Niebla de invierno no es el único contenido producido en la India que tiene Netflix, que ya tiene películas como RRRo de series como Un buen partido, sino que se trata de una muestra más de una de las ventajas de las nuevas plataformas: la posibilidad de asomarse al entretenimiento y la cultura de otras partes del mundo, principalmente de mercados que difícilmente podríamos disfrutar en la televisión en abierto. En este caso, pese al entorno donde sucede, la trama y su género resultarán más que familiares al público occidental, con unos temas y unos arquetipos que nunca pasan de moda.
Un cuerpo entre la niebla de invierno
Una pareja que van a pasar tiempo juntos en las afueras de Punjab se encuentra de pronto con algo inesperado: un cadáver con la garganta cercenada y una herida en la cabeza. Una vez que la policía investigue el lugar del crimen, descubrirá que se trata de un hombre que ha vuelto del extranjero para casarse, junto a un amigo que le acompaña a su boda y que ha desaparecido. La riqueza y notoriedad de la familia de la víctima hará que muchos se interesen por el caso y que las autoridades deseen cerrarlo cuanto antes.
Mientras tanto, los dos agentes protagonistas tienen sus propios problemas: mientras que uno de ellos tiene una fuerte discusión con su hija, otro decide sentar la cabeza por fin y casarse. Pero los obstáculos con los que se encontrarán en el caso no solo pondrán en peligro su vida privada, sino su vida a secas.
Escala de grises en la niebla
En Niebla de invierno, como en casi todas las buenas historias de misterio, lo que menos importa es la resolución. La serie destaca por una cuidada ambientación que nos lleva a los bajos fondos y a unos ecosistemas urbanos bastante sórdidos donde todo el mundo oculta algo y nada es lo que parece.
Por momentos, más que en el género policíaco como tal, este producto parece inspirarse en otro tipo de narración que muchas veces se ha cruzado con el mismo: el género negro. Esto no solo se nota en los antagonistas, muchas veces guiados por motivos pasionales y con sus propias subtramas, sino en sus personajes principales.
Los dos policías que investigan el asesinato se sitúan dentro de una incómoda escala de grises: no solo recurren a la violencia y a métodos que rozan la ilegalidad, sino que son dos hombres con multitud de taras e incapaces de llevar una vida personal mínimamente funcional.
Hay aspectos de sus personalidades que nos resultan desagradables y que podemos atribuir a diferencias culturales, pero es evidente que los creadores de la serie quieren mostrarlos como individuos atormentados. Se trata de ese tipo de antihéroes tan comunes en el género, unos tipos duros y turbios pero con buen corazón.
Niebla de invierno tiene algunos problemas, y el principal de ellos es su excesiva duración. Esa característica, tan común en las series que se estrenan en plataformas, hace que una parte importante de su metraje se haga tediosa en comparación con sus momentos más logrados. A veces, este producto consigue construir una atmósfera que no podría lograrse con una menor duración, pero el resultado final se resiente por culpa de un guion que no ha sabido recortar cuando era necesario y que pide demasiado al espectador antes de mostrar sus cartas.
Además, aunque no impide disfrutar de la investigación, puede que haya un choque cultural para el público occidental, ya que la serie trata temas como los matrimonios concertados o la brutalidad policial de un modo que puede resultar incómodo para gran parte de la audiencia extranjera. Uno puede pensar que Niebla de invierno presenta algunas situaciones para criticarlas o para reflexionar sobre ellas, pero a veces se limita a mostrarlas. Es algo que no me molesta personalmente, pero sí podría molestar a otros.
Conclusión
Niebla de invierno no es una serie excepcional, pero sí un buen producto que seguramente pasará desapercibido. Con un planteamiento llamativo, un desarrollo algo accidentado y un final emotivo que cierra perfectamente la investigación, se trata de una historia a la que estamos acostumbrados, pero narrada con destreza y profesionalidad. A veces, solo hace falta eso.
Los musicales son uno de los fuertes de Riverdale y el último de la serie no podía ser la excepción. Analizamos lo que nos ha dejado el decimocuarto de esta temporada final cuyo título es, justamente, Archie: El Musical. La serie, creada por Roberto Aguirre-Sacasa y emitida por The CW, puede ser vista en España a través de Movistar+.
Hola otra vez, riverdaleros. Después de dos semanas nos reencontramos para analizar otro episodio de Riverdale que viene, en este caso, con un título prometedor, pues bien sabemos que los musicales siempre han funcionado en la serie y así ha vuelto a ser en una entrega verdaderamente hermosa y emotiva, de esas que nos hacen entender por qué vamos a extrañar Riverdale aun cuando tantas veces nos hayamos quejado.
Pero a diferencia de cualquier musical antes representado, no hubo esta vez recreación de alguno mundialmente conocido sino que fue ciento por ciento original: una apuesta que a la serie aún le faltaba hacer y que está bien que haga cuando ya está en cuenta regresiva para despedirse.
Pasemos ya a analizar este decimocuarto episodio de la séptima temporada o, si así lo prefieren, capítulo 131 del listado total. Cumplo en advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA y en recordarles que pueden leer aquí nuestros análisis anteriores.
Crisis Existencial
Con el visto bueno de Featherhead, Kevin y Clay están escribiendo un musical con la idea de presentarlo para la primavera aunque la aprobación final, claro, dependerá de él.
Han escogido como tema central su último año en el instituto y puesto como personaje central a Archie, lo cual fastidia a varios por sentirse en la obra como segundones, además del tratamiento estereotipado que se da a cada uno. Jughead se marcha diciendo que siempre consideró a la comedia musical como un género menor y Reggie hace lo propio arguyendo que lo suyo no es cantar.
Por su parte, Betty, Veronica, Cheryl y Toni están disconformes con que se las presente como muchachas desesperadas, “amienemigas” que se arrancan los ojos por el amor de un Archie que no está particularmente interesado en ninguna. Kevin y Clay anuncian que van a reescribir la canción, pero ahora quieren hacerlo ellas por cuenta propia y, haciendo gala de sus vínculos, Veronica contacta a Cole Porter para que se encargue.
Archie tampoco está muy feliz con el papel que le toca: un absoluto indefinido que no sabe qué camino tomar en la vida. Su guion es reescrito para simplificar su conflicto y reducirlo únicamente a dos personas entre las cuales no puede decidirse y que son, obviamente, Betty y Veronica.
Aunque no lo diga, le incomoda que el personaje tenga mucho de él y, al comentárselo a Jughead, dice que su conflicto real no es entre las dos muchachas, sino entre el baloncesto y la poesía.
Citando a Albert Camus, Jughead lo ve como una crisis existencial y considera que su problema es simplemente decidir, no importa entre quiénes o qué, lo cual queda perfectamente graficado cuando, en un momento realmente divertido, no sabe qué opción tomar al preguntarle Pop si quiere su sándwich con sopa o ensalada. Pero las palabras de Jughead le resultan inspiradoras y ahora entiende que necesita decidirse por algo.
Tiempo de Decisiones
Cheryl y Toni proponen a Kevin y Clay escribir una canción que hable sobre la historia personal de ellos cuatro. Lo hacen: la canción es hermosa y el ensayo funciona realmente bien, con las muchachas haciendo dúo por un lado y los muchachos por otro, aunque complementándose a la perfección. Pero cuando Toni manifiesta ansiedad por ver la repercusión en el escenario, Kevin las anoticia de que la canción no será incluida en el musical, sino que simplemente la escribieron para cantarla entre ellos y de manera privada…
Argumenta que Riverdale es muy provinciano y no está aún preparado para algo tan queer, aunque quizás lo esté en un futuro y, llegado ese momento, incluirán la canción en el musical. Las muchachas están decepcionadas y renuncian a participar de la obra: contarán con ellas solo cuando ese futuro llegue. Ya bastante tienen, dicen, con actuar en la vida real para además tener que hacerlo sobre el escenario: un radical cambio de postura con respecto a las relaciones cruzadas que, como disfraz, acordaran dos episodios atrás.
Pero Cheryl y Toni no son las únicas que se sienten mal con ocultar sus sentimientos mutuos. Betty y Veronica han quedado prendadas una de la otra después de la convivencia y las llamadas telefónicas (temí que hubieran dejado en el olvido esa subtrama), todo lo cual se les ha despertado nuevamente tras la canción que interpretaron juntas.
Veronica confiesa que ha besado a Archie, pero que sus sentimientos ya no están con él sino con Betty, que desde su lado manifiesta lo mismo.
Casi como si hubiera sido invocado, Archie irrumpe en el lugar para comunicarles que ha tomado la decisión de no volver a besar a ninguna de las dos: sin saberlo, prácticamente les ha resuelto un problema. No es su única decisión fundamental: también ha decidido bajarse del musical por su salud mental y hace saber al tío Frank, para su disgusto, que se dedicará a la poesía y no al baloncesto…
Ha llegado el momento de representar la obra ante Featherhead, lo cual se hace con Julian haciendo de Archie y Clay de Jughead. El director aplaude encantado pero al hablar luego en privado con Kevin, le comunica que finalmente no habrá musical para la primavera. Se basa en que todavía están muy latentes los últimos conflictos con los “comunistas” y que además es difícil vender una obra original, por lo cual recomienda redirigir los esfuerzos para una puesta de Oklahoma!.
La noticia es devastadora para Kevin, sobre todo en un momento en que además sus padres se están separando y siente culpa de ser el motivo, más allá de que su madre le asegure que para ella es su hijo sin importar qué sea o qué elija.
Lleno de tristeza y soledad, interpreta al piano una canción recién compuesta que habla del valor de la amistad y la necesidad de que los amigos siempre estén. En ese momento llega Archie para agradecerle que el musical lo ayudó a ordenar su vida y, preguntándole por la canción, se sienta al piano a acompañarle. Luego van llegando Betty y Veronica, después Chery y Toni, obviamente Clay y poco a poco todos para terminar cantando la canción y confundiéndose en un abrazo general.
Un emotivo final que, otra vez y como ocurriera con el episodio anterior, tiene clima de despedida…
Balance del Episodio
Entrega bella y emotiva. El que se haya basado en un musical original y no en uno ya escrito ha sido una gran apuesta y una agradable sorpresa: las canciones han sido realmente buenas y todos se han lucido en las interpretaciones (por cierto, Casey Cott está cantando cada vez mejor siendo que siempre fue uno de los más limitados). Es una pena que el musical no vaya a ser representado en la ficción sobre un escenario o al menos así se supone si ha sido el último de la serie.
El episodio ha alternado momentos divertidos con otros tristes y ha puesto el eje no solo sobre la importancia de las decisiones sino también, y de manera complementaria, sobre lo difícil que es librarnos de nuestras propias contradicciones y prejuicios: para muestra alcanza con la primera canción en la cual Kevin, en definitiva una víctima de los estereotipos, proyecta en el resto los suyos propios.
Es bueno además que se haya rescatado la historia de atracción mutua entre Betty y Veronica, sobre la cual no puedo dejar de preguntarme si las chicas olvidarán todo cuando Tabitha (¿se acuerdan de ella?) recomponga todo el desmadre temporal post-cometa. También lo es que Jughead y Archie hayan vuelto a tener una charla de amigos como hacía rato no tenían, ya que el primero venía demasiado involucrado en su propia historia y casi sin conexión con el resto. De hecho, pareció que volvíamos a eso cuando anunció que se bajaba del musical…
No es que no haya habido puntos débiles. La separación de los padres de Kevin cayó de otro planeta: no nos venían contando nada al respecto y casi ni habíamos tenido oportunidad de conocer a la madre. Se hace difícil, entonces, sentir empatía por lo que a Kevin le pasa por dentro o entender qué relación establece con su propia historia personal a partir de la ruptura con Betty.
También puede verse algo extraño que, ya sobre el final, todos los que entran en la sala de ensayo conozcan la letra de la canción que Kevin dice acabar de componer y que Archie, de hecho, leía del papel hasta un momento antes. Pero bueno, habrá que tomarlo como parte de esa fantasía de los musicales de los cincuenta en que no se sabía de dónde venía el sonido de los violines mientras iban caminando por el parque: el musical es un género con sus propias reglas y se aceptan o no.
Y de todos modos nada de todo ello quita que hemos visto una gran entrega y que el corazón se nos acelera ante lo cerca que estamos del final. Por lo pronto y vistos los dos últimos, está claro que los episodios van tomando un carácter de despedida que se acentúa cada vez más: mejor ni pensar en lo que viene y dejar que simplemente llegue.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy, en pleno mes de julio, os presentamos las novedades de Dolmen Editorial, previstas para agosto de 2023. Vamos allá …
Novedades Dolmen Editorial. Agosto de 2023
Tenemos nuevas publicaciones y reediciones de importantes obras como han sido los dos tomos de Arrowsmith y la edición definitiva de Baños de Pleamar (podemos leer reseña de la edición anterior si pincháis aquí), de Isaac Sánchez (Loulogio).
Una vez dicho esto, voy a hacer las dos recomendaciones que más me llaman la atención, del catálogo de agosto de Dolmen Editorial.
«Las aventuras dominicales de Johnny Hazard siguen centrados en Oriente, donde las secuelas de la Segunda Guerra Mundial aún están dibujando un mapa diferente.
El mundo está al alcance de la ruta de un avión y los vencidos (personajes pintorescos como el señor Krag, el barón Debris y sus comparsas Flotsam y Jetsam, el barón Takana) se buscan la vida traicionando o contrabandeando o planean hacer detonar con bombas atómicas la flota americana en el Pacífico para iniciar de nuevo una contienda de los hijos del sol naciente contra los hijos de imperio económico recién nacido.
Homenajes a Alfred Hitchock, templos perdidos en la selva y búsqueda de tesoros que preludian a Indiana Jones… aventura en estado puro».
«¡TIENES DERECHO A PERMANECER EN SILENCIO… Y COMPRAR ESTE CÓMIC!
La ciudad futurista de Mega-City está infestada de criminales, dispuestos a arriesgar sus vidas en torpes arranques de ingenuidad.
Enfrente, el Juez Dredd tiene un único propósito vital: detener a todos y cada uno de esos delincuentes y meterlos entre rejas, y no dejará que nadie se interponga entre él y su misión.
en el caso de que lo hagan, tendrán que vérselas con… la Jueza Anderson.
Este tercer volumen del Juez Dredd contiene las últimas tiras de prensa del Juez Dredd, publicadas en el diario Daily Star a finales de los años ochenta e inéditas en España hasta ahora.
La serialización diaria de las tiras, la mitología ya creada del personaje y la madurez creativa de John Wagner y Alan Grant hacen de este volumen un extraordinario compendio de acción y humor, que cuenta con dibujantes clásicos de la talla de Ian Gibson (La balada de Halo Jones), Steve Dillon (Predicador) o Barry Kitson (Empire)».
Estas han sido nuestras dos recomendaciones. Más abajo, os dejo el pdf completo, con las novedades de Dolmen Editorial, previstas para este mes de agosto.
Bienvenidos un sábado domingo más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos One piece 2 (3 en 1). Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
One piece 2 (3 en 1), la versión definitiva del manga más vendido de la historia
Como la mayoría sabréis, One Piece es el manga más vendido de la historia. No por ello significa que sea el mejor, ni el que más ventas tenga por tomo, sino que sencillamente, a lo largo de sus más de 100 tomos (y la cuenta sigue) es el manga que más ejemplares ha vendido y con cierta diferencia.
Se que parecería que podría ser Dragon Ball, y en una cosa la serie de Akira Toriyama gana a One Piece, que son en ejemplares vendidos por tomo. También, por ejemplo podemos decir lo mismo de otras series que han arrasado en los últimos años, como Guardianes de la Noche (Kimetsu no Yaiba), pero se han extendido menos en el tiempo. Dragon Ball fueron 42 tomos y Guardianes de la noche 23. One Piece ya lleva más de 100 tomos y la cuenta sigue. Aunque proporcionalmente haya vendido menos unidades por tomo, esos 100 tomos barren en ventas a las anteriormente mencionadas.
Y aquí estamos, con la nueva edición de One Piece, la llamada 3 en 1. Y ojo porque la edición normal sigue en Japón y España su curso. La edición 3 en 1 es la que empieza desde el tomo 1, desde el principio, y es perfecta para nuevos lectores. Entiendo que todo esto tiene por detrás el apoyo de la serie de Netflix, ya que desde Planeta Cómic creen que se generará una expectación sin precedentes. Y para esos nuevos seguidores será más fácil empezar por una nueva colección, que por otra que va por el tomo 103. Vamos me parece lógico e inteligente.
Luego por otro lado tengo que decir que esta edición (la de 3 en 1) en principio es una edición que mejora a la original, y además proporcionalmente más económica. Pensad que en cada tomo de estos se aglutinan tres de la serie regular. El problema es que si hacemos la colección con este formato (yo la estoy comprando) tendremos un retraso de muchos años. Espero que tenga una cadencia bimestral y poco a poco recorte con la edición normal.
Pues a lo que iba, este manga de Eiichiro Oda aparte de ser de alta calidad, y eso que en los primeros tomos aún estaba tomando el pulso, tiene ahora esta versión deluxe en español. ¿Y que tiene de diferente? Básicamente además de tener el triple de páginas, es de un tamaño mayor, dejando espacio en blanco en la parte de las páginas que va pegado a la encuadernación. Y esto es una mejora increíble, porque uno de los mayores problemas de la edición regular es que los dibujos y diálogos más pegados al lomo no se pueden ver bien. Una mejora bastante importante. Otra mejora es que son tomos con solapas y quedan muy chulos. Y la parte estética más bonita, es que como el lomo es bastante grueso, se puede ver en su esplendor el logo de One Piece, además de la saga en la que se encuentran actualmente. Precioso. La saga además viene en la portada, arriba en rojo. En los primeros tomos estaremos en la East Blue Saga, y queda perfectamente reflejado en cualquier comiteca. Una edición de lujo.
Ahora ya no hay excusa para hacerte desde el principio con One Piece, el manga más vendido de la historia que además tiene serie propia en Netflix.
Por cierto recomiendo leer este artículo de la web:
El Capitán Kuro se ha hecho pasar por el mayordomo de Kaya, la chica más rica del pueblo. Su plan consiste en atacar la aldea, matar al joven y heredar su fortuna. Luffy, Zoro y Nami saben lo que su amigo Usuff siente por Kaya; por eso deciden ayudarle y plantar cara a los piratas. Monkey D. Luffy está dispuesto a todo: ¡ésta va ser una guerra sin cuartel!
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy es un día triste para todos nosotros. Ha fallecido Francisco Ibáñez. Un grande entre los grandes se ha marchado y nosotros estamos tristes.
¡Gracias Maestro! ¡Gracias por todo lo que nos has dejado!
Francisco Ibáñez nos ha dejado. Que D.E.P.
Francisco Ibáñez, uno de los mejores creadores españoles de historietas o cómics, “padre” de personajes tan populares y queridos como Mortadelo y Filemón, ha fallecido a los 87 años.
Así lo ha anunciado en su cuenta de TwitterPenguin España, que transmite con enorme tristeza desde Penguin Random House Grupo Editorial que esta mañana ha fallecido en Barcelona el gran dibujante e historietista.
Con enorme tristeza desde Penguin Random House Grupo Editorial comunicamos que esta mañana ha fallecido en Barcelona el gran dibujante e historietista Francisco Ibáñez. + pic.twitter.com/Fr9N1hm25R
La editorial ha resaltado la lucidez y sentido del humor de Ibáñez, que pese a su avanzada edad, ha estado trabajando hasta el último momento. Según Penguin España, Ibáñez ha sido la “figura más importante del cómic español”.
Ha sido el autor más reconocido a nivel nacional e internacional. Si bien su personaje favorito de entre todas sus creaciones, era Rompetechos, la fama a nivel mundial le vino por Mortadelo y Filemón.
Ahora lamento no haber movido hilos para entrevistarlo aquí. Entre la vorágine del día a día pensaba que «ya tendría tiempo«. Pero me equivocaba.
Mis primeras lecturas de tebeos fueron (como no) Mortadelo y Filemón. A los que siguió El Botones Sacarino, Rompetechos y Pepe Gotera y Otilio. Luego vinieron los superhéroes, Conan, Astérix y Obélix y Tintín. Pero los primeros, nuestros personajes.
Francisco Ibáñez Talavera nació en Barcelona, el 15 de marzo de 1936. Su padre era de origen valenciano y su madre andaluza. La familia tuvo cuatro hijos, incluyendo al Maestro.
A los once años de edad, consiguió que se publicara un dibujo suyo, por primera vez, en la revista Chicos.
Estudió Contabilidad, Banca y Peritaje Mercantil. Posteriormente, empezó a trabajar como botones en el Banco Español de Crédito. Compaginó este trabajo con el de dibujante en diversas revistas de la época.
En 1957 abandonó su trabajo en banca y decidió dedicarse íntegra y profesionalmente a la historieta. Trabajaba mucho y con muchísima calidad (lo podemos ver en toda su obra).
El 20 de enero de 1958, publicó la primera aventura de Mortadelo y Filemón en la revista Pulgarcito.
Ya en los años 60′ vinieron La Familia Trapisonda (1958), 13 Rúe del Percebe (1961), El Botones Sacarino (1963), Rompetechos (su personaje favorito nació en 1964), Pepe Gotera y Otilio (1966).
Tras el inmenso éxito que supuso Mortadelo y Filemón e influido clara y notablemente por los grandes maestros de la BD (André Franquin, Morris, René Goscinny …), se dedicó em exclusiva a estos dos inconmensurables personajes, a los que renovó y los enfocó a historias paródicas de una agencia de espionaje (la famosa T.I.A.).
Para aquellos lectores noveles, que puedan estar leyendo estas líneas, quiero que sepan que las siglas T.I.A., bajo el férreo mando del Superintendente Vicente, significan: Técnicos de Investigación Aeroterráquea.
¡Ahí es nada!
En 1985, Ibáñez rompió su relación con Bruguera y se marchó a la rival Editorial Grijalbo, donde nos regaló series como Chicha, Tato y Glodoveo (de profesión sin empleo), o 7 Rebolling Street.
En 1987, la Ley de la Propiedad Intelectual hizo justicia y otorgó la propiedad de los autores para ellos mismos. Este año, Ibáñez pasó a formar parte de la plantilla de Ediciones B.
A partir de aquí vino la serie de animación de Mortadelo y Filemón, luego vinieron las películas de animación y (casi) recientemente, las películas de los dos agentes de la T.I.A..
Francisco Ibáñez fue capaz de producir hasta 40 páginas semanales. En muchas de sus entrevistas daba las gracias y pedía perdón a su esposa e hijas, por todo ese tiempo en que estaba en su mesa de dibujos y que le sustraía a su familia.
«Cuando ya no esté y la gente pregunte: ¿Quién era Ibáñez? Yo les puedo dar una rápida respuesta: Ibáñez fue un gilipollas que trabajó, trabajó y trabajó».
Desde la familia de Las cosas que nos hacen felices, queremos dar nuestro más sentido pésame a sus hijas Sonia y Nuria y sus nietos.
Descanse En Paz, Maestro. Gracias por todos los buenos momentos que nos has hecho pasar. Seguiremos disfrutando de las miles y miles de páginas que con tanto amor hiciste. Nos has dejado y hoy …
Me las prometía yo muy felices cuando vi anunciado Bird Box Barcelona, esta película es un spin-off de A ciegas, película de Sandra Bullock que a día de hoy podría estar entre las quince mejores cintas originales de Netflix.
Así, se ha decidido ampliar este universo apocalíptico y en vez de traernos una secuela nos han traído un spin-off donde vemos cómo ha afectado el suceso de A ciegas en Barcelona. Interesante idea que luego a la postre ha quedado a medio camino.
Y es que Bird Box Barcelona tenía todo para no solamente estar a la altura de su predecesora sino superarla, con una estrella como Mario Casas y con los hermanos Pastor en la dirección, realizadores curtidos en el género con dos muy buenas películas como son Infectados y Los últimos días. Además a Casas lo acompañan Georgina Campbell, Michelle Jenner, Leonardo Sbaraglia, Diego Calva, Gonzalo de Castro, Lola Dueñas o Patrick Criado, entre otros.
Pero nada más lejos de la realidad, Bird Box Barcelona nada en las aguas cinematográficas de lo anodino, del sí, no está mal, pero viendo el potencial habido considero que ha sido una oportunidad perdida.
El fin del mundo en Barcelona
Pongamos un poco de contexto. En el universo de Bird Box, la gente comenzaba a suicidarse debido a que contemplaban unas misteriosas criaturas que aparecían de la nada. El modus operandi consiste en que tales criaturas influyen en los pensamientos de todo aquel que fija su mirada en ella, obligándoles a quitarse la vida.
Sin embargo ya en la cinta original se hablaba de los «videntes», personas «inmunes» a los impulsos suicidas pero que a cambio se convertían en una especie de lacayos de las criaturas que tratan de obligar a otros humanos a abrir los ojos y morir en consecuencia. Esto lo aprovecha Bird Box Barcelona para alejarse un tanto de su predecesora, pero no acaba siendo suficiente.
Ya puestos en contexto en ‘Bird Box Barcelona’ conocemos a Sebastián (Mario Casas), un padre desesperado que busca reunirse con su hija. En su búsqueda se juntará con una serie de supervivientes Sofía (Naila Schuberth), una niña alemana y Chloe (Georgina Campbell) una mujer inglesa que es la protectora de la niña. El objetivo de los tres es llegar al Castillo de Montjuïc, ya que parece ser el sitio más seguro de Barcelona.
Una cinta apocalíptica demasiado genérica
A Bird Box Barcelona hay poco que achacarle negativamente y es que la película está técnicamente lograda, con esa atmósfera inquietante, tiene a su vez buenas interpretaciones sobre todo del lado femenino y en definitiva la película es entretenida en sus 100 minutos, pero a su vez me ha resultado terriblemente genérica causándome cierto hastío por momentos.
Y es que el guion de los hermanos Pastor visita lugares trillados del género (algo que ya le sucedía a la original). Además se echa en falta más vistas de esa Barcelona apocalíptica que luce realmente bien en pantalla pero para mi gusto poco tiempo ya que la cinta está ambientada sobre todo en espacios cerrados, algo que es entendible si tenemos en cuenta que en la ciudad, en los entornos abiertos, pululan las criaturas.
Buenas ideas que pretenden alargar este universo
La idea de los videntes funciona bien, dando un nuevo enemigo además de las criaturas. Además, el final de la película resulta estimulante para una nueva visita a este universo por lo que habrá que ver cómo funciona Bird Box Barcelona, pero no me extrañaría que en breve se confirmasen nuevas películas.
Consideraciones finales
Bird Box Barcelona destaca por su despliegue de medios y por las vistas de esa ciudad condal que luce muy bien en el contexto apocalíptico. Es una cinta entretenida que sufre algún lastre consecuencia de caminos trillados del género. El personaje de Mario Casas es interesante y el mejor de la película, pero sus vaivenes emocionales traicionan el espíritu y el concepto de la premisa de esta secuela o spin-off.
En definitiva Bird Box Barcelona es una película interesante sin más para los amantes del cine apocalíptico que en cuestión de días olvidarán en ese cajón de sastre infinito que es Netflix.
Los productores del fenómeno global ‘A ciegas’ presentan ‘Bird Box Barcelona’, una ampliación de la película que cautivó al público en 2018. Una fuerza misteriosa ha diezmado la población del planeta, y Sebastián lucha por sobrevivir en las calles desiertas de Barcelona. Mientras intenta salir de la ciudad con otros supervivientes, surge un peligro aún más siniestro.
Es decir, con la experiencia que nos da el fracaso podemos afrontar casi cualquier cosa (relativa a videojuegos). Es por eso que hemos decidido dar una oportunidad al más maldito de los videojuegos de la saga Resident Evil de los que están numerados, es decir, los clásicos. La entrega cero. La primera cronológicamente en cuanto a historia.
Meterse en algo así como Resident Evil Zero suele tener problemas. Las grandes cosas lo son en parte por el momento sociológico, tecnológico e ideológico en que aparecen. Disfrutar de algo grandioso en otra época con valores o sociología muy distinta suele ser complicado y pedir un esfuerzo por parte del que lo intenta.
Pero vamos a relajar la raja: en verdad no estamos en este caso. En realidad estamos ante el caso de algo estructuralmente clásico (Resident Evil Zero repite muchos de los patrones de las primeras tres entregas y el Code Veronica), pero de todos ellos es el más rompedor…y en su momento el más polémico y casi unánimemente el menos favorito de todos los clásicos.
Lo primero que hay que decir es que en el momento en que sale (2002) es absolutamente despampanante artística y visualmente. El remaster que uno puede jugar en PC no aparece a los ojos como algo desfasado ni viejuno (quitando, como en Resident Evil Remaster, las animaciones faciales casi totalmente robóticas y rígidas). Va en la línea del remake y luego Remaster de Resident Evil 1. Donde ya hay varios peldaños bajando es al hablar de los personajes o de los propios villanos.
Rebecca Chambers era un añadido erótico-festivo para Chris en Resident Evil 1, la chica mona, inocente y jovencita. Aquí hace el mismo papel siendo la protagonista pero, como tantas cosas, ver su historia en Resident Evil Zero hace incomprensible muchas de las características o actitudes que tiene luego en la mansión Spencer en Resident Evil 1.
El otro personaje jugable, Billy, tiene algo más de chicha y carisma, pero no deja de ser un dúo de personajes que tienen teóricamente algún tira y afloja romántico o a saber qué demonios que no lleva a ningún sitio. Con esto tenemos ya la primera bomba: en 2022 llevamos a dos personajes, pudiendo alternar entre ellos con un botón, siendo necesario separarlos para hacer algunos puzzles o incluso enfrentarnos a jefes en solitario.
Al final, suele decirse que esta novedad en Resident Evil Zero bebía de uno de los padres espirituales de la saga, Sweet Home, en donde podíamos separar a los personajes e ir por separado también.
Aquí la idea en principio no está mal. La Inteligencia Artificial del personaje que no llevemos nosotros es mediocremente competente (tampoco hace mucho más que disparar sin parar o seguirnos) y los puzzles por separado tienen su gracia, brillando sobre todo en el inicio de la partida, en el tren, que es quizás la mejor parte de todo el juego.
¿Es mejor un sistema así de limitadote que el de Resident Evil 5, con una compañera capaz de gastarse curaciones por su cuenta y desparramarse en enormes entornos tridimensionales? Pues para ser honestos es inmensamente menos frustrante. Aunque deberíamos hablar largo y tendido en otro artículo de que llevemos más de dos décadas sin superar la Inteligencia Artificial que ya tenía Metal Gear Solid 2 en 2001 .
Llegando a este punto hay que hablar de El Tema. Es decir, del sistema de inventario. Originalmente los Resident Evil basaban en el limitadísimo inventario (6-8 espacios para coger objetos) parte de su gracia. Hay muchas críticas a la necesidad de estar yendo y viniendo para coger cosas nuevas; hay quienes los defienden. En su contexto, como todo, ritmo y mecánicas jugables sientan como un guante incluso hoy, pero con contextos, ritmos y mecánicas hechas de nuevas se da de bruces contra el suelo.
En Resident Evil Zero tiene lo peor de dos mundos. Por un lado, los personajes tienen el inventario más pequeño posible y, a la vez, no tenemos baúles para dejar los objetos, por lo que tenemos que irlos dejando por el suelo. Aquí, jugando de nuevas te da hasta ansiedad por aquello de saber que vas a cambiar de zona y no sabes si vas a poder tener a mano todas esas curaciones y cosas explosivas para tratar con quien no quiera dialogar contigo.
Por otro lado, tienes ir y volver más que prácticamente nunca con el añadido que realmente no hay tantas rutas alternativas para evitar enemigos/ahorrar tiempo como en la magnífica mansión Spencer de Resident Evil 1 o algo menos la comisaría de Resident Evil 2. Los tamaños de los mapas son menores y cambias antes de aires, es verdad, pero aún y con todo la planificación no es divertida como en Resident Evil 1 Remaster, Resident Evil 2 o Resident Evil 2 Remake. Aquí es tediosa. Y da igual que lleves a dos personajes: vas a ir casi ocupadísimo todo el juego a poco que lleves 1 arma, munición y algo de curarte. O vas en pelotas casi o a dar vueltas.
Capítulo aparte están los enemigos. En Resident Evil Zero se salieron un poco del molde, habiendo zombis, claro, pero variando mucho los tipos de cosas a las que disparar o de las que huir. Debido a la limitación del inventario (podemos llevar pocas armas o munición), ningún jefe es precisamente una esponja de balas, aunque nuestros personajes también tendrían serios problemas para ganar una pelea contra un niño de 10 años (especialmente Rebecca: por dios, muchacha, ve al gym o sube alguna escalera alguna vez).
La cosa es que aquí nos encontraremos con monos, zombis que son medio sanguijuelas, murciélagos gigantes, escorpiones gigantes…nos tiran a medio zoo encima, Pueblo. Pero bueno, el juego en japonés se llama «peligro biológico«, así que menos llantos. Esto va de monstruos y cosas mutadas.
Posiblemente tiene algunos de los enemigos más irritantes de la saga. Mister X en Resident Evil 2 daba miedo con solo oír sus pisadas. Nemesis en Resident Evil 3 podía ser complicado como se apareciera en un momento malo. Pero estaban bien pensados y todo el mundo recuerda sus enfrentamientos con ellos…
Aquí, enfrentarte con un maldito mono es tan irritante como patético o frustrante; más te vale llevar la escopeta y empezar a pegarle tú antes o te mete un combo mortal que ni Daigo. Es lo opuesto a Nemesis, Míster X o los licker: solo son irritantes, no dan miedo, son injustos jugablemente hablando.
Y, bueno, luego están los leech zombie, un enemigo que se come toda la munición que tengas como no adivines o por casualidad no te dé por tirarle cócteles molotov o le frías con cosas explosivas, por no decir que su alcance para dar guantazos es ridículamente largo y quita muchísima vida. Todo esto unido a su mayor aliado: las cámaras fijas, que siempre le beneficiarán para que no veas cómo te pega desde su casa. De nuevo un enemigo irritante del que nadie siente las más mínima nostalgia ni nada similar.
Hay que decir que es complicado avanzar en Resident Evil Zero. La dificultad viene por la gestión ridícula del inventario a niveles extremadamente tediosos, como hemos dicho. Tampoco, repetimos, los jefes son muy complicados (al revés). Hay algún puzzle nivel Resident Evil 1, lo cual es de agradecer, pero la dinámica a la que lleva ese inventario pequeño y ese dejar las cosas en el suelo es matadora. Especialmente cuando el personaje intenta coger objetos que no debe y tienes que estar casi acertando píxel a píxel para coger la escopeta y no la gasolina. Es agotador.
Tampoco es que la historia sea la repanocha (aunque en Resident Evil casi es lo de menos: conforme avanza la saga hasta culminar en Resident Evil 6 todo es cada vez más bobo) y no son los dos protagonistas más carismáticos del mundo. Qué decir del malo malísimo: es complicado ser más olvidable, tener menos personalidad y no parecer una mezcla venida a menos de Birkin + Wesker.
En resumen, un juego que tiene de aprovechable básicamente el principio del juego en el tren, genial en casi todos los sentidos, y alguna parte con puzzles posterior. Especialmente sonrojante el final del juego, que es casi un «nada de esto ha pasado, jajaja, saludos». Pero en fin, no siempre se gana, que diría Lobezno.
Aun y con todo es mejor videojuego que Resident Evil 5, Resident Evil 6 o The Callisto Protocol. También es mejor que el videojuego que ha hecho tu sobrino chico al acabar la FP como prácticas de final de ciclo formativo, siendo este ampliamente mejor que The Callisto Protocol, como bien ilustra Baity Bait:
La nueva entrega de Outlander retoma la trama revolucionaria e introduce un giro inesperado con un personaje al que considerábamos muerto. Analizamos el cuarto episodio de esta séptima temporada, que lleva por título Una Mujer por demás Incómoda. La serie, creada por Ronald D. Moorey basada en la exitosa saga de novelas de Diana Gabaldon, es emitida por Starz, pudiendo ser vista en España por Movistar+ y en América Latina por Star+.
Bienvenidos, una vez más, forasteros y viajeros del tiempo, para analizar otra entrega de Outlander, en este caso la cuarta de esta séptima temporada. Un episodio de ritmo pausado que, aun con algunas inverosimilitudes y encuentros demasiado casuales, retoma al menos la trama de la revolución americana y pareciera dar a la temporada un rumbo más definido, además de traernos el regreso de un personaje al que ya no creíamos volver a ver…
Pasemos ya a analizar esta entrega, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.
Duendes en Lallybroch
Comenzamos con los esposos Mackenzie en el siglo XX y más específicamente en 1980: de hecho, vemos ya a los niños bastante crecidos. Brianna y Roger están remodelando Lallybroch, pero los presupuestos se vuelven astronómicos. A la vez, el pequeño Jeremiah está dando algunos problemas como destruir un radiodespertador y echarle la culpa a los duendes: si no saben lo que es un radiodespertador es porque tienen menos de cuarenta y cinco años y jamás tuvieron uno…
Obviamente, Brianna no toma en serio a su hijo, pero Roger parece intrigado de que haya mencionado duendes en lugar de hadas, banshees o brujas, más caras a las tradiciones escocesas. Por otra parte, ha encontrado el oro dentro de la bala de mosquete y por un momento sugiere la posiblidad de que Jeremiah pudiera ayudar a encontrar el lugar en que se halla el resto, pero Brianna no ve con agrado la idea y prefiere que, por su bien psíquico, el niño crezca fuera de misterios y viajes en el tiempo, lo cual hasta ahora y por lo que se aprecia, tampoco es que dé mucho resultado…
El Mensajero
En el siglo XVIII, nos encontramos con que el clima revolucionario ya está del todo instalado y letreros por las calles que promocionan la declaración de independencia son arrancados intempestivamente por los “casacas rojas”, entre ellos William. Toca a este presenciar una escena de lo más desagradable cuando un oficial quema a una prostituta por haberle ocultado una enfermedad y es celebrado por el resto de la tropa. Molesto, reacciona (algo tarde, diré) y logra extinguir el fuego, pero es inútil: la pobre mujer ya está exánime.
Al otro día, el capitán Richardson le llama a su despacho, pero no para regañarle ni arengarle, sino, por el contrario, para felicitarle por su valentía en enfrentarse a todo el resto. Lo considera, de hecho y por eso mismo, como el sujeto ideal para llevar un mensaje hasta Dismal Town, localidad junto a un gran pantano en que se hallan acantonados tres militares aliados que se apellidan respectivamente Cartwright, Carver y Harrington. Por un momento fugaz me vino a la cabeza la película 1917…
El Regreso de los Muertos Vivos
Jamie y Claire están camino de embarcar hacia Escocia junto a Ian. Por el camino, el primero está desesperado por hallar manzanas con el argumento de que estarán tres meses en alta mar (¿no es demasiado?) y teme al escorbuto. Ian, en tanto, sigue traumado por haber dado involuntariamente muerte a la señora Bug y está obsesionado con la amenaza de su esposo Arch, a quien cree ver acechando detrás de cada árbol. No es que tema por él, sino por sus tíos, ya que la sentencia de Bug fue precisamente que, para hacer justicia, debía perder “algo que valga la pena”.
Jamie logra calmarlo momentáneamente, pero las cosas se complican impensadamente al llegar a la ciudad y reencontrarse con Cornelius Hartnett, patriota fundador de los Hijos de la Libertad que pretende reclutarlo para la milicia y le pone prácticamente entre la espada y la pared al darle como única alternativa el designar un reemplazo en su lugar.
Ello obliga a aplazar por algún tiempo el viaje a Escocia y si bien Jamie prometió a su hermana que le llevaría a Ian, nunca especificó cuándo. Claire está dispuesta a acompañarlo al frente argumentando que necesitarán médicos. Ian dice que ofrecerá sus servicios a Hartnett para llegar hasta los aborígenes y convencerlos del bando a tomar en la revolución. Lo que más preocupa a Jamie es, sin embargo, la posiblidad de combatir contra su propio hijo, algo que había querido evitar partiendo hacia Escocia…
Pero la mayor sorpresa se la lleva Claire cuando en las calles se cruza con… ¡Tom Christie! No solo eso, sino que este le estampa un beso en plena boca antes de que llegue a reaccionar.
Ambos se consideraban mutuamente muertos: ella por pensar que ya habría sido ajusticiado tras asumir como propio el crimen de Malva y él por enterarse del incendio a través del periódico. Incluso le pregunta si Jamie también sobrevivió y aunque dice alegrarse cuando le responde que sí, pareciera dejar escapar algún deje de desilusión…
Consultado acerca de cómo se salvó, Tom dice que el gobernador le conmutó la pena al darse cuenta de que era culto e instruido y podía ayudarle en tareas de secretario. Podrían haber pensado algo más imaginativo, pero bueno: un deus ex machina (otro más) de los que abundan en la serie.
Y si aun queda más terreno para nuestro asombro, Jamie se toma con toda tranquilidad no solo el saber vivo a Christie, lo que no sería nada, sino también el asunto del beso, al punto de incluso preguntar a Claire si le gustó. Pareciera que todo eso les alimenta el morbo y así caemos en una de las clásicas escenas fanservice anticlima e innecesarias para la trama pero no seguramente para mantener el interés de una parte del público. Lo peor es cuando él recuerda con mórbido placer que ella le pinchó varias veces el trasero con sus “asquerosas agujas”…
Cuáqueros
En el camino hacia Dismal Town, una serpiente espanta a la cabalgadura de William, que se encabrita y huye al galope dejándole en el suelo y con una rama incrustada en el antebrazo. Por suerte (no hay que olvidar que esta es la serie de las grandes casualidades), se cruza con Ian, que lo asiste extrayéndole las astillas y vendándolo, aunque está claro que necesita otro tipo de atención.
Conversando, se ponen al tanto de sus amistades y relaciones, particularmente de que Ian conoce al padre de William por ser amigo del suyo: no le dice nada, desde luego, de que sean primos entre sí. Lo lleva hasta la cabaña de los hermanos Hunter, cuáqueros que, según ha indagado, son lo más parecido a médicos por los alrededores.
El primer diagnóstico de estos es terrible y pretenden amputar el brazo. William dice que prefiere morir, pero Ian le convence de que no tiene alternativa y que debe reunir valor para la drástica cirugía. Por fortuna, sin embargo, la sierra da con la bilis que envenena el brazo y la hace salir, por lo que ya no hace falta la amputación: vaya rapidez la de estos hermanos para dar diagnósticos y vaya fortuna que la sierra, por azar, diera justo con la infección porque, de lo contrario, William tendría para estas horas un brazo menos…
Hay cierta atracción mutua entre Ian y la muchacha cuáquera, cuyo nombre es Rachel. Él, no obstante, se marcha para cumplir con su misión y deja a William al cuidado de los hermanos junto con unas monedas para que se compre un nuevo caballo y… el crucifijo de Jamie.
Pero cuando William vuelve en sí, también hay de su parte cierta afinidad con Rachel que se nota particularmente mientras ella le afeita: también aquí pareciera haber un triángulo pidiendo pista…
William se sorprende gratamente al saber que ella conoce al tal Cartwright y podría llevarlo ante su presencia, aunque su semblante se ensombrece al enterarse que tanto ella como su hermano adhieren a la revolución que él combate.
Marchando junto a la Muerte
Vueltos al siglo XX, vemos a Brianna teniendo una audiencia laboral en la planta de una corporación, pero el ser mujer pareciera ser una traba y más cuando lo que requieren es una secretaria y sus credenciales para la solicitud son de inspectora. Con acidez, dice no entender “qué parte del trabajo de un inspector requiere de un pene” y, valiéndose de los conocimientos hidráulicos adquiridos en el siglo XVIII, señala uno a uno todos los problemas que tiene la represa de la compañía y que bien podrían devenirle a futuro en pleitos legales.
La cuestión es que regresa a casa con el trabajo bajo el brazo pero, contrariamente a lo que podía esperarse, la noticia no cae bien en Roger, quien manifiesta preocupación de los compañeros que pudieran tocarle y el modo prejuicioso en que podrían tratarla. Él juró a sus padres que la cuidaría y no sabe si en el nuevo contexto será capaz de hacerlo…
Amén de ello, el pequeño Jeremiah sigue causando problemas. No solo tiene tendencia a encerrar a su hermana, sino que ahora además han desaparecido las galletas y dice que fue un nuckelavee, demonio con forma de caballo de la mitología nórdica. Admite que lo de los duendes no era cierto, pero afirma que esto sí lo es y Roger, que parece creerle todo, se muestra intrigado de cómo puede su hijo estar al tanto de tal criatura mitológica. No veo por qué: ¿no había libros en 1980?
De regreso al siglo XVIII, una última escena nos muestra a la milicia revolucionaria marchando hacia Fort Ticonderoga mientras Claire reflexiona en off acerca de la mezcla de valor y temor con que los hombres van hacia la guerra: como si la muerte marchase junto a cada uno de ellos…
Balance del Episodio
Me llaman la atención los abruptos cambios de ritmo en esta temporada de Outlander, con momentos en que la trama se acelera y otros en que se cuece a fuego lento como en este episodio, que pareciera una entrega de transición a lo que viene, aunque a la vez da por fin a la historia un eje y ello es bienvenido. Tenía que reaparecer la revolución americana como aquí lo ha hecho y si los Fraser se embarcaban hacia Escocia se esfumaba uno de los conflictos potencialmente interesantes de la historia: el de poner a Jamie ante la posiblidad de enfrentarse a su propio hijo.
El giro que ni por asomo vimos venir fue la reaparición de Christie, de quien justamente me preguntaba en el análisis anterior si debíamos dar su muerte por sentada sin más. Contando a Adso, ya es el segundo “gato de Schrödinger” que sale de la dualidad y solo nos queda Brown, de quien sería bueno que en algún momento nos contaran si Jamie lo mató realmente o no: la reaparición de Christie me da alguna esperanza… Eso sí: la historia de cómo escapó a la horca fue bastante pobre e inconsistente, por no decir sin imaginación…
Por otra parte, sus sentimientos hacia Claire hacen entrar la historia en zona extraña. No se me ocurre que podamos estar ante un triángulo más o menos creíble, pero es rara la forma en que la cuestión es asumida por Claire y lo mismo por Jamie, de quien cabía esperar alguna reacción más intempestiva o violenta. ¿Qué quedó de aquel rudo escocés de las montañas que conocimos en la primera temporada?
Ysi hablamos de personajes que han cambiado, Christie es otro: la beatífica sonrisa de Buda que exhibe de un tiempo a esta parte no se condice con el carácter autoritario e intolerante que le hemos conocido y más aún siendo un hombre que dice haber condenado a su esposa por “prostituta y bruja”. Pero a la vez podría dar lugar a un tratamiento interesante del personaje si aciertan en manejarlo más como contradicción que como evolución.
Curiosamente, los mejores momentos y diálogos tuvieron que ver con la religión. El vínculo filial entre Jamie y William, por ejemplo, queda representado en el crucifijo, cuya significación en la historia excede a la iconografía cristiana y puede competir con la bala de mosquete por ser el Macguffin de la temporada.
También es interesante, en la misma línea, cómo Rachel justifica su adhesión a la revolución en el don de la libertad que Dios otorga: un fundamentalismo pseudo religioso común a muchos discursos patrióticos. O las dudas de Roger acerca de si al cambiar la historia habrá interrumpido el plan de Dios o, por el contrario, fue parte del mismo…
Es interesante asimismo que Ian y William se hayan encontrado, más allá de lo poco creíble de la forma. Y parte de ese interés reside en que solo uno de ambos conozca el parentesco que les une, perfectamente graficado cuando Ian señala que su perro Rollo reconoce a William como “de la familia”. Por cierto, muy buen desempeño de Charles Vandervaarten el papel de este último.
En cuanto al triángulo que podrían llegar a tener con Rachel, quizás hubiera merecido más tiempo de desarrollo para que supiéramos más de ella, que hasta aquí parece una muchacha de “ir al frente” y no sé hasta qué punto ello congenia con su filiación religiosa…
No sé cómo tomar los aspectos mágicos que persisten en aparecer en esta temporada, pues la serie siempre mantuvo como regla no escrita que la única magia residía en las gemas y los viajes en el tiempo. Pero en el episodio anterior hemos tenido a Jamie soñando con Jeremiah y ahora este parece seguirle por el camino de lo sobrenatural con duendes y caballos demoníacos. Qué tanta realidad tendrá todo esto no lo sabemos, pero llama la atención que Roger no se manifieste del todo incrédulo.
Por último, pero no menos importante, el tratamiento de la misoginia y su verosimilitud al ser puesta en contexto de época. Divertido y ocurrente, por cierto, el comentario de Brianna acerca de la no necesidad de un pene para ser inspector, pero es difícil de creer que en 1980 hubiera salido del lugar con empleo después de decirlo. Más creíble me parece el comentario conservador de Roger al sentir culpa de no estar cuidando a su esposa.
En el balance, no ha sido un mal episodio a pesar de ciertas incongruencias y demasiados encuentros casuales. Por lo menos ha ayudado a direccionar la temporada sobre un eje determinado y ha introducido un giro interesante con lo de que Tom está vivo, lo que de algún modo hace que la trama de los Christie no esté tan cerrada como parecía dos episodios atrás.
Agradeciendo su tiempo en leer, les espero e invito a analizar la próxima entrega. Hasta entonces y sean felices…
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy os traemos las novedades de ECC Ediciones octubre 2023.
Otro icono de DC encabeza las novedades del sello ECC Manga. Se trata del mismísimo Príncipe Payaso del Crimen y de la sorprendente serie de Keisuke Gotoh y Satoshi Miyagawa, One Operation Joker, en la que el villano se convierte en el responsable de una versión bebé de Bruce Wayne.
En ECC Cómics recuperamos el éxito Las Tortugas Ninja: El último ronin, a tiempo para acompañar la serialización bimestral de la miniserie secuela Las Tortugas Ninja: El último ronin – Los años perdidos, cuya primera entrega está a punto de salir a la venta este julio. Pero para reencuentro de altura, el de Arlo y Pips en el sello infantil Kodomo. Elise Gravel escribe y dibuja la nueva aventura de este curioso par, recomendada para primeros lectores.
Ya tenemos disponible en HBO Max la segunda temporada de una de las producciones más interesantes de los últimos años. Hablamos de From, esa serie que nos maravilló en su primera temporada con su acertada mezcla de Perdidos y Stephen King y que vuelve a nuestras pantallas para seguir ofreciendo grandes dosis de terror, sangre y misterios irresolubles de esos que nos vuelven locos.
Si te gustó la primera temporada, no lo dudes, tienes que ver esta segunda que ofrece más de lo mismo con algunas novedades para dar un poco de sabor nuevo al asunto. Los habitantes del extraño pueblo en el que tiene lugar la historia se intentan recuperar de las sufridas mientras que llegan nuevos personajes. Un autobús de línea de esos que recorren las carreteras de EEUU llega al pueblo repleto de gente que tendrá que acostumbrarse a la complicada situación que les queda por vivir.
El sheriff Boyd lo va a pasar muy mal esta temporada
El punto negativo es que parecía que ya teníamos hechas todas las presentaciones de personajes, por lo que la trama se suponía que iba a avanzar más rápido. Pero claro, hay que presentar a todos estos nuevos personajes, alguno con relaciones con protagonistas que ya conocíamos, otros que parece que van a tener cierto peso en la historia y otros que solo sirven de relleno. Lo bueno es que una vez superados más o menos los tres primeros capítulos y una vez hechas estas presentaciones, la trama empieza a coger velocidad otra vez.
El interés de la serie sigue siendo el mismo. Saber que demonios está pasando en el pueblo. Y como no puede ser de otra manera, nos van a ofrecer más nuevas preguntas que respuestas.
¿Y si este árbol es una de las claves de la serie?
En el debe de estos nuevos capítulos está el hecho de que, una vez conocida la amenaza de los monstruos nocturnos, esta pierde efectividad a la hora de causar impacto. Al igual que los protagonistas, los espectadores nos hemos acostumbrados a ellos y hay una ligera sensación de aburrimiento, como si al igual que los habitantes del pueblo, estuviéramos viendo los días pasar.
Menos mal que los guionistas se esfuerzan en ofrecer novedades en forma de nuevas amenazas mientras las relaciones entre los personajes siguen creciendo de una manera orgánica. Está claro que con todo lo que están pasando, los protagonistas están con los nervios a flor de piel, así que los roces entre ellos están a la orden del día. Y más aún cuando hay cuentas de sangre pendientes. Lo único que se les podía pedir es que se reunieran de vez en cuando y hablaran sobre las cosas que van descubriendo cada uno por su cuenta. Muchos de los problemas que surgen vienen dados por esa manía de esconder información que sería muy útil para todos. Pero claro, hay que mantener el interés del espectador.
Tabitha ve visiones de unos niños espeluznantes
Cada habitante del pueblo se va inventando su propia teoría sobre lo que esta pasando, en un juego metarreferencial que es uno de los aciertos de la serie ya que los espectadores también vamos apostando por una u otra de esas teorías.
Jim empieza a pensar que todo forma parte de un experimento del gobierno para ver como superan los seres humanos la presión. En su intento de comprobar esta teoría le acompaña uno de los recién llegados llamado Randall, que demuestra ser un mal bicho que acaba complicando la vida de todos. El sheriff Boyd sigue investigando por su cuenta y bastante problemas tiene con unos gusanos que han acabado dentro de él gracias al viaje por el Árbol de las Botellas que lo llevó a conocer a un extraño personaje. Para Boyd la clave de todo tiene que estar en una Sara que parece tener una conexión especial con el lugar. Jade por su parte, sigue obsesionado con el símbolo que ve en todos sitios y el papel de Viktor en la historia del pueblo, unas teorías que parecen estar relacionadas con las visiones que ve Tabitha de unos espeluznantes niños que no paran de repetir el palabro ««anghkooey». Al final de temporada parece, sólo parece, que uno de estos personajes puede haber dado en el clavo.
El simbolo que obsesiona a Jade ¿descibrado?
Esto hace que se enriquezca el universo de From mientras vemos embarazos, bodas y por supuesto, muertes, mutilaciones y revelaciones imposibles. Lo bueno es que al menos al final de esta temporada el tema de esa nueva amenaza parece más o menos resuelto y a la vez se atisba una posible solución al mayor interrogante de la serie.
Y todo sin olvidar dos de los grandes aciertos de la primera temporada. El primero es la gran labor de los actores que dan vida a los protagonistas. Debe ser complicado interpretar a personajes que siempre están a punto de llegar a un punto de no retorno, de quebrarse. Pero los actores lo consiguen con solvencia, logrando que el espectador llegue a empatizar y persiga con ellos las respuestas. El segundo, es no dejar de lado el terror sicológico en pos del gore más efectista (que tampoco falta). En esta nueva tanda de episodios los sueños (al estilo Pesadilla en Elm Street) pueden ser tan peligrosos como las afiladas garras de unos monstruos sonrientes que se muestran más sádicos e inventivos que nunca (tremenda la escena de la barra de hierro…).
En resumen, esta temporada 2 de From sigue por el mismo camino que la primera, mezclando con acierto terror, gore y misterio con una acertada evolución de los personajes y sus relaciones. Es cierto que tampoco es que vayamos a conseguir muchas respuestas (más allá de ese final de temporada que nos deja con la boca abierta), pero es que, al fin y al cabo, ese el Leitmotiv de la serie y, mientras la historia siga funcionando, bien pueden ir estirando el chicle un poco más. Pero ojo, sin perder de vista que los espectadores acaben cansándose como pasó con Perdidos. En lograr este complicado equilibrio está la clave de que From se convierta en una de las mejores series de los últimos tiempos o que acabe siendo una más de “las nuevas Perdidos” que se quedaron por el camino. Por mi parte, solo puedo decir que estoy deseando poder ver una tercera temporada que ya está confirmada, aunque con los problemas derivados de la huelga de guionistas en Hollywood, pude que tardemos un poco más de la cuenta en tener en nuestras pantallas.
En un mundo que aún arrastra las secuelas del chasquido de Thanos, una facción rebelde de los Skrulls se está infiltrando entre los humanos para acelerar su autodestrucción. Solo Nick Furia puede detenerlos. Bienvenidos a Invasión Secreta.
A partir de aquí, SPOILERS del cuarto episodio de Invasión Secreta, llamado Amado.
Tras una primera mitad bastante prudente, con acontecimientos aparentemente sorprendentes que suenan a ya visto y que se suceden sin tensión, este cuarto capítulo comienza eliminando casi todos los obstáculos que se le presentan a Nick Furia.
En primer lugar, queda claro que Gi´Ah, la hija de Talos interpretada por Emilia Clarke, está viva al haber sobrevivido al disparo por haber ingerido parte del suero del súper Skrull, convirtiéndose en una baza con la que Gravik no cuenta.
Eso sí, Gi´Ah tampoco comparte la visión de su padre, demasiado idealista, basada en la suposición de que los humanos aprenderán a respetar a los Skrull y aceptarán la convivencia con ellos si les ayudan a luchar contra los rebeldes. Por lo que desaparece de escena y nada nuevo se sabe de ella en lo que resta de capítulo.
Luego tenemos a Furia, que descubre la asociación entre su mujer Priscilla y Rhodes, un Skrull infiltrado (algo que tampoco era difícil de imaginar). Lo que sí podría intrigarnos es el trasfondo de esta revelación. ¿Cuánto tiempo lleva siendo Rhodes un Skrull? Si habláramos de la Invasión Secreta original, tal vez Rhodes lleve siendo un infiltrado más tiempo del que pensamos, acrecentando esa sensación de paranoia que tan bien le vino al cómic y que en la serie ha brillado por su ausencia.
Si nos atenemos la continuidad de la serie, probablemente Rhodes lleve poco tiempo suplantado. Pero ahí queda esa duda.
Furia decide ajustar cuentas con los dos Skrulls que le han traicionado. En primer lugar, se enfrenta a lo devastador de que tu mujer, el “mayor error” de su vida, le haya traicionado. Hablamos de una persona que conocía todos los secretos de un hombre que se caracterizaba por ellos. Como bien da a entender Priscilla en esta escena, probablemente conocía de la formación de los Vengadores antes de que estos se reunieran por primera vez.
Finalmente, Priscilla asume el riesgo de traicionar a los suyos y se reconcilia con Furia, que ahora tiene que arreglar cuentas con Rhodes, al que le administra un rastreador líquido oculto en bourbon.
Acompañado de Talos, Furia sigue a Rhodes, que marcha en una comitiva presidencial para reunirse con Rusia tras el atentado ocurrido en el primer episodio. Y Gravik pretende atacar el convoy para, ya sí, desatar la Tercera Guerra Mundial.
De por sí, los mejores momentos que ha podido dar la serie han sido conversaciones más tensas que las escenas de acción. En el caso del combate en el convoy, se abusan de planos cortos porque, claro, Samuel L. Jackson tiene casi ochenta años y no está la cosa para coreografías elaboradas.
Al final, Furia consigue salvar al presidente de los Estados Unidos con la consiguiente y probable restitución como miembro de confianza del gobierno de los Estados Unidos. Por el contrario, Gravik consigue acabar con un Talos comprometido hasta el final con sus ideas acerca de la bondad inherente del ser humano. Y la serie pierde a uno de sus grandes personajes.
Finalmente, Invasión Secreta va al grano con un capítulo de poco más de media hora. Más que un thriller de despachos, la serie parece aspirar a ser una sucesora de 24 con Nick Furia como un Jack Bauer cascado. Eso sí, lejos de la tensión que conseguía la mítica serie. Porque sorprende que, dentro de la fidelidad al tono de espionaje, la seriedad que se está otorgando a la serie y la continua muerte de personajes importantes (María Hill y Talos), la serie no termina de impactar en el espectador.
Ahora que parece que la serie saca sus armas, esperamos un fin de fiesta más prometedor que lo visto hasta ahora.
Realmente aún conservo en grapa y en impoluto estado mis dos colecciones de Los Titanes (si, fueron dos), y las dos series de la Liga de la Justicia (América y Europa), la que aquí llamamos La liga de la justicia Internacional. Y es que pocas colecciones representan DC Comics en los años 80 como las que acabo de mencionar. Evidentemente doy por sentado que sabéis que hablo de la edición de Zinco, pero como veo que me hago mayor, y mucho gente no sabe si desvarío, tengo que añadir que en los años 80 los cómics DC llegaron de la mano de Zinco en España.
Y bien, si los Nuevos Titanes de Wolfman y Pérez fueron míticos y llegaron a rivalizar en ventas un par de años con La Patrulla-X, la otra serie superventas en el segundo lustro de los 80 fue la Liga de la Justicia de Keith Giffen, J.M. DeMatteis. Y si, creedme que era maravillosa, divertidísima… me la releo cada poco tiempo.
El crowdfunding de los Nuevos Titanes acabó con récord de la plataforma Spaceman Project, con una recaudación de 153.000 €. Este proyecto de La liga de la justicia internacional deberá pasar de los 95.000 € para llegar a buen puerto, y espero que lo consiga. Aún estará lejos de los participantes en el de los Nuevos Titanes por dos motivos: era más barato porque eran menos volúmenes y además los Titanes de Pérez y Wolfman son más míticos y más recordados por los nostálgicos como yo.
Escribo este artículo porque estoy convencido que cualquiera que lea hoy en día La liga de la justicia Internacional va a salir más reforzado como lector del 9º Arte que si lee una referencia actual. Y también porque soy un friki mortal de necesidad de este etapa de la Liga de la Justicia.
‘Superman Legacy’ de James Gunn no para de dejarnos noticias, a mi parecer, bastante buenas sobre el casting que se está llevando a cabo. Ayer nos despertábamos con tres fichajes muy, pero que muy interesantes para la primera aparición de ‘el hombre de acero’ del nuevo DCU, y hoy ha saltado otro nombre a la palestra para expandir ese elenco.
Un día después se ha confirmado que Anthony Carriganse une a esta producción interpretando a Metamorfo. Este actor estadounidense acaba de recibir una nominación a un Emmy por su trabajo en Barry. También queremos recordar que Carrigan ya ha trabajado para DC en un par de series. Fue Kyle Nimbus en dos episodios de la primera temporada de ‘The Flash’ y se puso en la piel de Victor Zsasz en ‘Gotham’.
Por lo menos es un dato curioso ver como todas estas contrataciones se están llevando a cabo cuando estamos inmersos en una huelga de actores y actrices.
Carrigan explicó a ‘The Hollywood Reporter’ que ya le había echado el ojo a Metamorpho antes del casting: «Me gustan los cómics, pero no soy un acérrimo, pero lo hice cuando se me cayó todo el pelo, revisé el tipo de panteón de todos estos superhéroes y supervillanos calvos y tomé nota de todos ellos», dijo Carrigan. «Recuerdo haber visto a Metamorpho y creo que tenía un gigante como un martillo por mano y yo estaba como, ese tipo es duro. Anotado. Guardaremos ese”.
Carrigan también mencionó que interpretar al personaje es significativo como miembro de la comunidad de alopecia. «Este personaje, por lo que he aprendido del material de origen, no le gustaba la forma en que se veía, y realmente me identifico con eso», agregó el actor. «Sabes, cuando obtuvo sus poderes pensó que era una maldición. Eso es algo que realmente sentí también. En mi caso, le di la vuelta y lo vi como una bendición. Así que estoy emocionado de traer eso a la mesa con este personaje».
‘Superman Legacy’ tiene una fecha de lanzamiento del 11 de julio de 2025 y el rodaje está planeado para comenzar a principios del próximo año. El cineasta ha escrito y va a dirigir esta cinta sobre Clark Kent/Superman.
Es curioso que estas noticias las hayamos tenido justo el mismo día de su estreno, aunque dos años antes.
Quizás algunos piensen que esta cinta de Superman se está llenando de personajes para ser una primera aproximación al kriptoniano, aunque pienso sinceramente que estas adhesiones serán a modo de presentación para que el espectador. Aunque el nombre de algunas formaciones ya empiezan a correr como la pólvora por la red.
Sea lo que sea lo que tiene pensado James Gunn, hay que reconocer que está realizando una elección de casting a la que poco o nada le podemos reprochar.
Un saludo y sed felices, es un buen momento para ser fan de DC.
En el 2020, un virus chino metió a la población mundial en casa. Los ingresos de todos los comercios decayeron y los cines no fueron una excepción. A raíz de aquello, la gente se volvió comodona y se acostumbró a consumir cine y series en streaming. Ahora ya pocos van al cine. Lo hemos intentado recuperando mitos de los 80 y superhéroes denostados en su momento y ni por esas.
Así que su misión señor Cruise, si decide aceptarla, es estrenar un blockbuster cada verano que reviente la taquilla. Nada intelectual, un espectáculo palomitero de primer nivel destinado al público popular pero, eso sí, que parezca sofisticado. Incluso elegante. Como si lo hubiese rodado Christopher Nolan pero sin aburrir al personal.
Deberá usted correr, saltar, hacer acrobacias, ponerse una máscara, correr un poco más y, si puede, más acrobacias. Para eso contará con su equipo habitual: el señor Rhames, el señor Pegg, la señora Ferguson y, por supuesto, el señor McQuarrie, sin el cual no sería posible el espectáculo. Y recuerde que si pinchan en taquilla ya no sabemos qué más inventarnos y negaremos todo conocimiento. Buena suerte, señor Cruise, porque va a necesitarla.
Parte 1
Pues sí, Tom Cruise acepta la misión y regresa como Ethan Hunt en su misión definitiva. Y se ve que son pitonisos porque se han fijado en la Inteligencia Artificial como enemigo meses antes de que se pusiese de moda. Puede que Misión Imposible: Sentencia Mortal – parte 1 tarde un poco en arrancar (como este post) pero es normal si tenemos en cuenta que dura dos horas y media.
Es evidente que Tom ha encontrado en Christpher McQuarrie a su colaborador más fiel, el que le da lo que él quiere. La película encadena set piece tras set piece, algunas realmente impresionantes, como la del tren que se despeña. Hay un intento por recuperar elementos de la primera película e incluso atisbos del pasado de Hunt pero palidecen frente al despliegue de acción.
Si le sobra algo a la película es un exceso de explicaciones en cuanto a la misión, repitiéndonos el objetivo cada cuarenta minutos por si nos habíamos perdido entre explosiones y persecuciones (sí, la sombra de Nolan es alargada). Si alguien piensa que es larga o que no necesitaban dos partes, mejor no vaya porque no la han hecho para él. Misión Imposible: Sentencia Mortal – parte 1 está hecha para adictos, para quienes quieren más, para los que sintieron un bajón cuando terminaron las anteriores.
Si bien ya nos anuncian con el título que tendrá una continuación, lo cierto es que la historia está más o menos cerrada. No acaba con un cliffhanger y eso es de agradecer. Por lo demás, presenta el mismo tono y estilo que las dos entregas anteriores, ambas dirigidas y guionizadas por Christopher McQuarrie. Lejos quedan aquellos tiempos en que Tom arriesgaba en cada entrega. Pero, hey, es lo que queríamos, ¿no?. Más de lo mismo. No voy a ser yo quien se queje.
Junto a Tom, regresan Rebecca Ferguson, Simon Pegg, Ving Rhames, Henry Czerny y Vanessa Kirby. Y es que Tom es muy amigo de sus amigos y se nota. A ellos se incorporan las chicas Marvel Pom Klementieff y Hayley Atwell y como villano tenemos a Esai Morales, de quién dos señoras ya entradas en la sesentena y sentadas casi a mi lado, comentaban que estaba más bueno que el propio Tom.
¿Qué pintaban esas señoras viendo un blockbuster donde el protagonista corre, pelea, corre, salta, corre, hace acrobacias y vuelve a correr? Esa es la gran habilidad de Misión Imposible: Sentencia Mortal – parte 1, el atraer a todo tipo de público, de diferente edad, sexo e incluso clase social, cosa que no creo que consigan ni Christopher Nolan con Oppenheimer ni Margot Robbie con Barbie.
Cruise contra la máquina
Al inicio de Top Gun: Maverick, Tom nos daba las gracias por acudir al cine y decía que la película estaba pensada para ser vista en pantalla grande, hecha para nosotros. Misión Imposible: Sentencia Mortal – parte 1 es otro alegato de Tom Cruise (y McQuarrie) a favor de recuperar los cines y de luchar contra OpenChat GPT y derivados. Y no es un detalle menor porque justo esta noche, el día de su estreno, y si no lo remedia nadie, los actores de Hollywood se pondrán en huelga junto a los guionistas, reclamando entre otras cosas sus derechos de imagen cuando una IA los use para lo que sea.
Así que, por el bien de todos los implicados, esperemos que Misión Imposible: Sentencia Mortal – parte 1 triunfe en taquilla y signifique que aún hay esperanza, que nos esperan buenas historias en el cine y que vale la pena pagar la entrada. En este caso es seguro que sí, que vale la pena. Un saludo, sed felices.
Y bien, si los Nuevos Titanes de Wolfman y Pérez fueron míticos y llegaron a rivalizar en ventas un par de años con La Patrulla-X, la otra serie superventas en el segundo lustro de los 80 fue la Liga de la Justicia de Keith Giffen, J.M. DeMatteis. Y si, creedme que era maravillosa, divertidísima… me la releo cada poco tiempo.
