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Reseña de Investigaciones Factor X 1: Espera lo inesperado, de Peter David

Pedro Pérez S.
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Reseña de Investigaciones Factor X 1: Espera lo inesperado, de Peter David

Mutantes, detectives de novela negra, conspiraciones, barrios marginales y una agencia de investigaciones envuelta en penumbra. ¿Se puede pedir más? Todo esto, junto, revuelto y agitado es lo que nos sirve Investigaciones Factor X 1: Espera lo inesperado, el tomo editado por Editorial Panini que recopila la ya mítica serie de Peter David.

Philip Madrox

Este primer tomo empieza por el inicio, esto es la serie limitada Madrox, guionizada por Peter David y dibujada por Pablo Raimondi; una serie que apareció dentro del extinto sello Marvel Knights y que fue más bien un encargo del editor Andy Smith que una idea propia de David. Jamie Madrox, El hombre Múltiple, fue un mutante creado por Len Wein, Chris Claremont y John Buscema en el Giant-Size Fantastic Four # 4, un personaje que no pasaba de mero secundario y que parecía que no daba más de si hasta la llegada de David al segundo volumen de X-Factor. El nuevo guionista supo ver inmediatamente el potencial de un mutante cuyo poder le permitía crear copias de si mismo, tratándolo como alguien que pone sus rasgos más extremos en cada una de las copias que crea sin poder controlar su carácter, copias que podían llegar a ser totalmente independientes y largarse a vivir su vida por ahí.

Es precisamente una de sus copias la que genera la trama de la serie limitada, metiendo al Jamie Madrox original en un ambiente sórdido, repleto de gansters y mujeres fatales, cual película de género negro, puro noir. Al final de la serie, que presenta un tono más adulto y oscuro de lo que cabría esperar en una serie mutante, junto a sus antiguos colegas Rahne Sinclair (Loba Venenosa) y Guido Carosella (Fortachón), Madrox abre la agencia de detectives Investigaciones Factor X, dando inicio al tercer volumen de X-Factor, manteniéndose Peter David al frente del mismo hasta su cancelación.

Monet y Rictor

Año 1

El tomo contiene los 12 primeros números del tercer volumen de X-Factor. La acción se situa en pleno Barrio Mutante, un distrito neyorquino poblado por mutantes marginados, creado por Grant Morrison y que le sirve a David para ambientar su serie y tratar temas tan variados como la intolerancia, la marginación, el racismo y la pobreza. Siguiendo con la tónica noir heredada de la serie limitada, los protagonistas deben hacer frente a las consecuencias del evento mutante del momento, la Dinastía de M que despobló el Universo Marvel de homos superiores. A Madrox, Rahne y Guido, se les unen Theresa Cassidy, alias Siryn, la hija de Banshee; la egocéntrica y altiva Monet St. Croix; Rictor, quien ha perdido sus poderes ha consecuencia de Disnastía de M; y la misteriosa Layla Miller, una niña que «sabe cosas» y que a la larga será fundamental en el devenir de la serie.

Investigaciones Factor X es una serie que gana en su lectura en tomo. Peter David es uno de esos guionistas de los que ya no quedan, de los que cogen una serie con la intención de contar una historia y tratar un tema determinado. David no es de los que improvisan mes a mes, o como mucho cada cuatro números sino que es alguien que hace pivotar sus series sobre un tema determinado, ya sea el amor o la búsqueda de uno mismo (Hulk, Capirtán Marvel, Supergirl), y lo desarrolla durante los números que haga falta, o hasta que las ventas le dejen. Da mucho a sus lectores pero también les exige paciencia y atención, cosa que en el formato grapa a veces resulta complicado. En su aventura en este primer tomo le acompañan varios dibujantes, como Ryan Sook o Dennis Calero, siendo este el punto flojo de la serie: el baile de artistas gráficos, todos ellos más que competentes pero sin mucho renombre, perjudica en cierta forma la unidad de estilo de la colección, aunque las historias del guionista mantienen toda la coherencia.

Desde aquí nos alegramos mucho de que, por fin, Panini haya iniciado la edición en tomo de una de las mejores series que ha tenido nunca el Universo Mutante. Lo mejor del género negro, detectives con problemas, mujeres fatales, ambientes sórdidos, se mezcla con los personajes más fascinantes y mejor desarrollados que han pasado por las manos de un guionista en la franquicia mutante. Una serie de calidad que nadie debería perderse. Un saludo y sed felices.

Factor X

One Piece 912, la nueva katana de Zoro

Mario Fernández Filloy
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One Piece 912, la nueva katana de Zoro

Bienvenidos una vez más, fieles adeptos de Oda, a un nuevo análisis de One Piece. En esta ocasión, del capítulo 912 del manga. El arco de Wano comienza a asentarse y continuamos exactamente donde lo habíamos dejado el capítulo anterior, con la aparición de un arma potencialmente interesante y una de los encuentros más esperados. Comencemos.

PUEDES LEER AQUÍ TODOS LOS ANÁLISIS DE ONE PIECE

Luffy se pone al día

Algo que ocurre en todos los grandes arcos son esa especie de flashbacks/explicaciones que narran el porqué del desastre que el pueblo está viviendo. Siempre conciencian a Luffy de que todo está muy mal por culpa del villano de turno y que si no hace nada el mundo no se va a apañar solo. En este caso, Kaido hizo de Wano un lugar moribundo y contaminado, a excepción de la capital, donde vive el shogun. Todos los demás subsisten como buenamente pueden en penosas condiciones. Información a mayores, X-Drake se unió al yonkou hace un año, los cinco samuráis que protegían el pueblo fueron derrotados y, redundantemente, la gente vive en pobreza absoluta.

La niña y el herrero se enteran por parte de Luffy de que Ace está muerto, un gran golpe para la pequeña, y Hitetsu cuenta cómo se conocieron y como el ex-pirata y la niña se hicieron tan amigos. Sin embargo, Luffy todavía no ha dicho que eran hermanos.

Como detalle decir que la relación entre Ace y O-Tama me recuerda en gran parte a la que tenían Shanks y Luffy de niño. Supongo que durante este arco la relación entre ella y Luffy será muy especial, son completamente iguales.

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O-Tama y Ace

Katanas

Para ponernos al día vamos a hacer un repaso de las espadas más poderosas que existen:

  • 50 Ryo Wazamono. Son las menos poderosas de las tres. Realmente no tienen demasiada importancia dentro de One Piece. Zoro tuvo una pero fue destruida y actualmente Tashigi posee un par de ellas.
  • 21 O Wazamono. Bastante más poderosas que las anteriores pero mediocres comparadas con las siguientes. Conocemos tres de ellas. Dos están en posesión de Zoro (la katana legada Ryuma, Wado Ichimonji, y la de Kuina, Shusui). La tercera aparece por primera vez en este capítulo, es la Nidai Kitetsu, fabricada por un ancestro de Hitetsu llamado Kotetsu. Luffy se la lleva y estoy casi seguro de que va a acabar en posesión de Zoro, aunque yo valoraba fuertemente que durante este arco iba a conseguir una Saijo O Wazamono, el tipo más poderoso.
  • 12 Saijo O Wazamono. Las espadas más poderosas de todo el mundo de One Piece. Actualmente solo conocemos una, la Yoru de Dracule Mihawk, aunque se sabe que existe otra Kitetsu de este tipo, y creo que sabemos quién la tiene…
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Las dos Kitetsu que conocemos…
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… y la katana de alguien superpoderoso que recuerda sospechosamente a las otras dos Kitetsu. ¿Alguna idea de quién puede tener la Saijo O Wazamono?

Zoro y Hawkins

Llega aquí uno de los momentos más esperados por todos: el reencuentro entre el capitán y su segundo al mando. Lufy y Zoro juntos de nuevo. En medio de los terrenos baldíos y contaminados de Wano, alguien está siendo atacado y llega Zoro para socorrerlo, en el justo momento en que Luffy también hace aparición. Pero no solo eso, sino que en también, como todos sabéis, sale de la nada el supernova Hawkins, al servicio del yonkou.

Ahora pongámonos en la mente de Hawkins. Todos sabemos que tiene el don de echar las cartas como las videntes que hay a las 4 de la mañana en la televisión, con la diferencia de que Basil acierta y las de la tele no dan ni con la hora. Y de los resultados, Hawkins saca probabilidades de que ocurran ciertas cosas. En este momento no creo que tenga mucho tiempo para echar las cartas y darse cuenta de que en un enfrentamiento contra Luffy y Zoro es imposible salir victorioso. Sin embargo, esta no será su derrota. O-Tama necesita un médico, y Luffy ahora tiene prioridades, Basil no es una de ellas. ¿Qué pasará después? Pues se me ocurren dos opciones:

  1. Saque que la probabilidad de que Kaido gane es mínima. En este caso se aliará con los mugiwara, Law, etc. y luchará en contra del yonkou.
  2. Saque que la probabilidad de que Kaido gane es del 99%. Sería una jugarreta de guión mítica, donde al final triunfaría ese «»»»inesperado»»»» 1%. Evidentemente en este caso Hawkins seguirá fiel a Kaido.

Y hasta aquí el análisis de esta semana, podéis seguir mi cuenta de One Piece en el twitter @ReportKurohige. Nos vemos en el 913,

en el ínterin, sed felices.

Crítica de Extinction. Una de invasiones alienígenas poco interesante

Alberto Lloria
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Crítica de Extinction. Una de invasiones alienígenas poco interesante

Netflix ha vuelto a rescatar una película del foso de Hollywood. Esta Extinction no es la primera ni será la última a la que la compañía estadounidense da una segunda oportunidad y por eso se ha ganado el sobrenombre de «vertedero de Hollywood». Creo que la compañía tiene mucho que demostrar en cuanto a cine, pero películas como estas no hacen más que engrosar un catálogo lleno de productos poco o nada interesantes.

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Extinction apuesta por la ciencia ficción de serie B con una invasión más de alienígenas. Aquí Peter, un currante que ninguno pensaríamos que podría ser el protagonista de nada, tiene visiones día a día de este futuro ataque. Cualquier historia tendría al protagonista preparándose para esta invasión, pero aquí el bueno de Peter es un mindundi. Lo cierto es que la premisa de la película no es nada interesante como para lanzarse a verla y el montaje tampoco ayuda, en especial en su primera media hora. Los primeros 30 minutos de Extinction se mueve entre los sueños de Peter y el mundo real. Un baile de escenas que no aportan mucho a la trama y no dejan nada en claro. Pero quizá mi mayor problema es con el mundo que rodea a Peter, el mundo en el que se centra Extinction. Este es demasiado artificial y poco elaborado. No sabía si estaba viendo una película futurista o si simplemente eran esos escenarios vacíos los que me daban la sensación de ser muy artificial todo. No hay un mínimo interés por explotar esto, pero tampoco por adentrarse a mostrarnos más que no sea la rutinaria vida de Peter. Una poco o nada interesante.

Sin embargo, mi mayor problema se encuentra con el protagonista de la cinta: Michael Peña. Peña es conocido secundario de películas, siempre es el desahogo cómico al que se recurre para rebajar el tono de cualquier cinta. Aquí Peña es el cerebro, el protagonista indiscutible y el héroe de la película, y falla en todo. Él no puede mantener a flote una película donde él y solo él es el protagonista. Peña no es un héroe de acción y aunque la película quiera hacernos ver que sí con tiroteos y escenas de acción descafeinadas, roza lo ridículo. De hecho, la producción de Netflix cuenta con Mike Colter, a quien muchos conoceremos por su papel en Luke Cage y aunque su papel se me tornaba bastante soso, tenerlo a él como cabeza de reparto y a Peña como secundario habría sido la apuesta inteligente.

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Más allá de eso, ¿qué nos queda? Lo cierto es que pocas películas de invasiones pasan el filtro de ser buenas y muchos caemos en verlas por el morbo de ver la que lían los aliens o los efectos especiales. El placer culpable de muchos. Extinction se apoya en un estilo visual y una elección de localizaciones muy mala, pero los efectos visuales cumplen, aunque con luces y sombras. No deja de ser una producción de serie B con mucho presupuesto y aunque el CGI no es de lo mejor, la película lo camufla de manera decente. Pongamos como ejemplo Battle Los Ángeles. La cinta de Aaron Eckhart no es la panacea del género, pero apabulla con unos efectos especiales que sin ser los más novedosos, hacen desconectar. La mayor parte de la acción de Extinction ocurre entre bambalinas y lo poco que vemos en pantalla se resuelve sin muchos alardes, aunque se limita casi exclusivamente a unos cuantos tiroteos.

Pero es el giro de guion pasado el primer trecho de la cinta lo que más interesante de una película chapucera. Interesante, pero mal llevado. Quizá es porque no me lo esperaba, pero ese despunte hizo que creciera mi interés de cara a terminar la película. A pesar de ello, la cinta no se fuerza en dar mucha importancia a lo que ocurre o incluso un mayor trasfondo a esta guerra que está sucediendo o al por qué del tratamiento de los sueños de Peter. Simplemente es un giro, elaborado, pero mal resuelto y que deja la puerta abierta a una segunda parte que no veré.

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Extinction no es una buena apuesta para quien quiera disfrutar de una película de acción con invasiones alienígenas, pero como cinta de tarde de domingo sin mayor pretensión que ver el tiempo pasar cumple. Su giro de guion a mitad de la película dará al espectador el empujón necesario para acabarla, pero quien no aguante su tedioso y mal llevado comienzo apagará el televisor a la media hora. Una cinta que se apoya en un Michael Peña que no tiene nada de héroe de acción y cuyo papel principal desentona por completo con toda la historia. Tenemos que seguir esperando a ver si Netflix da en el clavo con sus producciones.

Otros estrenos de Netflix:

Fase Extra: Bienvenidos a Fallout Miami, Goku y Vegeta clásicos en DBFZ y nuevos videos de Shadow of the Tomb Raider y Code Vein

Álvaro Pache
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Fase Extra: Bienvenidos a Fallout Miami, Goku y Vegeta clásicos en DBFZ y nuevos videos de Shadow of the Tomb Raider y Code Vein

Bienvenidos amig@s una vez más a Fase Extra, nuestro repaso semanal al mundo de los videojuegos. Las altas esferas de industria han estado ocupadas últimamente, que si el regocijo general por el éxito de No Man’s Sky Next, que si Nintendo sigue poniendo demandas a los emuladores de sus consolas, e incluso la detención en Bulgaria por parte de la ciber-policía del hacker Voksi, que se dedicaba a craquear la protección digital Denuvo que tantos dolores de cabeza nos da a todos.

Mientras tanto los usuarios de a pie seguimos esperando a la cada vez más cercana Gamescom, el próximo gran evento en materia de videojuegos de este año que esperemos nos deje muchos y nuevos tráilers cargados de novedades. Y hablando de tráilers, esta semana nos ha llegado trufada de muchos de ellos que aquí os dejo y que espero que os gusten, así que cuando tengáis un rato libre poneos cómodos, coged una bebida bien fría y a disfrutar. ¿Listos?

FALLOUT MIAMI: VACACIONES EN EL YERMO

Muchos de vosotros sabréis que el Fallout New Vegas de Obsisdian sigue considerándose uno de los mejores, sino el mejor, de los integrantes de la serie Fallout publicados por Bethesda Softworks. Su pintoresca ambientación, genial argumento y sistema de facciones lo han convertido en el favorito incontestable de muchos de los fans acérrimos a este universo post apocalíptico.

Pues bien, son esos mismos fans impulsados por el desencanto provocado por el enfoque on-line del futurible Fallout 76 los que han decidido anunciar por fin este proyecto, sucesor espiritual de New Vegas, que nos ofrece una sólida aventura clásica con una dirección artística, valores de producción y calidad de voces que poco tiene que envidiar a los de la propia Bethesda Game Studios.

Fallout Miami es un mod para Fallout 4 que nos trasladará a las postapocalípticas playas de florida en una aventura de acción y misterio de longitud similar a la expansión oficial Far Harbor y que nos regalará nuevas armas, quests, personajes e incluso compañeros, todo con una calidad nunca vista fuera de las expansiones oficiales. Aún es muy pronto para descorchar el champán ya que el mod no tiene fecha de salida confirmada y pueden pasar muchas cosas, pero no me digáis que no pinta cojonudo. Si os lo pongo así sin más estoy seguro de que muchos habríais ido directos a buscarlo a canales oficiales.

Habrá que esperar pacientemente, pero si alguno os preguntabais por qué a los usuarios de PC les gusta tanto el tema de las modificaciones, echad un vistazo al tráiler y lo comprenderéis.

GOKU Y VEGETA CLÁSICOS SE UNEN A DRAGONBALL FIGHTERZ + BETA Y NUEVOS MODOS EN SWITCH

Goku y Vegeta ‘normales’ o ‘base’ en fin, los del pelo negro de toda la vida, los llaméis como los llaméis, son los nuevos luchadores que se unen a Dragon Ball FighterZ a principios de agosto. Algunos de vosotros estaréis decepcionados con el anuncio ya que tenemos cuatro Gokus y tres Vegetas en el elenco contando con estos, pero sed conscientes de que los ‘originales’ son increíblemente populares en Japón y casi una obligación para los desarrolladores. Además, sus nuevos aspectos y ataques basados en la saga Saiyan pintan genial.

Aún no sabemos el día exacto, pero llegarán entre el 5 y el 10 junto a un nuevo parche de balance que esperemos nos haga las cosas más fáciles a los que jugamos online y estamos ya hasta el gorro de ver a Célula y Vegeta en todos los equipos.

Además, la versión de Nintendo Switch contará con una beta abierta durante el mes de agosto además de con no uno, ni dos, sino tres modos adicionales: un modo offline local de 6 contra 6 y dos modos online nuevos, uno de 1 contra 1 y otro de 2 contra 2. No sabemos como estará balanceada la cosa, ya que cualquiera que haya jugado sabe que este juego es un 3 contra 3 como ningún otro y que todos los personajes son esenciales, pero en cualquier caso más opciones nunca vienen mal.

Eso sí, ¿qué pasa con los demás Bandai Namco? Nosotros también queremos los modos nuevos, así que nada de exclusivas ni historias, igualdad para todas las versiones.

SHADOW OF THE TOMB RAIDER NOS REGALA NUEVOS TRÁILERS DE GAMEPLAY

La última parte de la ‘trilogía de origenes’ de la nueva Lara Croft está al caer, y Square Enix ha lanzado varios videos mostrandonos nuevos aspectos de su jugabilidad. En uno de ellos podéis ver un montaje de combate y en otro el ‘hub world’, un mapa en el que nos podremos mover libremente para explorar y hablar con la gente, en esta ocasión contando con conversaciones más cinemáticas que nos pueden recordar a títulos como Mass Effect o The Witcher.

El último video, más corto, nos demuestra el nuevo y mejorado sistema de escalada que nos ayudará a superar las peligrosas pruebas que la nueva aventura de la señorita Croft nos presentará el próximo 14 de septiembre.

CODE VEIN NOS ENSEÑA NUEVO GAMEPLAY CON COMPAÑERA INCLUIDA

Durante un nuevo evento patrocinado por Ani-Com y Games Hong Kong, Bandai Namco nos ha enseñado nuevo gameplay de su JRPG de acción tipo ‘Souls’ Code Vein.

El video se centra en Io, una de las compañeras que podremos llevar con nosotros durante la aventura, y nos demuestra sus habilidades en una nueva zona conocida como la ‘Cordillera de las Almas Congeladas’. Code Vein se retraso este año así que solo sabemos que la fecha tentativa es 2019 para PS4, XBOX ONE y PC así que todavía tardaremos un poco en hincarle el diente, nunca mejor dicho.

Y hasta aquí las Fase Extra de hoy. espero que os haya gustado y ya sabeis, la semana que viene más. Hasta entonces pasad unas buenas vacaciones y sobre todo, y como siempre, sed muy felices.

Opinión: Reseña de Poison City. ¿Hay libertad de expresión en Japón?

Ex colaborador de la web
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Opinión: Reseña de Poison City. ¿Hay libertad de expresión en Japón?

Japón. Año 2020. Los Juegos Olímpicos de Tokio están a punto de comenzar y la capital nipona se prepara para recibir enormes cantidades de atletas, personal deportivo y turistas. Debido a esto, el gobierno pone en marcha lo que llamarán “operación de limpieza”, una campaña que pretende hacer desaparecer todo aquello que pueda resultar desagradable o de dudoso gusto. Esta decisión por parte del gobierno japonés provocará una fuerte reacción en cadena, que afectará a negocios, medios de comunicación y por supuesto a la industria del manga.

poison city

Una lucha contra lo políticamente correcto

Poison City narra la historia de un joven mangaka llamado Mikio Hibino, quien intentará publicar su primera obra: Dark Walker, una historia post apocalíptica repleta de zombies y gore, y con una estética cruda que pretende reflejar un mundo al borde de la extinción. Así pues, nuestro joven protagonista no solo deberá enfrentarse al duro proceso de selección y edición editorial que sufren las obras japonesas, sino que además tendrá que hacer frente a una cúpula gubernamental obsesionada con lo políticamente correcto, y a unos medios de comunicación extra sensacionalistas que ya han conseguido la retirada de varios mangas.

La premisa de la obra de Tetsuya Tsutsui no puede ser más interesante. En una época donde la libertad de expresión parece estar cada vez más restringida, este manga nos demuestra que la hipersensibilidad no es algo exclusivo de Twitter. Habrá quien sea más reticente y piense que al ser una obra de ficción, el autor nos ha situado en un caso extremo, lo cual no es del todo falso, pero la grandeza de este manga va más allá de la anécdota de su contextualización. Ya hemos visto otras obras críticas con la censura o la doble moral que existe en la isla del sol naciente. Prison School o Shimoneta son dos grandes ejemplos. La crítica social es algo evidente y seguramente uno de los principales atractivos de la obra, sin embargo destacaría también una ambientación excelente. Tsutui consigue recrear, a través de una narrativa sublime, todo el proceso que el mangaka debe seguir antes de publicar. Desde las primeras entrevistas, pasando por la construcción de story boards, la posterior edición editorial y finalmente los obstáculos impuestos por empresarios a los que no les importa nada tu trabajo. Esto se ve reflejado a través de unos personajes bastante bien construidos. Uno de los principales partícipes en la trama será Tadamine Higa, el editor de Hibino. Este simpático y regordete personaje se implicará tanto en la obra como si esta fuese suya, llegando a establecer una fuerte relación de amistad con el joven mangaka. En este personaje podemos ver que la frustración a la hora de realizar cambios no es algo que afecte solo al autor. Algo tan minúsculo como que el protagonista fume puede perjudicar la reputación del título, y como consecuencia final reducir el número de ventas. Estas pequeñas restricciones acaban convirtiéndose en un gran problema que incomoda a todo un equipo creativo.

Por motivos que no mencionaré para mantener este artículo libre de spoilers, Mikio Hibino tendrá un encuentro con otro mangaka, que se vio obligado a dejar la industria debido a un escándalo que acabó con la retirada total de su obra. Junto a este tipo llamado Shingo Matsumoto, nuestro protagonista discutirá acerca de la censura, de la hipocresía que gobierna el mercado japonés y también de lo duro y difícil que resulta escribir una obra acerca de temáticas sensibles. Intentar abordar cuestiones tan delicadas como las violaciones o los abusos infantiles puede acabar convirtiéndose en un arma de doble filo, en una sociedad donde ninguna editorial va a sentarse a inspeccionar cual es el verdadero mensaje detrás de la obra.

Ya puestos a reflejar la industria del manga, no podía faltar la presencia de las editoriales internacionales. Otro curioso personaje será Alfred Brown, un gaijin de manual que intentará llevarse la obra al extranjero y le otorgará al debate un punto de vista más occidental, para completar un poco más la experiencia.

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Fragmento de la edición francesa de Poison City, donde se ve como censuran un manga.

Bueno, bonito, barato

Respecto al apartado técnico no se puede decir que despunte por su espectacularidad. Sus dibujos son más bien austeros, sencillos, para que no nos distraigamos mucho con ellos y nos centremos en la narrativa que es lo importante. Aun así cabe destacar la fluidez con la que se deja leer, gracias a una estructura de primeros planos que prácticamente nos hacen partícipes en las conversaciones, y también el cambio de tono del dibujo cuando nos introduce en el trabajo de Hibino. Planeta Cómic nos brinda una pequeña edición de tan solo 2 tomos cuyo precio es de 9.95€ y que cuenta con la traducción de Marc Bernabé, el famoso autor del manual lingüístico Japonés en Viñetas.

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En resumen, un manga con una buena temática, una mejor ambientación y un dibujo sencillo que te coge de la mano para mostrarte la parte más oscura de la industria del entretenimiento. Hace poco mi compañero (y jefe) Mario Losada trató este tema en un interesantísimo artículo sobre el despido de James Gunn que podéis leer pinchando aquí (hacedlo y así me libro yo también del despido).

Como conclusión tanto en Japón como en España hay quien confunde la crítica social con la apología de. Es algo que conviene aprender a distinguir y eso solo se puede conseguir a través de una comprensión total del sentido de aquello que ves, escuchas o lees. A eso en mi carrera lo llaman Círculo de Schleiermacher. No me hagáis mucho caso, cosas de letras. Lo que está claro es que hoy más que nunca debemos cuidar qué decimos y el modo que utilizamos para expresarlo, pero de vez en cuando no está de más dejar hablar sin tapujos, para luego juzgar por nosotros mismos y no al revés… A no ser que estés en Twitter, entonces cágate en su familia y luego pregunta.

Lo mejor de la semana en cine y TV: Mowgli da el salto a Netflix, el Episodio IX confirma su reparto, Disney, finalmente, compra Fox y New Mutants y Dark Phoenix, ¿canceladas?

Alberto Lloria
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Lo mejor de la semana en cine y TV: Mowgli da el salto a Netflix, el Episodio IX confirma su reparto, Disney, finalmente, compra Fox y New Mutants y Dark Phoenix, ¿canceladas?

Bienvenidos un domingo más a Lo mejor de la semana, sección donde destacamos las noticias más interesantes que nos han dejado estos últimos 7 días. Tras la ausencia de la sección debido a la cobertura de la Comic-Con 2018 el pasado domingo, esperaba que esta semana fuese descafeinada, de resaca de todo lo que se dijo allí, pero nada más lejos de la realidad. ¡Vamos a ello!

NETFLIX, ¿EL VERTEDERO DE HOLLYWOOD O LA SEGUNDA OPORTUNIDAD MERECIDA?

Muchos sabemos lo terriblemente mal que le va a Netflix, la compañía estadounidense de vídeo bajo demanda, con sus películas propias. Pocas desde Beast of no Nation han sabido mantener unos estándares de calidad mínimamente interesantes, pero tampoco salen bien paradas las producciones que la compañía compra.

Mowgli no será la primera ni la última cinta que la compañía salve de un destino incierto, pero deja entrever que quizá Netflix se está pasando en eso de darle una segunda oportunidad. La más reciente Extinction, con una valoración en RottenTomatoes de 0%, fue salvada por Netflix y producida por ella misma. Así pues, la peculiar versión de El libro de la selva de Andy Serkis pasará a formar parte del catálogo de Netflix el próximo 2019.

Netflix compra Mowgli a Warner Bros

A esto, Andy Serkis, quien dirige y gioniza, ha comentado lo siguiente:

“Estoy sinceramente entusiasmado por Mowgli. Ahora evitamos las comparaciones con la otra película de 2016 y es un alivio no tener esa clase de presión. He visto la versión 3D y es excepcional, una visión diferente de la versión 2D, realmente impresionante y con una gran profundidad.

Lo que me emociona más es la innovación de Netflix a la hora de presentar esto, y el mensaje de la película. Ellos entienden que esto es un relato más oscuro que no encajara para todo el mundo. No está rodada para niños pequeños, pero creo que es posible que los que tengan 10 años o más puedan verla”.

EL EPISODIO IX CONFIRMA SU REPARTO PRINCIPAL

El año que viene tendrá lugar el final de dos grandes eventos en el mundo del cine: el final de ciclo de Marvel en el cine y el punto y final a la saga Skywalker con el Episodio IX. Mucho se habla de cómo podrá ser este último capítulo, por el momento, y también se discute sobre si será mejor o peor que Los últimos Jedi, cinta que ya sabemos no gustó a gran parte del fandom.

Mark Hamill y Carrie Fisher

Esta novena película cronológicamente hablando contará nuevamente con Mark Hamill, a pesar del destino de su personaje en la anterior cinta, pero también con la fallecida Carrie Fisher, quien será «resucitada» por medio de efectos especiales para esta última película. Mucho se habla de cómo y cuánto aparecerá la fallecida actriz en el metraje y algunos se atreven a decir que quizá veamos el funeral de Leia como broche final al personaje y a Fisher.

A estos dos se les unen Daisy Ridley (Rey), Adam Driver (Kylo Ren), John Boyega (Finn), Oscar Isaac (Poe Dameron), Lupita Nyong’o (Maz Kanata), Domhnall Gleeson (General Hux), Kelly Marie Tran (Rose Tico), Joonas Suotamo (Chewbacca) y Billie Lourd (Teniente Connix).

Recordemos que el rodaje comienza este 1 de agosto y se espera un primer tráiler para las navidades de este año 2018.

HERIDAS ABIERTAS NO PASARÁ DE SU PRIMERA TEMPORADA

La nueva apuesta de HBO con Amy Adams a la cabeza es una serie que se disfruta muy lentamente, como todas las historias de Gillian Flynn como Perdida. Lo cierto es que Heridas Abiertas es una serie que ha llevado a Adams a un límite tan poco manejable que ha sido uno de los motivos por los que la serie no avanzará de su primera temporada. Así lo comentaba el director de programación Casey Bloy a Deadline:

“A diferencia de ‘Big Little Lies’ , ‘Heridas abiertas’ es un material muy oscuro. Amy no quiere meterse de nuevo en este personaje, y no la puedo culpar, es mucho peso para una actriz. Así que no hay planes para una segunda temporada. Estamos muy contentos con esto como miniserie“.

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Sin embargo, esto no confirma si la historia quedará cerrada en su episodio final de temporada o simplemente quedará con un final abierto que nunca llegaremos a ver continuar, algo que sin duda es un tiro en el pie para HBO pues muchos fans se lo pensarán dos veces para seguir con la serie.

¿QUÉ PASA CON LAS CINTAS DE FOX?

X-Men: Dark Phoenix y New Mutants han tenido la mala suerte de nacer en una época convulsa. Con Disney abarcando todo el panorama superheroico sin mayor competencia que las producciones de Warner, Fox lleva desde 2017 sin una cinta mutante, pero desde 2016 sin el equipo completo, uno que no gustó a muchos. Así pues, ¿qué pasa con ambas películas?

Con el acuerdo Disney-Fox muchos pensábamos que ambas producciones entrarían a formar parte del equipo Disney y que incluso la compañía del ratón metería mano para acomodarlas a su fórmula. Esta semana según información recogida por ComicBook Movie, se asegura que ambas cintas habrían sido canceladas y que incluso Deadpool corría peligro.

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Según sabemos, New Mutants había sido concebida como película de calificación R y seguiría los mismos pasos que Deadpool, pero siguiendo a este grupo de jóvenes mutantes. Los rumores además afirman que el director Josh Boone no tenía ningún interés en los cómics y que únicamente quería hacer una película de terror con superhéroes, cosa que el estudio no quiso. Esto es lo que comentaba uno de los responsables de las películas:

«Hay varias personas dentro de ambos estudios que creen que sería mejor dejar ambas películas en esta etapa en lugar de gastar millones de dólares en nuevos retoques y trabajo de postproducción para tratar de rescatarlas. Los reshoots se realizarán debido a obligaciones contractuales, pero suena cada vez más como que ninguna de estas se lanzará oficialmente».

Sin embargo, esta información se contradice por el final del rodaje de Juego de Tronos, final que ha dejado tiempo a Sophie Turner de rodar las nuevas secuencias en Montreal. La actriz comentó  «La producción se encuentra actualmente en Montreal, preparados para un par de semanas de reshoots. El rodaje tendrá lugar entre agosto y septiembre. Todas las piezas del set fueron vueltas a montar para la filmación adicional».

Sin embargo, mucho hay sobre la mesa y más con el final del acuerdo entre Disney y Fox, adquisición de licencias que se llevará a cabo a partir del año que viene.

EL FINAL DEL PERIPLO: DISNEY COMPRA LAS LICENCIAS DE FOX

Mucho se ha discutido sobre el bien o el mal que hace que la compañía del ratón compre los derechos de las franquicias y licencias que tiene la Fox en cuanto a películas y series. Todo esto comenzó con la propuesta de Disney el pasado final de año de comprar la compañía por una cantidad desorbitada. A esto le ha seguido un enorme tira y afloja en especial porque toda esta fusión dependía de la misma que iban a hacer AT&T y Warner, y sobre todo tras el golpe en la mesa que dio Comcast para comprar la Fox en lugar de Disney. Todo ello se ha acabado y finalmente Disney ha salido vencedora.

La compra se ha cerrado por un precio de 71.300 millones de dólares y firmada el pasado viernes. Con un total del 99% de votos positivos de los accionistas de la compañía, Disney ahora es poseedora de los X-Men y los 4 Fantásticos, además de franquicias como Los Simpson, Alien o Avatar.

ADIÓS A WARCRAFT

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Warcraft es otra de las tantas películas de videojuegos que no consiguen ver la luz al final del túnel. En lo personal no me pareció una película mala, pero comprendo que quizá a los fans les supo a poco. Sin embargo, ¿que sepa a poco es suficiente como para vapulearla? No lo creo, pero el director Duncan Jones ya no ve futuro en la posible franquicia.

“Lo siento. No parece probable que vaya a suceder, me temo. Hay demasiadas empresas y compañías involucradas que quieren enhebrar esa aguja“.

El director ahora mismo se encuentra adaptando un cómic: Death Troper. Con este nuevo proyecto y los dos años a las espaldas de Warcraft, además de las críticas no muy positivas, dudamos que el estudio decida resucitarla.

HBO TIRA POR LA VENTANA MEDIO JUEGO DE TRONOS

Juego de Tronos, la serie favorita de muchos, llegará a su fin el próximo año 2019. HBO confirmó esta semana que veríamos el tan esperado final en el primer cuatrimestre del próximo año, año y medio después del estreno de la penúltima temporada. Sin embargo y a pesar del final, muchos conocíamos que el futuro de las novelas de George R.R. Martin iba a estar asegurado con 4 spin-offs, o quizá no.

Con el anuncio de cuándo saldrá la última temporada, el estudio ha confirmado que ha cancelado cuatro de los cinco spin-offs que estaba desarrollando y únicamente uno llegará a ver la luz. Así lo comentó el presidente de programación de HBO Case Bloys:

“La razón por la que hicimos múltiples guiones en el proceso de desarrollo es porque sabíamos que seríamos afortunados si es que de cinco nos animábamos por uno”.

WARNER YA ESTÁ BUSCANDO NUEVO BATMAN, SOLO POR SI ACASO

Otro que quizá tenga los días contados es Batman, en especial el de Ben Affleck. El director y actor estadounidense nunca ha estado muy conforme con su participación en el DCEU a pesar de que quisiera hacernos ver que sí. El caso es que la edad, Ben Affleck tiene 45 años, es un requisito indispensable para entrar en un universo superheroico pues suelen ir para largo.

Con el toma y daca que ha supuesto la nueva cinta de Matt Reeves sobre el hombre murciélago, director que recordemos no quería a Affleck debido a la edad, parece que Warner se ha puesto manos a la obra para encontrarle un sustituto, o al menos eso dicen los rumores.

Varios medios que dicen conocer a alguien se han hecho eco de esta búsqueda, y encaja perfectamente con el futuro a la larga que suponen estas grandes franquicias.

UNA QUE SE VA Y OTRA QUE VIENE

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Siguiendo con Warner, no es muy inteligente cancelar películas si no hay muchas bajo la manga, pero lo es si esas mismas producciones no llevan a nada. Esta semana hemos sabido que Warner ha desechado Liga de la Injusticia, el peculiar grupo de malos que iba a asolar a la Liga de la Justicia dirigidos por el Lex Luthor más tonto y descafeinado que podrían encontrar.

Sin embargo, uno de esos miembros iba a ser Deathstroke, a quien vemos en la escena post-créditos de la Liga de la Justicia y este al parecer tendrá su propia película. No quiero juzgar pero Deathstroke está tan quemado como poco interesante es una película sobre él. El actor Joe Manganiello, quien ya estuvo defraudado por el final de su película en solitario, ha confirmado que la película aún está en desarrollo, aunque en una fase temprana.

Curiosidades que nos hacen felices: Los increibles

Toni CE
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Curiosidades que nos hacen felices: Los increibles

¿Has sido uno de los afortunados que ya ha logrado ver el estreno de Los increibles 2? En España hemos tenido que ver como Disney, debido al mundial de futbol, ha retrasado el estreno de Los increibles 2 hasta el 3 de Agosto, aunque por otro lado adelantó el estreno de Ant-man y La Avispa. Total, después de 14 años esperando una secuela para esta gran película, tampoco pasa nada por esperar casi un mes. Pero no te acostumbres, Disney.

Esta semana os traigo un artículo en el que os comentaré algunas curiosidades sobre las películas de Los Increibles, tanto la estrenada en 2004 como la que se estrenará la próxima semana en España, aunque claro que las curiosidades sobre esta secuela no contienen spoilers, ya que es una película que aun no he podido ver, por lo que enfocaré los datos en temas de rodaje y producción.

Espero que os guste y no olvidéis comentar al final del artículo con vuestra opinión y compartir con todos algun dato curioso que conoces y no he introducido en el artículo.

El Creador

¿Qué mejor punto de inicio que empezar hablando de los creadores de tan fantásicas obras? Los increíbles está dirigida y escrita por Brad Bird ¿te suena? es posible, ya que es el director de El gigante de hierro, Ratatouille y la no tan afortunada Tomorrowland. También se encargó de la producción de la tierna Tob y Tobby -su único trabajo con la Disney original- y trabajar en otras series como Los simpsons, Family Dog o Amazing Stories. EL bueno de Brad tiene en su salón nada más y menos que dos Premios Óscar, conseguidos por Ratatouille y por Los increibles en la categória de mejor película de animación.

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La creación, un dolor de cabeza para Pixar

Los increibles fueron la primera película de animación con protagonistas humanos de Pixar, por lo que para crear unos cuerpos de carne y hueso, así como unos movimientos lo más realistas y humanos posibles,  adaptando los poderes de cada personaje, se creó un programa de sotware nuevo para poder desarrollar la cinta llamada Deformers. En Los increiblos 2, se ha utilizado un software especifico para realizar el cabello lo más realista posible, obteniendo un resultando magnífico.

La inspiración

No hace falta comentar que Los increibles parodian, de un modo nada burlesco, el género de los super heroes. Su auge y caída, así como su modo de adaptarse a la civilización y a una familia. Su inspiración más clara es el grupo super heróico creado por Stan Lee y Jack Kirby, Los cuatro fantásticos. El lazo familiar, sus trajes adaptándose a sus poderes, e incluso compartiendo algunos poderes con ellos: Bob comparte la super fuerza con La Cosa, Elastic girl comparte su cuerpo elástico con Reed Richards -aunque también comparte poderes con el personaje  de DC llamado Elongated Man y Elastigirl de La patrulla condenada– Viola tiene el poder de ser invisible como Sue «La mujer invisible», e incluso vemos que el más pequeño de la familia, Jack-Jack puede hacer arder su cuerpo como La antorcha humana. Frozono, el amigo de la familia, toma sus poderes del personaje de X men, Ice man. 

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Obviamente las principales referencias e inspiraciones en Los increíbles vienen dadas por personajes de las principales casas de cómics: DC y Marvel, aunque por temas de licencias tienen que cambiar sus nombres. La ciudad donde se ubica la cinta, Metroville, es una ciudad formada con las dos ciudades más importantes a Superman: Metrópolis y Smallville.

En Los increibles 1 vemos como se introduce un elemento que ha sido tema recurrente en el mundo de los cómics super heróicos: ¿Deben los super héroes tener un control? ¿Debe el gobierno llevar un registro de ellos y sus super poderes, evitando que actuen por voluntad propia? Incluso Mr Increíble fue denunciado por un hombre al que salvó, alegando que él no pidió ser salvado. Estos temos los hemos podido ver en Los Vengadores, X Men, Civil War -curiosamente estrenándose años después- La liga de la justicia, e incluso en Watchmen.

No toda la inspiración viene de los super héroes

Hemos visto que la mayoría de los personajes de la película están inspirandos en personajes iconicos del mundo de super héroes, pero no es así en todos los personajes. Edna Moda, la diseñadora de moda de super héroes está inspirada en Edith Head, una de las grandes diseñadores de moda de Hollywood poseedora de 8 Premios Óscar por su trabajo, trabajando en grades obras como La ventana indiscreta o El golpe. El personaje también está inspirado físicamente en la actriz Linda Hunt, conocida por su papel en NCIS: Los ángeles.

edna moda

Otro personaje cuya inspiración vino de casa del villano de la primera cinta Syndrome, cuyos rasgos faciales están inspirados en el mismo director de la película, Brad Bird.

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Los increibles no solo es un homenaje al mundo de los cómics, sino que su ambientación y banda sonora también recuerda al mundo del espionaje y las películas de James Bond. Esto no es nuevo para Brad Bird, ya que dirigió la cinta Mision imposible: Protocolo Fantasma.

Las voces

Algo que resulta curioso en las películas de animación son sus dobladores, parte fundamental de la obra. En el mundo de Hollywood acostumbran a que este trabajo sea hecho por grandes actores, y en Los increíbles no iba a ser menos. El doblador original de Mr increible es Craig T. Nelson conocido por sus trabajos en Portelgeist y Me llamo Earl. La voz de Elastigirl pertenece a la actriz Holly Hunter, ganadora del Óscar por The piano. También tenemos al gran Samuel J. Fox prestando su voz a Frozono, el genial hombre de hielo afroamericano. Por último, y quizás el más curioso, el director de la cinta Brad Bird pone su voz a la modista  Edna Moda.

 

Los increibles en los cómics, el sentido inverso.

Disney sacó varios cómics de Los increibles, la mayoría demasiado infantiles. Este año hemos sabido que Dark Horse Comic, la editorial independiente responsables de Hellboy o Sin city, editará los cómics de Los increibles 2: una novela gráfica y una miniserie de tres capítulos.. La novela gráfica tiene como título «Los increíbles 2: heroes en casa» y tendremos a Liz marsham en el guión y a Nicoletta Baldari  en el apartado artístico. La trama situa a Dash y Violeta mientras sus padres están fuera de casas, teniendo que hacerse cargo de Jack-jack. En cuanto a la miniserie, su nombre será Los increibles 2: Crisis de los 40 y Otras historias. Será Escrita por Christos Cage y Landry Walker; y a  Gurihiru, J.Bone, Andrea Greppi y Roberta Zanotta en el apartado artístico.

los increbles comic

El cómic de la semana: Batman – Detective Comics #10

Mario Losada
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El cómic de la semana: Batman – Detective Comics #10

Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a El cómic de la semana. Hoy reseñamos el número 10 de Batman Detective Comics que engloba los números 970 al 973 y el Annual 1 americanos.

Si os fijáis ya hemos quitado del título, como se hizo lo propio con la cabeza del cómic, eso de «Renacimiento» porque ya no da lugar. No digo que la serie no venga del Reboot de DC, pero también es cierto que el pistoletazo de partida quedó tiempo atrás.

Detective Comics Vol 1 970

Desgaste de la serie

Aunque para mi sigue siendo una de las tres mejores series DC de la actualidad, noto en este tomo (y no sólo en este, en los anteriores se percibía un ligero bajón) un desgaste en líneas generales. Creo que Tynion IV se está cansando de una serie que para mi le ha encumbrado en el top de guionistas. A muchos no os sonará ese nombre James Tynion IV, pero recordemos que ya estuvo de co-argumentista en la etapa de Batman de The New 52. Total, que estamos ante un escriba que sabe lo se hace y lleva así en el mundo del cómic unos cuantos añitos. No es nuevo. En Detective Comics ha conseguido hacer una cosa que para la mayoría ha pasado desapercibido. Batman no es el rey de la colección, Batman es el líder de un grupo de héroes urbanos, callejeros donde cada personaje aporta su granito de arena. El murciélago no es imprescindible en esta serie y eso parece una quimera. ¿En que serie Batman no es el protagonista? Incluso en la Liga de la Justicia, Bruce Wayne se erige sobre los demás por sus dotes de mando y de liderazgo. Pues aquí Batman es uno más, incluso, y perdón para los más acérrimos del personaje, a veces queda por detrás de sus pupilos en algunos aspectos. Nuestro héroe en cierta medida y según las circunstancias se ve sobresaturado en determinadas ocasiones y sólo con la ayuda de su grupito acaba saliendo airoso.

Pero todo tiene un límite y tras aventuras y aventuras de gran calidad parece que en este tomo la originalidad se nos va un poquito a un segundo lugar. La repetición de los villanos El sindicato de Víctimas, que a mi personalmente no me apasionan y me dan muy mala espina como personajes para el futuro, vuelven a salir a escena, a la palestra en una historia que yo veo intrascendente para todos excepto para tener una excusa y volver tarumba a Clayface. Pobre. Siempre pasa lo mismo. El monstruo moderado, el monstruo que se vuelve bueno al final acaba cagándola y regresa a sus orígenes. ¿No hay un monstruo en la vida que tenga un retiro plácido? La verdad es que la historia no me acaba de convencer y el final tampoco. Parece que BatWoman es más fría y con poco apego a los demás que el propio Batman. No se, no creo que en realidad la pelirroja actuara así. Creo que la historia se pierde un poco

Detective Comics Vol 1 971

Dibujantes mediocres

Este tomo es más gordo (y caro) de lo habitual. Contiene los números 970 al 973 americanos y el Annual 1. Los números regulares están dibujados por Joe Bennett, Miguel Mendoca y Jesús Merino. Dibujantes mediocres lejos de los anteriores habituales. Y espero que nadie se enoje por decir que Merino es un dibujante mediocre. Merino es un entintador excepcional, y su trabajo con los lápices de Carlos Pacheco son un claro ejemplo de su trabajo. Pero sin embargo su trazo directo, su lápiz sin tener delante un dibujante delante se me antoja regular. Y con Bennett y el tal Mendoca (del que antes no había oído hablar) pasa tres cuartos de lo mismo.

Creo que eso, el tener un dibujo peor que los anteriores tomos también repercute en el cómic. Y es que un buen cómic de superhéroes tiene que tener un equilibrio entre guión y dibujo. Y en este caso el dibujo falla y el guión se deja llevar. ¿Hasta que punto puede influir uno sobre el otro? Para mi este tomo es una paradoja en si mismo. Todo empeora.

Sin embargo el número extra, el Annual está firmado por Eddy Barrows, uno de los mejores dibujantes del momento y el cómic parece otra cosa. Incluso a ojos del lector, el guión parece que coge más fuerza. Esta claro que en una colección como esta es necesario tener un buen elenco de dibujantes, sin ellos, la historia de resiente puesto que hablamos de un cómic quincenal, en Estados Unidos, con acción y dinamismo continúo.

Es quizás este tomo el que menos me ha gustado, el que más me ha decepcionado. Espero que los siguientes volúmenes vengan de mejor guisa.

Os dejo la portada y el enlace al número 10 de Detective Comics en España editado por ECC Ediciones

Batman detective comics 10

Un saludo y sed felices.

Reseña de Black Jack 2. La presentación de su opuesto: El Dr.Kiriko

Adrián De La Fuente Lucena
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Reseña de Black Jack 2. La presentación de su opuesto: El Dr.Kiriko

Introducción

En este mes de julio de 2018, Planeta Cómic sigue publicando una de las obras más conocidos de Osamu Tezuka, Black Jack. Obra galardona con el Kodansha Manga Award, premio a los dibujantes manga, que inicaría su andadura con Black Jack, en 1977.

Este es el segundo tomo, de un total de 8, con el que Planeta, a través de su Colección: Biblioteca Tezuka, recopila el material clásico de este singular médico. Colección: Biblioteca Tezuka es una iniciativa de Planeta con la que se busca recuperar y dar a conocer la obra del dios del manga. Tezuka es llamado así por sus decisivas contribuciones al estilo y forma de entender el manga moderno. Sus obras serían clave en la concepción del tebeo japonés como medio de entretenimiento de masas, idea fuertemente enraizado en la cultura japonesa tras la II Guerra Mundial.

Aunque no es imprescindible, antes de empezar con este post, te recomiendo la lectura de Reseña de Black Jack 1. Una de las obras más personales y populares de Osamu Tezuka, dedicado al primer tomo de Black Jack.

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Más detalles del pasado de Black Jack

Las historias de Black Jack siguen la estructura y el estilo del tomo anterior. Relatos cortos autoconclusivos donde el «buen» doctor tiene que operar a vida o muerte, con una carga moral y sentimental bastante potente, además de moraleja. Tezuka no se corta un pelo a la hora de hacer crítica social a través de las situaciones a las que se tiene que enfrentar su personaje.

Aparte se profundiza en el pasado de Black Jack. Se nos muestra a un amor de juventud, Megumi Kisaragi, la cual era compañera de Black Jack en el hospital donde estaba llevando a cabo las prácticas de Medicina. Megumi Kisaragi tenía un cáncer de Útero cuya operación requería la extirpación tanto del Útero como de los Ovarios. Black Jack se ofreció para operarla, siendo probablemente su primera intervención quirúrgica seria. Antes de dicha operación le confiesa su amor ante el miedo de que, al finalizar la misma y perder lo que le hace ser mujer, desaparezcan sus sentimientos hacia él. Algo exagerado. Parece ser que una operación de este tipo altera la función sexual pero no lleva a la mujer al extremo de no sentirse mujer. El caso es que eso si ocurre en este episodio donde se dice que Kisaragi ha adoptado la identidad de un hombre y trabaja como médico de un barco.

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También relacionada con el pasado de Black Jack es la historia de Mitsuo. Mitsuo es un niño, enfermo de Poliomielitis, que, tras leer el libro Crónicas de un discapacitado, decide recorrer andando la distancia entre Hiroshima, su ciudad natal, y Osaka. Unos 280 kilometros. Ese fue el recorrido que el discapacitado del libro recorrió, como estímulo para recuperarse de su parálisis. Resulta ser que esa persona era Black Jack y que el escritor del libro fue el Dr. Honma, el médico que le salvó la vida y del cual ya te hablé en Reseña de Black Jack 1. Una de las obras más personales y populares de Osamu Tezuka.

El opuesto de Black Jack: El Dr.Kiriko

En este tomo se presenta también a quien se puede considerar el opuesto de Black Jack, el Dr. Kiriko. Con este nombre, algo ridículo, «opera» un antiguo médico de guerra. En la guerra fue testigo del sufrimiento de muchos soldados, que, continuamente, le pedían que pusieran fin a sus vidas. Eso moldeó su carácter y le hizo tomar la decisión de dedicarse a practicar eutanasias a civiles con enfermedades incurables o en estado terminal, por sumas astronómicas. De ahí que sea el opuesto de Black Jack. Mientras este busca salvar a sus pacientes, por encima de todo y a pesar de la gravedad de sus enfermedades, Kiriko quiero liberarles de su sufrimiento, cuando observa que sus dolencias no tienen remedio.

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A favor de Tezuka hay que decir que se esfuerza en argumentar la postura de Kiriko para que la cosa no sea una cuestión de bueno contra malo. Aunque la apariencia de Kiriko es la de un villano de opereta, ejerce su profesión con profesionalidad y eficacia. No se recrea en el sufrimiento de sus pacientes y trata de encontrar la forma más rápida y menos dolorosa de acabar con sus vidas. De lo que si se mofa es de algunos de los argumentos de Black Jack, al que considera demasiado ingenuo y optimista.

Lo cierto es que se puede simpatizar con ambas posturas, porque ambos exponen argumentos razonables y Tezuka suele cerrar las historias que implican a ambos, de forma ambigua, de manera que no condicione la opinión del lector. Se trata, más bien, de que cada uno se forme su opinión sobre este tema.

Conclusión

Este tomo va en la línea del anterior, así que si te ha gustado el mismo, este mantiene el nivel. Como dije en el post anterior, si asumes el contexto en que fue publicado Black Jack se pueden sacar lecturas profundas e interesantes. ¡Más en la reseña del siguiente tomo!

Si te ha gustado, ¡comenta y comparte! ¡Muchas Gracias!

Crítica de Mamma Mia! Una y otra vez, inevitable placer culpable

Pedro Pérez S.
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Crítica de Mamma Mia! Una y otra vez, inevitable placer culpable

¿Es Mamma Mia! Una y otra vez la película del verano? Habrá que hacer balance cuando el calor termine pero de momento si es una de las más taquilleras, con 1,8 millones de euros en tres días, por encima de Hotel Transilvania 3 y El mejor verano de mi vida, lo que viene a demostrar que en nuestro país siempre hemos sido mucho de ABBA.

10 años después

Parece que no pero han pasado ya 10 años (¡10!) desde el estreno de Mamma Mia!; y no lo parece porque es una de esas películas que repiten una y otra vez en la televisión, en abierto o en canales de pago, dando la sensación de que siempre ha estado ahí y que fue el año pasado cuando la vimos por primera vez. Es una de esas películas que uno no se cansa de ver: es una comedía con algún toque de drama, destila buen rollo por todos lados (¿a quién no le gustaría vivir en esa isla griega, bailando y cantando todo el día?), todos los actores resultan simpáticos y encima tiene canciones de ABBA. ¿Qué más se puede pedir? ¿Más de los mismo? Pues si pero no.

Mamma Mia! Una y otra vez tiene «nuevas» canciones de ABBA que no vimos en la película anterior, demostrando que el repertorio del grupo sueco era enorme y encima muy bueno; tiene los mismos actores y un par más que se suman a la fiesta (ya he dicho en casa que me dejaré la barba como Andy Garcia, a ver si me ligo a Cher o aun mejor, a Christine Baranski); cantan y bailan en unos paisajes de postal que ya me gustaría ver todos los días (y no como en Mallorca, que más que una isla parece un parque temático infestado de hooligans que se han dejado la educación y la flema inglesa en Heathrow); y sigue destilando buen rollo, aunque menos porque aquí está la principal diferencia con su antecesora. Ahora tenemos más drama que comedia y un sentimiento agridulce recorre toda la pantalla hasta el punto de que a algunos se le saltaron las lagrimas.

Sin animo de hacer ningún spoiler ya que lo tenemos casi todo en el trailer, ha pasado un año desde la muerte de Donna (Meryl Streep) y su hija Sophie (Amanda Seyfried) se ha propuesto reformar el hotel con la ayuda de uno de sus padres, Sam, interpretado por un Pierce Brosnan que ha tenido el detalle de cantar poco y encima en una escena en la que llora la pérdida de su mujer, por aquello de disimular. Desde aquí damos las gracias al director Ol Parker por ahorrarnos otro momento de vergüenza ajena como el que tuvimos en la primera película y que, como soy malo, aprovecho para recordaros. Y es que James Bond no nació para cantar S.O.S.

Mientras Sophie pone a punto la fiesta de inauguración del nuevo hotel, asistiremos a la llegada de su madre (Lily James) a la isla años atrás, como conoció a sus padres y como se gestó su embarazo, en paralelo al de su hija en el presente. Esta, la del pasado, es la parte más alegre, más luminosa de la cinta, en contraposición al recuerdo de la pérdida de Donna, que todos deben asumir. Sin embargo, como no podía ser de otra manera, en el tramo final de la película el buen rollo del pasado impregna el presente, todos se sobreponen (no puede ser de otra manera), cantan, bailan y llega Cher para cantarle Fernando a Andy Garcia, que seguro trabajó gratis solo para poder besar a la diva.

Andy Garcia
Con esa barba de maduro interesante las vuelve locas

ABBA una y otra vez

ABBA es uno de los más grandes grupos de pop de la historia, alabado en una ocasión por el propio Bruce Springsteen. Yo de música no se tanto como el de New Jersey. De hecho se más bien poco o nada pero es innegable que las canciones de ABBA tienen algo que les ha permitido superar el paso del tiempo y que hace que todos las acabemos tarareando. Esas canciones son el punto fuerte de la película, sumado a su intrascendencia y a su objetivo de hacernos pasar un buen rato, objetivo que cumple sobradamente. Entre canciones, risas y lágrimas, Mamma Mia! Una y otra vez  se pasa en un suspiro. También es verdad que esto no es La, La, Land (La ciudad de las estrellas)  ni lo pretende. Además, por fortuna no tenemos en esta cinta al soso de Ryan Gosling y si a Christine Baranski y Julie Walters, cuyos personajes son de lo mejor de esta película y de la anterior.

Mamma Mia! Una y otra vez no revoluciona nada, ni a nivel formal ni a nivel conceptual pero no defraudará a quien busque en ella lo mismo que encontró en la primera parte. ¿Era necesaria?, se preguntarán algunos. Objetivamente debo decir que no pero subjetivamente ya he reservado el DVD para poder montarme una maratón de cuatro horas tarareando el Mamma Mia y Waterloo, aunque los taconazos y los vestidos ajustados me quedan fatal. ¿Qué queréis? Cada uno tiene sus placeres culpables y ABBA es uno de los míos. Un saludo y sed felices.

Cher
Me congratula estar en esta película

Análisis de Predicador. Temporada 3. Capítulo 5.

Sofia Ricarte
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Análisis de Predicador. Temporada 3. Capítulo 5.

Bienvenidos, hijos de una cabra, a este mundo subterráneo de bestias y hombres. El ecuador de Predicador ha llegado. Pero la serie no da tregua, y yo tampoco. Si queréis poneros al día, cosa que os recomiendo encarecidamente, os dejo aquí este típico enlace con los análisis de todos los capítulos anteriores. Y si estáis preparados para abrir vuestro propio ataúd, seguidme al análisis del quinto capítulo de la tercera temporada de Predicador.

Al fondo de Angelville

Jesse y Tulip comentan tranquilos la idea de matar a la abuelieta, cuando Jody y T.C descubren que el vampiro ya no está. Y como no son tan estúpidos, atan cabos rápido. Así que volvemos a las épicas peleas de Custer y O’Hare contra el mundo. Pero el mundo es más duro en Angellvile, y la pelea acaba con Jesse siendo ahogado por el conjuro de su abuela, y Tulip teniendo que rendirse. Y como todo motín fallido conlleva un castigo, Jesse paga las consecuencias a la manera que ya habíamos visto en temporadas anteriores. En un ataúd sumergido en el lago.

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¿Qué miras, tío?

Así que ahí tenemos a Jesse, listando las capitales de los USA, cantando… volviéndose totalmente loco. Jesse imagina ser un Sheriff del oeste, con su placa y su gorro. Esta toma, que puede parece una gilipollez, no hace sino recordarnos que, por muy hundido en Angelville que se encuentre Jesse Custer, hizo una promesa hace mucho tiempo: que siempre sería uno de los buenos. A modo de palacio mental cual Sherlock, Jesse idea un plan en su subconsciente. Un plan para el que necesita toda la ayuda que hábito de predicador y su hábito de fumador puedan darle. Solo un buen montón de cigarrillos, algo de suerte, y adiós al ataúd, y al lago.

Tulip rompe un conjuro

Tulip, por su parte, se encuentra encadenada a la cama. Tulip O’Hare no carece de valor, pero tal vez a veces no use toda la cabeza que Dios le dio. Y, amigo, si tienes la cabeza en tu sitio, no le tocas los ovarios a una vieja bruja que, literalmente, se alimenta del espíritu. Con Jody como perro guardian, Tulip cree que va a poder zafarse de la casa pronto. Pero Joody no solo es grande y feo, también es cruel y observador.

Y si Jody tiene sus puntos sorprendentes, también los tiene T.C, que intenta desesperadamente que Madame L’Angelle no absorba el alma de Tulip, quizá por que en el fondo le cae bien, o quizá porque teme la ira de Jesse si su abuela se atreve a ello. Así que le propone a la vieja bruja jugar. Si, jugar. Jugar a los personajes como preludio a unos momentos de pasión que nunca llegan. La vieja bruja es vieja, y ni con toda su fuerza de voluntad, consigue T.C el ánimo para darle algo que la distraiga. Así que solo quedan una opción: Tulip.

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¿Que me vas a matar?¿Tú? ¿A mi?

Pero mi siempre feroz Tulip se ha deshecho ya de de Josy cuando T.C sube a buscarla, y se ha cargado a la vieja bruja para cuando Jessse llega a la casa. Pero Madame L’Angelle protegía su vida con fiereza, y ligo su propia vida a la de Tulip para salvaguardarse. Dos minutos de muerte real y una visita de Dios mediante, bruja y Tulip vuelven a la vida. Como si fuera tan fácil deshacerse de los enemigos… Y si no, preguntadle a ese viejo Santo de los Asesinos. Pero la vieja anciana está débil, y si su corazón deja de latir, también lo hará el de Tulip. La vieja necesita un alma.

El Mesías y sus consecuencias

¿Echábais de menos a Humperdoo? Porque yo sí. Herr Starr sigue empeñado en que el vástago de la semilla divina esté a la altura de su nombre, pero parece que los progresos son pocos. Y, por fin, podemos ver al superior de Starr. Al Gran Padre, titulo acorde al hombre que nos presentan, un descomunal y sudoroso… ¿Cardenal? ¿Obispo? No estoy muy al día con los puestos en la Santa Sede. Lo que está claro es que es alguien a quien temer, por la forma de comportarse de Starr. El Gran Padre pide a Starr comprobar las habilidades de Humperdoo, o al menos una de ellas. Después de ver a Humperdoo bailar claqué, el Gran Padre se rie (o lo intenta), y todo el Grial suspira. Ahora bien, nuestra vieja amiga Jenny tiene un plan…

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No sé a vosotros, pero a mí este mesías SI me representa

Cassidy está en Nueva Orleans. El caso es que en un mundo donde Dios se viste de perro de látex y el demonio tiene una secretaria llamada Sandy, nada debería sorprenderme, Pero me sorprende que exista una aplicación llamada Bite Me (Muérdeme), algo así como el Tinder vampírico. Por supuesto, igual que en el Tinder normal, la mayoría son falsos. Y Cassidy tiene que enfrentarse a una locatis que se cree vampiresa. Nada que no se arregle con dos botellas de licor y medio bote de tranquilizantes para caballos. Con ese pedo del quince, Cass hace el papel de secuestrado para Starr… hasta que lo secuestran de verdad, y dejan K.O a Herr Starr. Por desgracia para él, los secuestradores no son amigos… solo son un grupo de tocapelotas imbéciles llamados «Los hijos de la Sangre». Pobre, pobre Cass.

La opinión de Sofía

El capitulo me ha gustado, porque toda la trama de Herr Starr y Humperdoo me parece maravillosa. Pero me empiezo a impacientar por la aparición de Hitler y Eugene. Creo que la trama de Angelville ha dado de sí todo lo que podía dar, y espero que los dos tortolitos se la liquiden pronto (y a la vieja) para reencontrarse con Cass y enfrentarse a su verdadera misión: patearle el culo a Dios.

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El peor secuestro de la historia

Estoy algo desconcertada con el tema de los falsos vampiros, si os soy sincera. No quiero desconfiar de Preacher, que no suele dar puntada sin hilo, pero me parece todo un poco improvisado. Aunque tal vez los Hijos de la Sangre nos traigan un par de buenas historias. No olvidemos que la mayor lección que hemos aprendido de Preacher es que hay un motor ingente e infinito para la maldad: la estupidez.

Si lo consiguen o no, lo sabremos la semana que viene. Hasta entonces… Sed felices.

Crítica de Hotel Transilvania 3: Unas vacaciones monstruosas. Diversión para toda la familia

Juanjo Avilés
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Crítica de Hotel Transilvania 3: Unas vacaciones monstruosas. Diversión para toda la familia

Hotel Transilvania 3: Unas vacaciones monstruosas es la principal opción que hay ahora mismo en cartelera para ir al cine con niños en este caluroso tiempo de verano.

Cuando vamos a ver una película de este tipo tenemos cuatro opciones. La primera es que sea un producto típicamente infantil y los mayores nos aburramos como ostras (por ejemplo con la película de My Little Pony). Vamos al cine sabiéndolo y lo asumimos. A nuestros retoños les gusta y por ellos hacemos el esfuerzo, pensamos que si les inculcamos el amor por el séptimo arte, cuando sean mayores nos lo agradecerán y podremos disfrutar de buenas películas juntos.

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Todos a bailar con Drácula

Otra opción es que hayamos visto el tráiler y nos parezca que aunque sea infantil, al menos nos vamos a reir… pero conforme vamos viendo la película nos damos cuenta que nos han engañado y el sopor se apodera de nosotros (a mi paso por ejemplo con Trolls).

La tercera es que veamos una película entretenida y divertida, en la que nuestros niños se lo pasen bien y nosotros nos riamos y pasemos el rato (el ejemplo en mi caso sería Rompe Ralph).

Y la última opción es que veamos una buena historia, con varios niveles de visionado, uno para los más pequeños, haciendo que ellos se lo pasen bien, y otro para los adultos, con temas más serios y que además de hacernos reir nos hagan pensar (Del Reves es el ejemplo perfecto).

Con esta nueva entrega de Hotel Transilvania nos encontramos con la tercera opción. Estamos ante una película divertida, con la que nuestros peques se lo pasarán de  miedo con las aventuras y desventuras de la familia de Drácula en sus vacaciones en un crucero. Y esa es una de las claves de la trama. La importancia de la familia es el eje central de la historia. Es un mensaje fácil y aceptable, destinado a unos niños que lo absorben entre las locuras y bromas de los personajes.

La cinta tiene un argumento muy sencillo: la capitana del crucero y su bisabuelo son Van Helsings que quieren acabar con todos los monstruos, aunque todo se complique cuando Drácula se enamore de Erika (la capitana). A partir de aquí se suceden las bromas, sketchs y situaciones divertidas que encantarán a los pequeños mientras los más mayores sabemos cómo va a acabar la historia casi desde el principio.

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Drácula y Erika tienen un cita que no sale del todo bien

Es más, en ocasiones parece que esta simpleza narrativa es algo buscado. El creador de la saga de Hotel Transilvania es Genndy Tartakovsky, autor de series tan míticas como las Supernenas, el Laboratorio de Dexter o Samurai Jack , pero en las dos películas anteriores tuvo un peso menor a la hora de escribirlas. Fueron dos cintas en las que las ideas de Adam Sandler (el famoso cómico que es quien dobla a Drácula en la versión original) están más presentes.

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Genndy Tartakovsky, el padre de las criaturas

Para esta tercera parte Tartakovsky consigue imponer su visión en el guión de la película y eso se nota. La historia parece una simple excusa para que el guionista de rienda suelta a su creatividad y el tipo de humor que más le gusta. Vemos muchos gags visuales, aprovechando el rico elenco de monstruos que hay en el crucero, unos monstruos que se destrozan, se estiran y se parten, en el más puro estilo cartoon.

Todo esto es posible gracias al gran trabajo detrás del diseño de personajes. Tartakovsky es toda una garantía en este aspecto ya que tiene una imaginación desbordante y hace gala de ella mostrándonos a una cantidad enorme de personajes pululando por el crucero.

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Un ejemplo de la imaginación de Tartakovsky a la hora de crear monstruos

A pesar de ser la historia más simple de la trilogía, es muy disfrutable para los adultos. Vale, no estamos ante un historia profunda y el mensaje es bastante claro y conciso, pero es tremendamente divertida y hay momentos realmente brillantes, que harán a los mayores sonreír e incluso soltar alguna carcajada (por ejemplo con los lobos y el peque-club). Si, sabemos lo que va a pasar pero al menos nos lo cuenta de manera divertida y con bromas ocurrentes.

Por último y cómo curiosidad para el público español, comentar que al final de la película se da una situación muy graciosa para solucionar el conflicto entre Van Helsing y los monstruos, algo que hará que a más de uno se le escape una sonrisa.

Análisis global: El cuento de la criada, segunda temporada y cuesta abajo

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Análisis global: El cuento de la criada, segunda temporada y cuesta abajo

Hace apenas unos días finalizó a través de Hulu en América y HBO en España la segunda y última temporada hasta la fecha (a falta del estreno de una tercera temporada ya confirmada) de El cuento de la criada, ficción basada en el libro homónimo de Margaret Atwood. Son varios los problemas que acusa esta segunda temporada de una de las series más populares del momento: desde un descarrile argumental hasta una pérdida de algunos de los valores de producción que la habían convertido en una propuesta a seguir en su primera parte. ¿Queda algo que rescatar?

Ahora, por libre

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La primera temporada terminaba –con perdón de alguna licencia por y para el cliffhanger– donde lo hace el libro de Atwood. La serie se desenganchaba así definitivamente de una base literaria y pasaba a depender totalmente de sus guiones televisivos. Hemos visto casos similares en otras grandes (y hablo de tamaño más que de calidad) adaptaciones literarias a seriales modernos, siendo quizás el caso más reconocible el de Juego de Tronos. En la serie de HBO, George RR Martin abandonó a su suerte –como consecuencia de su lenta y dedicada escritura– a los guionistas de la serie, la cual sufrió un considerable bajón en la complejidad estructural de las tramas y desarrollo de personajes a la vez que mejoraba considerablemente la calidad cinematográfica de su narración (tendiendo su pico en la sexta temporada). El cuento de la criada reacciona de forma similar con un pronunciado retroceso en cuanto a fondo se refiere, solo que en este caso viene acompañado de una ralentización progresiva (en el mal sentido de la palabra) de la narrativa visual, redundante y creativamente más vaga, en lo que parece convertirse en un concurso de recursos medianamente funcionales para estirar a lo largo de 13 episodios una serie de ideas de poco alcance que sirvan como nexo a algo mayor que, se intuye, quieren contar. Solo que más adelante.

Cabe preguntarse por qué no han dado el salto a lo que quiera que sea que venga después –tampoco excesivamente difícil de adivinar, visto lo que se deja planteado en esta temporada– en vez de agotarse caminando en círculos a lo largo de toda una temporada. La expedición a la vida en las colonias acaba siendo una propuesta descartada una vez los creadores de la serie parecen asumir la incapacidad de afrontar sus peculiaridades de forma satisfactoria o novedosa, y convierten el destino en un punto de tránsito en el que mantener a ciertos personajes en espera mientras son requeridos por tramas coexistentes. La recreación en el flashback reiterado, sirva o no a los propósitos de lo que se cuenta, es una constante en una temporada que deambula por los mismos recursos de su predecesora intentando cimentar un estilo con las herramientas que lo sobresaturan: ya conocemos el pasado, perspectiva emocional y recuerdos de su protagonista. No es necesaria una reiteración constante, indicada para el espectador menos atento, que subraye cada uno de los planteamientos de la primera temporada. Donde en una primera entrega la dirección de la serie apuntaba a dilatar ciertos momentos (e incluso planos) para subrayar las ideas antes de dar paso a la siguiente, este temporada opta por la reiteración constante pero breve  de los mismos conceptos una y otra vez. El resultado es que ni la serie se dinamiza (de hecho, ralentiza hasta lo innecesario el avance) ni las ideas se cimentan mejor (la reiteración acaba por agotar,  restando importancia a los conceptos).

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El mismo mecanismo de reiteración se sigue a partes iguales en el guion y la narrativa visual. La dirección abusa de mantener la cámara en máster pegada a la protagonista, subrayando de forma prolongada sus emociones a través de la expresión facial de casi primeros planos desasosegantes. Pierde el sentido ocasional y de choque que producía en la primera temporada porque todas y cada una de las acciones son rematadas con la reacción de la protagonista por este medio, convirtiéndolo en una rutina que estructuraliza la acción-reacción emocional (siempre idéntica) de la que no es capaz de sacarnos ni la propia actriz, aquí sin recursos. Esta rutina se complementa con una misma estructura repetida ya tres veces a lo largo de la temporada: intento de huída, estancia y dudas en un punto intermedio y eventual regreso. Como no podía ser de otra manera, el intento es el de remarcar una idea –en este caso, la ya obvia dificultad para escapar de Gilead. Y a medida que los episodios se suceden, la serie se queda sin balas y empieza a tirar de la metralla: confrontaciones verbales entre personajes clave que expliciten los conflictos que ya eran bastante evidentes, largas miradas que concluyen eventos irrelevantes y olvidos momentáneos de tramas que tienen importancia emocional pero no tiene suficientes recursos narrativos como para coexistir siquiera en la serie. El resultado es caótico, repetitivo y contraproducente, perdiendo la emoción y la sorpresa.

Nexo a la tercera

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Los elementos más interesantes de esta temporada se concentran en episodios puntuales justo al comienzo y el final de la serie: las primeras muestras de evolución real hacia una mayor toma de consciencia (condicionada por el ambiente) por parte de Serena, si bien predecible y lógico desde la primera temporada, acaban por desarrollarse en esta. Las consecuencias que afrontan ciertos personajes por acciones dilatadas en el tiempo con el solo propósito de darles mayor trascendencia a su cierre tienen al fin su broche. Sin la frescura o inventiva de la primera temporada, esta segunda sirve de transición a una tercera ya confirmada (gracias en gran medida al aumento exponencial de espectadores durante esta segunda), haciendo a la vez limpieza y base de ideas agotadas y futuras, respectivamente. Tendremos que esperar un año para saber si El cuento de la criada recupera fuelle o se instala en la comodidad de forma definitiva.

Análisis de Castle Rock. Temporada 1. Capítulo 1

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Análisis de Castle Rock. Temporada 1. Capítulo 1

Todos los fans de King nos pusimos en alerta a principios del año pasado al enterarnos de los planes que tenía el productor J. J. Abrams de llevar a formato televisivo algo relacionado con la obra de King. El plato que se nos ofrecía era de los más apetitoso, pues no solo consistía en una adaptación de una novela en concreto, todo el universo del maestro estaría representado en ella. Y claro, después de esto, todos esperábamos expectantes más información sobre ese atractivo proyecto. Bueno, pues el día finalmente ha llegado. El 25 de julio se estrenó en la plataforma Hulu los tres primeros episodios de esta primera temporada, y tras haberlos visualizados parece que la promesa de los productores se va a cumplir. Así que, sin más dilación, acompáñeme en este tour por la famosa Castle Rock, les prometo que no se va a arrepentir de hacer la visita.

Debo avisaros que al ser un análisis completo del capítulo está repleto de spoilers. Avisados quedáis.

Severance

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Bill Skarsgård también se atreve a volver al universo de King

El capítulo empieza mostrándonos una de las líneas temporales sobre la que se moverá parte de la trama. Estamos en 1991, en pleno invierno y parece que la desaparición de un niño local, de nombre Henry y apellido Deaver, ha causado revuelo en la tranquila localidad de Castle Rock en el estado de Maine –Castle Rock, centro neurálgico de varias de las obras de King-. Un hombre lo busca sin descanso, se adentra en el bosque y lucha contra el temporal para encontrar al indefenso niño tras once días de exhaustiva búsqueda. Ese hombre es Alan Pangborn -un viejo conocido de la obra de King, de quien hablaré más adelante-, sheriff de la ciudad y conocido de la familia Deaver. Finalmente, y para asombro de Alan, el niño aparece aparentemente intacto pero en evidente peligro pues aparece en medio del congelado lago. El quebradizo hielo amenaza con romperse, pero afortunadamente el sheriff evita la tragedia. Con el niño a salvo empieza nuestra historia.

La otra línea temporal que se nos va a presentar en este capítulo es la del 2018, año en el que va a transcurrir la mayor parte del episodio, y creemos que la mayor parte de la trama que se nos va a ir presentado durante el transcurso de esta primera temporada. Ya empezamos a ver la primera cara conocida, pues se nos presenta a Dale Lacy -interpretado por el eterno John Locke de Perdidos y antiguo conocido de las producciones de Abrams, Terry O’Quinn-, el antiguo alcaide de la Penitenciaría Estatal Shawshank -otra antigua conocida- que, por lo que parece, no soporta su nueva vida como jubilado. ¿Que por qué sabemos que no la soporta? Porque decide quitarse la vida de una manera un tanto extrema. Ata una cuerda a un árbol y el otro extremo de la misma a su cuello a modo de soga, arranca su coche y, dejando su cabeza por el camino, cae al lago junto a él. Seguro que su participación no acaba aquí.

No podíamos avanzar en la trama sin empezar a conocer más a fondo a los verdaderos protagonistas de esta historia: Castle Rock y sus lugares más emblemáticos. La acción nos lleva hasta Shawshank, donde conoceremos al oficial Dennis Zalewsky –Noel Fisher, a quien también hemos podido ver como regular en la serie Shameless– y a Porter –Ann Cusack– la nueva alcaide de Shawshank que se encontrará con el reto de intentar liderar de la mejor manera posible la peculiar penitenciaria. Y, como es obligado en las obras de King -y a lo que estamos acostumbrados los fans cuando vemos algo relacionado con la penitenciaria-, carente de toda moralidad, llevando al maquiavelismo a su siguiente nivel. Tras su llegada ordena que se revise un ala que, según los trabajadores, lleva más de treinta años sin uso. No se puede permitir dejar en desuso celdas que pueden servir en un futuro cercano.

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Esperemos que no lleve a nada que tenga que ver con la Iniciativa Dharma

Como podemos ver en la imagen, el modo de acceder al ala no es nada atractivo. Tras comprobar que todo está tal y como se dejó, el joven oficial se encuentra con una desagradable sorpresa: un joven famélico y en aparente estado de shock lo mira desde una jaula. Saltan las alarmas, debe de faltar un recluso, seguro que aquel joven quedo atrapado luego de intentar escapar. Pero, para sorpresa del personal, ningún recluso falta, están todos. El chico resulta no tener antecedentes, ni identidad, ni voz… Es un auténtico fantasma. Tras ser interrogado por el personal superior de la penitenciaria, débiles palabras salen de entre sus agrietados labios: Henry Deaver. Sí, el chico desaparecido y encontrado en 1991.

Abandonamos la misteriosa Castle Rock y viajamos hasta Texas, donde se encuentra un Henry Deaver ya adulto –André Holland, a quien pudimos ver en la sexta temporada de American Horror Story y, más recientemente, en la oscarizada Moonlight– ejerciendo como abogado especializado en penas de muerte. Se encuentra defendiendo a una señora bastante mayor a la que se le acusa de haber asesinado a su marido, Richard Chambers -otra referencia que analizaré más adelante-. No tiene mucho éxito y tiene que presenciar como su cliente es ejecutada por inyección letal –¡dos veces!-. Tras este fracaso, recibe una llamada desde la penitenciaría de Shawshank: Zalewsky se ha compadecido del lacónico chico –del que pretenden deshacerse los malvados que dirigen el lugar– y quiere que Henry se encargue del futuro caso en el que se verá implicado. Henry, a quien su pasado atormenta, se ve obligado a volver a Castle Rock, donde sus habitantes lo tratan como a un asesino. Como descubriremos más adelante, a Henry se le culpó de la muerte de su padre adoptivo -quien también trabajaba como pastor en la siempre presente penitenciaría-, ya que apareció de forma sospechosa poco después de encontrarse el cuerpo.

Henry vuelve a Castle Rock tras un largo viaje y se encuentra con que nada ha cambiado, su reputación sigue intacta lo que, seguro, le traerá problemas en un futuro cercano. Su primera parada: la casa de su madre -interpretada por  la veterana Sissy Spacek, a quien recordaremos siempre en su papel de, la también del maestro, Carrie-. Su madre apenas lo recuerda, la demencia senil está acabando con su identidad y solo una fugaz mirada a los ojos de su hijo le hace recordar quien es el joven de color que tiene delante. Pero no está sola y desvalida, el antiguo sheriff Pangborn se encargó de calentar el lado de la cama que dejó vacío su marido. Demasiadas cosas y poco tiempo para asimilarlas para el recién llegado Henry.

Otro personaje que se nos introduce es el de Molly Strand –Melanie Lynskey, otra conocida de la obra de King a quien ya pudimos ver en la miniserie Rose Red (2002)-, dueña de un negocio de bienes raíces, adicta a las pastillas y que tiene una misteriosa obsesión con nuestro protagonista, de la que, seguro, sabremos más en los próximos capítulos.

El reencuentro

Otra desagradable sorpresa le espera a Henry una vez se decida a poner un pie en Shawshank, la alcaide está al tanto de su llegada e intenta ocultar al misterioso joven. Henry, impotente, se va sin poder contactar con el personaje de Bill Skarsgård, pero la cosa no quedará así y pronto lo descubrimos. Lo que parece ser la verdadera naturaleza del joven se desata trayendo consigo un considerable número de muertos y un horrorizado Zalewsky, que poco puede hacer más allá de observar la sangría a través de los monitores, pone en alerta a todo el personal que queda con vida en la penitenciaria. Al otro lado de la ciudad, Henry se debate con su pasado y, tras una tensa charla con su nuevo «padrastro», decide visitar el lago que tan recurrente ha sido en este episodio. El toque King se deja evidenciar y vemos como ambas líneas temporales se entrecruzan -dejándonos ver a un pequeño Henry observando la escena mientra cae la primera nevada- , y, Henry, aturdido por la experiencia, mira hacia la oscuridad del lago. Pero, no creas que esto acaba aquí, el saco de las sorpresas sigue abierto y se nos muestra que, evidentemente, el antiguo alcaide tenía relación con el chico del ala abandonada, le da instrucciones y parece que el joven las escucha con atención. ¿Quién es el chico? ¿Qué relación tenía con el antiguo alcaide? ¿Qué más secretos guarda el lago? ¿Por qué y cómo desapareció Henry? ¿Cómo murió su padre en realidad? Esta y otras muchas más preguntas deberán ser contestadas a lo largo de la temporada, pero conociendo este tipo de producciones, pocas incógnitas serán resueltas y muchas otras irán apareciendo.

Y así termina un buen episodio piloto con una más que correcta dirección de Michael Uppendahl -todo un versado en esto de la ficción televisiva- y una fotografía acorde al relato, y, lo más importante para un servidor, todo lo que vemos es puro King, desde los personajes -lógicamente al estar inspirados en su obra y algunos incluso siendo parte de la misma-, hasta las situaciones que nos muestran en pantalla, pasando por la forma de contar la historia –aunque también vemos cosas de Abrams en ella-. La seguiremos de cerca, eso seguro.

El universo de King

Para ser el primer episodio hemos visto algunas referencias interesantes a lo largo del mismo y que parece que tendrán su importancia dentro del conjunto. Hay que resaltar la importancia que tiene en esta historia, o eso creemos, la penitenciaría de Shawshank, la cual hemos podido ver en numerosas obras de King y que resulta satisfactorio volver a ver -aunque ya avisaron que los lugares más emblemáticos de la obra de King estarían muy presentes-. También hemos visto en acción a antiguos conocidos del universo King como Alan Pangborn -a quien también vimos en La mitad oscura y en La tienda, entre otras menciones- y oído mencionar a otros como Richard Chambers -uno de los principales antagonistas de Stand By Me-. Referencias y más referencias, aunque no del todo evidentes. Así mejor.

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Hasta actores que han estado en anteriores adaptaciones de King se han querido asegurar un hueco en esta serie que promete convertirse, según sus productores, en la serie definitiva del maestro. A Bill lo pudimos ver recientemente como Pennywise -aquí también desaparecen niños- en la notable It (2017) y a Sissy Spacek, como ya dije, siempre la recordaremos por encarnar a Carrie en la excelente adaptación de Brian De Palma. Tenemos que darle crédito de que esta serie se esfuerza por recordarnos donde nos estamos metiendo y ayudarnos a que tengamos siempre presente al maestro. Y por lo que se ha visto, todo seguirá de la misma forma en los próximos capítulos. Guarden bien sus tickets, que el tour continúa. Nos vemos en el próximo.

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