sus horas a una subtrama completamente derivativa que si bien sirve para darle algo de colorido al pueblo, acaba siendo redundante, especialmente si tenemos en cuenta que el final de temporada si bien efectivo, da la impresión de ser algo apresurado.

Un reflejo perfecto de esta irregular dirección son los capítulos séptimo y octavo, ‘La Reina’ y ‘Pasado Perfecto’ respectivamente. Mientras que el primero es, y digo esto sin caer en la hipérbole, uno de los mejores capítulos de una serie de TV que he visto en mi vida, una dolorosa historia en la que el personaje de Sissy Spacek ha de luchar contra su propia condición, desembocando en un desenlace tan tierno como desgarrador, el capítulo siguiente es una nota disonante que no aporta nada nuevo a la trama y que choca en ritmo y forma con el resto de episodios de la temporada, una rara avis que no es que moleste demasiado, pero cuya ausencia quizá hubiese ayudado a la serie a conseguir un mejor pulso narrativo.

En conclusión, estamos ante un producto de muy buena factura. Un estudio de personajes bastante notable que lamentable no llega a dar el Do de pecho debido a un ritmo irregular. Hay hambre y ambición en Castle Rock, un impulso creativo que no ha llegado a la altura de sus actores durante el transcurso de esta primera temporada, pero que cuenta con una promesa implícita de mejorar en el futuro. Estamos, por lo tanto, ante una serie de obligado visionado para los fans de Stephen King a los que en aras de la verdad no tiene porque gustarles, pero que se deben a si mismos darle una oportunidad aunque sea para disfrutar de los mil guiños y huevos de pascua entretejidos en su trama. Para el público más ‘mainstream’, estamos ante otra de esas series que exploran el fascinante mundo de la Norteamérica profunda, con ecos a productos como True Detective o la más reciente Heridas Abiertas que hará las delicias de aquellos embelesados con esas pequeñas comunidades situadas en paisajes rurales, dominados por la vegetación y el decaimiento urbano donde lo sobrenatural acecha en cada rincón y esquina y donde los personajes, en la más pura tradición del maestro King, tienen que luchar constantemente contra el enemigo más duro, su propia sombra.

Crítica de El Apóstol (2018): el nuevo thriller de Gareth Evans para Netflix

El cine de determinados géneros como el terror, el suspense o el thriller, siempre se ha nutrido de elementos sobrenaturales y de amenazas de corte fantástico. Sin embargo, muchas otras obras han tratado otros terrores más reales y, por lo tanto, más perturbadores. El tema de las sectas tiene un componente de morbo adicional para el espectador promedio, por la mentalidad de sus alienados integrantes, que pueden llegar a cometer atentados terroristas o a suicidarse por su líder. Por lo tanto, resulta más que comprensible que esto provoque cierta inquietud entre los espectadores. ¿Por qué? Porque podríamos ser nosotros, si hubiéramos nacido en otro lugar o si hubiéramos sido criados por otra familia. Películas como La semilla del diablo, Eyes Wide Shut o The Wicker Man han tratado esta temática con menor o mayor acierto, cada una aportando su granito de arena hasta conformar a lo que ha acabado convirtiéndose casi en un subgénero. El apóstol, distribuida por Netflix y dirigida por Gareth Evans, es la última de estas obras.

¿Está a la altura de los clásicos que hemos nombrado? ¿Se trata de una película recomendable? Quédate con nosotros para descubrirlo.

Una oveja disfrazada de lobo

La acción se sitúa en la Gran Bretaña de principios del siglo XX. El protagonista, interpretado por Dan Stevens (conocido por su papel como David Haller en Legión), debe viajar hasta una isla alejada del resto de la civilización para rescatar a su hermana, por la que los miembros de una secta piden un rescate. A pesar de las tensiones que existen entre él y su adinerado padre, se infiltrará entre los nuevos iniciados en este culto, y tendrá que buscarla en una investigación a contrarreloj, siempre perseguido por los matones que rigen esta pequeña civilización costera. Su líder, un predicador que fue condenado a muerte por el gobierno inglés, se dará cuenta enseguida de que hay un intruso entre los recién llegados, y actuará en consecuencia. Excelentemente interpretado por Michael Sheen, este fanático se convertirá en una presencia constante y aterradora que, poco a poco, iremos comprendiendo mejor.

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La película consigue crear un clima enrarecido y gris, en el que se desarrollan las salvajes costumbres de los fanáticos que habitan esta isla. Se trata de un lugar inhóspito donde los amantes tienen que esconderse, las crías de los animales nacen muertas y la naturaleza esconde peligros insospechados. El director de The Raid se toma su tiempo para que comprendamos el entorno antes de que las tensiones que plantea exploten en un violento clímax. La búsqueda de la hermana se convierte en un Macguffin necesario para presentarnos a esta sociedad enferma, cuyas normas internas y funcionamiento acaban fagocitando al recién llegado y eclipsando su papel. De hecho, la relación del forastero con los miembros de la secta acaba resultando más bien fría: aunque el actor realiza un buen trabajo, los personajes a su alrededor acaban superándole en carisma. Esto perjudica gravemente al filme, ya que es imposible que evitemos pensar que quizás tendría que haber muerto a mitad del metraje, y dejar la historia en manos de sus verdaderos protagonistas.

Una historia de violencia

La cinta tiene otros defectos, como el tiempo excesivo que dedica a escenas que podrían acortarse, y que permitirían desarrollar más las relaciones entre los personajes, que a veces resultan algo artificiales. Hay quien podría considerar su primera mitad algo tediosa, sobre todo teniendo en cuenta que el director es conocido por sus películas de acción, pero en este producto hay sitio para la violencia. Sin embargo, esta no se manifiesta en cuidadas coreografías ni en peleas de veinte minutos: cuando llega es inesperada, cruda y muy rápida. Como en la vida real, un golpe de suerte puede decantar la balanza a favor de uno u otro, y ningún hombre es lo suficientemente duro como para sobrevivir a una herida profunda. El uso dosificado pero inteligente del gore crea un ambiente de tensión sofocante desde la primera escena donde aparece. Un simple error al recitar las escrituras puede suponer un peligro mortal.

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Hay mucha distancia entre estos infartantes momentos pero, a partir de cierto punto, el largometraje se convierte en un grotesco y sangriento espectáculo. Su clímax atrapa la atención del espectador con unas escenas apabullantes de acción brutal, que se llevan cocinando a fuego lento desde el minuto uno. Hay un giro en el tercer acto que se ha insinuado previamente, pero que podría traer polémica por el desconcierto que provoca. Aunque resulta sorprendente y visualmente atractivo, el tratamiento que le da el guión es bastante mejorable.

Conclusión

Como su giro final, esta película podría haber sido mucho mejor de lo que es. Se trata de un diamante en bruto que adolece de un protagonista interesante pero cuya relación con sus secundarios no está muy bien explorada, y de gran parte de su metraje que no está al nivel de sus puntos álgidos. Sin embargo, es un producto bastante recomendable, no a la altura de los clásicos que hemos citado antes, pero con unos hallazgos muy llamativos.

El cómic de la semana: La Aguja, una obra de Simon Spurrier y Jeff Stokely. Una novela negra de ciencia-ficción que no deja indiferente

Una lectura fascinante, absorbente. Es inteligente y deslumbrante. Muy buena.

Gail Simone

Va a ser como si mezclásemos Blade Runner con Cristal Oscuro y, para llegar del uno al otro, iremos por un camino a lo Mad Max.

Simon Spurrier

Para mí, este cómic es una gran mezcla de 2000 AD, de <<a la mierda con las reglas del género>>, de la febril y elaborada imaginación de China Mieville y de la atención al detalle de Miyazaki en la época de Nausicaä, junto con un toque de Gormenghast y Dune.

Simon Spurrier

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a El cómic de la semana. Hoy reseñamos La Aguja. Obra de Simon Spurrier y Jeff Stokely. Una novela negra de ciencia-ficción que no deja indiferente

Introducción

El pasado mes de septiembre de 2018, Planeta Cómic publicó La Aguja. Tomo recopilatorio de la serie limitada The Spire. Obra de ocho tebeos de Simon Spurrier y Jeff Stokely. El equipo creativo que saltó al estrellato con Six-Gun Gorilla vuelve con un nuevo trabajo, que les valió una nominación a los Eisner en 2016. El recopilatorio incluye, además, una entrevista a Spurrier y Stokely, llevada a cabo por Keith Silva para ComicsBulletin.com, el 29 de Abril de 2015.

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Una novela negra de ciencia-ficción

Hay quien describe a La Aguja como una novela negra de ciencia-ficción y lo cierto es que razón no le falta. Posee rasgos de novela negra, porque la trama gira en torno a una serie de asesinatos cometidos por alguien que quiere eliminar a personas cercanas a la anciana baronesa de La Aguja. Asesinatos que Shå, capitana de policía de la guardia de la ciudad y protagonista de la historia, busca resolver.

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Tiene elementos de ciencia-ficción porque la ciudad, La Aguja, el entorno en el que se desarrolla principalmente este relato, es una montaña de metal y piedra en la que se da una curiosa mezcla de elementos medievales con maquinaria industrial. Un lugar donde lo biológico y lo tecnológico se dan la mano.

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Para complicar aún más las cosas, la ciudad se alza en medio de un desierto radiactivo, poblado por multitud de extrañas razas, que tratan de convivir con la ciudadela. Pero es que dentro de la misma, hay multitud de seres humanos y los llamados «no humanos». Sin ir más lejos, Shå es la última superviviente de su especie, las Medusas. La convivencia no es fácil y no apunta a ser mejor con la nueva baronesa, que no ve con muy buenos ojos a los «no humanos». Esto último, unido a la relación sentimental de Shå con la hermana de aquella, la incapacidad de esta de recordar su pasado y la dificultad de capturar al escurridizo asesino, no harán más que complicar las cosas a nuestra protagonista que, en el transcurso de su investigación, no sólo sacará a relucir escabrosos detalles de la familia real de La Aguja sino que descubrirá todo lo referente a su pasado, en un giro inesperado de los acontecimientos que deja con la boca abierta.

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Valoración

Decenas de razas y culturas sujetas a una jerarquía social. Ese es el contexto de La Aguja. Un contexto donde la posición social viene determinada por la posición, la altura, que ocupes en la misma. Una historia con multitud de trasfondos, vistos a través de unos personajes que, pese a los elementos de fantasía y tecno ficción, no dejan de ser comprensibles y cercanos.

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Spurrier, su guionista, describe su trabajo como el típico cómic en que el misterio de lo externo se refleja en el misterio de lo interno. Se refleja en lo enigmático de cada uno de los personajes de este relato. En particular en el misterio de la protagonista, la capitana Shå, cuya vida pasada comienza siendo totalmente desconocida. Lo cual no le impide desempeñar su labor, manteniendo el orden entre las clases bajas de La Aguja. Esta es un hervidero de presiones sociales, con una ciudadanía algo hipócrita, que presume de ser muy abierta y progresista, pero trata muy mal a las clases inmigrantes, a las razas híbridas que buscan trabajo y refugio en la ciudad. Así que es la vida real en la ficción, pero retratados por Stokely de tal forma que siempre parecen creíbles. Todo un reto. Dejando, además, esa sensación de que cada raza y personaje tiene un interesante pasado detrás, algo que no hace sino hacer más atractivo y verosímil el proyecto.

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