Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos las novedades de Norma Editorial, previstas para este mes de marzo. Y según nos dice la editorial barcelonesa … ¡En marzo llega el fenómeno literario del año!
Danmei es un término chino, que traducido literalmente a nuestro idioma, sería algo así como «adicto a la belleza«.
Danmei se refiere a un género literario que se centra en relaciones afectivas entre personajes masculinos.
Dentro del danmei, podemos encontrar historias de tipo muy diverso. Desde la ciencia ficción, la fantasía heroica o el género histórico.
Sin embargo, todas las historias cuentan con la particularidad de estar centradas en encuentros románticos, afectivos y eróticos entre personajes masculinos.
El danmei se encuentra tanto en novela como en cómic y su público objetivo es el público femenino.
Podéis encontrar más información de la Línea Danmei de Norma Editorial, pinchando aquí.
Al parecer, el danmei nació en Internet y se publica originalmente en formato digital, mediante páginas webs de difusión literaria y que están especializadas en este formato.
Este tipo de webs, han ido creciendo exponencialmente y concretamente en España, ha conseguido una gran comunidad de fans del género, que aumenta cada día.
La actualidad es la que manda y hemos de comentar todo lo que se desarrolla alrededor del noveno arte.
Podéis echar un ojo a las primeras publicaciones de la nueva línea, pinchando aquí.
Una vez comentado el nacimiento de la Línea Danmei … Vamos a dar paso a las novedades que más nos llaman la atención, del catálogo de este mes. Vamos con ello …
«Cínico y temerario, el piloto Armand Baverel se ha visto expulsado con deshonor de la fuerza aérea.
Sin embargo, para aprovechar sus virtudes, el ejército del aire le brindará una segunda oportunidad sirviendo como aviador en Indochina, donde la guerrilla comunista de Ho Chi Minh está empezando a ejercer presión sobre las viejas estructuras del orden colonial.
El guionista Jean-Pierre Pécau (Dream Team, La sombra roja) y el dibujante Maza unen sus fuerzas en una emocionante aventura aérea que recrea a vista de pájaro los años de la intervención militar francesa en Indochina».
Lo tendremos disponible el 22 de marzo. Más información sobre el título pinchando aquí.
Con el objetivo de luchar contra las fuerzas del mal, el genial profesor Juzo Kabuto investigó todo tipo de materiales hasta dar con la aleación Z, un metal de poder inimaginable que utilizó para crear a Mazinger Z, un robot tripulable que pretende utilizar en la batalla.
Pero cuando sus enemigos le hieren de muerte, pasa el testigo a su nieto Kôji, que toma los mandos del poderoso Mazinger Z para enfrentarse, ahora y siempre, a los malvados planes del Dr. Infierno y sus secuaces».
Lo tenemos disponible desde el 1 de marzo. Más información sobre este título pinchando aquí.
A casi cuatro años de su primera parte y tras un proyecto de spin-off en formato serie finalmente no concretado en formato, Código 8 (Parte 2) está desde hace algunos días en Netflix, teniendo una vez más a Jeff Chan en la dirección y a los primos Robbie y Stephen Amell interpretando a la dupla central. Perdiendo algunas fortalezas de su antecesora, pero ganando otras, acaba por ser una interesante secuela que recurre a la distopía para alertar sobre los peligros de la vigilancia policial en el contexto de un estado militarizado.
Allá por abril de 2020, en plena pandemia, la película Código 8 (también llamada según los países Code 8 o Code 8: Renegados) llegaba a Netflix tras haber sido estrenada en diciembre del año anterior en Canadá y sorprendía gratamente con una distopía urbana que le daba una vuelta de tuerca menos optimista a los filmes de superhéroes tan en boga por aquellos días (aquí la crítica de un servidor). La misma, recordemos, se inspiraba en un corto de 2016 también dirigido por Jeff Chan, quien está igualmente a cargo de Código 8 (Parte 2), secuela que hoy nos ocupa.
A diferencia de la película anterior, que estaba solo escrita por Chris Pare, en este caso participan también del guion Sherren Lee, Jesse LaVercombe y el propio Jeff Chan. Por lo demás, vuelve a tener como protagonistas a Robbie y Stephen Amell, así como a ubicarse en un futuro distópico no demasiado lejano en el que un cuatro por ciento de la población posee poderes especiales, pero en lugar de convertirles ello en privilegiados, les obliga a vivir prácticamente en la marginalidad al ser objeto del rechazo social.
La Historia
La película comienza cinco años después de los sucesos que dieran final a la anterior y vemos a Connor (Robbie Amell) salir de la cárcel tras purgar condena por haber asumido en su totalidad la responsabilidad de aquel atraco al que se sumara para ayudar a su madre enferma y que terminara con policías muertos.
Aquella operación, recordemos, fue liderada por Garrett (Stephen Amell) que, sintiendo culpa y diciendo deberle una, va a buscar a Connor a la salida del penal para ofrecerle su asistencia, pero solo consigue que le mande de paseo. Por cierto, ha ascendido bastante en el mundo de la delincuencia desde aquellos días y ahora controla el narcotráfico de Lincoln City, ciudad ficticia en que, una vez más, nos ubicamos. La droga en cuestión es la famosa Psyke, de la cual ya tuviéramos noticias en el filme anterior y que se extrae de la médula espinal de los individuos con superpoderes.
En cuanto a la policía, el sargento Kingston (Alex Mallari Jr.), a quien conociéramos ya en la primera película, también ha ascendido y se ha convertido en una figura pública de renombre al asumir como causa propia la seguridad de la ciudad y retirar de circulación a los cuestionados Guardianes, policías-robot que habían originado más de un desmadre. En su lugar, presenta en sociedad a la división K-9 de perros-robot que, según los promociona, no matan e incluso cesan de asediar al delincuente cuando este levanta sus manos.
Connor, mientras tanto, quiere alejarse por completo del mundo del delito y por tal razón se dedica a impulsar un centro comunitario en el que colabora codo a codo con su directora Mina (Jean Yoon). La institución se dedica fundamentalmente a asistir a niños y adolescentes marginales, lo cual incluye desde ya a aquellos que poseen habilidades especiales.
Pero el pasado parece perseguirle adonde vaya y cuando una niña llamada Pavani (Sirena Gulamgaus) pide asilo tras ser testigo de la muerte de su hermano por uno de los K-9 (los que supuestamente no matan), Connor asume su protección y termina haciendo lo que no quería: volver a pedir ayuda a Garrett.
El poder especial de Pavani, por cierto, consiste en interactuar con la tecnología como si fuera parte de ella, al punto de ser capaz solo con su mente de sacar información de una unidad de memoria o dejar inactivos los circuitos de un sistema. Ello le puede servir para llegar al K-9 que mató a su hermano y extraer la información que pondría en evidencia la mentira de Kingston, quien, obviamente, está dedicado a darle caza para evitar que ello ocurra.
Distopía y Crítica
Si comparamos con la primera película, lo primero para decir es que la historia se desarrollaba en aquella con más solidez y lo hacía ya desde los primeros minutos, mientras que aquí le cuesta tomar ritmo. No obstante, ello se compensa con una mayor profundidad en los temas tratados, siendo particularmente más clara la crítica a los estados militarizados y la vigilancia policial.
Hay, desde luego, mucho que remite a las películas de la franquicia Robocop, haciendo acordar bastante el clima opresivo de Lincoln City, con una fotografía en que predominan grises y tonos pastel, a la Detroit de aquellos filmes. Una atmósfera cyberpunk impregna el conjunto y la historia tiene algunos puntos de contacto con la interesante serie brasileña Omnisciente (aquí análisis de un servidor) que, con una única temporada, pasara injustamente por Netflix sin pena ni gloria (ni tampoco promoción). Y no faltan toques neo-noir que evocan a Michael Mann.
Siempre voy a insistir en que Robbie y Stephen Amell son actores con sus limitaciones, pero que saben escoger los papeles justos para que ello no se note y hay que decir que en esta secuela están incluso mejor que en la primera película, a lo cual ayuda la química que tienen entre sí aun cuando interpreten a personajes antagónicos…
Garrett está lleno de grises y no se hace planteos éticos a la hora de buscar beneficio, pero a su vez es capaz de sentir que tiene una deuda ética con Connor o experimentar algún grado de empatía por una niña perseguida por el mismo sistema policial con que él mantiene turbia asociación. Connor, en tanto, es leal a sus principios y quiere hacer de la honradez un estilo de vida, pero la realidad le obliga una y otra vez a relacionarse con el delito que busca abandonar y particularmente con Garrett. En definitiva, forman una dupla antagónica, poderosa e interesante que puede todavía dar mucho más en próximas películas o, por qué no, en alguna serie derivada.
Siguiendo con la actuaciones, hay que destacar también el trabajo de Sirena Gulamgaus en dar vida a esa adolescente que, por más poderes que tenga, se ve frágil y vulnerable. Y en el tipo de vínculo que establece con Connor se pueden reconocer reminiscencias de El Profesional (León), aquel filme de Luc Besson en el cual una pequeña y acechada Natalie Portman recurría a la protección de Jean Reno.
En la parte más estrictamente técnica, tenemos una de cal y una de arena: los diseños, como los de los Guardianes (que no están tan dados de baja como Kingston dice) o los perros-robot, son superiores a los de la película anterior, pero en los efectos visuales se advierte, por el contrario, una involución, particularmente en el choque eléctrico (habilidad especial de Connor) o en el duelo que, cuchillo suspendido entre ambos, sostienen Garrett y Kingston, quien también tiene superpoderes pero lo oculta.
Balance Final
Código 8 (Parte 2) mejora a su antecesora en algunos ítems y la empeora en otros, por lo que en la suma del debe y el haber termina cumpliendo y siendo una digna secuela. Y en estos días en que el cine de superhéroes atraviesa una crisis por la abundancia de oferta (sobre todo de parte de Marvel y Disney), se las apaña para no parecer más de lo mismo y presentar las habilidades especiales como una carga más que como una ventaja.
De hecho, esta es una película a la que se hace difícil encasillar en el género superheroico, sino que es más bien una distopía que, mezclando el neo-noir con el cyberpunk, está cargada de crítica política y también social, ya que mueve a la reflexión acerca del destino de aquellos a quienes el sistema, al dejar de lado, empuja a la marginalidad o la delincuencia.
No diré nada sobre el final, pero al igual que en la película anterior, cuadra con esos mismos grises que caracterizan a los personajes, la ambientación o la fotografía: no todo va a terminar bien, pero tampoco tan mal. Y a pesar del clima sofocantemente pesimista que en general caracteriza al filme, el final deja una pequeña rendija al optimismo y la esperanza…
Netflix acaba de estrenar El Astronauta, filme de ciencia ficción de tono introspectivo y existencialista dirigido por Johan Renck (Chernobyl) y protagonizado por un superlativo Adam Sandler que no logra, con su descomunal actuación, salvar al filme de la medianía de un guion que, pretendiendo ser trascendente, acaba rayando en lo obvio y sobreexplicado.
El pasado viernes 1 de marzo Netflix ha estrenado El Astronauta (Spaceman), película que se inscribe dentro de lo que podría definirse como ciencia ficción existencialista (para más credenciales, fue presentada en el Festival de Berlín) y que se basa en la novela El Astronauta de Bohemia del escritor checo Jaroslav Kalfar. Honestamente no la he leído, pero sé que ha gozado de muy buena recepción y si a ello se le agrega el director sueco Johan Renck (responsable de todos los episodios de esa gloriosa miniserie que fue Chernobyl), más la actuación principal de Adam Sandler, todo parecería combinarse para un buen resultado. Parecería…
El Astronauta tiene el tipo de premisa que la emparenta con 2001: Una Odisea Espacial, Solaris, Interstellar, Ad Astra y tantas otras, pudiendo reconocerse en su trama puntos de contacto con cada una de esos filmes. El viaje del individuo que, en el espacio exterior y muy lejos de la Tierra, se descubre paradójicamente a sí mismo y se encuentra con su pasado es tópico en el cine de ciencia ficción desde que lo filmara Kubrick y es precisamente la dirección en que apunta El Astronauta…
Pero además, es la oportunidad de ver a Adam Sandler en algo diferente y no por el hecho de que se trate de un papel dramático, lo que ya no es ninguna sorpresa, sino porque no es habitual verlo en el terreno de la ciencia ficción y menos dando vida a un personaje de tono tan introspectivo: los que había interpretado en Diamantes en Bruto (2019) o en Garra (2022) se caracterizaban por una personalidad bastante más tormentosa e intempestiva. Y no deja de ser extraño que sea Netflix quien más haya explorado el costado dramático de un actor al que el cine, mayormente, encasilló en la comedia obvia e histriónica, cuando no escatológica.
A ello hay que sumar a la británica Carey Mulligan, ganadora de un BAFTAy con tres nominaciones para el Oscar, estando pendiente de entrega el de mejor actriz por Maestro, del cual sabremos este domingo si se hace o no acreedora. Más dos glorias de otros tiempos como Isabella Rossellini y Lena Olin, completando así un cóctel que, en los papeles, pintaba bien. Pintaba…
La Historia
La película cuenta básicamente la historia del comandante checo Jakub Procházka (Adam Sandler), quien es enviado por su país en solitaria misión espacial para investigar una extraña nube púrpura aparecida en las cercanías de Júpiter y a la cual debe llegar para descifrar su enigma antes que los surcoreanos, que han enviado su propia misión con idéntico objetivo.
El viaje ya lleva seis meses y en la Tierra ha dejado embarazada de ese tiempo a su esposa Lenka (Carey Mulligan), quien tiene pensado dejarlo pero la directora del proyecto (Isabella Rossellini) se niega a transmitirle ese mensaje en el medio de una misión tan importante como la que él está llevando a cabo.
En medio de la soledad del espacio, Jakub comienza a tener visiones que le hacen dudar de su cordura y que alcanzan su momento máximo cuando encuentra en la nave a un gigantesco arácnido que sin embargo, desde el control de Tierra, nadie ve en las cámaras.
La criatura, que en un primer momento lo asusta, termina hablándole con suave voz (la de Paul Dano) para hacerle saber que viene desde el origen de los tiempos (que es hacia donde el centro de la extraña nube conduce), así como también que ha huido de su planeta y viene estudiando a los humanos desde hace mucho, tal la razón por la cual puede hablar sus idiomas.
Poco a poco se convierte en su confidente y casi terapeuta (tanto que Jakub decide ponerle un nombre y llamarle Hanus), particularmente en cuanto a su relación con Lenka y a las cosas que ha hecho mal en el pasado, todo ello mientras la nave se acerca a la nube y desde la Tierra temen por el resultado final de la misión en la medida en que Jakub parece alienado y obrando por cuenta propia.
Sin Sentido de Ironía
Insisto en que no he leído el libro, pero me despertó interés luego de ver la película y ahora me gustaría hacerlo. Porque, según me entero, el mismo tiene una carga de ironía, humor y absurdo que aquí no se ve. De hecho, la idea de un astronauta enviado al espacio por la República Checa es parte del absurdo casi surrealista que la novela propone, mientras que en el filme, ausente cualquier tono de broma, se la pretende justificar y subsumir dentro del Programa Espacial Europeo.
Si se hubiera elegido el camino de la ironía, las cosas podrían haber ido mucho mejor, pero se eligió uno tan depresivo y existencial que imágenes como el abrazo entre Jakub y la criatura terminan más en la cursilería que en el absurdo que podría haber generado risa. No hay nada en la película que nos haga pensar que la cosa no va en serio y entonces no nos queda otra que tomarla en serio…
También me entero que hay en el libro una carga política más concreta, mientras que aquí hay apenas retazos en forma de recuerdos que nos muestran algo de la Revolución de Terciopelo y nos ponen al tanto de que el padre de Jakub fue acusado de colaborar con el régimen comunista tras la caída del mismo. Se me ocurre algún paralelismo con Yuri Gagarin, cuya idoneidad como cosmonauta fue cuestionada por haber su familia permanecido en la zona ocupada por los alemanes durante la invasión a la Unión Soviética, pero nada en la película justifica esos tintes políticos que parecen más bien traídos por los pelos o pinceladas al descuido.
La Soledad de Adam Sandler
El centro de la trama es el conflicto personal y existencial de Jakub, para el cual Hanus opera de algún modo como crisol a través del cual ve su propia vida y reflexiona sobre ella para entender en qué se ha equivocado, sobre todo en cuanto a su relación con Lenka. A propósito: no tengo idea de cómo verán las arañas, pero aquí se echa mano del poco original recurso del lente curvado en forma de “ojo de pez”.
Hay una correlación directa entre la soledad del espacio y la del propio Jakub en su vida personal como producto de sus mismas acciones. La lección que Jakub aprende de esa criatura alienígena es de lo más obvia: que no le dio a la relación con Lenka el lugar que merecía y le gustaría, por lo tanto, volver al punto de partida en que todo comenzó a ir mal. Una clara analogía con el “origen de los tiempos” que, al decir de Hanus, se halla en el corazón mismo de la nube púrpura.
Pero es un mensaje tan sobreexplicado y reiterado que acaba en una moraleja cursi que no se condice con el tono trascendente que, al menos desde la forma y la estética, el filme pareciera pretender asumir. La película, como hemos dicho, tiene algo de 2001, algo de Solaris y algo de Interstellar, pero mezclar obras maestras en un tubo de ensayo no da necesariamente como resultado otra.
Y es increíble que el responsable de un rumbo tan poco claro sea el mismo director que tuviera a su cargo Chernobyl, como también algunos de los mejores episodios de Vikingos, Breaking Bad o TheWalking Dead: habrá que concluir que quizás el formato de largometraje no le siente tan bien como el de serie o miniserie (no vi Downloading Nancy,única película que dirigió antes que esta, pero de la cual sé que no tuvo buenas críticas).
El trabajo de Adam Sandler es sin duda y con diferencia lo mejor de la película. Si le faltaba un papel para demostrar a sus detractores que puede hacerlo absolutamente todo era este. Pero lamentablemente el guion de Colby Day lo deja tan solo como a su personaje en el espacio (de hecho, hasta me queda la duda de si la criatura existía realmente o era producto de su imaginación).
Y la presencia de una actriz de los quilates de Carey Mulligan queda totalmente desaprovechada por lo poco trabajado de su personaje, del cual nunca llegamos a comprender el origen puntual de sus sentimientos hacia Jakub más allá del mero lugar común de esposa olvidada y mal atendida.
Y otro tanto puede decirse de Isabella Rossellini y Lena Olin, cuya presencia no pasa de ser mero dato: una verdera lástima y un desperdicio…
Balance Final
La sensación que deja El Astronauta es la de perseguir algo que no logra. Difícilmente pueda dejar muy satisfecho al público de una ciencia ficción más pasatista por su tono pretendidamente trascendente y tampoco creo que haga felices a los buscadores de cine de autor por lo sobreexplicado del guion y cursi del mensaje. Figurar en el Festival de Berlín no hace necesariamente profunda a una película…
Quedan para destacar una buena fotografía (Jakob Ihre, también responsable de la de Chernobyl), unos efectos visuales bastante decentes y, por sobre todo, una actuación descomunal de un inmenso Adam Sandler, sin dejar de mencionar las ganas que me entraron de leer el libro para comprobar si, como sospecho, es muy superior a esto que nos han mostrado.
Bienvenidos amantes de los Gusanos de arena, volvemos con la segunda parte del artículo de guía avanzada de Dune, que te recomiendo leer antes que esta segunda parte de la guía avanzada.
En artículo profundizaremos algo más en otras entidades importantes de la saga Dune y algunas de las casas más importantes para comprender Dune Parte II, que se estrenará el próximo 1 de marzo.
Por otro lado, intentaré que el artículo no sea demasiado denso, sino que contenga elementos básicos para recordar o entender mejor la película, ya que asuntos como la CHOAM o La cofradía espacial no parece que vayan a tener demasiado protagonismo directo en la película. Además, me he contenido en varios de los personajes para no revelar demasiado y caer en destripes.
Si te interesa conocer con más detalles los elementos de la obra de Frank Herbert, podríamos seguir escribiendo con más detalle en otro artículo, por lo que no dudes en pedirlo en los comentarios.
Se puede suponer que el poder del Imperio se reparte principalmente entre las Casas Mayores, la Casa Imperial y la Cofradía espacial; pero todas estas están endeudadas con la Combine Honnete Ober Advancer Mercantiles (CHOAM). Es la principal corporación mercantil del Universo Conocido, encargándose de regular todo el comercio interestelar. Sus puestos directivos son codiciados por los altos miembros del Imperio y sus decisiones afectan a todos los habitantes y planetas.
La cofradía espacial
Posiblemente la entidad espacial más importante del Universo, más que incluso la CHOAM o el Emperador. La Cofradía Espacial tiene el monopolio de los viajes interestatales, por lo que es necesario su colaboración para el comercio de la CHOAM, motivo por el cual trabajan conjuntamente, ganando una inmensa cantidad de poder económico y de decisión en los asuntos políticos.
Tienen la capacidad para plegar el espacio y mover mercancías por el Universo conocido, gracias a los Navegantes, que son humanos mutados por el consumo continuo de la especie melange y que han ganado la capacidad para conocer la ruta más segura para conectar dos puntos existentes en el Universo. Este consumo excesivo de la melange les hace cambiar de aspecto a uno más similar a los anfibios, con largas extremidades palmeadas. Espero que Villeneuve nos lo muestre en la próxima película.
Recordemos que el único planeta conocido para extraer esta especie es el Planeta Arrakis, por lo que ahora sabemos un motivo añadido a su valor, ya que sin ella no podrían hacer viajes interplanetarios con seguridad y rapidez.
Sin La Cofradía espacial, el Emperador perdería el poder de controlar el Imperio, y las guerras entre planetas no serían posibles. Por ejemplo, sin ellos el barón Harkonnen no podría haber llevado sus tropas para atacar a los Atreides en Arrakis, teniendo además que pagar una verdadera fortuna para transportar los soldados.
La Casa Atreides
Leto Atreides
Interpretado en la película por el actor Oscar Isaac, Leto atreides asumió muy joven el liderazgo de la casa Atraides, debido al fallecimiento de su padre el duque Paulus, siendo herido toreando un toro. En la película podemos ver varias referencias a esto, como un cuadro del Duque Paulus con la vestimenta de torero.
Los primeros años de Leto al mando de la Casa Atreides estuvieron marcados por conflictos con la Casa Harkonnen, sus más antiguos rivales. Leto era un hombre respetado, logrando que hombres como Gurney Halleck y Duncan Idaho se unieran a él. Fue considerado un gobernante justo, como lo demuestra el hecho de que intentó aliarse con los Fremen a su llegada a Arrakis en lugar de perseguirlos como hicieron los Harkonnen durante su estancia en el planeta. Desafortunadamente ya vimos su tráfico destino en la primera parte de Dune.
Dama Jessica
Fue criada por las Bene Gesserit y preparada para un plan que consistía en que tuviera una hija para unir las Casas Atreides y Harkonnen, produciendo así el Kwisatz Hadarachy curar la enemistad que existía entre las dos casas. Como vemos en la primera película por una conversación que tiene Jessica con la Reverenda Madre, Jessica desobedeció estas órdenes y dio a luz a un varón, arruinando los planes que las Bene Gesserit llevaban planeando milenios.
En Dune Parte 2 veremos el papel que toma Jessica en la organización Fremen, y si seguirá siendo fiel a su familia en detrimento de las Bene Gesserit.
Paul Atreides
Podríamos dedicar el artículo completo al protagonista de la obra, pero intentaré ser breve. Paul (Timothee Chalamet) es el heredero de la familia Atreides a sus 15 años, primer e hijo único en Dune Parte 1, aunque recordemos que descubrimos que Jessica estaba embarazada. Paul fue entrenado y rodeado de grandes hombres como Duncan Idaho, Gurney y Thufir Hawat, que lo convirtieron en un verdadero prodigio capaz de seguir los pasos de su padre Leto. Además, fue entrenado por su madre Jessica en los poderes Bene Gesserit. Por otro lado, vemos como tiene unas misteriosas visiones que parecen presagiar el futuro.
Al final de Dune Parte 1 lo vemos enfrentándose junto a su madre Jessica a los peligros del desierto y finalmente siendo aceptado por los Fremen, que lo ven como al mesías que espera su pueblo. Esto es debido al poder de influencia de las Bene Gesserit en el planeta durante largo tiempo, al estilo de los misioneros cristianos.
Gurney Halleck
El maestro de Guerra de la Casa atreides es uno de los personajes más querido por los aficionados de la obra de Herbert. Famoso por sus dotes en el combate, pero también por la música de su baliset y la poesía, detalles que no vemos demasiado en la obra de Villeneuve.
Nació en las fosas de esclavos de Giedi Prime, el planeta Harkonnen, donde también nació su odio hacia esta Gran Casa. Una vez que huyó del planeta, entró a formar parte de la Casa Atreides, donde se convirtió en uno de los grandes aliados y uno de los mejores amigos de Paul. En Dune Parte 1 lo vemos interpretado por Josh Brolin, quien hace un papel impresionante.
Thufir Hawat
Bajo mi punto de vista uno de los grandes secundarios de la obra, por no decir el más interesante. Legendario mentat y maestro de asesinos de los Atreides, cuyo nombre causa terror y respeto en todo el Imperio, siendo codiciado por todas las Grandes Casas debido a sus habilidades como estratega y asesor. Thufir sirvió a los Atreides durante tres generaciones hasta la muerte de Leto.
Duncan Idaho
Maestro de armas de la Casa Atreides y considerado como uno de los mejores guerreros del universo, como pudimos ver en Dune Parte 1 enfrentándose solo a los temibles Sardaukar, la fuerza militar de élite del emperador Shaddam IV.
Al igual que Gurney fue criado en Giedi Prime y logró escapar, encontrando su futuro junto a los Atreides en Caladan y graduándose en la escuela Ginaz. Cuando los Atreides obtuvieron el planeta Arrakis (Dune) fue enviado como embajador de los Atreides para tomar un contacto con los Fremen, los nativos de Dune, quedándose impresionando por su organización y poder de combate. Al final de Dune Parte 1 vemos como muere por los Sardaukar evitando que estos atrapen a Paul y Jessica.
La Casa Harkonnen
Barón Vladimir Harkonnen
El antagonista de la obra y uno los hombres más temidos y odiados de todo el Imperio. Gobierna con inteligencia desde su feudo en el planeta Geidi Prime con políticas terribles y abusivas e intentando abarcar su influencia por todo el Imperio. Tiene una enfermedad que le hace ser tan obeso que necesita un arnés suspensor para moverse flotando. Si queréis saber más sobre cómo se transmitió esta enfermedad podéis buscar información si no teméis a los spoilers.
Es interpretado maravillosamente por Stellan Skarsgård, logrando causar temor sin caer en la parodia que a mi parecer vemos en la obra de Lynch, aunque si es cierto que en la obra de Herbert vemos un personaje al extremo, con gustos masoquistas y lleno de estereotipos homosexuales de la época.
Es pariente lejano de los Atraides, por eso en la película vemos como llama primo a Leto. Sin embargo, esto no fueron motivos para evitar que exterminara a esta Casa después de aliarse con el Emperador Shadam Corrino IV en la conocida como la revuelta de Arrakis.
Feyd-Rautha
Personaje que veremos por primera vez en Dune Parte 2, interpretado por Austin Butler, aunque pudimos verlo en la obra de Lynch interpretado por el mítico cantante Sting.
Fey es el hermano menor de Rabban y sobrino del barón Harkonnen, siendo su preferido como heredero. He preferido mostrar la imagen del actor por si alguien prefiere no conocer su aspecto en la película.
Glossu «La Bestia» Rabban
El mayor de los hermanos Rabban, es famoso en todo el Imperio por su crueldad, a diferencia de la astucia de su hermano Feyd. Fue tomado bajo la protección de su tío, el barón Harkonnen como uno de sus potenciales herederos, aunque rápidamente vio que era más eficaz por su salvajismo. Durante su estancia en Arrakis durante el mandato de su tío, persiguió y explotó a los Fremen con crueldad.
Los Fremen
Habitantes nativos del planeta Arrakis. Viven en el desierto (Herbert se inspiró claramente en los bereberes del desierto del Sahara para su creación) y se han adaptado totalmente al medio desértico, llegando a ser letales en este entorno. Viven en sietch, que son complejos asentamientos excavados en las zonas rocosas del desierto, ya que la arena es territorio de los gusanos de arena gigantes.
Los Fremen llaman a los gusanos de arena «shay-hulud» que en árabe significa «cosa inmortal». También son llamados de muchos otros modos, como «hacedores». Los Fremen no usan escudos corporales debido a que sus vibraciones atraen de manera agresiva a los gusanos del desierto.
Debido al escases de agua en Arrakis, los Fremen tienen toda una cultura a su alrededor, siendo un bien altamente preciado. En primer lugar tenemos los destiltrajes que pudimos ver en la película. Estos trajes les ayudan a conservar y reciclar el agua que produce el mismo cuerpo como el sudor, heces y orina. Además, el uso del agua de sus cuerpos es significativo, por lo que llorar o escupir es bastante raro. Cuando Stilgar se encuentra con los Atreides vemos como escupió en el suelo para mostrar respeto.
En la batalla pocos rivales tienen los Fremen, sobre todo en el desierto. Todos los miembros de los sieth son entrenados duramente desde que son niños y moldeados para sobrevivir como grupo en un medio extremo. Además, el jefe de la tribu puede ser retado por otro del sieth y ocupar su lugar lo vence. Otro puesto importante en el sietch es la Sayyadina, una sacerdotisa que sirve como líder espiritual y religioso.
Entre sus posesiones más emblemáticas tenemos el cuchillo Crys, como el que muestra la Fremen Mapes a Jessica en la película. La hoja de estas armas están hechas por dientes de los Gusanos de arena de Arrakis, y se suponen que tienen misteriosas propiedades físicas y mágicas.
Otra de sus grandes posesiones es la famosa melange, a la que dan multitud de usos. Esto les da sus característicos ojos completamente azules. Hay mucho más de lo que podríamos hablar, pero estoy seguro que los Fremen tendrán gran protagonismo en Dune Parte II, por lo que prefiero que lo veáis en la película.
Stilgar
Interpretado por el español Javier Bardem, Stilgar es el naib (líder) del Sieth Tabr, y uno de los miembros Fremen más respetados de Arrakis.
Con la llegada de los Atreides, se hizo amigo del Maestro de Armas Atreides Duncan Idaho y como vemos en la película llego a reunirse con Leto y sus demás aliados para negociar el futuro de las relaciones Fremen y Atreides. Una vez que los Atreides fueron atacados por los Harkonnen, Jessica y Paul lograron encontrar refugio por Stilgar y su tribu.
Chani
Joven Fremen perteneciente al Sietch Tabr liderado por Stilgar. Interpretada por Zendaya en la película de Villeneuve, es una miembro respetada de la tribu que tendrá un papel importante en Dune Parte 2. Por otro lado, recordemos que aparece las visiones que tiene Paul Atreides durante sus sueños.
Liet Kynes
Uno de los personas más interesantes de la obra, pero al igual que con Chani prefiero no desvelar demasiado, esperando que sepamos más sobre su pasado en la segunda parte. Es la planetóloga (aunque en la obra original es un hombre) y ecologista imperial en Arrakis.
Con la llegada de los Atreides a Arrakis toma el papel de árbitra de la sucesión en el cambio de feudo con los Harkonnen. En Dune parte 1 vemos como muere después de que sea capturado por los Harkonnen al servir como cómplice de los Atreides.
Hasta aquí la guía avanzada para preparar la película Dune Parte II. Si te interesa que siga haciendo más artículos sobre la obra, no olvides comentarlo y compartir el artículo.
Bienvenidos un sábado domingo más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos La mazmorra integral 6. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
La mazmorra integral 6, el crepúsculo de la mazmorra
¿Último tomo de la mazmorra integral? Al menos por el momento lo es. La mazmorra es una serie de tomos de europeos muy ambiciosos, pero muy ambiciosos por su longitud. Esta obra fue creada por Joann Sfar y Lewis Trondheim en los años 90. Y es que la La Mazmorra se dividió en tres grandes sagas o tres grandes periplos como fueron Amanecer, Zenit y en Crepúsculo, para ser un total de 100 tomos. Y bueno, no se llegó a los 100 tomos, pero se quedó una saga redonda y muy recomendada.
También me gustaría aclarar que además de estas grandes sagas, tenemos los cómics de Monstruos y los de Festival, que complementan las historias principales. Realmente Monstruos es un apéndice de donde lo leas, ya sean de Amanecer o Crepúsculo que son donde recuerdo haberlas leído.
Sin embargo, las historias de Festival, las que se reúnen en este tomo «final», son historias míticas de los personajes icónicos Herbert y Marvin (Y Jacinto/Guardian) en su plenitud, o sea en Zenit, cuando el mundo era bonito y maravilloso antes del Crepúsculo. Por tanto este tomo se lee entre el capítulo 1 y el 2 de Zenit ya que todavía Marvin llevaba el cráneo en la cabeza.
Me gustaría recordar que Marvin es el único personaje que sale en los tres períodos, ya que en Amanecer comparte protagonismo con su madre, en un capítulo muy especial cuando conocen a Jacinto. Marvin es sin duda mi personaje favorito de esta epopeya.
Pero no nos pongamos tristes todavía ya que aunque la historia podría terminar con este tomo 6, con las historias de Festival, parece que Joann Sfar y Lewis Trondheim han vuelto a retomar la historia de La mazmorra y parece que de nuevo están produciendo nuevos álbumes. ¿Habrá un séptimo integral?
¿Y que decir de este tomo? Lo primero que tengo que decir es que es un «regalo». La historia de La mazmorra termina en el tomo 5. Y sin hacer spoilers, todos los que habéis leído el álbum sabéis que no hay más continuidad. Acaba en el tomo 5. Y este tomo «final», este tomo que estamos tratando aquí, es un recuerdo de aquellos tiempos mejores en los que podemos ver a nuestros protagonistas, a todos juntos en el Zenit por última vez. Y creedme cuando os digo que he saboreado este regalo con mucha ilusión. Es como ver de nuevo a todos los amigos juntos, a todos esos personajes con los que te has ido criando durante muchos años. Gracias por este tomo final.
Yo pienso que la serie de La Mazmorra es una de las mejores del cómic europeo. Y creo que se merece mis elogios, aunque también tengo que ser sincero diciendo que este tomo que engloba las historia de Festival quizás pueda bajar ligeramente el nivel de los anteriores. Al fin y al cabo hablamos de unas historias con capítulos más cortos, menos densos y creados para los fans. Festival está creado como el último bastión de una gran historia, con muchos capítulos pero que se quedó corta de los 100 estimados inicialmente.
No sólo recomiendo el tomo 6 de La Mazmorra, recomiendo toda la serie.
CONCLUYE (DE MOMENTO) LA COLECCIÓN INTEGRAL DE LA ICÓNICA SAGA DE SFAR Y TRONDHEIM
Una edición definitiva que reúne la serie que marcó un hito en la historia del cómic francobelga. Una colección integral, supervisada por los propios autores, que invita a recrearse en uno de los clásicos más actuales de la historieta europea. Este tomo agrupa cinco álbumes del ciclo La Mazmorra: Festival, que relatan las peripecias de Herbert y Martin al servicio de La Mazmorra. En esta ocasión, Sfar y Trondheim se asocian con el dibujante Manu Larcenet (Los combates cotidianos, El informe de Brodeck) para enseñarnos la cara más hilarante de La Mazmorra.
Este sexto volumen concluye la publicación de la etapa clásica de La Mazmorra y supone un parón temporal en nuestra colección integral, que retomaremos más adelante con la recopilación de los nuevos álbumes que se están publicando actualmente en Francia.
Ya que el inicio es un momento muy delicado, entremos en harina rápidamente. Sí, querido lector, Dune Parte 2 es una gran película y un verdadero triunfo del cine de ciencia ficción.
Creo que esto debe quedar claro desde el primer momento porque el filme que nos trae el tandem formado por Dennis Villeneuve, John Spaiths, Hans Zimmer y Greig Fraser, -junto a un tremendo reparto- tiene una escala tan épica, una cinematografía tan apabullante y una narrativa tan bien trabajada, que para analizarlo correctamente hay que partir de la base de que es de visionado obligatorio. Si te gusta el séptimo arte, más allá de la ciencia ficción, está película es una cita ineludible.
REGRESO A ARRAKIS
Dune Parte 2 retoma la acción inmediatamente tras su predecesora, con un Paul Atreides en busca de venganza contra los Harkonnen por el genocidio de su padre y los miembros de su casa.
Bendecido con poderes prescientes, Paul tendrá que navegar una fina linea entre su deseo por ayudar al oprimido pueblo Fremen, cada vez más radicalizado en su creencia de que Paul es su mesías, y su misión de recuperar su linaje, encabezar el imperio, y salvaguardar a sus seres queridos.
Un tortuoso camino que pese a sus buenas intenciones puede desatar una catastrofe apocalíptica para el universo conocido.
John Spaiths, guionista de la primera parte y cintas como Doctor Strange o la descartada versión original de Prometheus, consigue algo extraordinario con su libreto: No sólo logra matizar la trama y redondear los personajes de Herbert, sino transmitir la idea principal del escritor perfectamente: una advertencia contra las figuras mesiánicas, los errores de un hombre pueden traer la tragedia a un pueblo, los de un superhombre al mundo entero.
Los puristas lamentarán los cambios con la novela, siendo la gran mayoría necesarios y estando tan bien elegidos que el espíritu original -así como las escenas más icónicas- siguen presentes en un filme con un montaje y ritmo exquisitos. Casi tres horas que dejarán a muchos con ganas de más. Una verdadera hazaña.
UN ELENCO ESTELAR CON LUCES Y SOMBRAS
Por supuesto, no todo es de color de rosa. Algunos personajes como el de Chani o la Lady Jessica han sufrido ciertos cambios en el papel que desempeñan, algo que aporta complejidad a la trama pero que hace chirríar ciertos aspectos del argumento.
Notable la ausencia de la pequeña Alia Atreides, que permanece dentro del viente materno, en un claro homenaje a 2001: una Odisea del Espacio. Un cambio lógico pero que nos ha robado uno de los personajes más únicos de la historia de Dune, una niña de 3 años con personalidad adulta.
Otros, como el Stilgar de Javier Bardem -que hace dupla como alivio comico y fervoroso creyente- se han hecho más ricos y menos un simple attrezo para lucimiento de los protagonistas principales. Las nuevas incorporaciones como el Emperador Padissha de Christopher Walken y su hija, la princesa Irulan de Florence Pugh, cumplen con buena nota pero adolecen de su breve paso por una película tan coral.
Cameos como el de Leah Seydoux o Anya Taylor Joy son una verdadera y deliciosa sorpresa.
Finalmente cabe destacar el Paul Atreides de Timothee Chalamet, cuyo cambio de registro a partir de cierto punto de la trama es testimonio del porque es uno de los mejores actores de su generación.
Chalamet nos vende perfectamente el personaje de un protagonista trágico, alguien que quiere hacer el bien pero al que su poder y circunstancias le conducen a renunciar al amor y convertirse en un monstruo necesario para luchar contra el mal absoluto.
Como contrapunto, el Feyd Rautha Harkonnen de Austin Butler. Un rival muy a la altura y exquisitamente construido teniendo en cuenta su breve tiempo en pantalla.
Los Harkonnen están excelentes, tanto el Barón de Stellan Skarsgard como el Rabban de Dave Bautista, pero Butler imprime a Rautha de un sadismo que contrasta tanto con su impresionante aspecto físico que es capaz de hacer al personaje repulsivo y atractivo al mismo tiempo. Una versión oscura y psicótica de Paul Atreides que se come la pantalla.
UN ESPECTACULO SIN PARANGÓN
He querido dejar el aspecto audiovisual para el último momento, porque lo cierto es que aunque la narrativa y actuaciones son estelares, estamos ante un espectáculo visual tan arrollador que merecerá por si sólo el precio de admisión.
He de poner de manifiesto mi admiración por el director de fotografía de esta película, Greg Fraiser, que hace de la visión de Villeneuve todo un poema visual.
Más allá de la exquisita puesta en escena, el atrezzo y unos efectos especiales de altísima calidad, la cinematografía brilla con luz propia.
Unos primeros planos que realzan a los actores al máximo, unas panorámicas que hacen honor a aquello de cada fotograma es un cuadro, los impresionantes paisajes de Arrakis toman vida gracias a una fotografía sobresaliente. Más allá de eso, la sensación de escala de esta película es apabullante.
Dune Parte 2 no es una película de acción. Aún con todo, las tres escenas de combate del filme: El ataque a una esquilmadora de Especia, la batalla gladiatorial en el Giedi Prime de los Harkonnen y la batalla final de la película, no sólo son una auténtica clase magistral sobre como coreografíar, fotografiar, y rodar una secuencia de acción, son tan impresionantes que se quedan fijadas en la retina y dejan auténtico poso.
No me cabe la menor duda de que en particular la escena del eclipse en blanco y negro del planeta Harkonnen quedará en la memoria de todo aquel que vea la cinta como una de las partes más memorables.
En lo sonoro, Zimmer continúa con el fundamento de la primera parte, pero apostando por un tono más solemne y melodías más ambientales.
A diferencia de en la primera Dune, tambores, coros, y explosiones orquestales se reservan para los grandes momentos, algo que hace que la BSO brille más, imprimiendo a las escenas más icónicas de gran fuerza emotiva.
En conclusión, Dune Parte 2 completa y supera ampliamente la primera parte. Si Dune gateaba, Dune Parte 2 echa directamente a correr. Más allá de puntuales quejas en materia de desarrollo de personajes o fidelidad a la novela original, estamos ante un filme prácticamente impecable que destila calidad, cariño y esfuerzo de parte de todas las partes implicadas.
Un auténtico Blockbuster de autor que catapulta a Villeneuve y su equipo hasta el cielo de la Ciencia Ficción. Una película que hay que ver en cine y en la pantalla más grande que puedas encontrar. Una de las mejores películas de la Ciencia Ficción de todos los tiempos.
Bienvenidos a los análisis de Shogun, serie destinada a figurar en las listas de lo mejor del año. El canal FX (y Disney+) han conseguido lo que muchos llevaban años buscando: la sucesora de Juego de tronos, en espíritu y en planteamiento. Esta semana tenemos dos episodios (de verdad, odio esto de los dos episodios la primera semana porque me supone más trabajo) así que vamos al lío con el primero.
Una advertencia: esto pretende ser un análisis, un complemento de la serie. En ningún caso pretende sustituir su visionado pero es inevitable hacer un resumen para ponernos en situación. Espero no hacerme pesado. Ahora si, al lío.
Anjin
Anjin es como se dice en japonés «piloto» y cuenta la llegada a Japón de John Blackthorne (Cosmo Jarvis), piloto inglés del Erasmus, un barco holandés que ha cruzado el Estrecho de Magallanes para encontrar la ruta secreta a Japón. Estamos en el año 1600 y este primer episodio nos servirá para presentarnos los personajes principales de Shoguny la situación en la que se hallan.
El Erasmus, o más bien lo que queda de él, llega a las costas de Japón cerca de Ajiro, un pequeño pueblo pesquero cuyo señor feudal, Kashigi Yabushige (Tadanobu Asano) es a su vez vasallo de Lord Yoshi Toranaga (Hiroyuki Sanada) en un momento crucial.
Yoshi Toranaga está «invitado a la fuerza» en el castillo de Osaka. Toranaga es uno de los cinco regentes de Japón que cuidan del heredero del Taiko, fallecido el año anterior. A su muerte, el Taiko estableció la regencia como un equilibrio de fuerzas que garantizase el poder a su heredero y ahora parece que eso va a romperse. A su vez y para ganar tiempo, Toranaga ha «invitado» a su castillo en Edo, en su feudo de Kanto, a la madre del heredero, con la excusa de ayudar a su nuera en el parto, ya que ambas son hermanas.
Toranaga sabe de la llegada de Blackthorne por un espía en el pueblo de pescadores y envía a su segundo, Tora Hiromatsu (Toshi Toda) a Ajiro. Si bien en un principio pensamos que su objetivo son los 20 cañones y las 500 armas que lleva el Erasmus, más adelante descubriremos que se trata de algo más complejo.
Tras llegar a Ajiro, Adashi ordenará que Blackthorne sea llevado a Osaka. En el camino, Blackthorne conocerá a Vasco Rodríguez (Nestor Carbonell), un piloto español que trabaja para los portugueses y que le irá poniendo al tanto de dónde se ha metido. Tras un fuerte oleaje, Rodríguez cae al agua y Blackthorne pilota el barco que los transportaba.
Al llegar a tierra y pese las diferencias en su fe, Blackthorne insistirá en buscar a Rodríguez. Al encontrarlo al pie de un acantilado, desafía a Yabushige a que sea él quien baje a por Rodríguez. Es este un punto de inflexión en la serie porque es aquí, al ver que Yabu está dispuesto a matarse por no poder salvar a Rodríguez, cuando Blackthorne se da cuenta de que está ante una nueva cultura y empieza a respetar, aunque sea un poco, a los japoneses.
El episodio termina con la llegada de John Blackthorne a Osaka y con la advertencia de Rodríguez de que ha encontrado sus notas acerca de su verdadera misión y de que piensa entregárselas a los portugueses.
Bienvenidos al nuevo Juego de tronos
Hay quien dice que no, que Shogunes muy similar pero no es el nuevo Juego de tronos. Puede ser pero esta muy, muy cerca de serlo. De hecho es la serie que más se acerca a la obra de George R .R. Martin desde que dicha serie finalizó.
La producción de Shogunes espectacular. Ambientación, vestuario, recreación de lugares,… todo esta hecho con tal detalle, con tanto mimo, que parece que te han trasladado a un nuevo mundo, llámese Japón o Poniente.
A eso se suma que más que una serie de acción, Shogunes una serie donde priman las intrigas palaciegas, las alianzas entre rivales, los personajes fascinantes, traicioneros y honorables, la religión, la economía y todos los elementos que hicieron de la obra de HBOun éxito.
Sin embargo, Shogunno es puramente ficción. La serie se basa en la novela del mismo título escrita por James Clavell y que ya fue llevada a la televisión en la década de 1980 por el propio autor. A su vez, lo que hizo Clavell fue novelizar un periodo histórico determinado, modificando personajes y adaptando los hechos al relato, que no es lo mismo llamarse William Adams que John Blackthorne, que mola más.
Aquí no entraremos en si esta nueva versión es o no fiel a la novela, principalmente porque no la hemos leído. Tampoco la compararemos con la serie anterior, que si vimos pero de la que no nos acordamos. Aquí intentaremos complementar lo que nos cuenta la serie y añadiremos algunas explicaciones.
Al igual que en Juego de tronos, en Shogunno faltan los detalles y escenas escabrosas. En este primer episodio tenemos claros ejemplos, desde el tajo que le meten sin avisar a un católico que se encara con Blackthorne a la escena del colega del piloto al que meten en una tinaja de agua hirviendo, pasándose toda la noche gritando y agonizando de dolor.
Mas sutil pero igual de impactante es todo lo que rodea a la escena del seppuku, el ritual de suicidio que conocemos también como harakiri, protagonizada por un samurái al servicio de Lord Toranaga tras ofender al Consejo de Regentes. El tipo decide no sólo acabar con su vida sino con todo su linaje, no sea cosa que su hijo de pocos meses crezca y se avergüence de su padre. No vemos la escena pero te deja un regusto amargo saber que va a matarse a si mismo y a su hijo.
Protestantes vs. Católicos
Creo que a los no iniciados como yo, nos llama mucho la atención la importancia de la religión en toda la trama, protagonista indiscutible en ese Japón feudal que parece otro mundo. Es curioso porque George R. R. Martin, en los libros de Canción de Hielo y Fuego, también introduce el elemento religioso pero la hace a partir del quinto libro, pasando de ella en los anteriores. Eso lleva a que parezca que la ha metido con calzador, como si no supiese que hacer y decide que, de pronto, la religión tiene importancia. Pero eso de que Martin no sabe que hacer lo dejaremos para otro post.
El caso es que, históricamente, la religión católica llega a Japón sobre el 1549 de mano de jesuitas portugueses. Unos 50 años después es cuando empieza la historia de Shoguny nos encontramos con que son muchos los japoneses que han abrazado el catolicismo. Como esto no es un tratado de historia, no nos meteremos en detalles, aunque lo he intentado.
No soy un experto y he investigado por ahí, encontrando detalles que no me cuadran. Por ejemplo, según se cuenta en Wikipedia (y vete a saber si es verdad) en 1587, Toyotomi Hideyoshi promulgó en 1587 el primer edicto de prohibición del cristianismo en Japón y expulsión de los misioneros jesuitas. Hideyoshi es en quién está basado el personaje del Taiko que veremos al principio del siguiente episodio, por lo que este hecho no cuadra con la presencia de jesuitas comerciando en Osaka.
A decir verdad, parece que la novela de James Clavell, por muy apasionante que fuera, se toma varias licencias. A los más puristas les sangrarán los ojos pero a mi me da lo mismo. Me importa un rábano si lo que se nos muestra en la serie es fiel a los hechos históricos. Aquí estamos para disfrutar de una serie que es muy buena, no de un documental de La 2. Así que vamos a pasar de intentar cuadrar ficción y realidad más allá de lo estrictamente necesario.
Toranaga vs. Blackthorne
Volviendo a lo que es la serie en si, el listado de personajes que aparecen, estén basados o no en personajes reales, resulta apasionante. El mejor, sin duda, es el verdadero protagonista, Lord Yoshi Toranaga, interpretado por un Hiroyuki Sanada que se come al resto del reparto cada vez que aparece. Toranaga es un tipo listo, calculador, con su dosis justa de honor, el que mueve los hilos de toda la trama y que contempla al resto de regentes como una panda de burócratas. Un tipo fuerte que no duda en dejar que sus subordinados se hagan seppuku pero que es capaz de perdonarle la vida a su mujer.
En frente tenemos a John Blackthorne, un tipo que cae mal desde el principio, interpretado por el mayor error de casting de toda la serie, Cosmo Jarvis, un Andrew Lincoln de Hacendado. Sus líneas de diálogo en los primeros minutos de la serie son lamentables y su evolución de piloto holandés protestante a admirador de la cultura japonesa cuesta creerla. Sin embargo no podemos prescindir de él. John Blackthorne somos nosotros, los espectadores extraños en tierra japonesa. Es él quien nos guiará en nuestro viaje al shogunato.
A destacar en este primer episodio el personaje de Kashigi Yabushige (Tadanobu Asano), un tipo tirando a brutote que parece traicionero como una víbora pero que tiene su toque de nobleza. Si le dejan, traicionará a Toranaga y a su madre para salvar su pellejo y tiene una relación especial con uno de los regentes que se muestra en el siguiente episodio. Yabushine es uno de los personajes más carismáticos de todo el reparto.
En fin, que hasta aquí llegamos. Este post se ha hecho más largo de lo que a mi me gusta pero es lo que me pasa cuando me apasiona una serie y Shogunes apasionante. Visualmente es espectacular, la historia te engancha como pocas (aunque es fácil perderse con tanto personaje y encima con nombres japoneses) y a medida que avanza te das cuenta de que quieres más. Van a ser diez episodios que se nos van a hacer cortos.
Seguro que me dejo algo en el tintero pero para eso están los comentarios. Nos leemos en el siguiente episodio. Un saludo, sed felices.
El remake/reboot de ‘The Crow’ (El Cuervo) era (desde que se anunció) una de esas reinterpretaciones innecesarias de las que se sospecha que no podrán mejorar a la original. Este año se cumple el treinta aniversario del estreno de la entrega protagonizada por Brandon Lee y lo han querido “celebrar” con este reinicio de la mano de Rupert Sanders y Bill Skarsgard.
Hasta el día 28 de febrero no se sabía nada de esta nueva entrega de ‘The Crow’ (El Cuervo), fue entonces cuando Vanity Fair nos trajo un primer vistazo a tres imágenes de la cinta. Internet se convirtió en un hervidero de comentarios y reacciones negativas, supongo que no eran las que esperaban los involucrados en este proyecto.
Eric Draven tiene un aspecto muy de su época y fue muy bien implementado en la película dirigida por Alex Proyas en 1994, aquí ha decidido (erróneamente) ‘actualizar’ el look de rockero al del joker de Jared Leto después de una mala noche en el Asilo Arkham o alguien que vende sustancias ilegales en un polígono.
Hay decenas de aspectos diferentes de quienes han portado el manto de ‘El Cuervo’ en la gran pantalla, desde Vincent Pérez, a Eric Mabius pasando por Edward Furlong, pero todo tenían algo en común: No eran Eric Draven.
‘El Cuervo’ original de James O’Barr es un icono de la industria comiquera y del cine gracias a su aspecto y al excelente trabajo de Brandon Lee al entregarnos una interpretación. Tratar de honrar eso en su aniversario con algo este experimento visual podría ser considerado delito. Con esto se me viene a la cabeza aquella aberración que vimos en el primer teaser del ‘live action’ de ‘Sonic’. La productora tuvo que rehacer el diseño cuando todo Internet convirtió en meme al erizo de SEGA. Estamos ante algo parecido.
Sé que las comparaciones son odiosas, pero cuando tienes a un personaje de este calado con un Brandon Lee excelso dándole vida, Bill Skarsgard tiene las de perder, no por su calidad interpretativa, sino por el aspecto que le han dado su Eric Draven.
‘The Crow’ (El Cuervo) de 1994 no necesitaba este remake/reboot ya que nos encontramos ante una cinta que ha envejecido bastante bien, teniendo en cuenta que nos encontramos ante una cinta de bajo presupuesto en la que algunos efectos especiales no son buenos (seamos sinceros).
Aprovechando su salida este año en Bluray 4K, hubiese sido mejor opción rehacer dichos efectos especiales para modernizarlos y listo.
Sinceramente, no tenía hype alguno por ver la propuesta de Rupert Sanders y las imágenes de Vanity Fair han terminado de quitarme las ganas de ir al cine a verla. Ojalá vea un tráiler que me las devuelva, pero tengo mis dudas sobre eso.
Muy buenas. Otro mes más que volvemos con nuevas series, películas y documentales a Prime Video España. Estas son las novedades y estrenos que podrás ver en marzo de 2024 en la plataforma de streaming. Sin más dilación nos ponemos al lío.
Platos fuertes del mes.
Regresa Invencible con la segunda parte de la segunda temporada. Un comienzo algo flojo que fue ganando conforme fue avanzando la trama, dándonos grandísimos combates hacia el final de esta primera mitad de temporada. También tenemos en cine el estreno de Road House: De profesión Duro. Jake Gyllenhaal en el papel protagonista, y Connor McGregor como villano en esta película en la que no lo acabo de ver claro por mucho Gyllenhaal que esté. Otros estrenos que merecen la pena reseñar son Hypnotic con Robert Rodriguez dirigiendo a Ben Affleck en una película que se queda a medio gas pero que recomiendo aun así. Y acabamos con Remando como un solo hombre, dirigida por George Clooney en la que tendremos el típico drama deportivo americano que no sale de los estándares.
Series.
8 de marzo
Morangos com Açúcar
14 de marzo
Invencible (Temporada 2, segunda parte)
Pues nada, a disfrutar de hostias como panes y sangre a tutiplén. La vida.
28 de marzo
Hope on the street
Películas.
1 de marzo
Jaque mate
7 de marzo
Ricky Stanicky
Esta película es de Peter Farrelly.
Durante 25 años tres amigos de la infancia se han inventado a un amigo imaginario para salirse con la suya siempre que lo necesiten. Cuando ya son adultos y la mentira de su amigo imaginario se ve comprometida, el trío es forzado a contratar a un actor para convencer a sus esposas de que Ricky Stanicky es una persona real.
Decidido a encontrar a su hija desaparecida, el detective Danny Rourke (Ben Affleck) se ve inmerso en un laberinto mientras investiga una serie de asaltos a bancos que desafían la realidad y que le harán cuestionarse sobre todo y todos los que le rodean. Con la ayuda de Diana Cruz, una vidente superdotada, Rourke persigue y, al mismo tiempo, es perseguido por un espectro letal, el único hombre que él cree que tiene la clave para encontrar a su hija. Pero acabará descubriendo mucho más de lo que esperaba.
Dalton (Jake Gyllenhaal) es un ex luchador de la UFC en horas bajas que acepta un trabajo como portero en un bar de carretera de los Cayos de Florida… Remake de la película de 1989 ‘Road House’ sobre un portero de un bar con Patrick Swayze.
Una historia ambientada en la década de 1930 centrada en el equipo de remo de la Universidad de Washington, desde sus comienzos en la era de la Depresión hasta ganar el oro en los Juegos Olímpicos de Berlín de 1936. (FILMAFFINITY)
Después de una larga y ansiosa espera, se ha estrenado finalmente The Walking Dead: The Ones who live, el spin-off de la franquicia que continúa la historia de Rick y Michonne, a quienes habíamos prácticamente dejado en la novena temporada de la serie principal más allá de algún que otro vistazo posterior. Creada por los propios Andrew Lincoln y Danai Gurira junto a Scott M. Gimple, la serie puede ser vista en AMC+.
Hola, caminantes del apocalipsis. Bienvenidos a analizar un nuevo spin-off de The Walking Dead, quizás el más esperado, ya que si bien los dos anteriores habían retomado historias que queríamos seguir viendo, como las de Maggie, Negan y Daryl, The Walking Dead: The Ones who live lo hace con el personaje que es prácticamente rostro de la franquicia y nos referimos, claro, a Rick Grimes, interpretado por Andrew Lincoln.
Y con él debía, obviamente, volver Michonne (Danai Gurira), más allá de que sus caminos se hubiesen últimamente separado y hasta con presunciones de muerte que fueron evaporándose con algunos indicios y destellos en las temporadas finales de la serie principal o bien en otras de la franquicia, como el caso de The Walking Dead: World Beyond, que cada vez asume mayor importancia como puente para el desarrollo de los acontecimientos.
Recordemos que la idea era, en un principio, continuar y cerrar la historia de Rick y Michonne a través de una película, pero finalmente ese proyecto decantó en miniserie o tal vez serie, pues hay rumores de posible segunda temporada y es por eso que hemos preferido abrir el paraguas e incluir “temporada 1” en el título de este artículo.
Pasemos a ver qué nos ha traído este primer episodio, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni de recordar que pueden, en los siguientes links, leer nuestros análisis de las otras series de la franquicia…
El episodio comienza con Rick en una habitación: solo, devastado y a punto de hundirse un vidrio en el cuello mientras la televisión muestra imágenes de la destrucción de Omaha. Sí, hay televisión: está claro que esto no es Alexandria ni ninguna de las comunidades que hemos conocido, sino una unidad política mucho más organizada que es, por supuesto, la República Cívica.
Si hemos visto The Walking Dead: World Beyond, sabemos a la perfección que esa destrucción que las imágenes muestran y de la cual, según se dice, se desconocen los autores, fue en realidad perpetrada por la MCR, brazo armado de la República Cívica y unidad de la cual hemos tenido noticias en la mencionada serie y algunos atisbos en la principal.
¿Y qué ha ocurrido durante estos cinco años desde la voladura del puente y el episodio del helicóptero? Pues Rick ha sido justamente acogido por la República Cívica, pero no como un ciudadano de pleno derecho, ya que eso es algo que se gana: quienes llegan allí en condición de rescatados purgan seis años trabajando en la energía, los cultivos, el tratamiento de residuos o, como Rick, en condición de consignatarios y limpiando las cercanías de la ciudad de caminantes (delts en la jerga local). Algo así como barrenderos…
Por un Mundo Mejor
La Ciudad Secreta, en donde se hallan, luce como Filadelfia y en su centro, lejos de las murallas y disfrutando de todas las comodidades, viven quienes manejan el gobierno o bien han superado sus seis años en el llano. Tal es el caso de Esteban García (Frankie Quiñones), amigo de Rick que está feliz de pasar al sector administrativo donde, según dice, tendrá ahora aire acondicionado…
Pero si conocemos algo a Rick después de tantas temporadas de TWD, sabemos que eso no es para él. No le interesa superar ninguna prueba ni escalar posiciones, pues lo suyo, sus seres queridos, están afuera.
Es ello lo que le motiva a escapar y nos enteramos, de hecho, que en cinco años lo ha intentado cuatro veces, aunque solo vemos la última y más cruda, en la que se corta una mano para liberarse: un momento que viene a actualizar a la franquicia televisiva en su correspondencia con los cómics originales. De todas formas, es recapturado, así que ha sido la pérdida de miembro más inútil desde Scary Movie 4, cuando alguien equivocadamente cortaba el pie que no tenía encadenado.
Lo curioso del caso es que, en lugar de ser encarcelado o tan siquiera sancionado, Rick es por el contrario, perdonado gracias a un militar llamado Donald Okafor (Craig Tate), quien ha intercedido ante el general Beale (Terry O´Quinn) y les ha cubierto tanto a él como a una consignataria llamada Pearl Thorne (Lesley-Ann Brandt), aun a pesar de que esta última haya intentado matarlo.
Lo que Okafor argumenta es que los consignatarios están divididos en individuos A y B. Mientras los segundos demuestran simplemente aptitud para convertirse en ciudadanos comunes, los primeros presentan características de líderes y esos son justamente los que le interesan, siéndole incluso útil su rebeldía.
Sin embargo, a medida que, de manera algo críptica, expone su plan, la sensación es que no trabaja exactamente para la MCR sino que se mueve por su cuenta o es parte de alguna unidad facciosa surgida en el interior en la misma: dice luchar por un “mundo mejor”, uno sin la MCR y en el que Rick desempeñaría un rol esencial.
Pero a Rick no le interesa ser líder y solo piensa en Michonne. De hecho, buena parte de lo ocurrido en los años previos nos llega a partir de la lectura en off que hace de las cartas que le escribe, las cuales, bien lo sabe y así lo dice, nunca le llegarán.
No solo eso: también se la encuentra en sueños en un mundo claramente preapocalíptico y presuntamente mirando hacia el río Hudson desde algún parque de New Jersey. En esos sueños, Michonne le oficia como una especie de Pepe Grillo para su conciencia y le aconseja no desperdiciar la posibilidad que le ofrecen, ya que puede ser también la chance de abrirse camino y escapar para, obviamente, reencontrarse con ella.
Un Reencuentro Esperado
No es que la MCR no desconfíe de Okafor. En un encuentro en el parque de la Ciudad Secreta, el general Beale, interesado en sus actividades o planes, le pregunta a Rick al respecto, pero este no le suelta palabra. Ojo: tampoco es que Okafor sea Caperucita Roja. Sabiendo de la existencia de Michonne y de Judith por las cartas de Rick, utiliza ese conocimiento como extorsión para mantenerlo de su lado, lo cual motiva que reciba de este una golpiza bien merecida que, sin embargo, parece aceptar con bastante resignación.
Valiéndose de su amistad con Esteban para obtener información sobre los túneles que corren por debajo de la ciudad, Rick intenta un nuevo escape pero, una vez más, sin suerte. Y no es que esta vez lo atrapen, sino que cuando está a punto de desaparecer por una alcantarilla, ve entre los caminantes a una niña y vuelve para salvarla.
De allí a la habitación, en donde lo vemos destruir todas las cartas a Michonne y después mirar la destrucción de Omaha por televisión mientras se cruza por su cabeza un suicidio que finalmente no concretará (tanto al principio como al final del episodio aparece un mensaje diciendo adónde dirigirse para pedir ayuda en esas situaciones).
Y así caemos en lo que se nos anuncia como “el presente”, lo cual significa que cuanto hasta aquí hemos visto ha sido un gran flashback con otros flashbacks adentro. Vemos a Rick y Okafor viajar en helicóptero hasta que un aparente disparo de artillería termina con la vida del segundo: vaya que le hemos conocido poco.
Ya con la máquina en el suelo, alguien de aspecto algo samurái acaba con los sobrevivientes y está a punto de hacer lo mismo con Rick cuando se detiene y, al quitarse el yelmo, resulta ser Michonne…
Balance del Episodio
Varias cosas para decir… En primer lugar y como no podía ser de otra forma, este primer capítulo se ve muy introductorio y a la vez retrospectivo. Es lógico porque en cinco años no hemos sabido nada (o casi nada) de Rick.
Como consecuencia, se advierte cierta sobrecarga al querer contar demasiado en poco tiempo, pero quizás no se pueda hacer algo diferente considerando que la miniserie (o serie, ya veremos) tiene solo seis episodios. Una lástima que no sean más, lo que podría ayudar a desarrollar mejor toda esa historia faltante pero, buscándole el lado positivo, podemos alegrarnos de que esto no haya sido una película, como inicialmente se proyectaba.
Por otra parte y después de tanto spin-off, pareciéramos con esta serie alcanzar un punto de inflexión en que las tramas separadas comienzan a unirse. Cada vez está más claro, por ejemplo, que The Walking Dead: World Beyond, que parecía una cenicienta dentro de la franquicia, va tomando sentido en relación con las demás. No solo fue allí donde nos contaron que el virus había nacido en Francia (lo cual ensambla con The Walking Dead: Daryl Dixon), sino donde también se nos introdujo al funcionamiento de la CRM y a la destrucción de Omaha.
Es por eso que si bien está claro que TWD The Ones who live es, como se prevía, “la serie de Rick y Michonne” (al punto que Lincoln y Gurira aparecen junto a Scott M. Gimple como showrunners e incluso coescribiendo este episodio), no parece pretender ser la temporada 12 de la serie principal ni tan siquiera una temporada 10 alternativa, sino la miniserie (o serie) que empieza a unir todo. Y se me ocurre que a partir de ahora (quizás con la excepción de Tales of the Walking Dead) las series irán saliendo de su fragmentación para empezar a consolidarse más como único universo.
Por otra parte, este episodio inicial ha introducido dos o tres personajes interesantes, aunque es una pena que a uno no lo vayamos a ver más. No se ve el sentido de habernos presentado con un rol tan central a Okafor, pues no nos han dado tiempo de conocerlo lo suficiente, ni de saber cuál era su plan concreto o qué tipo de relación o identificación lo unía con Rick.
Espero que, en cambio, tengamos bastante más de Thorne, quien tiene una historia por demás interesante, habiendo hecho su experiencia como miembro de la Armada Sudafricana, pero quedando varada en Estados Unidos tras un descanso en Las Vegas al momento justo de sobrevenir el apocalipsis. Intentó volver en barco, pero las cosas no salieron bien y terminó rescatada en el mar por Okafor. Ojalá los flashbacks nos cuenten más de su historia…
Pero, por lo pronto, se avizora una relación de amor/odio con Rick, que no creo que llegue a romance ni tensión sexual (menos ahora que ha reaparecido Michonne), pero que sí puede plantear un interesante antagonismo ahora que están en bandos opuestos pero con mucho en común. Y hablando de cosas en común, también las tienen los actores: Lesley-Ann Brandt nació realmente en Sudáfrica, lo mismo que la madre de Andrew Lincoln, en tanto que Danai Gurira estudió en Ciudad del Cabo. Puede ser solo anecdótico, pero contribuye a la química.
Y por último, pero no menos importante: momento realmente traumático ha sido el de Rick cortando su mano, algo que es canónico con los cómics pero jamás había ocurrido en la serie original, habiendo a lo sumo algún guiño allá por la temporada 7, pero que no llegaba a concretarse.
Me cuesta todavía determinar si este ha sido un buen episodio, justamente por lo introductorio. Lo que sí puede decirse es que promete mucho y quizás recién pueda ser juzgado más adecuadamente a partir de cómo continúe la historia, lo cual comenzaremos a comprobar a partir de la próxima entrega. Y si bien no ha tenido un comienzo todo lo poderoso que se esperaba (incluso al compararla con otras series de la franquicia), The Ones who live tiene, por ahora, un voto de confianza que habrá que ver si justifica.
Y por cierto: hola Rick, te extrañábamos. Hasta la próxima y sean felices…
Un nuevo mes de estrenos llega a Disney+ y Star+, por lo que te presentamos las películas y series que llegan en marzo de 2024. Taylor Swift y los X-Men encabezan el cartel claramente, mereciendo también destacarse, Nos vemos en otra Vida, la miniserie española vinculada a los tristemente recordados atentados del 11- M, de los cuales en pocos días más se cumplen veinte años.
Bienvenidos una vez más a nuestro repaso mensual por los estrenos de Disney+ y Star+, en este caso correspondientes al mes de marzo. Y el hecho de que las dos principales novedades tengan que ver con Taylor Swift y los X-Men bien puede ser guiño o estrategia para prepararle el terreno al estreno de la tercera película de Deadpool, en la cual el antihéroe de Marvel no solo comparte protagonismo con Wolverine (Lobezno) sino que además se viene hablando hace meses de un posible cameo de Taylor que no fue confirmado ni desmentido por el director Shawn Levy: lo sabremos el 26 de julio…
Pero bien, entre las películas, entonces, la principal del mes (en rigor la única) es curiosamente un documental que, luego de su paso por las salas cinematográficas a partir de su estreno en octubre de 2023, llega ahora a Disney+. Nos referimos a Taylor Swift: The Eras Tour, que documenta la sexta gira de conciertos de la exitosa cantautora estadounidense a partir especialmente de tres fechas en el SoFi Stadium de Inglewood, California.
El filme fue producido de modo totalmente innovador y con una inusual estrategia de marketing desarrollada casi en secreto (¿cómo con lo de Deadpool?), ya que no pudiendo arreglar con ninguno de los grandes estudios, Swift terminó realizando la película de manera independiente y acordando por cuenta propia su distribución con las cadenas AMC Theatres y Cinemark (lo cual le permitió incluso burlar las huelgas de guionistas y actores por no estar la cinta ligada a ninguna de las asociaciones que los nucleaban).
La jugada le salió más que bien: el filme fue un arrasador éxito en taquilla y obligó incluso a los grandes estudios a aplazar varios de sus estrenos para no coincidir en cartel.
Contrariamente a lo que las más de las veces ocurre en este tipo de filmes, no hay aquí ningún “detrás de cámara”, sino que se recrean básicamente los conciertos en sí, pero con la particularidad de mostrar en primer plano los detalles que en los mismos suelen no verse.
Estreno el 15 de marzo.
Ya entre las series, X-Men’97 constituye sin duda una de las que más expectativas vienen generando desde hace un par de años (aquí nuestra noticia de 2022 confirmando el estreno), siendo secuela y a la vez reboot de X-Men: La Serie Animada que, con cinco temporadas, fuera emitida entre 1992 y 1997 y se constituyera no solo en pionera a la hora de orientar animaciones de superhéroes hacia un público adulto, sino también en una de las mejores y más icónicas series animadas de la historia. Ello, lamentablemente, no impidió que la quiebra de Marvel le dejara un final insulso y deslucido.
No sabemos aún si esta nueva serie retomará en el exacto punto en que quedó la anterior o si habrá algún salto temporal en el medio, aunque la referencia al año en el título es bastante sugerente. Y para aumentar el impacto nostálgico, varias de las voces volverán a ser interpretadas por los mismos actores que se las dieran a los personajes en la versión original, aun cuando también hay algunos nuevos.
Creada por Beau DeMayo (The Witcher), quien además aparece como principal guionista, la serie marca además un hito para Marvel Studios al ser la primera historia de X-Men de cuño propio (aun cuando hubieran referencias aisladas a los mutantes en otras películas o series de este último tiempo). El estreno, en concordancia con el cumplimiento de los treinta y dos años de emitida por primera vez la serie original, es el 10 de marzo.
La Muerte y esas Cosas (o La Muerte y otros Misterios según país de estreno) es una serie de corte policíaco creada por Mike Weiss (El Mentalista, Chicago P.D.)y Heidi Cole McAdams(Los 100) que ya ha sido lanzada a mediados de enero en Hulu, pero que ahora hace su arribo a Disney+ (Star+ para América Latina) con los diez episodios que componen su primera temporada.
La historia transcurre a bordo de un lujoso transatlántico, en uno de cuyos camarotes se ha producido un asesinato con la particularidad de estar la puerta cerrada con llave.
Todas las sospechas apuntan a la ingeniosa y atormentada joven Imogene Scott (Violett Beane), pero por fortuna para ella (o no, porque le cae bastante mal), también viaja a bordo Rufus Cotesworth (Mandy Patinkin), quien en su momento supo ser considerado el mejor detective del mundo.
Aun a su pesar, deberá asociarse con él para llegar a una verdad en la cual pareciera que todos allí, pasajeros y tripulación, ocultaran algo. Estreno el 5 de marzo.
Nos vemos en otra Vida es una serie española de seis episodios creada por los hermanos Jorge y Alberto Sánchez-Cabezudo. Basada en el libro del periodista Manuel Jabois, evoca uno de los momentos más trágicos de este siglo que, teniendo lugar el 11 de marzo de 2004, constituyera el mayor atentado terrorista en la historia de España.
Ese día, por si hace falta recordarlo, se produjeron diez explosiones casi simultáneas en cuatro trenes de Madrid con el luctuoso saldo de ciento noventa y dos muertes más unos dos mil heridos y generándose en primer momento gran confusión sobre los autores, pues la responsabilidad fue inicialmente adjudicada a ETA, pero decantando luego hacia organizaciones yihadistas.
Los creadores han dejado claro que la serie no apunta a mostrar el atentado como tal: “queríamos ser muy respetuosos de las víctimas y no hacer del propio atentado algo sensacionalista ni recrearnos en ello”. Como el libro de origen, la serie se centra en “Baby”, el adolescente que transportara los explosivos desde Asturias y fuera el primer condenado por los atentados, siendoeste interpretado de manera respectiva por Roberto Gutiérrez y Quim Ávila en sus etapas adolescente y madura.
El estreno es el 6 de marzo, solo cinco días antes de cumplirse veinte años del 11-M.
Renegade Nell, con sus ocho episodios, se anuncia como una propuesta británica de época que mezcla acción, comedia, aventura y fantasía. Creada y escrita por Sally Wainwright (toda una especialista en personajes femeninos fuertes y ganadora de más de un premio BAFTA), la serie sigue a Nell Jackson, quien por verse inculpada en un asesinato que no cometió, se verá obligada a refugiarse en la marginalidad junto a sus dos hermanas, convirtiéndose así en la bandolera de caminos más famosa y temida en la Inglaterra del siglo XVIII.
Sin embargo, el cruzarse con Billy Blind, espíritu que hunde su origen en el folklore inglés y escocés, hará que este último se convierta en su consejero y la anoticie de que su “mal paso” no ha sido producto de la casualidad, sino del destino, que le tiene reservado un lugar importante.
Coppola, el Representante es una serie argentina de seis episodios creada y dirigida por Ariel Winograd, la cual, en tono de comedia dramática, gira en torno a la vida, excentricidades y excesos de Guillermo Coppola, quien fuera durante dieciocho años manager de Diego Maradona y quedara vinculado a una serie de escándalos que casi siempre tenían como denominadores comunes el show business, la farándula, las fiestas nocturnas, los excesos y las drogas.
Coppola (vaya apellido que le tocó cargar) fue un personaje altamente mediático en los años noventa y, de hecho, ha quedado asociado a esa década casi como ícono.Juan Minujín es quien le da vida en esta serie, cuyo estreno es el 15 de marzo.
Además y siempre siguiendo con las series, también tenemos estrenos de las respectivas segundas temporadas de Life & Beth y Extraordinary, así como la sexta de Snowfall. Al listado, se ha dicho…
PELÍCULAS
. Taylor Swift / The Eras Tour (15 de marzo)
SERIES
. La Muerte y esas Cosas (5 de marzo)
. Nos vemos en otra Vida (6 de marzo)
. Extraordinary (temporada 2, 6 de marzo)
. Snowfall (temporada 6, 13 de marzo)
. Coppola, el Representante (15 de marzo)
. X-Men´97 (20 de marzo)
. Life & Beath (temporada 2, 20 de marzo)
. Renegade Nell (29 de marzo)
Esperando, como siempre, que hayan encontrado algo de su agrado e interés, les invito a reencontrarnos en un mes para echar ojo a los estrenos de Disney+ correspondientes al mes de abril. Hasta entonces y sean felices…
Este viernes 1 de marzo se estrena en España Dream Scenario (2023), la nueva película del realizador noruego Kristoffer Borgli que, tras su ópera prima de 2022 Sick of Myself, vuelve a lo grande con una obra protagonizada por la leyenda Nicolas Cage(Leaving Las Vegas, Corazón salvaje), producida por el consagrado director de terror Ari Aster (Midsommar, Hereditary) y distribuida por A24 (en España Vértigo). Una comedia de terror sobre las consecuencias de la fama inmediata y los mecanismos de la sociedad actual.
Tráiler de Dream Scenario (2023) de Kristoffer Borgli
La monótona vida de Paul Matthews (Nicolas Cage), padre de familia y profesor en la universidad, da un vuelco cuando millones de personas empiezan a soñar con él y se hace famoso en todo el mundo.
Póster de Dream Scenario (2023) de Kristoffer Borgli
Cóctel de géneros. Retrato social y globalización tecnológica
Borgli regresa al retrato social ácido que proponía en Sick of Myself (2022) y conjuga géneros a la perfección, navegando entre la comedia de terror y pasando por drama y romance, con un giro sci-fi a la postre muy Black Mirror (2011-actualidad). Nicolas Cage está brillante en un papel complicado por el abanico de registros en que se mueve: si por momentos recuerda al personaje de Mads Mikkelsen en La caza(2012) de Thomas Vinterberg, su versión onírica nos remite al más despiadado Freddy Krueger.
La interesantísima premisa de la película sirve a su director para articular un relato actual sobre la fama inmediata, estrechamente ligada al auge de las nuevas tecnologías. Y es que, en un mundo masivamente globalizado por las redes sociales, cada vez hay más personas que por cualquier nimiedad saltan a la palestra para vivir una fama efímera y, en muchas ocasiones, contraproducente.
En Dream Scenario, acompañamos a un hombre de mediana edad promedio, desde su absoluto anonimato, pasando por una etapa de descubrimiento global y éxtasis, hasta su caída mediática; incluyendo una fase de demonización colectiva que habla sobre la cultura de la cancelación.
La reacción social al fenómeno de Paul Matthews es el foco de interés en todo momento, y fluctúa de una forma u otra dependiendo de la forma en que el profesor actúa en los sueños ajenos: acciones sobre las que él no tiene realmente ninguna potestad. Si bien en un principio la gente alaba estupefacta a Paul por sus inofensivas pero sorprendentes apariciones oníricas, llega un punto en que la opinión pública cae en picado, pues el advenedizo adopta un carácter perverso, aniquilando y perturbando a todo el que sueña con él, en una clara referencia, que se menciona directamente más adelante, a la mítica Pesadilla en Elm Street (1984) de Wes Craven.
La sociedad crucifica a Paul por atrocidades que desconoce y con las que no tiene nada que ver. Esto no es más que un reflejo de la enorme distancia entre las personas y su imagen mediática que, en cierta forma, construye más el público que la propia figura. Además de la reacción social, la película muestra los daños colaterales de la intrincada fama de Paul: el distanciamiento de familiares y amigos y pérdida de trabajo.
El fenómeno This Man
El argumento de la película guarda una enorme semejanza con el conocido fenómeno This Man, que dio a conocer el sitio web creado en 2008 por Andrea Natella Ever Dream This Man?. Desde 2006, personas de todo el mundo aseguraban haber visto en sueños al mismo hombre (se decía que era maestro, como Cage), pero jamás se encontró en la realidad. Este suceso ha sido homenajeado en distintos sectores populares como el cine o la televisión, y es posible que haya servido de inspiración para el desarrollo argumental de Dream Scenario. Parece ser que las experiencias de los que han soñado con This Man van desde la observación inactiva a la violencia y el sexo, exactamente igual que en la película.
El noruego toma este concepto y lo lleva al extremo para montar, precisamente, un relato sobre la viralidad. En su película, Borgli descubre a la persona real tras el mito de This Man, utiliza la ficción para complacer esa necesidad colectiva y fantasea con lo que pasaría de encontrar realmente al personaje dibujado por Natella y, como en su anterior obra, resalta la importancia del momento histórico para lo que quiere contar: esta película sería muy diferente de situarse hace cien años, o cincuenta.
Dibujo original de This Man publicado en 2008 por Andrea Natella
Conclusión
Dream Scenario es una película muy divertida que únicamente por su premisa merece visionado, con interesantes lecturas sobre el funcionamiento de la fama y su relación con la sociedad, y un Nicolas Cage en estado de gracia que reafirma el mito en que se ha convertido. La cinta se mueve entre comedia, terror, sci-fi, romance y drama: conjuga géneros a la perfección para construir su tesis de una forma realmente dinámica y enriquecedora.
Estamos deseando ver a Nic en nuevos proyectos, a ver con qué locura nos puede sorprender. De momento, se conocen varias de las películas que protagonizará este 2024, todas con un componente de terror: The Surfer, Arcadian y Longlegs.
El último día del mes de febrero es el elegido por Prime Video para el estreno de una de las series más esperadas de este 2024: Reina Roja. Basada en el primer libro de la exitosa trilogía escrita por Juan Gómez-Jurado, esta serie producida en España llega con la intención de atrapar al público con su historia de investigación criminal.
La primera temporada de Reina Roja consta de siete episodios donde conoceremos a dos personajes poco al uso, y ahí es donde está la magia de esta novela que ha sido superventas en España manteniéndose en el top ten de novela de ficción más vendida durante muchos, muchos meses. ¿Conseguirá el mismo éxito su adaptación a la pantalla?
Tengo que decir que después de Memento Mori, serie que me gustó pero que no ha recibido todo el apoyo del público (básicamente porque quienes leyeron la novela se han sentido decepcionados con la adaptación), tenía sentimientos encontrados antes de empezar a ver Reina Roja. Es cierto que soy muy fan de este género y por eso mismo, muchas veces tiendo a ‘perdonar lo imperdonable’ en pro de mi afición.
Reina Roja: para los amantes de los asesinos en serie, y algo más.
Lo primero que voy a decir es que no voy a caer en comparar la serie con la novela, más que nada porque mi tiempo no me ha permitido leerla. Después de haber visto la serie, cortesía de Prime Video, creo que aquellos que hayan leído esta intrigante historia habrán disfrutado muchísimo, perdidos entre sus páginas, inmersos en una trama inquietante con giros y sorpresas.
Y eso lo pienso después de haber visto la serie, básicamente porque, como amante de este género, he disfrutado de cada uno de sus episodios, y si no vi Reina Roja de tirón fue porque mi reducido tiempo no me lo permitió.
Desde el principio vamos a sentir el cuidado que Prime Video ha dedicado a esta producción española. Unos primeros minutos que nos introducirán a conocer a los dos protagonistas de la serie de un modo muy particular. Y aunque todos sabemos cómo va a continuar esa historia, nos gusta que nos la cuenten.
Sin perder tiempo, y de la mano de estos dos peculiares personajes, nos meterán de lleno en el meollo de la trama. Una inquietante historia de investigación criminal que juega con el espectador mientras nos va dando pistas y nos deja suponer e incluso adelantarnos a la solución de la trama, para acabar con un final que nos deja deseando que estrenen la segunda temporada pronto.
Reina Roja se convierte en una carrera peligrosa por atrapar a un asesino despiadado a la vez que nos cuentan la inquietante historia pasada de uno de sus protagonistas: Antonia Scott (Vicky Luengo). Y no quiero contar nada más porque si no has leído la trilogía, es mejor que veas la serie sabiendo sobre ella lo menos posible.
Iba a escribir que hay que ver la serie centrado en ella y sin perderse un detalle, o podrías perderte. Pero lo cierto es que la trama de Reina Roja atrapa al espectador a la vez que entretiene, por lo que lo más probable es que la veas atento e intrigado por descubrirlo todo.
El alma de Reina Roja: sus protagonistas.
Todos sabemos que muchas veces una historia potente pierde toda su gracia cuando los protagonistas no le ponen alma. Bueno, pues en este caso, esta historia de crimen gana potencia gracias a los dos elegidos para interpretar al dúo protagonista, pero también gracias al buen atino al elegir al resto de protagonistas secundarios.
Vicky Luengo y Hovik Keuchkerian hacen un gran trabajo. El espectador empatiza con ellos desde el primer momento en que ambos aparecen en pantalla. En este caso, el refrán ‘una imagen vale más que mil palabras’ se cumple a la perfección, y con solo una primera mirada a ambos llegamos a conocer un poco de su forma de ser.
Antonia es una mujer iracunda y solitaria a la que su inteligencia le dota de una capacidad de percepción de la realidad muy diferente al resto de las personas. Por su parte, Jon Gutiérrez es un hombre carismático, con un carácter fuerte y un sentido del humor único, pero sobre todo es un policía dedicado al que le importan las personas. Ambos formarán un tándem que funciona muy bien cuando están juntos en escena, y que en solitario también deslumbran.
Empezamos mes y toca hacer el repaso del avance de las novedades y estrenos de HBO Max para marzo 2024. Este mes supone el regreso (tras la exitosa ‘Mare of Easttown‘) de Kate Winslet a HBO: dirigida por Stephen Frears, y acompañado por Matthias Schoenaerts, Martha Plympton y Hugh Grant, entre otros, el próximo 4 de marzo llega THE REGIME, una sátira repleta de humor negro sobre los sistemas totalitarios. Tan divertida como crítica.
La política forma parte también de LAS CHICAS DEL AUTOBÚS, la historia de cuatro mujeres muy diferentes entre sí que se convierten en familia siguiendo, parada tras parada, el bus de una de las rutas más complejas de Estados Unidos: la carrera a la Casa Blanca. Llegará el próximo 14 de marzo.
Además, entre las novedades y estrenos de HBO Max para marzo 2024 regresan las aventuras de Archie y sus amigos, esta vez más terroríficas y sorprendentes que nunca en la sexta temporada de RIVERDALE (21 de marzo); también la segunda temporada del drama policial CONDENADA (1 de marzo); las dos primeras temporadas de CHYLKA, un drama judicial polaco de alto voltaje que llega el 7 de marzo; y la tercera temporada LA CHICA DE LA LIMPIEZA, el remake de la serie argentina que regresa con muchas sorpresas en su absorbente historia el próximo 12 de marzo.
Marzo es también un mes muy prolífico para los amantes del documental: el mes comienza el día 1 con PIANOFORTE, un retrato de una competición de alto nivel de músicos prodigiosamente jóvenes en Polonia; el día 6 es el turno de EL ARTE DE LA REVOLUCION, la historia de una hija que, tras viajar al exilio con sus padres por la Revolución Islámica en Irán, se propone recuperar toda la obra perdida de su padre, pintor, en Teherán.
Y por último, el día 27 llega LA VERDAD CONTRA ALEX JONES que se centra en las familias de las víctimas del tiroteo de Sandy Hook de 2012, que lleva a Alex Jones, un teórico de la conspiración, ante los tribunales por difundir mentiras sobre que el suceso fue un engaño.
Si lo tuyo son los cómicos de stand up, este mes estás de suerte: estrenan RAMY YOUSSEF: MORE FEELINGS, la vuelta a HBO del cómico egipcio americano que conocimos en ‘Ramy’ el día 24 de Marzo; y JERROD CARMICHAEL REALITY SHOW, el retrato íntimo de la vida del cómico Jerrod Carmichael, protagonista de uno de los shows de comedia más especiales que puedes encontrar ya en HBO Max: ROTHANIEL. Será el día 30 de marzo.
Para amantes del cine, estrenan el fenómeno de las pasadas fiestas: la magia de WONKA llega a HBO Max el próximo 8 de marzo para hacer las delicias de grandes y pequeños en una película repleta de alma, corazón y chocolate, mucho chocolate.
Además, el 12 de Marzo estrenan la comedia española POR LOS PELOS, una divertida historia de autoestima, amistad y confianza con un reparto en estado de gracia. Y por último, la vuelta de RENDEL, el superhéroe finlandés que regresa el próximo día 16 con CÍRCULO DE VENGANZA, una secuela repleta de acción y fantasía.
Novedades y estrenos de HBO Max para marzo 2023.
Series.
1 de marzo
ROYAL CRACKERS. Temporada 2
Entre las novedades y estrenos de HBO Max para marzo 2024 nos encontramos con la segunda temporada de «Royal Crackers», los hermanos Stebe (Jason Ruiz) y Theo (Santino) se ven obligados a enfrentarse al oscuro pasado de su padre. Theo sigue lidiando con las secuelas de su caída del estrellato e intenta abrirse camino hacia la autoaceptación.
Mientras tanto, la relación de Deb (St. Clair) y Stebe, de gran carga sexual, se enfrenta a importantes desafíos, poniendo a prueba su vínculo. Matt (Flanagan) lucha por encajar en la escuela y con su familia. Mientras tanto, la empresa Royal Crackers intenta no sólo mantener su relevancia, sino también convertirse en el snack más popular del mundo.
PIANOFORTE. Nuevo documental
Los jóvenes pianistas con más talento del mundo compiten en el Concurso Internacional de Piano Chopin, que se celebra cada cinco años en Varsovia (Polonia). Pianoforte es un testimonio del extraordinario poder de la música y, al mismo tiempo, un retrato íntimo de la madurez de un joven pianista.
CONDENADA (THE CONVICT). Temporada 2
La juez Alicja Mazur hizo todo lo posible por escapar del infierno. Tras enfrentarse a Paweł Witkowski, vuelve a la cárcel. Desenmascarar a su marido le asegura la absolución. A pesar de la presión de Serafín, Hanka decide admitir que disparó a su padrastro y aceptar las consecuencias. ¿Permanecerá Alicja en prisión para salvar a su hija?
En la prisión hay cambios de personal. Hepner se convierte en el nuevo director de la penitenciaria, degradando a ‘Pene’ a mero guardia. El nuevo director se gana rápidamente el favor de los presos. Sólo Alicja Mazur sospecha que hay algo más.
4 de Marzo
THE REGIME. Nueva miniserie
Sin duda, es la serie más esperada que nos encontramos entre las novedades y estrenos de HBO Max para marzo 2024. Esta nueva serie cuenta la historia de la vida dentro de los muros de un régimen autoritario moderno que empieza a desmoronarse. Después de no salir de palacio durante bastante tiempo, la canciller Elena Vernham (Kate Winslet) se ha vuelto cada vez más paranoica e inestable cuando recurre a un volátil soldado, Herbert Zubak (Matthias Schoenaerts), como un improbable confidente.
A medida que crece la influencia de Zubak sobre la canciller, los intentos de Elena por ampliar su poder acaban por fracturar tanto el palacio como el país a su alrededor.
6 de Marzo
EL ARTE DE LA REVOLUCIÓN. Nuevo documental
En 1980, Nicky Nodjoumi huyó de Irán tras la Revolución Islámica. Con su vida en peligro debido a la naturaleza controvertida de sus cuadros expuestos en el Museo de Arte Contemporáneo de Teherán, se reunió con su mujer, Nahid, y su hija, Sara, en Nueva York, viviendo inquieto en el exilio y sin dejar de pintar. 40 años después, Sara inicia una investigación para localizar y recuperar las obras de arte perdidas de su padre en Teherán.
Este documental plantea cuestiones sobre el extremismo religioso y político, los sacrificios de la libertad creativa y el activismo, y el poder perdurable del arte; y narra la investigación profundamente personal de Sara sobre su familia y los acontecimientos centrales de la vida de sus padres, rindiendo homenaje a su arte al tiempo que desvela la complejidad y el anhelo que conlleva vivir en el exilio de tu propio hogar.
7 de Marzo
CHYLKA. Temporadas 1 y 2
En el pueblo de Sajenek, en Augustów (Polonia), Angelika y Dawid Szlezyngier descubren horrorizados que su hija de tres años ha desaparecido. Como son los principales sospechosos, Angelika se pone en contacto con su vieja amiga, la abogada Joanna Chyłka, para que le ayude a defenderlos.
10 de Marzo
INFLUENCER POR ACCIDENTE. Nueva serie
Esta nueva serie cuenta la historia de Red Ho, cuyo sueño de casarse con su novio y tener su propio apartamento el día de su 30 cumpleaños se rompen en pedazos cuando su novio la deja por otra mujer justo el día de su cumpleaños.
12 de Marzo
LA CHICA DE LA LIMPIEZA. Temporada 3
Una doctora muy inteligente llega a Estados Unidos para someterse a un tratamiento médico y salvar a su hijo enfermo. Pero cuando el sistema fracasa y la empuja a la clandestinidad, se niega a dejarse abatir y marginar. En lugar de eso, se convierte en la mujer de la limpieza de la mafia y empieza a jugar el juego con sus propias reglas.
14 de Marzo
LAS CHICAS DEL AUTOBÚS. Nueva serie
Esta nueva serie invita a los espectadores a hacer campaña junto a cuatro mujeres periodistas, cada una de ellas con un estilo diferente para informar y para ser. La historia se centra en Sadie McCarthy (Melissa Benoist), una periodista que romantiza una época pasada del periodismo de campaña y abandona toda su vida por una oportunidad de cubrir a un candidato presidencial para un periódico de referencia.
Sadie se une al autobús y acaba estableciendo lazos con tres competidoras, Grace (Carla Gugino), Lola (Natasha Behnam) y Kimberlyn (Christina Elmore). A pesar de sus diferencias, las mujeres se convierten en una familia que asiste en primera fila al mayor culebrón de la ciudad: la batalla por la Casa Blanca.
EL SISTEMA PENAL DE EEUU. Nueva serie
Esta nueva serie ofrecerá una visión privilegiada de 360 grados del sistema de justicia penal de los Estados Unidos.
21 de Marzo
RIVERDALE. Temporada 6
La sexta temporada de «Riverdale» arranca con cinco episodios especiales que ponen patas arriba todo el universo de la serie tal y como lo conocemos: nuevo nombre, misterios macabros, cambios inesperados, magia negra y ritos ancestrales.
RAMY YOUSSEF: MORE FEELING. Nuevo especial de comedia.
Un nuevo especial de comedia del actor egipcio Ramy Youssef tras el éxito de ‘Ramy Youssef: Feelings’. Ramy Youssef es un galardonado creador, actor, productor, director y cómico egipcio-estadounidense. Anteriormente fue nominado a un Critics’ Choice Award y a un Writers Guild Award en 2020 por su primer especial de comedia en HBO, «Ramy Youssef: Feelings», producido por A24.
Actualmente se puede ver a Youssef en su debut en el largometraje en «Pobre criaturas», de Yorgos Lanthimos, aclamada por la crítica, junto a Emma Stone, Willem Dafoe y Mark Ruffalo, que recibió el Globo de Oro a la Mejor Película – Musical o Comedia, y ha sido nominada a 11 premios BAFTA y Oscars, incluido el de Mejor Película.
Detrás de la cámara, Youssef ha recibido recientemente su primera nominación a los premios DGA por su trabajo en el elogiado episodio de la serie de FX «The Bear», ganadora de un Emmy®, titulado «Honeydew».
27 de Marzo
LA VERDAD CONTRA ALEX JONES. Nuevo documental
La historia épica de cómo las familias cuyos hijos fueron asesinados en Sandy Hook se enfrentaron al gigante de la conspiración Alex Jones en dos juicios históricos, haciendo que Jones e InfoWars rindieran cuentas por los mitos tóxicos que comenzaron a difundir horas después de la atrocidad.
Para que Jones rindiera cuentas, los afligidos padres y sus equipos jurídicos tuvieron que esforzarse durante años, pero el resultado fue el mayor veredicto por difamación de la historia de Estados Unidos, un golpe mortal para Jones con una indemnización de casi 1.000 millones de dólares concedida por los jurados de Connecticut y Texas.
Las fake news fueron juzgadas por primera vez en Estados Unidos, con un acceso sin precedentes a un tribunal de Austin. ¿Es ésta una forma sostenible de hacer frente a la pandemia de entretenimiento impulsado desde la ira y el enfado que asola nuestras sociedades?
30 de Marzo
JERROD CARMICHAEL: REALITY SHOW
Sigue la vida personal de Jerrod Carmichael, a través de sus encuentros con amigos, familiares y desconocidos, todo ello en su búsqueda del amor, el sexo y la conexión.
Películas
8 de Marzo
WONKA
Basada en el personaje que protagoniza ‘Charlie y la fábrica de chocolate’, el libro infantil más emblemático de Roald Dahl y uno de los más vendidos de todos los tiempos, ‘Wonka’ cuenta la historia de cómo el mayor inventor, mago y chocolatero del mundo se convirtió en el querido Willy Wonka que conocemos hoy en día, centrándose en su juventud y en cómo conoció a un Oompa-Loompa en una de sus primeras aventuras.
12 de Marzo
POR LOS PELOS
Quedarse calvo sigue siendo un trauma para muchos hombres. Juanjo, Sebas y Rayco son tres ejemplos, entre millones, de cómo la alopecia conlleva también la caída de la autoestima.
Rayco es cantante de reggaetón y tiene más entradas que el Corte Inglés. En el paraíso del postureo, su problema capilar puede traducirse en menos seguidores y en menos conciertos.
Juanjo es un pusilánime cuarentón que lucía con dignidad el descampado de su cabeza hasta que se casó con Inma, una mujer aficionada a los retoques estéticos y que piensa que estar casada con un calvo la envejece más que unas patas de gallo.
Sebas lleva encerrado en «el armario» de los calvos desde que descubrió el peluquín de pelo natural. Una prótesis capilar que tiene que competir con el «pelazo» de la nueva pareja de su exmujer, un adonis al que sus hijas están empezando a llamar «papá».
Si bien la alopecia no diferencia ni entiende de estratos sociales, su solución, sí. Y es que, lo que hasta ahora era prohibitivo para muchos, Turquía lo ha hecho accesible para todos con su turismo capilar low cost, convirtiéndose así en el nuevo maná de los calvos. Juanjo, Sebas y Rayco se embarcarán en una aventura en la que descubrirán que su problema no está tanto encima de su cabeza, sino dentro.
16 de Marzo
RENDEL 2: CÍRCULO DE VENGANZA Cuando ‘Smiley’ se hace cargo de la Vala Drug Corporation a la sombra de su difunto abuelo Edward Cox, un vigilante enmascarado, Rendel, se vengará del asesinato de su familia.
Y hasta aquí el avance de las novedades y estrenos de HBO Max para marzo del 2024.
Dune Parte 2 retoma la acción inmediatamente tras su predecesora, con un Paul Atreides en busca de venganza contra los Harkonnen por el genocidio de su padre y los miembros de su casa.
Póster de Dream Scenario (2023) de Kristoffer Borgli
