“No te aguanta nadie. Todo el mundo te odia. Ellos se lo pierden. Sonríe, $&/(%”. Ésta es una de las frases de presentación de Joe Hallenbeck, personaje interpretado por Bruce Willis, y protagonista de “El último boy scout”. Exacto gente, tras hablaros en mis últimos post de esta sección de chulos del barrio como Tony Stark o Serpiente Plissken, hoy le toca el turno a este otro mítico papel del bueno de Bruce.
El último boy scout es un peliculón de acción y frases lapidarias y chulescas para el recuerdo, de esas que ya no se hacen, pero que en los 80 y los 90 salían como churros de las salas de metraje. Dirigida por el ya fallecido Tony Scott, y escrita por el guionista/director Shane Black, no es difícil descubrir a través de internet que el rodaje de la película fue de todo menos tranquilo y amigable.
Vaya día para nosotros eh peluche.
Pero eso no importa, al final salió una película memorable y pudimos ver a Bruce Willis en su salsa. De hecho su papel de Joe Hallenbeck no dista mucho de John McClanea partir de la Jungla de cristal 3, cuando el personaje está más quemado de la vida que el palo de un churrero. Y es que, como decía Joe, el agua moja, el cielo es azul, y las mujeres tienen secretos.
Imaginaos el panorama, amanece un nuevo día y la primera escena en la que vemos a Joe, tiene lugar con él durmiendo en el interior de su coche. Poco después de abrir los ojos y librarse de unos mocosos que querían darle la brasa, se mira en el retrovisor, y suelta la frase que ha iniciado mi artículo. ¿Cómo se os queda el cuerpo ante semejante personaje?
Pero eso no es todo. El bueno de Joe conduce hacia su casa, y sorprende a su mujer y al amante de ésta, que es el mejor amigo de Joe. Entonces el “amigo” intenta dejar claro que ha sido un accidente, y Joe, ni corto ni perezoso le suelta un…”Sí, claro, ya sé, son cosas que pasan. Podría pasarle a cualquiera. Ha sido un accidente, ¿verdad? Te has tropezado, te has resbalado en el suelo y por accidente se la has metido a mi mujer. ¡Oh, perdón! ¡Cuánto lo siento Señora H!”.
Amigo, voy a salir vivo de ésta y lo sabes.
Y así es el carácter de Joe, le importa todo tres pepinos pero el tipo siempre está dispuesto para la acción. De ahí que, tras preguntarle a su amigo si prefiere arriba o abajo, y tras decirle éste que abajo, sea en la boca del estómago donde se lleve un puñetazo como represalia por acostarte con su mujer.
No obstante, lo mejor de El último boy scout, y que al final saca a relucir todo el potencial de Joe, es la trama de asesinatos, violencia y apuestas ilegales en las que se ve involucrado él, así como el que será su compañero de fatigas, Jimmy Dix (interpretado por Damon Wayans). Esto es una constante en la mayoría de películas escritas y/o dirigidas por Shane Black, el colegueo entre los protagonistas.
Pero volviendo al tema, Joe es tan chulo que, estando a segundos de morir mientras le encañonan con una pistola, se le ocurre meterse con la mujer del que sostiene el arma, haciendo chistes sobre su exceso de peso y que su foto de carnet sea un foto aérea. Y tampoco se las apaña nada mal cuando, tras ser secuestrado, un matón le da varios puñetazos, y Joe, tras haberle advertido de que si le tocaba iba a matarle, efectivamente se lo carga de un golpe. ¿A quién se le ocurre provocar al bueno de Joe? El agua moja, el cielo es azul, las mujeres tienen secretos.
No obstante, y a pesar de todo lo que he contado, Joe no siempre era así. Fue guardaespaldas del presidente, salvándole la vida tras un atentado y siendo condecorado por ello. Y también fue guardaespaldas de un alto cargo político, aunque le dio un buen sopapo cuando descubrió al político maltratando a una mujer. Ahí empezó el descenso de Joe a su particular infierno, terminando como detective privado.
Me parece que vamos a necesitar otro coche.
Y también es un tipo de palabra. En la recta final de la película, Joe le dice a su compinche Jimmy que, si sale vivo del problema en que están metidos, se pondrá a bailar. Eso mismo hace Joe, una vez que todo acaba, marcarse unos pasitos de baile.
Para ir terminando, la última lección de Joe a Jimmy es justo al final de la película, mientras le dice que, en la década de los 90, ya no puedes partirle la cara a alguien sin más, sino que primero debes soltarle alguna chulada.
Y eso es todo por mi parte, espero que, tanto para quienes ya conocieran al personaje como para quienes no supieran de su existencia, este artículo os anime a revisionar El último boy scout o verla por primera vez. ¡Hasta otra!
No sólo George R.R Martin hace fantasía oscura donde el lector teme todo el rato por la vida de los personajes, hay muchos más. Ya lo hizo Moorcock en los setenta y ahora destaca por encima de todo Joe Abercrombie, que con su trilogía del Mar Quebrado se ha postulado como una de las firmas más prolíficas y respetadas del género.
De nada sirve crear una base de fan si no les das material cada cierto tiempo. Pueden pasar lustros de un libro a otro si eres el autor de Canción de Hielo y Fuego, y la gente acaba creyendo que pasas de tus seguidores. Pero Abercrombie no es de esos, es como Sanderson, le gusta escribir y quiere consolidarse como una de las cabezas de la fantasía (por eso lo mencionamos en nuestra lista de los 25 imprescindibles de la fantasía), y tras la Primera Ley y las notables ambientaciones en el mismo universo -La mejor Venganza, Tierras Rojas, Los héroes y Filos Inmortales-, publicó una trilogía más ligera y palomitera: El Mar Quebrado. Ahí conocemos a personajes de un mundo de fantasía al uso, pero que viven en una zona en plan Escandinavia y lidian con sus problemas que son: Yarvi con ser manco y muy listo y tener que desenvolverse en un mundo cruel, Espina con tener una habilidad enorme para luchar pero ser mujer… cada uno tiene que poner las circunstancias a su favor para no acabar siendo arrasados por el contexto que les ha tocado vivir.
Luces y sombras
Estra trilogía se compone de Medio Rey, Medio Mundo y Media Guerra, todos ellos con personajes independientes pero que se relacionan a lo largo de toda la trama. Puedes leer un libro sin saber de qué van los otros, sin conocer la historia previa de un secundario y seguir adelante disfrutando, pero a lo mejor ese secundario resultó ser el protagonista de la primera parte. Algo así como Dragonlance. Y de hecho me recuerda bastante a ese estilo porque se puede definir como “el libro que agradeces encontrarte con él cuando estás de vacaciones”. No es malo, para nada, es típico, poco innovador y hecho un poco cumplir, pero funciona. Algo así como la saga mencionada de Dragonlance, que no aportaba nada pero sin embargo se recuerda con cariño. Y es que noto cierta pereza en todo: giros, contexto, diálogos… me esperaba algo mejor, algo a la altura de sus grandes novelas, no un best seller en formato bolsillo tan descarado. Es flojo para lo que nos tiene acostumbrados pero, como digo, también entretiene y te lleva a conocer un mundo nuevo donde vas a coger cariño a algún personaje que otro, algún diálogo fuera de lo habitual y alguna sorpresa. Y sí, claro, muere gente, es parte del sello personal del autor, pero en este caso es una sensación más parecida a “pues vale, ha palmado” que ha temer por la vida del grupo de aventureros.
No es su mejor trabajo, pero Abercrombie sigue siendo muy majo
Hay que tener en cuenta que las novelas salieron de verano del 2014 a otoño del 2015, es decir, un año y tres meses para escribir tres libros, y se nota. Es un escritor experimentado y se nota, y tiene el gancho de querer crear un nuevo mundo, pero se nota que no es algo tan trabajado como la anterior. Quizás habría sido mejor ambientarlo en donde han estado todos sus personajes conocidos, donde el lector se siente cómodo. Pero, una vez más, también tiene la ventaja de adentrarse en un contexto nuevo, que también es muy emocionante. Así que una vez más estamos en un equilibrio de luces y sombras donde, sin arriesgar, cumple el objetivo de entretener. Sin más.
ECC sigue recuperando una de las mejores series de DC de toda su historia, el Escuadrón Suicida de John Ostrander (guion) y Luke McDonnell (dibujo). Llegamos al tercer volumen, Villanos, que comprende los números 17 a 25 de la edición original, incluyendo el primer anual de la serie. A pesar de que los macro eventos de la época (la saga Millenium en el anterior volumen; Invasión en este volumen que nos ocupa) marcaron la agenda del guionista, podemos constatar que en Villanos supo pasar de puntillas sobre ellos, imponiendo sus ideas e incluso sirviéndose de las ajenas para potenciar su historia, como sucede en el número final.
El regreso de la Yihad
El volumen se inicia con el regreso de la Yihad, el grupo al que se enfrentó el Escuadrón en el primer número y que se convierte así en el principal antagonista de la serie. Con nuevos miembros en su formación, la Yihad le sirve a Ostrander para reflexionar acerca del papel de los Estados Unidos en los conflictos surgidos en diversas partes del mundo, ahondando en como se ha creado enemigos a lo largo y ancho de la Tierra. En una visión profética, el guionista lleva el conflicto al mismo Manhattan, muchos años antes de la masacre de las Torres Gemelas. Leído en retrospectiva, casi parece un anuncio de lo que estaba por llegar.
El Muro
Los siguientes números se inician con el archivo personal de Amanda Waller, alias El Muro, uno de los mejores personajes de la serie. Ostrander aprovecha para ahondar en su personalidad y en la lucha que lleva a cabo para mantener el Escuadrón a flote. A continuación, el intento de chantaje por parte de un par de políticos corruptos al Escuadrón ocupa gran parte del tomo, chantaje que tendrá nefastas consecuencias para personajes como Rick Flag o Deadshot, convertido ya en el más fascinante del grupo. En este punto, el mega evento Invasión le sirve a Ostrander para tapar todo la mierda que las acciones de los anteriores han sacado a flote. Es una visión nada edulcorada y si muy realista del mundo actual, donde un escándalo tapa a otro y la atención de la opinión publica es más voluble que la memoria de Dory.
El volumen termina con lo que es una descarada huida hacia adelante por parte del guionista. El que hasta ahora era uno de los protagonistas indiscutibles de la serie, el coronel Rick Flagg, tiene un futuro más que incierto; Tigre de Bronce se presenta como su sustituto natural, condenado a liderar un grupo donde los villanos puros y duros cada vez tienen más protagonismo; y Amanda Waller siembra dudas acerca de su propia identidad, dudas de las que solo el otro grupo de la Fuerza X, Jaque Mate, parece haberse dado cuenta. Todo invita al lector a no perderse el siguiente volumen.
En la parte gráfica continúa la labor de un efectivo y sobrio Luke McDonnell, más centrado en los personajes que en la acción espectacular. En el anual tenemos la aportación de Graham Noland y cinco páginas brillantes de Keith Giffen en una historia centrada en Waller, demostrando que habría sido un gran reemplazo de McDonnell si hubiera llegado el caso.
El Escuadrón Suicida de Ostrander y McDonnell es una serie que nadie debería perderse. Su lectura resulta apasionante y da para múltiples lecturas, muchas más de las que caben en una simple reseña como esta. En sus páginas se juntan personajes de psicología compleja, análisis políticos y sociales, acción, intriga; esta versión del Escuadrón Suicida merece ser leída y releida unas cuantas veces, distanciándose totalmente de versiones posteriores cuya única razón de ser parece ser el molar por molar. Llevamos tres tomos y Ostrander y la serie llegaron al número 66, toda una hazaña entonces y ahora. Es una pena que quienes quisieron continuar con el título se quedasen solo con el concepto y se olvidasen del desarrollo de historias y personajes. Disfrutemos pues de esta recuperación.
EDICIÓN ORIGINAL: Suicide Squad núms. 17-25 USA, Suicide Squad Annual núm. 1 USA (one-shot) ||FECHA PUBLICACIÓN: Agosto de 2018 ||GUION: John Ostrander, Kim Yale, Larry Ganem ||DIBUJO:Graham Nolan, Grant Miehm, Keith Giffen, Luke McDonnell, Peter Krause ||FORMATO: Cartoné, 280 págs. A color. Disponible el 17/07/2018 ||ISBN: 978-84-17509-53-8
¿Te imaginas que tu médico es uno de los genocidas más sanguinarios de la historia reciente? De eso va “El Espíritu del Escorpión” de Fernando Llor y Pablo Caballo, y está basado en una historia absolutamente cierta. Este genial cómic lleva por subtítulo “la máscara del genocida de Srebrenica” y adelanta que criminal de guerra fugado Radovan Karadzic está oculto a la vista de todos bajo la apariencia de un médico alternativo del movimiento new age.
Ya hemos cubierto anteriormente el trabajo de Fernando Llor en Ojos Grises, que nos gustó mucho y reseñamos aquí, y además también ha sido entrevistado por nosotros, destacando que se trata de una de las firmas que más van a dar que hablar en el mundillo del cómic nacional. Y es que con trabajos como este es fácil elogiar. Pero ojo, tienes que saber a lo que vas. La premisa no es muy Disney que digamos. Dragan, el gurú de medicina new age, que ha ganado fama internacional y todo, es en realidad Radovan Karadnic, el ex presidente de la República Sparska en Bosnia, responsable directo de la matanza de Srebrenica, en la que un grupo paramilitar bautizado como los “Escorpiones” asesinó a sangre fría a 8000 musulmanes bosnios. Se trata ni más ni menos del último gran genocida europeo. Tras sus andanzas criminales en la Guerra de los Balcanes se le daba por fugado, pero en realidad había comenzado una nueva vida completamente inimaginable para los que creían seguir su rastro. En el cómic conocemos a Jasmina, una paciente suya con problemas de fertilidad que acude en busca de consejo para curarse. Obviamente es incapaz de imaginar la gran mentira de la que está siendo partícipe. Y por eso os digo que en estas páginas se habla de genocidio, mentiras e intimidad, por lo que hay que estar preparado para bucear en esta historia que, una vez comenzada, te deja atrapar con un halo de oscuridad muy bien desarrollado.
Obviamente se necesitaba unos trazos a la altura de las circunstancias, algo que dejase plasmado en viñetas la atmósfera que rodea al personaje, y Pablo Caballo lo logra. Es un acierto que esta publicación de 136 páginas sea totalmente en blanco y negro, porque recrea perfectamente ese contexto gris de posguerra en el que nos encontramos, en el que una chica sufre por sus problemas médicos y otro hombre, supuestamente bueno, es el mal. La portada, sin ir más lejos, representa el terror. Yo quizás habría elegido esta imagen que corona este párrafo, porque mezcla todos los conceptos mezclados y me parece más fina, pero está claro que han apostado por no engañar al lector. Es una historia cruda. De hecho se explica desde el principio a quién nos vamos a encontrar, cosa que es necesaria para atraer la atención pero que por otra parte te prepara para la sorpresa. Pero lo importante es el camino, el ir conociendo a los personajes hasta el punto de no creerte que pueden ser otra cosa, el ponerte en la situación de algo que fue completamente real y próximo.
Por otra parte este tipo de cómics son de los que dejan pensando: ¿Por qué hubo esa guerra? ¿Cómo es posible que pasase eso? ¿En serio nadie se imaginaba quién era este estafador? Y entonces vas a la Wikipedia, lees sobre el conflicto, entiendes su gravedad en términos humanos y políticos, comprendes que se trata del mayor conflicto europeo desde la Segunda Guerra Mundial… y te das cuenta de quién era ese tipo sobre el que acabas de leer. Este tipo de sensación es por la que yo no veo un precio, la que te deja pensado, te enciende la llama de la curiosidad y te aporta más que un simple entretenimiento en viñetas. Como digo, es una historia oscura con unos trazos oscuros. Estate preparado. Si lo estás vas a disfrutar mucho.
Como podéis ver, en Las Cosas Que Nos Hacen Felices nos gusta mucho X-Men. Y como aún nos queda para rato y tenemos algunos interrogantes, hoy os proponemos un nuevo debate.
Muchos de los que sois más fans, incluso aquellos que no los son tanto pero simplemente han visto con un poco de ganas las películas que comenzaron a estrenarse desde el año 2000 de la mano de Bryan Singer, (pasando por la infumable tercera parte de Brett Ratner e incluyendo X-Men Primera Generación y las dos de Lobezno) se habrán dado cuenta que hay mucho que no encaja entre las películas. Curiosamente, fue desde X-Men 3 La decisión final (la del mencionado Ratner) donde ésta tendencia comenzó a darse. Ahora, después del estreno de X-Men Días del futuro Pasado, la película que revitaliza la saga y le da un nuevo enfoque, vamos a hacer un pequeño resumen de lo que hemos visto que descuadra y, en los casos que sea posible, alguna solución viable. Como siempre, podéis dejar vuestra opinión y comentar lo que os parece o lo que no.
Si preferís el formato vídeo os resumimos el contenido de este artículo en nuestro canal, al que podéis sucribiros:
Aviso: Puede y de hecho, CONTIENE SPOILERS de todas las películas de la saga, incluyendo la recién estrenada. Dicho ésto:
1. Lobezno entre guerras y William Striker. (Orígenes: Lobezno vs. Días del Futuro Pasado)
Como vemos en X-Men Días del Futuro Pasado, cuando Kitty envía a Logan a su «yo» del pasado, la guerra de Vietnam acaba de finalizar y al despertar se encuentra en Nueva York encamado con una golfilla. Sin embargo, según X-Men Orígenes: Lobezno, Logan no sólo participó en prácticamente todas las guerras (incluyendo la de Vietnam), sino que por aquel entonces aún se encontraba de paseo con su colega Victor Creed. Según Orígenes, es entonces cuando Logan conoce a William Stryker (de hecho es él quien les rescata a AMBOS de la cárcel en Vietnam). Sin embargo, en el nuevo film de X-Men parece que Logan no le conocerá hasta mucho más tarde y nunca participó en dicha guerra.
2. Charles Xavier andando vs. Charles ya en silla de ruedas. (Orígenes: Lobezno vs. La decisión final vs. Primera Generación)
En nuestra segunda incoherencia, volvemos a mentar a la dichosa X-Men Orígenes: Lobezno. En éste caso, tal y como vemos al final de la cinta, un Charles Xavier interpretado por Patrick Stewart va caminando (a pie) para guiar a los chicos que huyen de la isla de las 3 Millas (donde Logan se está currando con un infame Deadpool) a un transporte aéreo que les ayude a huir. No sólo eso: en La decisión final también vemos como va a pie junto con Magneto cuando va a conocer por primera vez a una pequeña Jean Grey. Aunque entre La decisión final y Orígenes si habría coherencia, con el resto de las siguientes queda completamente anulada.
3. Charles y Eric aún son amigos siendo viejos. (La decisión final vs. Días del Futuro Pasado)
Tal y como hemos comentado antes, los dos poderosos mutantes van juntos a entrevistar a los padres de una aún joven Jean Grey. Se ve que aún son amigos. Sin embargo, en las dos últimas películas de X-Men quedan claramente separados mucho antes de que ésto ocurra. Ésta unión no sería posible.
4. Emma Frost joven vs. Emma Frost adulta. (Orígenes: Lobezno vs. Primera Generación)
En Orígenes, vemos a una encarcelada Emma Frost a la que Logan ayuda a escapar junto con otros tantos mutantes. Sin embargo, Primera Generación transcurre en los años sesenta (unos diez o quince años antes que Orígenes) y para entonces Frost ya está bien crecidita. ¿Con cual nos quedamos?
5. Hijos que no pudieron nacer. (Días del Futuro Pasado vs. X-Men 1 y 2)
Parece que éste es el único error entre dichas películas que hemos encontrado a priori, aunque es algo más friki que el resto y sólo lo detectarán los acérrimos del cómic, aparte de ser bastante salvable. En X-Men 1 y 2 se nos revela de pasada (pues no resulta trascendente en ningún sentido) que una de los niñas que estudia en la escuela es Syrin (la hija de Banshee, según los cómics). Éste aparece en Primera Generación siendo joven, por lo que en principio todo cuadraría. Sin embargo, en Días del Futuro Pasado, Magneto comenta que Banshee ha palmado entre uno de los experimentos de Tyrion Lannister. Perdón, Bolivar Trask. En tal caso, o Banshee es un jugón y ya ha dejado su semilla siendo muy joven… o aquí hay otra chapucilla.
6. Charles Xavier muerto y renacido. (La decisión final. vs las siguientes)
Durante dicha película, Charles Xavier es asesinado por Fénix, que le revienta literalmente en pedazos. Sin embargo, en Lobezno Inmortal vemos, en la escena final, cómo reaparece. Logan no se cree lo que sus ojos ven, mientras que Charles se limita a decir que «él no es el único con determinados talentos». Así mismo, al final de La decisión final, en la «escena secreta» vemos cómo Charles parece haber transmigrado su mente a otro cuerpo. Por aquí hemos hablado que quizá Charles está en otro cuerpo pero proyecta sobre las mentes de los demás su apariencia de siempre. Sin embargo, éste arreglo nos parece chapucero…
Conclusión:
Creo que todos nos la figuramos, ¿no? Parece que debemos borrar de nuestras mentes X-Men Orígenes: Lobezno, como si hubiera sido un mal sueño. Por lo que se ve, es el único film de la saga que altera toda la historia argumental de las otras películas, llenando de agujeros e interrogantes el resto de la saga. Parece que La decisión final también tiene unos cuantos deslices (Charles ya calvo y andando, entre otros) pero, como hemos visto en Días del Futuro Pasado, eso ya no ocurrió y el futuro se ha sobrescrito, así que ¿qué más da?
Parece que ahora la saga ha retomado la buena dirección. Esperemos que de ahora en adelante sigan una línea más recta. ¿Vosotros qué opináis?
Cuando creíamos haber superado una de las etapas más sombrías del mundo de los videojuegos nos damos de lleno con la realidad: hay mínimo 10 películas de videojuegos previstas para los próximos años. No siempre hay que culpar a las compañías, quitando Ubisoft con su Assassin’s Creed, la mayor parte han cedido sus licencias a productoras de cine esperando lo mejor, pero dejando sus ideas a su suerte. Así hemos tenido cintas como Mortal Kombat, Street Fighter, Resident Evil, Silent Hill, Far Cry, Hitman… Ninguna dieron en el clavo porque no saben que en muchas ocasiones el lenguaje del videojuego es claramente diferente al del cine y por ello, ya que la ola de adaptaciones se ha hecho considerablemente más grande, os traigo los videojuegos imposibles de llevar al cine.
The last of us
Sí, seguro que no esperaríais ver el gran videojuego de NaughtyDog en esta lista, pero es una realidad. Cuando más arriba he comentado «videojuegos imposibles de llevar al cine» no me refería a imposibles por todos los medios sino difíciles a la hora de ser llevados a la gran pantalla haciendo honor a su nombre. El problema son los zombies (en este caso clickers) y el mundo posapocalíptico que la compañía de Uncharted nos mostró en 2013.
De por sí el videojuego era una obra cinematográfica como pocas han habido. Naughty Dog supo trasladarnos a un mundo plagado de muertos vivientes y gente matándose por recursos de una manera poco antes vista, mucho más humana. En general, el género zombie en el cine y el videojuego guardan una similitud y es que se ha optado por lo épico, grandioso y, en ocasiones, exagerado. Guerra Mundial Z no es una mala película, eso desde luego, pero se parece a lo que hizo Naughty Dog en que hay gente muriéndose. Trasladar su magnífica narrativa, su acción cruda y sus momentos de road-moviees muy complicado de hacer en el cine sin caer en el tópico del género.
Dos buenos ejemplos de lo que se puede hacer con una buena idea siempre y cuando la entiendas.
Dos cortometrajes fan producidos con mimo y con campaña kickstarter.
God of war
Hace muchos años surgió la idea de una película basada en las historias del espartano más famoso por encima de Leonidas. Sin embargo y 13 años después del inicio de sus aventuras, pocos momentos de su vida quedan por explorar. Ni siquiera su niñez, de la cual tuvimos un pequeño vistazo en Ghost of Sparta.
Con el estreno de 300 en 2006 muchos se lanzaron a debatir sobre si adoptar el estilo visual de la película de Zack Snyder y trasladarla a la epopeya de Kratos para vengarse de Ares era una buena idea. La evolución de este concepto visual llegó en 2010 con la serie Spartacus y a pesar de no contar con los escenarios tan grandes (por lo menos en su primera temporada) como lo hizo la cinta de Snyder, esa acción cruenta y desmedida unida a esos planos y ese estilo visual era lo más cerca que pudo haber estado el espartano de llegar a la gran pantalla.
Muchos soñábamos con eso, pero uno se hace más mayor y más sabio (en teoría) y llevar a Kratos al cine es una mala idea. Aparte de que no queda ningún momento de la vida del espartano que podamos disfrutar en el cine, y no creo que Santa Monica deje al estudio encargado avanzar más allá de la historia de este último juego, Kratos no es un personaje de cine. Es una mole violenta, pero que de la que se ha sabido sacar un enorme potencial. «Revisionar» cómo arremete con todo para llegar a Ares, Zeus o quien sea no es la mejor de las ideas.
Shadow of the Colossus
Hay cintas que pueden ver el camino al final del túnel. Por mucho que me cueste, The last of us puede verla a pesar de que necesita detrás un equipo entregado que sepa qué videojuego adaptan al cine. Sin embargo, la obra clave de Team ICO es imposible lo mires por donde lo mires. Ya no es que en sí la historia se muestre poco a ser adaptada al cine, al fin y al cabo encarnas a un chico que para salvar a su amada se le encomienda la tarea de matar a 16 colosos, seres ancestrales y de tamaño no precisamente pequeño, sino que es un lenguaje muy diferente a lo que podríamos ver en una sala de cine.
Andy Muschietti, director del remake de IT y Mamá, se encargará de dirigir la película bajo guion de Seth Lochhead, quien trabajó en la cinta Hanna (2011)
Cualquier estudio con poca idea del videojuego cogerá y hará una especie de Rampage o Godzilla, pero con un toque clásico y un protagonista escalando la espalda de los bichos. Pero no, Shadow of the Colossus es más que un simple chaval matando monstruos, es la desesperación, es el estar sacrificando bestias que no te han hecho nada por algo que muchos podrían tachar de egoísta y a su vez es una historia de amor. No concibo 2 horas y media de película matando colosos sin ton ni son.
DOOM
El primer videojuego de la lista que sí ha sido llevado al cine, y de que manera. DOOM llegó a las salas de medio mundo en 2005 con un novato Dwayne Johnson, quien recientemente había abandonado la WWE y aún estaba lejos de protagonizar los blockbusters anuales de «Dwayne Johnson haciendo cosas», y Karl Urban, catapultado aquí tras su papel en la trilogía de El señor de los anillos. La película ya lo dice todo y es que como reza el dicho popular «se parece lo que un huevo a una castaña«.
Esa DOOM: La puerta del infierno no es DOOM. La saga de id Software es acción desmesurada, sangre, violencia, ritmo y, sobre todo, velocidad. DOOM es más una experiencia que un videojuego, la experiencia de sentirte un bad-ass arrasando con todo lo que se ponga por delante. La experiencia de sentir que lo tienes todo bajo control y que nada puede pararte. De hecho, su historia solo sirve para dar un por qué a matar demonios y si la analizaramos detenidamente, rozaría el suficiente. Y es que de eso hay mucho en la película, una historia que quiere ser mucho, y poco de demonios devoradores de carne, unos que parecen más bien zombies y que seguro bebía de lo creado por Paul W. S. Anderson en Resident Evil.
Happy Birthday to the one and only @tonygig director of demons, zombies & pain in butt actors🎭You deserve a trophy on this special day🏆🏆🏆 Love Nina💙💙 pic.twitter.com/HmCTcTPRhW
Imágenes de la nueva cinta de Doom bajo la dirección de Tony Giglio, quien ha trabajado en Death Race 2 y 4, Misión secreta: Extraction y U-Boat.
Metal Gear Solid
Otra de esas cintas que se están desarrollando ahora mismo y que a excepción de las primeras, ha pasado de ser una simple idea a un proyecto con guion. Sin embargo y aunque la saga de Hideo Kojima no es santo de mi devoción, una cinta suya no creo que sepa transmitir todo lo que han conseguido los videojuegos, y es que aunque haya mucho de cine en ellos, Metal Gear Solid es Metal Gear Solid.
La franquicia de Kojima es difícil de entender hasta para el fan más acérrimo. Muchísimas referencias, personajes, momentos clave de personas que resultan ser familiares de otra… Todo es un lío, pero Metal Gear es así porque Kojima es así, sino mirad Death Stranding. Hideo es una mente maravillosa del videojuego, pero un cineasta frustrado. Sus obras rozan lo pedante y lo exagerado, porque Kojima las quiere así, y eso en el cine puede llevar por dos caminos: centrarse en lo básico, en el juego de espías y conspiraciones; u homenajear al juego llevando todo al cine, incluídas las tan famosas kojimadas.
Jordan Vogt-Roberts, director de Los reyes del verano y Kong: Skull Island, se encargará de llevar a cabo esta adaptación
Five Nights at Freddy’s
Si Metal Gear no era santo de mi devoción, al menos comprendo todo lo que ha conseguido. Sin embargo, la franquicia inmortal de Scott Cawthon no tendrá nunca el mismo reconocimiento. Desarrollado por un solo hombre, el primer Five Nights at Freddy’s tenía algo. Era poco más que una beta test de lo que Cawthon podía hacer con los medios de los que disponía. Una obra indie hasta las trancas que conseguía crear tensión de su apuesta simple. Y es esa apuesta simple la que no casa con el cine.
En pocas palabras, Five Nights at Freddy’s era y es el típico juego que no pasa de la App Store o la Google Play Store debido a su sencillez: tú, un panel para controlar las zonas del local Dreddy¡s y 4 botones para cerrar las dos puertas a los laterales y para encender las luces de dichas puertas. Todo muy sencillo, pero ¿cómo será llevado al cine? En la nueva ola de terror adolescente, de la que es muy responsable Blumhouse (quien produce esta cinta), todo se resume a un par de sustos mal dados, una historia normalita y una sensación de haber perdido hora y media de tu vida. La productora saca pecho de haber llevado a cabo Múltiple y Get Out, dos apuestas por el terror muy alabadas, y haber traído Paranormal Activity, cinta que sentó las bases del terror independiente del nuevo siglo. ¿Eso es lo que nos espera con esta Five Nights at Freddy’s? Seguramente, y no es que sea imposible de adaptar por su complejidad, sino por su simpleza.
El director Chris Columbus (Harry Potter y la piedra filosofal) ya se encuentra trabajando para Blumhouse en esta adaptación
Y hasta aquí la primera parte de este Películas imposibles de adaptar a videojuegos. Seguiremos en la parte 2 pues hay muchos proyectos en marcha y acabaremos muy cabreados con ellos.
Después de tres años, Marvel vuelve a poner en las estanterías de las tiendas un comic de los Cuatro Fantásticos. Demasiado tiempo sin la debería ser la cabecera central de la editorial, lo que ha llevado a múltiples teorías de la conspiración, como que no se publicaba esta serie porque los derechos cinematográficos no pertenecían a Marvel, todo ello olvidando que la colección nunca ha sido un éxito de ventas y a lo mejor venía bien darle un descanso, haciendo que la expectación creciera en los aficionados hasta que se encontrara un buen equipo creativo que diera con la dirección adecuada para las nuevas aventuras del cuarteto.
Y parece que por fin se ha encontrado a las personas correctas para contarnos las vidas de Reed, Sue, Johnny y Ben. El guionista de la colección será a partir de ahora un Dan Slott, llegado desde las páginas de Spider-Man, mientras que de los dibujos se encargará Sara Pichelli.
La familia de los Cuatro Fantásticos al completo, lastima que sea una foto…
¿Y qué tenemos en Fantastic Four #1? Pues después de mucho tiempo sin los Cuatro Fantásticos uno esperaría que aquí volviéramos a tener a la Primera Familia en acción, por fin reunidos después de mucho tiempo separados. Pero no, Slott utiliza este comic para hacer una recapitulación de todo lo que ya sabíamos: Reed, Sue y los niños están desaparecidos y Ben sabe de sobra que no van a volver mientras que Johnny mantiene la esperanza.
Todo esto ya lo habíamos visto en Marvel 2 en Uno: La Cosa y la Antorcha Humana, colección donde esos dos personajes en compañía de Victor Von Muerte van en busca de los desaparecidos, más que para encontrarlos, para que Johnny salga de la espiral autodestructiva en la que se estaba sumiendo.
Johnny Strom sientdo Johnny
Así que este primer número es una pequeña decepción en ese sentido. Todo lo que cuenta ya lo sabíamos y ya lo habíamos visto, pero Slott lo hace de una manera fantástica. Demuestra que conoce a la perfección a los personajes, reconocemos sus voces y siempre actúan con coherencia, acorde a una personalidad forjada a lo largo de muchos, muchísimos comics. Y eso es algo de agradecer.
La historia nos lleva a través de un camino que va desde la esperanza más obcecada hasta la aceptación del destino final de Reed, Sue y los niños. Un camino que recorremos de la mano de Ben, Johnny, Alicia Masters y algunos otros viejos conocidos que el guionista usa para mostrarnos el conocimiento que tiene de la historia del grupo. Un camino trufado de guiños y de momentos tiernos que nos hacen esbozar una sonrisa. En definitiva un camino que nos llena de esperanza por los momentos por llegar.
Slott no se olvida de los antiguos miembros de los Cuatro Fantásticos
Y es que al final, justo cuando todos han aceptado por fin que sus compañeros no van a volver, Reed y Sue logran mandar un señal desde donde están. Queda claro que están vivos y eso lo cambia todo.
Como os podéis imaginar estamos ante un comic en el que prima la emoción ante la acción. Las conversaciones entre los personajes y sus sentimientos son lo más importante y por ello la elección de Sara Pichelli como ilustradora es muy acertada.
La dibujante italiana hace un gran trabajo, aunque también es cierto que está un par de escalones por debajo del nivel que nos había mostrado en otras obras. O también puede ser que su estilo fino y detallado ya no sorprenda tanto. Su dibujo no es tan suelto como antes, pero aun así las escenas emotivas las clava y eso es lo más importante en este número, después ya veremos cómo evoluciona.
Además de la historia principal tenemos otras dos que sirven de complemento. En la primera un magnifico Simone Bianchi acompaña a los lápices a Slott para mostrarnos la situación en la que se encuentra ahora Victor Von Muerte. Y es que Muerte es la otra cara de la moneda de los Cuatro Fantásticos, es complicado leer sobre unos sin saber que ha sido del otro. En este caso y sin olvidar la evolución anterior del personaje en Victor Von Muerte: Iron Man, Slott parece volver a sus raíces dándole una vuelta de tuerca que parece de lo más interesante.
Simone Bianchi nos muestra un impresionante Victor Von Muerte
La segunda historia de complemento es de sólo una página y está ilustrada por Skottie Young. Casi parece una escena post-créditos como las de las películas y en ella vemos a un simpático Hombre Imposible quejándose amargamente de que en este comic no veamos al grupo reunido al completo. Slott es plenamente consciente de lo que los aficionados quieren y aquí lo demuestra, sobre todo al prometer a Impy que en el siguiente número tendremos a la Primera Familia al completo.
En definitiva, estamos ante un buen comic, una historia emotiva que nos demuestra que los personajes están en buenas manos: un guionista que los conoce a la perfección y que parece que sabe muy bien lo que quiere y una dibujante capaz de plasmar los sentimientos de los protagonista. Parece que por fin Marvel ha dado en el clavo en cuanto a los Cuatro Fantásticos y sólo nos queda dar la bienvenida a Reed, Sue, Johnny y Ben.
Bienvenidos, hijos de un traficante de almas, una semana mas, a este poco sacro rincón del mundo. Se que los análisis de mi becario Carlos os molan más, pero, básicamente, os aguantáis. Estamos llegando al final de esta tercera temporada de Predicador, y como suele ser habitual, hay menos tramas cerradas de las que deberían. Estos últimos capítulos van a traer tela, ya os aviso. Así que sin más distracciones, vamos al análisis del octavo capítulo de esta tercera temporada de Predicador. Como siempre, recomiendo leer todos los análisis anteriores, y abrocharse el cinturón, porque vienen curvas.
Postraos ante el verdadero Mesías
¡Oh Gran Padre, cuanto nos enseñas! Tras una entrada al estilo Jesse Custer (al estilo Jesse Custer de la primera temporada), el Predicador y el Gran Padre se encuentras cara a cara. y ¿A que no adivináis quien sale a relucir en la conversación? Pues si, la razón por la que empezó todo esto: Génesis. La verdad es que, aunque en general esta temporada me parece mejor que la segunda, empezaba a extrañar a Génesis y los súper poderes de Jesse. Ser súper depresivo no es tan divertido como pueda parecer. Ni tan útil.
Herr Starr y este hombre compiten por ser el segundo mejor villano de la serie (Ay, mi Odín)
El Gran Padre es de los míos. De los que piensa que Génesis es un auténtico poder molón. Pero que no os engañe su pecaminosa y decadente forma de vida. No es más que un siervo de la autentica fe, que quiere que Génesis sea devuelto a su heredero justo: Humperdoo… O uno de los múltiples Humperdoos que han clonado para asegurarse de Génesis abandona al Predicador. Me ha parecido maravillosamente demoledora la frase de «El arma secreta de la religión: la ciencia» Suele pasar que, cuanto más se empeña alguien en hacernos creer algo, más suele ser cierto lo contrario. ¿Qué pasaría si la batalla entre Ciencia y Religión no fuera más que otra de esas cortinas de humo? Son estas pequeñas reflexiones de la serie las que me maravillan. Como el hecho de que una doctora evidentemente alemana esté haciendo pruebas genéticas, o el hecho de que consideren una mezcla entre Serena Williams y Luis XVI la combinación perfecta entre bondad y maldad. O mejor aún Thomas Jefferson y Wade Brady… Y si, por mucho que yo deseara que Jesse fuera el elegido, Tom Brady funciona, y Génesis lo reconoce. Esto no pinta nada bien.
Hagamos un trato
La Vieja Bruja no está pasando por su mejor momento. Con la muerte más cerca de lo que lo has estado nunca (incluso cuando estuvo, en efecto, muerta), empieza a plantearse métodos tan alternativos como desesperados para conseguir su ansiada inmortalidad. Satán ha vuelto, y va a hacer otro trato como Madame L’Angelle. Y no me digáis que esto os sorprende, porque, por muy divertido que sea, se veía venir desde que Su Repugnancia hizo su primera aparición. Así que hacen otro trato. Uno en el que Tulip O’Hare está por medio. Y nosotros solo podemos pensar ¿De verdad es inteligente mandar matar a la única persona que puede ayudarte? No lo parece. Por cierto, y como pequeño añadido, estoy muy a favor del personaje de El Ángel de la Muerte (A.K.A Sydney), que está la pobre como muy harta de todos esos tocapelotas haciendo y deshaciendo en la Tierra, que no la dejan descansar.
Pobre muchacha, que trabajo de… Bueno, ya sabéis
Los Cabos Sueltos
Cassidy y Eccarius, el Rey Pringao, se suben a un Cabify muy especial, y acaban cazando a nuestro amigo Hoover (si, hombre, el negro que toca el piano mientras El Mesías baila claqué). Tras una pequeña conversación por Whatsapp con Herr Starr, Cassidy y los Hijos de la Sangre deciden matar a Hoover a lo «Wikker Man». Pero El Rey Pringao, como todos en esta serie, parece tener otros planes. Lástima, porque cuando deciden hacer lo de las abejas me he emocionado y todo. Pero las conversiones no están ayudando a Cassidy a hacer todas esas cosas molonas que quería hacer, y empieza a sospechar que convertir a un par de pringaos no es, del todo, el secreto de Eccarius. Yo amo a Cassidy, pero a veces es un poco lento. La forma de conseguir poderes vampíricos es matar… a otros vampiros.
Tulip se ha cansado también de ser la dama (muerta) en apuros
En Osaka, las cosas van a su ritmo. Con Jody bajo el mando de dos expertas, y la inevitable tensión entre Tulip y Lara. Verlas lanzando pequeñas pullas, como si lo más importante en todo el universo fuera ser más lista o más ingeniosa la una que la otra es delicioso. Me cansé un poco de esos personajes tan introspectivos y asustados que nos planteó la segunda temporada. Tulip da caña, Tulip parece que cae, pero, al final Tulip gana. Un pequeño encuentro con Sydney acaban con Lara y el maletín de las almas en el infierno, y Tulip y Jody bien j*****s. Por suerte para ellos, Adolf aún no se ha rendido. O, amigos, esto va a ser muy divertido.
La Opinión de Sofía
El mejor capítulo de la temporada. Así lo digo. Una lástima no haber visto el roadtrip de Eugene (aún no lo descarto), y verlo tan poco y tan acobardado. Pero es el único «pero» que le veo al capítulo. Divertido, lleno de acción, con tramas que avanzan lo justo… Y que personajes. Por fin. ¡Por fin! Discutí con Carlos la necesidad de separar a estos tres y creo que coincidiremos en que ha sido un gran acierto. En la primera temporada encontrábamos a tres personajes que, juntos por casualidad, tenían cada uno un objetivo. Ahora vemos a tres amigos separados por otras casualidades, que se van acercando a un objetivo común. Y que bien les ha sentado ese aire, para recuperarse un poco a sí mismos.
No me iba a ir sin una foto de Cassidy.
La trama de Cassidy, no obstante, es la que menos me atrae ahora mismo. En estos momentos, en los que génesis está de nuevo en la partida, necesito pensar que Herr Starr va a evitarnos a todos postrarnos ante Humperdoo. Y es que esta serie es única en cuanto a la concepción de sus personajes, sin héroes, solo personas que se dejan guiar por sus instintos. No hay malos, no hay buenos. Los actos de unos son tan deplorables como los de los otros. Las razones del Grial, tan loables como las de Jesse. Un villano que ayuda al protagonista, un héroe de camino al infierno… ¡Pero como me gusta esta serie!
Para más, la semana que viene. Hasta entonces.., sed felices.
Los domingos, esos días en los que un ente más poderoso que nosotros nos roba nuestras ganas de recorrer el mundo y nos dice al oído que nos quedemos en casa acostados, comiendo golosinas y viendo un maratón de películas ignorando lo cerca que esta de alcanzarnos el lunes.
Dando vueltas entre mil opciones que ver me encontré con las películas de la franquicia «Creepshow», mismas que recordaba vagamente de la infancia y que en su momento me abrieron el interés hacia el cine de terror que aun mantengo. Para mi sorpresa, al verlas nuevamente me di cuenta que ambas películas no han envejecido nada mal y aun 36 años después pueden hacerte pasar una buena tarde de domingo.
Veamos algunas de las razones para ver «creepshow» una vez más y rememorar lo que se ha perdido en el género con el pasar de los años:
El trabajo de George Romero y Stephen King
No se puede hablar de creepshow sin hablar de George Romero y Stephen King quienes a estas alturas se sitúan como leyendas del género, el primero por ser el principal responsable de la fama que tiene el género zombi en la actualidad. En cuanto al Sr. King está de más la presentación ya que si a estas alturas del milenio no sabes quién es Stephen King es porque has vivido en una cueva los últimos 50 años.
Para el proyecto Romero y King se inspiraron en la serie de revistas del mismo nombre que se publicaba en los años 50 en Estados Unidos que como buenos frikis seguían en su juventud, eran ese tipo de relatos que a estas alturas no podrían ser publicados para niños, de hecho la obra hace muchos guiños a la prohibición de dichas publicaciones que vino con los años, por argumentar que influenciaban negativamente a niños y adolescentes. Agradecemos que en su momento hayan existido ya que determinaron lo que sería la pasión de ambos autores en el siglo XX y parte del siglo XXI.
El encanto de creepshow en gran parte se debe a su estructura, hay un hilo narrativo principal de donde se despliegan diferentes relatos cortos que no se relacionan entre sí, pero son parte de un universo propio creado por los autores. Son cinco historias en la primera entrega y tres en la segunda que no tienen desperdicio en absoluto.
La combinación de viñetas, animación y estética ochentera
Como mencionaba en el apartado anterior ambas películas tiene una historia principal centrada en un niño que es fanático de las historietas de creepshow, en la primera entrega nos llevan de las viñetas en la historia en la segunda es en donde conocemos a “The Creep” una suerte de presentador quien es el encargado de abrirnos paso a los relatos. La película se mueve entre la animación y la imagen real de manera muy sutil y con una atmósfera bien lograda para la época. En el tramo inicial de la historia se muestran viñetas de presentación con el título del relato y el primer escenario que te hace dudar entre si la viñeta fue creada para la locación, o esta fue diseñada para coincidir con el comic. También destacan el tipo de escenografía, indumentaria y efectos propios de la época que lejos de parecer cutre, enriquecen el producto por ser tópicos y pintorescos, literalmente te llevan a tiempos distintos donde aún existía otra manera de hacer las cosas.
Los personajes son exagerados y caricaturescos.
En cuanto a los personajes hay bastante que decir, puedo empezar por mencionar que me lleve más de una sorpresa al ver que actores como Leslie Nielsen, Ed Harris y el propio Stephen King figuran como personajes principales, con interpretaciones exageradas y caricaturescas reforzando estereotipos que a pesar que queramos pensar que no existen o están mal, son parte de nuestra sociedad y de la cultura popular. Malos muy malos, tontos muy tontos y estirados muy estirados. Hay que partir conscientes de que no son actuaciones con las que pretendan dar una cátedra de interpretación cinematográfica, pero atrapan tu atención en el corto tiempo que tiene para desarrollarse las historias y se ve de sobra que están disfrutando su papel, por lo poco que exige de ellos. Se nota mucho la inspiración de personajes de caricaturescos propios del Warner de antaño, pero con el toque oscuro del género de terror y hasta unos vestigios de lo que pudieron haber sido los inicios del humor negro.
La simplicidad del terror.
Me gusta el terror en todas sus variaciones desde el suspense, terror psicológico, el slasher, hasta el terror que abusa en gran medida del susto fácil, que es el que más se produce actualmente. Sin embargo, en Creepshow pude volver a ver una fórmula que funcionaba para hacer terror sin complicar tanto las cosas. ‘Maldiciones indias’, ‘paseos a lagos desolados’, ‘accidentes de autopista’, ‘crimen y castigo’, ‘secretos familiares’, ‘monstruos desconocidos’, ‘caída de ovnis’, son historias que han sido recreados hasta el cansancio en el género, pero al alargarse como única historia tienden a volverse predecibles.
En creepshow partes con la certeza de que son historias de fantasía, aun así logran mantenerte entretenido gracias a esa magia que aun conservamos de la inocencia que solíamos tener de niños. A más de uno nos venía a la mente de “y que pasa si es real, solo que no ha pasado en este sitio”. Esto se debe a que los finales son abiertos en algunos casos o siempre terminan con todos los involucrados muertos de manera gloriosa.
El encanto de los relatos cortos.
Particularmente soy un fan acérrimo de los relatos cortos por considerarlos esenciales para cualquier persona que se inicie en la lectura, ya que son historias que se pueden desarrollar de manera inteligente y creativa sin tener que expandirse en detalles que en la lectura enriquecen, pero poco aportan al entretenimiento per se cuando tienes un tiempo justo para lo que quieres contar. En la película se aprovecha este recurso de manera sobresaliente ya que el titulo e inicio de los relatos te colocan en contexto rápidamente, aunque puedes conocer el desenlace desde un principio, la historia corta te entrega lo que promete sin tener grandes pretensiones, de hecho conocí a Stephen King por sus ediciones de bolsillo antes que sus novelas mas famosas con relatos cortos como “las cuatro estaciones”o “skeleton crew” e inclusos disfrute de los productos para la televisión que salieron luego de esta cinta como “Cuentos de la Cripta” y “Le temes a la oscuridad”.
Aunque se rumorea que viene un remake de Creepshow en 2019, jamás será lo mismo.
Hay cosas que es mejor apreciarlas tal cual fueron y no tratar de revivirlas aunque la nostalgia nos empuje a hacerlo. No todas las películas nacieron para ser relanzadas con versiones actuales debido a que la esencia ya no es la misma. Esto lo digo debido a que documentándome para el artículo, pude conocer que ahora la franquicia resurge con una serie de televisión avalada por Greg Nicotero, encargado de los efectos de maquillaje de la segunda entrega. Nicotero ha cerrado un acuerdo con el servicio de streaming Shudder (propiedad de AMC) para dirigir, producir y supervisar artísticamente la serie de ‘Creepshow’.
Sin embargo, no guardo gran esperanza ya que con temor a sonar como un anciano, los tiempos han cambiado y la mitad de cosas que se muestran en la obra original actualmente serian censuradas o adaptadas al formato actual con todo lo malo que eso implica, mismo donde reina la corrección política y el deseo de quedar bien a toda costa de las productoras.
Hay cosas que en los ochenta eran permitidas y podían ser vistas por un público diverso, actualmente sería imposible conseguir que una cadena transmita dicha serie en horario estelar y suponiendo que se transmita se cortaría la mitad del material por ser ofensivo y de mal gusto para algunos. Esto sin contar que el encanto de dichas historias se basaba en lo poco avanzada que era la tecnología, en perspectiva con la época actual, muchas de esas situaciones no calarían en el público de ahora y se optaría por tomar relatos de la época con los típicos clichés de inclusión y diversidad, bebiendo de los ‘Creppypasta’ que bastante se están explotando actualmente.
Sin más que decir, os invito a que le den una oportunidad de visionado a estas joyas del cine de terror ochentero y vivan como yo esa experiencia de volver a lo tradicional, recordar qué fue lo que te hizo fanático del terror cuando aún eras niño y tenías que ver estas películas en la madrugada escondido de tus padres.
Por lo demás, el evento indiscutible de la semana ha sido el tráiler de gameplay del Red Dead Redempion 2 de Rockstar Games, que como veréis no ha decepcionado en absoluto. Además, Bethesda Softworks ha celebrado su ya tradicional QuakeCon del verano, regalándonos montones de información y videos de algunos de sus títulos más esperados como Fallout 76 y Doom Eternal (ya veréis, ya). Por último, si sois fans de los juegos de lucha estáis de enhorabuena porque el final del campeonato EVO de la semana pasada nos dejó diversos nuevos anuncios sobre algunos de los grandes del género. ¿Preparados?
ROCKSTAR LANZA EL PRIMER TRÁILER DE GAMEPLAY DE RED DEAD REDEMPTION 2
Tras varios videos cinemáticos a lo largo del pasado año, esta semana hemos tenido por fin el primer tráiler dedicado a la jugabilidad del que es, sin lugar a dudas, el juego más esperado del año. Red Dead Redemption 2 no decepciona y en este completo primer vistazo a sus mecánicas de juego nos muestra una visión detallada de su mundo, y nos desvela nuestra capacidad para interactuar con otros personajes y labrarnos una reputación así como la necesidad que tendremos de mantener la banda de forajidos de Van der Linde, algo que se convertirá en una de las mecánicas claves del juego.
“A finales del 1800, America estaba evolucionando, ya en camino de convertirse en el país más poderoso del mundo. Nuevos inmigrantes llegaban al país, los campamentos más prósperos se convertían en pueblos, y la civilización se expandía por la enorme y salvaje frontera sin ley. Con Red Dead Redemption 2 Rockstar Games pretende crear un mundo no solo abierto, sino profundo, más interactivo y detallado que nunca, combinando acción, narrativa y jugabilidad de una forma nueva mientras vives, cabalgas y luchas para poder sobrevivir como un fuera de la ley dentro de una infame banda de forajidos.”
Este no será el único tráiler que veamos antes de su lanzamiento en octubre, el próximo se centrará en las misiones y las mecánicas de combate, así que estad atentos porque en cuanto salga aquí os lo traeremos.
LO MÁS DESTACADO DE LA QUAKECON NOS TRAE MÁS FALLOUT, RAGE Y EL NUEVO DOOM
La celebración anual de Bethesda que empezó como homenaje al legendario Quake se ha ido convirtiendo poco a poco en un clásico anual donde la compañía nos muestra lo que se nos viene encima respecto a sus juegos más esperados.
Además de alojar varios paneles y torneos como los de su juego de cartas The Elder Scroll: Legends o Quake Champions, Bethesda también realiza presentaciones y anuncios, y este año la perra gorda se la ha llevado la secuela de Doom, anunciada en el E3 pero que ha hecho su debut en esta convención y ya ha dejado a toda la comunidad jugona boquiabierta, no solo cumpliendo sino sobrepasando todas las expectativas. El infierno llega a la tierra y el DoomSlayer tendrá que abrirse camino desgarrando y arrancando, haciendo gala de nuevas armas, habilidades y una jugabilidad aún más frenetica, avanzando a través de las huestes demoniacas a las que se unen tanto nuevos enemigos como monstruos clásicos de Doom 1 y 2. Pero lo que yo os pueda contar palidece en comparación con las imágenes, así que echadle un vistazo al tráiler y flipad de lo lindo.
Por lo demás, hemos tenido un nuevo tráiler de RAGE 2 centrado en la conducción de vehículos, una de las características más atractivas del original, y Bethesda también nos ha mostrado como funcionará el sistema de progresión de Fallout 76 a través de un simpático video de animación vintage y un extensivo metraje del gameplay. Por lo visto ahora tendremos que ir consiguiendo ‘paquetes de cartas’ con las que podremos aumentar nuestras habilidades de SPECIAL e incluso intercambiarlas con otros jugadores. A un servidor eso de los ‘paquetes de cartas’ no le huele nada bien, pero en fin, mejor posjuzgar que prejuzgar así que de momento toca esperar a tener el juego entre manos en próximo mes de noviembre.
EL FINAL DE LA EVO NOS TRAE ANUNCIOS Y SORPRESAS
La Evolution Championship, o EVO, se ha convertido ya en el torneo de juegos de lucha más importante del mundo, regalándonos los combates más reñidos entre los profesionales de lo eSports. Pero eso no es todo, la feria que está alojada en Las Vegas se ha convertido también, como si de la SuperBowl de los videojuegos se tratase, en una plataforma en la que las compañías hacen anuncios multitudinarios sobre sus productos más punteros, llegando a reservárselos durante el E3 para lanzarlos ahora. Echémosles pues un vistazo:
Street Fighter V ha sido el juego patrocinado de la feria y Capcom ha lanzado tráilers tanto de una nueva incorporación, un personaje llamado ‘G’ e inspirado en varios presidentes de la historia estadounidense, así como el veterano y altamente demandado Sagat que vuelve triunfante.
Tekken 7 se lleva la palma de la sorpresa más grande al anunciar a dos clásicos de la saga, Anna Williams, la hermana y rival de Nina y Lei Wulong, ese policía basado en Jackie Chan que en tu pueblo utilizaban todos los chavales para pasarse el arcade de Tekken 3 en la recreativa. Pero la sorpresa buena ha llegado con el anuncio de que Negan de The Walking Dead será uno de los personajes de la segunda temporada. Si, has leído bien y no, no se que decirte. Corramos un tupido velo.
Finalmente, dos de los clásicos de Soul Calibur, Astaroth y Seong Mi-Na vuelven al reparto, con un aspecto y movimientos ligeramente nuevos y Cooler, el hermano de Freezer, se une a Dragon Ball FighterZ como el primero de los dos últimos personajes descargables de la temporada.
Y hasta aquí nuestra entrada de hoy, espero que os haya gustado y nos leemos dentro de siete días con más. Disfrutad del veranito y como siempre, sed muy felices.
Con este tomo de Astro City llamado en España Cambios y editado por ECC llegamos al (por el momento) penúltimo tomo de una de las mejores colecciones de cómics de todos los tiempos. Si, para mi Astro City es una de las mejores series de la historia del cómic americano.
Como se que muchos lectores no saben por cual tomo empezar, os dejo la lista del orden de lectura de Astro City. Vamos, una especie de Guía de lectura. Espero que a más de uno os sirva de referencia.
Astro city (Vida en la gran ciudad)
Astro city (Confesión)
Astro city (Álbum de familia)
Astro city (El ángel caído)
Astro city (Héroes locales)
Astro city (La edad oscura 1. Hermanos y otros extraños)
Astro city (La edad oscura 2. Hermanos de sangre)
Astro city (Estrellas resplandecientes)
Astro city (Puertas abiertas)
Astro city (Victoria)
Astro city (Vidas privadas)
Astro city (Trifulca de pareja)
Astro city (El día del pesar)
Astro city (Cosas del pasado)
Astro city (Héroes cotidianos)
Astro city (Cambios)
En este tomo, Cambios, Kurt Busiek necesita la ayuda a los lápices de Brent Anderson, como siempre, pero en esta ocasión recurre a Matthew Clark y al magnífico Rick Leonardi. Queda patente el cansancio de los autores en su serie de referencia. En 5 números tenemos 3 dibujantes diferentes. Como dije al principio del artículo este será el penúltimo tomo. Los creadores de este evento y tras estar en el candelero desde 1995 llegan algo cansados en 2018. Por el momento no tendremos más Astro City (falta un tomo) y es posible que tengamos una larga espera hasta el siguiente volumen, si llega alguna vez.
En Cambios hay 4 historias. La primera es referente a Míster Manta un ex supervillano que está varado en una isla desierta, y la verdad es que está mejor allí que en la gran ciudad. Otra historia trata sobre el origen del Caballero, uno de los héroes de Astro City más importantes contado desde la perspectiva de su adorable hija. Un buen número, como todos los de esta serie. La historia dibujada por Rick Leonardi versa sobre una gata que puede atravesar paredes. Otra referencia más (y ya van cientos) de Busiek a los cómics de superhéroes tradicionales. Kitty Pryde, la mutante de los X-Men capaz de entrar en fase y… atravesar paredes se hizo llamar durante años Gata Sombra. En fin, Busiek tira de conocimientos e inteligencia para hacer un guiño a los lectores más veteranos. Lástima que los más noveles no pillen esas referencias. Pero para eso estamos en las Cosas que nos hacen felices, para explicar lo que sepamos.
Como historia final, como la única historia que se continúa en dos capítulos tenemos una muy peculiar, una que nos cuenta la verdadera raíz de la creatividad en el mundo de la música. No os digo más, tenéis que leerla.
Sin dudas un tomo nuevo de Astro City donde lo más rico del percal es la humanidad del mismo. Astro City convierte a todos los integrantes de la ciudad en héroes ya sean los buenos, los villanos u hombres de la calle como cualquiera de nosotros. Este penúltimo tomo nos convierte a todos partícipes de personajes secundarios (quizás con la excepción del Caballero, que tampoco era el más sobresaliente de todos) y con poca o nada de transcendencia en el pasado.
Referencias de otros cómics de Astro City en Las cosas que nos hacen felices
Si no conoces Astro City os recomiendo esta serie encarecidamente, sobre todo los primeros tomos, ganadores de varios premios Eisner. Os dejo aquí la reseña de 4 tomos anteriores que creo que os podrán servir como referencia si queréis disfrutar esta serie como yo lo he hecho.
Bienvenidos un caluroso domingo a nuestra querida web y a la sección Lo mejor de la semana. Aquí hablamos de los detalles más curiosos, importantes y destacables que han tenido lugar en estos 7 días y, a pesar de que sea verano, las noticias han fluido, poco pero lo han hecho.
¿QUÉ PASA CON VENOM?
Venom, el retorno de Sony al mundo de los superhéroes no para de dar bandazos de un lugar a otro. Tras unos adelantos poco interesantes, recientemente nos llegó uno mucho más jugoso que despejaba gran parte de las dudas, pero que habría unas cuentas más. Esta semana hemos sabido gracias a Variety que quizá el estudio de marcha atrás a la tan resonada Calificación R por una mucho más acorde al gran público: para mayores de 13 años.
“Cualquier película de Spider-Man tendrá una calificación de PG-13 porque el trepamuros es más adecuado para las familias. Por lo que si Venom es demasiado oscura y sangrienta podría evitar crossovers con otras películas, no solo con el alter-ego de Peter Parker, sino que también con otros miembros del MCU”.
Este es el motivo por el que Venom no contará con una calificación para mayores de 18 y se debe simple y llanamente a la posibilidad de juntar al personaje con otros cuando este universo haya despegado. ¿Esto quiere decir que quizá Spider-Man aparezca en este proyecto de Sony? Es muy improbable, pero creo que Sony dirige sus miras a posibles otros hombres araña o personajes que no necesariamente tienen que tener vísceras por doquier para atraer al gran público. Una pena.
STAR TREK 4 EN PELIGRO DE MUERTE
Star Trek 4 debería estrenarse como muy tarde el próximo año 2019. Así el estudio seguiría el plan que llevan haciendo desde 2009 de estrenar una cinta cada tres años. Sin embargo, puede que no veamos el año que viene las nuevas aventuras de la Enterprise o puede que no las veamos nunca y todo se debe al dinero.
Star Trek: Más allá, la tercera parte de este reboot cinematográfico que tuvo lugar en 2009, recaudó el pasado 2016 341 millones de dólares, algo menos del doble de lo que costó llevarla a cabo, siendo la que menos recaudó de la trilogía. Esto se debe a muchos factores como la salida de J. J. Abrams de la dirección y la inclusión de Justin Lin, director de Fast and Furios y que trajo consigo su espíritu alocado. Es por esto por lo que Paramount Pictures ha decidido reducir el presupuesto de la cuarta entrega con vistas a no perder tanto dinero y esto puede propiciar la marcha de Chris Pine y Chris Hemsworth.
Los dos Chris se encuentran inmersos en el cine de superhéroes, uno que paga muy bien y es por esto por lo que ambos actores, según rumores, se planean distanciarse de esta cuarta parte. Sin embargo, THR teoriza sobre la posibilidad de que ambos se sienten a hablar con el estudio pues su negativa obligaría a hacer un recast de sus dos personajes. Por su parte, Zoe Saldana, Zachary Quinto, Karl Urban, Simon Pegg y John Cho no parece que tengan problemas con este sueldo, a pesar de que dos de ellos se encuentran en proyectos más grandes como Misión Imposible o Guardianes de la Galaxia.
THE BATMAN CON AFFLECK O SIN ÉL, PERO CON SU DINERO
Mucho se ha hablado y se hablará de si BenAffleck seguirá como Batman en este peculiar DCEU, pero esta semana se ha producido un acercamiento entre la película que dirige Matt Reeves, quien recordemos no quería al actor como su superhéroe, y Affleck. Así pues, el todavía actor que interpreta a Batman, se convertiría en productor de esta cinta de cara al comienzo de las grabaciones el próximo 2019.
Affleck no tendía el cargo de productor como Nolan en la Liga de la Justicia, un ejemplo de «dar el dinero y esperar lo mejor», sino que esto le llevaría a estar involucrado en la realización de la misma película. Esto no quiere decir, sin embargo, que Affleck siga como Batman simplemente por su colaboración en el set.
¿ANTOINE FUQUA A MARVEL?
Antoine Fuqua es un buen director que sin duda ha dejado buenas y malas películas. En unas ha sido un todoterreno pero en otras se ha quedado en lo básico. Sin embargo, no se puede negar que sea muy competente e incluso que dote de un cierto espíritu, porque de muchos es conocido que Fuqua se centra mucho en sus personajes y sus relaciones entre ellos más que en otra cosa, y por ello Marvel podría haberse acercado a negociar.
Esta semana el director estadounidense estrena El protector 2 con Denzel Washington, y en una entrevista para HeyUGuys ha comentado que tiene una entrevista dentro de poco con Kevin Feige, mandamás actualmente de Marvel Studios. Sin embargo, el Fuwua se mantiene reservado a la hora de verse dirigiendo a superhéroes debido a las grandes cantidades de efectos especiales y demás que estas cintas requieren:
“Para mí tiene que ser el correcto, en la situación correcta porque hay tantos efectos visuales y . ‘¿dónde está el director?’ Necesito comprenderlo porque es como una gestión … tienen una máquina. Hay gente encargada del diseño, todo está esbozado ¿Hace eso el director o hay cien personas más haciéndolo? “.
DC RECOGIENDO LOS PLATOS ROTOS
El futuro de DC es un misterio hasta para sus directivos, pero tienen que hacer algo rápido y que se salga de los rumores. Este es uno más de ellos sí, pero podría ser el soplo de aire fresco que necesita el estudio aunque no del todo innovador.
Hace semanas supimos que James Gunn era echado de las filas de Marvel a causa de una disputa con Disney. Esta «disputa» se debe a unos tweets que el director escribió hace 5 años donde desde el humor se metía con ciertos temas peliagudos. Ahora DC podría estar interesado en darle a Gunn una segunda oportunidad entre sus filas.
Green Lantern Corps podría ser un buen comienzo para Gunn en Warner
THR anunció esta semana que Warner estaría dispuesta a contratarle siempre y cuando formalice su salida con Marvel para no entrar en disputas. Esta formalización se debe a que, según rumores, Disney estaría dispuesta a contratarle de nuevo con tal de acabar la trilogía de Guardianes de la Galaxia y, presumiblemente, ahí se acabaría cualquier contacto entre ambos.
UNIVERSAL ECHA EL CIERRE A COWBOY NINJA VIKING
Las empresas de cine se matan por aglutinar en su poder licencias de cómics bajo la idea de «si le ha funcionado a Disney a nosotros también». Una de esas ideas fue la de Cowboy Ninja Viking, cómic de Image, que recientemente ha sido cancelada a pesar de estar a punto de producirse.
La cinta estaba protagonizada por Chris Pratt, quien busca nuevas franquicias a las que echarle el ojo ahora que su tiempo en Marvel y en Jurassic World puede ser de unos pocos años, y hace unas semanas se confirmaba que Priyanka Chopra se unía al reparto. Según THR el estudio habría tenido serios problemas con el guion y han decidido dar marcha atrás debido a que no veían futuro a corto plazo, sobre todo con sus estreno programado para el próximo año 2019.
CHRISTOPHER MCQUARRIE TIENE LÍO, MUCHO LÍO
La incorporación de Christopher McQuarrie en Misión Imposible ha dado una de las mejores películas de acción de los últimos años. Desde su participación en la quinta entrega de la saga el director estadounidense tenía un futuro asegurado, y lo tiene ahora que el estudio ha decidido delegar en él el final de la trilogía de Misión Imposible que él empezó.
Esto, sin embargo, no significa que la franquicia acabe aquí, pero aún queda mucho para saberlo debido a que el director planea un respiro de la franquicia debido a que no está muy conforme con volver. No porque no haya hecho un buen trabajo, recordemos que en Rotten Tomatoes la nueva entrega de Ethan Hunt alcanzó en poco el 97% de calificación, sino porque quiere regresar a la escena indie. A pesar de ello, McQuarrie tiene un lobo dándole caza y es Warner, quien quiere por activa y por pasiva que dirija la secuela de El Hombre de Acero.
EL PROBLEMA DE HABLAR PRONTO Y SIN SABER
Esta semana hemos sabido que el anime One Punch Man, basado en el manga de One, llegaría finalmente este agosto. Así pues, VizMedia confirmaba lo que se rumoreó sobre su estreno antes de otoño de 2018. Sin embargo, corrió como la pólvora el rumor de que este 12 de agosto (hoy sin ir más lejos) llegaría el primer episodio de este anime, pero nos harían esperar hasta invierno de 2020 para ver la continuación.
Pero en Internet está muy bien visto eso de hablar pronto y sin saber pues hoy hemos sabido que One Punch Man llegará con su segunda temporada el próximo abril de 2019 y hoy no tendremos ningún adelanto del primer episodio. Aun así, VizMedia dará un comunicado hoy mismo y se espera que sea el mismo comunicado dado en Japón.
INTERNET ACOTA EL LUGAR Y LA ÉPOCA DE LA SERIE DE STAR WARS
Esta semana ha comenzado el rodaje de la novena película de la franquicia estelar y a su vez hemos sabido que la serie de televisión que llevará a cabo Jon Favreau contará con el friolero presupuesto de 100 millones de dólares. Sin embargo, esto no ha sido todo pues Making Star Wars, una web bastante fiable a la hora de dar rumores, ha acotado cuándo y dónde tendrá lugar la serie.
Según esta web se ambientará en el planeta Mandalore, conocido por aparecer en Clone Wars y en Rebels además de ser el planeta natal de Boba Fett. Además, el sitio ubica la ficción 3 años después de la batalla en la Luna de Endor, con lo que si estos rumores son ciertos el estudio confirmaría así su poca intención de explorar más allá de lo que se haya visto en las películas hasta, por lo menos, la nueva trilogía cinematográfica.
Actualmente estamos a pocos días de uno de los estrenos más importantes en la plataforma Netflix de este año, y es que Matt Groening, el padre de la famosa serie de animación Los Simpson, estrena en exclusiva una nueva serie para adultos en la plataforma. Y no viene solo, junto a él tendremos a Josh Weinstein como guionista, retomando el equipo que en su día formaron Futurama. La serie es una producción de The ULULU company y contendrá 20 episodios, repartidas en dos temporadas, estrenándose la primera temporada el 17 de Agosto. Se esperan más temporadas si el público acoge con éxito la serie.
A continuación dejo el divertido tráiler para que quienes no hayan tenido un primer contacto con la serie:
https://www.youtube.com/watch?v=vq1XMznfDJI
En este divertido teaser vemos que la serie se ubicará en la época medieval, concretamente en Dreamland, que contará con la princesa alcohólica Bean, Luci el demonio y el duende Elfo. Parece que el humor negro estará a la orden del día, y la verdad es que no esperábamos menos. La serie promete ser una mezcla entre Los Simpson y Juego de tronos o El señor de los anillos, parodiando y rompiendo los tópicos de las las típicas aventuras de princesas en peligro y príncipes salvando a su damisela de la torre. Además, no faltaran personajes fantásticos como elfos, magos, dragones y duendes.
Os dejo esta explicación del creador de Los Simpson y Futurama:
Es una serie sobre la vida y la muerte, sobre el amor y el sexo y sobre cómo seguir riéndose en un mundo repleto de sufrimiento y de idiotas, a pesar de lo que te digan ancianos, magos y otros tontos
Sobre el autor
Matthew Abraham Groening (Portland, 15 de Febrero de 1954) es un dibujante, productor y guionista, famoso principalmente por ser el creador de la maravillosa serie Los Simpson, que el próximo año estrenará su temporada número 30, con más de 600 capitulos. Entre sus otras obras encontramos Futurama, la tira cómica semanal La vida en el infierno y multitud de cortometrajes. Ha recibido un gran número de premios durante su carrera: nominado a 31 globos de oro, ganando 12 por Los Simpson y Futurama, en la categoría de «Mejor serie de animación«. En 2009 recibió en el prestigioso Festival de Cannes una medalla de oro y una gran llave por parte del alcalde de la ciudad.
La primera tanda de episodios está bien, pero tratémosla como un ejercicio de limpieza de tuberías. Muy pronto los escritores empezarán a escribir para los actores, los personajes comenzarán a reventar, el programa perderá su compulsión por presionar botones por su propio bien (…) y se asentará como algo especial. ‘Disenchantment promete, pero tenemos que esperar para que esto se realice.
Disenchantment está a medio camino entre The Simpsons y shows con una estructura seriada como Gravity Falls, de Alex Hirsch, o Steven Universe, de Rebecca Sugar, en los que cada episodio forma parte de una historia mayor con revelaciones y desenlaces.
Disenchantment, aunque maravillosa de ver, es un alma perdida que discurre a través de los mejores trabajos de Matt Groening. En un mundo de rivales hiperactivos como «Adventure Time» o «Rick and Morty», esta serie de Netflix es demasiado reservada e inconsistente como para ser una fantasía satírica que valga la pena explorar.
Disenchantment‘ tiene algo del encanto, oscuridad y humor que estos dos (‘Rick and Morty’ y ‘Bojack Horseman’) abordan con creces, pero en la primera temporada parece no estar al mismo nivel. Dicho esto, a ‘Los Simpson‘ y ‘Futurama’ les tomó su tiempo para encontrar sus pies, así que todavía hay una buena oportunidad para que la nueva oferta de Groening pueda encantarnos en las temporadas que llegarán
Espero que te haya gustado el artículo, no olvides comentar y la semana que viene volveremos con el análisis de la serie, así que no olvides estar pendiente de las publicaciones en Las cosas que nos hacen felices.
Los Power Rangers se han convertido en un ícono en la infancia de muchas generaciones, siendo los superhéroes con los que muchos niños crecieron y se identificaron de acuerdo a sus coloridas vestimentas, vistos por última vez en su película el año pasado. Hace unos días se hizo pública la gran posibilidad de una segunda parte para Power Rangers, la película estrenada en el 2017, prometiendo el mismo elenco pero con mayor presupuesto, la noticia fue comunicada por la popular empresa Hasbro, que en el mes de junio compró los derechos de estos personajes.
¿Saga cancelada?
El pasado año pudimos ver a estos jóvenes en acción y formando lo que parecía un nuevo giro para los famosos Power Rangers lo cual era totalmente correcto, Lionsgate tenía como objetivo recuperar a estos superhéroes para una saga, todo marchaba como se esperaba e incluso el elenco prometía el talento que se solicitaba, sin embargo, a pesar de ser un éxito en el mercado doméstico, al estreno del filme se notificó que la película no fue popular en carteleras de cines y por lo tanto no recaudó lo que se esperaba, por lo que de pronto y sin pensarlo se cambio de parecer respecto a la planeada saga y se canceló, o eso se creía…
Teniendo Power Rangers en manos de Hasbro se planea seguir con la ya mencionada saga, ahora junto a la compañía Paramount con quien se realizan actualmente los conocidos filmes de Transformers. A pesar del escaso éxito de la película se desea que el elenco esté conformado por los mismos actores (Becky G, Dacre Montgomery, Naomi Scott, Ludi Lin y RJ Cyler), pero con un mejor presupuesto y además, con nuevas estrategias de ventas para extender su popularidad en el estreno.
Cambios junto a Hasbro
Por el momento no han sido revelados detalles para la segunda película puesto que apenas se le dió inicio a la idea de crearla, sin embargo, al conocer los planes hasta el momento se pueden sacar distintas conclusiones. Como sabemos, la empresa Hasbro está dedicada especialmente en la realización de nuevos juguetes de distintas marcas y compañías, por lo tanto, tomando como referencia la gran creatividad que abunda en la agencia han surgido teorías como podría ser la integración o creación de nuevos personajes y zords para la próxima película, además de elevar el detalle de sus vestimentas, como es costumbre de generaciones Power Rangers.
25 Aniversario
Como se sabe, por motivo de su aniversario número 25, Power Rangers estrenará un nuevo episodio, este será transmitido el día 28 del presente mes (Agosto), mismo día en el que comenzó la historia de estos héroes en el año 1993. En el episodio grabado en Nueva Zelanda durante dos semanas y media podremos ser testigos del regreso de «los rangers originales», confirmando la aparición del Green Ranger , el Red Time Force Ranger, la Pink Turbo Ranger, y desde luego aquellos que pueden quedar como sorpresa. «Dimensions in Danger» (Dimensiones en peligro) que será el título de este nuevo episodio promete dejar un agradable sabor a toda la audiencia, o almenos eso se comprendió directo de las palabras de Jason David Frank (Green Ranger) en una resiente entrevista: «creo que el episodio es por lejos uno de mis favoritos de toda la franquicia», además de mencionar lo agradable que fue reunirse con todos después de 25 años, no sólo para él, sino para todos los fanáticos.
Con anterioridad, específicamente hace 5 años, al celebrar el aniversario número 20 de Power Rangers también se presentó un episodio en su honor, pero tristemente fue decepcionante para la mayoría del público, por lo que se dudaba de la existencia del episodio 2018, pero es oficial, los actores han revelado que estará en las más altas expectativas y que seremos testigos de un episodio asombroso, sólo nos queda esperar.
Es verdad que los Rangers han quedado en el olvido con el paso de los años, pero es posible que surjan de nuevo, sólo es cuestión de pulir mejor sus trabajos, Hasbro declaró que en 2019 centrará su atención en proyectos específicamente para esta marca, como el regreso de juguetes, además de la posible creación de animaciones, aumento de series, nuevas películas y más.
¿Crees que los Power Rangers merecen una nueva oportunidad o ha llegado el tiempo de su extinción?
