Recuerdo la primera vez que vi esta serie y cómo la miré con desconfianza después del explosivo éxito de su predecesora y obra de más calibre de su autor, ONE. No pude equivocarme más con lo que esta serie significaba y ofrecía a su público, al final superando con creces lo que me gustó One Punch Man.
Debido a la morriña que me da con ella de vez en cuando y que el manga, ya finalizado, se está publicando en España decidí dedicarle una entrada recomendándosela a todas aquellas personas que estén en busca de un manga diferente, único y aunque encubierto, con un argumento central muy claro y poco típico: La autoayuda.
Esto, que a muchas personas les puede espantar, en realidad es lo mejor de la serie, consiguiendo llegarte de una forma difícil de igualar y de un modo específico. No por la admiración que despiertan en ti los personajes, no por la emoción de sus momentos y peleas, sino pura y directamente la empatía, el reflejo que ves en el espejo llamado Mob, aunque sea en mayor o menor medida. Para explicar esto, antes te tengo que explicar en qué consiste la trama. Shigeo, apodado Mob, es un chico con unos poderes psíquicos increíbles, con un don que es excepcional y no superado por nadie en el mundo en el que vive, para ponerlo más simple, es lo que Saitama en su mundo, alguien invencible, ridículamente poderoso (y además con casi el mismo diseño). Sin embargo, él no quiere ser el protagonista de nuestra historia y debes saber que en japonés Mob significa inútil. Shigeo se odia, o mas bien se desprecia a sí mismo como también lo hacen los demás. No tiene ningún talento, ni carisma, ni confianza, sólo cuenta con unos poderes que él nunca deseó y que son el constante recordatorio de que son todo lo que su persona vale.
En este mundo en el que los fantasmas y los psíquicos existen, Mob no deja de verse de inmiscuido, como si del destino se tratase, en aventuras y problemas junto a su maestro Reigen, otro gran personaje que invito a que tú mismo conozcas viendo la serie y acabes perdidamente prendado de él por su inagotable carisma. Pero el objetivo a lo largo de toda la serie es ver cómo Mob conoce a nuevos personajes que le hacen plantearse todo lo que él es, que le sueltan verdades o medias verdades como puños, y el efecto que ésto hace en Mob es claro: el deseo más ferviente y más profundo de cambiar y alcanzar a ser la persona que él desea, de la que sentirse orgulloso. Así que a fin de cuentas, y sobre lo que va esta serie es de nuevo el viaje del héroe, pero de una manera tan especial, única y atípica que le hace ser distinta a cualquier cosa que hayas visto nunca. Es terriblemente dura, chocante y conmovedora, pero al mismo tiempo emocionante, infantil y divertida, sobre todo ésto último. Unas escenas de acción y peleas con poderes psíquicos que te dejan sin respiración, un ejercicio de imaginación excelente. Y aun con todo sigue sin ser el punto central de la serie, ni siquiera algo importante.
Así que ahí me veo yo, viendo como en el capítulo 3 de la serie se me dibujaba un gesto de pura emoción en la cara, de esos momentos en los que comprendes al protagonista y por eso mismo quieres ir y abrazarle, y decirle que lo entiendes. Porque joder con los personajes de la serie, madre mía. No hay ni uno con el que no te identifiques, no hay uno solo que te caiga mal, uno que no sea humano. Y al final la misma serie consiste en un soplo de aire fresco que necesitabas desde hace tiempo, sin gestas imposibles típicas de los grandes shonen que a pesar de ser inspiradoras no dejan de ser sueños. Esta serie se siente, se palpa.
Y no sólo es una maldita maravilla en el aspecto puramente narrativo, que va, el propio manga es una oda a la chapucería, una demostración de cuán lejos se puede llegar siendo un 0 a la izquierda dibujando. Y por otro lado, sin embargo, el anime es una obra maestra de la animación, de las técnicas experimentales, de la creatividad, con un dibujo y una manera de animar atípica que se permite licencias que ninguna otra serie se atreve a permitirse. Colores intensos, acuarelas, expresionismo y chapuzas estudiadísimas para dar cierta atmósfera y espíritu a la serie, a las escenas. Y no sólo en el aspecto visual, sino también en el auditivo. Los seiyus se eligieron de manera intencional, con un Mob que no había hecho trabajos en ningún otro lado, con una voz monótona y una presencia ridícula.
Y el producto final es simplemente ese tipo de anime que supera al manga, en la que el director es fan y se nota, en el que se ha invertido una cantidad de tiempo y recursos que hace de ella su mejor versión, algo que por cierto se le reconoció ese mismo año con los premios Shogakukan con el mejor manga shonen. En resumen, una serie a la que si te gusta el manganime o no te gusta, me da lo mismo, debes ver sin falta como un producto que no sólo tuvo la traba de tener que ser bueno, sino tener que ser tan bueno como One Punch Man y superar las odiosas e inevitables comparaciones. Y lo logró.
Bienvenidos una semana más al “encantador” pueblecito sureño de Wind Gap. Para todos aquellos que no hayan visto Gloria, el cuarto episodio de esta temporada, aquí tenéis los análisis de todos los capítulos. Para los que hayan visto el episodio, vamos al análisis.
LAS CARTAS COMIENZAN A MOSTRARSE
En esta midseason, con la mitad de capítulos por estrenarse, Heridas Abiertas comienza a desvelar sus intenciones. Parece que el leitmotiv de la serie no es la identidad del asesino (o asesina) de adolescentes en Wind Gap. Ni siquiera la revelación de todos los traumas que atormentan a Camille, con especial énfasis en lo ocurrido con su hermana. La verdadera cuestión es si Camille será capaz de superar los traumas enquistados, esas ideas reiterativas que la serie muestra como fugaces flashbacks, y se convierte en la persona que debería haber sido: una reportera infatigable y con verdadero olfato para las noticias.
Sin embargo, lo que vemos hasta ahora aporta muy pocas esperanzas de ello. Entre indicio e indicio, Camille conduce y bebe atormentada por su pasado y, lo que es peor, sigue derritiéndose ante cada envite de su histriónica madre, una mujer que mantiene el control de la casa y del pueblo, a pesar de la silenciosa y tensa desaprobación de su marido, que parece desquitarse al final del episodio: tras recriminarle su carácter y su inconsciente amor por ser el centro de atención, toma una buena copa e invade el cuarto individual de su esposa. Lo que pasa después queda a la imaginación de cada uno, pero no me extrañaría que el padrastro de Camille escondiera mucho más de lo que parece a simple vista.
Por otro lado, es un hecho que en el pueblo abundan las apariencias. No se puede resumir mejor que en la escena en la que el jefe de policía del pueblo advierte a Adora diciéndole que una de sus hijas es peligrosa, refiriéndose a Camille, y la otra está en peligro. Todo lo contrario que en la realidad: es cierto que Camille no es la mejor chica del mundo, pero sus acciones siguen su propia lógica coherente. Sin embargo, Amma es una adolescente caprichosa e impulsiva. Lo mismo hace las paces con su hermana que contribuye al ciberacoso a John, el hermano de Natalie, que baila con su madre a un nivel de entendimiento imposible de alcanzar para Camille. Una bomba de relojería cuyo papel está por desvelar y que, sin duda, no se encuentra tan en peligro como Camille piensa.
TRAUMAS Y MÁS TRAUMAS
Al contrario de lo que se puede pensar, Heridas abiertas es una serie que retrata bastante bien a los hombres y cede (casi) toda la crueldad a las mujeres. El detective de Dallas es metódico y cortés con Camille, como John o el jefe de policía. Incluso el padrastro de Camille, con todo lo que oculta, guarda las apariencias.
La escena en la que Camille y Richard visitan antiguas escenas de crímenes es un paseo por todos los puntos clave de la serie: los prejuicios heredados y la actitud con respecto al sexo en hombres y mujeres, demostrada en las violaciones en grupo del equipo de fútbol a las animadoras (algo que Camille pareció sufrir en sus carnes). También está ese cobertizo con fotos de porno bondage en el que Natalie y Anna jugaban y, también, se peleaban. Ninguna de las dos era una santa, pero la gran revelación del capítulo es el papel de Amma como miembro que completaba el trío. Por ello, Camille sospecha que puede convertirse en la tercera víctima.
Se sigue avanzando muy poco en la investigación. Todo sigue ondeando entre John, simplemente porque es un chico joven que muestra abiertamente sus sentimientos de tristeza por la muerte de su hermana, y Bob, el extraño y misógino padre de Anne. Para Camille, Bob ha podido matar a Natalie como venganza por la muerte de Anne. Prueba de ello sería que los dos modus operandi son completamente distintos. No sería una teoría descabellada, pero insisto: no es algo en lo que Jean Marc Vallée quiera centrarse mucho. Su cámara enfoca más a esas heridas que sufre Camille y se pregunta si alguna vez se cerrarán.
Aunque sé que no es algo que haga todas las temporadas, creo que nunca está de más hacer estas entradas para informar un poco a la gente que aún no ha comenzado a ver nada a lanzarse a por las series que, en mi opinión, merecen la pena. En este caso tenemos a la temporada de verano que no ha tenido demasiados títulos interesantes estas temporadas y que como por ejemplo en el caso de Chio-Chan me ha decepcionado un poco, pero eh, que también ha habido sorpresas.
Shingeki No Kyojin
Empecemos por los clásicos de los clásicos, y es la recién estrenada nueva temporada de Shingeki no Kyojin, en la que se adapta una de mis sagas favoritas de todo el manga antes de que la serie empiece a decaer de manera estrepitosa. Por lo que he podido ver en el primer capítulo, el dibujo se mantiene y sigue teniendo escenas de acción muy bien animadas, aunque creo que ha bajado un pelín en calidad y que en algunas escenas de diálogo el dibujo es un poco chapucero. El opening, aunque me guste, creo que también ha bajado en calidad respecto a los anteriores, pero es que esto era algo difícil de mantener más lejos de lo que ya han hecho, para qué nos vamos a mentir. En cualquier caso, y aunque el primer capítulo haya ido muy rápido, nos espera una temporada llena de suspense, de acción trepidante y que si adaptan fielmente, cosa que casi seguro harán, resultará en una maravilla audiovisual con el que los fans nos lo pasaremos como unos enanos.
Asobi Asobase
Para mí, sin ninguna duda, la sorpresa de la temporada y el sustitutivo indiscutible de lo que debería haber sido Chio-Chan. Una serie de sketches en los que me río con gusto con sus inverosímiles personajes, en especial con Olivia, la estudiante de padres estadounidenses. La serie consiste en tres chicas muy distintas entre sí que se hacen amigas en circunstancias extrañas y que casi parecen el trío calavera. Sus aventuras consisten en cómo la van armando por ahí con locuras que, con frecuencia, suelen ser una chorrada con 0 maldad y mucha gracia. Tanto la foto como la sinopsis me daban un poco de dentera porque de manera tan común en el anime, parecía una serie con fines de satisfacer a furries, pero al final resultó ser una comedia pura y dura en la que el expresionismo está a la hora del día con caras que sacan una carcajada a cualquiera y que en eso por lo menos acerté, dan bastante dentera.
Satsuriku no tenshi
Esta es la típica serie del que uno no espera nada aparte de pasárselo bien 20 minutos a la semana, y de momento me han dado exactamente lo que prometía la serie, que está basada en un videojuego. Tenemos a Rachel, que cansada, afligida y confusa se levanta en un hospital en el que no hay un alma en pena y al que no sabe cómo ha llegado. Tras encontrar varios mensajes muy macabros decide usar el ascensor, que sin que ella lo sepa le dirige piso a piso a un asesino cuya tarea es acabar con su vida antes de que ella consiga encontrar el siguiente ascensor. Para ello contará con una ayuda inesperada, y es la de un asesino en serie llamado Zach que tras intentar matarla, incumple una de las normas del edificio y pasa a ser un objetivo más de los asesinos, por lo que decide usar a Rachel para escapar a cambio de asesinarla después de que ésta, tras recordar algo, pierda sus ganas de vivir.
Aunque sé que la sinopsis suena extraña, debo decir que la idea no está nada mal, y que me han entrado de jugar al videojuego, por lo que supongo que en mi caso el anime ha cumplido su objetivo. ¿La animación es muy buena? No. Ni la música, ni el dibujo. Pero eso sí, cuenta con unos buenos seiyuus, como es el caso del loco de Zach con la voz del mismísimo Bakugou de Hero Academia, algo que por lo menos a mí, me hizo gracia.
Banana Fish
Banana Fish es un anime adaptación de un manga bien viejuno, de los 80’s y 90’s. Ésto es algo que se nota muchísimo en su dibujo y animación, y hasta en la forma que tiene de narrar la historia de mafiosos en Nueva York que cuenta. Una serie como ésta, que gozó de muy buena fama, es una invitación a gritos para los nostálgicos que sinceramente no creo que se quedasen insatisfechos. En mi caso la historia no acaba de cuajar, aunque voy a darle más capítulos, porque eso de hacer mafias a la europea con gángsters de por medio creo que no le sale muy bien a la serie. Cosa por otro lado es normal, es como cuanto adaptamos algo japonés y da vergüenza ajena. También hay algo que me ha sorprendido, y es que el anime, y aquí invoco a las fujoshis, apesta a yaoi que no veas, aunque dudo mucho que llegasen a hacer algo que realmente les enlazase al género. En cualquier caso, creo que es una serie con una trama que puede llegar a ser interesante y que recuerda tanto a los 90’s que es irresistible. Además, lo de tener a una especie de tito Corleone acariciando un gato tiene su gracia.
Y vosotros, ¿Qué vais a ver esta temporada? ¿me dejo algo en el tintero? Dejádmelo en los comentarios.
¿De qué va Big Little Lies? Sin destripar mucho (se perdería gran parte de la gracia de la serie), trata sobre la vida de cinco mujeres en la localidad de Monterrey, considerada la capital cultural de Estados Unidos y una de sus villas más elitistas. Un lugar idílico que se verá sorprendido por un cadáver. Aunque quizás nadie debería sobresaltarse por ello.
Las múltiples caras de Big Little Lies
Qué no os engañe el argumento. Big Little Lies no es un thriller, ni pretende serlo. Utilizando la identidad del cadáver como mcguffin, buceamos en las relaciones familiares y sociales de Monterrey de la mano de estas cinco mujeres, interpretadas por Reese Witherspoon, Shailene Woodley, Nicole Kidman, Laura Dern y Zoe Kravitz. Ellas son el eje central del relato, acompañadas de actores como Alexander Skargard o Adam Scott y por un elenco infantil.
La miniserie, adaptada por David E. Kelley (Ally McBeal), es un magnífico drama costumbrista que nos muestra la tan lujosa como vacua vida de los habitantes de Monterrey. Todas estas mujeres viven en casas de diseño, con ventanales imposibles en primera línea de playa y coches lujos, pero ninguna de ellas es feliz. El mejor ejemplo es el personaje de Reese Witherspoon, la típica madre que adora ser el centro de atención y que compensa lo vacía que es su vida implicándose hasta la exasperación en una obra infantil y destrozando su matrimonio poco a poco.
Conforme avanza la trama, no solo observamos esta oda a la superficialidad, si no que nos adentramos en temas más oscuros como la violencia de género, ejemplificada de forma sobresaliente en la trama de Celeste, interpretada por Nicole Kidman. Pocas veces se ha retratado tan bien la dinámica de una mujer maltratada. Más cuando el marido encarna todos los estándares que Hollywood nos ha querido vender como ideales: es rubio, trabajador, alto, fuerte y atento. Demasiado atento. El sexo es pasional. Tan pasional que es agresivo. Al final del primer capítulo descubrimos la verdad.
Porque esa es otra de las grandes virtudes de la serie. Nos hace crear prejuicios de los personajes en tan solo dos pinceladas. Calamos a Madeline (Reese Witherspoon) desde que la vemos aparecer por primera vez en la serie. Lo mismo con el resto de personajes. Sin embargo, en cada capítulo esos prejuicios se retorcerán y pasaremos a empatizar con casi todos los personajes. Al fin y al cabo, son seres humanos con múltiples aristas en sus decisiones. Se podría decir que se entienden todas las decisiones que toman nuestras protagonistas, aunque nos las compartamos.
La serie habla también de los prejuicios hacia la mujer en la figura de Renata Klein (Laura Dern), que se ve en el ojo del huracán solo por ser la única mujer que, además de tener una familia, trabaja. Curioso cuando nadie le pide explicaciones a su marido de por qué trabaja o deja de trabajar.
Por último tenemos al personaje de Shailene Woodley, el más alejado de todos los arquetipos de la serie y el que funciona como elemento catalizador para que la trama empuje. Woodley es una madre soltera que se muda a Monterrey con su hijo de seis años escapando de un pasado traumático del que no daremos ni una pista…
Todo el reparto está magnífico en su interpretación, aunque es lógico que algunas, como Kidman, se lleven más ovaciones por la trama que sustentan. Pero no os olvidéis del papelón de Reese Witherspoon y Laura Dern. Se merecen el premio tanto como Nicole. Por cierto, curioso que el papel más comprometido de una superestrella como Nicole Kidman haya sido en televisión. Se huele un renacer de su carrera, al igual que ocurrió con Matthew McConaughey en True Detective.
Toda la serie está dirigida de forma brillante por Jean Marc Valleé, que actualmente se está encargando de Heridas Abiertas. La decisión de otorgar una temporada entera de siete capítulos a un solo director dota a la miniserie de una coherencia narrativa y visual incuestionable. Se nota en el uso de flashbacks recientes y remotos a la manera de planos de microsegundos de duración.
En definitiva, Big Little Lies es una miniserie que se merece todos y cada uno de los premios que ganó en 2017 y a principios de este año. Es un drama que, bajo una trama aparentemente anodina, nos habla de los grandes problemas que nos afectan en los últimos años. Una serie comprometida tanto por su lujoso estilo visual como por las interpretaciones de todo el reparto. Hasta la banda sonora merece una oportunidad.
Los peros
No puedo marcharme sin recalcar dos defectos que tiene la serie, sin relación a fallos intrínsecos de esta: su trama puede alejar a muchos espectadores. Es el mal de seleccionar series únicamente por su sinopsis. Por favor, dadle una oportunidad. En segundo lugar, y este sí que me parece más grave, Big Little Lies ha ahondado en la nueva problemática con la que cuentan las series: La incapacidad para finalizar algo que ha tenido éxito. Como entidad independiente, Big Little Lies es una serie redonda con un final perfecto que no necesita ampliarse. Por mucha Meryl Streep que veamos en la segunda temporada, siento que ocurrirá como en El Cuento de la criada. Magnífica factura e interpretaciones pero historia alargada sin nada nuevo que contar o, peor aún, contando una y otra vez lo mismo. Sería una lástima.
Bienvenidos, hijos de algún fluido corporal, a este nuestro sagrado espacio semanal. Hemos superado ya la mitad de la temporada (volvemos a los diez episodios), y las cosas van a empezar a ponerse interesantes. Aún más si cabe. Pero vayamos despacio, porque hay mucho que contar. Para empezar, si vais un poco perdidos, en este enlace habitual, podéis encontrar mis anteriores análisis. Para seguir, os invito a contemplar conmigo el alzamiento de los hijos de la arpía de la sangre, en el análisis del sexto capítulo de la segunda temporada de Predicador. Al lío.
La Adopción
¿Os acordáis de Annville, el pintoresco y encantador pueblo Texano donde concimos a Jesse Custer por primera vez? Yo tampoco me acordaba. Pero Eugene si. Es curioso el caso de Eugene. La temporada pasada tuvo un papel tan fundamental, que se me olvidó por completo que su historia era paralela a la principal. La historia avanzaba sin que Eugene fuera consciente, y mientras nosotros olvidábamos lentamente Annville y a sus habitantes, Eugene moría por volver. Por supuesto, lo único que encuentra es un gran socavón, y sus huesos en un orfanato. Convencido de que Dios guía sus pasos, ni siquiera pestañea cuando El Pistolero aparece para llevarlo de vuelta al infierno. Pero antes, deben de pasar a buscar a Adolf. El caso es que han juntado a uno de mis personajes favoritos con su opuesto, El Pistolero, que no es santo de mi devoción, y me huelo una historia tipo Road trip.
¡Ha vuelto! ¡En forma de chapa!
Los Hijos de la Sangre
Cass está en el sótano de un pringado, rodeado de pringados vestidos de negro. Está a punto de cabrearse mucho cuando ve algo que no espera. El Rey de los Pringados se come un buho vivo y entero delante de él. Parece que hay, al menos, un vampiro auténtico en la sala. Y, tal vez, pueda enseñarle a Cassidy un par de cosas. Y no es que diga que pasarse la eternidad bebiendo, drogándose y saliendo con prostitutas no sea aprovechar la vida ¿Eh? Pero puede que haya algo mejor, y que Cassidy esté a punto de descubrirlo. Un poco de volar por los aires, algo de hipnosis y una transformación en un adorable gatito negro, y Cassidy ha caído en las redes del Rey Pringado. Es fácil impresionar a Cassidy.
Tú lo que quiere’ es que te coma el tigre
El precio, como era de esperar, es sangre humana. Y aquí volvemos a esas disyuntivas propias de la serie. Cassidy lleva toda su existencia huyendo de morder a inocentes, pero causando toda clase de desastres. El Rey Pringado, por su parte, convierte a mucha gente a cambio de poder volar y hacer mamarrachadas. Pero todos son buena gente. ¿Qué es mejor? Una desafortunada llamada de Tulip hace a Cass replantearse sus valores. Cass ha avanzado mucho en la serie, pero de repente está donde empezó. Y, sinceramente, es una de las cosas que más me gusta de la serie, porque las personas rara vez avanzan en linea recta. Y cuando has vivido más de cien años, dar marcha atrás a veces es hasta necesario. Así que Cassidy abre una puerta a los Hijos de la Sangre… y cierra otra.
El Robo
Jesse quiere robar el banco de almas de Sabine Boyd, y para eso, debe fingir primero que tanto Tulip, como la Vieja Bruja han muerto. El segundo paso es conseguir la saliva de Madame Boyd. Jesse se aprovecha un poco de la situación, mosqueando a Tulip, pero consigue la saliva. Tercer paso: distraer a la policía. T.C sin pantalones y una cabra se ocupan de eso, y os ahorro cualquier otro detalle. Me encanta la forma de Predicador de conseguir que el espectador empatice con determinados personajes sin importar su nivel de patetismo o depravación.
Bueno, tampoco es que le hubiéramos cogido mucho cariño
Aunque el plan funciona, y Jesse y su panda consiguen las almas, no hay suficientes para mantener viva a La Vieja Bruja mucho tiempo. Pero no es tonta, la bruja, no. Madame Boyd, por el contrario, lo era. Guiada solo por sus instintos, su vida acaba en la silla de extracciones de La Vieja Bruja. Y sirve, con un último aliento, como el incentivo final para que Jesse Custer haga lo que debería haber hecho hace mucho tiempo. Llamar al Grial.
El Banquete
Herr Starr planea un golpe de estado contra el Gran Padre. A lo mejor es solo una percepción mía, pero parece que el personaje de Starr se ha descalabrado un poco esta temporada, pasando de ser el todopoderoso líder del grial, a solo un mierdecilla más a las órdenes de otro. Tal vez, no obstante, esto no sea tan malo, y le de al personaje de algo de profundidad. Y vamos a comprobarlo en una desagradable reunión entre ambos. Hay una relación muy extraña entre esta serie y la carne. Pero mientras Herr Starr planea un golpe de estado, el Gran Padre planea algo más… algo con armas nucleares de por medio. Y Jess Custer es parte de ese plan.
Herr Starr y su cicatriz aún tienen mucho que decir
La Opinión de Sofía
Hoy no me voy a extender en exceso. El capítulo me ha parecido brillante. Me ha alegrado mucho volver a ver a Eugene, el optimista hasta en el infierno, y tengo curiosidad por ver como evoluciona su dinámica con el Pistolero, porque lo úncio que se me ocurre, es que ejerza de influencia positiva en el Santo de los Asesinos… Y todos sabemos que ese no es el estilo de Predicador. Habrá que esperar al encuentro con Hitler.
He de decir que estoy desolada por la disolución del trío de oro, pero por otro lado, era evidente que esos tres necesitaban una oxigenación. No me molaron nada en el capítulo anterior, pero ahora necesito saber que planea hacer Cassidy con el Rey Pringado y su panda. Porque esa abuela… Esa abuela no es trigo limpio, ya os lo digo.
Esta señora es mala, os lo digo yo
Habrá que esperar para desentrañar nuestras incógnitas. Hasta entonces, y como siempre… sed felices.
Seguid acompañándome en esta segunda parte de nuestro viaje por Castle Rock. Como ya dije en el análisis del piloto, el saco de las sorpresas sigue abierto y de él van saliendo enigmas cada vez más interesantes y, como en cualquier producción de este estilo, sigue habiendo más preguntas que respuestas. Si sois nuevos, y os acabáis de incorporar al grupo de visitantes; no temáis pues aquí tenéis el resumen de la primera parte de nuestro viaje:
Solo con leer el título de este episodio nos podemos hacer una idea de que nos vamos a encontrar en él, Henry Deaver seguirá intentando encontrar una manera de entrar en contacto con el joven arrestado de forma injustificada mientras intenta lidiar con su pasado. Por otro lado, el misterioso joven tendrá que lidiar con las consecuencias de su supuesta escapada de la penitenciaría Shawshank. Por su parte, el espectador podrá seguir conociendo la pequeña localidad de Castle Rock y a los particulares habitantes que la componen. Pero antes de empezar a entrar en materia, os dejo con la intro de la serie. Como podéis ver, llena de referencias al universo de King. Corta pero efectiva.
Empezamos este capítulo por donde lo dejamos en el anterior: aparentemente el misterioso joven se ha escapado de Shawshank dejando una ristra de cadáveres a su paso. Zalewski, asustado, procede a dar la voz de alarma y a intentar solucionar el problema junto a sus compañeros. Recorre la penitenciaría armado y en busca del chico, pero no encuentra nada. Tras asustarse y disparar contra un blanco en movimiento, parece que todo vuelve a la normalidad: el chico sigue recluido en su celda y Zalewski casi mata a un compañero por accidente. Todo estaba en su cabeza desde el principio. Parece que la presencia del chico en la penitenciaría va a traer más de un quebradero de cabeza al pobre oficial.
Volvemos atrás en el tiempo: esta vez toca visitar el año 1961. Uno de los jugadores de los Cougars de Castle Rock recibe un fuerte placaje y queda tendido en el suelo, inmóvil. El campo y las gradas enmudecen esperando el mínimo movimiento que les asegure que el chico está bien. Tose, se incorpora y el público estalla en aplausos. Pero, como bien indica la narración, el que verá su vida acabar ese día será el hermano del joven, quien, disfrazado como la mascota del equipo, se arroja al vacío desde el tejado del instituto. Castle Rock tiene un serio problema con el índice de suicidios: algunos de sus habitantes, aquellos que no han optado por abandonar el lugar, se decantan por el suicidio tras rendirse ante la presión que ejerce la pequeña ciudad sobre ellos. El ex alcaide Lacy -que resulta ser el joven jugador que hemos conocido al comienzo del capítulo- no era el primero, ni será el último. Algo maligno ejerce su influencia sobre los habitantes de Castle Rock y el ex alcaide estaba dispuesto a luchar, a su manera, contra ello. Y parte de ese plan maestro pasaba por encerrar al misterioso y lacónico joven en esa jaula que ya pudimos ver en el piloto.
Hábeas corpus es un procedimiento jurídico mediante el cual, el ciudadano o su abogado, puede pedir comparecer ante un juez para que este dictamine si su detención es legal o no
Volvemos al presente, donde Henry Deaver, que sigue estando insatisfecho por su anterior experiencia en la penitenciaría, busca las respuestas que todavía no ha podido encontrar. Su primera parada es en la casa donde vive la viuda de Lacy, una anciana ciega que no deja de pensar en el fatídico final que sufrió su marido -interpretada por la veterana Frances Conroy, a quien pudimos ver en American Horror Story y en la sobresaliente A dos metros bajo tierra-. Tras la breve charla en la que intenta sacar algo de información sobre el difunto, Henry decide ver el despacho donde éste se retiraba a trabajar. Una vez allí se percata de que algo obsesionaba al difunto ex alcaide -en uno de los recortes de periódico que allí encuentra Henry se hace referencia a Cujo, otra sutil referencia más- y era una cita bíblica, repetida una y otra vez en pequeñas libretas distintas: y él, tomándolos en aquella misma hora de la noche, les lavó las heridas; y en seguida se bautizó él con todos los suyos. No sabemos a que se refiere con ella, pero seguro que pronto lo descubriremos. Henry aún intrigado se percata de que ya no es bienvenido en esa casa desde el momento en el que la pobre ciega se da cuenta de a quien ha acogido momentáneamente bajo su techo: Henry Deaver el supuesto asesino de su propio padre adoptivo. Henry abandona la casa sin molestar mucho más –no sin antes percatarse de una sospechosa puerta cerrada con candado-.
Pasamos a conocer a Jackie Torrance –¿de qué me sonará ese apellido?-, una enigmática chica obsesionada con crímenes acontecidos en Castle Rock. Lógicamente, la chica rubia -interpretada por Jane Levy, a quien hemos podido ver en las notables Posesión infernal remake y No respires– se percata de la presencia de Henry en aquella iglesia y pronto buscará la forma de entrar en contacto con él. Pero no es a ella a quien busca el susodicho, sino al pastor que dirige la iglesia y viene en busca de las posibles respuestas que este pueda brindarle. El pastor se interesa por su pasado y en darle la asistencia espiritual que, según él, necesita. Henry aceptará la ayuda pero con otro fines.
La chica cuyo apellido nos suena a todos
De vuelta a su casa observará nostálgico como su madre se sigue acordando de él -la demencia avanza pero sigue teniendo algunos momentos de lucidez-; le prepara una modesta fiesta de cumpleaños y tienen un emotivo momento juntos. Algo de normalidad y calidez para el bueno de Henry. Una vez en casa de los Henry, nos toca volver al año 1991, donde veremos a un Henry adolescente y a su vecina, una también adolescente, Molly Strand. Conocemos un poco más su particular obsesión por el chico y su, más que evidente, ansiedad social. No sale de su casa, simplemente observa a su vecino desde la ventana de su habitación. Se comunican a su manera, Henry es receptivo al contacto con la chica, pero la situación de ésta le impide comunicarse de manera más directa con él. De vuelta al presente conocemos un poco más al personaje interpretado por Melanie Lynskey, tiene problemas económicos, problemas familiares y la única manera que tiene de luchar contra su enfermedad es a base de pastillas.
Henry Deaver sigue enfrascado en su particular cruzada y protagoniza sendas escenas de investigación: la primera, el encuentro fortuito con Jackie Torrance, quien, interesada por su pasado, le cuenta su particular visión del asesinato del padre de Henry, y la segunda con un desconfiado Zalewski, quien es reacio a participar en el plan del abogado, temeroso de perder su trabajo, con todo lo que ello conlleva. Como vemos, Henry, al igual que el espectador, es incapaz de resistirse al saco de misterios que es Castle Rock y será uno de nuestros guías en este viaje. Tras una tensa charla con el ex sheriff, en la que amenaza al susodicho con echarlo de su casa en cualquier momento, pone en marcha su plan: volver a entrar en la penitenciaría o, si no es posible lo primero, acercarse a sus inmediaciones. Monta junto a un grupo de ciudadanos en un autobús escolar con rumbo a la iglesia vinculada con la famosa penitenciaría, donde el padre dará un sermón. Henry aprovechará esta situación para, una vez allí, cruzar miradas con el lacónico joven, para proceder a ofrecerle sus servicios como abogado. El chico repetirá su nombre y poco más. Henry tendrá que seguir insistiendo en el futuro.
En Castle Rock todos guardan secretos
No podemos terminar nuestro análisis sin contar lo que hemos podido ver en Shawshank. Este capítulo hemos podido conocer un poco más a la nueva alcaide -quien ha tenido un encuentro poco satisfactorio con el ex sheriff- y parece que su plan de acabar con el joven sigue en marcha. Tras descubrir parte del secreto de su antecesor en el puesto, procede a eliminar todas las pruebas vinculadas con el extraño caso. Y, por su culpa, el joven es trasladado a otra celda, esta vez compartida. Su compañero de celda resulta ser un peligroso neonazi que pronto perderá la paciencia con su joven compañero al que confunde con un pederasta. La violencia estalla y el joven le advierte de que no le toque. Pronto, el espectador verá como su tatuado compañero de celda fallece de manera extraña: según cuenta la profesional que realiza la autopsia, ha muerto de un fallo multiorgánico producto de un cáncer en fase terminal. La alcaide recibe la noticia con sorpresa. Ese prisionero en cuestión era un sujeto totalmente sano -físicamente hablando, por supuesto-. Ya podemos intuir que lo que desprende el joven es una fuerza maligna que acaba con todo aquel que se cruza en su camino. ¿Radiación? Ya veremos.
El ex alcaide lo sabía y tenía montado un escenario en el que las fuerzas del mal se enfrentarían a las del bien en esa misma pequeña localidad. Y Alan Pangborn ejercía el papel de héroe, un papel que, por lo que hemos podido ver al final del capítulo, no está dispuesto a continuar. ¿Pasará el testigo? ¿Dónde reside el mal? ¿En Henry o en el joven? Más preguntas y unas cuantas respuestas. Los misterios continuarán en los próximos capítulos. Espero volver a veros para nuestra tercera parada. Un saludo y que seáis muy felices.
El mes de Agosto se presenta caluroso, así que aquí tienes nuestra ración mensual de recomendaciones para ayudarte a elegir los mejores cómics para que te olvides del calor y, sobre todo, disfrutes. Cualquier sugerencia o aportación, ya sabes, ¡a comentarios!¡Muchas Gracias!
1) Colección Jim Starlin 8. Warlock y la Guardia del Infinito. Panini Comics. 19,95 euros. En este tomo se recopilan los primeros números de la colección con la que Jim Starlin vertebrará su Trilogía del Infinito. Hablo de Warlock y la Guardia del Infinito. Starlin se servirá de lo acontecido en el Guantelete del Infinito para crear a los guardianes oficiales de las Gemas del Infinito. No podían ser otros que sus personajes. Olvídate de raros experimentos contemporáneos y acércate al grupo cósmico por excelencia del Universo Marvel de los 90, escrito por el guionista cósmico por excelencia. En el apartado artístico destacar el dibujo de Ángel Medina, responsable de la famosa serie Kiss: Psycho Circus.
2) Escuadrón Suicida Vol.3: Villanos. ECC Cómics. 28,50 euros. Si sólo puedes comprar un cómic este mes que sea este. John Ostrander y Luke McDonnell siguen ofreciendo una de las mejores series de villanos de todos los tiempos. Los actos del Escuadrón Suicida han puesto al equipo al borde del precipicio, lo que hará que su directora, Amanda Waller, tenga que llevar a cabo medidas desesperadas, de dudosa moralidad. ¿Conseguirán las intrigas y corruptelas políticas lo que no pudieron otros villanos, organizaciones terroristas, alienígenas invasores o las tensiones internas? Este tomo se lee de un tirón y te deja deseando la llegada del siguiente. Una pena que ninguna de las colecciones actuales de DC estén a la altura de este título de finales de los 80 y principios de los 90.
3) El Conde de Montecristo. Norma Editorial. 18,00 euros. Poco a poco voy coleccionando los mangas que adaptan obras clásicas de la literatura y el pensamiento. En esto los japoneses no tienen rival y rara vez he leído alguna adaptación que me defraude. Si bien los mangakas no suelen adaptar la obra tal cual, saben coger la idea básica y presentarla a su manera, dejando el mensaje intacto y preparado para llegar a nuevos públicos. De manera que esta adaptación de la famosa obra de Alexandre Dumas, por Chan Crystal S. y Nokman, seguro hará las delicias tanto de quienes han leído la obra como de los que sólo la conocen por su versión audiovisual y quieran acercarse a un formato diferente, más cercana al libro.
4) Cómo se hace la Jump. Norma Editorial. 10,95 euros. Siempre intento meter en mis recomendaciones algún libro teórico. A la hora de leer cómics considero importante formar el gusto. Eso se consigue leyendo blogs como el nuestro 🙂 así como libros sobre cómics. Este, en particular, está dedicado a la Shonen Jump. Shonen Jump es la revista antológica semanal de manga, publicada por la editorial Shūeisha. En sus páginas verían la luz mangas tan populares como Mazinger Z, Captain Tsubasa, Hokuto no Ken, DragonBall, SaintSeiya, Rurouni Kenshin o Death Note. Así que estamos ante una obra imprescindible tanto para los estudiosos y críticos del noveno arte como para los aficionados al manga.
Alberto Lloria
1) Batman: Bloom. ECC Ediciones. 20,50 euros. Este arco, situado poco antes del evento DC Renacimiento, fue la continuación del evento que Snyder y Capullo nos trajeron en Endgame con la «muerte» de Batman y es, sin duda, curioso. Ya no solo por tener a Bruce Wayne ajeno a su vida de superhéroe y ocupando su lugar el comisario Gordon con ese Batman de metal, sino porque el villano nos recordó a la creepypasta de Internet Slenderman. Una historia que sirvió de puente entre Endgame y el final del Batman de Scott Snyder que sin duda es interesante.
2)James Bond: La caja negra. Panini Cómics. 16,10 euros. Os confieso que desconocía por completo que James Bond tuviera una serie de historias en cómics hasta este momento. Una historia completamente diferente del que podría ser el noveno James Bond pues no se centra en ninguno de los que ya conocemos en pantalla. De hecho, en algunos fragmentos del número 1 que se puede leer gratis en Internet gracias a Dynamite Entertainment, el bueno del Agente 007 tiene un aire a Clark Kent.
3) Montress volumen 2. La Sangre. Norma Editorial. 17,50 euros. Esperada segunda parte de uno de los cómics revelación del pasado año 2017. Una maravilla que triunfó en los premios Eisner el pasado 21 de agosto. Montress aglutina en sus páginas el folclore japonés con el steampunk más europeo en un mundo violento y fantástico.
Mario Losada
1) Colección Novelas Gráficas Marvel. La Imposible Patrulla-X: Dios ama, el Hombre mata. Panini Cómics. 18,00 euros. La novela gráfica de las novelas gráficas. La historia que cambió el concepto del cómic americano en los 80 y lo convirtió en un cómic para adultos. La historia donde por primera vez el villano es más humano y más gris que muchos héroes Marvel. Los guiones de Claremont y los dibujos de Brent Anderson transforman Dios ama, el hombre mata en la historia clásica de los mutantes.
2) La Cosa del Pantano de Alan Moore Vol. 2 Edición Deluxe. ECC Cómics. 48,00 euros. Como he dicho en innumerables ocasiones, para mí el mejor cómic de todos los tiempos es La Cosa del Pantano de Alan Moore. Este es el tomo 2 de 3, de la edición Deluxe que acertadamente está recopilando ECC. Este volumen incluye la saga completa de América Gothic. Una auténtica maravilla que tienes que leer al menos una vez en tu vida.
Sofía Ricarte
1) 100% Marvel. Rayo Negro: La colección completa. Panini Cómics. 23,75 euros. Me encantan los Inhumanos. Independientemente de los desastritos que se hayan realizado en TV, es una de las colecciones más interesantes de la Casa de las Ideas, para mi gusto. Y entre toda la familia real, destaca Rayo Negro, rey de los inhumanos y condenado a no hablar por el poder que podría desencadenar. Imprescindible para entender a los Inhumanos es esta recopilación de 12 números auto-conclusiva de Marvel.
2) 100% Marvel HC. Runaways 1. Panini Cómics. 16,10 euros. Sigo con productos llevados a la televisión. En este caso, destripada en esta misma web. Runaways es uno de los mejores productos de Marvel, ya lo he dicho. ¿Por qué?¿Por qué tiene un dinosaurio y una chica alien? Pues si, en gran parte por eso. Por otro lado, porque cuenta la historia de un grupo de adolescentes bajo la alargada y mutante sombra de sus padres. En este tomo, el grupo original vuelve sin Gert, la dueña del segundo mejor dinosaurio de Marvel. ¿Qué ocurrirá con Los Fugitivos?
3) Nivawa y Saitô Núm. 01 (de 3). ECC Cómics. 8,95 euros. No os voy a mentir, no tenía ni idea de que iba este manga, pero el bichito de la portada me ha maravillado y, cuando he leído el resumen, lo he amado. Nivawa es un niño de una especie mágica, que se cuela en casa de un desempleado que odia a los niños. No puede deshacerse de él. Por muy mágico que sea, no deja de ser un niño, y promete ser divertido y tierno. Además, el dibujo de Nagabe es maravilloso.
4)Sandman Presenta: Las Furias.ECC Cómics. 12,95 euros. Todo lo que huela a revisión de la mitología grecoromana a mí me maravilla de salida. Y si encima viene bajo el paraguas de Neil Gaiman, que me apasiona, por mucha tirria que se le tiene en esta santa casa, pues casi mejor. En este caso, el cómic sigue a Hippoliya Hall. Su cuidado obsesivo de su hijo Daniel ha dado paso, tras la muerte del mismo, a una inestabilidad mayor que la habitual y a una espiral de autodestrucción que la convierte en el peón perfecto de una guerra titánica. Yo lo recomiendo.
Jose Carlos García
1) Marvel Saga. El Inmortal Puño de Hierro 1. Panini Comics. 18,00 euros. No dejéis escapar la oportunidad de disfrutar de esta maravillosa etapa de Puño de Hierro/Iron Fist. Tuve el placer de leerla cuando salió en el formato de Novelas Gráficas de Marvel, y nada más ver las primeras páginas me sentí atrapado por este universo místico y de artes marciales. Escrita conjuntamente por Ed Brubaker y Matt Fraction, y espléndidamente dibujada por David Aja, estamos ante una etapa que redefine con maestría a este personaje tan interesante del Universo Marvel. Puede que para quien haya visto la serie de Netflix no le apetezca mucho leer sobre las andanzas de Danny Rand, pero dadle una oportunidad. No sólo conoceréis más sobre Danny Rand y su ciudad mística, sino también sobre los anteriores Puños de Hierro, porque sí, ha habido más de uno a lo largo de la historia.
2) H.G.Wells. La Guerra de losMundos. Norma Editorial. 25,00 euros. Lo sé, lo sé, no es ni la primera ni la última adaptación que se hace en cualquier formato sobre la inmortal obra de H.G. Wells, pero… ¿no es interesante leer un cómic basado en la misma y con tan buenos dibujos? Soy de los que piensa que este tipo de historias siempre merecen una lectura, aunque nos sepamos de memoria la historia a raíz de la obra original. Lo curioso es que para Norma ya es la segunda adaptación que hacen de Wells, ya que también tienen en su catálogo La máquina del tiempo. ¡Cuidado con los marcianos!
Las primeras escenas de la serie nos explican que ha pasado con Saul Goodman después de Breaking Bad. En imágenes hechas en blanco y negro lo vemos trabajando en una franquicia de Cinnabon desanimado y con otra apariencia para ocultar su identidad. Parece temer ser reconocido. Después de estas deprimentes escenas, nos encontramos en el presente en un juicio, mientras Saul está en el baño ensayando sus palabras para la defensa. Descubrimos que Saul es un abogado en un tribunal y no está conforme con su salario porque tiene muchas deudas y está arruinado. Busca clientes por su cuenta pero no tiene suerte. En realidad Saul no se llama Saul, su nombre auténtico es James (Jimmy) McGill. Su hermano Charles (Chuck) McGill es un importante socio y abogado de una firma llamada Hamlin, Hamlin & McGill. Chuck no parece tenerle mucho aprecio a Jimmy debido a su dudoso pasado. Jimmy tuvo problemas legales durante su juventud y era un inútil con carisma que lograba realizar magistrales estafas.
Bob Odenkirk as Jimmy McGill – Better Call Saul _ Season 2, Press Kit – Photo Credit: Usula Coyote/Sony Pictures Television/AMC
Jimmy decidió abandonar los malos hábitos para dedicarse a las leyes. Es un hombre que hace lo que sea con tal de lograr su objetivo. Tiene sueños como cualquier persona y quiere estar a la altura de su hermano y trabajar en su bufete o tener su propia firma, pero sus malos hábitos la hacen seguir siendo un abogado de segunda. Tiene un coche viejo y estropeado, vive en un zulo en un salón de belleza que hace de oficina. Se graduó como abogado a distancia en la Universidad de Samoa Americana y esperaba que su hermano estuviera orgulloso y lo contratara en Hamlin, Hamlin & McGill. Pero no fue así. Jimmy decepcionado dedica su carrera en el tribunal y a buscar clientes por su cuenta, es así como se topó con Betsy y Craig Kettleman, quienes tenían gran cantidad de dinero robado y necesitaban a un abogado para cubrirlos.BetsyKettleman soborna a Jimmy y él acepta el dinero con el cual empieza a vivir una vida acomodada. Lamentablemente tuvo que devolverlo por la situación legal en la que se encontraron Betsy y Craig Kettleman.
Más adelante Jimmy ve una oportunidad en la prestación de servicios a personas de tercera edad. Es así como llega a Sandpiper Crossing, una residencia de ancianos donde Jimmy atendía a una cliente. Jimmy descubrió que los ancianos estaban siendo estafados por dicha residencia y llevó a cabo una investigación. Esto provocó que su hermano Chuck lo convenciera de entregar el caso a HHM por la magnitud del mismo. Aunque no se llegó a un acuerdo debido a las diferencias entre Jimmy y los socios de HHM, en especial Howard y Chuck. Pero debido a su crisis decidió más adelante aceptar el trato. Para HHM el caso se volvió demasiado complejo por lo que se aliaron con el bufete Davis and Main. Mientras Jimmy está en el funeral de un viejo amigo (Marco) con quien realizaba las estafas, Kim Wexler lo llama para darle la noticia de que Davis and Main quieren trabajar con él.
Chuck McGill
Charles (Chuck) McGill es el hermano de Jimmy y es el socio de Hamlin, Hamlin & McGill. Sufre una extraña enfermedad llamada hipersensibilidad electromagnética. Esto le impide tener un día a día normal. Se vió obligado a abandonar las oficinas de HHM para permanecer en su casa alejado de todo objeto que use electricidad. Se ilumina de lámparas de aceite, Jimmy le lleva las compras y le proporciona todo lo que necesite. Las personas que lo visitan deben dejar todos los artículos como relojes y celulares fuera de la casa.
A pesar de la ayuda que le brinda Jimmy, Chuck aparenta estar orgulloso de él. Pero detrás de toda esa apariencia Chuck hace lo imposible con tal de impedir que su hermano alcance sus objetivos. Entre los altercados que tuvieron ambos al final de temporada, vemos como Chuck a pesar de su condición, mientras Jimmy duerme, sale de la casa a buscar el teléfono de Jimmy para llamar a Hamlin y advertirle que no debe contratar a Jimmy después de aceptar el caso de Sandpiper Crossing. Después de que Jimmy se entera de esta llamada intenta hablar con su hermano y él alegó que Jimmy no es ningún abogado de verdad, que quiere conseguirlo todo por la vía fácil y que un simple título de una universidad a distancia no es suficiente para acreditar su valía. Jimmy se va jurando que no volverá a llevarle más provisiones a su casa.
Personajes de Breaking Bad que aparecen en esta temporada.
Mike Ehrmantraut
La conexión entre Jimmy y Mike se da en el tribunal. Mientras Jimmy es abogado Mike trabaja cobrando el tiempo en el parqueadero. Como complemento a este trabajo, Mike lleva a cabo trabajos privados para los bajos fondos.
En esta temporada es revelado el pasado de Mike. Fue un policía de Filadelfia durante casi 30 años. Su hijo Matt siguió sus pasos y también se convirtió en policía. Pero Mike también se ensuciaría las manos al entrar a formar parte del club de los policías corruptos. Aunque Matt no estaba de acuerdo, Mike le ofreció aceptar una parte de ese dinero. Como Matt era un hombre justo, los policias Hoffman y Fensky pensaron que era mejor quitarlo de enmedio antes de que los delatara. Matt fue asesinado y Mike quedo destrozado. Las sospechas de Mike se dirigieron hacía Hoffman y Fensky así que una noche se hizo pasar por un Mike ebrio y se tomó la justicia por su mano. En el enfrentamiento queda herido pero eso no le impide marcharse a Alburqueque. Allá se dirige a la casa de su nuera Stacey y su nieta Kaylee. Se establece en Alburqueque.
Algo que me gustaría añadir es que la actuación de Jonathan Banks es excelente, nos sorprende con nuevas facetas de su personaje que no tuvimos oportunidad de ver en Breaking Bad. ¡10 sobre 10 para Banks!
Tuco Salamanca
Una breve aparición de Tuco. El incidente de Jimmy y los patinadores estafadores, condujo los acontecimientos hasta la casa de la abuela de Tuco. La abuela de Tuco tenía el mismo coche que Betsy Kettleman lo que provocó una confusión. Los patinadores hicieron su actuación del accidente en el coche equivocado, quien conducía no se detuvo y se fugo. Los chicos siguieron al coche pero quien conducía era la abuela de Tuco. Y además no hablaba muy bien el inglés. La cuestión es que Tuco creía que todo estaba orquestado por la policía o el FBI, que estaban investigando sus conexiones con la droga.
Nacho Varga
Nacho aparece en el altercado de los patinadores, junto a Tuco. Nacho parece tener mejor criterio que Tuco. Logra que Jimmy se salve de caer en las manos de Tuco, pero se entera de la situación del dinero de Betsy y Craig Kettleman y se interesa por Jimmy más adelante para robar ese dinero. Esto metió en aprietos a Nacho pero Jimmy, como abogado, logra liberarlo de los cargos. Nacho aparece en el episodio “Pimento” comprando pastillas robadas a un sujeto algo tonto que no sabe nada sobre negocios de narcotrafico y contrata a Mike para que lo apoye.
Hay mucho todavía que comentar sobre Better Call Saul, pero es solo un resumen de la primera temporada.
Seguimos en camino a la ceremonia de los Emmy numero 70 y en la cobertura de las películas de televisión que están nominadas. Ya hablamos de The taley también hay un analisis de Fahrenheit 451, hoy toca Paterno una película de HBO protagonizada por Al Pacino y dirigida por Barry Levinson que cuenta la historia real de Joe Paterno, un entrenador de fútbol americano que trata de mantener su larga carrera y buena reputación tras verse envuelto en una acusación por complicidad al encubrir a su asistente Jerry Sandusky, quien abuso sexualmente a varios niños. La cinta tiene solo una nominación a mejor película de televisión.
Al Pacino es reconocido por tener papeles histriónicos, con mucho carácter y presencia. Sin embargo, en esta película nos encontramos con uno de sus papeles mas centrados, relajados y que probablemente olvidemos con facilidad. JoePa (apodo por el cual se le conoce popularmente) es alguien que se ve segado y enfocado en su trabajo y pasión, el fútbol americano. Esto hace que el film nos muestre algo verdaderamente preocupante y que sigue pasando en la actualidad, el fanatismo por el deporte hace que idolatremos tanto a alguien que dejamos atrás o simplemente hacemos la vista gorda a cuestiones que puedan difamar a nuestro ídolo de masas y que tantas alegrías dio para que lo defendamos a muerte y demostrar su inocencia.
Hablemos de lo bueno, Paterno es una película con una construcción que ya nos resulta familiar, la manera en la que esta contada nos hace recordar mucho a grandes películas, como Spotlight y The Post: Los archivos del Pentágono, donde la construcción del relato es muy pero muy hablado y a medida que pasan los minutos, los personajes investigan sobre el suceso y vamos descubriendo pequeños detalles sobre lo ocurrido, ademas de compartir aspectos periodísticos. Es genial la manera en la que el relato en ningún momento se frena a contarnos o enfocarse sobre Sandusky, haciendo particular la manera en la que esta contada la historia. Podemos ver dos puntos de vista, por un lado la de JoePa, me voy a referir así a nuestro protagonista en lo que queda del articulo si me permiten, un anciano que empieza a comprender la forma en la que contribuyó a no evitar un mal y la de una periodista que trata de comprender porque la opinión publica esta de lado del entrenador y otros encubridores. Podemos destacar un tercer punto de vista, aunque este es mas breve, la de Aaron Fisher, uno de los abusados que tiene que lidiar con su pasado enfrentando a quienes no lo ven como una victima sino como un parásito por haber difamado la reputación de la universidad. Esto hace que podamos ver de una manera omnipresente a nuestros protagonistas, en sus intimidades y relaciones que tienen para poder salir adelante ya sea por un lado para manteniendo una reputación legendaria pasando por informar a todo el publico sobre lo ocurrido y terminando por volver a instalarse en un circulo social.
Al tener una construcción hablada se puede llegar a pensar que la película es lenta y que desarrolla muchos los personajes pero esto no es así, va directo al grano, la primera escena ya nos plantea lo que va a suceder en toda la película viendo a JoePa ingresando a una maquina de resonancia magnética en noviembre de 2011 y así ir recordando eventos de su vida mediante una especie de proyección que nos va mostrando imágenes de los recuerdos difusos que tiene el protagonista.
Ahora lo no tan bueno, es una película muy estadounidense, mostrando referencias a periódicos, programas de televisión o hasta el mismo JoePa quien muchos desconocíamos de su existencia y de todo lo ocurrido, enterándonos que fue una leyenda para el fútbol universitario cosa que para el resto del mundo simplemente puede pasar como un evento mas de una persona común y que no sea de nuestro interés, haciendo que no llegue a mucho publico internacional. Otro punto es la cantidad de personajes que hay, por lo que en ocasiones puede resultar complicado ubicar de quién se está hablando.
Paterno es una película que de un carácter documental que no esta dirigido a todos los públicos, un filme que habla mas sobre la responsabilidad que la culpabilidad.
Amigos de este sacrosanto blog. Creo que ya ha llegado la hora, el inevitable momento en el que me tengo que enfrentar a la elaboración de un top 25 de mejores películas de terror. Cosa difícil si tenemos en cuenta la cantidad de filmes de calidad –en contraste con toda la basura que también encontramos– que podemos encontrar en el género y la subjetividad de la que se empapa este tipo de artículos. Por supuesto debo avisar de que esta lista no iba a ser menos, no pretende ser definitiva, ni ser un adalid de la objetividad, es totalmente subjetiva y, como tal, depende totalmente de los gustos del autor de la misma.
No podía faltar en este top muestras del mejor cine patrio de terror, y considero que [·REC] de los directores Jaume Balagueró y Paco Plaza cumplía los requisitos de sobra para ocupar el puesto 25 del mismo.
La historia nos invita a conocer a Ángela (Manuela Velasco), una reportera de una televisión local que debe acompañar a un grupo de bomberos durante una misión de rescate. El motivo por el cual he decidido incluirla en esta lista es por la capacidad que tiene de revitalizar un subgénero dentro del cine de terror como es el de found footage o metraje encontrado, intentando no encasillarse en el mismo y demostrando que se puede ser efectista sin caer en tópicos.
24. La parada de los monstruos (1932)
No podía dejar pasar la oportunidad de introducir en mi lista una de las mejores películas de terror clásico que he tenido el placer de visionar, de una modernidad asombrosa y de un realismo contundente, esta no es otra que la laureada La parada de los monstruos. Y es que estos freaks de circo se ganaron un hueco en mi corazón tras el visionado de esta magnética cinta del director Tod Browning, cosa no muy difícil si tenemos en cuenta la intención del relato. El filme nos deja claro, con una estructura narrativa cercana al cuento, que la maldad y la bondad no son conceptos que vayan relacionados con el aspecto físico y que, a pesar de los embates que nos da la vida, siempre habrá una razón por la que sonreír. Sin lugar a dudas, una propuesta valiente que no funcionó demasiado bien en Estados Unidos, tanto por lo grotesco del envoltorio como por lo adelantada a su época que resultó.
23. It Follows (2014)
Una de las películas más recientes del top y un magnífico ejemplo de que el cine de terror sigue en plena forma, gracias a títulos que conservan todo el aroma del buen clásico y aún así consiguen resultar frescos y rompedores. Ya hablé de ella en el artículo que escribí sobre la nuevas tendencias dentro del cine de terror y creo que merece un puesto en esta lista por ser una película sobresaliente.
Esta lista no estaría completa sin este filme, un magnífico ejemplo de que el suspense, el terror y el gore pueden ir de la mano y resultar atractivo para el gran público, sin olvidar, por supuesto, al cliffhanger, elemento que ha hecho famosa a la saga. Una película que gozaría de mayor reconocimiento si no hubiera sido el pistoletazo de salida para una saga irregular, compuesta por filmes bastante olvidables y que solo se salvan gracias al giro argumental final. También debo señalar que esta película supuso para James Wan, director de la misma, su entrada en las grandes ligas y, un servidor, no podía estar más contento por ello.
21. Nosferatu (1922)
Si tuviera que hacer una lista con los vampiros más terroríficos de la historia del celuloide -me lo apunto para próximas aportaciones-, seguramente Nosferatu ocuparía el primer puesto en la misma. Y eso que estamos hablando de una película estrenada en 1922, que ya ha llovido desde entonces. Pero es que, a pesar de los años que nos separan de la cinta, nada ha conseguido inquietarme tanto como esa sombra, esa silueta subiendo las escaleras. Terror en estado puro.
20. Holocausto caníbal (1980)
Algunos os estaréis preguntando como es posible que una película de videoclub como Holocausto caníbal -se publicitaba como un documento real, hecho que trajo problemas a su director-, con un presupuesto mínimo y con unas ganas evidentes de provocar, se haya hecho con el puesto número 20 de nuestra lista. Pues sí, a pesar de que ha envejecido algo mal, sigue impactando en el espectador primerizo como ya lo hacía en los años 80. Algo que solo las mejores cintas de terror logran conseguir: malestar estomacal y la imperiosa necesidad de apartar la mirada.
Eli Roth filmaría con menos acierto la cinta El infierno verde, película que intenta homenajear la cinta de Deodato pero que fracasa estrepitosamente en el intento. En definitiva, se convierte en un innecesario filme que justifica el genocidio de pueblos indígenas. Si lo podéis evitar, mejor.
19. La matanza de Texas (1974)
El género slasher siempre ha sido mi perdición y no podía dejar pasar la oportunidad de homenajear a una de mis sagas preferidas dentro del mismo, La matanza de Texas. Y es que su primera entrega lo tiene todo, un asesino carismático -no le hace falta hablar, su aspecto nos lo dice todo-, un grupo de jóvenes con más matices que los que suelen salir en este tipo de producciones y casquería de la desagradable, de la que te hace querer apartar la vista de la pantalla. Sin duda, un clásico dentro del género y un habitual dentro de este tipo de listas.
18. Anticristo (2009)
El director danés Lars von Trier siempre busca la polémica con sus producciones y en esta, en concreto, lo consigue. Es un filme que habla por si solo, así que flaco favor os hago si os destripo parte de su sinopsis, os dejaré descubrir la genialidad del mismo por vosotros mismos. Unas interpretaciones sobresalientes -destacando la del siempre genial Willem Dafoe-, un guión retorcido y un simbolismo tan hipnótico como inteligente, hacen de este filme un candidato perfecto para el puesto número 18 de mi lista.
17. Crudo (2016)
Otra película reciente que he visto oportuno añadir al top y, creedme, se lo merece. Crudo no solo es una película de terror, pues el tema que trata es polémico y terrorífico a partes iguales, es un filme diferente a la hora de mostrar el difícil transito de la adolescencia a la adultez y el autodescubrimiento de la verdadera naturaleza del sujeto. Incluso me atrevería a decir que funciona perfectamente como drama –si eludimos su temática caníbal, por supuesto-. Otra muestra de que el cine francés de terror está en plena forma y que, en realidad, nunca ha dejado de estarlo. Tan cruda como su título.
Otro título francés, otra propuesta diferente y otro filme polémico que añadir a esta lista. Poco puedo decir de esta cinta que no se haya dicho ya, un producto provocador que te mantendrá pegado a la pantalla durante sus 97 minutos de metraje, aunque estés deseando apartar la mirada por lo que en ella estás viendo. La propuesta de Pascal Laugier no es solo una de las cintas más repulsivas y viscerales que he tenido el «placer» de visionar, sino también una de las más terroríficas -por su temática-, por lo que merece el puesto número 16 en mi subjetiva lista. Nada te ha preparado para este filme, te lo aseguro.
No podía dejar de lado a uno de los mejores slashers que he tenido el placer de visionar y estaba claro que éste iba a ser el magnífico filme de Wes Craven, Pesadilla en Elm Street. Todo un clásico que merece estar entre las mejores películas de la historia, con un villano icónico y una ambientación insuperable que la sitúa entre las más originales dentro de su subgénero. No podéis perderos la primera aparición del bueno de Freddy Krueger en esto del celuloide.
No podía faltar en esta lista un filme sobre tiburones y, aunque mi compañera Sofía esperaba que fuera Sharknado, no podía incluir a otro que no fuera el clásico del bueno de Steven Spielberg, Tiburón. Siempre recordaré su escalofriante melodía principal y su manera de jugar con el terror natural que siente el ser humano por el gran escualo. Una magnífica manera de tratar el suspense, jugar con el público y con sus ganas de bañarse. Genial cinta que, sin lugar a dudas, merecía un puesto en mi lista.
13. La mosca (1986)
Y en el puesto número 13 de esta lista, la mejor película del director David Cronenberg, La mosca. Con un Jeff Goldblum totalmente inspirado -en un papel que le venía como anillo al dedo-, un Cronenberg en su salsa y desatando todo el amor que sentía por la obra de Kafka. Una obra que revolverá tu estómago y que, una vez visionada por completo, no podrás olvidar aunque lo intentes. En el buen sentido, claro.
12. La noche de los muertos vivientes (1968)
Nada sería lo mismo en el mundo del terror si George A. Romero no hubiera irrumpido en escena con sus zombies allá por 1968. Una cinta que desató toda una fiebre en el espectador, ávido, desde entonces, por ver más cintas en las que participaran estos muertos de andar lento y pesado. Y es que nada sería lo mismo sin la enorme aportación del maestro Romero, sin sus magníficas ideas y su capacidad para conseguir que sus cadáveres andantes hagan saltar de sus asientos al público.
11. Scream (1996)
Pesadilla en Elm Street merecía estar en esta lista por saber ser original dentro de un subgénero que, a pesar de estar empezando, ya empezaba a mostrar signos de una preocupante escasez creativa, y, de igual manera, Scream merece estar en esta lista por saber revitalizarlo tras el inevitable desgaste. Lamentablemente, nada es para siempre. Tras el éxito de la cinta vinieron -aparte de las secuelas de rigor- otras que intentarían emular lo conseguido por el maestro Wes Craven pero que solo servirían para volver al mismo punto en el que se encontraba el subgénero antes de la aparición de Ghostface. Una genial cinta de terror que supo reírse de sí misma sin perder la seriedad del todo.
En este artículo hablo más en profundidad de la cinta y del subgénero:
Empezamos el top 10 de esta lista, concediéndole el puesto número 10 al, ya clásico, filme de Ridley Scott. Y es que todo en la cinta demuestra que Scott no solo es uno de los mejores dentro del género de la ciencia-ficción, sino que también puede ser todo un maestro del horror y el suspense. Los interiores del Nostromo, la escalofriante criatura diseñada por el artista H. R. Giger y las interacciones entre sus personajes, desprenden mimo por los cuatro costados. Nada te parecerá igual tras visitar el universo que nos presenta el bueno de Scott.
9. Misery (1990)
No hay una cinta dentro del género de terror que me haya causado tanta inquietud -destacando por encima de todo una escena en la que unos tobillos son los protagonistas- con tan pocos recursos como esta. Una habitación, un guión excelente y una Kathy Bates enorme en su papel de fanática peligrosa y trastornada, elementos más que suficientes para provocar agobio en el espectador, hacerlo partícipe del sufrimiento experimentado por el pobre novelista interpretado de forma solvente por James Caan. Una experiencia terrorífica que todos deberían experimentar.
8. Funny Games (1997)
Nada te dejará tan tocado como la historia que nos presentó allá por 1997 el director austríaco Michael Haneke, en la que una inocente familia se verá atrapada en un macabro juego orquestado por un par de desequilibrados. La forma que tiene el director de reflejar la psicopatía es capaz de helar la sangre de cualquiera, por muy acostumbrado que esté a este tipo de cine. Parte de culpa la tiene ese larguísimo plano secuencia que os hará partícipes del desagradable juego a la fuerza.
Si hay alguna razón por la cual La niebla de Frank Darabont debe de ocupar este puesto tan destacado dentro de la lista es sin duda por la capacidad que tiene el director de generar malestar en el espectador, durante y después del visionado. Es que ese final debería ser situado entre los finales más duros e impactantes de la historia del cine, nada te dejará tan mal cuerpo como esos planos finales, la música y la desesperación del personaje. Darabont demostrando una vez más que nadie adapta al maestro como él.
6. El silencio de los corderos (1991)
La historia de Hannibal Lecter es bien conocida por todos gracias, en mayor medida, a un Anthony Hopkins que hace suyo al personaje y lo eleva hasta el Olimpo de la cultura cinematográfica, y es que parte de la popularidad que adquirió durante los 90 -y que aún conserva- se debe al carismático asesino en serie. No podemos olvidar a una poderosa Jodie Foster y a un desquiciado Ted Levine. Un clásico que se disfruta mejor con un buen Chianti.
Mucho se ha hablado de esta película: de la forma en la que nos presentó el relato el maestro Kubrick -siempre criticada por el autor del mismo, Stephen King-, de sus geniales actuaciones –Jack Nicholson está inmenso- y de su sufrido rodaje, por lo tanto sería un error no incluirla en esta lista. Posiblemente la película de terror que más me haya inquietado -inquietado, que no asqueado- de esta lista y la que contiene algunas de las escenas más recordadas de la historia del cine, mil veces homenajeadas en otros productos, cuyo ejemplo más reciente lo encontramos en Ready Player One de Steven Spielberg y que consigue ser una de las mejores partes del filme. Está comprobado que todo mejora si añadimos una pizca de El resplandor.
4. Al final de la escalera (1980)
Nadie ha podido igualar la maestría con la que manejó Peter Medak el tema de las casas encantadas en su película Al final de la escalera. Nadie lo presenta como el director de origen hungaro y, por ello, se merece el cuarto puesto en esta lista. Con unas actuaciones sobresalientes para lo que estamos acostumbrados en este tipo de producciones, unas escenas memorables que van más allá del efectismo –con situaciones que funcionan realmente bien– y un guión atrayente, todos estos elementos forman un cocktail perfecto para cualquier amante del cine de terror clásico. Solo por la actuación de George C. Scott en el papel de John merece la pena su visionado.
3. Psicosis (1960)
No podía faltar en esta lista uno de los mejores filmes -dentro de una larga lista llena de títulos excelentes- del maestro del suspense, Alfred Hitchcock. Y cuando hablamos de uno de los mejores directores de la historia, son palabras mayores. Psicosis es una magnífica muestra de la maestría de su director, de su capacidad de tejer una espesa red cinematográfica en la que nos envuelve gradualmente a medida que avanza la trama del filme, un filme que no dejará de sorprendernos desde el primer minuto. Una cinta rebosante de modernidad que ha demostrado que, por mucho que se intente, no puede ser llevada al terreno del remake.
2. La semilla del diablo (1968)
Otro clásico, producto de una época en la que el cine de terror estaba tan bien valorado que todos los grandes directores apostaban por él y la cinta de Roman Polansky es una gran muestra de esto. Es una película única, llena de buenas ideas y con unas actuaciones totalmente inspiradas, con una excelsa Mia Farrow transmitiendo sentimientos a base de miradas. Una dirección de Roman Polansky que atrapa, jugando con esa atmósfera tan caractéristica del filme y de la que no podrás escapar. La semilla del diablo es un gran ejemplo de lo bueno que es el cine de terror clásico.
1. El Exorcista (1973)
Supongo que nadie se habrá extrañado de ver este filme ocupando el primer puesto de esta lista y creo que todo el mundo estará de acuerdo en que El Exorcista es una de las mejores películas de terror de la historia -para mi, como podéis ver, la mejor-. Toda la leyenda que rodea a la película, el revuelo que causó en su momento -y que, en menor medida, sigue causando hoy día- y su capacidad por sorprender sin importar los años que pasen, hacen de esta cinta la guinda del pastel, aquello que necesitaba la lista para estar completa. Y sí, peco de clásico -esta película es habitual verla en lo más alto de este tipo de listas-, pero es que todavía no he encontrado una cinta que me impactara tanto como esta. Por eso y por mucho más, El Exorcista se hace con el primer puesto de esta lista.
Bueno tras la elaboración de este subjetivo top, teniendo en cuenta mis gustos personales y la importancia, me despido hasta la próxima. Nos seguimos leyendo, que seáis muy felices.
La saga Misión Imposible (Mission: Impossible) nace de la mano maestra de Brian de Palma en verano de 1996 como sólida película de espías y acción, y ha sabido mantenerse y reinventarse hasta llegar a ser una de las sagas más consistentes del Hollywood reciente. El estreno de Fallout ha supuesto un nuevo hito en la franquicia: el asentamiento de un estilo unificador.
Cuestión de estilo
Tom Cruise, figura que ha mantenido la saga Misión Imposible con su papel fuera y dentro de la pantalla, supo en su día hacer una apuesta por la ruptura en vez de la continuidad a la hora de plantear las secuelas. Donde el estándar del cine de acción venía (y en gran medida lo sigue) siendo repetir fórmula y aumentar presupuesto y tamaño, Cruise apostó desde el principio por el estilo: trayendo a un director distinto a cada nueva entrega de la franquicia y dándole libertad creativa casi total para desarrollar su firma en la cinta, hizo que cada película pudiera resultar novedosa a pesar de su siempre trilladísimo argumento base. Y es que la estructura de las películas ha sido durante años la esencia unificadora de la saga y el elemento vertebrador de cinco películas que beben de distintas formas de la original (y esta a su vez, guardando mucho las distancias, de la serie clásica que merece mención aparte) sin ceñirse a una forma de hacer el cine de espías y acción que encasillara la saga en una vertiente más del género. Por eso mismo, la suma incesante de elementos que se vuelven canon película tras película y mirada tras mirada, Fallout ha tenido la posibilidad de unificar todos los elementos que han funcionado a lo largo de sus cinco predecesoras (así como prescindir de aquello que no ha salido bien, incluyendo gran parte de Rogue Nation) para consolidar lo que, por primera vez, puede denominarse un estilo reconocible Misión Imposible.
Cerrar la definición del sello de la franquicia es una buen decisión y al mismo tiempo un riesgo considerable. En una saga en la que la reinvención era parte del atractivo, acomodarse en un estilo puede resultar en el adelgazamiento de la narrativa y la frescura de la película; más aún cuando, por primera vez en seis películas, repite director. Siendo Rogue Nation una de las entregas más planas y olvidables de toda la saga, es una grata sorpresa presenciar cómo Fallout se erige como posiblemente la película más redonda de todas las de la saga hasta la fecha, en un ejercicio constante de ingenio, pulso narrativo, mesura bombástica e incluso cierta preocupación por dotar a los personajes de algo más que una razón para correr hacia delante. Lo combina con una de esas señas de identidad constantes de la franquicia, la espectacularidad de las escenas de riesgo realizadas por el propio Cruise que, lejos de quedarse en una llamada de atención extracinematográfica colabora a realzar aún más unas secuencias de acción ya de por si exquisitamente rodadas al facilitar que se dilate la suspensión de la credulidad –sabemos que el actor las hizo, ergo no nos queda otra que callarnos el ahí se han pasado, reforzando la inmersión por paradójico que parezca.
No acaban aquí los beneficios de un reparto comprometido con la acción física real y los stunts: también abre la posibilidad de prolongar el plano tanto como sea necesario, concentrar la información visual en lapsos más asumibles de tiempo y liberarse de tener que condicionar el montaje a nada que no sea ritmo, condicionamiento frecuente en la acción contemporánea. Acción de la vieja escuela en el Blockbuster más actual es una combinación que ya ha probado su éxito con sorpresas recientes como John Wick, Mad Max: Fury Road o Atómica. Misión Imposible viene a consolidar su cóctel de espionaje y acción para hacerse así evidente que se trata de la saga de blockbusters de acción más sólida –ya quisieran algunos rápidos y furiosos tener la mitad de carisma o aguantar un segundo visionado como lo hace esta– del Hollywood reciente. Entretenimiento de calidad asegurado.
Mucho se ha hablado y se hablará de los planes de Sony sin Spider-Man ahora que el arácnido superhéroe tiene alquiler completo de Disney. ¿Es una apuesta arriesgada? Arriesgadísima más bien, sobre todo para el amplio público que no conoce más de Venom que por sus participaciones junto a Spider-Man. Sin embargo, a pesar de la «ausencia» (porque tampoco es que hicieran mucho) en la pasada Comic-Con, este martes nos han querido deleitar con más metraje del próximo gran estreno superheroico de Sony.
Este tráiler sin duda es la mayor apuesta de Sony para el personaje. Después de un primer avance bastante chapucero con poco o nada del simbionte de Marvel, el segundo mejoró la apuesta. Sin embargo, algo que parece quedar claro aún más con este nuevo avance es que la película está sentada sobre las bases de cualquier producción de superhéroes de antes de 2010: una película de orígenes que se guarda demasiados ases en la manga por si funciona en taquilla, exprimirlo todo en la secuela.
Sony se lanza a la piscina a enseñarnos más de Venom, diseño que sin duda me gusta aunque puedo sacar algunos peros en cuanto a los efectos especiales. Más allá de eso, la compañía echa la casa por la ventana mostrando al resto de villanos que acompañarán a Tom Hardy en la película, incluido el que interpreta Riz Ahmed. Se confirma así que el avance de la San Diego Comic-Con es el mismo que acabamos de ver, con un breve vistazo de Riot y del resto de simbiontes que aparecerán en la película, pero nada de Carnage, quien sin duda podría ser la revelación y por ello Sony se lo estaría reservando para el metraje final.
Poco más que decir de este avance, uno que repite secuencias de los dos anteriores y que no se anima a enseñar sangre con ese mordisco a la cabeza de un atracador al final del tráiler, y eso que es calificación R. Recordad que la película se estrena el próximo 5 de octubre y es la vuelta al universo superheroico en solitario desde The Amazing Spider-Man 2.
Y a vosotros, ¿os ha gustado más este nuevo tráiler?
¡Buenas noches damas y caballeros! ¡Sean bienvenidos, póngase cómodos y sujeten bien su móvil, portátil o tablet! ¡Peparen palomitas y colóquense los chubasqueros porque puede llover sangre! Esta velada van a tener la oportunidad de asistir a un duelo épico, a una completa lucha de titanes.
En una esquina, con dos orejas completamente redondas, su propio parque de atracciones y una voz bastante chillona… El vigente campeón tras derrotar la semana pasada a James Gunn con un K.O. que lo dejará fuera de la temporada… ¡¡¡ MICKEY MOUSE !!!
En la otra esquina, con un equipo compuesto por un francotirador, un luchador profesional, un domador de dinosaurios, un ladrón de automóviles bastante cachas y una indígena azul de 3 metros entre otros… ¡¡¡ EL REPARTO DE GUARDIANES DE LA GALAXIA !!!
Espero que estén listos porque esta batalla está a punto de comenzar.
Vengando al aspirante al título
Todo parecía ir bien para James Gunn. Su racha de victorias con Guardianes de la Galaxia y Guardianes de la Galaxia vol.2 empezaban a posicionar al estadounidense como un serio aspirante al título de los pesos pesados en la categoría de Director. Hay quien hablaba de futuros duelos con Cristopher Nolan, Bryan Singer o incluso con Tim Burton. Sin embargo unos tuits con un supuesto comportamiento antideportivo dejaron al aspirante sin opción al título, obligándolo a verse las caras en el ring con el ratoncillo más duro del universo.
Esta brutal paliza (para muchos injustificada) supuso el enfado de sus compañeros de vestuario, quien sin echarse atrás en ningún momento, lanzaron un desafío al roedor a través del Instagram de Chris Pratt. En su perfil podemos encontrarnos con la siguiente carta, firmada por todos y cada uno de los actores de la franquicia, bajo el nombre de The Guardians of the Galaxy.
“A nuestros fans y amigos:
Apoyamos completamente a James Gunn. Estamos en shock por su abrupto despido la semana pasada y hemos esperado estos 10 días intencionadamente para pensar, rezar, escuchar y discutir al respecto. Durante este tiempo, nos hemos alentado del valor y coraje que fans y miembros del gremio han externado en su apoyo y deseo respecto a la reinstalación de James Gunn como director de Volúmen 3 así como por todos aquellos que cobardemente han actuado alrededor de las teorías hacia el director.
Estar en las películas de los Guardianes de la Galaxia ha sido un gran honor en cada una de nuestras vidas. No debemos permitir que este momento pase sin mostrar nuestro amor, apoyo y gratitud hacia James. No estamos aquí para defender sus bromas de hace muchos años sino para compartir nuestra experiencia habiendo pasado tantos años juntos en el set de las dos películas. El carácter que ha mostrado en los días que han ocurrido tras su despido es acorde al hombre que siempre fue en los días de filmación, y su disculpa, ahora y hace muchos años cuando por fue señalado por primera, creemos que nace desde el fondo de su corazón, un corazón en el que confiamos y amamos. Haber sido parte del casting que da vida a esta historia sobre inadaptados que buscan redención, cambió nuestras vidas para siempre. Creemos que precisamente el tema de la redención tiene más importancia ahora que nunca.
Cada uno de nosotros esperamos poder trabajar con James en un futuro. Su historia todavía no ha terminado, ni de lejos.
Respecto a este pequeño proceso de juicio en la opinión pública. James seguramente no será la última persona en recibir este tipo de crítica y juicio. Dada la gran división política que existe en nuestro país, está claro que acciones como ésta van a seguir viéndose, aunque esperamos que los estadounidenses del espectro político dejen a un lado esta mafia mental que nos acecha.
Nuestra esperanza es que todo lo que ha pasado pueda servir de ejemplo para todos nosotros, para darnos cuenta de la enorme responsabilidad que tenemos con nosotros mismos y con los demás respecto a lo que escribimos cuando comenzamos en esta era digital; que nosotros como sociedad podamos aprender de esta experiencia para que en un futuro se piense dos veces antes de decidir lo que queramos expresar; y que con este aprendizaje podamos adquirir esta capacidad de ayudar y sanar en lugar de lastimarnos los unos a los otros. Gracias por tomarse el tiempo de leer nuestras palabras.
Los Guardianes de la Galaxia.
Chris Pratt,
Zoe Saldana,
Bradley Cooper,
Vin Diesel,
Sean Gunn,
Dave Bautista,
Karen Gillian,
Michael Rooker
y Pom Klementieff.”
Analizando el combate
La descalificación del aspirante al título es cuanto menos dudosa. Al público no parece agradarle el exceso de autoridad por parte de los directivos. Hay quien piensa que son demasiados sensibles para dedicarse a este negocio (¿o acaso fingen serlo?). Desde luego no parecen achantarse ante nada. No hace mucho que Ryan Reynolds confirmó en una entrevista que uno de los chistes de la escena post-créditos de Deadpool 2, tuvo que eliminarse tras la compra de FOX por parte de Disney.
Por su parte Selma Blair, actriz conocida por su papel de Liz Sheman en Hellboy I y II, ha decidido apearse del carro de Twitter y utilizar únicamente Instagram, tal y cómo se puede leer en la siguiente captura:
Hasta otra. Podéis encontrarme en Instagram.#ApoyoAJamesGunn
Respecto a la carta, en un primer momento puede sentirse como un golpe de efecto, un buen gancho de izquierda para tomar las riendas dentro del cuadrilátero. Sin embargo, está claro que la magnitud del oponente es un rasgo a tener en cuenta, y por muy duro que haya podido parecer el movimiento, esto solo ha sido el primer asalto, y en cuestiones de resistencia siempre acaba ganando el ratoncete. Desde luego, si tuviésemos que apostar antes de que volviese a sonar la campana, está claro que Disney tiene todas las de ganar. Es muy raro en este tipo de enfrentamientos encontrarse con la reaparición de un antiguo contendiente, pero esto es show business y estamos en Hollywood, uno nunca sabe que va a suceder después de la pausa publicitaria.
Lo que sí podemos confirmar es que la carta se ha hecho rápidamente viral y todavía se puede encontrar en el perfil del intérprete de Star Lord. Está claro que la franquicia más atrevida y gamberra del Universo Cinematográfico Marvel ha calado hondo en su equipo. Un grupo de forajidos capaz de redimir sus errores para convertirse en los héroes de la galaxia, claro que Thanos no es Disney, ni las Gemas del Infinito accionistas. ¿Surtirá efecto el comunicado de un resentido reparto en contra del coloso de la diversión o desaparecerán tras el chasquido de dedos del ratón más famoso del universo?
3) Nivawa y Saitô Núm. 01 (de 3). 
