Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy vuelve a ser un día triste. Ha fallecido Hermann Huppen, maestro de la historieta que, además, se ha mantenido en activo hasta su último aliento.
Hermann Huppen. Uno de los grandes maestros de la BD.
Hay nombres que construyen, casi en silencio, el paisaje emocional de los lectores. Hermann Huppen, simplemente Hermann, era uno de ellos.
El historietista belga falleció el 22 de marzo de 2026 en Bruselas, a los 87 años, víctima de un cáncer, dejando tras de sí una de las obras más sólidas y personales de la bande dessinée.
Nacido en 1938 en Bévercé, en la provincia de Lieja, Hermann no estaba destinado, al menos sobre el papel, a convertirse en una leyenda del noveno arte.
Se formó como ebanista, trabajó en arquitectura de interiores y vivió una etapa en Canadá antes de regresar a Bélgica y descubrir el mundo del cómic a través de su cuñado, Philippe Vandooren, futuro redactor jefe de Spirou.
De ese cruce casi casual entre oficios manuales y narrativa gráfica nacería un autor que siempre se definió más como artesano que como estrella, alguien que entendía cada página como un objeto trabajado a conciencia, con la insatisfacción como motor creativo.
Su entrada en la historieta se produce en los años 60, de la mano del guionista Greg, en las páginas de Tintin y Spirou.
De esa colaboración surgirán series fundamentales como Bernard Prince y, poco después, el western Comanche, que reinterpreta los códigos del género desde una sensibilidad más moderna y áspera.
Para muchos lectores hispanohablantes, esos álbumes publicados por editoriales como Junior, Grijalbo o Norma Editorial fueron una puerta de entrada a un tipo de aventura menos inocente, donde el polvo del camino y las arrugas del rostro pesaban tanto como los tiroteos.
Sin embargo, sería en solitario donde Hermann terminaría de encontrar su voz. En 1977 inició Jeremiah, serie postapocalíptica en la que firma tanto guion como dibujo y que se convertiría en su obra más extensa y popular.
A lo largo de casi treinta volúmenes, el mundo devastado que recorre Jeremiah le sirve para hablar de comunidades rotas, violencia cotidiana y pequeños gestos de humanidad en medio del desastre.
El tono es seco, a menudo pesimista, con personajes que se mueven en una zona moral deliberadamente gris; justo lo contrario del maniqueísmo que suele asociarse al cómic de aventuras clásico.
Si Jeremiah es su gran saga de ciencia ficción, Las torres de Bois-Maury (Les Tours de Bois-Maury) es, probablemente, su obra maestra en clave histórica.
Arrancada en 1984, esta serie ambientada en la Baja Edad Media sigue al caballero errante Aymar de Bois-Maury a través de una Europa dura, sucia y brutal.
Más que una lección de historia, es un catálogo de miserias y anhelos humanos: campesinos explotados, soldados sin gloria, nobles atrapados en sus propios intereses, todos dibujados con un realismo que casi duele.
El estudio minucioso de la época (vestimentas, armas, arquitectura) nunca se impone al drama humano, que sigue siendo el verdadero núcleo de la serie.
En todas estas obras late el mismo pulso gráfico. El trazo de Hermann, realista y “sucio”, se va a ir endureciendo con los años, alejándose del acabado más limpio de sus primeros álbumes para abrazar una expresividad rugosa, llena de manchas y silencios.
Es un maestro de la anatomía humana y animal, del paisaje y de las estructuras, pero sobre todo del rostro: sus personajes hablan tanto con las arrugas, la mirada perdida o el gesto cansado como con los diálogos.
La violencia, recurrente en su obra, nunca es espectacular: es física y desagradable, consecuencia inevitable del contexto en el que viven sus criaturas.
Lejos de acomodarse, Hermann siguió asumiendo retos en la vejez. En 2017, rozando los ochenta años, se embarca en una nueva serie: Duke, un western crepuscular (que va a publicar cARTEm Cómics) guionizado por su hijo Yves H. y publicado hasta 2023.
A ella se suman proyectos recientes como Brigantus (2024–2025) y el álbum Caatinga, cuya publicación póstuma está prevista para el 30 de abril de 2026.
En total, más de 120 álbumes en seis décadas de carrera, un volumen de trabajo que impresiona aún más si se tiene en cuenta el nivel de exigencia gráfica y narrativa que mantuvo hasta el final.
El álbum de Caatinga y la serie de Brigantus están disponibles en la web de cARTEm Cómics.
El reconocimiento también llegó desde la profesión. En 2016 recibió el Grand Prix de la Ville d’Angoulême, el premio más prestigioso del cómic francófono, que lo consagró oficialmente como uno de los pilares del medio.
Pero quizá su mayor legado no sean los trofeos, sino la manera en que su obra empujó al cómic europeo hacia territorios más adultos, demostrando que la aventura podía ser también un vehículo para hablar de frustraciones, fracasos y ambigüedad moral.
Hoy, mientras el mundo de la historieta despide a Hermann, muchos lectores regresan mentalmente a esa primera vez que se cruzaron con un álbum suyo: un tomito de Comanche descubierto en una biblioteca, una edición de Jeremiah en una librería de saldo, un integral de Bois-Maury que nos dejó sin aliento.
En esas viñetas encontramos paisajes enormes y personajes diminutos, pero también la certeza de que el cómic puede mirar de frente la parte más incómoda de la condición humana sin perder el sentido de la aventura.
Se va un coloso discreto, un artesano que nunca dejó de cuestionarse a sí mismo para seguir evolucionando.
Nos quedan sus páginas: polvo de caminos, lluvia sobre armaduras oxidadas, ciudades derruidas y rostros surcados por la vida. En ellas seguirá vivo, cada vez que abramos uno de sus álbumes en busca de esa mezcla tan suya de dureza y ternura.
El domingo pasado fui a ver Torrente Presidente y sí, me ha gustado. La verdad es que no iba al cine desde Superman y me hacía falta una película en salas de cine para desconectar y esta era la idónea.
Es cierto que días atrás me asaltaban dudas, tal y como reflejé aquí, en este artículo. Pero nada más lejos de la realidad, parafraseando a Carlos Boyero, «Santiago Segura es una combinación absoluta de inteligencia y de listeza».
Torrente toca todos los palos con mucha habilidad
Los primeros 45 minutos de Torrente Presidente son espectaculares. Santiago Segura no se autocensura (algo muy de moda hoy día por desgracia) y da palos a todo quisqui. Se ríe de los partidos extremistas, del gobierno actual y en la escena del debate electoral lanza pullas a la inmigración, al sexismo, la transexualidad,etc.
Es verdad que la segunda mitad de la película pierda ya un poco de frescura, es como si a Segura la idea de un Torrente investido de presidente no le diese para más que esos 45 minutos y la segunda mitad pierde un poco de chispa. Dicho esto la sensación es muy placentera al terminar la película y a eso habíamos venido.
Infinidad de cameos
Una de las señas de identidad de la saga son los cameos de famosos. Hemos tenido actores, cantantes, futbolistas, gente de la salsa rosa y actores internacionales de la talla de Alec Baldwin. Pero es Torrente Presidente el culmen del cameo, es exageradísimo el número de invitados en esta ocasión. Os recomiendo que vayais al cine y disfruteis de la película y de los distintos cameos que aquí no desvelaré.
Santiago Segura se acompaña muy bien
Lo que si voy a comentar es el acertado reparto de Torrente Presidente. Gabino Diego vuelve a la palestra y es genuino, quizás mejor hasta que Segura. Es mortal lo de Gabino con este papel, lo bien que trabaja. Brutal. Viva los actores de comedia. Ramón Langa como líder de NOX, es otro acierto, una presencia brutal, tanto física como de voz. Y me ha encantado el Pequeño Nicolás, Francisco Nicolás, me ha sorprendido gratamente.
En la era del correctismo y el bienqueda Torrente Presidente es muy necesaria
España ha cambiado mucho desde 1998, año que se estrenó la primera de Torrente. Un personaje facha, racista, machista, homófobo, en definitiva casposo y deleznable. Hoy en 2026 este tipo de humor está hasta mal visto pero a Segura no le ha temblado el pulso y el expolicía facha y del Atleti vuelve para salvarnos de la corrección política, con una genial capacidad para reunir en una sala de cine, a gente de distintas ideologías y que se descojonen de los mismos chistes.
Consideraciones finales
Desde los buenísimos créditos iniciales Torrente Presidente es un soplo de aire fresco y necesario ante la crispación nacional que estamos viviendo. Segura ha sabido jugar con la actualidad y la deforma, la exagera y la transforma, haciéndola suya pero reconocible para todos. Al final la realidad supera a la ficción por ello Segura lo que hace es deformarla a través de la exageración.
Santiago Segura además ha demostrado ser un monstruo en esto del marketing. La campaña de Torrente Presidente es inédita en España y en el mundo. La película no ha tenido pase de prensa, pero es que no ha tenido ni tráiler ni poster. Los espectadores disfrutan de la película sin haber visto ni una sola imagen promocional. Sinceramente, todo un acierto.
Lástima que el último acto se siente un poco bluff, pero el camino ha merecido la pena. Yo votaría a Torrente.
Tras una larga espera, llegó finalmente a Netflix la película Peaky Blinders: El Hombre Inmortal (2026) que, dirigida por Tom Harper y protagonizada por el siempre superlativo Cillian Murphy, viene a dar cierre a la serie de gangsters que, creada trece años atrás por Steven Knight, marcó a fuego la historia tanto del streaming como de la TV. ¿Está a la altura? Pues lo analizamos…
Casi cuatro años han pasado desde que me despidiera de ustedes con mi análisis de la sexta temporada de Peaky Blinders y, en aquel momento, sobre el cierre, hacía referencia a la anunciada película por venir diciendo: “Espero que nos encontremos aquí para analizarla cuando llegue el momento del estreno”. Y aquí estamos. Peaky Blinders: El Hombre Inmortal se ha estrenado finalmente este pasado viernes en Netflix, así que volvemos a encontrarnos, aunque puede haber, desde luego, quien no haya leído mis análisis en aquella oportunidad o incluso llegado a la película sin haber visto la serie o, por qué no, ni una ni la otra…
Es por eso que para ponernos en contexto, y aun cuando la explicación pueda sonar obvia a los fans de la serie, diremos que Peaky Blinders fue una propuesta de la BBC que, creada por Steven Knight y estrenada hace ya trece años, marcó época con sus seis temporadas hasta ser emitida la última en 2022.
Un crudo y a la vez elegante retrato de un mundo poco visitado hasta entonces en la pantalla, como el del crimen organizado y las mafias gitanas en Birmingham durante el período de entreguerras. Y marca la consagración de Cillian Murphy, para el público inevitablemente identificado de allí en más con el personaje de Tom Shelby, por lo menos hasta que en 2022 interpretara a Oppenheimer en la película homónima que le valdría el Oscar de la Academia (aquí nuestra crítica).
Ello, de por sí, genera para el filme un interés extra que puede atraer tanto a los fans de la serie como a quienes llegan a través de Oppenheimer o por la fama desde entonces ganada por Murphy. Quizás sea ese el motivo de que la película sea bastante independiente desde lo argumental, ¿pero significa ello que puede ser vista y disfrutada por quien no haya visto la serie? Allí hay que poner matices, pues no caben dudas de que puede ser entendida sin problemas, pero sin el compromiso emocional que, tanto desde lo narrativo como desde lo estético, tiene para quien sí lo haya hecho.
La dirección corre por cuenta de Tom Harper, quien fuera responsable de tres episodios de la temporada inicial de Peaky Blinders, así como de los filmes The Aeronauts (2019) y Agente Stone (2023, aquí nuestra crítica), producido este último por Netflix al igual que el que nos ocupa. El guion está a cargo de Steven Knight, no solo creador sino también escritor principal de la serie original.
En cuanto al elenco, además del mencionado Murphy dando nuevamente vida a Tom, se repiten Sophie Rundle como su hermana Ada, Ned Dennehy como su tío adoptivo Charlie Strong y Packy Lee en el rol del primo Johnny Dogs. Entre los villanos (término relativo porque aquí nadie es del todo bueno), el reincidente es Stephen Graham que, como en la sexta temporada de la serie, vuelve a dar vida a Hayden Stagg, el “rey de los muelles de Liverpool”.
Como incorporaciones, tenemos a Barry Keoghan encarnando a un ya crecido Duke Shelby, hijo de Tom (lo cual significa que vuelve a coincidir en una película con Murphy como lo hiciera en Dunkerque), en tanto que Rebbeca Ferguson hace lo propio con una supuesta tía del muchacho (¿o quizás su madre?) y Tim Roth con John Beckett, básicamente un agente nazi encubierto.
El gran ausente es sin lugar a dudas Paul Anderson, pues nos enteramos que su personaje Arthur, hermano de Tom que, al igual que él, estuvo en todos y cada uno de los episodios de la serie, ha muerto en el tiempo mediante con los sucesos de la película. Una muerte en off que no se condice con la importancia que el personaje tuvo para el mundo Peaky Blinders, pero que posiblemente responda a una forma fácil (y no demasiado elegante) de quitarse al actor de encima tras sus entuertos legales por posesión y consumo de drogas entre 2023 y 2025.
La Guerra Privada
La historia se ubica en 1940, es decir seis años después de los sucesos finales de la sexta temporada. Tom Shelby ya no es lo que era: depresivo y venido a menos, vive en una finca rural abandonada y destruida (recordemos que dinamitó su mansión) mientras escribe un libro con sus memorias (titulado precisamente El Hombre Inmortal) y le acechan visiones y fantasmas del pasado, particularmente el de su pequeña hija Ruby y el de su hermano Arthur, de cuya muerte se siente responsable.
Estamos en plena Segunda Guerra Mundial y los bombardeos arrecian sobre las principales ciudades inglesas, entre ellas Birmingham, donde hay intranquilidad e inseguridad en las calles y la gente extraña a Tom Shelby, siendo ya los Peaky Blinders una sombra de lo que eran y estando ahora liderados por su hijo Duke, quien pretende ocupar su lugar, pero el traje le queda grande…
Precisamente de ello quiere hablarle Ada a Tom al irle a ver a su finca, pero ni la deja entrar ni tiene la mínima intención de volver a Birmingham o a los Peaky Blinders, pues tiene sus propios conflictos y fantasmas con los que lidiar y parece simplemente entregado a esperar la hora de su muerte, esa a la que no se atrevió en sus frustrados intentos de suicidio.
En Birmingham, una bomba alemana cae sobre la fábrica de armas de Small Heath provocando una masacre entre las obreras. Duke se aparece en el lugar con los Peaky Blinders y, entre cenizas y escombros, se apropia de las armas que han quedado. Lo suyo no es solo robo al estado, sino también acto de traición contra su patria y, por lo que parece, no el único, porque está negociando con agentes alemanes y fascistas locales para introducir en la economía británica una importante cantidad de dinero falso que hará colapsar la misma y facilitar los planes de desembarco.
En medio de todo ello, alguien más ha caído en la finca de Shelby y es Kaulo Chriklo, quien dice ser hermana gemela de Zelda, la muchacha gitana con la cual Tom tuviera alguna vez un amorío que acabaría conduciendo al nacimiento de Duke. Es esta quien, cama de por medio y sin dejar del todo claro si su presencia es real u otro fantasma, le convence de volver a Birmingham para recomponer las cosas y recuperar el control que ha dejado irresponsablemente en manos de un hijo que, como líder, se muestra algo torpe y poco curtido…
Con Tono de Crepúsculo
Las expectativas por esta película eran altas y no podía ser para menos, fuera por el tiempo transcurrido desde el final de la serie, por la curiosidad de ver cómo se cerraban algunos arcos o por la presencia de Cillian Murphy que, después de Oppenheimer, volvía recargado y convertido en estrella.
La incógnita era si las mismas podían resolverse en menos de dos horas cuando el universo Peaky Blinders se construyó sobre seis temporadas que permitieron a sus personajes el desarrollo suficiente para que Tom Shelby, si bien central, no estuviera solo. Aquí es otro cantar…
La obvia compresión de los tiempos hace que la historia se centre en exceso en él, en sus culpas, sus demonios y sus fantasmas, lo que da al filme un interesante tono crepuscular y elegíaco que lo acerca a la tragedia griega o a Shakespeare, pero que se pone algo reiterativo durante la primera mitad y hace que el mismo tarde en despegar. Y por más que haya bombas o granadas, falta en la trama un estallido que se demora.
El lado bueno de ello es que Murphy se halla en su salsa, pues no son muchos los que logran transmitir tanto con tan poco y las más de las veces sin necesidad de palabras que expresen lo que les pasa por dentro. Pero se extraña todo ese mundo que la serie creó en torno suyo y que queda algo desdibujado al estar tan centrado todo en su figura.
Tiempos Convulsivos
La guerra, es cierto, da un marco interesante y tiene para Tom un significado especial al retrotraerle a los traumas que le dejó la suya propia, una que terminó hace más de veinte años, pero cuyas heridas no se cerraron nunca: exactamente lo mismo que ocurrió a Europa después de la Primera Guerra Mundial o, de no ser así, no habría habido segunda.
Hay en la película, de hecho, varias realidades históricas y sociológicas, pues es totalmente cierto que los bombardeos alemanes crearon un convulsivo clima social en Inglaterra y hasta se temió una revolución por parte de las clases más bajas que veían que las bombas les caían solo a ellos, lo cual daba aval al discurso socialista de que la guerra era solo un conflicto entre burguesías. Tiene bastante sentido, por lo tanto, que buscaran en medio del caos un líder como Tom y más aún si su reemplazo no estaba a la altura.
También es cierto lo del plan alemán de introducir dinero falso que, en efecto y como se muestra, fue hecho por prisioneros en el campo de concentración de Sachsenhausen. Fue la denominada Operación Bernhard y, a pesar de la impresionante calidad de los billetes apócrifos (dicen que de las mejores falsificaciones de la historia), no logró el efecto esperado porque el Banco de Inglaterra retiró de circulación los billetes grandes al primer indicio.
Y también es una realidad histórica, por supuesto, la masacre en la fábrica de armas BSA, ubicada en el barrio Small Heath, tan identificado con los Shelby. De hecho, y por su carácter industrial, Birmingham fue la tercera ciudad más bombardeada por los alemanes durante la llamada Batalla de Inglaterra y se dijo que el gobierno se negó a evacuar la planta por su importancia clave, deviniendo ello en la muerte de casi todo el personal que, efectivamente, eran mujeres por hallarse la mayor parte de los hombres combatiendo en el frente. De allí que el filme lleve una dedicatoria especial en los créditos finales.
Pero todos esos atractivos paralelismos entre la trama criminal y la guerra, tan dignos de ser aprovechados, se pierden un poco en la medida en que las cuestiones de estrategia e intriga política, tan importantes en la serie, están aquí apenas esbozadas y el problema de los nazis termina siendo más bien complementario o decorativo a la trama en lugar de enriquecerla o darle un tono distintivo.
Entre la Fantasía y la Realidad
Otro tanto ocurre con los personajes, comenzando por la abrupta desaparición de Arthur y un flashback que nos cuenta qué ocurrió con él sin que siquiera le veamos el rostro. Ada, que al igual que sus hermanos estuvo presente en cada capítulo de la serie, está esporádica y lejana del peso que le conociéramos. Y de Duke, magníficamente interpretado por Barry Keoghan, desconocemos el proceso que le llevó a convertirse en líder criminal cuando no pintaba para ello y tampoco está muy desarrollado el antagonismo con su padre, interesante y potencialmente aprovechable, se diluye sin embargo demasiado rápido.
Con respecto al resto de los personajes nuevos, el escaso tiempo de la película no les da el desarrollo suficiente para que lleguemos a empatizar, odiarlos o tan siquiera conocerlos, haciendo ello que lo que les pase nos termine por dar más o menos lo mismo.
¿Es entonces Peaky Blinders: El Hombre Inmortal una frustrante decepción? De ningún modo: la historia se sostiene bien a pesar de sus limitaciones y, como la serie, se mueve impecablemente en un frágil equilibrio entre lo real y lo fantástico. Los toques surrealistas le confieren una ambigüedad que se agradece y la hace atractiva, sin que tengamos forma de saber qué tan reales son los fantasmas de Tom o cómo diablos llegó a su patio esa bufanda roja de Ruby.
Incluso no me termina de quedar claro si Kaulo (o Zelda) existe en verdad o es también producto de la imaginación de Tom. Su presencia recuerda a la de Palas Atenea en la Odisea, siendo casi una voz de la conciencia que le habla y lo guía en sus conflictos internos. Dicho sea de paso, hay mucho en Tom que hace recordar a Odiseo y no digo más al respecto porque los vínculos de Peaky Blinders con las tragedias griegas o los poemas épicos de Homero son interesante material para un artículo especialmente dedicado al tema.
El último cuarto del filme viene con buen suspenso y giros, sin que sepamos hasta último momento qué trama Duke o por qué bando se terminará decidiendo. Y hay un par de muertes de personajes importantes, pero no quiero decir demasiado y, en todo caso, ya hablaré de una de ellas en el apartado de más abajo con debida advertencia spoiler.
La estética sigue siendo tan alucinante como en la serie o quizás incluso más por el cariz cinematográfico que tiene la película. Vestuario y ambientación de época vuelven a lucirse y ni hablar de la magnífica fotografía de George Steel que convierte cada cuadro en una verdadera obra de arte sin dejar de pasar la oportunidad de introducir guiños visuales que remiten al mundo de la serie, como las escenas ecuestres o las carretas ardiendo.
Y la banda sonora, siempre tan particular y “fuera de época”, vuelve a ofrecernos esos anacrónicos contrastes que, a pura distorisión, me hicieron chirriar tanto en los primeros tiempos de Peaky Blinders, pero a los que me fui luego acostumbrando. La diferencia es que, más que tratarse de música ya previamente grabada, esta vez los irlandeses Fontaines D.C. y los australianos Amyl and the Sniffers han aportado temas nuevos especialmente compuestos, sin perjuicio, claro, de que vuelva a decir presente Nick Cave o no sería Peaky Blinders.
¿Es el final que esperábamos? Pues seguramente lo es solo en parte, pero no cabe duda de que Peaky Blinders: El Hombre Inmortal es una buena película que da un digno cierre a la serie más allá de quedarse algún escalón por debajo de la misma y, muy especialmente, de las cuatro primeras temporadas. Y logra sostenerse gracias a una historia atractiva, una estética alucinante y un Cillian Murphy siempre increíble. No es poco…
Dato Curioso (spoiler)
Hay algo que, por lo que leo en las redes, casi nadie ha notado y que, aunque dato menor que quizás no importe a nadie, no deja de ser una coincidencia llamativa y curiosa. No solo en esta película vuelven a cruzarse Cillian Murphy y Barry Keoghan como lo hicieran en Dunkerque (2019, aquí crítica), sino que además el año de ficción en el cual sus personajes se encuentran es el mismo: 1940…
Pero allí no terminan las coincidencias, pues hay además simetría en la forma en que terminan sus respectivos personajes. Si recuerdan, en Dunkerque, el soldado al que interpretaba Murphy mataba accidentalmente, tras un forcejeo, al hijo del dueño del barco que lo había rescatado y que era justamente interpretado por Keoghan.
Aquí, por el contrario, es el personaje encarnado por este último (Duke) el que termina matando al de Murphy (Tom) y en ninguno de los dos casos es una muerte pensada o ex profeso, sino que en un caso es por accidente y en el otro porque así le ruega e impone el padre al hijo aun cuando este no quiera matarlo.
Ok, lo sé, es una tontería, pero me pareció un dato llamativo, al punto que he quedado preguntándome si habrá otro caso igual en la historia del cine o del streaming (siempre hablando de los mismos actores en películas diferentes e interpretando a distintos personajes): les dejo tarea…
Por otra parte, y ya hablando específicamente de Peaky Blinders: El Hombre Inmortal, ese final que revela que Tom nunca tuvo el valor para quitarse la vida y terminó delegando tal función en su propio hijo.
Lo que no deja de ser una pena es que haya terminado siendo a través de una bala, porque eso viene a romper aquella profecía de Polly de que Tom, justamente, no sería muerto por una. Hubiera sido un final más poético (y acorde con la delgada línea entre fantasía y realidad que el mundo Peaky Blinders siempre ha manejado) que Polly hubiera tenido razón y el final le hubiera llegado de otra forma…
Se habla ahora de una serie spiin-off o continuación que seguiría a los Peaky Blinders ya en los años cincuenta y bajo el liderazgo de Duke. Veremos si se hace realidad el proyecto y estaremos desde luego atentos a las novedades. Por lo pronto, la historia de Tom Shelby se cerró.
Hasta la próxima y sean felices. Les dejo link con nuestros otros artículos sobre el mundo Peaky Blinders…
A los cincuenta y cuatro años de edad, nos dejó Nicholas Brendon, quien a lo largo de siete temporadas interpretara al carismático y entrañable Xander Harris, personaje icónico y compañero inseparable de la heroína principal en Buffy, Cazavampiros. Tanto Sarah Michelle Gellar como Charisma Carpenter, ambas sus compañeras de elenco en aquella exitosa serie, hicieron conocer sus condolencias.
Poco más de un año ha pasado desde que nos enteráramos del fallecimiento de Michelle Trachtenberg (aquí nuestro artículo), quien en la serie Buffy, Cazavampiros interpretara a Dawn Summers y ahora nos anoticiamos con tristeza de que este pasado viernes nos ha dejado Nicholas Brendon, quien diera vida en la misma a Xander Harris, personaje aún más representativo e icónico por haber estado a lo largo de las siete temporadas. Y el impacto tiene mayor fuerza al tratarse de actores de la que en su momento fuera una de las más exitosas series juveniles que, sin embargo y paradójicamente, ya ha perdido a dos de su elenco.
Nicholas había nacido un 12 de abril de 1971 en Granada Hill, San Fernando Valley, Los Angeles. Su sueño de niño no era ser actor sino jugador profesional de béisbol, pero problemas de sociabilidad relacionados con su temprana tartamudez se lo pusieron difícil. Su madre, que era agente de teatro, le consiguió papeles en avisos publicitarios en los cuales no necesitaba hablar, lo cual le hizo poco a poco escalar laboralmente en ese ámbito e ir ganando confianza.
Intentó también estudiar medicina, aunque abandonó la carrera, y se desempeñó como camarero, pero fue despedido. Para los veinticinco, ya había logrado curar su tartamudez, pero se hallaba sin trabajo y acuciado por dificultades económicas, no pudiendo de hecho pagar el alquiler.
Fue así que, sin demasiado optimismo, se presentó al casting que estaba haciendo Joss Whedon para la serie Buffy, Cazavampiros (aquí nuestra reseña) y, contra toda expectativa propia, acabó obteniendo en la misma el papel de Xander Harris, un personaje que, según él mismo dijo, tenía mucho de las propias experiencias de Whedon en su paso por la preparatoria y, como tal, los mejores diálogos…
A lo largo de siete temporadas, entre 1997 y 2003, formó con Buffy Summers (Sarah Michelle Gellar) y Willow Rosenberg (Alyson Hannigan) un trío de fuego imposible de olvidar y ampliado a veces a cuarteto con el bibliotecario Rupert Giles (Anthony Stewart Head) o incluso a quinteto con la animadora Cordelia Chase (Charisma Carpenter).
Su personaje, lleno de carisma y sentido del humor, aunque algo atropellado, se ganó el corazón de los fans pero no tanto el de Buffy, de quien estuvo enamorado desde un principio sin ser correspondido, mientras era Willow quien estaba locamente enamorada de él con idénticos resultados. Cuando finalmente coincidió con esta y fueron pareja, las infidelidades lo arruinaron todo al descubrir ella que él mantenía una relación secreta con Cordelia, quien no quería hacerla pública por temor a que estar con él desprestigiara su imagen de chica popular del instituto.
Como antes hemos dicho, Nicholas estuvo en todas las temporadas de la serie y faltó, de hecho, solo a uno de los 144 episodios que la conformaron. Como dato curioso, en el episodio El Reemplazo (05×03), fue acompañado por su hermano gemelo Kelly Donovan para representar un desdoblamiento de personalidad por parte de Xander.
Finalizada la serie en 2003, se le vio en películas como Sangre en la Carretera (2008), Gran Amor Gay (2013) o Coherencia (2013), pero más suceso tuvo una vez más en televisión al interpretar a Kevin Lynch en la serie Mentes Criminales entre 2007 y 2014, estando presente durante ocho temporadas.
Pero ya desde 2010 comenzó a ser noticia por sus problemas de salud (sufría síndrome de cauda equina) o bien por sus adicciones a drogas y alcohol. Tuvo arrestos por vandalismo (destrucción de habitaciones de hotel básicamente) e incluso denuncias de violencia por parte de dos de sus novias.
En los últimos años, no obstante, se había sometido por propia voluntad a tratamientos de rehabilitación y dedicado a la pintura, además de trabajar en fundaciones relacionadas con la cura de personas tartamudas.
Según su familia, estaba ya mucho más estable y por eso sorprendió la noticia de su muerte este viernes mientras dormía. La misma fue adjudicada a “causas naturales”, aunque no sé qué tanto sentido pueda tener eso cuando hablamos de una persona de cincuenta y cuatro años.
Sarah Michelle Gellar fue, como no podía ser de otra forma, una de las que expresó sus condolencias al enterarse: «Nunca sabrán lo difícil que es ser el que no es elegido. Vivir tan cerca del centro de atención y nunca entrar en él. Pero yo lo sé. Veo más de lo que nadie se da cuenta, porque nadie me está mirando. Te vi, Nicky. Sé que ahora estás en paz, en esa gran mecedora en el cielo«.
Otro tanto hizo Charisma Carpenter: «Siempre extrañaré al hombre que conocí: alguien tan cálido y cariñoso. Era tierno, divertido, bromista, autocrítico y sumamente talentoso… Siempre me mantenía alerta, nunca repetía una frase igual, obligándome a mejorar como actriz al escucharlo. Siempre lo recordaré… con la puerta abierta de par en par, en su mecedora, fumando un cigarrillo y escuchando música… Echo de menos esos días y me aferro a esos recuerdos de él. Ofrezco mis condolencias a su familia, a sus amigos más cercanos (que estuvieron con él hasta el final) y a los fans de todo el mundo… Que descanse en paz.»
Palabras por parte de sus ex compañeras que lo dicen todo. Nos quedamos con su recuerdo y con tantos momentos buenos que nos hizo pasar. Y como homenaje me pareció bien cerrar con esta ilustración que le dedicó el artista de cómics J. Scott Campbell. Gracias por todo, Nicholas. Hasta siempre, Xander…
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. El noveno arte vuelve a estar de luto. Hace tan solo unos días, ha fallecido Sam Kieth con tan solo 63 años.
Sam Kieth ha fallecido
Sam Kieth, creador de The Maxx y uno de los arquitectos visuales de The Sandman, ha fallecido el 15 de marzo de 2026 a los 63 años.
Su muerte deja un vacío enorme en el cómic contemporáneo, pero también un legado extraño, visceral y profundamente influyente que merece ser celebrado.
Un autor inclasificable
Nacido en Grand Rapids, Michigan, en 1963, Kieth nunca encajó del todo en las etiquetas habituales del cómic de superhéroes.
Desde sus primeros trabajos en los años ochenta, su trazo deformado, orgánico y casi grotesco desentonaba frente al canon musculoso y limpio de la época, y precisamente por eso llamaba la atención.
Antes de convertirse en autor de culto, pasó por encargos tan variopintos como Mage de Matt Wagner, series independientes como Fish Police o rarezas como Adolescent Radioactive Black Belt Hamsters y Critters, un laboratorio perfecto para pulir su estilo.
Ese camino “desde los márgenes” anticipaba lo que vendría después: Kieth se sentía más cómodo en los intersticios, allí donde el cómic podía ser incómodo, onírico y emocionalmente ambiguo.
No era un dibujante al servicio de la anatomía perfecta, sino de la neurosis, el sueño y la pesadilla.
El sueño según Sam Kieth
En 1989, DC le encargó poner lápiz a los primeros números de The Sandman, la serie escrita por Neil Gaiman que terminaría convirtiéndose en uno de los grandes hitos del medio.
Sam Kieth dibujó los cinco primeros episodios, ayudando a fijar el tono inquietante, oscuro y ligeramente deforme de aquel universo de sueños, dioses y pesadillas.
Su aproximación, más cercana al terror de tradición Bernie Wrightson y al legado de los cómics de horror de DC, impregnó la etapa inicial de Morfeo de una sensación de inestabilidad permanente: Nada era del todo sólido, ni siquiera el propio protagonista.
Paradójicamente, Sam Kieth siempre fue muy honesto al reconocer que en The Sandman no ese encontraba cómodo y que el rumbo de la serie no terminaba de encajar con su sensibilidad.
Esa franqueza, esa forma de apartarse cuando sentía que ya no era el autor adecuado, lo hizo aún más querido entre lectores y colegas.
De algún modo, su breve paso por la serie funciona como una puerta: una introducción áspera y expresionista antes de que el sueño encontrara otras encarnaciones gráficas.
El púrpura de la marginalidad: The Maxx
Si Sandman le dio visibilidad, fue The Maxx la obra que definió para siempre su nombre. Publicada en Image Comics a partir de 1993, la serie cuenta la historia de un vagabundo vestido de púrpura que vive en una caja de cartón, atrapado entre dos realidades: La de las calles frías y hostiles, y la de un mundo alternativo, el Outback, donde se convierte en un protector salvaje y casi mítico.
A través de esa premisa, Kieth hablaba de trauma, salud mental, identidad fragmentada y la forma en que nos inventamos mitologías privadas para sobrevivir.
En una década asociada al exceso testosterónico del cómic de superhéroes, The Maxx fue un rara avis: Un título que jugaba con la iconografía superheroica para desmontarla desde dentro.
Su dibujo distorsionado, las anatomías imposibles y la manera en que los cuerpos parecían estar hechos de ansiedad y culpa convertían cada viñeta en un espejo roto.
La serie alcanzó 35 números, generó una recordada adaptación animada que utilizaba directamente el arte de Kieth y se consolidó como un clásico de culto que todavía hoy se cita como influencia directa en creadores que exploran la psicología y la subjetividad desde el cómic.
Más allá del Outback: Batman, terrores íntimos y experimentos
La carrera de Kieth no se limitó a esos dos grandes hitos. En el terreno del cómic mainstream, su visión deformada encajó sorprendentemente bien con la galería de monstruos de Gotham.
Títulos como Batman: Secrets, Batman/Lobo: Deadly Serious o las novelas gráficas Arkham Asylum: Madness y Batman: Through the Looking Glass demostraron que era posible hacer un Batman casi líquido, quebrado, más cercano a una alucinación que a un vigilante urbano.
En paralelo, Sam Kieth continuó explorando sus obsesiones en proyectos personales como Zero Girl y Four Women para Wildstorm, u obras como Ojo y My Inner Bimbo en editoriales independientes.
Todas ellas compartían un denominador común: Personajes dañados, sexualidad incómoda, culpa y humor extraño, como si el autor quisiera dibujar no tanto lo que vemos, sino lo que intentamos ocultar.
Incluso cuando jugaba con figuras icónicas (como en el cruce Batman/Maxx: Arkham Dreams), el resultado era un viaje interior, una inmersión en la psique más que en la acción espectacular.
Su trabajo también pasó por franquicias de género como Juez Dredd para 2000 AD o 30 Days of Night y The Hollows para IDW, demostrando una versatilidad que le permitía oscilar entre el terror, la ciencia ficción y el noir sin perder su sello personal.
En 2013 recibió el Inkpot Award de la Comic-Con de San Diego, un reconocimiento a una trayectoria que ya era, a esas alturas, referencia obligada para cualquier lector interesado en los caminos menos transitados del cómic.
Un legado que permanece
En los últimos años, los problemas de salud y las complicaciones derivadas de disputas legales sobre los derechos de The Maxx lo alejaron progresivamente del foco y redujeron su producción.
Su batalla contra una enfermedad neurodegenerativa que combina síntomas de alzhéimer y párkinson, terminó el 15 de marzo de 2026, dejando a su esposa Kathy, con la que llevaba más de cuatro décadas de matrimonio.
La reacción de la industria ha sido unánime: Amigos y colegas, como el dibujante Kelley Jones, lo han definido como un “genio del cómic” que cambió el rumbo de carreras ajenas y abrió puertas estéticas que otros transitarían después.
Pero quizá el homenaje más justo esté en cada lector que, al volver a The Maxx o a sus primeros Sandman, se reconoce en esos cuerpos deformes y en esos mundos fracturados. Porque, al final, eso hacía Sam Kieth: Dibujar lo que duele, lo que sueña y lo que no encaja, y convertirlo en historieta.
Parece ser que sí, que Chuck Norris ha muerto y en esta web no podíamos dejar pasar la oportunidad de dedicarle un retro-análisis. Chuck lo merece. Teníamos difícil la elección de la película (¿Invasión U.S.A.?, ¿El héroe y el terror?, ¿McQuade lobo solitario? ¿Delta Force?), pero hemos optado por, quizás, la más icónica de su carrera, la que supuso un verdadero bombazo comercial en su época y la que lo convirtió en una estrella del cine de acción para el público español.
Hoy hablamos de Desaparecido en combate (Missing in Action), su primera colaboración con la Cannon de Menahem Golan y Yoram Globus, un truño de película que es el perfecto ejemplo del espíritu de los sobrevalorados años 80. Vamos al lío.
Regreso a Vietnam (otra vez)
Chuck Norris es el coronel James Braddock, prisionero de guerra en Vietnam que logró escapar tras 7 años de cautiverio. Sin embargo, a su regreso a los EE.UU. nadie le cree. No hay prisioneros en Vietnam. ¿Cómo va a haberlos? El gobierno americano jamás dejaría tirados a los suyos. Con ánimo de arreglar este malentendido, una delegación americana viaja a Vietnam junto a Braddock. La idea es que pase vergüenza y lo traten como a un criminal de guerra, pero Braddock se rebela, averigua dónde están los prisioneros y monta una operación de rescate para sacarle los colores a los vietnamitas. Pim, pam, pum. Poco más hay que rascar por lo que se refiere a la historia.
Como ya he dicho, la película es mala de narices. La dirección, en manos de un tal Joseph Zito, es plana como una tabla de planchar; la producción denota racanería por todos lados (esos vietnamitas con pinta de filipinos…); Chuck es tan expresivo como un piedra (como siempre, vamos),… ¿Podemos salvar algo? Bueno, ahí están secundarios como James Hong y M. Emmet Walsh, quienes siempre dieron lo mejor de sí mismos aun sabiendo que actuaban en un truño. También se agradece la atmósfera sórdida de Saigon, aunque me temo que fue fruto del escaso presupuesto más que de las intenciones.
Todos los defectos de la película no impidieron que fuese un éxito apabullante allá por 1984: 22 millones de dólares de la época tan solo en EE.UU. Imaginad que, tras Desaparecido en combate, Joseph Zito pasó dos años gestando la pre-producción de un película de Spider-Man, que por suerte nunca vimos. En España, Desaparecido en combate se estrenó un año después, a rebufo de Stallone y su Rambo II. ¿Cómo se gestó tamaño éxito?
Antes de Rambo
Por un lado, Chuck Norris es Chuck Norris en estado puro. No sabía actuar. De hecho, no mueve ni un músculo de su cara en toda la cinta (que por suerte dura poco más de hora y media), pero el tipo estaba impregnado de un carisma que supo aprovechar muy bien. La definición de tipo duro es la que da Chuck Norris en esta película.
A rebufo del cine de karatekas de los años 70, Norris se construyó una carrera exaltando su imagen de tipo duro, de americano medio nacido en la América profunda (en Oklahoma; más en el medio imposible), de esos que visten vaqueros y camisa de leñador hasta cuando van a dormir, desayunan alitas de pollo y beben cerveza directamente de la botella (como muestra en una escena de la película, cuando asiste a una fiesta, pide su cerveza y rechaza el vaso). Pero no vamos a hablar de la vida de Chuck (por cierto, mucho mejor película que Desaparecido en combate), que para eso ya está la wikipedia.
Con Desaparecido en combate, Chuck Norris se incorporó al imaginario colectivo como héroe de acción en el momento justo, a mediados de los 80, cuando los EE.UU. abrazaban una ideología de la mano de un Ronald Reagan que abogaba por dejar atrás la vergüenza y recuperar el orgullo de ser americano. No en vano el eslogan de Reagan para la campaña presidencial de 1980 era Let’s Make America Great Again. Nuff said.
Cinematográficamente hablando, estamos en una época en la que, dos años antes, John Rambo había sido acorralado y justo un año antes de que el propio Rambo, siguiendo la estela de James Braddock, regresase a Vietnam a liberar prisioneros. Y a pesar de todo ese patriotismo (que hoy en día ya no nos tragamos), hay que reconocer que Desaparecido en combate no es nada complaciente con el gobierno y las instituciones americanas.
Es más, aunque Braddock se mete en Vietnam para acabar rescatando a cuatro prisioneros (literalmente), la película realiza un tratamiento muy sobrio del asunto, con escasas concesiones al humor (que cuando aparece está basado en ese carácter de duro del personaje, como cuando pide la cerveza o negocia la compra de una lancha, anticipando lo que después serían los memes de Chuck Norris), ni tampoco para la exageración y los excesos en los que sí llega a caer Stallone en su saga.
Si, la película es mala, los vietnamitas lucen como filipinos, la sangre se ve de metirijillas y por momentos parece un episodio de El equipo Apor lo que a la acción se refiere, pero los responsables de la película, con un Chuck Norris a la cabeza que aceptó participar como homenaje a su hermano caído en Vietnam, se lo tomaron muy en serio. Nos podrá gustar más o menos pero Desaparecido en combate no pretende engañar al espectador ni hace alarde del patriotismo que desbordará Rambo. Simplemente, es la historia de un hombre que no parece un saco de músculos, embarcado en una misión de rescate contra todo y contra todos. ¿Cómo no iba a triunfar?.
Carne de videoclub
Pero también fue la época de explosión de los videoclubes, esos lugares que suponían la oportunidad de recuperar películas que uno no había podido ver en los cines (aún recuerdo cuando no me dejaron entrar a ver Conan, el bárbaro por ser menor de edad), lugares donde se forjaron cinéfilos de pro (¿qué sería de Tarantino sin los videoclubes?) y por donde pululaban cintas infames, pero que en la intimidad del salón de tu casa parecían auténticas maravillas.
La época ideal para que triunfase Desaparecido en combate entre un público adolescente masculino ávido de héroes y aventuras, al que le importaban un huevo los mensajes patrióticos y vibraba con los tiros y las peleas, soñando con ser tan duros como Chuck Norris. Y si encima veíamos un par de tetas, mejor que mejor.
Ahí encajó Chuck Norris como un guante. Y a partir de ahí, Invasión U.S.A, Delta Force, Walker, Texas Ranger y todo los que nos echasen. Por eso era necesario este retro-análisis. Si somos objetivos, Desaparecido en combate no es una buena película pero era lo que había, fue honesta con su público y llegó a nosotros en el momento justo. Para muchos, Chuck Norris empezó a formar parte de nosotros a partir de Desaparecido en combate hasta hace dos días, cuando empezó la leyenda (como bien dijo Carlos María Porras en su artículo). Ya van quedando menos referentes de nuestra infancia y adolescencia. Un saludo, sed felices.
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Spawn Violator. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
Hay personajes que te caen bien. Otros que te caen mal. Y luego está Violator, que directamente te dan ganas de ducharte después de verlo aparecer en una viñeta.
Sí, ese payaso repugnante, bocazas, violento y con más mala leche que un foro de Twitter un lunes por la mañana. Ese mismo. El que siempre está ahí para fastidiarle la vida a Spawn y recordarte que el Infierno no es un sitio precisamente agradable. Es que Twitter es el terror de Internet. Da más miedo Twitter que Violator.
Pues bien, Planeta Cómic ha publicado Spawn: Violator (recién salido del horno), un buen tomo que recopila los seis números de Violator: Origin. Y ojo, porque aquí no estamos ante una historia secundaria sin más. Estamos en meterte de lleno en la mente (y en las tripas) de uno de los villanos más asquerosamente carismáticos del universo de Spawn.
Y ya te aviso: no es un viaje cómodo.
Aquí hablamos de «El origen del monstruo» (literalmente)
El cómic, escrito por Marc Andreyko, se plantea algo bastante interesante, contarte de dónde demonios sale Violator y por qué es como es. Que no es poca cosa, porque estamos hablando de una criatura infernal que lleva siglos manipulando humanos, destripando lo que se le pone delante y disfrutando cada segundo.
La historia funciona como una especie de viaje por su pasado. Desde sus orígenes ligados al Infierno, pasando por su caída, su paso por la Tierra y su papel como uno de los grandes manipuladores en la sombra.
Y lo mejor es el enfoque, el propio Violator actúa como narrador. Sí, el mismo personaje que no te fiarías ni para que te diga la hora. Resultado, un narrador poco fiable, sarcástico y completamente desquiciado que convierte el cómic en algo bastante más divertido (y perturbador) de lo que esperas.
Seis números, seis estilos y bastante mala baba
Uno de los puntos más curiosos del tomo es que cada número cuenta con distintos artistas. Eso hace que el cómic tenga seis enfoques visuales diferentes, algo que encaja bastante bien con la naturaleza caótica del personaje.
Aquí no hay una narrativa lineal y limpia. Hay cambios de tono, de estilo y de ritmo. A veces funciona mejor, otras veces te descoloca un poco, pero en general refuerza la idea de que estás dentro de la cabeza de un demonio que no está precisamente bien.
Porque Violator no es un villano «elegante». No es un Magneto ni un Doctor Doom (Doctor Muerte). Es otra cosa. Es más sucio, más grotesco, más salvaje.
Y el cómic abraza eso sin complejos.
Para quien ande despistado, Violator no es un secundario cualquiera. Es uno de los villanos clásicos de la serie creada por Todd McFarlane, aparecido ya en los primeros números de Spawn en los años 90.
Su función dentro del universo siempre ha sido clara, guiar, manipular y putear a los Hellspawn para que cumplan su papel dentro del gran plan infernal. No puede matarlos directamente, pero puede hacer que se destruyan solos. Y eso se le da de maravilla.
En este tomo, sin embargo, deja de ser el secundario molesto para convertirse en protagonista absoluto. Y eso cambia completamente la experiencia.
Porque cuando el foco está sobre él, lo que tienes no es una historia de superhéroes.
Tienes una historia de demonios, corrupción y violencia con bastante humor negro.
Spawn: Violator no es un cómic para todo el mundo. Ni lo pretende.
Es sucio, es exagerado, es irregular a ratos y aun así funciona. Porque entiende perfectamente qué tipo de personaje tiene entre manos y decide dejarlo suelto sin correa.
Si te gusta el universo Spawn, esto es una lectura más que recomendable.
Sinopsis de Spawn: Violator
¡Seis enormes números descomunales! ¡Seis artistas increíbles! ¡Seis momentos completamente diferentes de la historia!
Por fin, la auténtica historia del origen de VIOLATOR, contada por el narrador más inverosímil e impresentable de todos los tiempos. Sigue la odisea de tu demonio favorito del UNIVERSO SPAWN desde sus inicios en las alturas celestiales, pasando por su caída y descenso al Infierno, hasta terminar, finalmente, desterrado en la Tierra. Ha existido a lo largo de la historia de la humanidad, viviendo en las sombras y manejando los hilos de algunas de las personas más poderosas que jamás hayan vivido.
¡Seis enormes números descomunales! ¡Seis artistas increíbles! ¡Seis momentos completamente diferentes de la historia! ¡MARC ANDREYKO, guionista ganador del premio Eisner, y una sensacional camarilla de artistas te llevan y te traen del Infierno en esta épica serie!
Este volumen recopila los números 1 a 6 de VIOLATOR: ORIGIN.
Hoy, 20 de marzo de 2026, nos ha dejado Chuck Norris, y hoy, 20 de marzo, ha nacido la leyenda. Ayer nos enterábamos que entraba en el hospital por una emergencia médica. Yo no le di importancia. La verdad es que el actor y artista marcial tenía un aura de inmortal concebida en los últimos años. Pero como todos, al final estamos de paso.
«A la muerte le ha llegado Chuck Norris».
No soy un idólatra; adoro el cine y la música (antiguamente el fútbol), pero el fanatismo y la idolatría no casan conmigo. Sin embargo, con Chuck Norris he sentido hasta cierta pena, y mira que no era precisamente de mis favoritos y sin embargo me habré visto toda su filmografía al menos una vez. Y la serie Walker, Ranger de Texas de pe a pa. Eran otros tiempos. Yo creo que le cogí cariño cuando el actor se convirtió en adorable meme, lo que con habilidad hizo propio. Y es que hay que saber reírse de uno mismo. Que aquí estamos un rato de prestado.
Chuck Norris: El legado
Carlos Ray Norris nació en Ryan, Oklahoma el 10 de marzo de 1940. Conocido artísticamente como Chuck Norris, fue campeón mundial de karate en varias ocasiones, obteniendo cinturones negros en disciplinas como Tang Soo Do, Taekwondo o Jiu-jitsu brasileño. Fundó su propio sistema marcial, Chun Kuk Do.
Debutó en el cine como antagonista de Bruce Lee en El furor del Dragón (1972), lo que le abrió las puertas en el mundo del cine. Se convirtió en estrella de acción durante los años 80 con títulos que han pasado a la memoria de los fans del cine de acción como The Delta Force, Desaparecido en Combate y McQuade Lobo Solitario. Pero creo que es indiscutible que su mayor éxito y celebridad llegó con la ya mencionada serie Walker, Ranger de Texas, donde interpretó al ranger Cordell Walker durante ocho temporadas.
Chuck Norris y el meme
El fenómeno de los llamados “Chuck Norris facts” surgió en los inicios de internet y las redes sociales, cuando los usuarios empezaron a difundir frases cómicas que llevaban al extremo las capacidades del actor.
En plataformas como Twitter (actualmente conocida como X), se hizo común compartir publicaciones dedicadas a él, especialmente en determinados días de la semana, donde se difundían imágenes y chistes sobre su aparente invulnerabilidad.
Con el tiempo, Chuck Norris pasó de ser solo una figura destacada del cine a convertirse en un icono de la cultura digital. Internet adoptó su imagen como símbolo de poder ilimitado, lo que contribuyó a expandir su presencia en diversos ámbitos del entretenimiento.
Os dejo con algunos:
Aquí tienes una lista de algunos de los memes más conocidos sobre Chuck Norris:
Chuck Norris no duerme… espera.
Las lágrimas de Chuck Norris curan el cáncer. Lástima que nunca ha llorado.
Chuck Norris puede dividir entre cero.
Cuando Chuck Norris hace flexiones, no se levanta él… empuja la Tierra hacia abajo.
Chuck Norris contó hasta el infinito… dos veces.
No existe la teoría de la evolución, solo una lista de criaturas a las que Chuck Norris dejó vivir.
Chuck Norris puede oír el lenguaje de signos.
La muerte tuvo una experiencia cercana a Chuck Norris.
Chuck Norris no usa reloj. Él decide qué hora es.
Cuando el coco se va a dormir, revisa si hay Chuck Norris debajo de la cama.
Lo más gracioso es que el actor nunca se molestó y lo adoptó como cultura popular hacia su persona.
Hoy, tras su fallecimiento, la gente siguen haciendo memes:
“La muerte no vino por Chuck Norris; Chuck Norris fue por la muerte”
“RIP Death”
“Se adelantó el Viernes Santo”
Chuck Norris y sus mejores películas
Seamos sinceros. No tiene Chuck Norris una gran filmografía en cuanto a calidad. No llegó a jugar en las grandes ligas pero aún así tiene algunos títulos dignos.
El furor del Dragón (1972) Debutó haciendo de villano ante el mismísimo Bruce Lee. El combate final es icónico.
McQuade, lobo solitario (1983). No es gran cosa, pero dentro de lo que es su cine me parece de las mejores. El enfrentamiento final contra David Carradine es un clásico.
Desaparecido en combate (1984). Mi favorita del actor. Es la versión barata de Rambo. Pero sinceramente, me gusta más Braddock que Rambo, ahí lo dejo.
Invasión USA (1985). Es una patochada con terroristas de fondo, pero yo entraba fácil con este Chuck Norris portando en el cartel las Uzi a dos manos.
Delta Force (1986). Mi segunda favorita de Norris. Muy ochentera y muy de la Canon. El secuestro de un avión por un grupo terrorista provoca la entrada en acción de los Delta Force. Con Lee Marvin de ayuda. Ahí es nada.
Consideraciones finales
La familia ha querido agradecer el cariño recibido por parte de los fans de todo el mundo, destacando que ese apoyo fue muy importante para el actor. “Para él, ustedes no eran solo fans: eran sus amigos”, concluye el emotivo mensaje.
Hoy ha fallecido el hombre. Nace la leyenda que será recordada en sucesivas generaciones.
Spider-Man: Brand New Day ha pulverizado el récord establecido por Deadpool y Lobezno en cuanto al mayor número de visualizaciones de un tráiler durante sus primeras 24 horas en línea, lo que consolida la popularidad del hombre araña.
Spider-Man: Brand New Day acaba de batir un nuevo récord de visualizaciones de tráiler y las cifras te dejarán boquiabierto. La película ha logrado el mayor lanzamiento de tráiler de todos los tiempos en 24 horas, con la asombrosa cifra de 718,6 millones de visualizaciones.
Sony Pictures ha dado a conocer las cifras, citando a la empresa de estudios de mercado WaveMetrix. En tan solo 8 horas, Spider-Man: Brand New Day superó el récord anterior establecido por Deadpool y Lobezno en 2024, con 365 millones de visualizaciones durante sus primeras 24 horas en línea.
Spider-Man: Brand New Day también superó los 355,5 millones de visualizaciones de Spider-Man: No Way Home durante sus primeras 24 horas en línea. Y recordemos que Spider-Man: No Way Home fue la película más taquillera de la historia de Sony, con más de 1.900 millones de dólares en la taquilla mundial. ¿Spider-Man: Brand New Day superará esta cifra? Yo lo dudo y mucho, pero esta franquicia no deja de sorprendernos
A modo de comparación, el trepamuros ha dejado incluso muy atrás a Vengadores: Endgame, cuyos cuatro avances superaron los mil millones de visualizaciones en total, pero esa cifra era acumulada a lo largo del tiempo, no solo en 24 horas.
Tom Holland ha dicho:
«Realmente parece que no estamos haciendo la cuarta película. Estamos haciendo la primera película de este capítulo» «Esto es un renacimiento. Es algo completamente nuevo».
«El nuevo traje está diseñado de una forma totalmente diferente a las versiones anteriores. Es mucho más flexible, así que podemos explorar facetas del personaje que antes no había podido mostrar»
El asunto, desde luego, abre un debate ético y artístico. Se trata de la película As Deep as the Grave, que el fallecido Val Kilmer no pudo llegar a rodar debido a su enfermedad, pero que, merced a la IA, terminará protagonizando de todas formas. Estremecedor…
Parece sacado de un capítulo de Black Mirror, pero es real. El futuro ya está aquí y el actor Val Kilmer, fallecido hace ya casi un año (aquí nuestro artículo) volverá a cobrar vida en la pantalla a través de la inteligencia artificial al ser parte de la película As Deep as the Grave (Tan Profundo como la Tumba), en la cual se había comprometido a actuar, pero no llegó a filmar una sola escena por su cáncer de garganta y posterior fallecimiento a causa de una neumonía. De hecho, ya se dio a conocer la primera imagen, que es la que hace de presentación a este artículo.
Tanto el director Coerte Voorhees como su hermano John (un desperdicio que ninguno de los dos se llame Jason) explicaron que intentaron rodar la película omitiendo su personaje en lugar de reemplazarlo, pero no funcionó y, tratándose de una producción independiente, ya no hay presupuesto para volver a rodar con otro actor, así que decidieron recurrir a imágenes de Val Kilmer generadas por inteligencia artificial para reintroducir en la historia su personaje, un sacerdote conectado espiritualmente con las culturas nativas del sudoeste americano.
Desde ya que puede sonar turbio por no decir siniestro, pero los hermanos Voorhees se apresuraron a dejar claro que todo es hecho con el visto bueno del sindicato de actores y el consentimiento de la familia que, de hecho, aportó muchas de las imágenes para reconstruir al actor y recibirá el pago correspondiente como si hubiera actuado realmente en el filme.
Por cierto, su hija Mercedes Kilmer destacó la fuerte identificación que su padre sentía por el personaje que iba a interpretar, razón por la cual considera justo que lo termine haciendo él (qué raro suena decirlo así, pero probablemente haya que acostumbrarse), además de recordar que siempre tuvo actitud positiva hacia las tecnologías emergentes, a las cuales veía “con optimismo, como una herramienta para ampliar las posibilidades de la narración”.
Ni falta hace decir que el asunto está generando para estas horas un debate ético y no es para menos. Pues por mucha que sea la autorización que puedan dar su viuda o su hija, la realidad es que Val ya no puede opinar y su imagen por IA, en todo caso, está cubriendo el lugar que podría ocupar un actor aún con vida, lo que hace desde ya temer por el incierto panorama laboral que se pudiese generar a futuro y en el cual se vuelva quizás cada vez más común el suplantar a personas de carne y hueso.
Lleva incluso a pensar que ningún actor o actriz está realmente muerto, lo cual puede sonar emocionante pero también estremecedor. ¿Se puede entonces rodar en los tiempos actuales una comedia actuada por Charles Chaplin, por ejemplo? ¿Y qué pasa si a alguien se le ocurre rehacer Mujer Bonita con Marilyn Monroe en lugar deJulia Roberts? ¿Val Kilmer volviendo a ser Batman tal vez? Y ya que estamos, ¿qué tal si deciden rehacer The Doors, pero reemplazando justamente a Val Kilmer por el propio y «verdadero» Jim Morrison?
Suena tan disparatado como escabroso y se nos ocurre que muy probablemente habría conflictos de derechos, pero bueno, ya sabemos que negocios son negocios y todo se arregla; sin ir más lejos, aquí estamos dando la noticia de que pronto veremos una película con Val Kilmer.
Es bueno, no obstante, recordar que no es la primera vez que se recurre a la IA en relación con él, pues ya cuando tuvo que interpretar aTom Kazansky en Top Gun: Maverick(aquí nuestra crítica) se echó mano de la misma para corregir su voz, ya para ese entonces muy afectada por el cáncer de garganta.
Tampoco sería la primera vez que se filma con alguien que ya no vive, pues recordemos la increíble edición de El Cuervo (aquí retro-análisis) que hizo que Brandon Lee pudiese terminar la película aún después de su trágica muerte. La diferencia, claro, es que en este caso Val Kilmer no había iniciado rodaje ni hecho una sola escena…
Y no deja de hacer chirriar el que todo esto termine siendo en definitiva una forma de promocionar y vender la película con un impacto que de otro modo no hubiera tenido. El anuncio de que Kilmer estará en ella aún muerto despierta desde luego el morbo del público y es garantía de una cierta respuesta en audiencia.
En fin, los tiempos están cambiando, diría Bob Dylan, y no sabemos todavía hacia dónde nos lleva todo esto, pero ya ha quedado muchas veces largamente demostrado que si queremos salir a pelearnos con los avances de la tecnología, lo más posible es que terminemos perdiendo. ¿Opiniones? Les leo…
Si pudiera, te daría una patada, película que le valió una nominación al Óscar a su protagonista, narra la historia de Linda (
Rose Byrne), una madre que, junto a su hija enferma y sometida a un tratamiento constante, necesita sobrevivir por sí misma. Mientras tanto, tanto de forma figurada como literal, su vida se desmorona mientras se encuentran completamente solas y sin ayuda. Linda busca hacer hasta lo imposible por cuidar de su hija, aunque eso signifique sacrificar su propia estabilidad.
Ritmo
El ritmo de Si tuviera piernas, te daría una patada es agobiante y mantiene al espectador en tensión, ya que desde el comienzo plantea de forma trágica la situación en la que se encuentra la protagonista. No ofrece un respiro ni siquiera al inicio de la historia. Esto funciona muy bien para mostrar cómo es la vida de Linda, demostrando que no tiene ni un solo momento de descanso, que constantemente se preocupa por otras personas y se enfrenta a situaciones cada vez peores. La película se esfuerza en que, como espectadores, sintamos al mismo tiempo que Linda lo agobiante y desgastante que resulta su vida.
De esta manera, el ritmo de la película no se percibe como una historia o narrativa convencional, sino más bien como acompañar un instante de la vida de la protagonista. Se convierte en un simple vistazo a la psique de una persona que está constantemente al límite y al borde de empeorar aún más. En ningún momento dejan de sucederle cosas a Linda y a su familia que derrumbarían a cualquiera; pero, retratando las injusticias de la vida, no son suficientes para hundirla, no porque sean fáciles de afrontar, sino porque simplemente no puede permitirse derrumbarse.
El ritmo de la cinta es un experimento muy interesante que convierte situaciones cotidianas o acciones sin demasiada complicación en experiencias completamente agobiantes que incluso pueden llegar a resultar terroríficas, siendo uno de los elementos más destacables de la película. El filme, de esta manera, se convierte en una experiencia incluso desagradable o dura de ver, ya que no busca que sintamos pena o tristeza por su situación, sino que se centra exclusivamente en hacernos sentir las emociones que experimenta la protagonista, haciendo que esta película sea muy diferente a otras que buscan retratar este tipo de problemas.
Dirección
La dirección de la cinta es uno de sus puntos fuertes, ya que toma un rumbo muy interesante al presentarse con un estilo bastante propio y poco habitual, utilizando planos cerrados durante prácticamente toda la película. La historia transcurre mientras vemos constantemente solo a Linda; podría decirse que la película utiliza casi exclusivamente planos medios o primeros planos, recurriendo a planos algo más abiertos únicamente cuando Linda está acompañada por alguien más. Aun así, la mayor parte del peso visual recae en su rostro, siendo una técnica muy efectiva a la hora de generar tensión, pues como espectadores no tenemos otra alternativa que acompañar a Linda.
Mary Bronstein encierra con la cámara a su protagonista, incluso evitando mostrar el rostro de muchos otros personajes, como por ejemplo su hija. A pesar de ser una parte central de la historia y de que gran parte del conflicto gira en torno a ella, jamás vemos su rostro; solo escuchamos su voz y lo que Linda percibe de ella. Esto hace que la situación resulte aún más incómoda para el espectador, ya que Linda vive en un estado constante de estrés y ansiedad, y un simple llamado de su hija puede convertirse en algo casi terrorífico.
La directora utiliza estos elementos a su favor para que no generemos empatía directa con otros personajes, ya que Linda tampoco la siente. Tiene demasiadas cosas de las que preocuparse como para hacerlo. La forma de dirigir ayuda muchísimo a adentrarse en la mente de la protagonista y en cómo, a pesar de tener personas a su alrededor y de que precisamente por ellas se encuentra en la situación en la que está, no puede permitirse simplemente quebrarse. Necesita seguir enfocada en sí misma, aunque eso signifique autodestruirse aún más.
Actuación legendaria
La actriz Rose Byrne ofrece una de las mejores interpretaciones del año en esta cinta, siendo quien carga prácticamente con todo el peso de la película. Aunque existen personajes de apoyo, estos quedan muy en segundo plano, dejando que la protagonista sea la guía absoluta de la historia.
Byrne demuestra un rango interpretativo increíble, ya que, aunque el rasgo principal de su personaje es la ansiedad y el estrés, la cinta también se adentra en temas como la maternidad y la psicología, que requieren un tratamiento mucho más delicado. El personaje tiene muchas capas que se van alternando poco a poco y que, aunque muy diferentes entre sí, nunca se separan del todo. Era una interpretación muy exigente y difícil de lograr de forma satisfactoria, pero Byrne lo consigue con creces.
Si bien es cierto que la película, al tener un ritmo demasiado rápido y agitado, puede volverse pesada y difícil de seguir para el espectador, Byrne consigue sostenerla prácticamente por sí sola. Su actuación es tan absorbente que resulta imposible apartar la atención de ella. Como espectadores, todo lo que hace con sus gestos, con los movimientos de las manos o incluso con su expresión facial resulta impresionante y logra ser suficiente para mantener la película incluso en sus momentos más débiles.
Si tuviera piernas, te daría una patada le valió una nominación al Óscar a Rose Byrne, siendo además una fuerte contendiente durante la temporada de premios, en la que ha recibido múltiples nominaciones y ha llegado a ganar el Globo de Oro.
Lo negativo
Aunque la cinta tiene muchos puntos fuertes que juegan a su favor, estos también pueden volverse en su contra. Principalmente, el ritmo puede llegar a ser demasiado pesado. Al no haber ningún momento de respiro, el mensaje de la película puede desgastarse rápidamente, haciendo que como espectadores nos preguntemos si realmente se trata de una exploración digna de la maternidad, el estrés y la ansiedad, o si simplemente se regodea en el sufrimiento de las personas. Es una disyuntiva muy compleja de analizar y que queda abierta a la interpretación de cada espectador, pero que sin duda aleja a la cinta de ser perfecta.
Asimismo, la historia comienza prácticamente en un punto de catarsis, donde todo lo negativo ocurre antes de que se plantee adecuadamente la situación de los personajes. Esto, aunque interesante, también puede jugar en su contra, ya que si desde el primer momento se muestra la miseria, el impacto emocional va perdiendo eficacia poco a poco, hasta que al final, por más situaciones negativas o momentos estresantes que ocurran, se sienten con menos fuerza que si la película se tomara ciertos momentos para respirar.
Si pudiera, te daría una patada es una película muy interesante que plantea la vida de una persona que no puede hacer más que sobrevivir. Además, es una gran exploración de la maternidad y la psicología que, aun con sus errores, destaca por los riesgos que toma y por la increíble y elogiable actuación de Rose Byrne.
Continuamos analizando Star Trek: Starfleet Academy (Academia de la Flota Estelar), la serie que, creada por Gaia Violo, es la duodécima (novena en live action) de una franquicia que en este 2026 cumple sesenta años, El octavo episodio, que hoy nos ocupa y que viene con una carga emotiva muy especial, se titula La Vida de las Estrellas y puede ser visto por Skyshowtime para España y Paramount+para América Latina.
“Como no sabemos cuándo moriremos, llegamos a pensar en la vida como un pozo inagotable. Sin embargo, todo ocurre un cierto número de veces… ¿Cuántas veces más recordarás una tarde de tu infancia? Quizás cuatro o cinco veces más. Quizás ni siquiera eso. Y sin embargo, todo parece infinito”… La cita no corresponde al capítulo que hoy analizamos de Star Trek: Starfleet Academy, sino que está extraída de la novela El Cielo Protector, de Paul Bowles, y soy yo mismo quien se toma el atrevimiento de traerla a colación porque creo que tiene bastante que ver…
Y así como el quinto conectaba argumental y emocionalmente con Star Trek: Deep Space 9, el octavo, que hoy nos ocupa, lo hace con uno de los capítulos más recordados y en mi opinión más emotivos de Star Trek: Voyager, lo que hace lógico que el Doctor tenga un lugar central.
No salgo del alivio ni de la sorpresa con lo bien que se ha encaminado esta serie después de parecer naufragar casi de comienzo. La Vida de las Estrellas es Star Trek en su más pura esencia y ya para esta altura podemos decir que estamos viendo una muy buen temporada que espero no arruinen las dos entregas que restan.
Vayamos pues a ver qué nos ha dejado este capítulo no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer en esta web los análisis previos tanto de esta como de otras series o películas de la franquicia.
El episodio comienza con bitácora personal a cargo del Doctor, quien reflexiona acerca de cuántos amaneceres habrá visto en soledad mientras a su alrededor los humanos despertaban de un sueño reparador y cuántos momentos vividos en su larga existencia holográfica se convierten ahora en nostalgia, pues el tiempo, dice, es su bestia…
Nos cuenta además que Tarima, recuperada del coma que sufriera tras los sucesos de la Miyazaki, está ya de regreso, pero los betazoides le han colocado unos neuroinhibidores para impedir que pueda en el futuro volver a hacer daño a otros o a sí misma. Tanto el Doctor como Ake le comunican que de todos modos no volverá a la Escuela de Guerra, sino que ha sido reasignada a la Academia porque allí existe la posibilidad de derivarla a labores científicas menos peligrosas para su integridad.
Tarima acepta la decisión, pero se la nota distante y siente que todos la miran como bicho raro a excepción de Sam, a quien percibe como la única que realmente la comprende. Caleb, por su parte, hace un intento por acercársele, pero ella lo evita.
Las heridas psicológicas de la Miyazaki han dejado mal a los cadetes que, en desastrosa simulación, pierden nave y tripulación mientras Reno los felicita irónicamente. Nahla considera que las terapias convencionales no están dando resultados y llama a alguien que podría ayudarles…
Pues resulta que no es otra que Sylvia Tilly (Mary Wiseman), a quien nos produce gran emoción volver a ver y, para ser sincero, esperaba antes su presencia en esta serie teniendo en cuenta el rol de instructora que ejerció en Star Trek: Discovery a partir de la cuarta temporada.
Pero los cadetes quedan anonadados cuando anuncia que viene a enseñar teatro sin siquiera dejar lugar a cuestionamiento. Por el contrario, y para empezar, pide a cada uno que lleve algún fragmento de obra teatral para ser representada y el momento cómico, desde luego, lo aporta Jay con una escena de ópera klingon que versa sobre cuadri-testículos.
Sam, la única que está encantada con las clases de teatro y la llegada de Tilly, lleva una obra de Thornton Wilder(Mi Pueblo) y quiere para el personaje de Emily a Tarima. Sin embargo, esta se muestra renuente y Sam debe representar el personaje ella misma, con particular énfasis en una frase que Tilly les pone a analizar y que habla de “la vida de la aldea contra la vida de las estrellas”.
Pero Sam no está del todo recompuesta y, en plena exposición, comienza a fallar para alarma y preocupación del resto. En enfermería llegan a la conclusión de que los ingenieros holográficos han hecho cuanto pudieron pero no fue suficiente y no queda más remedio que llevarla a Kasq para ser reparada por sus Creadores.
La idea, desde luego, no gusta a la propia Sam, pero Ake y el Doctor la convencen al comprometerse a viajar con ella en representación de la Federación para que su sola presencia disuada a los fotónicos de hacer algo en su contra o incluso desactivarla.
Pequeños Momentos
Durante una borrachera, Tarima manifiesta que no se siente ella misma si no puede tomar sus propias decisiones y Genesis busca consolarla con que quizás sea porque está naciendo una nueva persona. Sonriente, Tarima agradece sus palabras y dice entender por qué Caleb se fijó en ella, dejando así entrever que algo surgió entre ambos mientras no estuvo. Genesis, también sonriendo, responde con el clásico “somos amigos”.
La noticia del estado de salud de Sam es otro golpe duro para los cadetes, pero Tilly considera que lo mejor es seguir con las clases de teatro y, en todo caso, rendirle homenaje con la obra que ella quería recrear. Argumentando que ese era su deseo, convence a Tarima de hacer finalmente el personaje de Emily, aunque lo incómodo es que a Caleb le toca el de su esposo George y estamos hablando de una obra en que la protagonista fallece y regresa como fantasma, exactamente como dice sentirse Tarima…
Tilly objeta que la diferencia entre ella y Emily es que todavía está viva y aún a tiempo de construir algo nuevo con su vida (según pude investigar, dado que no leí la obra, Emily revive como fantasma su cumpleaños número doce y se lamenta de lo poco que uno aprovecha y valora en vida los momentos cotidianos).
De esta manera, entendemos que Sam no eligió esa obra porque sí, sino porque tanto los personajes como la historia tienen mucho que ver con los cadetes y lo que les ha ocurrido. La idea, y la enseñanza que sacan, es que los momentos grandes (la vida de las estrellas) no deben eclipsar los más pequeños y cotidianos (la vida de la aldea) porque es de estos últimos que en definitiva está compuesta la vida. Un llamado a la resiliencia a partir de valorar la belleza de lo simple…
Volver a amar…
Resulta que el planeta Kasq es no solo muy particular por su forma (recuerda más al Cubo Borg que a un cuerpo celeste), ni por estar habitado por seres fotónicos o porque todo allí se vea como si estuviéramos en una película en blanco y negro, sino también por presentar un gradiente gravitacional tan extremo que provoca un efecto relativista sobre el paso del tiempo, de tal modo que lo que en otro lado serían días allí pueden ser años: un recurso argumental, ya veremos, muy conveniente a la trama…
Al llevar pues a Sam ante los Creadores, es sometida a chequeo sobre una camilla y, antes de ello, pide al Doctor que le tome la mano, lo cual, sin embargo y a su pesar, este se niega a hacer, del mismo modo que antes a ser su mentor en la Academia.
El diagnóstico es fatal: echando en cara a la Federación el haber destruido en doscientos nueve días lo que les llevó años construir, los Creadores dicen que el daño en Sam es irreparable y no queda más que cancelar su programa y reiniciarla sin ninguno de los recuerdos adquiridos. Cuando el Doctor es anoticiado de que jamás se incluyeron justamente en su matriz holográfica recuerdos o experiencias que le sirvieran para hacer frente a las adversidades, entiende por qué colapsó ante las mismas: no le dieron capacidad de resiliencia…
La solución, pues, sería entonces hacerla pasar por lo que no tuvo: una infancia. Y para ello necesita a su lado un padre, con lo cual es obvio que todo apunta al Doctor. Es entonces cuando la trama, para nuestra emoción, se conecta con Vida Real, aquel inolvidable episodio de Star Trek: Voyager (03×22), confesando el Doctor que la razón por la cual no quiso tomar la mano de Sam fue para no revivir el dolor de la pérdida de Belle, la hija holográfica que alguna vez tuvo y a la cual debió despedir…
Su escudo para sobrevivir a la infinitud fue a partir de ello el no amar o, como replica Nahla, “el no volver a amar”. Comprendiendo que ya es hora de cambiar eso y superar el dolor pasado, acepta quedarse junto a Sam, de quien los Creadores dicen que tendrá de aquí en más dos conjuntos de recuerdos: los que viva durante su crecimiento como niña y los que trajo de su paso por la Academia.
En ese momento recordamos lo del gradiente extremo de Kasq y, en efecto, diecisiete años allí serán solo quince días para los compañeros de Sam en la Academia que, por lo tanto, no deberán esperar tanto para verla nuevamente con ellos. Una sucesión de imágenes nos la muestra desde la cuna misma y su desarrollo posterior. Ahora, Sam tiene un padre, una infancia… y capacidad de resiliencia. Y así como la obra de teatro por ella escogida hizo que sus compañeros supieran en sus vidas valorar los pequeños momentos, ahora también tiene ella los suyos propios que antes no tenía…
Balance del Episodio
Qué maravilla de capítulo. Es tanta la emoción que uno termina perdonando detalles incongruentes de la trama como que tengan que traer un profesor de teatro desde el Cuadrante Beta (se ve que escasean en el siglo XXXII), pero bienvenido sea el disparate si sirve para tener con nosotros otra vez a Tilly (increíble cómo la franquicia nos crea nostalgia cada vez más reciente) y, sobre todo, como excusa para una historia tan conmovedora como la que a partir de ello tiene lugar.
Antes que nada, debo ser sincero y admitir que nunca leí a Thornton Wilder. Sí conozco su obra (mayormente por alguna adaptación cinematográfica), como también que ganó tres premios Pulitzer y fue el autor de Los Idus de Marzo, la famosa novela sobre los últimos días de Julio César. Pero este capítulo me ha hecho entrar ganar de leerlo y, si consideramos que esta es la serie juvenil de la franquicia, nada puede ser mayor motivo de celebración que el que pueda quizás haberle ocurrido lo mismo a alguien en esa franja de edad a la cual apunta.
Una de las cosas que me entero sobre Mi Pueblo es que tanto al principio como al final de la obra existe un narrador omnisciente que incluso interactúa con el público y al que se conoce como “director de escena”. En la puesta armada por Tilly con los cadetes, ese lugar es ocupado por Ocam, el hermano de Tarima, pero si vemos el episodio de modo amplio e integral, está claro que el equivalente es el Doctor, quien también y de algún modo se halla por fuera del tiempo de los personajes de la historia. Él es su propia metahistoria…
Y conmueve hasta lo más íntimo que ello haya servido para volvernos a conectar con Vida Real. Si no recuerdan o no han visto ese capítulo de Star Trek: Voyager, trataba de que el Doctor, en su búsqueda de entender las reacciones y el sentir de los humanos, se había creado para sí mismo una familia holográfica…
Pero cuando le cuestionaron (B’Elanna Torres si mal no recuerdo) hacerla demasiado perfecta e irreal, agregó tragedia a su historia y ello terminó llevando a que Belle, su hija holográfica, acabara muriendo. Era tanto el dolor del Doctor que quería simplemente cesar la recreación, pero la capitanaJanewaylogró convencerlo de que si quería realmente saber qué se siente ser humano, tenía que conocer el dolor de la pérdida y saber despedirse, lo cual terminó finalmente haciendo…
El episodio que acabamos de ver de Starfleet: Academy nos ilustra sobre lo que ocurrió con el Doctor a partir de ello y, especialmente, durante los ochocientos años en los que le perdimos el rastro. Él explica que el no amar fue su coraza, la única que le permitió sobrevivir en un universo en el cual veía como todo alrededor iba muriendo mientras él quedaba. Pero ello, justamente, le privó de la vida y de los pequeños momentos cotidianos que la misma implica…
Allí es donde se tocan genialmente las dos tramas del capítulo, pues lo que él descubre es lo mismo que descubre Sam y también los cadetes de la Academia gracias a la puesta teatral llevada a cabo por Tilly. Y es esa construcción del episodio como un todo coherente lo que nos hace olvidar alguna que otra incoherencia o cuestión no explicada…
El planeta Kasq, por ejemplo. ¿Por qué tiene esa forma y por qué todo se ve en blanco y negro? La sensación que nos queda, aunque no esté dicho, es que se trata de un mundo artificial construido por los propios fotónicos, pero en definitiva no importa, pues el hecho de que todo pase a color una vez que Sam ha ganado una infancia y capacidad de resiliencia es de una belleza tan poética que nos hace tomarlo todo como una maravillosa licencia que hasta nos retrotrae a El Mago de Oz en su versión fílmica de 1939.
¿Ha sido La Vida de las Estrellas el mejor episodio de Starfleet: Academy hasta aquí? Pues en mi opinión ni siquiera tiene sentido preguntárselo: lo fue con diferencia. El descomunal trabajo del impagable Robert Picardo ha contribuido a ello, como también las vinculaciones con STV y STD o que la voz de los Creadores sea en idioma original interpretada por el bueno de Chiwetel Ejiofor.
Pero, amén de todo eso, lo más difícil de definir es la sensación que nos deja al comenzar a correr los créditos finales. Y cuando uno no logra explicar con palabras lo que el episodio de una serie le ha producido es porque definitivamente ha sido bueno, en este caso con un tono agridulce e introspectivo que, a diferencia del devastador y depresivo que tuviera el sexto, termina por ser esperanzador e incluso aleccionador. ¿O me van a negar que, como yo, se quedaron pensando en tanto momento pequeño de sus vidas que quizás no hayan valorado lo suficiente al vivirlo?
Porque, en definitiva, La Vida de las Estrellas ha sido una reflexión sobre la finitud y lo importante de vivir antes de que sea tarde. Y si eso, amigo trekkie o amigo lector, es algo que no te llega o no te produce nada, es hora entonces de que salgas a la calle para que la vida te golpee…
Les espero para analizar el noveno episodio, ya penúltimo de la temporada. Hasta entonces y sean felices. Larga vida y prosperidad…
Los fans de ‘Las Tortugas Ninja’ estamos de enhorabuena, y no solo porque ya llevan más de cuatro décadas con nosotros, sino por haber caído en manos de Moztros. La editorial está sabiendo devolvernos (a los que ya pintamos canas) todo lo que amamos y nos hizo soñar en nuestra niñez y adolescencia.
Es cierto que, a día de hoy, estamos teniendo muchas antologías en su contenido, aunque la llegada del ‘Roninverso’ y el primer tomo de la etapa de Jason Aaron nos están trayendo historias a largo plazo muy atractivas.
‘Las Tortugas Ninja: Blanco, Negro y Verde’no es un capricho estético para sumarse a la moda de ‘Blanco, negro y rojo’ o ‘Blanco, negro y sangre’ que hemos visto en cómics de esta y otras editoriales. Esa «limitación» cromática acaba siendo un acierto que ayuda a potenciar la narrativa de las historias que contiene este tomo. El verde no es simplemente una mancha, sino un elemento con profundidad; es una pieza más que suma enteros a la publicación.
El verde no está ahí porque las tortugas sean verdes, eso sería lo más obvio, lo interesante e inteligente es que cada equipo creativo lo utiliza de una forma diferente para dirigir la mirada del lector hacia donde es necesario.
Como toda obra de este tipo, ‘Blanco, Negro y Verde’ tiene las virtudes (a la par que las carencias) de cualquier antología: la irregularidad. Tenemos historias que son auténticos puñetazos en la mesa y que nos ganan en todas y cada una de sus viñetas, frente a otras que se quedan en la superficie del chiste o la anécdota visual. Es cierto, no obstante, que el nivel es muy alto y las buenas historias superan con creces a las más flojas.
Hay un denominador común: todas entretienen. Incluso las historias menos potentes acaban funcionando como mero entretenimiento ligero, más allá de ser un espectáculo visual. Es increíble ver cómo artistas tan distintos, con estilos que van desde trazos sucios y underground hasta estilos más limpios y mainstream, sacan adelante algo que conserva todo el sabor de las Tortugas Ninja. Esa variedad de formas de enfrentarse al «reto del verde» evita que el lector se fatigue o pierda las ganas de seguir leyendo tras una trama que no le haya convencido del todo.
Más allá de esto, cabe mencionar que todo lo publicado hasta el momento de nuestros quelonios favoritos demuestra el amor con el que los artistas y las editoriales están tratando un legado con muchos años de vida y todavía más fans a sus espaldas.
Conclusión
‘Las Tortugas Ninja: Blanco, Negro y Verde’ es un recordatorio de que estas tortugas, que tantos buenos momentos nos han dado, nacieron en el blanco y negro más absoluto y que el color vino después. Al recuperar esa sobriedad y añadirle el verde como único «invitado» a esta fiesta, el cómic recupera la peligrosidad y la atmósfera que a veces se pierden en las adaptaciones más infantiles o apegadas a la serie animada de los 90.
Esta antología no es solo un cómic para fans de «hueso colorado»; es una lectura recomendada para cualquier amante del noveno arte que quiera ver cómo una (supuesta) limitación puede ser la semilla de la gran creatividad.
Encuadro este tomo en lo que yo llamo «la nostalgia buena»: no es un mero producto para explotar algo que funciona, sino una propuesta con respeto por los personajes que realmente aporta algo nuevo.
Moztros nos trae un volumen que, a pesar de las pequeñas irregularidades narrativas propias de toda antología, se siente como una celebraciónvibrante, divertida, violenta y, sobre todo, muy viva de cuatro hermanos que, tras 40 años, siguen siendo el corazón verde de la cultura pop.
Robert Pattinson, protagonista de The Batman Parte II, ha adelantado detalles del «extraordinario» guion del director Matt Reeves para la próxima secuela de «DC Elseworlds», afirmando que la película dara «unos giros importantes». Recuerdo que se llama ‘DC Elseworlds’ porque estas películas están fuera de la continuidad del Universo Cinematográfico DC.
The Batman Parte II se ha hecho esperar mucho tiempo.
La serie de HBO El pingüino ayudó a llenar el vacío de cinco años entre The Batman y su secuela. Aunque DC Studios tiene sus propios planes para el Caballero Oscuro en The Brave and the Bold, se cree que el cineasta Matt Reeves acabará concluyendo su trilogía con Robert Pattinson.
Deadline habló con el actor en el estreno de su nueva película de A24, The Drama, y le preguntó a la estrella de Dune: Parte tres qué pueden esperar los fans del próximo capítulo de la «epopeya criminal de Batman» de Reeves.
«El guion es extraordinario» «Creo que va a ser una película realmente especial y muy, muy diferente. Va a ser interesante ver cómo sale a la luz. Se está arriesgando mucho».
A pesar de la presencia del villano Dos Caras, se ha especulado ampliamente con que Gilda Dent será la principal antagonista de The Batman Parte II (posiblemente como una mezcla entre el Asesino de Halloween y Phantasm).
Se ha confirmado la aparición del Pingüino, mientras que el Joker y el Acertijo también podrían aparecer tras el final de la primera película. Sin embargo, no se espera que ni el Príncipe Payaso del Crimen ni Edward Nashton desempeñen un papel importante en esta secuela.
Matt Reeves dijo el año pasado sobre la película:
«[En] muchas otras películas, que me encantan, una vez que superas la historia del origen —algo que nosotros no hicimos del todo, pero sí hicimos algo que aludía a sus orígenes—, entonces empiezas a contar la historia de la Galería de Villanos y la trayectoria de esos personajes» «Pero nunca quise perder a [Robert Pattinson] como protagonista de estas historias, y eso es realmente en lo que nos hemos centrado».
Al explicar que su decisión de centrarse más en Bruce Wayne (y Batman) inspiró su elección de villanos, el cineasta confirmó más tarde que el antagonista de la secuela «nunca se ha visto realmente en una película antes».
