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Análisis de Shogun. Temporada 1. Episodio 3: Mañana será mañana

Bienvenidos a un nuevo análisis de Shogun, la serie de la que todo el mundo habla en Disney+. Tras los dos primeros episodios, algo más contemplativos, en este entramos de lleno en la acción durante gran parte del metraje. Os dejo con el enlace a los análisis anteriores y vamos al lío.

Mañana será mañana

Tras el intento de asesinato de John Blackthorne en el episodio anterior, este se inicia con un personaje que cada vez nos cae mejor, el gran Kashigi Yabushige (Tadanobu Asano). Es un tipo que sirve a Toranaga pero que no tendrá empacho en hacer lo que sea por sobrevivir. Y lo sabe. Por eso hace testamento antes de ir a ver a su señor, porque el día menos pensado pasará a ver a Buda.

Pero como él dice, no será hoy o por lo menos en este episodio. Yoshi Toranaga (Hiroyuki Sanada) le pide que lleve a Blackthorne, a Mariko, a su esposa y a su hijo de regreso a Ajiro. En realidad es una treta para escapar de Osaka, cambiándose con su mujer en el último momento y delante de las narices de Lord Ishido. A punto está de irse todo al traste de no ser por Blackthorne (Cosmo Jarvis, cada vez más sobreactuado), que finge un ataque de nobleza ofendida para que no hurguen en la litera donde se esconde Toranaga.

Por el camino son asaltados por los japoneses católicos de Lord Kiyama y tienen que huir a toda prisa al puerto, perdiendo por el camino al marido de Mariko, que ya veremos si está muerto o de parranda.

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En el puerto se encuentran con un bloqueo de pequeños barcos pesqueros, plagados de guerreros de Kiyama y Toranaga se ve obligado a negociar con el barco negro de los portugueses. Estos le dan su apoyo a cambio de algo de dinero, el establecimiento de una iglesia en su feudo de Edo y que Blackthorne se quede en Osaka. Pues bueno, dice Toranaga.

Blackthorne demuestra que es un buen  marino pilotando la galera japonesa y escudándose en el barco negro para escapar, compitiendo con Vasco Rodríguez (Nestor Carbonell) quien al final le devuelve el favor que le hizo al rescatarle. De esta forma, Blackthorne se gana el respeto de Toranaga, que obvia sus aventurillas como piratilla. De momento.

En en castillo de Osaka, Tora Hiromatsu (Toshi Toda) presenta ante el Consejo de Rengentes la dimisión de Toranaga, lo que les deja con un palmo de narices ya que, según la voluntad del difunto Taiko, deben ser cinco si o si y no pueden tomar decisiones si falta uno.

La sociedad de los Amida

Son quienes intentan asesinar a Blackthorne en el episodio anterior, supuestamente contratados por Lord Kiyama y/o Lord Ohno, los regentes católicos. Aunque he investigado por internet, no he podido constatar si se basan en una sociedad real.

A lo largo del episodio, Mariko le cuenta a Blackthorne que se trata de una secta de asesinos de élite que se entrenan toda su vida para un único asesinatos, a lo que Blackthorne contesta que contratarlos debe ser caro, por lo que Kiyama, vendido al oro portugués, parece el principal candidato.

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Hatamoto

Hatamoto es título con el que Lord Toranaga honra a Blackthorne al final del episodio. Se trata de un gran honor, un título de alto rango que, históricamente, nombraba a los samuráis al servicio directo de shogun durante el Shogunato Tokugawa. La palabra hatamoto significa literalmente “en la base de la bandera”, por lo que comúnmente se traduce como “abanderado». O eso pone en Wikipedia.

Así se empezó a llamar a estos samuráis en el Periodo Edo, es decir en el Shogunato Tokugawa (1603 – 1868) y es en Edo, posteriormente Tokyo, donde Yoshi Toranaga tiene su castillo, su principal feudo, donde promete a los jesuítas que les dejará construir una iglesia.

Valoración del episodio

Shogun sigue adelante, a toda vela, en un episodio que muestra algo más de acción pero que, en conjunto, está mal ejecutada. Tanto la escena de la emboscada en el bosque como la lucha de Buntaro (Shinnosuke Abe), marido de Mariko, se solucionan de forma algo desganada. Al igual que la persecución entre la galera portuguesa y el barco negro, centrándose más en las manos de los pilotos que en mostrar la tensión del momento.

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Por contra, las escenas intimistas y las de conspiración están mucho mejor ejecutadas y hacen que la serie suba enteros. Como muestra, la escena en la que el médico cura a Blackthorne y acaba hablando con Mariko de «nubes y lluvia», metáfora nada sutil del orgasmo, plagada de indirectas y de la insinuación de que lo que Blackthorne necesita es un buen polvo, ya sea con una o con uno o con dos a la vez.

Igualmente resulta emotiva la escena en la que se le entrega a la nieta de Hiromatsu los restos de su marido y su hijo o cuando Toranaga insiste, una y otra vez, en que Blackthorne le enseñe a tirarse de cabeza, para terminar nadando a la orilla, haciéndose amigos cuando horas antes estaba a punto de abandonarlo a sus enemigos.

Ay, pero es que los amigos no existen en la vida de Yoshi Toranaga. Tan sólo puede uno fiarse de uno mismo, como le cuenta a su hijo.

Pero no nos quejaremos. Pese a algún defectillo en cuanto a la dirección del episodio, Shogun resulta una serie compleja y apasionante y, por el momento, la mejor en lo que llevamos de año. Nos leemos en el siguiente episodio. Un saludo, sed felices.

Festival Sombra de Madrid: llamamiento a los fanáticos del cine de terror y fantástico del 13 al 17 de marzo

El Festival de Cine Fantástico Europeo Sombra abre sus puertas en Madrid la próxima semana de marzo. Con una programación repleta de preestrenos, largos y cortos, charlas con profesionales, sesiones especiales y retrospectivas; el Festival Sombra se plantea como centro de gran interés para la cinefilia madrileña y aficionados al cine de terror y fantástico. En nuestra web cubriremos muchas de sus actividades.

Festival

Javier García Caballero dirige este festival, que surge como hermano del Sombra de Murcia en su XIII edición, con la intención de llenar el hueco que dejó la desaparición del mítico Festival de Cine Fantástico Internacional Nocturna de Madrid a raíz de la pandemia. Este traslado a la capital, supone un soplo de aire fresco para los amante de este tipo de cine que podrán descubrir joyas de género más desconocidas.

A lo largo de su programación, el festival cuenta con coloquios y charlas de figuras destacables dentro de la industria cinematográfica y el género de terror y fantástico, así como con algunos de los realizadores de las obras proyectadas. Jaume Balagueró (RecVenus…) asistirá a la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense el día 15 a las 11:00h para hablar sobre sus cortometrajes Días sin luz y Alicia, y esa misma tarde a las 17:30h presentará su película Los sin nombre (1999) en los Cines Paz de la calle Fuencarral.

Asimismo, otros cineastas nacionales e internacionales harán acto de presencia durante estos días para presentar sus obras: Richard Stanley (Color Out of Space), Gonzalo López Gallego (Apollo 18), Peter Milligan (La Liga de la Justicia Oscura), Xavier Gens (Hitman), Sofía Alaoui (Animalia), etc.

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Imagen de Los sin nombre (1999) de Jaume Balagueró

Para abrir el apetito, el día 10 hay dos proyecciones «Pre-Sombra» en los Cines Paz. Reposiciones de películas muy queridas por el público en la línea del tipo de cine que el festival propone. Por la mañana Darkman (1990) de Sam Raimi y por la tarde el clásico de Spielberg Tiburón (1975).

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Imagen de Darkman (1990) de Sam Raimi

Si todo esto no era suficiente, el día 15 tendrá lugar uno de los eventos de mayor interés del festival, pues a las 21:30 en el Teatro San Pol se proyectará el mítico giallo de Dario Argento Rojo oscuro (1975) con música en directo de Claudio Simonetti, compositor de la banda sonora original. Además de esta peculiar reposición, tendrán lugar otras proyecciones dentro del marco de retrospectivas del festival, entre ellas por ejemplo, se podrán ver Tenebre (1982) de Argento o No profanar el sueño de los muertos (1974) de Jorge Grau: una de las cintas de fantaterror más emblemáticas, a la que Sombra rinde homenaje en su 50 aniversario.

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Más allá de estos eventos especiales, el festival cuenta con una gran cantidad de preestrenos durante estos días. Películas tan esperadas como Club Zero (2023) de Jessica Hausner, tras su paso por Cannes o Sevilla; Sleep (2023) de Jason YuOs reviento (2023) de Kike Narcea. Además de brindar exposición a cortometrajes, tanto en sección oficial como fuera de ella.

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Imagen de Club Zero (2023) de Jessica Hausner

Las sedes donde el festival proyectará sus películas son los Cines Paz, Sala Berlanga y Facultad de Ciencias de la Información (UCM). Además de Fnac de Callao y Generación X de Tirso de Molina para otros encuentros y, el Teatro San Pol para el evento especial con Claudio Simonetti.

Los precios de las entradas varían entre los 3,5€ en la Sala Berlanga, 8,5€ en los Cines Paz y acceso gratuito en la Facultad de Ciencias de la Información (UCM). A excepción de los eventos «Pre-Sombra» (6,5 y 7,5€) y la sesión de Rojo oscuro, cuyo precio oscila entre los 38€ y 46€.

Sombra apunta a convertirse en un festival de género emblemático en nuestro país del que esperemos presenciar muchas más ediciones porque esta primera promete y desde la web, un servidor cubrirá parte de su programación para abriros el apetito cinéfilo.

Muchas gracias por leerme. Si sois de Madrid, ¡no os podéis perder este festival! 

 

 

 

 

 

Los 50 mejores personajes de cómic según la Revista Empire

El otro día pululando por las redes sociales descubrí un artículo añejo de la Revista Empire sobre los 50 mejores personajes de cómic. Estuve echando un buen vistazo y es normal que la mayoría de la lista esté copada por superhéroes pero me llamó la atención notables ausencias y por eso os traigo la lista aunque el artículo tiene la friolera de más de 10 años.

Aquí tenéis el original actualizado con fecha de 2019 y seguidamente os pongo la lista separando cada 10 para haceros una breve reseña de lo que opino de cada grupo. Sin más comenzamos:

Lista del 50 al 41

50.Spawn
49.Capitán Haddock (Las aventuras de Tintín)
48.Harvey Pekar (American Splendor)
47.Apolo and the Midnighter (Stormwatch)
46.J. Jonah Jameson (Spiderman)
45.Deadpool
44.Jenny Sparks (Stormwatch)
43.Astro Boy
42.The Saint of Killers (Preacher)
41.Green Lantern

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J Jonah Jameson

Poco que destacar, aparece Haddock de Tintín pero no aparecerá en la lista el propio Tintín lo cual es anecdótico y es que es verdad que Haddock pues como que es más carismático. Tenemos en el 41 a uno de los iconos de DC, Green Lantern. y El Santo de los Asesinos, personaje de Predicador, de Garth Ennis. Mención especial a J. Jonah Jameson en el 46, personaje que resulta imprescindible en Spiderman. Y en el 45 Deadpool, cuya aparición en la lista, gustándome el personaje, me parece un pelín exagerada.

Lista del 40 al 31

40.Scott Pilgrim
39.The Mekon (Dan Dare)
38.Cerebus
37.Daredevil
36.Agent Graves (100 Bullets)
35.Hellboy
34.Doctor Strange
33.Venom (Spiderman)
32.Lex Luthor
31.Usagi Yojimbo

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Hellboy

Aquí varias menciones. No conozco a The Mekon ni a Cerebus. Tenemos varios superhéroes, Daredevil (lo veo bastante lejos de los primeros puestos), Hellboy, gran personaje de Mike Mignola que quizás podría haber aparecido entre el 30 y el 20, Doctor Extraño y Venom. Estos dos creo que me pasa como con Deadpool, los veo muy exagerados en una lista de 50 copada con tantos superhéroes. Celebro ver a Lex Luthor y al Agente Graves de 100 Balas, una serie de Brian Azzarello que dejé a la mitad y espero retomar algún día…

Lista del 30 al 21

30.Emma Frost (X-Men)
29.Swamp Thing
28.The Tick
27.Johnny Alpha (2000 AD)
26.Marv (Sin City)
25.Doctor Doom
24.Deena Pilgrim (Powers)
23.Obelix
22.Hunter Rose (Grendel)
21.Captain America

asterix y obelix como aprender economia gracias a un comic de menhires sestercios y jabalies c7f4
Obelix

Vamos a ver, nos vamos acercando a los 20 primeros y veo cosas que llaman la atención ya. Para empezar me chirría ver a Emma Frost en la lista y sobre todo tan arriba. Buen personaje desde luego pero ¿Entre los 30 mejores personajes de cómics? Marv de Sin City hace aparición en el 26 y Obelix, personaje de Uderzo y Goscinny en el 23. El mítico Capitán América en el 21, queda bastante lejos de los puestos de honor lo cual me sorprende demasiado. Desconocía a Hunter Rose, creación de Matt Wagner y al parecer es un cómic a tener en cuenta.

Lista del 20 al 11

20.Wonder Woman
19.The Punisher
18.Halo Jones (2000 AD)
17.Iron Man
16.Rorschach (Watchmen)
15.Death (Sandman)
14.Hulk
13.Vladek Spiegelman
12,Spider Jerusalem (Transmetropolitan)
11.Jesse Custer (Preacher)

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Jesse Custer, Preacher

La verdad es que aquí tengo muchos peros. Aparecen demasiados superhéroes entre los 20 primeros y en posiciones ciertamente exageradas como Wonder Woman, personaje icónico de DC desde luego pero de ahí a figurar en una lista de los 20 mejores personajes del cómic… Tres cuartos de lo mismo me ocurre con Punisher o Iron Man, lo veo muy exagerado. Celebro ver cerca de los puestos de honor a Rorschach, único representante de Watchmen y a Death de Sandman. Igualmente me gusta ver a Vladek Spiegelman, de Maus, en el 13.

Lista del 10 al 1

10.The Thing
9. Magneto
8. Joker
7. Judge Dredd
6. Dream (Sandman)
5. Spider-Man
4. Wolverine
3. Constantine
2. Batman
1. Superman

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Superman

Vamos al 1 directamente, Superman. No siendo yo nada fan del personaje es imposible no estar de acuerdo con la elección. Así que no me sorprende verlo ahí. Si que me ha sorprendido ver a su compañero Batman (y eso que es de mi top cinco de personaje de cómic favorito) por lo que da que pensar que los que han hecho la lista son muy de DC. Y si disiento del 2 ya no digo nada del 4, Lobezno. Me parece que siendo un gran personaje es exageradísimo verlo entre los cuatro primeros de la lista e incluso por delante del mismísimo Spiderman. Celebro ver a Joker en el 8, el mejor villano de los cómics y a Magneto en el 9, otro grandísimo villano, ambos con muchos matices. Ver a Dredd y a Sueño cerca de los primeros puestos me satisface. Lo de La Cosa entre los 10 primeros me ha parecido lo más llamativo de toda la lista.

En general me parece una lista en la que hay muchos superhéroes y en puestos altos. Ahora vamos hablar de algunas ausencias. Por ejemplo si celebraba la presencia de Rorschach como representante de esa joya que es Watchmen echo mucho en falta a V, de V de Vendetta. También lamento la ausencia de las célebres Tortugas Ninja que ahora llevan unos años de éxitos en videojuegos, cómics y cine. Cierto es que cuando se elaboró esta lista las tortugas estaban ciertamente olvidadas quizás. Falta mucho cómic europeo en la lista, por ejemplo podríamos haber visto al Teniente Blueberry y el cómic español podría haber estado representado mínimamente con Mortadelo. Mención también para la ausencia de los personajes del cómic más pulp, se echa en falta personajes como The Shadow, Rocketeer o Dick Tracy. Y otros clásicos como Príncipe Valiente, de Harold Foster y Flash Gordon de Alex Raymond. Conan el Bárbaro es un personaje mítico de los cómics también pero quizás al ser adaptado de las novelas de Robert E. Howard le ha podido restar para entrar en el listado.

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Blueberry

¿Y vosotros? ¿Habéis echado en falta a algún personaje?

Un saludo y sed felices

Análisis de The Walking Dead: The Ones who live. Temporada 1. Episodio 2

Con la segunda entrega, seguimos analizando The Walking Dead: The Ones who live, el spin-off de la franquicia que continúa la historia de Rick y Michonne. Creada por los propios Andrew Lincoln y Danai Gurira junto a Scott M. Gimple, la serie puede ser vista en AMC+.

Bienvenidos otra vez, caminantes del apocalipsis, para un nuevo análisis de The Walking Dead: The Ones who live, correspondiente en este caso al segundo episodio que, siguiendo en la línea de mostrarnos qué ocurrió con Rick y Michonne durante los años intermedios, está dedicado a ponernos al corriente de los sucesos relacionados con ella, así como el anterior lo había estado a él.

Pasemos a ver lo que nos ha dejado esta entrega, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de invitarles, si así lo desean, a echar ojo a nuestros análisis previos, tanto de esta como de las otras series que componen la franquicia…

Análisis de The Walking Dead: The Ones who live

Análisis de The Walking Dead

Análisis de Fear the Walking Dead

Análisis de The Walking Dead: World Beyond

Análisis de Tales of the Walking Dead

Análisis de The Walking Dead: Dead City

Análisis de The Walking Dead: Daryl Dixon

Caminantes Migratorios

Retomamos a Michonne donde la habíamos dejado en la serie principal , es decir después de haber salvado a aquella pareja que integraba la caravana de nómadas (temporada 10, episodio 13). La líder de los mismos le ofrece seguir con ellos, pero Michonne quiere ir hacia el norte en la presunción de que Rick está vivo, cosa que ella desaconseja por coincidir en época con la migración masiva hacia el sur de los caminantes (lamentadores, como ellos los llaman).

Michonne pide al menos un caballo pero, a pesar del apoyo de la pareja a la que salvó, compuesta por Aiden (Breeda Wool) y Bailey (Andrew Bachelor), no tiene mayor éxito. Quien sí se pone furioso es Nat (Matthew August Jeffers), ingeniero autodidacta del grupo y además especialista en fuego y explosiones: considera que tienen una deuda moral con ella y acusa a la líder de abandonar a su gente, tal como antes hiciera con Aiden y Bailey.

Es él, por lo tanto y por cuenta propia, quien provee a Michonne una montura, un lanzacohetes de fabricación casera y un atuendo adecuado para enfrentar a los caminantes, que es el traje símil samurái que le viéramos sobre el final del episodio anterior.

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Michonne parte pues cabalgando a campo traviesa y, como era de prever, se encuentra frente a frente con la migración. Dispara el lanzacohetes por encima de los caminantes para provocar una distracción en la retaguardia, pero en todas las series de la franquicia viene siendo últimamente norma que haya un “zombie raro” y en este caso es “el hombre de la gasolina” que, en llamas y bidón de combustible encima, viene abriéndose paso a contramano del resto.

No hay tiempo siquiera de reaccionar. El estallido vuelve a hacer cambiar de rumbo a los caminantes y una esquirla (nada menos que la cabeza del “hombre de la gasolina”) golpea a Michonne haciéndola caer de su montura.

Por suerte para ella, la caballería llega a tiempo y se oyen en ese momento explosiones a ambos flancos de la horda mientras ve elevarse un humo azul y pronto se entera que es todo obra de Nat, quien ha decidido finalmente seguirla en compañía de Aiden, Bailey y varios más que han empatizado con su causa.

De manera ingeniosa y como Moisés separando las aguas, Nat logra entonces abrir brecha entre los caminantes y tanto Michonne como el resto pueden atravesar la migración para seguir hacia el norte.

Montaña de Cadáveres

Lo que Michonne quiere es llegar a la Terminal Bridges, que es donde tiene indicios de la presencia de Rick por última vez. Por el camino, traba relación con sus nuevos compañeros y se entera que Nat era rechazado familiarmente por su baja estatura y sufría el maltrato de un padrastro al que llamaba “Peligro”, del cual escapaba provocando fuego.

En cuanto a Aiden, Michonne descubre que está embarazada y, sintiéndose culpable, intenta convencerla de regresar y dirigirse a Alexandria, pero su historia de amor y búsqueda ha generado ya tal empatía que, como el resto, la mujer está convencida de seguirla hasta el final.

En la Terminal Bridges, sin embargo, las noticias son desalentadoras, pues encuentran el lugar devastado y con una lúgubre montaña de cadáveres quemados. Michonne intenta en vano dar con el cuerpo de Rick, pero no hay forma de reconocerlo por el estado en que los cuerpos se hallan y, de todas formas, el que estén todos descalzos no puede ser peor indicio considerando que uno de los elementos que de él había encontrado eran sus botas. Panorama desolador: todo pareciera indicar que el viaje ha sido en vano y Rick está finalmente muerto…

Gaseados

Emprendiendo el grupo tristemente su regreso, atraviesan lo que alguna vez fue una población y escuchan en ese momento el sonido del rotor de un helicóptero. Pasa sobre ellos, pero da media vuelta y Michonne grita desesperadamente a los demás que corran.

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Una nube del mismo gas utilizado en la masacre de Omaha alcanza, no obstante, a varios que al rato deambulan como zombies. Michonne, acompañada de Nat, Aiden y Bailey, logran en cambio ocultarse en un edificio, aunque con gargantas y pulmones seriamente afectados.

Por desgracia, tanto Aiden como Bailey acabarán siguiendo el destino del resto y Michonne no puede sentirse más culpable siendo que ellos quisieron acompañarla. Nat, al igual que ella, sobrevive y se repone, pero suena cada vez más pesimista y resignado.

Peligro…

Y así es cómo llegamos al “presente” y a la escena que marcara el final del episodio anterior. Aparece un helicóptero de la CRM y Nat dispara dos veces su lanzacohetes, acertando en la segunda que, uniendo cabos con lo visto antes, es el disparo que mató a Okafor. Al caer la aeronave, sobreviene también una escena que habíamos visto: la de Michonne en plan samurái rebanando con su katana el cuello de los sobrevivientes, previo acto de quitarles el casco para que la vean a los ojos. Se entiende ahora el porqué de tanta saña…

Y luego lo que ya conocemos: el emotivo encuentro con Rick, quien le dice que “no está con ellos” y ella (no sé por qué) le cree. Están llegando más helicópteros por lo que, presuroso, él le da instrucciones de no revelar su identidad y fingir ser una sobreviviente que se cruzó casualmente con la situación: sabe, claro, que de esa forma y como a él, la acabarán reclutando como consignataria, pero ello no sucederá si los relacionan entre sí o tan siquiera llama “caminantes” a los zombies, lo que inevitablemente revelará que proceden del mismo sitio.

Abrigamos en ese momento la esperanza de que el bueno de Nat sobreviva pero, siguiendo con la política de la serie de eliminar rápido a personajes interesantes, el guion se encarga de que sea muerto por uno de los agonizantes hombres del helicóptero caído. Moribundo, Nat se alegra de que Michonne haya encontrado finalmente a Rick aunque morirá sin saber qué hace este último con la CRM. Cuando sus ojos se cierran, Rick le coloca la katana en mano para que la matanza parezca obra suya y se queda con su encendedor, identificado con la palabra “Peligro”…

Ya en la República Cívica, Michonne es interrogada y sigue uno por uno los pasos por Rick recomendados, aunque se siente nerviosa de saber que hay alguien mirándola desde atrás de un espejo y se justifica en que no se veía a sí misma desde hacía mucho.

Terminado el interrogatorio, hay reencuentro con Rick, obviamente a escondidas y con beso incluido. Ella luce uniforme de consignataria, lo cual significa que la estrategia ha salido bien y la han reclutado. Rick le comunica que lamenta lo de su amigo, de cuyo encendedor le hace entrega; le pregunta por el resto de la comunidad y especialmente por Judith, de quien Michonne le dice que está bien, aunque guarda silencio con respecto al hijo que tuvo en su ausencia.

En una habitación, alguien bebe whisky mientras repasa las grabaciones del interrogatorio y vemos que es Jadis (Pollyanna McIntosh), la que alguna vez fuera líder de carroñeros y acabara deviniendo en oficial de rango y jerarquía dentro de la CRM. Obviamente, reconoce a Michonne y llama a Rick para anoticiarle que está al tanto de su presencia en el lugar. En siniestro pacto, se compromete, no obstante, a guardar el secreto, pero con una seria advertencia en relación a la familia de Rick para el caso de que esté pensando en escapar junto a su pareja: exactamente lo que planea…

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La última escena nos muestra a Michonne subir a un punto alto para tener una vista panorámica del lugar y, al abarcar con sus ojos la República Cívica, los mismos se le llenan de odio mientras acaricia el encendedor de Nat con la palabra “Peligro”…

Balance del Episodio

Ha sido un correcto episodio que, junto con el anterior, pero de manera menos apretujada, nos pone al tanto de la historia que en la franquicia discurrió por fuera de nuestros ojos, en este caso la de Michonne. Lo lamentable es que la serie persista en matar a personajes interesantes o, diciéndolo a la inversa, desarrollar y profundizar personajes que acabarán muriendo.

Tanto Aiden como Bailey o Nat han sido personajes de lo más interesantes que hubieran merecido un mayor recorrido en la serie. Nat, específicamente, era un personajazo con todas las letras, una personalidad bien definida y una excelente interpretación por parte de Matthew August Jeffers. Es una gran injusticia que nos condenen a simplemente tener que recordarlo por un único episodio.

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Ignoro cuál es el sentido detrás de ello. Quizás se trate de una especie de cobardía emocional, ya que es más fácil matar personajes sin largo ruedo o que no hayan aún calado hondo en el corazón de los fans. O también es posible que sea, justamente, cobardía ante esos mismos fans, que en el pasado pusieron el grito en el cielo por las muertes de personajes centrales de la franquicia aun cuando alguna de ellas fuera canónica con los cómics de origen.

El episodio nos ha regalado, eso sí, otra icónica escena a caballo de esas tan caras a la franquicia y lo de abrir un surco entre los caminantes como si estos fueran el mismísimo Mar Rojo ha sido una gran idea aunque, una vez más, de Nat… a quien ya no veremos. Y el gran MacGuffin del episodio, que fue el encendedor, también queda ligado a él, al punto que, sea lo que sea que Michonne tenga en mente, tiene que ver con fuego y venganza en su nombre. Una influencia demasiado fuerte para alguien que ha durado un único episodio y que termina de confirmar lo poderoso de su personalidad.

Los diálogos entre Rick y Michonne, por otra parte, dejan librados algunos misterios. Ella se sorprende de su brazo cercenado, pero más todavía cuando Rick le cuenta que fue el resultado de uno de sus últimos intentos de escapar, sin que termine de quedar claro si lo que experimenta ante ello es horror, duda o desilusión. Y cuando él quiere saber sobre Judith, Michonne le dice que está bien, pero claramente no quiere contarle todo y, más aún, se guarda lo del hijo que tuvieron en común y de cuyo nacimiento él nunca se enteró.

Otro momento que nos ha dejado este capítulo ha sido el “zombie especial nuestro de cada serie”, ese que aparece misteriosamente y del cual ya no volvemos a saber. ¿Quién le echó el bidón encima y le dejó esa inscripción al “hombre de la gasolina” y por qué marchaba este a contramano del resto aun después de las primeras explosiones provocadas por Michonne? Parte del encanto buscado, si es que puede haber encanto en un zombie, reside justamente en lo que, no siendo explicado, permanece en el misterio. ¿O acaso uno en su vida se entera de absolutamente todo?

El otro gran dato es la reaparición de Jadis y apelo a la memoria de quienes me leen para que me confirmen si, como creo, es el primer personaje que aparece en tres series de la franquicia (dejando de lado, claro, algunos destellos de flashback en los que vimos a Judith tanto en esta serie como en The Walking Dead: Daryl Dixon). Pollyana McIntosh, en efecto, ha estado en la serie principal, en The Walking Dead: World Beyond y ahora en esta. Quién hubiera dicho que sería ella la primera en lograr esa marca…

En definitiva, un episodio correcto que arroja luz sobre el pasado de Michonne y abre intriga con respecto al futuro, más cuando sabemos Michonne dentro de la República Cívica es peor que un bidón de gasolina. Pero esperemos que no persistan con lo de desarrollar personajes interesantes a los que luego matan, como los casos de Okafor y Nat. Por lo pronto, parece que en la próxima entrega volvemos a ver a Pearl Thorne (Lesley-Ann Brandt), la “esperanza sudafricana”. Espero, por el bien de la serie, que la hagan durar algo más…

Hasta la próxima y sean felices…

Crítica de El Rey del Invierno. Una vuelta de tuerca realista y con intriga política al mito del Rey Arturo

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Ya tenemos disponible al completo en Movistar+ la primera temporada de la serie El rey del invierno, una nueva interpretación del mito del Rey Arturo que adapta la magnífica novela de Bernard Cornwell del mismo título (con la que arranca su trilogía Crónicas del señor de la guerra).

La historia del Rey Arturo es una de las más adaptadas, contando su vida y milagros en libros, películas, videojuegos y todos los medios que uno pueda imaginar. Todos tenemos en mente los principales elementos del mito, el propio Arturo, Merlín, Ginebra Camelot, La Dama del Lago, Los caballeros de la mesa redonda, Lancerot, etc… Dependiendo de una versión u otra, estos elementos cambian y se trasforman, llegando a aparecer todos o solo algunos de ellos según la idea que el autor tenga en la cabeza. Por eso siempre es interesante acercarse a una nueva adaptación y ver si se ha logrado algo original e interesante y que a la vez, respete el espíritu del mito.

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Arturo y Merlín en El Rey del Invierno

Dentro del panorama audiovisual son múltiples las películas sobre el Rey Arturo. Desde el despiporre de Guy Richie en Rey Arturo: La leyenda de Excalibur (2017) a la edulcorada visión de El primer caballero (Sean Connery y Richard Gere en 1995), pasando por la canónica y posiblemente más alabada por crítica y público como es el Excalibur de John Boorman (1981). Sin olvidarnos por supuesto de Los caballeros de la mesa cuadrada (1975) donde los Monty Python pasan por su tamiz ácido y cómico la leyenda de Arturo.

En los últimos tiempos también se ha querido dotar de un barniz de verosimilitud histórica la a leyenda y se han dado acercamientos que pretenden usar la historia y la arqueología para contarnos la vida de Arturo desde una perspectiva más realista. Podemos poner como ejemplo El rey Arturo (2004) de Antoine Fuqua en la que la que Arturo es un comandante romano (Artorius).

A esta corriente historicista pertenece precisamente la obra de Bernard Cornwell, divida en tres novelas: El rey del invierno (1997), a la que siguieron El enemigo de Dios (1998) y Excalibur (1998), la primera de las cuales es adaptada en la serie homónima que podemos ver completa en Movistar+.

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¿Qué sería de Arturo sin Ginebra?

La novela de Cornwell tiene como principal aliciente presentar una nueva visión del mito artúrico en el que se mezclan los elementos clásicos con otros nuevos que dan lugar a una trama apasionante. La historia sigue la vida de un Arturo que es el hijo bastardo repudiado del cruel rey Uther que tiene que volver a Dumnonia tras la muerte de su padre reclamado por Merlín para defender su tierra y ser el protector de Mordred, el hijo bebé de Uther y futuro rey.

Hay que destacar la importancia de la dicotomía que se establece entre las creencias paganas de los protagonistas con el auge del cristianismo, dando lugar a una situación de convivencia pacífica al principio que luego se va trasformando. Dentro de esta idea del paganismo también es muy importante como el autor introduce la magia en su universo, de una manera sutil y más centrada en las creencias que en el poder, de tal manera que no choca con el tono realista de la narración.

No faltan tampoco las cruentas batallas, sucias y realistas, ni las luchas por el poder, con varios reinos en conflicto sin llegar a acuerdos mientras los sajones amenazan con acabar con todos.

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Nimue, la Dama del Lago

Es cierto que lograr plasmar todo esto en la pantalla es complicado. Y más cuando el nivel de producción de la serie deja un poco que desear, un delito en series de corte histórico. Pero a pesar de todo, la serie funciona ya que logra presentar muy bien las ideas principales de la historia. Las luchas de poder, la intriga política (que recuerda mucho a Juego de Tronos), la violencia y la oscuridad de la época… todo está bien tratado, sin escatimar detalles escabrosos (como la violación de Nimue, la Dama del Lago) y con un pulso narrativo firme que mantiene al espectador pegado a la pantalla durante los diez capítulos que tiene esta primera temporada. Una temporada donde vemos como Arturo intenta unir a los reinos para hacer frente a sus enemigos mientras tiene que aprender que no podrá hacerlo sólo, que necesitará la ayuda de sus amigos y compañeros si quiere triunfar.

Al igual que en los libros, el peso de las mujeres en la historia es muy importante, logrando que tenga voz y voto en un mundo violento de hombres duros y crueles. Por eso están tan bien tratados personajes como la citada Nimue o Morgana, que en esta ocasión es la hermanastra de Arturo y una de sus principales consejeras. Por otro lado, llama la atención que Merlín sea negro o Ginebra mulata, decisiones que pueden extrañar un poco, sobre todo por el tono realista del relato, pero ya se sabe que, en estos tiempos, la diversidad es un mantra demasiado importante.

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Gundleus, un villano que amarás odiar

En cuanto a la labor de los actores, la mayoría cumplen sin más. Siempre es más aconsejable que a la hora de dar vida a personajes tan icónicos se usen actores conocidos y con una buena dosis de carisma. Pero ya hemos comentado que esta serie no tiene un nivel de producción elevado así que lo contratar estrellas mejor lo dejamos. A este respecto Nathaniel Martello-White, sabe dotar a su Merlín del aura de poder y misterio adecuado, mientras que Valene Kane y Ellie James dan vida de manera muy convincente a Morgana y Nimue. Iain De Caestecker intenta dotar de profundidad y carisma a Arturo, lográndolo en algunas ocasiones, pero pecando de ser demasiado inexpresivo en otras. Stuart Campbell logra hacerse poco a poco con el personaje de Derfel y sin duda el que mejo está es Simon Merrells, dando vida a un villano tan depravado e interesante como Gundleus.

En resumen, en Rey del Inverno no esperes ver caballero en brillantes armaduras y enormes castillos. En su lugar tendrás fieros guerreros y asentamientos rocosos y oscuros, pero a cambio encontrarás una historia original, con muchos giros inesperados para los fans de los mitos artúricos. Una historia en la que las intrigas políticas, las sangrientas batallas y la lucha entre paganismo y cristianismo logrará mantenerte atento a la pantalla en una serie muy recomendable.

Reseña de La espada de Hiperbórea (2023), spin-off de Hellboy

Cuando el guionista y, sobre todo, dibujante Mike Mignola lanzó la primera serie de Hellboy hace treinta años, pocos podían imaginar la fama que alcanzaría. Hablamos de un universo fantástico alejado de los superhéroes que tendría su propia saga de películas, así como múltiples ramificaciones y spin-offs.

Reseña de El universo DC según Mike Mignola

Para los que no lo conozcáis, Hellboy es un demonio que trabaja para una agencia de investigación y defensa de lo paranormal. Mike Mignola, un dibujante con especial talento para lo paranormal, crea un mundo con ecos de distintas mitologías combinados con una potente influencia lovecraftiana. A lo largo de sus aventuras aparecen distintos personajes y objetos ligados a una compleja mitología.

Uno de ellos es La espada de Hiperbórea, cómic narrado alrededor de cuatro historias que giran en torno a una mítica arma del universo de Hellboy y su influencia en distintos acontecimientos históricos del último siglo.

Encontrada por el agente Ted Howards, esta espada otorgaba poderes imparables a quien la empuñaba. En este cómic se cuenta su historia a través de los distintos portadores a lo largo del siglo XX.

Aunque los autores reales del cómic son Rob Williams, Laurence Campbell y Quinton Winter, es imposible hablar de la espada de Hiperbórea y su mitología sin mencionar a Mike Mignola.

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Nacido en Berkeley (California) el 16 de septiembre de 1960, publica sus primeros dibujos en el fanzine The Comic Reader y debuta profesionalmente en 1982 para Marvel como entintador en títulos como Power Man & Iron Fist, Daredevil y The Defenders.

Posteriormente se embarca en dibujar series como Hulk y Alpha Flight para el mismo sello. Tras un fugaz paso por el efímero sello First Comics con la serie de fantasía heroica Corum, basada en las novelas de Michael Moorcock, en 1987 pasa a colaborar en DC Comics ilustrando miniseries como Superman: Mundo de Krypton (guión de John Byrne), Odisea cósmica (guión de Jim Starlin) y Batman: Luz de gas. De nuevo se vuelca en títulos de Marvel, para la que realiza números de Dr. Extraño (guión de Roger Stern) y Lobezno (guión de Walter Simonson). En 1993 crea para Dark Horse su obra más célebre: Hellboy, cuya primera miniserie sería guionizada por John Byrne pero que terminaría realizando como autor completo.

La espada de Hiperbórea está compuesta de cuatro historias. La primera de ellas emparenta directamente con Hellboy y he aquí uno de sus principales puntos débiles (o fuertes, según se mire): su fuerte conexión con la serie original, hasta el punto de que es difícil conectar con La espada de Hiperbórea sin haber leído Hellboy y, especialmente, la Agencia de Investigación y Defensa de los Paranormal (AIDP).

Por ello, este cómic no sería recomendable para aquellos que no hayan leído previamente las andanzas de Hellboy. Y, en el caso de que uno no se haya aproximado a las aventuras del demonio más famosos del cómic, la primera de las cuatro historias del tomo se le va a hacer larga y difícil.

Posteriormente, más alejado de la mitología de Mike Mignola, los autores ofrecen tres historias situadas en distintas épocas del siglo XX y con un marcado tono pulp que hará las delicias de los fans del género.

En definitiva, La espada de Hiperbórea es un notable spin-off que hará las delicias de los fans de Hellboy. Sobre todo porque es necesario leer previamente la serie del demonio de Mike Mignola para poder disfrutar este tomo.

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Enlace a La espada de Hiperbórea, de Norma Editorial.

DESCUBRE LA HISTORIA DE LA ESPADA DE HOWARDS

La icónica espada de Hiperbórea del mundo de Hellboy ha pasado por muchas manos importantes: desde el guerrero antiguo Gall Dennar al agente de la AIDP Ted Howards, pasando por Sir Edward Grey. Y no ha sido por accidente. Sigue el rastro de la espada a través de los encuentros y peripecias que la llevaron hasta el Ragna Rok, el fin del mundo, y sé testigo de su influencia en momentos clave de la historia. Mike Mignola, creador de Hellboy, nos ofrece una nueva aventura del mundo de Hellboy coescrita por Rob Williams y dibujada por el veterano del Mignolaverso Laurence Campbell.

¡Un saludo y sed felices!

¡Nos leemos en Las cosas que nos hacen felices!

 

Novedades Astiberri Ediciones de marzo de 2024.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos las novedades de Astiberi Ediciones, previstas para este mes de marzo.

Novedades Astiberri Ediciones marzo de 2024

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«Con nuestras novedades editoriales de este mes de marzo decimos adiós a una gran serie que nos ha acompañado los últimos años (Kitaro), cerramos un díptico vampírico (Little Monsters. Tenemos reseña del primer tomo aquí), damos la bienvenida al cómic infantil a un autor de renombre y continuamos apostando por el humor como vehículo para radiografiar a la sociedad». 

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Más abajo, os dejo el pdf completo con todas las novedades de este mes de Astiberri Ediciones. Echad un ojo, disfrutad y sobre todo …

¡Sed Felices!

Seis de las armas más mortíferas del cine de terror.

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Normalmente se piensa que las armas son solo importantes en las películas de acción, pero los héroes de las mismas, suelen usar cualquier tipo de artefacto para acabar con los enemigos. Sin embargo, una buena película de terror siempre tiene que venir acompañada de un arma que caracterice al personaje, que es el elemento que le da entidad para que se deposite en nuestra memoria. Para que una película de terror adquiera estatus de culto hacen falta dos elementos; un buen villano, y sobre todo, su arma característica, con la que pueda matar y llenar las butacas de sangre.

Hoy haremos un pequeño repaso por esas armas mortíferas que han creado su propia mitología.

1. Michael Myers y su cuchillo alargado.
Hablando de personajes icónicos, empezamos por el primero que hizo famoso al género slasher. Nos referimos a Michael Myers, el famoso asesino en serie creado por el maestro John Carpenter en la inolvidable La Noche de Halloween. Se puede decir que su fama es proporcional a la brutalidad con la que mata. Y para ello, se vale de su no menos famoso cuchillo de cocina. Nunca podrías haber imaginado que el vecino de al lado, igual puede estar cocinando…que matarte. Con un arma que brilla más que una estrella en la noche de halloween, y por supuesto, bien afilada por las más de 30 desafortunadas almas que han pasado por su hoja.

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2. El machete de Jason Voorhees.
Tal es la trascendencia de este arma que los amantes del cine hasta pueden comprar réplicas de la misma. Es el arma favorita de Jason Voorhees, de Viernes 13, que con su máscara de hockey le gusta arrebatar vidas en campamentos infestados de adolescentes. Como curiosidad, el tufillo a moralina de la época, en la que los jóvenes practicantes de sexo eran los primeros en morir. Vale que no sea de las mejores sagas de terror, pero sí es cierto que su personaje es uno de los más famosos y reconocibles de la ficción cinematográfica. Con su machete ha atravesado y arrancado la vida de 170 personas entre sus numerosas películas.

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3. La motosierra de Leatherface.
El arma más famosa de Texas no es un rifle, sino una motosierra. Sin duda, se puede decir que es el arma que lo empezó todo. La Matanza de Texas es la película que mostró el camino para que entendiéramos que una buena arma puede dar miedo y, a su vez, abrir el apetito por la carne humana. Esta arma ha logrado descerrajar a 39 personas. En manos de Leatherface, la motosierra marcó, con su zumbido metálico, a toda una generación. Desde entonces ha sido la mejor herramienta de trabajo de muchos personajes turbios de la historia del cine.

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4. Freddy Krueger y sus cuchillas.
Gracias a este personaje estuvimos tiempo sin dormir. La firma de este jardinero de las pesadillas encumbró a Wes Craven al olimpo del género de terror. Pesadilla en Elm Street nos demostró que hay una cosa que da más miedo que el fuego, y es el rostro desfigurado de Freddy. Como curiosidad, la película que demostró que Johnny Depp lucía palmito en pantalla.

Este asesino, que salía de las pesadillas, utilizaba su guante de cuero con cuchillas para ahorrar que te tuvieras que despertar para ir a clase…o a cualquier otro lado. Se le atribuyen al villano del sueño 42 muertes. Con cada uno de los asesinatos demuestra tener una ingeniosa creatividad, que pone de manifiesto que en las pesadillas todo puede ocurrir.

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5. Candyman y el Gancho.
Basta que te digan que no repitas algo para que no puedas dejar de pensar en ello. De eso se aprovecha Candyman, para aparecer cuando lo nombras cinco veces ante el espejo. Se dice que era amigo de las abejas, quizás por lo de picar con un gancho, un ser sobrenatural bastante sádico al que le encanta clavar su arma por la espalda. En este caso, el arma es una prolongación de su cuerpo, que oculta debajo de un muñón sangriento y en estado de putrefacción. La leyenda urbana habla de 25 asesinatos, pero ya sabemos que no podemos fiarnos mucho de las leyendas. Por si acaso, no repitas su nombre frente al espejo.

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6. Chucky el muñeco.
Chucky, El Muñeco Diabólico, es la perversión hecha mito; ya nunca podremos dormir tranquilos si hay algún muñeco en la habitación. Este inofensivo juguete pasa a estar poseído por el espíritu de un asesino y, sin una pizca de dulzura, empieza a instaurar su reinado del terror. Demuestra tener una personalidad sádica y psicótica, que lo impulsa a cometer asesinatos por pura diversión. El muñeco más famoso del cine ha matado a un total de 38 personas. Y en todas y cada una de ellas ha logrado mostrarnos, con su sonrisa siniestra, que no es un vulgar juguete, y menos aún, la marioneta de nadie.

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Bonus Track. El Creeper.
He querido añadir esta película a la lista, porque Jeepers Creepers me parece una de las películas de monstruos más divertida de los locos principios del 2000. ¡Vamos! que un monstruo que se despierta cada vientitrés años y, durante veintitrés días, no para de darse un festín de humanos. Tiene su pequeño secreto: esas partes que se come, luego se reintegran en las de su propio cuerpo. No dirás, como mínimo, que no te dan ganas de ir corriendo a verla.

El Creeper es un arma en sí mismo, sus garras, sus dientes, sus alas, todo en este monstruo está hecho para matar. Con un final desasosegante, de esos que te dejan demasiado frío como para dormir. Teniendo en cuenta la masacre que produce cada vez que se despierta, seguramente estaremos ante el mayor asesino letal de la historia, con permiso de John Wick claro.

Análisis de Shogun. Temporada 1. Episodio 2: Siervo de dos maestros

Bienvenidos al análisis del episodio 2 de Shogun. Esta semana hemos tenido episodio doble pero hemos decidido hacer dos posts en lugar de uno. Y es que hay mucho que contar. Vamos al lío.

Siervo de dos maestros

El segundo episodio se inicia con un flashback situado un año antes, en el momento de la muerte del Taiko. Es entonces cuando vemos cómo le comunica a Toranaga su decisión de constituir la regencia y le encarga proteger a Yaechido, su heredero, no sin antes tentarle con la posibilidad de ser el único regente, el Shogun, a lo que Toranaga renuncia ya que significaría una guerra abierta entre él y el resto de señores guerreros.

Tras el flachback, John Blackthorne aparece ante Toranaga y se introducen dos personajes importantes. Por un lado Lady Mariko (Anna Sawai), nuera de Adashi, estudiante de portugués y convertida al catolicismo que apareció al final del episodio anterior; por el  otro, el padre jesuita Martín Alvito (Tommy Bastow), quien sirve de intérprete a Toranaga.

Este último es el regente encargado de las relaciones exteriores pero no se fía de la traducción que un jesuita portugués puede hacer de las palabras de un inglés protestante, por lo que la intervención de Mariko será fundamental. Se establece aquí un diálogo entre Blackthorne y Toranaga que está desarrollado en pantalla de forma muy inteligente, obviando las traducciones del padre Martin y de Mariko.

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De esta forma no se entorpece la narración y se da fluidez a la escena, que termina con la aparición del general Ishido Kazunari (Takehiro Hira), rival de Toranaga, quien exige que Blackthorne vaya a la cárcel y de allí, presionado por los regentes católicos, a la muerte.

En la cárcel, John Blackthorne conoce al padre Domingo (un casi irreconocible Joaquin de Almeida, a quien juro que confundí con Geoffrey Rush), un encuentro fundamental para la serie porque le pondrá al tanto (y a nosotros) de quién es quién en la regencia. «Eres un niño en tierra salvaje. No conoces sus juegos.», le advierte el sacerdote.

Por un lado, tenemos a Lord Sugiyama (Toshi Oda), descendiente de la familia de samuráis más rica de Japón; Lord Ohno (Takeshi Kurokawa), un terrible guerrero desfigurado, un leproso que buscó consuelo en los brazos de la iglesia; Lord Kiyama (Hiromoto Ida), otro convertido cuya fe en Dios solo es motivada por la avaricia y la ambición; y por último a Lord Ishido, señor del castillo de Osaka y la mano que maneja todos los hilos.

En todo esto hay un detalle importante: Lord Ohno y Lord Kiyama se han convertido al catolicismo, uno por fanatismo y el otro por ambición pero ambos, presionados por los portugueses, exigirán la muerte de John Blackthorne y que la misma se produzca para poder aprobar, por unanimidad, la de Yoshi Toranaga.

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Toranaga ya contaba con eso, motivo por el cual (y no por las armas y los cañones) quiso traer a Blackthorne a Osaka, para dividir a sus enemigos y así ganar tiempo. De lo que no estaba al tanto, y es el detalle por el que los portugueses y los jesuitas quieren quitar a Blackthorne de en medio, es de que se había establecido una base secreta en Macao, plagada de samuráis japoneses convertidos al catolicismo, que quizá tuvo algo que ver con una revuelta contra el Taiko producida unos años atrás.

Evidentemente, Blackthorne y los suyos no son simples mercaderes protestantes sino que más bien formaban parte de una expedición cuyo objetivo era desmantelar en lo posible las bases españolas y portuguesas en el Pacífico y llegar a Japón para establecer alianzas.

Cuando trasladaban a Blackthorne a los dominios de Kiyama para ser ejecutado, la patrulla que le acompañaba muere a manos de unos bandidos instigados por Kashigi Yabushige, quien se ha compinchado con Lord Ishido para que los católicos regentes no alcancen sus objetivos. Y es que una vez eliminado Toranaga, el siguiente en el escalafón es Ishido, quien se da cuenta de que la alianza entre Lord Ohno, Lord Kiyama, los portugueses y los japoneses puede ir contra él.

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De regreso con Toranaga, Blackthorne le cuenta lo que sabe, escandalizando a Mariko, quien no se cree que los portugueses (católicos como ella) puedan ser sus enemigos. Lo de la base de Macao convence a Toranaga de que debe mantener a Blackthorne con vida y por eso también, en calidad de regente encargado de las relaciones exteriores, impide que zarpe el Barco Negro de los portugueses.

La importancia de Blackthorne es evidente cuando, al final del episodio, alguien intenta asesinarlo, fallando en su objetivo ya que Toranaga lo había alojado en sus aposentos al tiempo que él ocupaba el del invitado.

Intrigas religiosas

En el flashback que inicia el episodio, el Taiko le dice a Toranaga que ojala hubiera podido conquistar Corea, lo que nos lleva a establecer que el personaje está basado en Toyotomi Hideyoshi, daimio que unificó Japón, invadió Corea y murió en 1598; en la serie se supone que muere un año antes de la acción, en 1599. Tras su muerte, se inicia el Shogunato Tokugawa en el que se basa la serie.

En este segundo episodio es cuando empezamos a ver realmente los juegos de poder a los que juegan los Cinco Regentes. «No conoces sus juegos», le dice el personaje de Joaquin de Almeida a Blackthorne, personaje del que no se nos cuenta mucho pero todo parece indicar que no es jesuita sino más bien dominico o franciscano, las órdenes mendicantes que llegaron a Japón con intenciones más evangelizadoras.

Aunque los habíamos entrevisto en el episodio anterior, en este se da la presentación de los Cinco Regentes, estableciendo su posición y sus intenciones. Vemos que, a pesar de no ser el mayor fan de Toranaga, el general Ishido no está muy entusiasmado con la influencia que jesuitas y portugueses ejercen sobre dos de sus compañeros, lo que no descarta una alianza entre Toranaga e Ishido.

El Barco Negro

A lo largo del episodio se habla de El Barco Negro, al que Toranaga no deja zarpar tras conocer el asunto de las bases en Macao. En este punto nos preguntamos qué es exactamente ese barco negro al que se refieren.

Por lo visto, Barco Negro es una denominación genérica para todos los barcos occidentales que llegaron a Japón entre el siglo XV y el siglo XIX. Se trataba de unos barcos tipo «carraca» e iban pintados de brea para impermeabilizar la madera, de ahí el color oscuro que motivó el apodo que les daban los japoneses.

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En este punto de la historia hay que señalar que los barcos japoneses de la época no eran como los occidentales y que fue William Adams (John Blackthorne en la serie) el que ayudó a construir en Japón el primer barco de estilo occidental.

Se conservan cartas de William Adams y en el fragmento de una que envió a su esposa se puede ver la inspiración para la escena en la que Blackthorne le cuenta a Toranaga cómo y por qué llega a Japón:

«Me presenté ante el rey y le caí bien, me pareció que iba a estar maravillosamente bien dispuesto hacia mí. Me habló por señas, algunas de las cuales entendí pero otras no. Al final vino alguien que hablaba portugués. Por medio del traductor, el rey me preguntó de qué país era y qué nos había impulsado a viajar tan lejos. Le dije el nombre de nuestro país y que desde hacía mucho tiempo intentaba llegar a las Indias Orientales, y que deseaba conseguir la amistad de los gobernantes japoneses y otras personas importantes con el objeto de poder desarrollar intercambios comerciales, sobre todo de los productos que existían en nuestro país y que Japón no tenía. Me preguntó entonces si en nuestro país había guerras, le respondí que sí, con los españoles y con los portugueses y que estábamos en paz con el resto de naciones. Además me preguntó en qué creíamos y le dije que en Dios, que hizo el cielo y la tierra. Me preguntó por otras cuestiones ajenas a la religión, incluso sobre el modo en que habíamos conseguido llegar a su país. Le expliqué que tenía un mapa de todo el mundo, se lo enseñé y le indiqué cómo habíamos llegado a través del Estrecho de Magallanes. Se asombró con lo que le conté y me dijo que creía que yo le mentía. Así, hablando de unas cosas y de otras estuve con él hasta la medianoche.»

Karesansui

Es la escena en la que dibuja el mapa del mundo conocido que se han repartido portugueses y españoles en el jardín del heredero. «Joven señor, le pido disculpas por vilipendiar su jardín», le dice Toranaga al heredero, ya que Blackthorne dibuja el mapa en la arena de un karesansui, el jardín de arena japonés creado para su contemplación, no para pasear por él y ni mucho menos para ir dibujando mapas.

Un jardín que vemos también en los títulos de crédito de la serie, que aparecen por primera vez en este episodio y cuyo estilo nos remite, como muchas cosas en Shogun, a Juego de tronos. No me digáis que no se parecen.

Con esto terminamos. Nos leemos en el siguiente episodio. Un saludo, sed felices.

Reseña de Las Aventuras del Capitán Torrezno. Tomo 1. Astiberri Ediciones ¡Una maravilla del noveno arte a nuestra disposición!

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de presentaros una maravilla del noveno arte, nacida en España. Hoy queremos hablaros de Las Aventuras del Capitán Torrezno, volumen 1. Gracias a una excelente edición de Astiberri Ediciones.

Antes de hablar de esta obra, intentando estar a la altura de la misma y estando seguro de no llegar, quiero decir que Las Aventuras del Capitán Torrezno es una absoluta maravilla.

Ahora … ¡Vamos a ello!

Las Aventuras del Capitán Torrezno. Volumen 1.

Astiberri Ediciones.

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En el Madrid de finales de los años 70′, un funcionario del Ministerio de Obras Públicas de mediana edad, José Hilario Viñeiredo, se encontraba hastiado y aburrido de su sórdida vida y su apesadumbrada soledad, decide que algo suyo debe perdurar en el mundo cuando él no esté.

Y don Hilario, decidió que sus horas de ocio no podían consistir en beber cañas en el bar Denver, que está situado a escasos metros de su casa.

Hilario Viñeiredo decidió convertir su languidez en algo que pudiera ser recordado. Hilario decidió recrear El Jardín del Edén, en la oscuridad del lúgubre sótano de su edificio.

Pero esto es un tebeo de aventuras. Donde hay un héroe siempre debe haber una antítesis, un rival, un enemigo. Y el universo ha decidido que ese archienemigo sea: Sinforoso Lafuente. Un cliente habitual del Bar Denver.

Pero lo cierto es que …

¡A veces las cosas no salen como uno desea!
¡Y nuestras creaciones pueden tomar una entidad propia y salirse de nuestro dominio!

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«Hace muchos, muchos años, en un destartalado sótano de la madrileña calle Valverde, un viejo funcionario creó sin saberlo una civilización de fundamentalistas religiosos, recolectores de cacahuetes y nostálgicos de la estufa eléctrica.

En medio de este caos de guerras fratricidas e histeria colectiva aterriza un personaje de dudoso origen, achatada figura y pocas trazas de redentor, su nombre es Capitán Torrezno».

Y aquí dio comienzo nuestra historia. Las Aventuras del Capitán Torrezno

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La presente edición de Astiberri Ediciones.

Debo decir que esta reedición se antojaba necesaria. El Capitán Torrezno ha sido publicado en nuestro país en tres editoriales diferentes. Esta edición de Astiberri es la edición definitiva.

Estamos en rústica con solapas, que cuenta con un papel poroso de alto gramaje, que hace agradable su lectura. El tomo tiene unas pedidas de 21×29,7cm, consta de 296 páginas en glorioso blanco y negro (excepto 8 páginas de extras) y cuenta con un P.V.P. de 30€.

Este primer tomo, se encuentra disponible desde el 28 de septiembre de 2023 y podéis adquirirlo en vuestra librería habitual, en grandes superficies o en la web de Astiberri si pincháis aquí.

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Santiago Valenzuela. El culpable de esta magnífica obra.

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Santiago Valenzuela

Santiago Valenzuela GarcíaNacido en San Sebastián (Guipúzcoa), en 1971. De casta le viene al galgo, puesto que su padre es el escritor orensano José Eduardo Valenzuela (de 95 años de edad).

Volviendo al padre del Capitán Torrezno … Licenciado en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid, en la especialidad de grabado. Ha trabajado como ilustrador en diversos medios como el diario El País y otros medios de comunicación.

Casi todo su tiempo, lo dedica al cómic. En Astiberri ha publicado El Lado Amargo (2005) y El gabinete del doctor Salgari (2007). También es colaborador en diversas revistas como Tos, Humo, Cretino y Dos veces breve.

En el año 2001, dio vida a Las Aventuras del Capitán Torrezno y desde aquí, debo decir …

¡Larga vida al Capitán Torrezno!

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Valoración final de la obra.

Cuando hablamos de Las Aventuras del Capitán Torrezno, no estamos hablando de un cómic cualquiera. Nació en el año 2001 y vio la luz en la editorial De Ponent y se publicaron sus siete primeros álbumes. Más tarde, Panini publicó otros tres tomos.

Pero la vida del Capitán Torrezno no acabó ahí. En 2023, Astiberri Ediciones ha decidido recopilar toda la obra del Capitán Torrezno desde el principio y además, continuar donde lo dejaron las anteriores editoriales.

Debo decir que la edición de Astiberri es una maravilla. Tenemos calidad a un buen precio, en uno de los cómics más originales e imaginativos del panorama español.

Las Aventuras del Capitán Torrezno es una extraña combinación (que funciona de manera excepcional) de cómic underground y fantasía. Sus historias son trepidantes y el dibujo es excepcionalmente bueno. Bueno de verdad.

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Cuando estás leyendo los sucesos que acontecen al Gran Padre Hilario Viñeiredo, podemos degustar un cómic propiamente underground. Pero en el momento que nos adentramos en el universo en miniatura donde sucede toda la aventura … En algunos momentos, me ha recordado al Maestro Moebius.

En definitiva … Tenemos la oportunidad de disfrutar de un pedazo de tebeo de aventuras en un mundo fantástico, cuyo sublime dibujo hace que pases una página detrás de otra y no puedas parar. En ningún momento.

Mi consejo es: «Id a por ello. No os vais a arrepentir«. Y como os digo siempre … Echad un ojo, disfrutad y …

¡Sed Felices!

Novedades de Planeta Cómic de marzo de 2024.

Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os presentamos las novedades de Planeta Cómic, previstas para el mes de marzo de 2024.

Novedades Planeta Cómic marzo de 2024

«Durante este mes de marzo Planeta Cómic estrenará un montón de novedades geniales. Como, por ejemplo, No me cuentes cuentos, una novela gráfica de Judit Crehuet, basada en la obra homónima de Sandra Sabatés y que incluye una entrevista inédita. Un libro que denuncia hasta qué punto hemos normalizado la violencia de género.

Otra novela gráfica será Forgotten Blade, una fantasía épica cargada de acción de Toni Fejzula y Tze Chun. La desaparición de Josef Mengele también se añadirá a la colección. Se trata de la adaptación gráfica de la novela de Olivier Guez sobre la huida y la persecución de Josef Mengele, el Ángel de la Muerte de Auschwitz.

Planeta Cómic infantil y juvenil crecerá con La calle del cerezo., un cómic para reforzar valores como la empatía, la sostenibilidad, la convivencia con el entorno o la concienciación medio-ambiental y animalista.

El cómic USA presentará titulazos como Hay algo matando niños, Maniac of New York, Geiger o Spawn Gunslinger.

Pícara intocable y Vengadores de las sombras serán las novelas MARVEL del mes.

Star Wars tendrá tres tomos comiqueros más en su haber.

Finalmente, el manga hecho fuera de Japón vendrá liderado por Planeta Manga 23 y el cómic puramente japonés contará con obras maravillosas como Gintama, Suzume, Gunsmith Cats Burst, Alicia en el País de las Maravillas, My Androgynous Boyfriend y Old-Fashioned Cupcake with Capuccino.

Además, habrá más números de la nueva edición de One Piece, Inuyasha o Video Girl Ai.

¡Gracias por leernos!»

Más abajo, os dejo el pdf completo con todas las novedades de Planeta Cómic, previstas para este mes de marzo. Echad un ojo, disfrutad y …

¡Sed Felices!

Análisis de Los Amos del Aire. Miniserie. Episodio 7

Continuamos analizando Los Amos del Aire, miniserie que, producida por Steven Spielberg y Tom Hanks, retrata los eventos y personajes ligados al 100° Grupo de Bombardeo durante la Segunda Guerra Mundial, tocándonos hoy el séptimo episodio, cuyo título es simplemente Parte 7. Creada y desarrollada por John Shiban y John Orloff, la miniserie es emitida semanalmente por Apple TV+.

Bienvenidos nuevamente para analizar otro episodio de Los Amos del Aire y por cierto que el séptimo, que hoy nos ocupa, es una gran entrega y cierra mejor que la anterior sus diferentes arcos, que en este caso son dos…

Ello no quiere decir que no haya alguna deficiencia y hasta alguna incongruencia que ya hablaremos, pero la dirección y el guion se las han apañado para que tanto el arco de John y Gale en el campo de prisioneros alemán como el de Rosenthal y Crosby en la base de Thorpe Abbotts mantuvieran el interés a lo largo del capítulo, permitiéndonos incluso el segundo de ambos ver ahora al 100° (o a lo que queda del mismo) atacar el corazón de la Alemania nazi.

Pasemos pues a ver qué nos ha dejado este episodio no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.

Cartas y Noticias en la Reclusión

Comenzamos en Stalag Luft III, el campo de prisioneros de la Luftwaffe al cual, entre otros, han ido a parar John y Gale. Siendo todos colegas del aire, el trato es algo más humanitario que en otros campos administrados por la Gestapo o las SS y, por lo menos, se les permite recibir correspondencia. De hecho, Gale le ha propuesto matrimonio a su novia y le ha respondido afirmativamente, lo cual genera argumentalmente una pequeña incongruencia: si se venía intercambiando correspondencia con ella, ¿cómo es posible entonces que su propia fuerza aérea no supiera que estaba vivo?

Más allá de ello, la situación crea una diferencia de percepción por momentos antagónica entre Gale y John, pues mientras este último quiere pensar en salir de allí aun cuando en ello les vaya la vida, el segundo es cada vez más partícipe de permanecer en reclusión hasta que el conflicto termine y así quizás poder regresar a su casa y a su Marge. Gale, en cambio, dice haber hecho en su vida todo mal y, por lo tanto, no tiene nadie que le envíe cartas…

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Los días son duros: la dieta puede incluir sopa de gato y no tienen noticias del exterior acerca de los frentes de lucha. Un receptor de onda corta montado de manera clandestina les permite, sin embargo, captar emisoras aliadas y así es cómo se enteran del fracaso de la acción británica en Montecassino, los enfrentamientos en Anzio y la paliza soviética que los alemanes están recibiendo por el este. Pero el receptor es descubierto y habrá que abocarse a la tarea de armar uno nuevo aun cuando haya que sacrificar el reproductor de discos de pasta.

Se nota que no les está yendo bien a los alemanes, pues se los ve cada vez más nerviosos y ello deviene en hechos desagradables, como que un prisionero norteamericano reciba un disparo simplemente por no estar en su lugar.

Lo peor, sin embargo, llega con las noticias de la famosa “gran evasión” de la que habláramos en el análisis del capítulo anterior. La operación que dio lugar a la fuga de ochenta prisioneros por un sistema de túneles fue, en efecto y como se sabe, montada por los británicos, lo que hace que los americanos solo sean puestos al tanto por los guardias a su cargo…

No solo se les informa que los presos recapturados han sido ejecutados, sino que además se anuncian condiciones de seguridad más rigurosas, mencionándose incluso que el campo pueda pasar a manos de la Gestapo o las SS, además de separados los prisioneros judíos. Nos alegramos en ese momento de que Rosenthal no esté allí…

Lunes Negro y Misión N° 25

Rosenthal, como habíamos visto sobre el final del episodio anterior, ha regresado a la actividad y encuentra que, en sus pocos días de ausencia, el 100° se ha plagado de rostros juveniles y nuevos, lo que va en consonancia con los reemplazos por las pérdidas sufridas. El relato en off de Crosby nos dice que ya no hay siquiera esfuerzo en conocerles ni trabar amistad con ellos, porque lo más probable es que en pocos días no estén.

Por otra parte y contrastando con ello, todos ven con alegría regresar a la base sanos y con vida a Quinn y Bailey, de quienes así nos enteramos que han logrado finalmente escapar de Francia.  Algo apresurado y en off el cierre de su arco…

Contrariamente a lo que parecía, volvemos a tener noticias de la “subalterna” Westgate, quien cada tanto tiene aventuras entre sábanas con Crosby y la relación pareciera, contra todo pronóstico, no quedar trunca. Sin embargo, hay algo extraño en ella, pues no sabemos la causa de sus largas ausencias ni tampoco dice palabra a Crosby cuando le pregunta al respecto. Creo que su verdadero papel en la historia puede darnos alguna sorpresa: lo bueno es que no hayamos perdido al personaje…

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Apenas regresado Rosenthal, su cuerpo recibe una misión de lo más suicida sobre Berlín. Se trata del famoso “lunes negro” (no confundir con el del desplome bursátil de 1987), tal como se conoce a la operación aérea del 6 de marzo de 1944 en la cual los americanos perdieron nada menos que quince aviones, consiguiendo solo dieciséis regresar a Inglaterra y uno de ellos en pésimas condiciones.

Pero si no bastara con ello, ya al otro día se les anuncia una nueva misión… que es la misma. En efecto, el coronel Bennett, reemplazo momentáneo de Harding que se halla en Londres, les pone al tanto de que nuevamente deberán volar sobre Berlín, en este caso para dar cuenta de una fábrica de rodamientos. El hecho de que la ruta de navegación sea exactamente la misma que la del “lunes negro” siembra desolación entre todos, lo cual Bennett busca calmar parcialmente al comunicarles que él mismo estará al frente de la acción.

El panorama no puede pintar menos pesimista, pues solo les quedan quince bombarderos disponibles, cifra exactamente igual a la de los que fueron derribados en la anterior misión sobre Berlín: la sensación general entre los hombres del cuerpo es que son solo piezas intercambiables y no hay ningún complejo ético en mandarlos a la muerte a todos.

Afortunadamente, sin embargo, hay algo que cambia bastante las cosas al momento de partir y es que son escoltados por un escuadrón de cazas P-51 Mustang , los cuales, llegado el momento del encuentro con los cazas alemanes, logran abrirles paso para bombardear el objetivo y regresar a la base con la pérdida de un único bombardero.

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Rosenthal ha regresado con éxito de su vigesimoquinta misión y ello significa que tiene habilitado el retorno a casa. Hay fiesta en la noche, pero a la vez llegan desconcertantes y devastadoras noticias: los altos mandos han decidido estirar a treinta el número de misiones necesarias para regresar. Ello no afecta a Rosenthal, pero sí a otros que están esperando el momento y deberán esperar aún más, lo que genera incluso que alguno de ellos increpe al propio Rosenthal y condene el “cambiar las reglas del juego durante el juego mismo”.

La culpa, una vez más, hace mella en Rosenthal, que va a ver a Bennett para pedir ser reenlistado y este, en efecto, le adjudica el mando del 350° que él mismo ha dejado vacante al pasar a hacerse cargo del 100°.

Balance del Episodio

Está bien claro que las acciones aéreas ya no tienen el protagonismo de los primeros episodios al estar fuera de las mismas los dos principales personajes de la serie, pero ello no significa que no importen en cuanto a sus consecuencias humanas ni que la trama de Stalag Luft III carezca de interés, sino que por el contrario, se convierte en la primera incursión de las series de la dupla Spielberg-Hanks en los campos de prisioneros de guerra.

Es en ese sentido un punto interesante el de las diferencias de percepciones y experiencias. Para John puede ser necesario e imperante salir de su reclusión, pero para Gale lo es todavía más regresar a casa y contraer matrimonio con Marge: las historias personales de ambos, con afectos o sin ellos según el caso, son claramente el punto de conflicto. Y las noticias sobre la fuga de los británicos, con las consecuentes ejecuciones de los recapturados, pareciera dar a Gale un argumento a favor.

Algo semejante se vive en la base con la noticia de que el número de misiones para ser desafectados ha sido estirado a treinta. La alegría del triunfo y de una nueva misión exitosa crea sensaciones opuestas entre quienes regresan de inmediato a casa y quienes deben seguir esperando para hacerlo. Pero Rosenthal es coherente con la decisión que tomara al final del episodio anterior y si algo ha aprendido de su paso por la finca de descanso es que no va a abandonar a los suyos cuando le consideran tan importante. Es sin duda un gesto valiente y habrá que ver hacia dónde le conduce (no voy a espoilear con lo que la historia misma nos cuenta al respecto).

Una buena noticia es que no hayamos perdido a Westgate, quien se había revelado en el episodio anterior como un personaje interesante pero, como fue dicho en la reseña, habrá que ver ahora cuál es el secreto que encubre, pues está claro que a Crosby no le cuenta todo. Su repentina e inoportuna convocatoria en el episodio anterior ha sido bastante misteriosa, aunque en ese momento quizás lo tomamos como otra más de las historias sentimentales que no lograban cerrarse. Pero ahora salta a la vista que había algo más y que el arco entre ella y Crosby no estaba cerrado…

Particular nostalgia me ha despertado la pesca de transmisiones en onda corta, algo que los más jóvenes quizás nunca hayan experimentado, pero que forma parte del pasado de muchos de los que ya tenemos una cierta edad. En lo particular, me hizo recordar a mí mismo buscando captar transmisiones de radios extranjeras durante la dictadura argentina de los setenta y primeros ochenta o, ya durante la guerra de Malvinas, buscando oír qué decía el bando británico desde la BBC. Ya sé que son sensaciones puramente subjetivas y personales, pero en definitiva qué no lo es…

Con respecto a la oportuna intervención de los cazas P-51 Mustang puede sonar para muchos a la caballería interviniendo en el momento justo, pero es un dato históricamente avalado que los mismos fueron justamente decisivos como escolta de los bombarderos durante la etapa final de la segunda guerra mundial y se les adjudica, en principio, el derribamiento de cerca de cinco mil aviones alemanes.

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En el balance, ha sido un gran episodio y mejor cerrado que el anterior (más aún: lo revaloriza al reabrir alguna subtrama que creíamos mal cerrada). Lo bueno es que ya la serie pareciera haber definido quiénes son sus personajes principales además, claro, de John y Gale, algo que se hacía difícil en los primeros episodios.

El mayor problema que ha mostrado esta entrega, no obstante, es el de resolver en off y tan apresuradamente la subtrama que involucraba a Quinn y Finley que, de hecho, reaparecen tan rápido como vuelven a desaparecer.  No se condice ello con el desarrollo que, particularmente Quinn, adquiriera algunos episodios atrás ni con el de algunos personajes secundarios de la resistencia que parecían haber pasado a tener importancia, como el caso de las dos muchachas.  Una pena que se haya pasado por encima de todo ello de modo tan desabrido…

Quedaría por ver, desde luego, si Quinn y Bailey reaparecen del mismo modo que lo ha hecho Westgate o si algún flashback nos ilustra acerca de la historia faltante, pero a primera vista la impresión es que no y solo quedan dos capítulos por delante, lo que hace pensar que poco lugar quedará para ello en la medida en que las definiciones comiencen a llover de manera más copiosa.

Hasta la próxima y sean felices…

American Fiction, posible (y merecida) sorpresa en los Oscar

De tapadillo llega American Fiction o Ficción a la americana según la traducción de Amazon Prime, la plataforma que ha estrenado la película de Cord Jefferson protagonizada por Jeffrey Wright y nominada a cinco oscars (mejor película, mejor actor, mejor actor secundario, mejor guion adaptado y mejor banda sonora). Ahí es nada. Estamos ante una de las películas más inteligentes, adultas e interesantes en lo que va de año. Vamos al lío.

Una de negros

Thelonius «Monk» Ellison (Jeffrey Wright, nominado al Oscar a mejor actor) es profesor de literatura y escritor venido a menos. La película se inicia con la discusión de Monk (negro) con una de sus alumnas (blanca) porque a esta última le ha ofendido la palabra «nigger», es decir «negrata», escrita en referencia al título de una novela. «Si yo puedo con ello, seguro que tu también», le dice Monk.

Pues va a ser que no. La cosa acaba a gritos y Monk es invitado a tomarse unas vacaciones que aprovecha para visitar a su familia: una hermana que es doctora en una clínica abortista, un hermano cirujano plástico que ha salido del armario (Sterling K. Brown, nominado al Oscar como mejor secundario) y una madre con principio de alzheimer, amén de una criada que lleva con ellos toda la vida.

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Monk anda cabreado porque no puede colocar su último libro (un tostón sobre los mayas) a ningún editor. El mercado quiere libros escritos por negros, perdón, por afroamericanos que se centren en las barbaridades que ha sufrido su pueblo y que remuevan la conciencia de los blancos, predominantemente W.A.S.P.

A Monk todo esto se la trae al fresco. Él sólo es un escritor de familia bien (su padre era ginecólogo) que sólo quiere escribir buena literatura. Que le pongan en la sección de Estudios Afro-Americanos sólo por el color de su piel y no por lo que cuenta, le repatea. «Y si quieren negros y negratas, es lo que tendrán», piensa Monk, por lo que escribe una novela llena de clichés, mala de narices y escrita por un supuesto autor negro, ex-presidiario, perseguido por el F.B.I. y que cuenta sus vivencias en los ghettos.

Por supuesto la novela es un éxito, cosa que a Monk le repatea aun más pero necesita el dinero para cuidar de su madre y no le queda otra que seguir el juego hasta sus últimas consecuencias.

Jeffrey Wright

Zas, en toda la boca

Ya podéis ver que American Fiction es una bofetada a toda la hipocresía circundante hoy en día. No sólo la de los blancos anglosajones protestantes y heterosexuales, también a los blancos anglosajones católicos heterosexuales, a los no anglosajones, a los homosexuales, a los negros y a todo el mundo.

American Fiction pone en solfa a todo el buenismo que nos rodea, a esa tendencia a ofenderse por cualquier palabra que a uno no le guste, sacada de su contexto histórico, a toda la cultura oficial y la contra-cultura y muy especialmente a Hollywood y toda la hipocresía que le rodea. Porque por supuesto, el éxito de Fuck, que es como se titula el libro fake escrito por Monk, es total y Hollywood le compra los derechos pero, eso si, para hacer la película a su manera.

Y lo hace en forma de película inteligente, demasiado inteligente. Formalmente, American Fiction le debe haber sentado como una patada en los huevos a Denis Villeneuve, que el otro día decía que:

«El cine ha sido corrompido por la televisión. No me interesan en absoluto los diálogos. Imagen y sonido puros, ése es el poder del cine. Francamente, odio el diálogo. El diálogo es para el teatro y la televisión. No recuerdo las películas por una buena frase».

Y se quedó tan pancho.

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Pues eso, que American Fiction es diálogo, diálogo y más diálogo. No hay escena en la que los personajes permanezcan mudos. No llega a lo que conocemos como «teatro filmado» porque es verdad que se mueven por diferentes localizaciones y la cámara tampoco queda quieta pero prima más el diálogo y los personajes que la puesta en escena, esa imagen y ese sonido que según el perpetrador de Blade Runner 2049 es el poder del cine.

Por otro lado, hay momentos en que a American Fiction le pesa una cierta falta de definición. La película tiene más de comedia que de drama pero no anda exenta de esto último en varias escenas y pasa de un género a otro de forma demasiado brusca. Si al principio da la sensación de abundar en la crítica social y racial, al cabo de una hora parece que estemos ante una nueva versión de Tootsie que no acaba por concretarse.

La hipocresía de Hollywood

Esa indefinición, voluntaria o no, le pasa factura al final, demasiado abrupto y demasiado intelectual para el espectador medio. Ya me imagino los artículos en plan «American Fiction: el final explicado».

Dudo que Jeffrey Wright o Sterling K. Brown se lleven el Oscar, aunque su trabajo no desmerece en absoluto del resto de nominados, muy al contrario. American Fiction se sustenta en tres patas: la historia, los diálogos y los actores. No se puede seguir la historia sin el buen trabajo de sus intérpretes pero que la hayan premiado con cinco nominaciones no deja de ser paradójico, cuando no hipócrita.

Porque, especialmente, en ese final, la película se erige en una feroz crítica a ese Hollywood que busca aprovecharse de todo y contentar a todos. No creo que gane el Oscar pero películas peores y más raras lo han ganado y, de hacerlo, confirmaría su mensaje, sería un sorpresón y la cara que se le quedaría a Christopher Nolan sería impagable. Un saludo, sed felices.

Cómics. La lista de la compra del mes de marzo de 2024

Bienvenido un mes más a vuestra sección preferida. Como todos los meses, os dejamos dos cómics recomendados por crítico que salen a la venta este mes en España. Espero que os puedan sacar alguna duda y que os podamos guiar con alguna joya. También os recuerdo que es nuestra opinión personal y puede no coincidir con la vuestra. Allá vamos con La lista de la compra del mes de MARZO de 2024.

Y esta vez venimos con sorpresa y nuevo colaborador en esta sección: Carlos Trujillo. Bienvenido.

Juanjo Avilés

  1. Big Game. Panini. 24 euros. Mark Millar es uno de los guionistas mas listo del mundo del cómic. Ha sabido ofrecer al publico obras espectaculares de creación propia que, sin tener una gran profundidad argumental, casi siempre ofrecen lecturas divertidas y entretenidas acompañadas de un dibujo de gran nivel. Y ahora ha llegado el momento de ir un paso más allá y ofrecernos un gran evento en el que se cruzan todos los personajes del Millarword dibujados por el gran Pepe Larraz. Una historia que Panini recopila en un solo tomo para disfrutar aún más de su lectura. Si, ya sé que será todo muy palomitero y posiblemente sin sustancia, pero que queréis que os diga, soy muy fan de Millar y a veces no le pido más la vida que pasar un buen rato con un cómic.

cómics

2. Geiger. Planeta Cómic. 20 euros. Planeta publica el primer tomo recopilatorio de Geiger, la serie de creación propia de Geoff Johns y Gary Frank dentro de Mad Ghost Comics, su propio sello en Image que posteriormente pasaría a conocerse como Ghost Machine. Todo lo que lleve la firma de estos autores entra dentro de mi radar, sobre todo si además nos vamos a encontrar con una gran historia postapocalíptica. La guerra nuclear destrozó el planeta en 2030 y en 2050 la humanidad buscar refugio en Las Vegas, una ciudad convertida en un parque temático gobernado por varios señores de la guerra. Pero en el exterior, Tariq Geiger tendrá que dejar de lado su aislamiento para proteger a unos jóvenes huérfanos dando a conocer al mundo su poder. La imaginación de Johns y su buena mano tratando personajes unido al dibujo de Gary Frank, compra segura.

Geiger

Mario Losada

  1. Obras Maestras Marvel. Daredevil de Frank Miller y Klaus Janson 1 de 4. Panini. 42 euros. Este tomo contiene los siguientes números americanos: Daredevil 144-158, Marvel Premiere 43 y Peter Parker, The Spectacular Spider-Man 27 y 28. Y si eres fan de Frank Miller sabrás que el autor americano empezó a dibujar al hombre sin miedo a partir del número 158, justo el último presentado en este tomo. En fin, que desde Panini se las apañan para meternos las tramas anteriores que se irán cerrando poco a poco, y presentarnos el Daredevil de Miller y Janson en 4 tomos de lujo en vez de en 3 tomos. Una maravilla de los años 80, de las sagas más importantes pero que esta vez tenemos que pasar por un pequeño periplo de 14 números para entrar de lleno en la saga que nos concierne a todos. Aún con esto, merece la pena al 100%.

Captura

2. Invencible vol. 6 (Edición Deluxe). ECC Cómics. 63 euros. Menuda pedazo serie es Invencible. Y con este tomo ya solo estamos a falta de 2 tomos para finalizar la edición deluxe. Y además de recomendar la colección y el formato Deluxe (soy un sibarita) lo hago porque la colección traspasa los 100 números americanos. Todo un logro para esta serie creada por Robert Kirkman con Ryan Ottley y Cory Walker en el equipo creativo.

Capturaa

Carlos María Porras

  1. Batman Gótico. ECC Ediciones. 21,50 euros. La mafia de Gotham acude sorprendentemente pidiendo ayuda a su máximo enemigo, Batman, ya que alguien desconocido está acabando con ellos de uno en uno. De Grant Morrison y Klaus Janson. Una clásica y muy recomendable historia de Batman.

cubierta batman gotico GNGB WEB

2. Arrugas. 18ª edición. Astiberri. 15 euros. Tiro de dos clásicos en mis recomendaciones de la lista de la compra. Clásico americano con un Batman que me encantó y ahora voy con uno de los mejores cómics patrios españoles. Este mes sale la 18º edición, ahí es nada. Tras más de 94.000 ejemplares vendidos, llega a librerías la decimoctava edición de Arrugas, de Paco Roca. En esta obra, el dibujante trata temas delicados, hasta su creación en 2007 escasamente tratados en historieta, como son el Alzheimer y la demencia senil. Y lo hace de un modo intimista y sensible, con algunos apuntes de humor pero sin caer en ningún momento en la caricatura.

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DAve Solis

  1. Zombillenium. Integral. Nuevo Nueve Editores. 40 euros. Si mueres y resucitas a causa de las mordeduras de un vampiro o un hombre lobo, solamente te queda una salida profesional: Trabajar en Zombillenium. Zombillenium es un parque de atracciones en el que todos sus empleados son monstruos. Además … En Zombillenium se mantienen retenidos a decenas y decenas de visitantes y su dirección en anhelada por numerosos demonios. En Zombillenium solamente hay un deporte: el Sabbath Grand Derby. En este evento deportivo, cinco brujas competirán entre sí y su alimento serán los visitantes retenidos ¿Qué puede salir mal en Zombillenium?

cómics

2. Mazinger Z. Edición Coleccionista 1. Norma Editorial. 16 euros. Este mes de marzo, vuelve el manga que marcó a toda una generación de lectores. El profesor Juzo Kabuto inventó la aleación Z y con ello, construyó el primer robot tripulado de la historia de la humanidad. Tras morir el profesor a manos de sus enemigos, su nieto Kôji toma los mandos del poderoso Mazinger Z para enfrentarse, a los malvados planes del Dr. Infierno y vengar la muerte de su abuelo. Esto no es un simple tebeo. Es un hito en la historia del arte secuencial.

cómics

Carlos Trujillo

  1. The Forgotten Blade. Planeta Cómic. 25 euros. Como nuevo en esta sección, me decanto por uno de mis géneros favoritos. Una historia de fantasía épica cargada de acción y realizada por Toni FejzulaTze Chun. Una trama, repleta de brujería, en el que una chamana recluta a un guerrero, hasta aquí todo normal, la cuestión es que este guerrero es un tanto amoral, con lo cual tendrá su propia manera de hacer las cosas, a lo bruto y salvaje. El punto de impacto se da, en que lo que quiere la chamana es que salve el alma de sus hijos maldecidos por la Inquisición, a que suena interesante. Para lograrlo, nuestro héroe tiene que dejar atrás, los Cinco Ríos, infiltrarse en la Ciudadela y derrotar a un adversario temible, que no es otro que el dios que creó el mundo en el que vive. Por si todavía tienes dudas, después de esta breve descripción, comentar que el apartado gráfico es sublime, con una visión única dentro del género de fantasía.forgotten blade e1709295187596

2. Las guerras de Arran 1. Yermo Ediciones. 20 euros. La serie de Elfos de J.L.Istin ha sido sin duda un bombazo en lo que respecta al cómic europeo. Buenas historias, ediciones cuidadas y un apartado gráfico sobresaliente, han hecho de estos cómics una de las mejores lecturas de fantasía que podemos leer actualmente. Este tomo aspira a ser el crossover definitivo de las series de las Tierras de Arran, una enorme tarea de reunir en un mismo tomo, a los principales personajes de las series, Elfos, Enanos, Orcos y Goblins y Magos. Grandes expectativas con este cómic, que tiene a su disposición, a los mejores dibujantes del panorama francobelga.

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Esto es todo por nuestra parte. Para que puedas seguir llenando tu estantería, consulta la lista de la compra de meses anteriores y las novedades de cómics y mangas.

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