Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hace tan solo unas pocas horas, acabamos de conocer el tráiler en español de Spider-Man: Brand New Day. Vamos a comentar las sensaciones que nos ha dejado y las expectativas que tenemos de cara a su estreno.
Tráiler oficial de Spider-Man: Brand New Day
El tráiler oficial en español de Spider-Man: Brand New Day deja claro que No Way Home no fue un cierre, sino el prólogo de una etapa mucho más dura y adulta para Peter Parker.
Han pasado cuatro años desde entonces y la sinopsis confirma que Peter vive completamente solo, borrado de la vida y los recuerdos de quienes quería, convertido en un Spider-Man a tiempo completo que patrulla Nueva York sin que nadie sepa quién hay bajo la máscara.
El avance introduce además un elemento inquietante: La presión constante de ser Spider-Man provoca en Peter una “sorprendente evolución física que amenaza su propia existencia”, un misterio que el tráiler sugiere sin desvelar del todo.
Al mismo tiempo, un nuevo patrón de crímenes desemboca en una de las mayores amenazas que el héroe ha enfrentado en pantalla, reforzando la idea de que este “nuevo día” no tendrá nada de luminoso para él.
Visualmente, el tono se oscurece y se vuelve más urbano, alejándose del aire de película de instituto de las primeras entregas.
Vemos un Spider-Man de calle, con peleas físicas, lluvia, suciedad y una atmósfera que muchos fans comparan con la serie animada de los 90′, además de una clara renuncia al exceso de gadgets y ayudas tecnológicas.
Incluso el doblaje español se beneficia del salto: Ahora Tom Holland encarna a un Peter adulto y el registro de voz acompaña esa madurez.
El título Brand New Day remite directamente al reseteo de los cómics: Relaciones borradas, status quo reiniciado y un héroe que solo puede contar consigo mismo.
El tráiler en español captura bien esa idea de sacrificio permanente, con un Peter que parece al borde del colapso pero que sigue balanceándose porque sabe que, si se detiene, alguien saldrá herido.
Las primeras reacciones del fandom reflejan un entusiasmo casi generacional: Hay quien confiesa seguir emocionándose “como un niño” con cada aparición del trepamuros y muchos sitúan 2026 como un año histórico entre este estreno y Los Nuevos Vengadores.
Sin mostrar demasiado, el tráiler deja la sensación de que estamos ante el verdadero inicio del Spider-Man adulto de Tom Holland y de una de sus etapas más oscuras en el UCM.
Pero no hablemos más, echemos un ojo al tráiler oficial en español de Spider-Man: Brand New Day.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Hoy tenemos el placer de hablaros de un wéstern, que es uno de mis géneros favoritos. Hoy queremos hablaros de El último héroe: La historia del Sheriff Tilgham. Publicado por Laramie Ediciones.
El último héroe: La historia del Sheriff Tilgham
El último héroe: La historia del sheriff William Tilghman es un western crepuscular de Jordi Bernet que mezcla biografía y mito para despedir a una forma de entender la ley en el salvaje Oeste.
Bernet sigue la vida de William Matthew Tilghman, uno de esos marshals que cabalgan entre la historia y la leyenda, justo en la frontera entre el siglo XIX y el XX.
Le vemos pasar de cazador de bisontes a hombre de ley, de pistolero eficaz a símbolo casi anacrónico en un mundo que se va llenando de coches, teléfonos y políticos que prefieren la foto al plomo.
El álbum recorre algunos hitos de su carrera, desde la caza de forajidos en territorio indio hasta su etapa como sheriff y figura pública, con un Tilghman que se empeña en aplicar la ley cuando a su alrededor muchos solo creen en el revólver o en el titular de prensa.
El tono es el de un western crepuscular: hay acción, sí, pero sobre todo pesa esa sensación de fin de época, de pistolero que llega tarde a un tiempo que ya no está hecho a su medida.
El Maestro Bernet no pretende hacer un documental, sino un canto a la figura del último héroe de una galería de nombres que suenan a polvo, sudor y leyendas de cantina.
Tilghman aquí es tanto el personaje histórico como el arquetipo del hombre de ley que se queda sin Oeste al que poner orden.
El cómic de Laramie Ediciones
En castellano, la obra llega en formato álbum de lujo: tapa dura, tamaño generoso de 32 x 23 cm y unas 80 páginas que permiten disfrutar de cada trazo del dibujante catalán.
Es el tipo de edición que pide una obra pensada en clave de western clásico, con viñetas amplias y un sentido del espacio que agradecerán quienes se fijan en los detalles del paisaje tanto como en los tiroteos.
El papel y la reproducción respetan el contraste y la atmósfera oscura que Bernet maneja tan bien, con negros profundos y un uso del claro-oscuro que refuerza el tono crepuscular de la historia.
Además, la edición española de Laramie Ediciones, presenta por primera vez el material en este formato de álbum, acercando a un autor de culto a un lector que quizá solo lo conocía por otros trabajos.
Es, en definitiva, una edición pensada para el lector que quiere tener el volumen en la estantería junto a sus clásicos del género, no como un tebeo de batalla más, sino como una pieza con empaque propio.
Jordi Bernet (Barcelona, 14 de junio de 1944) es uno de los dibujantes de cómic más importantes de nuestro país, conocido sobre todo por la serie negra Torpedo 1936 junto al guionista Enrique Sánchez Abulí.
Hijo del humorista gráfico Miguel Bernet (Jorge), creador de Doña Urraca, creció literalmente entre páginas de historieta, hasta el punto de continuar de adolescente las tiras del personaje de su padre.
Pronto abandonó el humor para pasarse al dibujo realista y empezó a trabajar en westerns y series de aventuras como Poncho Yucatán, lo que le abrió las puertas de agencias internacionales y del mercado británico y franco-belga, incluyendo su paso por la mítica revista Spirou.
En los años setenta y ochenta consolidó su estilo personalísimo en blanco y negro, combinando trabajos para el mercado alemán e italiano, donde también cultivó el western, con encargos para revistas españolas.
Más adelante dio el salto al mercado estadounidense con DC Comics, dibujando personajes como Batman y, muy significativamente, retomando el western en series como Jonah Hex, además de encargarse de The Spirit, la creación de Will Eisner.
Su trayectoria está llena de premios y reconocimientos, pero lo que importa aquí es que Bernet es, por oficio y afinidad, uno de los grandes nombres cuando hablamos de pólvora, sombreros y ciudades fronterizas en viñetas.
Aquí entra en juego mi debilidad: el western es uno de mis géneros favoritos, tanto en cine como en cómic, y este álbum entra directo en ese rincón de lecturas que te reconcilian con el Oeste clásico sin necesidad de reinventarlo cada dos páginas.
Bernet entiende que un buen western crepuscular no va solo de duelos al sol, sino de mostrar cómo se apagan los héroes cuando el mundo decide que ya no los necesita, y eso lo clava con un dibujo sobrio, expresivo y lleno de energía.
El personaje de Tilghman funciona como hilo conductor perfecto: no es un santo, no es un pistolero infalible, pero sí es alguien que se toma su trabajo y su sentido de la justicia muy en serio, incluso cuando eso le cuesta caro.
El álbum se lee de un tirón, con esa cadencia de balada triste que tienen los mejores títulos del género, y visualmente es una delicia para cualquiera que disfrute del blanco y negro contundente, de rostros curtidos y cielos que parecen pesar toneladas sobre los personajes.
¿Recomendación? Si te gusta el western, este libro es casi obligatorio; si tienes curiosidad por Jordi Bernet más allá de Torpedo 1936, es una puerta de entrada estupenda a su forma de mirar el género.
En mi caso, El último héroe: La historia del Sheriff William Tilghman se queda en la estantería de los que sé que voy a releer cuando me apetezca volver a cabalgar, aunque sea desde el sofá, por ese Oeste que se resiste a desaparecer del todo.
Denis Villeneuve busca superarse cinematográficamente con la tercera entrega de la saga Dune (que también tiene una serie interesante como es Dune: La Profecía). El primer tráiler publicado deja claro que esta nueva entrega girará hacia un tono más oscuro, político y cercano a la tragedia griega, sin olvidarse de la épica y las espectaculares escenas de acción. Un portentoso adelanto que nos augura un final glorioso para Paul Atreides y su cruzada religiosa: un desenlace digno y espectacular para cerrar una de las mejores trilogías de ciencia ficción de la historia del cine.
La trama presenta un salto temporal que nos sitúa unos doce años después de los acontecimientos de Dune: Parte Dos. Muad’Dib se encuentra plenamente asentado como emperador, soportando las consecuencias de una guerra interminable. Su carácter se ha vuelto más frío y calculador, endurecido por el peso de la responsabilidad y las secuelas del conflicto. Este desgaste psicológico lo está alejando del camino que emprendió como el libertador Lisan al-Gaib, un viaje heroico que, tras la guerra, queda aplastado por la violencia y el cansancio derivados del poder que ha tenido que asumir.
En el tráiler se percibe una clara tendencia hacia el thriller político, con un tono más sombrío y devastador que el de una simple historia de batallas. La tragedia y el drama adquieren mayor relevancia que la aventura épica. Esta tercera entrega de Dune profundizará en el caos, la tensión y los conflictos internos de un universo que parece estar pagando el precio de la cruzada santa conocida como la yihad. Este cambio de tono, aunque llamativo, puede suponer un riesgo de caer en un exceso de solemnidad que aleje el foco de lo que el público espera: puro espectáculo.
La película también pondrá el foco en la relación entre Paul y Chani, quien adquirirá un mayor peso emocional en la trama. En el tráiler ya se intuye que ambos tendrán que afrontar el paso del tiempo, la guerra y las conspiraciones mientras intentan mantener una relación estable. Un vínculo fundamental que podría suponer tanto la redención como la perdición total del protagonista.
Regresan a la saga los actores Timothée Chalamet como Paul Atreides, Zendaya como Chani, Florence Pugh como Irulan, Josh Brolin como Gurney Halleck y Rebecca Ferguson como Lady Jessica. Entre las nuevas incorporaciones destaca Anya Taylor-Joy, quien encarna a Alia Atreides, un personaje complejo y visceral que posee una gran sabiduría y carga con parte del destino de su hermano. También se suma Robert Pattinson como Scytale, un antagonista que añadirá nuevas capas de intriga a la historia. Sin olvidar el regreso de Duncan Idaho, interpretado por Jason Momoa, un personaje que será clave en los acontecimientos que rodean a Paul Atreides.
Con esta tercera parte de Dune, Denis Villeneuve podrá poner el broche final a una saga de culto que adapta la fascinante novela de Frank Herbert: El Mesías de Dune. Podemos esperar la misma calidad visual y sonora que en sus predecesoras, junto con una banda sonora envolvente y espectacular compuesta por Hans Zimmer (en el enlace podrás encontrar sus mejores bandas sonoras).
Se trata de una saga de gran éxito que ha reportado enormes beneficios a Warner Bros, especialmente con su segunda parte, que recaudó alrededor de 714 millones de dólares en taquilla. Un triunfo tanto para el público como para la crítica especializada, consolidándose como una obra cinematográfica colosal, con un lenguaje narrativo cautivador y personajes ya inscritos en la cultura popular. (Puedes leer la reseña de Dune: Parte dos pinchando el enlace).
Su final promete una épica más siniestra y dramática, en la que el odio adquirirá un papel determinante en el destino de los personajes. Una tragedia que se cuece lentamente bajo los ojos, consumidos por la especia, de un Paul Atreides desafiante, poderoso y letal: un héroe transformado en la figura más temida del universo.
La tercera parte de Dune tiene previsto su estreno en cines el 18 de diciembre de 2026. A continuación, os dejamos con el tráiler:
Con su segundo episodio y mientras continúa la cuenta regresiva, seguimos analizando esta octava y última temporada de Outlander, serie de Starzque, creada por Ronald D. Moore y basada en la exitosa saga de novelas de Diana Gabaldon, es emitida para España por Movistar+ y para América Latina por Disney+.
Hola otra vez, forasteros y viajeros del tiempo. Aquí nuevamente juntos para analizar un nuevo episodio de Outlander, tocándonos esta vez el segundo de una octava temporada que será la última, lo cual significa que estamos en clara cuenta regresiva para despedirnos de este universo o, por lo menos, de la historia de amor y pasión de Claire y Jamie, pues tenemos también el spin-off y precuela Outlander: Sangre de mi Sangre, del cual pueden leer aquí los análisis de un servidor.
El episodio que hoy nos ocupa se titula Profecías y, por partida doble, tiene bastante que ver con ello, aunque en el caso de Jamie no sería tanto una profecía lo que lo aflige sino un dato histórico futuro del cual tanto él como nosotros hemos tomado conocimiento sobre el final de la entrega anterior.
Es de destacar que con este capítulo Caitríona Balfe debuta en su rol de directora y algo que se me pasó mencionar antes y no es dato menor es que en esta temporada final el tradicional tema de apertura The Skye Boat Song es interpretado por la granAnnie Lennox que, de hecho escocesa, aporta una sentida y climática versión cuyo arreglo rinde claro homenaje a la de la fallecida Sinead O´Connor que acompañara toda la temporada anterior. Se las dejo al cierre del artículo.
Dicho esto, y sin más, pasemos pues a ver qué ha ocurrido en el episodio, no sin antes advertir que SE VIENEN SPOILERS DE LA TRAMA ni dejar de recordar que pueden leer aquí nuestros análisis previos.
La Tragedia golpea
Comenzamos con un flashback que nos lleva a Londres en 1773 y allí vemos a Ben, con uniforme militar despidiéndose de su hermano Henry y su primo William antes de partir a cumplir servicio en las colonias, más puntualmente en Boston. Un emocionado William le obsequia con carácter simbólico un soldadito de plomo.
Vueltos al presente y a Fraser´s Ridge, vemos a Frances asistir en sus labores médicas a Claire y, cada tanto, hacer alguna referencia a Jane y a los días en que vivía en el burdel. Claire (quien recordemos que aún mantiene en secreto que la niña es su nieta) le aconseja que trate de no mencionar eso ante el resto porque ese dato de su pasado podría volverse en su contra si llegara a oídos de gente prejuiciosa o de malas intenciones.
Jamie, en tanto, sigue obsesionado con su propia muerte a partir del dato leído en el libro de Frank Randall y, de hecho, pregunta a Roger si conoce a alguno de los otros personajes allí mencionados que, se supone, combatirán a su lado en Kings Mountain, a lo que su yerno responde negativamente, aunque admitiendo su ignorancia sobre muchos pormenores de la historia revolucionaria.
Cuando Jamie lo consulta por su descendiente Buck, dice que lo dejó en 1739, lo cual nos da la pauta de que las piedras funcionan casi como una línea de ferrocarril con paradas y todo para que puedas ir al año que se te da la gana con solo pensarlo. Fuera de ello y, contra la incomprensión de Jamie, caratula a Buck como una buena persona que supo reparar a tiempo sus errores del pasado.
Brianna y las mujeres del pueblo recogen entretanto arándanos en el bosque mientras Amy Lindsay (Joanne Thompson) habla de cuán feliz es y lo poco que creía esperaba encontrar el amor como lo ha encontrado en su esposo Evan (Gary Lamont). Dura poco: un oso surge repentinamente de entre la floresta y la ataca dejándole marcas fatales que, atendidas momentos después por Claire, hacen a esta caer en la triste cuenta de que ya no hay nada que hacer porque ha perdido demasiada sangre.
Se viven momentos desgarradores. En propia presencia del yaciente cuerpo de Amy, Claire debe comunicar a su esposo e hijos la triste noticia mientras, afuera, Brianna está mortificada por no haberla podido ayudar al debido momento. La encinta Rachel está igual de conmocionada y manifiesta a Ian que podría haber sido perfectamente ella la víctima (en realidad no hubiera sido conveniente para la serie). Un momento después, Jamie sale de la casa para decir que Amy ya “está con Dios”…
Toca a Claire pues preparar el cuerpo para el funeral y recibe la inesperada ayuda de la señora Cunningham que, para su sorpresa, trae ya el correspondiente sudario enviado por el viudo. Asombrada Claire por la prontitud, la anciana dice que todos deberían tener preparado el suyo propio que ella, por su avanzada edad, ya tiene desde hace rato.
Además, y aun cuando Claire sugiera llevar a cabo el funeral de Amy con el rostro cubierto por las horribles marcas que le ha dejado el oso, la mujer le sugiere en cambio hacer todos los arreglos faciales necesarios para que sus familiares puedan verla por última vez, lo cual, según ella, es muy importante. A pesar del momento (y de que, recordemos, golpeó a Mandy) surge entre esta y Claire una cierta amistad, al punto de incluso decirle su nombre de pila Elspeth para que así la llame en lo sucesivo. Gracias: ya estaba cansado de poner la señora Cunningham, la anciana o la mujer…
Lo que está haciendo Jamie mientras tanto es bastante más discutible, pero sirve para recordarnos gratamente que sigue siendo un rústico escocés de las montañas, pues está enseñando a Aidan (Cillian McDonald), uno de los pequeños hijos de la fallecida Amy, a amartillar y disparar un rifle para salir en busca de venganza contra el oso que mató a su madre.
Pero cuando finalmente lo hacen, se encuentran con que ya Charles Cunningham, el excapitán británico hijo de Elspeth se les ha adelantado, habiendo encontrado al animal antes que ellos y dándole muerte por cuenta propia. El pobre Aidan se quedó sin su venganza, aunque tampoco sé si la había pedido demasiado. Y a Jamie se le ve algo desconfiado…
La Peor Noticia
En Filadelfia, William asiste a la boda de su primo Henry, quien está contrayendo matrimonio con una mujer afroamericana. Tras felicitarlo, pronuncia unas palabras y espera que prospere el “proyecto de Bryan” para que en el futuro se hagan más frecuentes uniones como esa. Lo que dice tiene base histórica, pues alude al gobernador George Bryan, pionero en cuanto a impulsar leyes abolicionistas en años posteriores a la independencia de Estados Unidos.
Pero pasado el feliz momento, William no tiene mejor idea que anoticira en privado a Henry de la muerte de su hermano Ben y de que le sobreviven una viuda y un hijo: vaya momento el que eligió. La noticia deja desde luego devastado a su primo y William que promete investigar ante la falta de información oficial. Henry le pregunta cómo va a hacerlo si ya no forma parte del ejército y responde que se las compondrá de todas formas…
La Parca a Caballo
En Fraser´s Ridge, y tras el funeral de Amy, la vida sigue a la muerte pues tiene lugar el alumbramiento por parte de Rachel que, atendido el mismo debidamente por Claire y para alegría de Ian, da nacimiento a un niño. Creí en algún momento entender que esperaba mellizos, pero obviamente estaba equivocado y tuve que empezar a revisar y hacer correcciones. O bien se olvidaron uno, no sé, pero la cuestión es que da a luz un varón y hay discusiones sobre el nombre. Lo terminan llamando de momento Oggy, aunque se me ocurre que va a ser definitivo…
Ian le dice a Jamie que necesitará de su consejo, lo cual no es, por cierto, el comentario más feliz que podría hacer, pues deja a su tío cabizbajo y lamentando no poder ayudarle al no haber visto crecer a ninguno de sus hijos. Una metida de pata casi equivalente a Robin preguntando a Batman por sus padres…
Y como si el pobre Jamie no tuviera ya bastante con el aporte de su sobrino, instantes después se le aparece la parca a caballo o, lo que es lo mismo, Benjamin Cleveland,(Turlough Convery) uno de los personajes mencionados en el libro y que, supuestamente, combatirá a su lado en Kings Mountain. Dice haber venido a buscarlo para que se sume a las fuerzas de los colonos ya que sabe de su reputación y de su participación en las luchas por la independencia, pero Jamie responde con una negativa, quizás más por miedo a la “profecía” que a la batalla.
Y de todas formas, no es que el sujeto sea un pan de Dios, sino que es un famoso y despiadado cazador de lealistas y partidarios de la Corona, lo cual no le cae bien y menos después de haber visto colgando en los bosques los cuerpos sin vida de dos a los que justamente ajustició por tal motivo. De hecho, y antes de marcharse, Cleveland le advierte acerca de Cunningham, de cuya presencia en Fraser´s Ridge está al tanto y que, según dice, ha sido en el pasado un conocido conservador británico y probablemente lo siga siendo…
Momentos después se lleva justamente a cabo en Fraser´s Ridge una reunión de masones que es presidida por Jamie y a la cual Cunningham ha sido invitado. Al abrir la misma, Jamie hace precisamente hincapié en que allí no hay diferencias políticas ni religiosas mientras lo mira de soslayo.
Cuando llega el momento de los oradores, y para su sorpresa, es justamente Cunningham quien pide la palabra y, en emotivo discurso, habla de cuándo perdió a su madre y, dos años después, a su hijo Simon en Saratoga, el cual, según dice, abrió los ojos cuando ya lo suponía muerto y le dijo que se verían en siete años, lo cual le hace presumir que no morirá antes de ese plazo y le quedan, por lo tanto, cinco de vida.
Sus palabras emocionan a la concurrencia, pero no tanto a Jamie que, hablando luego, con Roger, le comenta que encuentra su historia increíble. Demasiado…
Profanador de Tumbas
William, mientras tanto y tal como prometió a Henry, llega al campamento británico de New Jersey a los fines de averiguar sobre la muerte de Ben. Pero cuando quiere indagar al respecto, solo le hablan del brote de tifus y ni siquiera puede hablar con el médico que lo atendió en su hora postrera, aunque sí con un cirujano que lo había hecho antes y manifiesta haberse sentido sorprendido al enterarse de su muerte, ya que lo había visto mejorado…
Todo ello hace sospechar a William que, después de recuperar los objetos personales de su primo, pregunta por la tumba de Ben y comete el descabellado acto de cavar con sus propias manos hasta llegar al cuerpo (no lo enterraron muy profundo a decir verdad) y descubrir con alivio, al romper la arpillera que le envuelve, que no tiene el rostro de Ben…
Balance del Episodio
Para el despropósito en que acabó la temporada anterior y lo apretujado que se vio todo en el primer episodio de esta, tengo que decir que no me ha parecido un mal capítulo y sí más bien un digno debut de Caitríona Balfe como directora que, quizás y a la luz de las entregas que veníamos viendo, debería hacer esto más seguido.
A ver: no es que no hayan estado las incoherencias de siempre porque ya para esta altura hace rato que estamos en el baile y si no las hubiera no sería Outlander, pero el capítulo ha acertado en encontrar un eje que, de manera general y fundamental, ha tenido que ver con la muerte como concepto central que lo sobrevuela todo.
Jamie teme a la suya propia y a la vez duda por ser Frank Randall (de algún modo su rival) quien la anuncia. Cunningham dice conocer fecha aproximada de la suya, aunque su fundamento es menos confiable y su historia más dudosa y metafísica (lo que paradójicamente la haga quizás creíble para los pobladores de Fraser´s Ridge) . Y William no acepta la de su primo, al punto de excavar su tumba para constatar que, en efecto, no está muerto…
Todo ello abre interrogantes. ¿Mantendrá Jamie su negativa a unirse a las fuerzas independentistas? Y si lo hace, ¿cambiará la historia? Por otra parte, si lo que cuenta Cunningham no es cierto, ¿hasta qué punto se puede confiar en su acercamiento a la masonería y qué tanto sustento tendrán las dudas de Jamie o las acusaciones que sobre él dejó deslizar Cleveland? Y en cuanto a Ben, si el que está en la tumba no es él, ¿en dónde se halla entonces? ¿Será Amaranthus quien dice ser y también lo cree muerto o habrá detrás de ella algo que no sabemos?
Y el tema de la muerte, por cierto, no se agota en esas tres historias, pues la tragedia ha golpeado fuerte en Fraser´s Ridge con la muerte de Amy. No es que fuera un personaje tan principal ni que hubiéramos llegado a empatizar mucho con ella con lo poco que la hemos conocido, pero el brutal contraste entre la felicidad que dice haber encontrado en su vida y el verla luego agonizar por las heridas del ataque de un oso es verdaderamente desgarrador además de fortuito, algo que me molesta mucho cuando es utilizado para cerrar o explicar tramas, pero no cuando, como aquí, dispara situaciones y reflexiones.
La muerte de Amy, por repentina, hace a todos interrogarse sobre su propia vida y tomar conciencia de su fugacidad. Ya lo dice Elspeth cuando afirma tener preparado su sudario y, de hecho, los momentos de funeral son bastante recurrentes en la serie y, según infiero, preocupación frecuente en la autora de los libros, pues por lo general sirven, como aquí, para contraponer las distintas visiones que podemos llegar a tener sobre la muerte a partir de la cultura adquirida: cómo olvidar al devorador de pecados…
Y el contraponer la muerte de Amy con el inmediato nacimiento de Oggy es también fuerte, pues da la idea de un ciclo en el cual para dar luz (literal) a algo nuevo hay que saber despedirse de lo anterior, cabiendo preguntarnos si algo de eso es lo que se avizora en el futuro inmediato de Claire y Jamie.
Es decir, ya sabemos que las muertes falsas o falsamente anunciadas son moneda común en Outlander, pero se me ocurre que tendremos alguna despedida tendremos antes del final y, admitiendo como siempre no haber leído los libros de Diana Gabaldon que sirven de base a esta parte de la historia, encuentro sugerente en que el último se llame “Ve y dile a las abejas que me he ido”. Y un panal de abejas, precisamente, ha tenido presencia simbólica en estos dos capítulos que llevamos vistos de la temporada…
Otro acierto del capítulo es que poco a poco vamos reencontrándonos con el contexto histórico, que parecía casi olvidado. Y si se están preguntando si Benjamin Cleveland es un personaje real con base histórica, la respuesta es sí. Fue figura destacada en la guerra de independencia y tuvo marcada presencia en las zonas de frontera con los indígenas, teniendo incluso relación muy cercana con el mítico Daniel Boone.
Y desempeñó, como aquí se ve venir, un papel clave en la batalla de Kings Mountain, aunque se lo suele pintar más voluminoso y se dice que llegó a pesar casi ciento cuarenta kilos. Por cierto y para aclarar dudas, la ciudad de Cleveland, en el estado de Ohio, no debe su nombre a él sino al general Moses Cleaveland, militar y pariente lejano (a pesar de alguna ligera diferencia ortográfica producto de error) que tuvo también importante participación en la guerra independentista, estando de hecho también ambos emparentados (siempre de manera lejana) con el después presidente Grover Cleveland.
En fin, me ha gustado el capítulo y eso es algo que hace rato no decía. Ojalá implicara algún cambio de rumbo o al menos los responsables de la serie entendieran hacia dónde deben llevarla pero, considerando que es la última temporada y que además los libros están largamente escritos, aquí ya está todo cerrado y no caben más cambios, con lo que solo nos queda esperar por ver qué nos deparan los próximos capítulos.
Por lo pronto, les espero para analizar el tercero y sean felices. Y como lo prometido es deuda, les dejo con Annie…
Ha llegado aNetflixla segunda temporada de One Piece, serie que, desarrollada por Matt Owensy Steven Maeda, adapta a live action el célebre y multivendedor manga homónimo de Eiichirō Oda. Si la primera nos había sorprendido con su calidad, la segunda vuelve a confirmarla con una adaptación valiente que, rebosante de humor y épica, no teme al absurdo ni busca un innecesario realismo. La espera valió la pena…
El poeta y filósofo Samuel Coleridge dijo alguna vez que para apreciar una obra literaria hay que suspender la incredulidad por un momento, un pensamiento del siglo XIX que hoy se puede hacer extensivo al cine y, ni hablar, a un producto como One Piece, ya sea que estemos hablando del manga más vendido de la historia, del anime que lo adaptó o (más aún por incluir actores reales) de la versión live action de Netflix, cuya segunda temporada, después de una larga espera de más de dos años, acaba de estrenarse en la plataforma.
En efecto, a lo largo de la hora que dura cada uno de los ocho episodios nos vamos a creer que un chico puede estirar un brazo hasta donde quiera, que los caracoles pueden funcionar como teléfonos o los renos ser médicos, como también que alguien haga crecer brazos y manos a voluntad, arrojar mocos explosivos o convertir una mandíbula de hojalata en fábrica de armas. Y asumiremos con total naturalidad que cualquiera de esas cosas es posible si te has comido una “fruta del diablo”.
Eso es precisamente suspender la incredulidad, algo hacia lo cual One Piece nos arrastra de manera prácticamente compulsiva pero placentera y lo genial es que no busca cubrir a la historia con una pátina de soso realismo para hacerla (supuestamente) más creíble como han hecho otras adaptaciones de manga o incluso a veces algunas de Marvel o DC que se muestran cobardes en el salto de las viñetas a la pantalla.
One Piece es, en ese sentido y por el contrario, una serie valiente que no teme al absurdo. Si un gran mérito tienen sus responsables es haber captado lo que muchos ejecutivos o realizadores suelen no entender: que el absurdo es tan sustancial al manga, y especialmente a One Piece, como lo son la épica, la emoción y el humor que, presentes ya en la primera temporada, no solo vuelven a estar en la segunda, sino que además se redobla la apuesta llevando la suspensión de la incredulidad a límites aun mayores y espantando nuestros temores de que aquello hubiera sido un mero espejismo.
Una segunda temporada que, como no podía ser de otra manera, tiene un tono mucho más viajero, reforzando por supuesto los vínculos con La Isla del Tesoro, novela de piratas por antonomasia en la cual claramente abreva, pero sin por ello dejar de rendir culto y tributo a otras grandes historias náuticas que a muchos nos han formado, como La Odisea, Moby Dick, Los Viajes de Gulliver o las de Simbad, el Marino.
Todo ello sin perjuicio de cruzarnos conPinocho, con el spaghetti western (el tercer episodio es grandioso), con Jurassic Park, con las tiras cómicas de Hagar el Horrible (conocido en el medio hispano como Olafo, el Vikingo) o con la impagable y recurrente tripulación de piratas que cada tanto hacía presencia en las historias de Astérixcon la misma inmediatez con que se hundían.
Es que One Piece es de alguna manera un compendio de la iconografía de la cultura popular, a la cual resignifica a través de la mezcla caótica y de un saludable sinsentido. Y ello le abre una franja de público mucho más amplia de la que podrían tener otras series al hacerla disfrutable para todas las edades, desde quienes jamás oyeron hablar de Stevenson (a pesar de que el grado de violencia imponga un piso de calificación de trece años) hasta los que peinan ya canas o directamente nada si es que se tiene la cabeza lo suficientemente abierta y se deja uno llevar.
Nada de eso funcionaría, desde luego, sin un elenco a la altura o personajes capaces de generar empatía y sostener entre sí tamaña química. La tripulación del Going Merry, en ese sentido, refuerza los vínculos que en la primera temporada les unieron y funcionan cada vez más como un todo, al tiempo que vamos también conociendo mejor el pasado de cada uno.
Luffy (Iñaki Godoy) sigue adelante con su sueño de hallar el One Piece y convertirse en rey de los piratas pero, en consonancia con el manga, van apareciendo interrogantes en torno suyo, como cuando sobre el final del primer episodio es salvado por un misterioso sujeto encapuchado identificado luego como Dragon, el líder del Ejército Revolucionario que combate en sombras al Gobierno Mundial.
Por cierto, el vínculo entre este y Luffy (bien conocido por los fans) no se revela en toda la temporada y probablemente tampoco lo haga en la próxima, por lo cual no es conveniente decir mucho, como tampoco acerca de las crípticas palabras en flashback del ajusticiado Gold Roger, a quien ya sobre el cierre del último capítulo se menciona debidamente como Gol D. Roger.
Nami (Emily Rudd) sigue desarrollando sus habilidades de navegación, pero se siente superada y no termina de confiar en sí misma, menos aún cuando la tiene complicada al otro lado de la Línea Roja, donde las brújulas ordinarias no funcionan y se requiere de una Log Pose, instrumento que mide los campos magnéticos entre las islas y se reinicia después de un cierto tiempo en cada una de ellas. O, mejor todavía, una Eternal Pose, que señala todo el tiempo hacia una isla fija…
Sanji (Taz Skylar) sigue siendo, desde luego, ese chef seductor y experto en artes marciales que pelea con sus piernas porque ningún cocinero osaría ensuciar las manos que pondrá luego en la comida. Pero se fortalece en esta temporada su relación con Nami y aparece el trauma del pasado con la muerte de su madre, quien se sacrificó por él.
Usopp (Jacob Romero Gibson) continúa siendo el francotirador de la tripulación con su inseparable tirachinas y no pierde oportunidad de contar sus fantásticas historias en todo puerto en que amarran, pero aprende en esta temporada cuán importante puede ser para el grupo en la medida en que, en lugar de dejarse vencer por el miedo, sea capaz de sacar a sus amigos de situaciones peligrosas aun teniéndolo.
En cuanto a Roronoa Zoro (Mackenyu Maeda), el espadachín del grupo, ha conseguido en Loguetown dos nuevas espadas bien conocidas para los fans, como son la Sandai Kitetsu, sobre la cual pesa una maldición que no lo desalienta a blandirla, y la Yubashiri, que el armero local le obsequia en honor a su valentía por elegir la anterior. Así, con la Wado Ichimanji, ya tiene las tres espadas icónicas y le vemos por primera vez luchar sosteniendo una de ellas entre dientes, aunque a la vez atormentado por las visiones de Dracule Mihawk, a quien no pudo vencer.
Pero la tripulación del Going Merry se amplía en esta temporada a siete con la incorporación de Nefertari Vivi (Charithra Chandran), princesa de Alabasta con la cual comienzan enfrentándose pero que se les termina uniendo al comprobar que tienen un mismo enemigo común y, ya sobre el cierre, Tony Tony Chopper (voz en inglés original a cargo de Mikaela Hoover), el adorable reno que pasa a ser médico de la tripulación y a quien su fruta del Diablo convierte cada tanto en abominable hombre de las nieves.
En cuanto a los villanos, reaparecen algunos de la primera temporada como Alvida (Ilia Isorelýs Paulino), la temible pirata de la Maza de Hierro que busca venganza y que ahora tiene la habilidad de que todo le resbale, o el pérfido payaso Buggy (Jeff Ward), con el cual la anterior hace alianza y terminan juntos casi matando a Luffy de no ser por la intervención de sus amigos.
Y, aunque ya lo habíamos visto, aumenta su protagonismo Smoker, el implacable cazador de piratas de la Marina que está obsesionado con atrapar a Luffy por haberle oído idéntica risa que a Gold Roger antes de su ejecución. Debe su apodo no solo a fumar dos puros a la vez, sino también a la habilidad de manipular el humo e incluso convertirse en tal. Y hay que decir que Callum Kerr, actor que lo interpreta, no tiene necesidad de mucho maquillaje por tener ya de por sí un rostro y un perfil que remiten a manga.
Pero buena parte del peso de la temporada se lo llevan los Barrocos, organización criminal liderada por el misterioso Mr. 0 que viene siendo una pesadilla para la Marina a partir del ataque y consecuente masacre en la base Shellstown bajo el liderazgo de la fría y sexy Señorita Domingo (Lera Abova), quien hace crecer miembros y extremidades a partir de flores y cuyo nombre real conoceremos hacia el final de la temporada, aunque esté desde un principio más que descontado para los lectores del manga.
Los objetivos de los Barrocos, más allá de llevar a la guerra civil al reino de Alabasta para apoderarse del mismo, permanecen aún bastante oscuros, incluso para el vicealmirante Garp (Vincent Regan), que encomienda a Smoker ir por ellos, teniendo este como ayudante a la suboficial Tashigi (Julia Rehwald), toda una especialista en armas que ha tenido algún encuentro con Zoro y que está obsesionada con hallar cada una de las espadas maestras y ponerlas en manos de quienes verdaderamente merezcan portarlas.
Y por debajo de la Señorita Domingo, los Barrocos cuentan además con múltiples agentes con nombres en código y distintas habilidades según la fruta del Diablo que hayan comido. Tal el caso de Mr.5 (Camrus Johnson), que es el que arroja mocos explosivos, o la Señorita San Valentín (Jazzara Jaslin), capaz de reducir o aumentar su peso a voluntad. También Mr. 3 (David Dastmalchian), quien controla la cera como un sádico artista reminiscente del que interpretara Vincent Price en La Casa de Cera (1953), o la Señorita Semana Dorada (Sophia Anne Caruso), capaz de manipular los sentimientos de las personas a través de pinturas hipnóticas.
A partir del final del segundo episodio, ya la historia se ubica básicamente al otro lado de la Línea Roja con nuestra tripulación buscando la Grand Line que los llevará hacia el One Piece tras navegar un peligroso estrecho a través de una montaña en la que el agua corre hacia arriba y ser luego tragados por la ballena Laboon, de la cual se liberarán gracias a una canción de Luffy en momento altamente emotivo, pero que puede hacer chirriar algo a los fans ya que en el manga el enfrentamiento es mucho más físico.
Tras ello, la peligrosa travesía les lleva a Whisky Peak, isla sacada de western spaghetti con cactus del tamaño de edificios y un pueblo que luce como uno de la frontera del oeste americano. Y a Jardín Pequeño, habitada por ciclópeos dinosaurios y ogros de corte vikingo que llevan un siglo enfrentándose entre sí pero que, comoLilliput y Blefuscu en Los Viajes de Gulliver, no recuerdan el motivo.
Y, por último, al reino de Drum, cuyo vil soberano Wapol (Rob Colletti), enemigo mortal de Alabasta y de la princesa Vivi, ha abandonado por completo a su pueblo y secuestrado a todos los médicos, por lo que nuestros viajeros, en busca de atención para Nami, deben escalar una escarpada montaña y visitar a la bruja Kureha (Katey Sagal), única médica que ha escapado y a cuyo servicio se halla justamente Chopper, el reno que sueña con ser médico y también pirata al que ella cuida desde que muriera su mentor Hiriluk (Mark Harelik, de quien parece chiste que su apellido suene tan cercano al nombre de su personaje).
Balance de Temporada
En definitiva, la espera fue larga pero One Piece ha regresado en plena forma y sin perder nada de lo que hiciera grande a la primera temporada. Y se nota que Netflix no ha escatimado en gastos, lo cual se agradece a los fines de que veamos la adaptación que requiere un manga tan querido e icónico.
Las coreografías de lucha son maravillosas y combinan a la perfección cgi con acción real. Y aunque se pueda decir que los efectos visuales no corren todas las veces a la misma altura, volvemos a lo dicho al principio: la serie busca deliberadamente un absurdo y una cercanía con el manga que no serían tales si sus efectos lucieran a nivel Hollywood.
En ese sentido, One Piece logra desde lo visual un equilibrio muy difícil entre lo pro y lo cutre, lo digital y lo artesanal, lo imponente y lo bizarro. La fotografía vuelve a destacarse y más aún al entrar en la historia mayor variedad de escenarios, pero siempre manteniendo ese toque estético que la acerca al manga, particularmente notable en encuadres, ángulos y planos.
Y la banda sonora de Sonya Belousova (The Witcher) contribuye, por último una vez más, a dar al conjunto el marco de épica y emoción que merece. No tengo vergüenza en admitir que por momentos me dejó al borde de las lágrimas y ni qué decir el tema de Tony Tony Chopper con que la temporada se cierra: no dejen por favor que Netflix les interrumpa los créditos y si ya se los hizo, les dejo la canción…
A riesgo de ser cargoso, insisto en la valentía de la propuesta. Esa misma que muestra Zoro al escoger una espada sobre la cual carga una maldición y no se me ocurre mejor analogía porque también cargaba históricamente una sobre las adaptaciones de manga a la pantalla que, por regla general ya instituida, no podían ser nunca buenas. One Piece vino a cambiar todo eso, ojalá que para siempre.
Lo único malo es que la costosa y complicada producción hace que quizás debamos aguardar otros dos años y medio para ver la tercera temporada. Bienvenido sea si ello garantiza calidad como sucedió con la segunda, pero hay un problema extra y es que los actores, sobre todo los juveniles, suelen crecer…
Si hay algo que el tiempo ha demostrado sobre Henry Cavilles que el hombre no es un fan de postureo. Cavill es un friki de verdad. De los que montan su PC, de los que juegan a videojuegos durante horas y, sobre todo, de los que llevan años pintando miniaturas del universo de Warhammer 40.000. ¿Pero que fue de la serie, que fue de la serie de serie de Warhammer 40.000?
Por eso cuando en 2022 se anunció que el actor estaba desarrollando una adaptación televisiva de ese universo, muchos fans reaccionaron con una mezcla de incredulidad y esperanza. Incredulidad porque Warhammer es un mundo tan gigantesco y oscuro que parece casi imposible de adaptar. Y esperanza porque si alguien iba a pelear para que la adaptación respetara el material original y además tuviera la fuerza y el carácter suficiente para atraer a un público ajeno a la franquicia, probablemente fuera el bueno de Henry Cavill.
El proyecto empezó a tomar forma oficialmente en diciembre de 2022, cuando se confirmó que Amazon MGM Studios había llegado a un acuerdo con Games Workshop para desarrollar producciones ambientadas en el universo de Warhammer 40.000. Cavill no solo participaría como protagonista, sino también como productor ejecutivo, implicándose directamente en el desarrollo creativo. Hasta aquí todo bien.
No se trataba simplemente de una serie aislada, sino de la posibilidad de construir un universo audiovisual alrededor del gigantesco lore del juego. Y aquí conviene detenerse un momento, porque el mundo de Warhammer 40.000 no es precisamente pequeño.
La franquicia nació en 1987 como un juego de miniaturas y desde entonces se ha convertido en uno de los universos de ciencia ficción más complejos que existen. La historia se sitúa en un futuro lejano en el que la humanidad sobrevive dentro de un imperio galáctico autoritario que lleva diez mil años en guerra constante. No hay utopía, no hay progreso brillante, no hay optimismo. En el universo de Warhammer 40K todo es guerra, fanatismo, corrupción y monstruos saliendo de dimensiones infernales.
Vamos, el típico escenario alegre para una serie familiar de domingo.
Precisamente por eso el proyecto generaba tanta curiosidad. Adaptar algo así implicaba trasladar a pantalla un mundo brutalmente oscuro donde los héroes no siempre son heroicos y donde incluso los “buenos” forman parte de un sistema bastante despiadado. Según ha comentado el propio Cavill en varias ocasiones, su intención era que la adaptación respete ese tono grimdark que define al universo Warhammer. Nada de suavizarlo demasiado para hacerlo más accesible.
Y aquí es donde la implicación del actor se vuelve importante. Cavill ha hablado en varias entrevistas sobre su pasión por el lore del juego y sobre lo mucho que significa para él poder participar en su adaptación. No es casualidad que aceptara este proyecto justo después de cerrar su etapa como Superman en el cine y tras su salida de la serie The Witcher. Para él, este era casi un proyecto personal.
Sin embargo, el desarrollo de la serie ha avanzado con bastante calma. Desde el anuncio inicial, las noticias han sido escasas y el proyecto sigue en una fase temprana de desarrollo. La propia dirección de Games Workshop ha explicado que los tiempos dependen principalmente de los procesos de producción de Amazon y de los equipos creativos implicados. La cosa no avanza.
Y tiene bastante sentido. Adaptar un universo como Warhammer no es algo que se pueda improvisar. El lore de la franquicia abarca miles de años de historia ficticia, docenas de facciones alienígenas, guerras galácticas interminables y una biblioteca entera de novelas que amplían ese mundo. Elegir por dónde empezar ya es un desafío creativo enorme.
Por ahora, lo único confirmado es que el proyecto sigue adelante y que Cavill continúa implicado en él. No hay reparto anunciado, ni fecha de estreno, ni detalles concretos sobre la trama. Lo que sí está claro es que Amazon quiere construir algo grande con la licencia, y que el actor británico parece decidido a proteger el espíritu del material original.
En cierto modo, eso es lo que hace que este proyecto sea tan interesante. No se trata solo de adaptar una franquicia popular, sino de trasladar a televisión uno de los universos más densos y extremos de la ciencia ficción moderna. Y hacerlo bien.
Si finalmente consigue despegar, la serie de Warhammer 40.000 podría convertirse en algo bastante diferente dentro del panorama actual de la ciencia ficción televisiva. Un mundo brutal, oscuro y lleno de conflictos morales donde nadie está completamente a salvo.
Porque si alguien parece dispuesto a luchar por que eso ocurra, ese alguien es Henry Cavill.
Si viste la primera temporada de X‑Men ’97 y te quedaste con cara de «quiero más», tranquilo, no estás solo. Marvel también lo sabe. Y por eso ha decidido hacer lo que mejor sabe hacer desde hace décadas cuando una historia termina con un cliffhanger gigantesco, sacar un cómic para contarte qué pasa entre medias de las dos primeras temporadas. Marvel saca al mercado el cómic precuela de X-Men ’97.
Exactamente eso es lo que va a ocurrir con un nuevo cómic oficial que servirá de precuela directa de la temporada 2 de la serie animada. Y lo mejor es que no es un cómic cualquiera, sino una miniserie pensada específicamente para rellenar el hueco entre las dos temporadas.
A PARTIR DE ESTE PUNTO HAY SPOILERS DE LA TEMPORADA 1.
Cómic precuela de X-Men ’97, un cómic que conecta directamente con la serie
El nuevo título se llama «X-Men ’97: Season Two», y será una miniserie de cinco números publicada por Marvel Comics que enlaza directamente el final de la primera temporada con el inicio de la segunda.
La historia arrancará justo después del final de la temporada 1, ese momento en el que los mutantes quedaron literalmente desperdigados por distintas épocas del tiempo tras los eventos del episodio final.
El cómic seguirá principalmente a los personajes que se quedaron atrás, como Forja, Júbilo, Mancha Solar o Bishop, mientras el mundo sigue siendo un lugar bastante desagradable para los mutantes.
El equipo creativo
Marvel ha reunido a un equipo bastante ligado a la estética del proyecto.
El guion corre a cargo de Steve Foxe, mientras que el dibujo lo realiza Salva Espín, un artista español que lleva años trabajando en Marvel y que conoce bien el estilo dinámico que necesitan este tipo de historias.
Los colores estarán a cargo de Matt Milla, y la portada principal del primer número la firma Todd Nauck, con varias cubiertas alternativas de otros artistas.
Foxe además ha explicado que el equipo del cómic ha trabajado directamente con el equipo de la serie para que la historia encaje perfectamente con lo que veremos en televisión.
Es decir, esto es parte del puzzle.
De qué tratará exactamente
Marvel ha dejado caer algunos detalles de la trama, y el punto de partida es bastante potente.
Después de los eventos del llamado «Extinction Day», los X-Men están desaparecidos o perdidos en el tiempo, mientras los pocos mutantes que quedan en el presente tienen que sobrevivir en un mundo que sigue temiéndolos y odiándolos.
La historia explorará tramas como qué ocurrió tras el final de la temporada 1, cómo se reorganizan los mutantes que siguen en el presente, qué nuevos personajes o equipos pueden aparecer y qué pistas se preparan para la temporada 2.
Cuándo sale
El primer número de «X-Men ’97: Season Two», llegará a las tiendas americanas el 3 de junio de 2026.
La miniserie tendrá cinco números, lo que probablemente permitirá que los lectores vayan descubriendo las piezas de la historia poco a poco mientras esperamos la nueva temporada de la serie.
Dato a tener en cuenta, la temporada 2 de la serie está prevista para 2026 en Disney+, aunque todavía no tiene una fecha exacta confirmada.
Una tradición muy Marvel
La verdad es que esto de usar cómics como puente entre temporadas no es algo nuevo.
Marvel lo ha hecho mil veces. De hecho, la propia primera temporada de X-Men ’97 ya tuvo su propio cómic previo para preparar el regreso de la serie clásica.
Y tiene sentido. Al final, estamos hablando de personajes que nacieron en los cómics, así que expandir la historia en ese formato es casi lo más natural del mundo.
Además, seamos sinceros, si eres fan de los mutantes, vas a leerlo igual.
El fenómeno X-Men ’97
La serie animada fue uno de los mayores éxitos recientes de la animación de Marvel. No solo recuperó el espíritu de X‑Men: The Animated Series de los años 90, sino que consiguió algo que parecía imposible, hacer que los fans veteranos y los nuevos espectadores estuvieran igual de enganchados.
Acción, drama mutante, política, viajes temporales y momentos emocionales que hicieron llorar a más de uno (sí, todos sabemos de qué escena hablamos).
Así que no sorprende que Marvel esté ampliando el universo de la serie.
Marvel ha decidido que la espera entre temporadas de X-Men ’97 sea un poco más llevadera, dándonos más historia mutante en forma de cómic.
Si te gustó la serie, este cómic probablemente será lectura obligatoria.
Lo que parecía un sueño imposible para miles de ‘Browncoats’ finalmente se ha hecho realidad. Ayer, domingo 15 de marzo de 2026, durante un panel sorpresa en la Awesome Con, Nathan Fillion sacudió los cimientos del Walter E. Washington Convention Center al confirmar que una nueva serie animada de Firefly se encuentra en fase avanzada de desarrollo.
El anuncio se produjo durante la grabación en vivo de su podcast, Once We Were Spacemen, donde Fillion estuvo acompañado por gran parte de la tripulación original.
La mayor ‘sorpresa’ de la jornada fue la confirmación de que prácticamente todo el elenco principal regresará para prestar sus voces a sus icónicos personajes. Entre los nombres confirmados se encuentran:
Nathan Fillion (Capitán Malcolm Reynolds)
Gina Torres (Zoe Washburne)
Alan Tudyk (Wash)
Morena Baccarin (Inara Serra)
Jewel Staite (Kaylee Frye)
Sean Maher (Dr. Simon Tam)
Summer Glau (River Tam)
Adam Baldwin (Jayne Cobb)
Lamentablemente, Ron Glass (Book), quien falleció en 2016, será el gran ausente, aunque los productores insinuaron que se rendirá un homenaje adecuado a su legado dentro de la serie.
Y digo lo de ‘sorpresa’ porque el Fillion se ha encargado en sus redes sociales de ir subiendo videos en los que ‘reclutaba’ a cada uno de sus compañeros en sus respectivas casas, así que no nos ha sorprendido nada que vuelvan casi todos.
Para los fans preocupados por la continuidad después de los eventos de la películaSerenity (2005), la solución ha sido inteligente para no romper el canon. La serie animada se situará cronológicamente entre el final de la serie de 2002 y el inicio de la película, permitiendo explorar nuevas misiones y profundizar en las relaciones de la tripulación sin alterar el final conocido.
«La dedicación de los fans de Firefly ha mantenido relevante este show de 25 años. Claramente, el regreso es algo que los fans quieren, pero lo más importante es que es algo que se merecen», declaró Fillion durante el panel.
La producción corre a cargo de 20th Television Animation en colaboración con la productora de Fillion, Collision33. Los detalles técnicos revelados son prometedores o no, ya cada uno que saque sus conclusiones:
Showrunners: El matrimonio formado por Marc Guggenheim (Arrow) y Tara Butters (Agent Carter).
Estudio de Animación: El aclamado estudio ShadowMachine (BoJack Horseman, Guillermo del Toro’s Pinocchio), lo que garantiza un estilo visual sofisticado y maduro.
Joss Whedon: El creador original no estará involucrado directamente en el proyecto, aunque ha dado su «bendición» oficial.
Que gente que ha estado en el ‘Arrowverso’ estén involucrados no es muy de mi agrado, aunque espero que esto solo sea un mal presentimiento y que me callen la boca.
¿Dónde podremos verla?
‘Firefly’ pertenece a 20th Centy Fox que a su vez es parte de Disney, así que la podremos disfrutar en la plataforma de Mickey Mouse.
Aquí os dejo el divertido anuncio con toda la tripulación de la Serenity:
FIREFLY ANNOUNCEMENT! Make sure you head over to the Once We Were Spacemen Instagram account and shout from the rooftops how excited you are! #awesomecon#firefly
Se llevó a cabo en Los Angeles y a horas de la madrugada para España la nueva edición de los Premios Oscar. Una Batalla tras otra fue la gran ganadora al alzarse con seis premios, mientras que Los Pecadores se quedó con cuatro y Frankenstein con tres. Te damos la lista completa de ganadores y los entretelones de la ceremonia.
En el Dolby Theatre de Los Angeles tuvo lugar anoche la 98° entrega de los Premios Oscar que, sin mayor sorpresa, dio como vencedora a Una Batalla tras otra (aquí crítica). La película dirigida por Paul Thomas Anderson se quedó con el premio mayor y otros cinco, incluido el de mejor director. El detalle: Sean Penn, quien se alzó con el premio a mejor actor de reparto (tercer Oscar de su carrera) estuvo, al igual que en los BAFTA, ausente con aviso.
La segunda película más premiada fue Los Pecadores (aquí crítica) con cuatro, seguida por el Frankenstein de Guillermo del Toro (aquí crítica) con tres. Michael B. Jordan y Jessie Buckley (respectivamente por Los Pecadores y Hamnet) se quedaron con las categorías de mejor actor y actriz principal.
Conan O´Brien, quien tuvo a cargo la conducción por segundo año consecutivo, hizo gala de su estilo mordaz al mencionar la presencia en el auditorio del CEO de Netflix, del cual dijo que debía estar bastante sorprendido de estar en un teatro entre tanta gente que «debería estar en su casa«. Más sutil estuvo al saludar en español a los televidentes de España, Argentina o… Los Angeles (tiro por elevación contra las políticas antiinmigratorias) y más benévolo conLeonardo DiCaprio al aludir a él como «rey de los memes» mientras aparecían en pantalla los más famosos que lo tienen como protagonista.
La ceremonia, desde ya, tuvo lugar en medio de fuertes medidas de seguridad en previsión de atentados ligados al conflicto que por estos días involucra a Estados Unidos en Medio Oriente, pues se hablaba incluso de la posibilidad de un ataque con drones que, obvia y felizmente, no ocurrió. No faltaron, eso sí, menciones a la guerra en Irán, Palestina o Ucrania siendo la más clara (aunque breve) la de Javier Bardem al salir con Priyanka Chopra a entregar el premio a mejor película internacional que, como se esperaba, fue para la noruega Valor Sentimental (aquí crítica).
De manera más doméstica, se llegaba también a la ceremonia con la polémica generada por las recientes declaraciones de Timotheé Chalamet acerca de que «el ballet y la ópera ya no interesan a nadie«, las que fueron replicadas fuertemente por figuras como Steven Spielberg, Jamie Lee Curtis o Doja Cat. Dio su opinión, desde luego, y debería ser respetado, pero quedará la pregunta sobre si eso habrá terminado de inclinar la balanza en favor de Michael B. Jordan como mejor actor. Se dijo que las votaciones ya estaban cerradas. ¿Habrá sido así?
Zoe Saldaña fue la encargada de entregar el primer galardón de la noche, que fue el de mejor actriz de reparto paraAmy Madigan por Weapons (aquí crítica), quien se convirtió de ese modo en la cuarta actriz de la historia en llevarse una estatuilla por una película de terror.
Entre los números musicales, se destacaron especialmente la puesta de blues de Los Pecadores y la de danza tradicional coreana que acompañó la canción principal de Las Guerreras K-Pop, filme animado de alto suceso en Netflix que se alzó con el premio a mejor largometraje animado y también con el de mejor canción por Golden, lo que dejó una vez más en la puerta a Dianne Warren que, con diecisiete nominaciones, sigue sin tener un Oscar en la categoría (aunque tiene uno honorífico en 2022).
Particularidad de esta ceremonia fue que por primera vez en la historia de la Academia se otorgó el Oscar a mejor dirección de cásting, cuya entrega fue precedida por el testimonio de actores y actrices de las películas nominadas agradeciendo a quienes lograron formar en cada una de ellas los adecuados equipos actorales. Y quien terminó haciendo historia al quedarse por primera vez con el galardón fue Cassandra Kulukundis por Una Batalla tras otra.
Otra cuestión muy especial que tuvo esta entrega fue que en el rubro de mejor cortometraje de ficción se produjo un empate entre The Singers y Two People exchanging Saliva, deviniendo ello en que ambas películas sean ganadoras. No es una situación inédita en la historia de la Academia, pero sí poco frecuente, ya que solo ocurrió solo siete veces.
En fin, les dejamos abajo el listado completo, destacando para cada categoría en primer lugar y en negrita el ganador o ganadora.
Mejor Película
Una Batalla tras otra
F1
Frankenstein
Hamnet
Marty Supremo
El Agente Secreto
Valor Sentimental
Los Pecadores
Sueños de Trenes
Mejor Dirección
Paul Thomas Anderson, Una Batalla tras otra
Chloe Zhao, Hamnet
Josh Safdie, Marty Supremo
Joaquim Trier, Valor Sentimental
Ryan Coogler, Los Pecadores
Mejor Actor Protagonista
Michael B. Jordan, Los Pecadores
Timothée Chalamet, Marty Supremo
Leonardo DiCaprio, Una Batalla tras otra
Ethan Hawke, Blue Moon
Wagner Moura, El Agente Secreto
Mejor Actriz Protagonista
Jesse Buckley, Hamnet
Rose Byrne, If I Had Legs I’d Kick You
Kate Hudson, Song Sung Blue
Renata Reinsve, Valor Sentimental
Emma Stone, Bugonia
Mejor Actor de Reparto
Sean Penn, Una Batalla tras otra
Benicio del Toro, Una Batalla tras otra
Jacob Elordi, Frankenstein
Delroy Lindo, Los Pecadores
Stellan Skarsgård, Valor Sentimental
Mejor Actriz de Reparto
Amy Madigan, Weapons
Elle Fanning, Valor Sentimental
Inga Ibsdotter Lilleaas, Valor Sentimental
Wunmi Mosaku, Los Pecadores
Teyana Taylor, Una Batalla tras otra
Mejor Guion Adaptado
Una Batalla tras otra
Bugonia
Frankenstein
Hamnet
Sueños de Trenes
Mejor Guion Original
Los Pecadores
Blue Moon
Fue solo un Accidente
Marty Supremo
Valor Sentimental
Mejor Cortometraje Animado
The Girl who cried Pearls
Butterfly
Forevergreen
Retirement Plan
The Three Sisters
Mejor Diseño de Vestuario
Frankenstein
Avatar: Fuego y Ceniza
Hamnet
Marty Supremo
Los Pecadores
Mejor Dirección de Casting
Una Batalla tras otra
Hamnet
Marty Supremo
El Agente Secreto
Los Pecadores
Mejor Cortometraje de Ficción (empate)
The Singers
Two People Exchanging Saliva
Butcher’s Stain
A Friend of Dorothy
Jane Austen’s Period Drama
Mejor Maquillaje y Peinado
Frankenstein
La hermanastra fea
Los Pecadores
La Máquina
Kokuho
Mejor Banda Sonora Original
Los Pecadores
Bugonia
Frankenstein
Hamnet
Una Batalla tras otra
Mejor Película Animada
Las Guerreras K-Pop
Arco
Elio
Little Amélie or the Character of Rain
Zootopia 2
Mejor Fotografía
Los Pecadores
Frankenstein
Marty Supremo
Una Batalla tras otra
Sueños de Trenes
Mejor Largometraje Documental
Mr. Nobody contra Putin
Alabama: Presos del Sistema
Abrázame en la luz
Cutting Through Rocks
La Vecina Perfecta
Mejor Cortometraje Documental
All the Empty Rooms
Armed Only With a Camera: The Life and Death of Brent Renaud
Children No More: Were and Are Gone
The Devil Is Busy
Perfectly a Strangeness
Mejor Montaje
Una Batalla tras otra
F1
Marty Supremo
Valor sentimental
Los Pecadores
Mejor Película Internacional
Valor Sentimental (Noruega)
El Agente Secreto (Brasil)
Fue solo un Accidente (Francia)
Sirat (España)
The Voice of Hind Rajab (Túnez)
Mejor Canción Original
“Golden” de Las Guerreras K-Pop
“Dear Me” de Diane Warren: Relentless
“I Lied to You” de Sinners
“Sweet Dreams of Joy” de Viva Verdi
“Train Dreams” de Sueños de Trenes
Mejor Diseño de Producción
Frankenstein
Hamnet
Marty Supremo
Una Batalla tras otra
Los Pecadores
Mejor Sonido
F1
Frankenstein
Una Batalla tras otra
Los Pecadores
Sirat
Mejores Efectos Visuales
Avatar: Fuego y Ceniza
F1
Jurassic World: El Renacer
The Lost Bus
Los Pecadores
Y esto ha sido todo por esta vez. Nos leemos en cualquier momento en la web o bien nos encontramos en la próxima entrega de premios, muy posiblemente en mayo con los Platino. Hasta entonces y sean felices…
Nuestro título con esa frase de «el final de una era se aproxima» viene a colación de que durante varias décadas el género del western, o cine del oeste, fue uno de los más prolíficos, ricos e influyentes en la meca del cine norteamericano y, por extensión, mundial. Aparte de analizar Grupo Salvaje (The Wild Bunch) definiremos pues un poco en esta review quién fue su director Sam Peckinpah y cuál su influencia en el cine que vendría posteriormente.
Quién fue Sam Peckinpah y qué papel tuvo en el western revisionista
Sam Peckinpah fue uno de los directores más influyentes de los años 60-70, enmarcado en lo que se llamó el «Nuevo Hollywood». Sus películas se definen por tener un estilo visual muy personal, el uso de un montaje innovador y la representación de la violencia en un modo mucho más explícito de lo que en esa época era habitual en Hollywood. Nacido en Fresno, California, en una familia de raíces vinculadas con el oeste americano (de allí su interés en el género), trabajó en televisión antes de dirigir producciones cinematográficas.
Durante los años 50 se desempeñó en productos televisivos como Gunsmoke, serie que le sirvió para hacer su ingreso al cine del oeste por el que sería reconocido tiempo más adelante. Gracias a esa experiencia aprendió los mecanismos del western clásico, que más tarde pondría en entredicho y reformularía en sus películas.
Revisionando el género. El género western comenzó a cambiar a partir de los años 60. El mito del héroe impoluto que había dominado décadas anteriores quedaba atrás. El nuevo oeste era más sucio, con moralidades más ambiguas y un mundo más complejo. El ejemplo más claro del western que quedaba atrás era John Ford, veterano y brillante director que era ejemplo claro de un tipo de cine del oeste que caducaba.
El nuevo paradigma del género eran personajes protagonistas más envejecidos o fracasados, el uso de una violencia más explicita y cruda, todo eso en un mundo dominado por la corrupción y el caos. Su primer filme a destacar dentro de ese replanteo fue Duelo en las tierras altas (Ride the high country, 1962) donde ya exponía sus puntos fuertes que desarrollaría luego en Grupo Salvaje (The wild bunch, 1969) y otras películas.
Qué nos cuenta Grupo Salvaje
Con actuaciones principales a cargo de William Holden, Ernest Borgnine, Robert Ryan, Warren Oates y Edmond O´Brien, entre otros, la película sigue a un grupo de forajidos envejecidos en uno de sus últimos atracos que acaba de manera desastrosa, cosa que les empuja a una huida desesperada hacia México. Más que como una historia de acción, la película funciona como una reflexión sobre el final de una época y la imposibilidad de escapar del propio destino. Un destino que les persigue allá donde van.
Aspectos que la hacen especial y un icono del cine
El innovador uso del montaje. Peckinpah, junto al montador Lou Lombardo, desarrolló un estilo que rompe con el ritmo del western clásico. Las escenas de acción se construyen a partir de planos breves que fragmentan el movimiento y generan con ello sensación de caos. Ese tipo de montaje se mezcla con el uso de la cámara lenta, una de las características más habituales del director.
Peckinpah filmaba además las escenas con varias cámaras a distintas velocidades, que luego combinaba en la sala de edición. Muchos críticos definieron esas escenas como algo parecido a un «ballet de violencia», pero aunque puedan parecer una glorificación de la misma, lo que buscan en realidad es más bien representarla de la forma más realista, cruda y brutal.
Los temas que se tratan en Grupo Salvaje son también aspectos a destacar, teniendo como protagonistas a forajidos (el lado delictivo), gente que no se adapta a los nuevos tiempos e incapaz de aceptar que su rol en el oeste ya es cosa del pasado. También hay una moralidad ambigua en la que no solo los protagonistas son criminales, sino que además los «héroes» no son moralmente superiores y las instituciones corruptas, todas marcas del género a partir de los años 60.
Gran influencia en producciones posteriores. Es evidente que esta película fue influyente en el cine que vino después, el llamado «cine moderno». Influyó en el cine de acción de los años 70 y décadas siguientes, así como en las películas del western revisionista e incluso en el modo de montar las escenas de combate. Muchos directores adoptaron después el montaje de aspecto fragmentado, el recurso a la cámara lenta ( John Woo sería un exponente del estilo) o el uso de la violencia estilizada.
A quién le podemos recomendar Grupo Salvaje de Sam Peckinpah
Evidentemente a los amantes del cine del oeste, ya que esta película representa uno de los momentos clave en la evolución del género. Quienes sean fans del cine de western clásico, encontrarán aquí una reinterpretación más centrada en el realismo que en el mito del oeste, la cual funciona más bien como una especie de deconstrucción del western tradicional al mostrarnos el final de una época.
Muy recomendable también para los espectadores interesados en la evolución del lenguaje cinematográfico. El uso que Peckinpah hace del montaje rápido y de la cámara lenta marca un punto de inflexión en la representación de la violencia en el cine. Es una referencia perfecta para comprender por qué el cine de finales de la década de los 60 rompió las normas clásicas de Hollywood.
Si sois espectadores que os gustan las películas más complejas o maduras, esta es una de las que os puede convencer. Los temas adultos que toca, como el paso del tiempo, la lealtad entre los miembros de un grupo o el final de una era y la forma de vida asociada a la misma os pueden interesar. Y para terminar, también recomendarla a quien le guste el cine moderno, películas de acción con cámara lenta y violencia directa que no comenzaron en los 80, como suele creerse, sino casi veinte años antes.
Os dejamos un artículo sobre el final del género western. AQUÍ
Bienvenidos un sábado más a la sección de los amantes del cómic. Bienvenidos a “El cómic de la semana”. Hoy destacamos Blacksad Todo cae. Edición 25 aniversario. Al final del artículo tendréis la portada y el enlace.
Yo creo que todos los tomos de Blacksad Edición 25 aniversario, hay que instalarlos directamente en la estantería.
Porque sí, muchos ya teníamos Todo cae. En dos álbumes. En la edición normal. Incluso alguno en francés porque somos así de enfermos. Pero claro, llega la edición del 25 aniversario y uno vuelve a caer como un detective cansado en un bar de carretera a las tres de la mañana.
Y es que cuando hablamos de Blacksad, estamos hablando de una de las mejores series de cómic europeo de lo que llevamos de siglo. Y no lo digo yo, lo dicen los lectores, los premios y cualquier persona que tenga ojos para ver el dibujo de Juanjo Guarnido y un mínimo de gusto por el buen noir.
Esta edición publicada por Norma Editorial celebra los 25 años del personaje y pone el broche de oro con un volumen que reúne las dos partes de Todo cae en un solo tomo gigante lleno de extras. Y sí, es tan bonito como suena.
Un gato detective en el mundo más sucio posible
Para los dos lectores que aún no conozcan la serie, el protagonista es John Blacksad, un detective privado con forma de gato negro que se mueve por una América de los años cincuenta llena de corrupción, jazz, racismo, periodistas idealistas y políticos que huelen peor que un callejón después de la lluvia.
El concepto parece una locura, animales antropomórficos en una historia negra. Pero lo que hacen Juan Díaz Canales y Guarnido con esa idea es simplemente espectacular.
Porque Blacksad no es un cómic de animalitos. Es cine negro puro, con diálogos afilados, crítica social y personajes que parecen salidos de una película de Humphrey Bogart, solo que aquí algunos tienen cola y bigotes.
La historia de Todo cae
Todo cae es el sexto gran arco de la serie y, en realidad, una historia dividida originalmente en dos álbumes, que ahora se reúnen en este volumen de aniversario.
Aquí encontramos a Blacksad investigando una trama que mezcla corrupción urbanística, teatro, política y periodismo, todo dentro de ese ambiente urbano decadente que tan bien maneja la serie.
Como siempre, la historia funciona como un buen thriller. Hay conspiraciones, personajes ambiguos, gente que no dice toda la verdad y un detective que intenta mantener algo parecido a la integridad en un mundo donde todo se compra y se vende.
Y el título no es casualidad: Todo cae habla de imperios que se derrumban, mentiras que se descubren y sistemas que terminan colapsando.
Vamos, que si te gusta el noir clásico, esto entra solo.
Los guiones de Juan Díaz Canales siempre han tenido una capa de crítica social bastante clara.
En álbumes anteriores vimos racismo, macartismo, política o el mundo del espectáculo. Aquí la lupa se pone sobre el poder económico y político, sobre cómo las ciudades cambian, se venden y se destruyen según los intereses de unos pocos.
Pero lo mejor es que todo eso nunca se siente como una lección moral. Funciona porque está integrado en la trama, en los personajes y en ese tono de novela negra que la serie maneja como pocas.
Y sí, Blacksad sigue siendo ese detective que parece cansado del mundo… pero que aún intenta hacer lo correcto.
El dibujo de Guarnido: el mejor del mundo
Voy a decirlo claramente, Juanjo Guarnido puede ser el mejor dibujante del mundo.
Cada página de Blacksad es una lección de narrativa, anatomía, iluminación y expresión. Sus acuarelas tienen una vida brutal, y sus personajes transmiten emociones incluso cuando no hablan.
La cantidad de detalle en los escenarios es demencial. Calles, bares, teatros, oficinas… todo parece real.
Es brillante.
La edición del 25 aniversario: puro lujo
Y ahora viene el verdadero pecado para el bolsillo del lector.
La edición 25 aniversario reúne las dos partes de Todo cae en un volumen doble de gran formato con tapa dura y cerca de 184 páginas, pensado como pieza de coleccionista.
Sigue siendo uno de los mejores ejemplos de cómo el cómic europeo puede mezclar entretenimiento, crítica social y arte visual de primer nivel.
Si nunca has leído Blacksad, este volumen es una puerta de entrada fantástica.
COMPLETAMOS LA COLECCIÓN DE LUJO DE BLACKSAD CON UN VOLUMEN ESPECIAL QUE REÚNE EL DÍPTICO TODO CAE
Hace 25 años Juan Díaz Canales y Juanjo Guarnido revolucionaron el mundo del cómic con la primera aventura de Blacksad. Conmemoramos este acontecimiento con una edición especial en gran formato de toda la serie.
Cada álbum va acompañado de una extensa entrevista a los autores, arte inédito y unas espectaculares cubiertas a cargo de Juanjo Guarnido, realizadas expresamente para la ocasión. Una edición coleccionista que ningún fan de la saga debería dejar escapar. Ponemos el broche de oro a esta colección con un volumen doble que incluye completa la última aventura del personaje hasta la fecha: Todo cae.
La voz de Hind Rajab es una de las cintas más importantes del año. Narra la historia real de Hind Rajab y el intento de los servicios de emergencia palestinos por salvarle la vida. Nominada al Óscar a Mejor Película Internacional (aquí todas las nominaciones), se convirtió rápidamente en una de las producciones más relevantes del año.
La película tunecina se sitúa en plena guerra entre Israel y Palestina, concretamente en las oficinas de la Media Luna Roja, el lugar destinado a atender las emergencias dentro de Palestina, donde intentan rescatar y prestar apoyo a las personas afectadas por el conflicto. Una tarde reciben la llamada de una niña de seis años que ha quedado atrapada en medio de un tiroteo en el que toda su familia ha muerto, siendo ella la única superviviente, encerrada en el coche en el que viajaban.
Experiencia devastadora
Al inicio, La voz de Hind Rajab puede parecer una película excesivamente sentimentalista o que incluso se recrea en el morbo que suelen arrastrar este tipo de historias. Sin embargo, en su estructura es mucho más que eso. La cinta decide utilizar los audios reales de la llamada entre los servicios de emergencia y Hind Rajab, lo que supone un cambio drástico dentro de este tipo de cine. No solo vemos una representación del horror vivido, sino que lo sentimos de forma directa al escuchar las emociones de todos los implicados de manera cruda y sin filtros.
Este elemento convierte la experiencia en algo especialmente duro y diferente a cualquier película bélica o melodrama convencional. Como espectadores, nos sitúa en un espacio profundamente incómodo y brutal, donde en ningún momento hay respiro ni calma. No se trata de una trampa emocional, sino de una representación honesta de cómo se vive una crisis prolongada y de cómo, ante el conflicto, la impotencia de los rescatistas se traslada inevitablemente a la del propio espectador.
El uso de los audios reales de una niña desesperada puede interpretarse como una manipulación emocional o un recurso de impacto fácil. Sin embargo, plantea un dilema necesario en este tipo de obras: a veces el espectador puede comprender racionalmente una tragedia, pero no sentirla. Con esta decisión, la película obliga a acompañar esas emociones, convirtiéndose en un ejercicio cinematográfico muy interesante sobre cómo abordar un tema tan complejo.
Actuaciones
Aunque el recurso principal de La voz de Hind Rajab sean las llamadas reales, gran parte del metraje muestra a los actores representando con gran fidelidad cómo se vivió aquel día. El trabajo interpretativo es sobresaliente: Motaz Malheesy Saja Kilani ofrecen actuaciones contenidas y honestas sin caer en la sobreactuación a pesar de la intensidad emocional de la historia. La película también nos muestra parte de su día a día y cómo, aun estando preparados para afrontar situaciones límite, poco a poco se van quebrando hasta no poder contener más sus emociones.
Las actuaciones son uno de los puntos más fuertes de la cinta. Aunque los personajes no estén construidos como figuras excesivamente complejas, funcionan como conductores de la historia y, a través de su interpretación, entendemos que el dolor y la tristeza no son superficiales, sino profundamente humanos.
Dirección y significado
La dirección de Kaouther Ben Hania en La voz de Hind Rajab es igualmente notable. No se limita a una puesta en escena efectista que se sostenga únicamente en la historia real. Los planos y encuadres poco convencionales transmiten la desesperación de los personajes. Además, la decisión de centrar el relato exclusivamente en quienes no pueden intervenir directamente en lugar de recrear la masacre, mostrar a los rescatistas sobre el terreno o profundizar en las relaciones diplomáticas resulta especialmente acertada. El foco está en la impotencia.
Esto provoca que el espectador se sienta exactamente como los personajes: obligado a imaginar lo que ocurre fuera de campo, apropiándose de la historia. La directora logra situar a todos al mismo nivel; aunque existan superiores y protocolos, todos están atados de manos, esperando autorizaciones incluso de quienes forman parte del conflicto. No se expone desde el discurso diplomático, sino desde la vivencia humana, dejando la sensación de que el sufrimiento, en ocasiones, simplemente no puede detenerse.
La voz de Hind Rajab es mucho más que una película: es un recordatorio y una personificación de la desesperanza y la crueldad que viven miles de personas en el mundo. El arte tiene la capacidad de permanecer en quienes lo experimentan. Por eso, aunque sea una obra dura y nada complaciente, es una de las películas más importantes del año y merece ser vista por el mayor número de personas posible.
Bienvenidos a Las cosas que nos hacen felices. Moztros ha montado un primer semestre de 2026 que es casi un manifiesto: manga fuera de lo habitual, franquicias gigantes y cómic de autor muy bien escogido. Vamos a echar un vistazo a su Plan Editorial para el primer semestre de 2026.
Moztros
Plan Editorial Primer Semestre 2026
En Moztros llevan tiempo puliendo una línea donde cabe casi todo: desde Transformers y TMNT, hasta rarezas independientes y manga de autor, siempre con ediciones cuidadas y bastante personalidad.
Este plan de enero a junio de 2026 confirma esa hoja de ruta: pocos títulos cada mes, pero muy medidos, y con varios golpes sobre la mesa en forma de integrales, ediciones deluxe y autores de culto.
Aunque al final del artículo os dejaré el pdf completo con todo el Plan Editorial de Moztros para el primer semestre de 2026, voy a repasar un título de cada mes. El título que a priori y subjetivamente, más me llama la atención. Vamos a ello …
1.- Enero:
Android Type One (Edición Integral)
Enero de 2026 abrió con Android Type One (Edición Integral), de Yashima, como gran reclamo, un tomo único de más de 500 páginas que recopila el material japonés en formato 13×18 con solapas.
Es de esos mangas que combinan ciencia ficción y reflexión sobre la convivencia entre humanos y androides, y que en España aterriza directamente en una edición integral, lo que ya deja claro que Moztros confía en su potencial a largo plazo.
2.- Febrero:
En febrero el ojo se nos fue de cabeza a dos cosas:
Monstruos de la Universal: El Hombre Invisible.
Sigue la línea de reinterpretar los monstruos clásicos del cine, aquí con James Tynion IV al guion y Dani al dibujo, en un tomo de terror moderno con ecos pulp. Es una de esas series que encajan bien con el lector que quiere algo de género, pero con firma reconocible detrás.
Void Rivals Libro 1 (Edición Z Deluxe)
Lo otro es el desembarco fuerte del Universo Energon: Void Rivals Libro 1 en Edición Z Deluxe, con Robert Kirkman y Lorenzo De Felici levantando el universo compartido de Transformers y G.I. Joe. Moztros ya venía explotando el Energon en rústica, pero esta versión “tocha” cartoné que llega a recopilar más material y pinta como edición de referencia para el lector que quiera el material de Kirkman con empaque en la estantería.
3.- Marzo:
Copra Libro 1
Marzo tiene un color clarísimo: Copra Libro 1, de Michel Fiffe. Es una carta de amor al cómic de superhéroes hecha desde la independencia más absoluta, una mezcla de mainstream y underground donde un comando de operaciones encubiertas se embarca en una vendetta sangrienta tras una traición interna.
Esta primera entrega recopila los números 1–12 USA en 320 páginas a color, en rústica con solapas y planteada como serie de cuatro tomos que abarcarán toda la obra.
4.- Abril:
Zorro: Tierra de Capiangos
Abril es el mes del Zorro. Tierra de Capiangos, de Luciano Saracino y Emiliano Correa, rescata al personaje clásico pero desde una sensibilidad moderna, con aventura, contexto histórico y ese punto de western crepuscular que tanto le sienta bien al mito.
Es un álbum que se mueve entre la tradición del personaje y una lectura más adulta, ideal para quien haya crecido con el Zorro y ahora busque una vuelta de tuerca.
5.- Mayo:
En mayo brillan dos títulos que parecen pensados para despertar a la criatura nostálgica que llevamos dentro:
Infinito Interior: Arte de Ciruelo
El volumen de Ciruelo promete ser un festín visual centrado en su universo de dragones y fantasía, en línea con el resto de ediciones de arte que Moztros ha ido incorporando a catálogo. Es de esos libros que funcionan a la vez como lectura y como objeto de contemplación tranquila.
He-Man y los Masters del Universo: Los Minicómics Vol. 1
El tomo de los minicómics de He-Man recupera esas historias cortas que acompañaban a las figuras clásicas, ahora reunidas en un primer volumen en condiciones, perfecto para coleccionistas de Masters del Universo y curiosos del cómic ochentero más juguetero.
6.- Junio:
Heavy Liquid, de Paul Pope
Junio tiene nombre y apellidos: Heavy Liquid, de Paul Pope. Moztros se queda otra pieza clave del autor, una obra de ciencia ficción oscura y urbana que recoge los números 1–5 de la miniserie original, y que encaja de lleno en esa línea de cómic independiente de culto con el que la editorial quiere diferenciarse.
Es de esos títulos que, si te entran por la vista, pueden convertirse en puerta de entrada a todo el corpus de Pope.
Y hasta aquí … Hasta aquí el repaso de los cómics que más me llaman la atención del Plan Editorial de Moztros para el primer semestre de 2026.
Como ya os he dicho antes, justo un poco más abajo, os dejo el pdf completo con todo el Plan Editorial. Echadle un ojo, disfrutadlo y sobre todo …
Se estrena una nueva película de Torrente. Hace doce años que no veíamos al policía facha seguidor del Atlético. En estos días le he estado dando vueltas a este artículo, Torrente Presidente llega en un momento que hace plantearme si estamos ante un taquillazo o si Santiago Segura será víctima de lo polarizado que está el país desde que se estrenó la última de Torrente.
Nuevo escenario ideológico
Torrente es pura comedia llevada a la exageración, transgresora, políticamente incorrecta y llena de tetas y zafiedades. Torrente es un personaje casposo, de otra época, fascista machista, racista. Lo tenía todo, pero como digo, de otra época. Era tan exagerado que los que eran del Real Madrid o los que eran de derechas no se podían enfadar por la exageración con la que se trataba el tema. Santiago Segura es listo y apuesta ahora a llevar al personaje a la situación política que vive el país hoy día, pero ¿hemos cambiado? Lo que está claro es que la situación ha cambiado con los nuevos partidos políticos, en estos años se ha polarizado demasiado las emociones, sentimientos e ideología y lo que antes era blanco ahora es negro. ¿Irán personajes ideológicos de la derecha que disfrutaron de las anteriores a ver esta? Pues a partir de hoy saldremos de dudas. Pero una cosa está clara, Santiago Segura sabe que vivimos en la era de la corrección política y eso puede afectar tanto al propio guion como al rendimiento en taquilla. Como decía, hoy saldremos de dudas.
Las anteriores Torrente en taquilla
Torrente es pura dinamita para la taquilla, pero ojo que siendo una tras otra éxitos espectaculares y números uno en España la última fue víctima de su éxito y se vio ya superada.
Torrente, El brazo tonto de la ley (1998) fue la cinta que más recaudó aquel año con 10,9 millones. Le siguió La niña de tus ojos con 4,7 millones. Torrente 2: Misión en Marbella (2001) fue un exitazo brutal. 22,1 millones quedando la segunda más taquillera del año detrás del fenómeno de Los otros, de Alejandro Amenábar, con 27,2 millones. Torrente 3: El protector (2005) volvió a reinar en la taquilla con 18,1 millones. Torrente 4: Lethal crisis (2011) fue otro pelotazo. 19,3 millones hizo nada más y nada menos. Y llegamos a 2014, con Torrente 5: Operación Eurovegas. La cinta que tenía todo para ser el final de la saga. La más irregular de la saga y aunque haciendo la nada desdeñable cifra de 10,7 millones, que es un bajonazo respecto a las anteriores entregas, fue superada por la película española más taquillera de todos los tiempos, Ocho apellidos vascos, con 55,3 millones, todo un hito.
Estrategia de marketing
Lo que queda claro es que Segura es un monstruo en esto del marketing. La campaña de Torrente Presidente es inédita en España y en el mundo. La película no ha tenido pase de prensa, pero es que no ha tenido ni tráiler ni poster. Los espectadores verán a partir de hoy la película sin haber visto ni una sola imagen promocional.
Consideraciones finales
Las cartas están echadas. Santiago Segura ha ido a por todas en esta secuela. El caso es si la parodia a la ultraderecha queda como tal o acaba siendo un reflejo de lo que estamos viviendo.