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10 películas de Robin Williams que forman parte a la historia del cine

Ayer, 10 de Agosto, HBO estrenó Robin Williams: Entra en mi mente, un documental de 116 minutos acerca de la vida del famoso actor y cómico estadounidense. Dirigido por Marina Zenovich, la cinta se centra en el camino de luces y sombras que definía su existencia. Desde su brillante carrera profesional hasta su descontrolada vida personal, la cual se vio fuertemente afectada por el consumo de drogas. La película es por encima de todo un tributo a una de las figuras más importante del cine. Familiar, pero también trágico, cómico, pero a la vez profundo, desde Las Cosas que nos hacen Felices también queremos realizar nuestro pequeño homenaje a este genio, por eso hoy, cuatro años después de su muerte, os traemos 10 películas de Robin Williams que forman parte a la historia del cine.

Como siempre recordad que este top es completamente subjetivo, en este caso como en casi todos hay muchas obras buenísimas que se han quedado fuera, lo cual no indica que sean peores ni mejores. Esta lista se ha realizado bajo mi criterio y cada posición tiene un porqué. Tengo que admitir que alguna fechoría se me ha escapado, pero como no todas pueden ser la excepción que confirma la regla, debo lamentar la ausencia de auténticos peliculones como: El rey pescador, Hook (El capitán Garfio) o  Jack.

Por último, no puedo empezar este top sin una pequeña mención especial a los papeles secundarios y cameos de Williams en las cintas: Inteligencia artificial (como Dr Know), Happy Feet (como Ramón) y Desmontando a Harry (en el magnífico sketch del actor desenfocado).

Dicho esto. Comenzamos:

10. Noche en el museo

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Hay varios motivos por los que Noche en el museo (no solo la primera si no toda la saga) aparece en este top. Uno de ellos es que la tercera entrega fue la última aparición de Williams en pantalla. La película se estrenó unos meses después de su muerte, en diciembre de 2014, y aunque es verdad que Absolutamente todo (2015) fue su último trabajo, en esta última solo aparece su voz. Además, la cinta de Shawn Levy  no se puede entender sin el personaje de Teddy Roosevelt, el fiel consejero de Larry, una figura grandiosa y casi paternal en la que nuestro querido guardia se fija para aprender y mejorar, pero a la vez un individuo normal y corriente, con mucho que aprender acerca de la vida. Es una grandiosa combinación, hay momentos en los que no sabes si Williams está adaptando el papel a su persona o si es al contrario, lo que está claro es que la imagen que tenemos de lo que actor representaba y defendía está presente en ese muñeco de cera fabricado en Poughkeepsie.

9. Aladín

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La mítica (nunca mejor dicho) película de Disney. Un clásico. Todos nos conocemos la historia. ¿Pero qué sería de nuestra pequeña rata callejera sin su SUPER GENIO DE LA LÁMPARA? En 1992 Robin Williams ponía voz a uno de los personajes más alocados e inteligentes de la gigante compañía del ratón. Unos diálogos brillantes que rompían la cuarta pared, continuas referencias al cine y a la sociedad del siglo XX, así como al mismo imaginario Disney, todo ello con un toque hiperactivo, que rozaba la esquizofrenia propia de un personaje que ha pasado tanto tiempo solo, daban como resultado una explosión de risas y diversión tanto para los mayores como para los más pequeños. Sencillamente único.

8. Una jaula de grillos

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En 1991 Earvin “Magic” Johnson se vio obligado a abandonar la NBA por ser portador del virus VIH. A pesar de no tener la enfermedad, el resto de los jugadores de la liga americana no querían arriesgarse a jugar con él, y mucha gente lo tachó de homosexual. El mismo año Freddie Mercury moría a causa del SIDA, y cuatro años después lo hacía el famoso rapero Easy-E. En 1996, en una sociedad americana homófoba, obsesionada con el enorme crecimiento del virus nace esta película acerca de una pareja heterosexual que ha decidido casarse. El problema viene cuando llega el momento de invitar a los padres. Los de ella cristianos estrictos y conservadores, los de él, liberales y gays dedicados al mundo del espectáculo. No quiero desvelar nada más, descúbranlo ustedes mismos de la mano de un Robin Williams bigotudo y con una amplia variedad de camisas de colores. Desde mi punto de vista, una de las mejores películas para combatir la homofobia junto con In-and-out.

7. Patch Adams/Despertares

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Y aquí viene mi pequeña trampa. Me ha sido imposible dejar alguna de estas películas fuera. La relación de Williams con la medicina siempre se basó en un remedio casero de vital importancia para la mejora directa del día a día: la risa. Creo que la esencia de ambas cintas se puede resumir en esa pequeña anécdota que varios medios cuentan como la salvación de Superman. Momentos antes de la operación de Christopher Reeve, le advirtieron que solo tenía un 50% de posibilidades de salir con vida. Entonces, un señor bajito con bata y un acento ruso un tanto sospechoso, entró en su habitación dispuesto a realizarle un “examen rectal a Superman”. Se imaginan quien era ¿no? El mismo Reeve reveló más adelante que aquel día fue la primera vez que reía después del accidente, y que aquello le dio fuerzas para seguir adelante.

6. Good Morning Vietnam

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Poco a poco vamos dejando atrás la comedia y nos vamos acercando a los papeles más serios del actor, que por casualidades del destino, resultan ser incluso más brillantes que los cómicos. Ya con los títulos anteriores empezamos a ver cierto claroscuro en las cintas, Good Morning Vietnam sigue esa línea. La cinta narra la historia de un alocado locutor de radio, que solo busca aliviar el infierno que supone la vida de los soldados americanos durante la guerra, con un simpático programa. Sin embargo este deberá enfrentarse a la censura y a las estrictas normas que le imponen desde los altos mandos. Robin Williams en estado puro. Divertida pero cruda. Como la vida misma.

5. El hombre bicentenario

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Llegamos al top 5 y aquí la subjetividad empieza a ganar peso. Personalmente considero este film como uno de los mejores relatos de ciencia ficción. La evolución del personaje, el paso del tiempo, el afán por descubrir la grandeza de la vida, la introspección continua en busca de la respuesta a la pregunta ¿qué significa ser humano?, y por supuesto el debate que mantienen otros títulos como Inteligencia Artificial, Blade Runner o Ghost in the Shell, sobre la posibilidad o imposibilidad de que una máquina se convierte en un ser humano. No recuerdo haber llorado tanto con una película. Nada más que añadir.

4. Señora Doubtfire

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Si Señora Doubtfire está tan arriba es por un motivo muy concreto: los paralelismos entre la vida del personaje y el actor. En el film, Williams interpreta a un actor de doblaje de series de animación, que se encuentra en completo desacuerdo con la imposición de mensajes subliminales de las grandes compañías. Tras despedirse, debe sufrir además un divorcio a causa de que su mujer no le consideraba un adulto serio, si no un niño grande incapaz de tomarse nada en serio. Es algo muy difícil de gestionar, cuando te dedicas al humor, hacer comprender a la gente que no puedes estar siempre de guasa. El trasfondo de la cinta va mucho más allá que una simple película familiar.

Aprovecho para mencionar que el 9 de Septiembre se estrena Kidding, una serie sobre un presentador de un programa infantil (interpretado por Jim Carrey), que acaba teniendo graves problemas psicológicos porque la gente no le toma en serio, y a parte tiene con convivir con la presión de ser un modelo a seguir para los niños del país. Considero que el nuevo proyecto de Michel Gondry, al igual que esta película, nos ayudará a comprender un poco mejor la cruda decisión que tomó el actor hace 4 años.

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Fragmento del trailer de Kidding

3. Jumanji

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El clásico de los clásicos. Una película que todos los niños del mundo deberían ver. Divertida e intrigante, una historia inocente y sencilla que ayuda a desarrollar la imaginación, y a mostrarnos la importancia del amor familiar. Posiblemente sea el papel más conocido de Williams. Poco más se puede decir de esta grandiosa película, cuya fórmula ha inspirado a otras tantas, teniendo a su sucesora espiritual en Zatura y no en esa basura pseudo moderna protagonizada por la «Roca» Johnson.

2. El club de los Poetas Muertos

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Una auténtica estrella polar para todos aquellos que amamos el mundo de la literatura y el lenguaje. El profesor Keating nos enseñó a sentir la poesía, a vivirla, no a estudiarla y memorizarla como intentan obligarnos a hacer aquí en España. El personaje de Williams muestra la grandeza del trabajo del docente, del buen docente, aquel que te enseña a pensar por ti mismo, que te genera inquietudes, y que nunca te da una respuesta, si no que te ayuda a formular las preguntas adecuadas para que la encuentres tú solo. Una historia preciosa sobre el verdadero valor de la palabra y las ideas, con un protagonista referente para muchos. ¡Oh capitán, mi capitán!

1. El indomable Will Hunting

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Y en lo más alto, como no podía ser de otra manera, tenemos la que para mí ha sido la mejor actuación de Robin Williams. Por motivos personales, puedo decir sin miedo a equivocarme que es mi película favorita. No en vano, el único Óscar que ganó en toda su carrera fue gracias a esta cinta. Con un magnífico guion escrito por unos jovencísimos Matt Damon y Ben Affleck, que narra la historia de un joven superdotado, que prefiere pasar sus días vagueando con sus amigos. Por circunstancias de la vida, el joven acaba cumpliendo una sentencia penitenciaria de trabajo a la comunidad en una universidad. Uno de los profesores descubre el don del chico y le insta a trabajar para la universidad pero él se niega, de modo que deciden llevarlo a un psicólogo para que este le “recomiende” aceptar el puesto. Este psicólogo es Robin Williams. Con una barba cerrada y canosa, el actor realiza un trabajo magistral. La crudeza de su personaje, sumada a la naturalidad con la que el genio se desenvuelve en su papel, es sencillamente una obra maestra de la interpretación. Quizás sea yo y mis circunstancias como decía Ortega y Gasset, pero esta película supuso un antes y un después en mi vida, y estoy seguro que en la de muchos jóvenes incomprendidos también.

Sin más, espero que os haya gustado este pequeño homenaje, y que ese genio del humor, padre y maestro de tantos descanse tranquilamente allá donde esté.

Novedades ECC Octubre 2018

Ya tenemos las novedades de octubre de 2018 de Ediciones ECC.

Os dejamos a continuación la nota de prensa con el correspondiente PDF con todas las novedades.

Conmemorando la visita del legendario George Pratt, que será uno de los invitados del stand de ECC en Heroes Comic Con Madrid (21-23 septiembre), recuperamos las novelas gráficas Batman: Harvest Breed y As Enemigo: Amor por la guerra, dos de los títulos más representativos de la carrera de este célebre autor, ganador del premio Eisner en 2003, entre otros reconocimientos.

Además, muchas otras novedades os esperan a tan solo un clic de distancia. ¡No os las perdáis!

Os dejamos a continuación los enlaces a otras novedades de otros meses

Novedades ECC Septiembre 2018

Novedades ECC Agosto 2018

Novedades ECC Julio 2018

Novedades ECC Junio 2018

Novedades ECC Mayo 2018

Novedades ECC Abril 2018

Novedades ECC Marzo 2018

Un saludo y sed felices

Las series que nos hacen felices: Boston Legal

¡Orden en la sala querid@s internautas! En mis últimos análisis de series para esta sección hablé de Me llamo Earl, y también de Oliver y Benji. Hoy he decidido aportaros mi visión sobre una de mis series favoritas de todas cuantas he visto. Dicha serie es….Boston Legal. Creada en el 2004 por David E.Kelley (creador entre otras de El abogado, Ally McBeal, Picket Fences o Mr. Mercedes), Boston Legal duró 5 temporadas. Sus 101 episodios siempre me han sabido a poco teniendo en cuenta el modo en que me embrujó esta serie, que sigue siendo una gran desconocida a día de hoy.

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¿Mola eh?

En su día pasó sin pena ni gloria por la televisión española, siendo cambiada constantemente de días y horas de emisión. De hecho apenas pude ver unos pocos capítulos con tanto meneo en la parrilla televisiva. Pero gracias a esos pocos episodios que me dejaron tan buen sabor de boca, con el paso del tiempo terminé viendo las cinco temporadas de la serie, y qué enorme satisfacción. Siempre que alguien me pide una recomendación para ver una serie, automáticamente una de las primeras que digo es Boston Legal. Da igual si no te gusta el mundo de la abogacía, porque te gustará el trasfondo humano de cada uno de los capítulos de la serie. Te atrapará el sentido de la lealtad y la amistad que comparten Alan Shore (James Spader) y Denny Crane (William Shatner), las situaciones cómicas y delirantes que tendrán lugar dentro y fuera del prestigioso bufete de abogados Crane & Poole & Schmidt, y la feroz crítica a la propia sociedad americana de aquel entonces, que no ha cambiado tanto como pueda parecer.

Una de las primeras cosas que me atrajo para darle una oportunidad a la serie, fue ver a James Spader y William Shatner al frente del reparto, dando vida a la inolvidable pareja de amigos y abogados Alan Shore y Denny Crane. ¿Acaso no os atraería ver al mítico capitán James T.Kirk de Star Trek haciendo de abogado? Pues eso fue lo que pensé yo, que iba a ser de lo más interesante ver al amigo Shatner sentado en el estrado como abogado, en lugar de estar en la sala de la Enterprise. Y en ese sentido las pocas ocasiones en las que el personaje ejercía su trabajo (y me refiero a pocas porque, aunque era un abogado legendario, padecía una enfermedad que le iba afectando a la cabeza), eran bastante divertidas y agradables. La mayor sorpresa de la serie es no solamente el papel de Shatner, sino el inmenso trabajo interpretativo de James Spader como el charlatan, excéntrico y mujeriego Alan Shore, uno de los mejores abogados que yo haya visto en la ficción. 

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Posad serios que no sepan lo locos que estamos.

Mi mención a esos dos actores no quiere decir que el resto de personajes que los acompañan en las 5 temporadas sea olvidable, para nada. De hecho creo que una de las mayores virtudes de Boston Legal es que, aunque hubiera baile de personajes en algunas temporadas, siempre se hacían buenas incorporaciones. Al final lo importante era que, se llevasen mejor o peor los integrantes del bufete Crane & Poole & Schmidt, siempre se tenía la sensación de que eran una familia. 

Es cierto que Boston Legal atraerá más a quienes disfruten viendo series de abogados, sean más serias o cómicas, pero no seáis extremistas, dadle una oportunidad, la merece sobradamente. Por poner dos ejemplos del mismo creador, Boston Legal es el equilibrio entre la seriedad de El abogado, y el surrealismo de Ally McBeal. Ya mencionaba anteriormente que es seria cuando toca serlo, cómica cuando hay que sacar unas carcajadas, y entrañable cuando debe serlo. Por eso sus 5 temporadas siempre me supieron a poco. Menos mal que, a diferencia de otras series canceladas sin poder tener un capítulo de cierre, Boston Legal tuvo un broche de oro, fiel a lo que venía desarrollando en las últimas temporadas. 

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Voy a ganar el juicio y lo sabes.

Así que, aunque suene repetitivo, dadle una oportunidad a esta magnífica serie. A día de hoy, exceptuando algunas tramas y/o juicios referentes a sucesos que pasaban en los años de su emisión, se mantiene muy fresca y no ha perdido un ápice de su encanto. 

Y esto es todo por hoy. ¿Y vosotr@s, habéis visto alguna vez esta serie? ¿Qué os pareció? ¿Vais a darle una oportunidad? 

«Joe Shuster, una historia a la sombra de Superman», de Julian Voloj y Thomas Campi. La triste y terrible historia de los creadores de Superman.

Bienvenidos, auténticos creyentes, a La Tapa del Obseso, la sección de Raúl Sánchez.

Hoy hablaremos del cómic de Julian Voloj y Thomas Campi que nos trae la editorial Dibbuks: «Joe Shuster, una historia a la sombra de Superman».  Como es esperable, trata de los creadores del primero de los superhéroes, Superman, de sus inicios como creadores, de las circunstancias de la creación de un personaje que cambiaría absolutamente su medio, hasta el punto de ser durante décadas el género dominante en éste. Como comenté en el grupo del blog, es un cómic tan bueno como triste. Es una de esas historias que es mejor que te lleguen cuando estés bien de ánimo.

El cómic nos trae la historia como una ensoñación, con esos colores amables y esa regularidad en composición de las viñetas. Los inicios son tranquilos, inocentes, parecen sacados de la infancia idealizada. Los inicios de los creadores de Superman son simpáticos, con humor blanco y nos llenan, como a los protagonistas, de esperanza. Todo ello acompañado con un trabajo de documentación fantástico que puede consultarse en la parte final del tomo. La inspiración para Lois Lane, la muy sorprendente historia de lo que iba a ser al principio Superman y no fue, las otras tentativas relativas a la ciencia-ficción de los propios autores, la diferencia de formas de ser de ambos, el momento mágico y legendarios en que ocurren las ideas para crear al personaje: todo está ahí, contado de manera simple, sencilla y eficaz.

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Como era normal, la historia se cuenta desde el punto de vista de los autores, y se toma parte por ellos. Todo el ambiente de la época en la industria está fantásticamente reflejado, con todo su amateurismo y gente llena de ilusión mandando dibujos e historias a la enorme variedad de revistas de ciencia-ficción de los años 30. Todo esa cantidad de gente queriendo contar mil historias esconde una de las terribles realidades que son el centro de la historia del cómic: una industria inexistente que se levantó sobre otras poco glamurosas, con personajes dirigiendolas que salían de las partes más sórdidas de la sociedad estadounidense.

El éxito totalmente inesperado y rotundo de Superman lo cambió todo para siempre. El cómic encontró su género propio, uno que no existía en el cine, la literatura o la música: los superhéroes. Hubo una auténtica histeria colectiva entre los niños de la época por tener cómics de Superman, y los que compraron sus derechos empezaron a nadar en dólares. No fue así con los autores de la idea, que, como mencionan con tristeza, seguían viviendo en casa de sus padres mientras fuera se desataba la locura. El tema de los derechos del autor, de hasta donde debe participar éste en el éxito y beneficios del personaje creado en una editorial no es algo que fuera demasiado conocido hasta prácticamente hace dos días.

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Hay que decir que el maltrato que puede observarse en el cómic hacia los creadores del primero de los superhéroes fue muy real, y en este caso está, como dijimos antes, muy bien documentado. Las contínuas iniciativas de los autores por no tener que malvivir e intentar negociar con los dueños legales del personaje son tan creíbles como tristes. Con toda la ingenuidad del mundo intentaban sacar lo que desde luego no iban a hacerlo desde un inicio. El caso fue especialmente sangrante, pero casos como el de Kirby (creador del mismísimo Capitán América) también dejan a las claras que las casas editoriales durante muchísimo tiempo tuvieron una mentalidad esclavista respecto a sus artistas. Y hablamos, claro, de autores de primerísimo nivel, creadores de mitos. Algún día sería bueno conocer en profundidad el trato a los que eran simplemente buenos sin alcanzar ese nivel.

Al final estas situaciones le ponen a uno entre la espada y la pared. De la ensoñación de los inicios pasamos a la dura caída, a malvivir a pesar de haber generado un género exitosísimo en el medio. Los colores se apagan. La impotencia llega. Se muestra a las claras que cuando las decisiones tienen la necesidad detrás se toman mal, no se hace precisamente lo más racional a largo plazo. Pero hay que comer, y eso lleva a discusiones, a peleas, a distanciamientos personales. A hacer cosas tristes para sobrevivir, a bajar el listón. El cómic continúa cuesta abajo acompañando a los autores en su impotencia ante la industria y a lo que es peor: la soledad. Es posible enfrentarse a cosas terribles acompañado pero hay pocas peores que estar y sentirse solo frente a algo malo. Y aquí se está solo. Leyendo el cómic te sientes solo. Es mérito de los dos autores hacer que te pongas en la piel de los dos protagonistas de ese modo. Quizás ayuda haber leído superhéroes, por más que a estas alturas de la historia los que han leído los cómics de Superman de los años 30 sean dos y el del tambor.

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Eran cómic para niños, para niños de los años 30. Los intentos de leer casi cualquier cómic de superhéroes de la época llevan a la desesperación y el extrañamiento. Hay varios universos culturales de por medio y el paso de las décadas en el cómic hace difícil su lectura a las nuevas generaciones. ¿Es posible que al cine le pase lo mismo? Desde luego no a la literatura, y si pasa no es en el mismo grado. De todos modos, hay que ver aquellos cómics como el inicio mitológico del género. Y es desolador ver al mito tan tirado por los suelos.

Por que por los suelos acaba uno de los protagonistas, uno de los creadores de Superman. La historia de su salvación tras décadas de lucha llega gracias a Neal Adams y su conocimiento de la situación terrible de los autores (aunque previamente le intentara ayudar Stan Lee dándole trabajo, cosa que no resultó al estar claramente desfasado). Los aficionados de la época y la cercanía de la mitológica película de 1978 consiguieron poner fin a décadas de miseria para los creadores. Miseria que sufriremos con ellos, que viviremos con ellos, de una manera seca, directa pero sin regodearse. Hay que agradecer al cómic su sutilidad al hacernos llegar según qué cosas, con la única excepción de la aparición de Bob Kane, uno de los creadores de Batman, que aparece retratado en el cómic exactamente como se merece.

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Es un cómic que recrea la furiosa y maravillosa década de los 30, que retrata muy bien el ambiente editorial y que es honesto en cuanto a la pelea y los mil intentos diferentes a lo largo de las épocas para tener algo de reconocimiento de los autores. Es muy aleccionador y muy triste a la vez. Los creadores del personaje que encarnaba los valores del pueblo estadounidense luchando toda su vida contra el mismo sistema para, al menos, poder comer de lo creado. Es un imprescindible para todo el mundo por el eco del personaje en la cultura, pero aún más si en algún momento de tu vida te han gustado los superhéroes. Sus creadores parieron los superhéroes con dolor y muchas veces en el olvido, que nadie lo pase nunca por alto.

Sed felices.

Reseña de Desolación Jones. Un agente peculiar de Warren Ellis, Danijel Zezelj y J. H. Williams III

Introducción

El pasado mes de junio de 2018, ECC Cómics publicó Desolación Jones. Tomo que recopila todo el material de este peculiar agente del MI6, creado por Warren Ellis y J. H. Williams III. Más artículo, a modo de presentación del título, y portadas originales.

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Los dos arcos argumentales de Desolación Jones

Desolación Jones está estructurado en dos arcos argumentalesHecho en Inglaterra y Estar en Inglaterra, guionizados por Warren Ellis. El primero dibujado por J. H. Williams III y el segundo por Danijel Zezelj.

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En el arco argumental de seis cómics, Hecho en InglaterraEllis y Williams III nos presenta a Desolación Jones. Jones es un antiguo agente del MI6, que trabaja como investigador privado en los Ángeles.

El caso de Hecho en Inglaterra, la recuperación de unas grabaciones porno de cierto personaje histórico para un excéntrico multimillonario, es la excusa para mostrar la forma de operar de Jones, el ambiente en que se mueve y sus colaboradores. Esos son otros ex espías como él, que han constituido una especie de comuna. Una comunidad formada por experimentos fallidos del Servicio Secreto Británico. Tal es el caso del protagonista del cómic, Michael Jones. Jones fue sometido al Proyecto Desolación, destinado a mejorar a los agentes del MI6. Lo que se tradujo en una serie de habilidades sobrehumanas para Jones. Pero el doloroso proceso llevaba aparejado unas terribles secuelas físicas y psíquicas, que hizo que este competente agente abandonara a sus superiores y se instalara por su cuenta. Además de desarrollar un comprensible «mal carácter», marca de la casa de muchos personajes de Ellis.

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El estilo descarado y transgresor de Ellis, en esta primera trama de Desolación Jones, es plasmado por el gran J. H. Williams III. Las atrevidas composiciones de página de este último y su versatibilidad, a la hora de mostrar el contexto de cada situación en Hecho en Inglaterra, dejan al dibujante a la altura de su reputación, adquirida en tebeos como Promethea, donde realizó el que para mi es su mejor trabajo.

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El segundo arco argumental, Estar en Inglaterra, ya no cuenta con J. H. Williams III y se nota. Danijel Zezelj cumple con creces pero no se puede comparar con Williams III. Aunque supongo que la comparación  no es justa porque esta segunda historia se quedó inacabada. Lo mismo el estilo más oscuro de este artista croata hubiera terminado por convencerme.

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El caso es que Ellis confirmó en su momento que no iba a continuar con la colección, ¡vete  a saber lo que pasa por la cabeza de este hombre!, así que uno se queda con las ganas de saber que ha pasado con el antiguo compañero de Jones. Trama esta última conectada con una película biográfica sobre Philip K. Dick, famoso escritor de ciencia ficción que Ellis parece admirar. Bueno, admiramos todos. A fin de cuentas K. Dick fue el autor de  ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? (1968), novela que inspiró la gran película  Blade Runner (1982), una de mis favoritas.

Valoración final

Aún con el inacabado Estar en Inglaterra, que deja algo cojo este título, puedo decir que Desolación Jones es 100% Ellis. Esa combinación entre espionaje, ciencia ficción y misticismo, con cierta dosis de gamberrismo,  tan característica de él. Ese estilo que ha conseguido defensores y detractores a partes iguales del autor inglés. Así que si te gusta las temáticas de Ellis. Desolación Jones es material que no te va a defraudar. Material, por cierto, nominado 6 veces a los Premios Eisner en 2006. ¡No esta mal para un título inacabado!

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Series y películas de HBO que debes ver en Agosto

Agosto es un mes de diversos estrenos en diferentes plataformas pero hoy nos vamos a detener en una de las grandes cadenas de televisión, HBO y vamos a repasar la programación mas destacada tanto en España como Latinoamerica para que todos puedan saber que ver.

Una vez dicho esto vamos a repasar las series mas destacadas en HBO España mas interesantes. Este mes renueva la segunda temporada Get Shorty, una serie basada en la novela de Elmore Leonard sobre un asesino a sueldo de Nevada que intenta convertirse en productor de cine en Hollywood para poder dejar atrás su vida criminal, vuelve el 13 de agosto.

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Get Shorty segunda temporada: Estreno 13 de agosto

Ademas tenemos dos comedias dramáticas que vuelven a la cadena, una de ellas es la cuarta temporada de Ballersprotagonizado por el rompe taquillas Dwayne «La Roca» Johnson, una serie retrata la vida de un grupo de jugadores de fútbol americanos, vigentes y retirados, donde nuestro protagonista Spencer intenta reubicarse mientras entrena a otros jugadores. Ademas tenemos la segunda temporada de Insecuredos mujeres afroamericanas que deben enfrentar sus propios defectos de la vida real en sus intentos de navegar por diferentes mundos y lidiar con una serie de incómodas experiencias cotidianas, ambas van a ser transmitidas tanto en HBO Latinoamerica y HBO España el mismo día para ambas series, el 12 de agosto para Latinoamerica y 13 de agosto para España.

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Bullers: Estreno el 12 de agosto
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Insecure: 12 de agosto en Latinoamerica y 13 de agosto en España

En cuanto a las películas tenemos 2 catálogos totalmente diferente pero ambas con contenido muy interesante. En HBO España, encontramos películas de terror para disfrutar este mes, por un lado tenemos Nunca apagues la luz (2016) película basado en el cortometraje del mismo nombre este largometraje que asusto a todo el mundo con una interesante primicia, una interesante propuesta si te gusta el cine de terror se estrena el 19 de agosto. Por otro lado tenemos Pesadilla en Elm Street (2010) la ultima película de la franquicia de uno de los Slashers mas terroríficos de las historia del cine, Freddy Krueger si bien este filme es de lo mas flojos de la franquicia no cabe duda que mantiene la esencia de las primeras películas y si quieres saber sobre el origen de este perseguidor de sueños es buen momento para saberlo, podrás verlo el 23 de agosto.

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Nunca apagues la luz: Estreno 19 de agosto

Ahora cruzamos de continente para ver propuestas mas que interesante, entre la cual destaca el documental Robin Williams: Entre en mi mente, divertida y al mismo tiempo deprimente historia de uno de los cómicos mas queridos del mundo en donde veremos sus inicios en los años 70′ que lo llevo a Hollywood hasta su suicidio en 2014. Se estrena el 10 de agosto.

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Robin Williams: Entre en mi mente: Estreno 10 de agosto

Al igual que en España, HBO Latinoamerica presenta 2 películas de terror de renombre. Por un lado, tenemos a IT (2017) el taquillero filme de terror basado en la novela de Stephen King el 11 de agosto y Feliz día de tu Muerte, la versión del día de la marmota, pero en este caso con una chica que vive el mismo día en el que la asesinan, el 25 de agosto.

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IT Estreno 11 de agosto
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Feliz día de tu muerte Estreno 23 de agosto

Como podemos ver Agosto es un mes bastante liviano en cuanto a estrenos pero se pueden destacar cosas interesantes con muchas películas de terror para pasar la noche acompañado y comiendo mucha comida chatarra.

Análisis de Heridas Abiertas. Temporada 1. Capítulo 5.

Bienvenidos una semana más al “encantador” pueblecito de Wind Gap. Para todos aquellos que no hayan visto Intimar, quinto episodio de Heridas Abiertas, aquí tenéis todos los análisis del resto de capítulos. Para los que ya hayan visto el episodio, vamos al análisis.

EL MEJOR CAPÍTULO DE LO QUE VA DE SERIE

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 No he leído la novela hómonima de Gillian Flynn, así que desconozco la importancia de la intriga en la trama, pero lo que sí está claro es que Heridas Abiertas parece empeñada en no querer avanzar en la investigación del doble asesinato de Wind Gap y sí centrarse más en el alma atormentada de Camille Preaker y, sobre todo, en la mentalidad de Wind Gap. O, lo que es lo mismo, la del sur de los Estados Unidos.

De hecho, es muy llamativo que el mejor capítulo de lo que llevamos de serie no adapte un pasaje de la novela. Tal vez por eso es el episodio más cinematográfico, menos sujeto a flashbacks fugaces y con una visión más panorámica del pueblecito sureño.

El principal evento que engloba el episodio es el día de Calhoun, una fiesta que Alora se empeña en convertir en tradición y que homenajea a la fundación de Wind Gap durante la Guerra Civil estadounidense, un conflicto que parece estar lejos de resolverse en la psique de los sureños estadounidenses. Fuera de la tensión que puede provocar la presencia de Bob Nash y John Keene, el día de Calhoun es un reflejo de la hipocresía de la sociedad blanca, racista y misógina de Wind Gap. ¿A nadie le escama la ausencia de gente de color en el pueblo?

Sin duda, la escena más perturbadora de Heridas Abiertas no es un flashback, un asesinato o una autolesión de Camille, si no la morbosa representación de la leyenda de Calhoun: la tátaratataratatarabuela de Adora, de familia Unionista, se casó con un soldado confederado que marchó a la guerra dejando el pueblo indefenso. Cuando los Unionistas llegaron al pueblo, la protagonista de la leyenda fue violada y torturada por no querer revelar la ubicación de su marido. Así, contemplamos asombrados como un centenar de personas asiste con emoción a como unos adolescentes fingen la violación de Amma, que interpreta a Calhoun. Una Amma que, por cierto, ha tomado éxtasis antes de actuar y parece disfrutar de esa escena. El hecho de que los Unionistas sean representados como violadores nos da a entender que el conflicto del siglo XIX todavía no está del todo resuelto en Estados Unidos. Que Amma no pudiera cambiar el guión de la obra, con una Calhoun que pelea junto con sus compañeras contra los soldados Unionistas, también refleja la mentalidad misógina de Wind Gap.

Al final, la obra acaba abruptamente por el esperado enfrentamiento entre Bob y John y la desaparición de Amma, probablemente la persona de Wind Gap que más puede saber detalles acerca del caso, pero no es eso lo importante en Heridas Abiertas.

¿PUEDE ODIAR UNA MADRE A SU HIJA?

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 El capítulo también nos muestra un desarrollo en la relación entre Adora y Camille. La primera, que parece obviar la irrupción de su marido en el capítulo anterior, sigue tan teatral y calculadora como siempre. La decepción con Camille es manifiesta y, por primera vez en la serie, tenemos una causa. No se debe a la muerte de su otra hija, si no que el odio comenzó mucho antes: con el padre de Camille, un hombre misterioso al que Adora ve en Camille y, debido a ello, le es imposible quererla. No solo eso, sino que tampoco duda en provocarla invitando a Willis a ver la casa familiar durante la fiesta y a pisar el suelo de marfil sobre el que ella nunca pudo poner un pie.

Esa decepción aumenta con la revelación de los múltiples cortes que surcan el cuerpo de Camille antes de la fiesta. Aunque, por qué no decirlo, también sirve para que Amma adquiera conciencia de lo rota que está su hermana mayor por dentro.

CONCLUSIONES

 Parece claro que la hipocresía es un mal endémico en Wind Gap. Lo vemos en el día de Calhoun, en las amigas de Adora, en las de Camille, en las miradas furtivas entre el jefe de la policía del pueblo y Adora, en esa declaración oculta de amor del organizador de la obra y probable violador de juventud de Camille. Quedan tres capítulos, pero lo único que podemos afirmar con seguridad es que Amma sabe algo.

Sed felices!

Análisis de Better Call Saul. Temporada 4. Capítulo 1

Bienvenidos al primer análisis de la cuarta temporada de Better Call Saul. Luego de una larga espera Habemus Capitulum I. 

Análisis anteriores:

Análisis de Better Call Saul. Temporada 1

Análisis Better Call Saul. Temporada 2

Análisis Better Call Saul. Temporada 3

El Señor Takavic

Jimmy mcgill temporada 4 better call saul

Las escenas blanco y negro en el Cinnabon quedaron en la tercera temporada en el momento en que Jimmy se desmaya. No supimos qué más ocurrió hasta este nuevo episodio. Jimmy fue llevado a emergencias y atendido por los médicos. Le hicieron cantidad de evaluaciones, pero no fue nada grave. La policía y quienes lo atendieron le llamaban señor Takavic, obviamente Jimmy está usando una identidad falsa para ocultarse. Se pone nervioso cuando debe suministrar sus datos personales y hubo problemas con su número de seguro social cuando la recepcionista copió su número mal. Jimmy no parecía tranquilo con este inconveniente. Se inquietó mucho con las referencias de Albuquerque que vio en el taxi de regreso a casa, desconfiando así del conductor y manteniéndose alerta al bajarse. Es una pena ver al carismático abogado que conocemos por sus hazañas para salir de apuros, en una tensa condición que no lo permite ser libre ni ser él mismo. Es probable que este desmayo sea por el estrés con el que esta cargando luego de todo el lío que quedo en Albuquerque y sus relaciones con personas asociadas a actos ilícitos.

La llamada de Howard Hamlin

Jimmy está en casa de Kim. En la madrugada se despierta temprano a darle de comer a su pez, preparar café y buscar empleo en el periódico, pues está suspendido como abogado y debe ocuparse en otra labor. Una llamada de Howard llega a su móvil, pero por razones obvias él no quiere atenderla. El teléfono de la casa de Kim timbra y es Howard de nuevo dejando un mensaje para Jimmy sobre Chuck. Reciben la noticia sobre el incendio (que ya se veía venir desde el último episodio de la temporada 3). Jimmy llega apresurado a la casa de Chuck que ya esta completamente carbonizada. Entre el desorden de la policía y los bomberos hay una furgoneta forense. Chuck está muerto. Yo esperaba una reacción más dramática por parte de Jimmy. A pesar de todo lo que había pasado entre ellos seguía siendo su hermano. Pero Jimmy se endurece y no parece muy afectado. 

Bob Odenkirk Jimmy McGill Rhea Seehorn Kim Wexler Patrick Fabian Howard Hamlin Better Call Saul Season 4 Episode 1

Jimmy se le ocurre la hipótesis de que lo sucedido con Chuck no fue un accidente y que el incendio fue provocado por él luego de una recaída emocional. Sus sospechas sobre el posible suicidio de Chuck se aclararon cuando Howard los visita en casa de Kim para confesarles que se sentía culpable por haber sugerido a Chuck que se retirara de HHM. Howard también sugiere que lo de Chuck no fue accidental. Jimmy le fascinó que Howard se sintiera culpable, no pudo reprimir su cara de felicidad por un momento. Solo le comentó:

“Bueno Howard, supongo que te toca cargar con eso”

Asesor de seguridad de Madrigal Electromotive

Mike Ehrmantraut bettercallsaul 4

En el episodio 9 de la temporada 3, Mike se convenció de hacer un trato con Gus Fring, pues le preocupa cómo manejar la gran cantidad de dinero que tiene oculta. Gus le ofrece una solución a través de Lydia Rodarte-Quayle. Entrar en la nómina de Madrigal Electromotive para lavar su dinero haciendo una falsa contratación. Sin embargo, Mike no queda convencido y va a trabajar como cualquier empleado. Hace un recorrido por los depósitos de inventario y supervisa cada detalle. En el próximo episodio veremos que pasará con este asunto porque no creo que Lydia quede contenta con este desliz de Mike, aunque Mike siempre tiene la razón, seguramente llegarán a un acuerdo.

El derrame cerebral de Hector 

Para cerrar este análisis, efectivamente Hector Salamanca sufrió un derrame cerebral. Sus tiempos acabaron y Don Eladio deja a cargo del negocio de Salamanca a Nacho y a su compañero. Aunque es probable que el mando de estos negocios los quiera tomar Tuco Salamanca. Uno de los hombres de Gus Fring está vigilando a Nacho, esto puede hacer que más adelante se gane la confianza de Fring. Nacho debe deshacerse de las pastillas alteradas, para no dejar evidencias de que el derrame de Hector fue intencional.

Nintendo Direct: Las novedades del nuevo Smash Bros. Ultimate

Como es ya de costumbre, Nintendo se guarda sus novedades y se aísla de todas las conferencias para contarlas todas en un Nintendo Direct, una forma vía streaming donde presentan nuevos juegos, noticias y contenido para su plataforma. En esta ocasión el directo fue enfocado hacia las novedades que tendrá el nuevo Super Smash Bros Ultimate que saldrá el 7 de diciembre de este año para la Nintendo Switch.

super smash bros ultimate 2

Empecemos por los nuevos personajes, una de las sorpresas mas importantes de esta entrega es de King K. Rool, quien se une al plantel al plantel de personajes jugables. El cocodrilo villano de la trilogía de Donkey Kong Country es la nueva incorporación a un videojuego que sigue agregando a villanos, algo que ya hacía falta.

Otro personaje que se suma a la entrega es Simon Belmont, otra vez Nintendo agrega personajes fuera de sus franquicias para incorporar desde Konami al fuerte protagonista de la saga de Castlevania, personaje que nos dejo a todos sorprendido aunque se haya filtrado y que cuenta con muchas de sus habilidades como el agua bendita y la cruz. Ademas también aparece Richter Belmont, otro caza vampiros aunque este pasa a formar parte de skin alternativa de Simon, otros trajes alternativos que se suman es el de Chrom de Fire Emblem para Roy y Black Samus de Metroid obviamente para Samus, una manera sutil de expandir el plantel de personajes.

Ahora es momento de los escenarios, donde Nintendo nos muestra mediante una gráfica que es el Smash con mas escenarios de la franquicia con 103 escenarios diferentes (esto también cuenta los escenarios alternativos). Entre los escenarios nuevos mas destacables podemos encontrar a el Castillo de Dracula de Castlevania y el ayuntamiento de New Donk City del Mario Odisey. También se ha añadido un componente cuanto menos interesante, la opción de cambiar de escenario en medio de la batalla, algo que aumenta la experiencia y ademas ahora el escenario se elige antes que los personajes con lo cual podrás elegir el personaje según el escenario que se eligió y hacer una batalla temática.

Otro punto en donde nos detenemos es la incorporación de los nuevos ayudantes, no me parare a explayarme en este punto pero si vale la pena nombrarlos, se agregaron 7 nuevos ayudantes.

  • Ditto (Pokemon)
  • Knuckles (Sonic)
  • Zero (Megaman X)
  • Krystal (Star Fox Adventures)
  • Shovel Knight
  • Rathalos (Monster Hunter) que además funcionará como Jefe del posible modo Historia
  • Luna Maligna (Majora’s Mask).

Y por ultimo modos de combate, los mas importantes son el modo Torneo de 32 jugadores de manera local, otro 3v3 y 5v5 y el mas interesante el Smash Total un modo de juego maratónico donde se utilizan a todos los personajes para elegir y cuando quedan eliminados ese personaje deja de estar disponible, una manera muy entretenida y estratégica para jugar con amigos.

Algo que nos dejo la pica es la probablemente incorporación del Modo Historia y digo probable porque en la transmisión se puedo ver el menú completo del juego y dentro de las opciones del el juego aparecía un botón gigante de color verde pixelado. Desde Nintendo dijeron que aun no están preparados para mostrar la noticia así que toca esperar otro Nintendo Direct.

Screenshot 8

Siguiendo con la música, la presentación de la compañía japonesa nos ha dejado el anuncio del reproductor que incluirá 28 horas de música. Nintendo ha confirmado que este reproductor contará con 900 canciones pertenecientes a todos los títulos anteriores de Smash, pero también del resto de franquicias de los personajes. Por poner un ejemplo, Nintendo ha sacado pecho de que solo de Castlevania el estudio ha conseguido rescatar e incorporar 34 temas, todos ellos clásicos como contemporáneos.

Sin embargo, una de las novedades más curiosas es que la gran cantidad de música licenciada ha dado la posibilidad a los nipones de incorporar una nueva función para Switch. Esta podrá funcionar como un reproductor de música aún cuando la consola esté en modo reposo. Ya no hay excusas para no escuchar la música de Smash.

smash edicion limitada

Para concluir, la compañía ha anunciado que Super Smash Bros. Ultimate contará con una Edición Limitada que incluirá una copia del juego, un mando de GameCube y un adaptador para cuatro mandos de la misma consola. Todo ello disponible el próximo 7 de diciembre.

En fin, esto es lo mas destacable de lo que presentara el nuevo Smash y esperaremos a mas noticias sobre el juego, aquí dejo el directo por si lo quieren ver completo.

7 Joyas del cine que tendrías que haber visto en lo que llevamos de 2018

¿Quieres ponerte al día en cuanto a películas de este año? He preparado este artículo para ayudarte a ello. Escribo sobre algunas de las grandes películas que se han estrenado este año en España hasta ahora, alejándome de títulos de sobre conocido por todos como Los Vengadores: Infinity War, Deadpool 2, La forma del agua, Ready player, etc…que aunque podrían haber entrado en esta lista perfectamente, he preferido introducir otro tipo de películas menos conocidas. No olvides comentar al final con tus preferidas de las que llevamos de año y tu opinión sobre las películas del artículo.

Lady bird

¿Quien la dirige? Dirigida por Greta Gerwig, conocida hasta ahora sobre todo por su carrera como actriz, pero demostrando que con su juventud y talento, es directora a tener en cuenta con sus futuros estrenos.

¿Quiénes la protagonizan? Protagonizada por la joven Saoirse Ronan (The Host, El gran hotel Budapest) en el papel de Christine «Lady Bird», quien a pesar de su edad ya ha sido nominada a varios premios importantes como los Premios Oscar y  Globos de Oro, ganando el de mejor actriz por esta misma película. El resto del reparto lo completan Laurie Metcalf (Rosseane), caracterizando a la madre de Christine, Marion Mcpherson.

¿Qué nos cuenta? La película empieza con la mudanza al norte de California de una joven estudiante que se hace llamar Lady Bird. Una chica con un carácter férreo, al igual que su madre, lo que provocará dispuestas en sus relaciones debido a su personalidad protectora.

Lady Bird es una película aparantemente sencilla y modesta, pero que encierra un gran talento de guión e interpretaciones. El personaje de Saoirse Ronan es encantador, complejo y maravillloso. Una película sobre relaciones familiares y sobre la adaptación de la adolescencia. Cuando el mundo se te queda pequeño. Una joyita.

Hereditary

¿Quién la dirige? El americano Ari Aster es el encargado de dirigir y escribir Hereditary, su primer largometraje. Y tendremos que estar atento a sus futuros trabajos después de este gran estreno.

¿Quiénes la protagoniza? Hereditary no es una película fácil para sus actores, debido a la gran carga emocional que soportan sus personajes, pero todos sus actores lo hacen magníficamente. En especial Toni Colette (Pequeña Miss Sunshine y  Voces en la noche) en su papel de Annie Graham. El resto de la familia la forman Alex Wolf (The Naked Brothers Band), Gabriel Byrne (Vikings) y la pequeña Milly Saphiro, con una actuación en el papel Charlie Graham que no deja indiferente a nadie, cercana a la perfección, y quien a pesar de tener solo 16 años no es una novata en el mundo de la actuación, ganadora un Tony por su actuación en el musical Matilda un año atrás.

¿Qué nos cuenta? Una vez que muere la abuela de la familia Graham, empiezan a pasar cosas extrañas. La muerte está cercana a la familia, más cuando Annie encuentra enlaces entre su madre fallecida y el espirituismo.

Si te gusta el cine de terror, Hereditary puede ser uno de los grandes estrenos de los últimos años. Una película que huye de los tópicos de cine de terror cargados de sustos. Pasar miedo no es suficiente para Ari Aster, este quiere que sufras con los personajes, cargando la emoción y  tensión que sufren ellos.

Un lugar tranquilo

¿Quién la dirige? Joe Krasinski, otro novato en cuanto a dirigir largometrajes, conocido sobre todo por su carrera actoral en The Office. Buen futuro le auguro en el futuro como director al bueno de Joe.

¿Quiénes la protagonizan? Emily Blunt (Sicario y La chica del Tren) y el propio director Joe Krasinski protagonizan esta cinta. El resto de la familia Abbott la completan los jóvnes Millicent Simmonds y Noah Jupe. Muy buenos papeles en una cinta difícil, casi muda, en la que los actores llevan casi todo el peso de la cinta.

¿Qué nos cuenta? La familia Abbot vive en una granja aisla de toda civilización, sobreviviendo como pueden en un mundo invadido y estruido por unos monstruos que se guían por el sonido para cazar. Debido a esto, la familia tendrá que adaptarse para sobrevivir, comunicándose con señas y protegiéndose mutuamente de la amenaza. Si no te escuchan, vives, si te escuchan…

Una película interesante, y a pesar de no ser redonda, provoca ansiedad y curiosidad, sobre todo después de un comienzo espectacular. Muy bien trabajada, con buen gusto del director y que gustará sobre todo si buscas un thriller escalofriante en lugar de una película de terror al uso.

 

Tres anuncios en las afueras

¿Quién la dirige? Dirigida por Martin McDonagh, quien tiene una conocida carrera como director de teatro y que aunque cuenta con pocas películas, poco a poco va mostrando en el cine su calidad con un estilo violento y alejado de lo políticamente correcto.

¿Quiénes la protagonizan? Grandes actores tenemos en el reparto: Frances McDormand (Fargo), con un trabajo descomunal que la ha llevado a ganar su segundo Premio Oscar. El gran Woody Harrelson (True Detective) y Sam Rockwell (Moon), cuyo trabajo en esta cinta le ha llevado a ganar casi todos los premios posibles, premiando una larga carrera con papeles secundarios pero de gran calidad.

¿Qué nos cuenta? La película se ubica en un pequeño pueblo de los Estados Unidos, cuyo asesinato de una joven provoca la lucha de su madre Mildred Hayes contra  el cuerpo policial del pueblo, debido a que considera que el jefe de policia, William Willoughby, no hace lo suficiente para esclarecer el caso del asesinato de su hija.

Para mí, una de las mejores películas estrenadas en los últimos años. Un reparto simplemente espectacular, con una Frances McDormand haciendo un personaje con una fuerza y personalidad brillantes. Pero no solo el papel de sus actores, sino un guión con grandes diálogos y una estética cuidada, creando situaciones quizás demasiado excesivas en ocasiones, pero que terminan en una gran película que no te puedes perder.

Isla de perros

¿Quién la dirige? Wes Anderson, quien desde varios años ya es sinónimo de calidad asegurada, dirige su segundo largometraje en stop motion después de Fantastic Mr Fox (2009).

¿Quiénes la protagonizan? En las voces de los personajes tenemos a actores de la talla de Scarlett Johanson, Bill Murray, Jeff Goldblum, Edward Norton, Brian Carston y Tilda Swinton. 

¿Qué nos cuenta? Ubicada en una futura pero distópica Japón, en la que debido a una supuesta epidemia de gripe canina, se decide evacuar a todos los perros en una isla. Debido a esto, Atari, un niño de 12 años llega a la isla a buscar y rescatar su preciado perro Spots.

Cuidado cada plano hasta el punto de la obsesión, Isla de perros es uno de los grandes estrenos del año. Estéticamente es desbordante, con unos personajes maravillosos y llevando el lenguaje de la animación a otro nivel.

Molly´s Game

¿Quién la dirige? Dirigida y escrita por el reputado guionista de series Aaron Sorkin, creador de El ala oeste de la casa blanca.

¿Quiénes la protagonizan? Protagonizada por una de las mejores actrices actualmente: Jessica Chastain, quien lleva el peso de la película y suma en cada escena en que aparece. Como secundario de lujo tenemos a Idris Elba.

¿Qué nos cuenta? Seré sincero. La trama de Molly´s Game no me atraía nada. No creo que sea interesante y pocas personas se acercaran a ver la película, aunque basada en hechos reales, de una persona que llegó a ser millonaria organizando partidas de póker. La cuestión es que la película está hecha con un gran calidad, el guión es fantástico y frenético, las actuaciones tienen personalidad y el ritmo es acelerado. Un thriller con personalidad con un gran personaje femenino, brillante en ocasiones. 

Call me by your name

¿Quién la dirige? Dirigida y escrita por el italiano Luca Guadadnino, quien a pesar de no tener demasiadas películas estrenadas, ha colaborado en gran número de ellas. Esperamos que se atrava a coger la batuta de más producciones.

¿Quiénes la protagonizan? El joven Timothée Chalamet y Armie Hammer (La red social) dan forma a esta película haciendo un gran trabajo. El resto del reparto lo completan Michael Stuhlbarg y Esther Garrel.

¿Qué nos cuenta? Un joven de 17 años llamado Elio Perlman pasa el verano de 1983 en el norte de Italia junto a sus padres. Allí conoce a Oliver, un amigo de sus padres que viene a pasar unos días en su casa y al que poco a poco irá conociendo más.

Call Me by Your Name no dejará indeferente a nadie, en ningun momento lo evita, es valiente y no esquiva los dardos que se ve que lanzarán una parte del público. La película es, a pesar de tener un ritmo irregular, una maravilla cálida y emocionalmente cautivadora. Elio y Oliver llegan a ser una de las mejores parejas que hemos visto en el cine reciente.

10 cómics para entretener a los niños este caluroso verano

Acaban las clases y no sabemos que hacer con los niños. ¿Es que nadie piensa en los niños? Pues nosotros si y también en los padres que están hasta los mismísimos de pasar el día en la playa cuando lo que quieren es echarse una buena siesta y ver el Mundial de Fútbol por la tele. Así que, para que los niños no den la lata y podamos disponer del televisor a nuestro antojo, hemos elaborado una lista con los mejores cómics infantiles para entretenerse este verano. También podéis comprarles la PS4 pero saldrá algo más caro y no podréis ver el Mundial a vuestro gusto. Aquí os dejamos la lista, que hemos elaborado obviando los gustos de nuestra infancia porque los tiempos cambian y los años no pasan en balde, aunque también es verdad que hay clásicos atemporales.

Quena y el Sacramús

Clásico atemporal, de gran calidad y en gran parte inédito en España, Quena y el Sacramús, con guión y dibujo de Gos (seudónimo de Roland Goosens) cuenta la historia de un chaval, Quena, que vive apaciblemente en un pequeño pueblo de Francia hasta que entra en contacto con un extraterrestre de aspecto parecido a un gato, el Sacramús del título. El Sacramús, algo gamberro y anárquico, llevará a Quena a conocer su fantástico origen y a vivir múltiples aventuras junto a personajes como Los Galaxianos, otra raza de extraterrestres con aspecto de oso amoroso que son el doble de gamberros y el doble de anárquicos que el propio Sacramús. El dibujo, con claras reminiscencias de Peyo (Los pitufos), resulta una delicia y las historias están plagadas de emoción, aventura y diversión. Un valor seguro para pequeños y no tan pequeños, Dolmen Editorial publicará próximamente el cuarto tomo de la serie.

Quena y el Sacramus

My Little Pony: La magia de la amistad

El título publicado por Planeta Cómic adapta de la serie de televisión del mismo nombre, desarrollada por Lauren Faust a partir de la línea de juguetes de Hasbro. Las aventuras de Twilight Sparklen y compañía destacan sobretodo por su humor y por transmitir valores como la amistad y la solidaridad de forma inteligente. Katie Cook y Andy Price trasladan fielmente el espíritu de las historias de la serie a las viñetas con un estilo gráfico que es calcado al de la pequeña pantalla. No me atrevo a recomendarlo a los más mayores pero en EE.UU. sus seguidores más talluditos se cuentan por miles, así que algo deben tener.

My little pony

Marieta. Los recuerdos de Naneta

El cómic de Nob publicado por la editorial Dibbuks resulta entrañable para todas las edades. Los niños se sienten identificados con las aventuras y las travesuras de Marieta, la niña que se ve obligada a vivir con sus abuelos en el campo; la mirada tierna y nostálgica del autor es lo que hace que muchos adultos esbocen una sonrisa al leerlo. El dibujo se apoya en un uso del color que le da un aire muy pictórico a todo la obra, lo que llama la atención de todo aquel que lo hojea por primera vez.

marieta

Fairy Quest

Editado por Ediciones Babylon en dos tomos, quizás la obra no fuese pensada expresamente para el público infantil pero os puedo garantizar que esta vuelta de tuerca al mundo de los cuentos clásicos no les va a dejar indiferentes. Curiosamente se trata de un crowdfunding realizado por autores tan conocidos para el aficionado como Paul Jenkins y Humberto Ramos. El dibujo del mexicano en Spider-Man no siempre me ha parecido el más adecuado pero para este serie no se me ocurre nadie mejor.

Fairy Quest

Bone

Un clásico editado por Astiberri algo más contemporáneo, aunque ya han pasado unos años desde que Jeff Smith consiguió terminar esta mezcla entre Disney y El Señor de los anillos. Pese a ser un claro precedente de la narración descomprimida que tanto hemos criticado en esta web, las aventuras de los bones en ese universo medieval, con sus estúpidas monstrorratas, dragones cínicos y carreras de vacas enganchan a muchos pequeños sobretodo por el dibujo de Smith. No se que tienen los personajes narigudos que despiertan simpatía.

Bone

PatoAventuras

Y si hablamos de la casa del ratón, no podía faltar un título protagonizado por él y sus compañeros Donald y Goofy, auque en lugar de optar por el clásico Don Miki hemos optado por el título que adapta el reboot de la serie de televisión. Donald, Jorgito, Juanito, Jaimito y el Tio Gilito, en formato álbum «europeo» y en viñetas grandes, protagoizando historias cortas y autoconclusivas que resultan un magnifico modo de iniciar a los niños en el vicio, esto… en el hábito de leer tebeos.

Patoaventuras

Yo-kai Watch

Que no falte un manga, en este caso editado por Norma Editorial. Parecían los nuevos pokemons pero, si les prestas atención, te das cuenta de que solo lo parecen ya que los yo-kai, esos demonios – espíritus que rondan a los mortales para determinar su comportamiento, son mucho más socarrones y surrealistas que los otros. Su anime tiene episodios que son delirantes, como el dedicado a Komasan, un auténtico paleto de pueblo al más puro estilo Paco Martínez Soria que consigue escalar posiciones dentro de una multinacional sin pretenderlo y a base de malentendidos. El único problema, a priori, es que hay que leerlo al revés, en sentido de lectura oriental pero sorprende lo rápido que los pequeños se adaptan a ello.

Yo Kai Watch

Los Campbell

Al aburrido que no le gusten las historias de piratas que levante la mano. ¿Nadie? Ya decía yo que era imposible. Por eso no hay que dejar pasar esta magnífica serie del español José Luís Munuera en la que una familia de piratas surca los siete mares en busca de tesoros y diversión.

Los Campbell 1

Los diarios de Cereza

El cómic de Joris Chamblain (guión) y Aurelie Neyret (dibujo) es uno de los fenómenos editoriales del año, publicado en España por Alfaguara. La obra recuerda en cuanto a estilo a Marieta. Los recuerdos de Naneta, aunque menos bucólica y campestre y con un toque más de fantasía, huyendo del costumbrismo de la obra de Nob. Otra buena opción para iniciar a los más pequeños en la lectura.

Diarios de Cereza

Oz. Clásicos ilustrados Marvel

Fenomenal adaptación de las historias de L. Frank Baum por parte del guionista Eric Shanower, muy respetuoso con el material original, y el dibujante Skottie Young, que realiza quizás su mejor obra para La casa de las ideas. Las páginas de Oz son una auténtica maravilla, tanto por su dibujo como sobretodo por el color.

OzY hasta aquí hemos llegado. Un saludo, sed felices y pasad el verano como podáis, que ya queda menos para el regreso al cole.

Crítica de La muerte de Superman (2018): una adaptación irregular, pero entretenida

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La animación de DC, por lo general, es superior a la de su competidora directa Marvel, al contrario de lo que sucede actualmente con las cintas de acción real. No solo lograron desarrollar un universo compartido audiovisual más de una década antes de que Marvel Studios produjera su primera película, sino que han producido largometrajes bastante meritorios por sí solos. Sin embargo, a la hora de adaptar un tebeo ya existente, surgen dudas: ¿hay que reflejarlo tal y como es? ¿Hay que hacer algunas concesiones al medio? ¿Hay que quedarse solo con la premisa y contar algo nuevo? Depende de la historia: a veces, cuando un cómic es un producto autosuficiente, se puede adaptar de forma bastante fiel, aunque a veces se hagan cambios. La muerte de Superman, por el contrario, se sitúa a principios de los noventa en el Universo DC que todos conocemos, con la carga de continuidad que eso supone. Por ejemplo, con un Lex Luthor melenudo en el cuerpo de un clon, y con una Supergirl humana proveniente de un universo alternativo.

¿Merece la pena perder minutos de metraje explicando estos elementos extraños? Los responsables de la película han decidido que no. Además, la acción se desarrolla en el universo DC animado actual, por lo que se ha tenido que adaptar a estas circunstancias. Por ello, la historia original de Dan Jurgens se desarrolla en un entorno distinto e, irónicamente, mucho más reconocible para los nuevos aficionados. Los directores Jake CastorenaSam Liu se las arreglan para sintetizar los elementos que hicieron célebre a este cómic y pulir los fallos que destacaron sus detractores, lo que da como resultado un producto entretenido y más que recomendable.

Ha venido el Juicio Final

Clark Kent tiene una duda: ¿revelarle a Lois Lane su identidad secreta o no? La relación sentimental entre ambos es cada vez más seria, y le está ocultando una parte fundamental de su vida, lo que suscita un incómodo dilema moral para él. Una reunión con la Liga de la Justicia en la que Flash saca el tema le convence para contarle su secreto, pero un problema mucho más grave acecha en el horizonte. Se trata de una misteriosa criatura que ha caído desde el espacio exterior, y cuyo único objetivo es causar la mayor destrucción posible. Juicio Final (o Doomsday, en el original) avanza hacia Metrópolis, y solo un héroe puede detenerle.

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La película consigue algo que la diferencia del tebeo en el que está basada: que el espectador se preocupe realmente por el destino de su protagonista, y que el inevitable spoiler que nos adelanta el título tenga resonancia emocional. ¿Cómo lo hace? Simple: antes de pasar a la acción, se toma su tiempo para presentarnos a los personajes. Tenemos a unos ciudadanos de Metrópolis que adoran a su protector, a la pareja conformada por Lois Lane y Clark Kent, a los compañeros de Superman en la Liga de la Justicia, a su némesis Lex Luthor… los cuales se verán tremendamente afectados por los acontecimientos del segundo y tercer acto. La subtrama sobre la vida romántica del protagonista, aunque reciclada de una adaptación anterior, humaniza al personaje y añade una capa de tragedia a su eventual defunción. Además, los responsables de este producto han conseguido introducir de un modo sutil e inteligente los elementos que serán importantes en la segunda parte, y que el cómic original ni siquiera mencionó.

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En cuanto a la acción, hay que quitarse el sombrero ante los animadores de Warner, ya que logran transmitir perfectamente la violencia y la espectacularidad que una batalla tan importante como esta merece. Cada golpe le duele también al espectador, y algunas de las escenas superan en eficacia al derroche de efectos especiales en las adaptaciones de imagen real de esta compañía. Además, la forma de introducir al antagonista también mejora lo que vimos en el cómic: gradualmente, las demostraciones de violencia de esta criatura van en aumento, como en una película de terror. De hecho, puede que esta sea la versión de Juicio Final más imponente que hayamos visto jamás en cualquier adaptación. Han hecho un trabajo excelente con este personaje.

Los defectos de la película

Este filme no es perfecto. No podría ni necesita serlo, ya que está subordinado a un cómic que no lo era, y en el que prima la acción sobre el desarrollo de personajes. Las limitaciones son más que evidentes, ya que el frenetismo de este largometraje impide que se desarrolle una historia más inteligente como la que aparecía en Dioses y monstruos, por ejemplo. Pero, como hemos dicho, no necesita esta sofisticación para ser un producto atractivo. Los problemas más importantes son otros.

En primer lugar, aunque el desarrollo de los personajes principales deja buen sabor de boca, los habitantes de Metrópolis aparecen, por lo general, muy desdibujados. Su única función en la trama es adorar a Superman, en ocasiones de un modo que chirría por lo artificial que parece. Aunque una historia de superhéroes no debería caracterizarse por su realismo, se podría haber mostrado con una mayor verosimilitud esta relación del protagonista con los ciudadanos de su ciudad, quizás exponiendo opiniones opuestas.

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Por otro lado, aunque la animación destaca en las escenas más espectaculares, esa estética a medio camino entre el estilo americano y el anime carece de la fuerza de un dibujo con personalidad como el de Bruce Timm. Por ello, algunos de los rostros de los protagonistas transmiten una sensación demasiado genérica, y muchas veces solo el pelo o el traje nos permiten distinguir a unos personajes de otros. Un fallo menor, pero que es necesario destacar.

Conclusión

La muerte de Superman es un producto menor, pero consciente de sus limitaciones y con algunas cualidades que lo hacen muy disfrutable para nuevos y viejos aficionados. De todas las versiones de esta célebre historia, es la más lograda, lo que nos hace anticipar su secuela con muchas expectativas. Esto se debe a que El reinado de los superhombres es superior a la historieta que lo originó, y esta película ya ha hecho el trabajo de presentación para muchos de sus personajes. Esperemos que, como sucedió en el cómic, la segunda parte supere a su irregular predecesora.

Reseña de Doctor Muerte: Origen, la profundidad del villano

Marvel parece empeñada en aclararnos los orígenes de varios de los villanos más importantes de su vasto universo. Gracias al exitoso Universo Cinematográfico y a la saga de X-men, pensamos en Thanos o Magneto, pero no nos podemos olvidar de Dr. Muerte, probablemente el villano más importante de la Casa de las Ideas. Y es que Muerte fue el villano más destacado de la colección más importante de toda la historia de Marvel: Los 4 Fantásticos de Stan Lee y Jack Kirby, la colección que lo cambió todo. Pero claro, no son unos personajes que se hayan adaptado al cine con éxito…

Como todo tomo que engloba Orígenes, Doctor Muerte: Origen es irregular en cuanto a que recopila varias historias en relación a los comienzos del personaje. Así que vayamos por partes. ¿Qué es lo que hizo que Victor Von Muerte se convirtiera en uno de los villanos más legendarios de Marvel?

FANTASTIC FOUR ANNUAL #2 (1964), LA PROFUNDIDAD DEL VILLANO.

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Ya lo dijo un sabio una vez: la grandeza de un héroe se mide por la calidad de su villano.

En los felices años 60, Stan Lee y Jack Kirby eran los reyes del mundillo comiquero con los 4 fantásticos. En ella ya había aparecido el Dr. Muerte, el gran villano del grupo que, como es habitual en el cómic, corría el riesgo de ser el eterno perdedor, el villano que se estrella una y otra vez con el grupo de héroes pese a todos los planes que pudiera perpetrar. Dado que era impensable otorgar la victoria al Dr. Muerte en sus enfrentamientos contra los 4 fantásticos, Lee y Kirby decidieron aumentar su enjundia buceando en su pasado, dándole un motivo que le otorgue empaque a su personalidad.

El resultado fue el segundo Annual de los 4 fantásticos, un número enteramente dedicado al Dr. Muerte en el que se bucea en sus orígenes. Un genio que navega entre la tradición y la modernidad, entre la ciencia y la magia, entre el narcisismo de su personalidad y el gobierno de Latveria, el país que lidera desde su castillo medieval. Un magnífico ejemplo de síntesis narrativa a cargo de Lee aderezado con el dibujo de “El rey”. Es este un número muy entretenido y que no ha envejecido como otros cómics de la época.

ASTONISHING TALES 1-8 (1970-1971), LA PRIMERA COLECCIÓN DE UN VILLANO.

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Siguiendo con el orden cronológico de este tomo, continuamos con los 8 números que componen el Astonishing Tales, la primera colección dedicada al protagonismo de un villano y, por tanto, una historia pionera en el noveno arte.

Astonishing Tales nos muestra la vida del Dr. Muerte cuando no está enfrentándose a los 4 fantásticos. Es decir, su vida como dictador en Latveria. Nos muestran a un país de contrastes, una Wakanda balcánica en la que tradición y modernidad se combinan. En los tres primeros números nos muestra el intento de rebelión del príncipe Rudolfo, el hijo del dictador al que Muerte derrocó. Posteriormente, Latveria se enfrenta a la invasión de Cráneo Rojo y sus secuaces, que buscan instaurar el 4º Reich en Latveria. Finalmente, harto de tanta invasión, Muerte pretende hacer fuerte a su país consiguiendo el vibranium de Wakanda, lo que conduce al inevitable enfrentamiento con Pantera Negra.

Son historias entretenidas en las que pasan muchas cosas en pocas viñetas y que buscan reforzar la personalidad de Muerte. No deja de ser un villano, por supuesto, pero se le muestra como un dictador que defiende a su país de invasiones extranjeras. Al fin y al cabo, Latveria es muy próspera con él como líder.

Astonishing Tales contó con varios equipos creativos de primer orden: Roy Thomas escribió las tramas de los dos primeros números, Larry Lieber de los cuatro siguientes y Gerry Conway el de los dos últimos. Especial mención merece el dibujo. Y es que Lee quiso contar con uno de los dibujantes estrella de aquella época para contar la historia de Muerte: hablamos de Wally Wood que dibujó los cuatro primeros números hasta que abandonó la colección de mala manera, acusado por Lee de estar usando ayudantes para poder terminar cada número. Posteriormente se incorporó George Tuska durante dos números y, finalmente, el gran Gene Colan en los dos últimos.

Especial mención merece el último número de esta colección. En un ejercicio narrativo similar al Annual de Lee y Kirby, Conway y Colan nos regalan la historia más importante de Muerte, en el sentido de que le otorga una nobleza y complejidad nunca vista en el personaje. Y es que Muerte, todos los años, se enfrenta al demonio que tiene presa a su madre, buscando desesperadamente la oportunidad de poder liberarla de su sufrimiento.

Tras este número, la colección de Muerte cerró por malas ventas, pero es innegable su importancia pionera a la hora de enfocar a los villanos, aunque no podemos negar que es una colección hija de su tiempo: algunos números han envejecido regular y tienen episodios algo sonrojantes, como las “vacaciones” de Muerte en la Riviera francesa.

LOS LIBROS DE MUERTE (2006), PONGAMOS EN ORDEN LA CASA.

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 En 2006, el prestigioso guionista Ed Brubaker recibió el encargo de reescribir el origen de Muerte. Básicamente, se trata de ampliar el Annual de Lee y Kirby y el número 8 del Astonishing Tales de Conway y Colan. Brubaker, especializado sobre todo en otorgar una perspectiva noir y pulp a los superhéroes (de hecho, sus mejores historias están alejadas de este género), se siente como un pez fuera del agua. Los libros de Muerte es un intento de ampliar los orígenes del Villano pero, a  su vez, pierde empaque y la historia carece de ese halo místico y onírico que tiene el Annual original.

Sí merece mucho más reconocimiento el magnífico dibujo de Pablo Raimondi, con unas líneas que ayudan a magnificar la presencia del villano.

MÁSCARAS (2003), DISECCIONANDO LA MENTE DE MUERTE.

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 En este One-Shot de 2003, el guionista Christopher Priest analiza la mente de Muerte a través de su corta relación con una espía con el rostro de su antiguo amor, Valeria, una de las pocas debilidades con las que cuenta Muerte. Este Máscaras es un retrato perfecto de la psique de Muerte: su personalidad narcisista, su poco apego a la humanidad y su búsqueda insaciable de conocimiento. Mención especial para el impresionante dibujo de Paolo Rivera. Puro arte pictórico en movimiento.

En definitiva, Doctor Muerte: Origen, es un tomo interesante para quien se quiera acercar a uno de los grandes villanos de Marvel, injustamente apartado en los últimos años por su fracaso en el cine.

Enlace a Panini con el tomo Doctor Muerte: Origen. 

Análisis de Predicador. Temporada 3. Capítulo 7

Sean malvenidos una semana más a los análisis de esta serie infernal donde Satanás es el puto amo y Dios y sus adoradores una panda de locos. Irreverencia y violencia a saco es lo que encontrareis en Predicador. Antes de nada dos cosas. Este que os escribe es el becario de la diablesa que ha cambiado cuarenta grados de la gran ciudad por mojitos y aguas cristalinas por lo que esta semana me ha tocado desentrañaros el capítulo de marras. La segunda cosa es que si no habéis visto el capítulo o queréis recordar que pasó en episodios anteriores es fácil, pinchamos aquí. Y sin más dilación nos vamos a Angelville, Osaka y Nueva Orleans.

Hitler

Hay cosas con las que uno pensaría que no se debe bromear como por ejemplo utilizar a Adolf Hitler de sobras conocido en nuestra Historia reciente (eso espero que hoy en día de los jóvenes uno espera de todo y nada) , pero ¿Y lo divertido que resulta el personaje en la serie? Hoy por fin lo hemos vuelto a ver en el prólogo del capítulo, genial el momento del discurso en alemán. Al final es capturado por el Pistolero (al final no ha habido Road Trip con Eugene) que ya tiene a Eugene y a Hitler. Imagino que los llevará ante ese jefe que todos quisiéramos en nuestra vida, Satanás.

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La vida en Angelville

La vida sigue igual como diría la canción. Aunque con Herr Starr Angelville es más divertido. Starr desata su vis cómica en esta temporada siendo menos estirado que en la segunda y nosotros lo agradecemos. Para un servidor es el mejor personaje de la serie aunque bien es cierto que su pérdida de autoridad en el lado de la luz escama cuanto menos. El caso es que Jesse ve en El Grial la única vía de escape para salir de Angelville y Starr necesita a Jesse para recuperar su estatus. Las negociaciones con la vieja bruja son la mar de divertidas con catéter urinario en la mesa incluido. La situación es la siguiente: Starr necesita a Jesse y tiene el conocimiento de donde hay almas. La vieja bruja tiene mucha hambre de almas y «quiere» a Jesse y él simplemente quiere desembarazarse de su querida abuela. De Herr Starr ya veremos como lo hace. Así que la bruja accede a la petición formal de Starr y le cede a su nieto. Por otro lado está Tulip que nos regala otros momentos tronchantes y es que a ella le tocará ir a Osaka que es donde está el laboratorio de almas, pero no lo hará sola, le acompañará la subalterna de Starr, Lara Feathersone. Creo que nos lo vamos a pasar bien con estas dos juntas. A modo personal he de decir que me alegra ver a esta versión de Tulip, aguerrida, sarcástica, siempre golpeando primero y seductora. La Tulip de la segunda temporada no molaba nada, oscura, temerosa y finalmente muerta.

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Los hijos de la sangre. Iniciaciones, ritos y poderes vampíricos

Al final esta trama se está tornando más interesante de lo que pudiésemos prever en un principio. Alejar a Cassidy de la historia principal era para un servidor maltratar más todavía en esta temporada al mejor personaje protagonista de la serie. Retomamos la historia de Cassidy con el líder de los Hijos de la Sangre, Eccarius, el cual creo que miente más que habla así que cuidadín amigo Cassidy. Hoover, el otro subalterno de Herr Starr, el negro, ha ido hasta Nueva Orleans y allí monta una cacería vampírica con un grupo cazavampiros que utilizan unos focos de luz artificial que debe simular la luz del sol. Cassidy y Eccarius logran salir con vida, ejem. Por otro lado vemos a Eccarius aplicando los conocimientos del arte de los amos de la noche. La transmutación, la hipnosis y volar son varias de las técnicas que nuestro vampiro favorito no controla todavía y es que él es más de bourbon que de practicar dichas técnicas. Como apunte esta trama me recuerda un poquito a la película de Entrevista con el Vampiro cuando Armand (Antonio banderas) atrae a Lestat (Tom Cruise), recordándome Eccarius al personaje de Armand.

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Valoración

Un capítulo divertidísimo , eso es lo que nos encontramos esta semana. Con tres arcos argumentales bien tratados los cuarenta minutos que ha durado el capítulo no he parado de reirme con las ocurrencias hilarantes de nuestros personajes favoritos. Momento tronchante la ¿conversación? entre Herr Starr y TC. Por lo demás ¿qué nos espera para el próximo capítulo? El lider de los vampiros no es tan bueno como parecía ¿Qué tiene pensado hacer con Cassidy? A Tulip creo que no la veremos mucho teniendo un rol secundario con lo de Osaka para lo que se avecina y Jesse… ains Jesse.

Un saludo y sed felices.